Instituto Tecnológico de Chetumal

Arquitectura

Análisis Crítico de la Arquitectura y el Arte III

Pott Armando Roger

Arq. José Ramón Ortiz Gómez

Semestre 3

22/11/2019
 Índice

Abstracción……………………………………………1
Dadaísmo………………………………………………2
 Abstracción

Qué es el arte abstracto

Llamamos arte abstracto a un estilo de la expresión de las artes plásticas (pintura y escultura)

principalmente, que en lugar de representar figuras concretas y reconocibles del mundo real
(como hace el arte figurativo), propone una realidad distinta a través de un lenguaje propio e
independiente de formas, colores y líneas.

En otras palabras, el arte abstracto emplea formas y perspectivas que no son una copia de la
realidad, si se rigen por las reglas de lo aparentemente lógico, sino que se proponen obras
mucho más libres e innovadoras, cuya interpretación queda a cargo del espectador.

Dentro del arte, la abstracción es un estilo artístico creado a mediados de 1910, como

respuesta al realismo y apoyado por la aparición de la fotografia que provocó una crisis en el
arte figurativo, siendo esta una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX.
Designa a la vez, dos formas diferentes de arte no figurativo. Acentuando los aspectos
cromáticos, formales y estructurales, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar
modelos o formas naturales
Una de las primeras reflexiones conocidas sobre la abstracción se debe a Aristóteles, que
introdujo el término aphaireis que se tradujo al latín como abstractio. En contra de Platón, que
creía en una intuición directa de las esencias o ideas, Aristóteles considera que toda idea
universal se fundamenta en datos empíricos. Así, la idea (o concepto) de mesa, por ejemplo,
procede del proceso de comparación de diversos objetos muebles que comparten entre sí unas
características semejantes que podemos "abstraer" y quedarnos con lo que tienen en común.
Aquello que hace que una mesa sea una mesa no es que sea cuadrada, redonda, rectangular,
de madera, de mármol, verde, amarilla o roja, sino que abstraemos de estos objetos su color,
su forma, el material del cual están hechas y nos quedamos con la idea o el concepto de mesa.
Dicho concepto, pues, procede del proceso mental de abstracción.
Se conoce como arte abstracto, el estilo que no intenta reproducir las formas de la naturaleza u
otros modelos, sino que se centra en las características de la estructura, la forma y los colores
de la propia obra. Este estilo se desarrolló como una especie deposición al realismo y a la
fotografía.
Dentro del arte abstracto es posible destacar al expresionismo abstracto, un movimiento de la
pintura que tuvo su origen en la década de los 40’s en el territorio estadounidense. Entre sus
características principales, puede señalarse se preferencia por el óleo y no por el lienzo y por los
formatos de gran tamaño.
En el arte, la abstracción surge en el siglo XX al comenzar una nueva tendencia en la que se
exploran nuevas formas. Hasta ese momento las obras de arte imitaban a la naturaleza con sus
paisajes, personas y objetos que habitaban en ella. Se creía que cuando más se asemejara una
pintura a la realidad, más perfecta era. La pintura abstracta se basa en los elementos de la
naturaleza, pero no se rige por ninguna norma; el artista manifiesta su mundo interior y el arte
se convierte en algo absolutamente subjetivo. En este periodo el arte se caracterizaba por
transmitir sentimientos, utilizando la mezcla de colores sin límites y del mismo modo las formas
geométricas, en una palabra, el arte se libera.
En 1964 aparece en los Estados Unidos la abstracción postpictorica, como sucesora del
expresionismo abstracto. Quien primero menciono el termino fue, Clemente Greenberg, para
describir un estilo artístico que rechazaba la gestualidad y aplicaba de forma uniforme el color,
pero sin deseos de transmitir un mensaje a priori. Además, la pintura ocupaba superficies muy
amplias y no debía se justificada con ideas o sentimientos, ella mismo era su propia
justificación. De esta corriente surgió posteriormente el minimalismo que busco un planteo
formal y cromático más básico que las anteriores tendencias.
 Origen del arte abstracto

El primer pintor abstracto considerado como tal fue el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis,

cuyas primeras obras abstractas datan de 1904 y quien incursionó también en la escultura.

Pero sería el ruso Vasili Kandinski quien establecería las bases del abstraccionismo como un
movimiento artístico coherente, moderno e internacional, a través de lo que llamó “Abstracción
lírica” entre 1910 y 1912.

