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may 19

4 min.

El ballet, breve historia a través de sus maestros

Actualizado: may 20

Los bailarines son los atletas de Dios. (A. Einsten)

Yo sólo podría creer en un dios que supiese bailar. (F. Nietzsche)

Algo grande está por surgir en París el 15 del mes de octubre de 1581, mientras el renacimiento ilumina
Europa y el barroco y el rococó asoman en lontananza. La corte de Catalina de Medicis, reina de Francia
de origen italiano, se encuentra inquieta. Está por festejar el matrimonio del Duque Joyeuse y Margarita
de Lorena. La reina ha mandado al coreógrafo italiano Balthasar de Beaujoveux prepare, para amenizar
la celebración y añadir fausto y lujo al evento, una serie de espectáculos titulados "Ballet Comique de la
reine". Los bailarines y los actores que participen serán cortesanos y cortesanas del círculo íntimo de la
familia real en la corte. El espectáculo, que dura 6 horas, es considerado el momento del nacimiento del
ballet en la historia.

Vestuarios cortesanos del siglo XVII

No era entonces más que un entretenimiento desarrollado por actores y bailarinas amateur de la misma
realeza y por ello se le conoce como Ballet Cortesano. No obstante, con el tiempo se crearán las
primeras escuelas y se harán los primeros intentos de sistematizar su enseñanza. El ballet se volverá
pronto una profesión, sustentada por una técnica, y se esparcirá después por el mundo y por la historia
hasta nuestros días.

Pero esto no habría sucedido sin la indispensable labor de los educadores y las escuelas que lo irán
formando e irán creando. Vale la pena por ello conocer los momentos más importantes de esta otra
historia del ballet, la de su enseñanza y sus grandes maestros formadores.

Rey Luis XIV, de Francia, fue un excelente bailarín

Para ello, regresemos un poco a sus inicios en Francia. Justo después del Ballet Cortesano, iniciará el
trayecto hacia el Ballet clásico cuando Luis XIV crea la Academia Real de la Danza (después Academia de
la Música y la Danza de la Ópera de París) en 1661, bajo responsabilidad de Beauchamp, su profesor de
baile personal y el bailarín más aclamado de sus días. El regio mandatario, llamado Rey Sol por su
egocentrismo y porque “iluminó” Francia durante su reinado, fue un gran amante y practicante del
ballet hasta el punto de establecerlo como obligatorio en todas las escuelas durante su mandato.

Dicha Academia Real de la Danza tenía como intención inventar una técnica que pudiera ser usada para
transformar el ballet en una disciplina metódica y formal. En ello Beauchamp ocupará un papel principal
y será el primer gran maestro de esta historia. Sus aportaciones serían la base para la enseñanza del
ballet incluso hasta nuestros días.

Beauchamp es el creador de las seis posiciones de los pies y de los brazos base del ballet clásico, aún en
uso. A él se le debe además, junto a Feuillet, la creación del método de notación de este arte. Feuillet
por su parte publicaría en 1700 un compendio donde se reproduce la totalidad de los pasos codificados
del ballet, otro gran aporte la enseñanza de este arte.

Con estas bases, que le darían esplendor y gloria, el ballet empieza a cautivar Europa entero mientras
parece fallecer en Francia, pues el fervor francés por el ballet irá menguando progresivamente a partir
de 1850. Sin embargo, como se sabe, florecería en otros sitios del mundo incluído el Nuevo Mundo en
donde, ya entrado el siglo XX, las mejores escuelas se formarán en Estados Unidos y Cuba.
El TUTÚ, usado por primera vez en 1831

Pero el segundo gran auge del Ballet después de Francia será en Rusia, la otra gran casa del ballet
clásico. Los Ballets Rusos pronto revolucionarían el concepto de ballet en el siglo veinte. Será en este
periodo de esplendor en el que el tutú aparecerá en escena combinando perfectamente con las mallas y
las zapatillas de ballet introducidos tiempo antes, y entonces el ballet se volverá aéreo y femenino, no
por sus ejecutantes, pues es una disciplina para ambos sexos, sino por su levedad y delicadeza.

Aquí aparece el otro gran protagonista de esta historia y que le da nueva vida al ballet. Se trata de
Marius Petipa, un francés que encontró gloria en Rusia donde vivió gran parte de su vida. Él nos legará
grandes e inmortales obras del ballet clásico como El Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente, La
Bayadère, El Cascanueces, auténticas cátedras en la enseñanza de este arte y joyas del ballet. Sin
embargo, Petipa queda en la historia como un creador de coreografías y no dejaría en ningún sitio una
exposición razonada de sus ideas sobre la danza y el ballet. Sí lo hará, en cambio, Cechetti, la otra gran
figura que consolidaría la escuela rusa. A él le debemos la creación del método que lleva su nombre y es
otro gran maestro del ballet clásico. Todos los bailarines del mundo conocen y entrenan con su método
que se caracteriza por ser un programa estricto, con rutinas de ejercicio previstas para cada día de la
semana.

Cechetti tuvo la pretensión de convertir la enseñanza del bailarín en una ciencia exacta y con ello el
ballet clásico terminaría por convertirse prácticamente en una perfecta máquina de relojería, admirable
por su perfección, por supuesto, pero que pronto empezaría a levantar inquietudes por la rigidez de su
academicismo. A causa de ello, el ballet inicia nuevos viajes y nuevas transformaciones dando lugar al
Ballet neoclásico y el contemporáneo donde también surgirían verdaderos maestros que no solo
encontraron una manera para enseñarlo, sino que con su labor misma lo trasformaron.

Surgirán nombres como George Balanchine, Anna Pávlova, Agrippina Vagánova, Isadora Duncan o
Rudolf Nuréyev, creadores de nuevos métodos o verdaderos maestros de su arte que serán cátedras
vivas, inspiración y figura de idolatría para nuevos bailarines. Sin embargo, nos vamos quedando sin
espacio y sus figuras requieren de más que una mención apresurada. Prometemos, por ello retomar
pronto su historia y aportes en una nueva entrada.

No queremos, sin embargo, despedirnos sin reconocer la importancia y labor de todos los grandes
maestros de este arte en el mundo que, a través de su exigente dedicación y disciplina, han formado
muchas generaciones de extraordinarios bailarines y compañías imprescindibles para la difusión y el
disfute de este arte tan estimulante y necesario para la vida misma.Por ello exaltamos su importancia
cultural y social y te invitamos a acercarte más a este maravilloso y elegante arte del movimiento, que
como dijo la gran bailarina fundadora del Royal Ballet de Londres, Ninette de Valois: “no morirá jamás”.

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Estilo Louis XIV

Estilo Louis XIV

El estilo Louis XIV, también llamado clasicismo francés, fue el estilo de la arquitectura y las artes
decorativas destinadas a glorificar al rey Luis XIV y su reinado. Presentaba majestuosidad, armonía y
regularidad. Se convirtió en el estilo oficial durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), impuesto a los
artistas por la recién creada Académie royale de peinture et de sculpture (Real Academia de Pintura y
Escultura) y la Académie royale d’architecture (Real Academia de Arquitectura). Tuvo una influencia
importante sobre la arquitectura de otros monarcas europeos, desde Federico el Grande de Prusia hasta
Pedro el Grande de Rusia. Los principales arquitectos de la época incluyen a François Mansart, Jules
Hardouin Mansart, Robert de Cotte, Pierre Le Muet, Charles Perrault y Louis Le Vau. Los principales
monumentos incluyen el Palacio de Versalles, el Gran Trianón en Versalles y la Iglesia de los Inválidos
(1675-91).

El estilo Louis XIV tuvo tres períodos. Durante el primer período, que coincidió con la juventud del Rey
(1643-1660) y la regencia de Ana de Austria, la arquitectura y el arte estuvieron fuertemente
influenciados por el estilo anterior de Luis XIII y por el estilo barroco importado de Italia. El período
temprano vio el comienzo del clasicismo francés, particularmente en los primeros trabajos de Francois
Mansart, como el Chateau de Maisons (1630-51). Durante el segundo período (1660-1690), bajo el
dominio personal del Rey, el estilo de la arquitectura y la decoración se hizo más clásico, triunfante y
ostentoso, expresado en la construcción del castillo de Versalles, primero por Louis Le Vau y luego por
Jules Hardouin-Mansart. Hasta 1680, el mobiliario era macizo, decorado con profusión de esculturas y
dorados. En el período posterior, gracias al desarrollo de la artesanía de marquetería, el mobiliario fue
decorado con diferentes colores y diferentes maderas. El creador de muebles más prominente en el
período posterior fue André Charles Boulle. El período final del estilo de Luis XIV, desde
aproximadamente 1690 hasta 1715, se llama período de transición; fue influenciado por Hardouin-
Mansart y por el diseñador de fiestas y ceremonias del Rey, Jean Bérain el Viejo. El nuevo estilo era más
liviano y presentaba una mayor fantasía y libertad de línea, gracias en parte al uso de la decoración de
hierro forjado y al mayor uso de diseños arabescos, grotescos y coquilleros, que continuaron en el estilo
de Luis XV.