A este movimiento vendrían a sumarse diversas y simultáneas exploraciones artísticas en torno

a un “arte puro” en Rusia, Francia y posteriormente Alemania y Estados Unidos.

Características del arte abstracto

A pesar de que el arte abstracto engloba una cantidad importante de tendencias, propuestas y
estilos, pueden resumirse sus características en:

 Una gran consciencia de las formas y los colores, utilizados a voluntad para escapar de la
realidad concreta.
 Las esculturas abstractas se apoyan en el principio de la tridimensionalidad y en la
geometría, a veces dándole protagonismo al color.
 Las pinturas abstractas proponen un lenguaje propio de forma, color y línea cuyas reglas
pertenecen al artista.
 Las obras abstractas exigen del espectador que se aproxime a ellas de modo intuitivo,
menos tradicional.
 El arte abstracto rompió con la necesidad de representar objetos concretos, dando
cabida a los pensamientos y las nociones mentales más difusas.
 Tipos de arte abstracto

El arte abstracto puede clasificarse según las tendencias que marquen su estilo, en:

 Curvilíneo. Caracterizado por las líneas curvas, que se entrelazan, trazan espirales u

otras formas semicirculares, como los nudos o el triskele o triskelion.
 Cromático-visual. Obras en las que predomina el impacto visual a partir del color, de
manera más o menos caótica u ordenada (secuencial, por ejemplo).
 Geométrico. Derivada del cubismo inaugurado por Picasso, aspira a las formas
geométricas como un lenguaje propio de la obra, y por eso prefiere las
formas matemáticas.
 Intuicional. Una tendencia sin patrones visibles o reconocibles, que interpela al
espectador y le exige que se aproxime a la obra desde la intuición y lo sensible, no de
la lógica.
 Gestual. Suerte de híbrido entre el abstraccionismo y el expresionismo, hace hincapié en
el trazo y la pincelada, es decir, en el modo mismo en que la obra se compuso, para
alcanzar la abstracción deseada.
 Minimalista. Un retorno a lo simple, a lo poco, a la ausencia en el cuadro. Puede darse
con uno o dos colores, una forma simple o diversos planteamientos que son justamente
mínimos, nunca recargados ni barrocos.
 1. ¿Qué es el dadaísmo?

Se entiende por dadaísmo, movimiento dadá o simplemente dadá a un movimiento artístico-

cultural surgido en la Suiza de inicios del siglo XX con la intención expresa de rebelarse en
contra de las convenciones literarias y artísticas que consideraba burguesas, y a
la filosofía positivista que las acompañaba y su idea de razón. Este movimiento luego se
extendió a los campos de la escultura, la pintura e incluso la música, pasando a llamarse sus
manifestaciones como arte dadá.

El término dadaísmo proviene del vocablo “dadá”, inventado por sus fundadores, en el cual
resumían la filosofía del movimiento: la apuesta por el absurdo, por el sinsentido y por la
oposición a todo lo que remitiera a una perspectiva racionalista de la vida. En ese sentido, se
consideró al movimiento dadá como un “antiarte” o un movimiento anti-estético, para el que
eran muy frecuentes los gestos y los actos, tanto como las obras mismas. Es decir, se trataba de
un movimiento con espíritu de negación, de llevarle la contraria y provocar al orden
establecido.

Ver además: Surrealismo.

2. Contexto histórico del dadaísmo

Hugo Ball es considerado el fundador del Dadaísmo.

El dadaísmo surgió en Europa, pero tuvo muchos adeptos en Estados Unidos y otras partes del
globo. Se asume su origen en Suiza en 1916, en el Cabaret Voltaire en Zúrich, y como su
fundador a Hugo Ball, aunque el escritor más icónico del movimiento fuera el rumano Tristán
Tzara, quien se incorporó posteriormente al mismo. Quizá por ello se presentó inicialmente
como más que un movimiento estético: como una forma de vivir, y un cuestionamiento
constante a la existencia del arte y de la poesía, de modo que en el fondo incluso se cuestiona a
sí mismo.

Este movimiento encarnó el desencanto y las ganas de cambio de la Europa de la Primera

Guerra Mundial, y de hecho sus fundadores se conocieron como refugiados del conflicto. A esto
conviene sumar la pasividad y de apatía social de la sociedad de entreguerras, atacada por los
artistas dadá mediante un espíritu combativo y renovador.