Período

El estilo Louis XIV sigue el estilo de Louis XIII. El estilo emerge con el advenimiento del reinado de Luis
XIV en 1661 y continúa hasta fines del siglo XVII. Después de la muerte de Le Brun en 1690, el estilo
declina y gradualmente es reemplazado por el Estilo Regencia.
Situación política y cultural

Política

Luis XIV accedió al trono pocos meses antes de su quinto cumpleaños, pero durante su infancia la
Regencia fue compartida por Ana de Austria y el Cardenal Mazarino. Durante este período, él está muy
marcado por la revuelta de la Fronda (1648 – 1653). Una vez en la cabeza del país, tratará de contener
con un puño de hierro la nobleza del país. Elimina el puesto de primer ministro para ejercer el poder
absolutista. Descarta a Fouquet del puesto de Superintendente de Finanzas. Al comienzo de su reinado,
Luis XIV inició importantes reformas administrativas (creación del Real Consejo de Finanzas, un moderno
servicio de policía, Ordonnance civile de Saint-Germain-en-Laye). La política exterior provocó muchas
guerras en la conquista de un gran número de provincias (Alta Alsacia, Metz, Toul, Verdun, Rosellón,
Artois, Flandes francesa, Cambrai, Franco Condado, Sarre, Henao y Baja Alsacia).

Cultura

Louis XIV tiene la intención de demostrar el poder y la grandeza del reino. él quiere controlar el medio
artístico para que esté a su servicio 1. Le encomendó a Louis Le Vau y André Le Nôtre la restauración del
palacio y el jardín de las Tullerías. Durante su reinado, instruyó a Le Vau y Orbay para construir el Palacio
de Versalles, un palacio central de poder. Charles Le Brun, el primer pintor del Rey, tiene una gran
influencia en las artes. Él está en el origen del gusto pronunciado por el estilo antiguo. También es
nombrado por el rey director de la Manufacture des Gobelins. En 1662, Le Brun creó la “Real Fabricación
de Muebles de la Corona”, donde se hicieron muebles y decoraciones para las casas reales.

Arquitectura civil

El modelo de arquitectura cívica en la primera parte del reinado fue Vaux le Vicomte (1658), de Louis Le
Vau, construido para el jefe de finanzas del rey Nicolas Fouquet y completado en 1658. Luis XIV acusó a
Fouquet de robo, lo encarceló, y tomó el edificio por sí mismo. El diseño estuvo fuertemente
influenciado por el clasicismo de François Mansart. Combinó una fachada dominada y rimada por
colosales columnas clásicas, bajo una cúpula, importada de la arquitectura barroca italiana, junto con
una serie de características originales, como un salón semicircular que daba al gran jardín formal francés
creado por André Le Nôtre .

Basado en el éxito de Vaux le Vicomte, Louis XIV seleccionó a Le Vau para construir un inmenso palacio
nuevo en Versalles, para aumentar un palacio más pequeño transformado de un pabellón de caza de
Luis XIII. Esto se convirtió gradualmente, a lo largo de las décadas, en la obra maestra del estilo Louis
XIV. Tras la muerte de Le Vau en 1680, Jules Hardouin-Mansart se hizo cargo del proyecto de Versalles;
se separó de las pintorescas proyecciones y la cúpula e hizo una fachada de columnas más sobria y
uniforme, con un techo plano coronado por una balaustrada y una hilera de columnas (1681). Usó el
mismo estilo para armonizar los otros edificios nuevos que creó en Versalles, incluyendo la Orangerie y
los establos. Hardouin-Mansart construyó el Grand Trianon (completado en 1687), retiro real de una
planta con ventanas arqueadas alternadas con pares de columnas, y un techo plano y una balaustrada.

Otro importante proyecto nuevo emprendido por Louis fue la construcción de una nueva fachada para
el lado este del Louvre. Louis invitó al arquitecto escultor más famoso del Barroco italiano, Gian Lorenzo
Bernini, a presentar un diseño, pero lo rechazó en favor de una columnata más sobria y clásica de
Perrault (1668).

Arquitectura religiosa

En el período temprano de su reinado, Louis comenzó a construir la iglesia de Val-de-Grâce (1645-1710),

la capilla del hospital Val-de-Grace. El diseño fue trabajado sucesivamente por Mansart, Jacques
Lemercier y Pierre Le Muet antes de ser completado por Gabriel Leduc. Su pintoresca fachada tripartita,
peristilo, columnas separadas, estatuas y tondi, la convierten en las iglesias más italianas y barrocas de
París. Sirvió como el prototipo para las cúpulas posteriores de Les Invalides y el Panteón.

La siguiente gran iglesia construida bajo Luis XIV fue la iglesia de Les Invalides (1680-1706). La nave de la
iglesia, por Libéral Bruant, era comparable a las de otras iglesias de la época, con pilastras jónicas y
bóvedas penetrantes, y un interior que se parecía al alto estilo barroco. La cúpula, de Hardouin-Mansart,
era más revolucionaria, sentada sobre una estructura con el plan de una cruz griega. El diseño utilizaba
órdenes superpuestas de columnas, en el estilo clásico, pero la cúpula alcanzaba mayor altura, apoyada
en un doble tamboror, y la fachada y la cúpula estaban ricamente decoradas con esculturas, retablos en
nichos y ornamentos de bronce dorado alternados con las nervuras, o las costillas de la cúpula.

El mejor interior de la iglesia del último período de Luis XIV es la capilla del castillo de Versalles, creada
entre 1697 y 1710 por Hardouin-Mansart y su sucesor como arquitecto de la corte, Robert de Cotte. La
decoración fue cuidadosamente restringida, con colores claros y detalles esculturales en ligero relieve
en las columnas. El interior de la capilla se abrió y se aligeró mediante el uso de columnas clásicas
colocadas en la tribuna, un nivel por encima de la planta baja, para soportar el peso del techo
abovedado.
El gran estilo: París

Aunque Louis XIV fue acusado más tarde de haber ignorado a París, su reinado vio varios proyectos
arquitectónicos masivos que abrieron espacio y ornamentaron el centro de la ciudad. La idea de plazas
urbanas monumentales rodeadas de una arquitectura uniforme había comenzado en Italia, como
muchas ideas arquitectónicas del período barroco. La primera plaza de este tipo en París fue la Place
Royal (ahora Place des Vosges) comenzada por Enrique IV de Francia, completada con una estatua
ecuestre de Luis XIII; luego, la Place Dauphine en la Ile de la Cité, que presentaba una estatua ecuestre
de Enrique IV. Los primeros grandes proyectos de París de Luis XIV fueron nuevas fachadas en el Louvre,
una frente al Sena y la otra hacia el este. Estas fueron muestras del nuevo estilo monumental de Luis
XIV. El antiguo ladrillo y piedra de las plazas de Enrique IV fue reemplazado por el Gran Estilo de las
columnas monumentales, que generalmente formaban parte de la fachada en sí, en lugar de estar
separadas. Todos los edificios alrededor de la plaza fueron conectados y construidos a la misma altura,
en el mismo estilo. La planta baja presentaba una galería cubierta para peatones.

El primero de esos complejos de edificios construidos bajo Luis XIV fue el Collège des Quatre-Nations
(ahora el Institut de France) (1662-68), frente al Louvre. Fue diseñado por Louis Le Vau y François
d’Orbay, y combinó la sede de las academias fundadas por el Rey, una capilla y la biblioteca del Cardenal
Mazarin. El Hôtel Royal des Invalides – un complejo para veteranos de guerra que consta de residencias,
un hospital y una capilla – fue construido por Libéral Bruant y Jules Hardouin-Mansart (1671-1679).
Louis XIV luego encargó a Mansart la construcción de una capilla real privada separada con una llamativa
cúpula, la Église du Dôme, que se añadió para completar el complejo en 1708.

El siguiente gran proyecto fue la Place des Victoires (1684-1697), un desarrollo inmobiliario de siete
grandes edificios en tres segmentos alrededor de una plaza ovalada, con una estatua ecuestre de Luis
XIV planeada para la pieza central. Fue construido por un emprendedor emprendedor y noble de la
corte, Jean-Baptiste Prédot, combinado con el arquitecto Jules Haroudin-Mansart. El último proyecto
urbano se convirtió en el más conocido, la Place Vendôme, también por Harouin-Mansart, entre 1699 y
1702. En otra innovación, este proyecto fue parcialmente financiado por la venta de lotes alrededor de
la plaza. Todos estos proyectos presentaban fachadas monumentales en el estilo Luis XIV, dando una
particular armonía a las plazas.