3. Características del dadaísmo

El dadaísmo defendía el caos y la imperfección.

El dadaísmo se opone a la idea de una belleza eterna, a las leyes de la lógica y a la inmovilidad
del pensamiento, y sembró las semillas del cuestionamiento constante del arte moderno
respecto a qué cosa es o no es el arte, la poesía o la belleza.

El dadaísmo era provocador, escandaloso, y defendía el caos y la imperfección contra sus

valores contrarios. Sus primeros escritos constaban de cadenas de letras y palabras a los que
resultaba complejo hallar una lógica evidente, o en los que predominaban lo fantasioso, lo
dudoso, la muerte, y la mezcla, que luego cobraría forma bajo la técnica del collage o del uso de
materiales inusuales en las artes plásticas.

Este espíritu se resumía en su nombre y en la palabra “dadá”, cuyo significado no es nada claro
pero que, en principio, se le habría ocurrido a Tristán Tzara en 1916, quien se habría
entusiasmado por su semejanza con el balbuceo de los niños que recién empiezan a hablar, o
incluso se sugiere que habría abierto un diccionario en una página al azar y elegido el término
más extraño, que resultó ser “dadá”, término usado en francés para cierto tipo de caballo de
batalla. En todo caso, esto era irrelevante para los dadaístas, como se comprenderá, dado su
aprecio por el sinsentido y la provocación.
 4. Autores y representantes del dadaísmo

El movimiento fue fundado por el alemán Hugo Ball (1886-1927), pero su representante más
icónico fue el rumano Tristán Tzara (1896-1963). Otros exponentes de renombre y provenientes
de diversas disciplinas artísticas fueron los franceses Jean Arp (1887-1966) y Marcel Duchamp
(1887-1968), y colaboraron con sus publicaciones Guillaume Apollinaire (francés, 1880-1918),
Fillippo Tommaso Marinetti (italiano, 1876-1944), Pablo Picasso (español, 1881-1973), Amedeo
Modigliani (italiano, 1884-1920) y Vasili Kandinski (ruso, 1866-1944). El movimiento contó
además con las simpatías de los poetas André Bretón (francés, 1896-1966) y Giaccomo
Ungaretti (italiano, 1888-1970).

5. Obras y poemas del dadaísmo

El movimiento dadá incursionó más que nada en la poesía y en las artes plásticas, siendo de
estas disciplinas sus obras más célebres. Algunas de ellas son:

 “Fuente” (1917) de Marcel Duchamp. Se trata del famoso urinario que presentó el
artista francés en una exposición bajo el seudónimo “R. Mutt”.
 “LHOOQ” (1919) de Marcel Duchamp. Una parodia de la famosa Gioconda de Davinci, a
la que el artista le pintó bigotes y las siglas LHOOQ debajo, que al deletrear en francés
suena como “ella tiene calor en el trasero”.
 “Collage con cuadrados ordenados de acuerdo a las leyes del azar” (1916) de Jean
Arp. Literalmente lo que anuncia en el título, sobre un fondo gris.

Y a continuación algunos poemas dadaístas:

 “Para hacer un poema dadaísta” de Tristan Tzara

Coja un periódico.

Coja unas tijeras.

Escoja en el periódico un artículo de la longitud que piensa darle a su poema.

Recorte el artículo.

Recorte a continuación con cuidado cada una de las palabras que forman ese artículo y
métalas en una bolsa.
 Agítela suavemente.

Saque a continuación cada recorte uno tras otro.

Copie concienzudamente el poema en el orden en que hayan salido de la bolsa.

El poema se parecerá a usted.

Y usted es “un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque

incomprendida del vulgo”.

 “El aire es una raíz” de Jean Arp

las piedras están llenas de entrañas.   bravo.   bravo.

las piedras están llenas de aire.
las piedras son ramas de agua.

En la piedra que ocupa el lugar de la boca brota

una hoja espinosa.   bravo.
una voz de piedra está mano a mano y pie a pie
con una mirada de piedra.

las piedras son atormentadas como la carne.

las piedras son nubes porque su segunda naturaleza
les baila en su tercera nariz.   bravo.   bravo.

cuando las piedras se rascan les crecen uñas en las raíces.

bravo.   bravo.
las piedras tienen orejas para comer la hora exacta.