Decoración de interiores

En el estilo primitivo de Luis XIV, las principales características de la decoración eran una riqueza de
materiales y un esfuerzo por lograr un efecto monumental. Los materiales utilizados incluyen mármol, a
menudo combinado con piedras multicolores, bronce, pinturas y espejos. Estos se insertaron en un
marco extremadamente complejo de columnas, pilastras, nichos, que se extendían por las paredes y
subían al techo. Las puertas estaban rodeadas de medallones, frontones y bajorrelieves. Las chimeneas
eran más pequeñas que las de la época de Luis XIII, pero más ornamentadas, con un estante de mármol
que sostiene los jarrones, debajo de un marco tallado con una pintura o espejos, todo rodeado por un
grueso borde de hojas o flores talladas.

Los elementos decorativos en las paredes del estilo temprano de Luis XIV fueron generalmente
destinados a celebrar el éxito militar, la majestad y los logros culturales del Rey. A menudo presentaban
trofeos militares, con cascos, hojas de roble que simbolizaban la victoria y masas de armas, usualmente
hechas de bronce deslustrado o madera esculpida, en relieve rodeado de mármol. Otros elementos
decorativos celebraron al Rey personalmente: la cabeza del Rey a menudo se representaba como el dios
sol Apolo, rodeado de hojas de palma o rayos dorados de luz. Un águila usualmente representaba a
Júpiter. Otros detalles ornamentales incluyen números dorados, bastones reales y coronas.

El Salón de los Espejos del Palacio de Versalles (1678-1684) fue la cumbre del estilo primitivo de Luis XIV.
Diseñado por Charles Le Brun, combinó una riqueza de materiales (mármol, oro y bronce) que se
reflejaba en los espejos.

A finales del período de Luis XIV, después de 1690, comenzaron a aparecer nuevos elementos, que eran
menos militaristas y más fantásticos; particularmente conchas marinas, rodeadas por líneas y curvas
sinuosas elaboradas; y diseños exóticos, incluyendo arabescos y Chinoiserie.

Mueble

Durante el primer período del reinado de Luis XIV, los muebles siguieron el estilo anterior de Luis XIII, y
eran enormes, y profusamente decorados con esculturas y dorados. Después de 1680, gracias en gran
parte al diseñador de muebles André Charles Boulle, apareció un estilo más original y delicado. Se basó
en la incrustación de ébano y otras maderas raras, una técnica utilizada por primera vez en Florencia en
el siglo 15, que fue refinado y desarrollado por Boulle y otros que trabajan para Louis XIV. Los muebles
estaban incrustados con placas de ébano, cobre y maderas exóticas de diferentes colores.

Aparecieron nuevos y a menudo duraderos tipos de muebles; el inodoro, con dos o cuatro cajones,
reemplazó el viejo cofre o cofre. Apareció el canapé, o sofá, en forma de una combinación de dos o tres
sillones. Aparecieron nuevos tipos de sillones, incluido el fauteuil en confessionale o “sillón confesional”,
que tenía almohadones acolchados a ambos lados del respaldo de la silla. La mesa de la consola también
hizo su primera aparición; fue diseñado para ser colocado contra una pared. Otro nuevo tipo de muebles
era la mesa a la mesa, una mesa con tapa de mármol para guardar los platos. Las primeras variedades
del escritorio aparecieron; el escritorio Mazarin tenía una sección central retrasada, colocada entre dos
columnas de cajones, con cuatro pies en cada columna.

Muebles icónicos de estilo Luis XIV

Los asientos

Sillones: los respaldos son más altos que anchos, rectos o ligeramente inclinados hacia atrás. A menudo
están separados del asiento y completamente cubiertos con tela preciosa (brocados de oro o plata,
terciopelo, damasco, satén blanco de China decorado con estampados en rayas o punto húngaro). La
base es más esculpida. Los durmientes pueden estar en llaves (también llamado hueso de oveja),
girados o con volutas enfrentadas. Varias formas están en boga durante este período: el “pie derecho en
balaustre cuadrado”, el “pie curvado en la consola” o el “pie en el hueso de oveja”. Estos están
conectados por espaciadores que gradualmente se mueven de una forma de H a una forma de X. El
brazo o el apoyabrazos es más ondulado. Terminado por una voluta o un palo, excede la consola que lo
soporta. La consola del apoyabrazos está en la extensión del pie. Raramente incluye puños (partes
acolchadas del brazo). También vemos la aparición de sillones llamados “aurículas” o “confesionarios”,
antepasados de la pastora. Equipados con orejas perforadas de celos, mejillas llenas y una gruesa loseta
o cojín, las orejas se van llenando gradualmente cuando desaparece su función de confesión a los
sacerdotes.

Sillas: La silla es muy similar a la silla pero no tiene apoyabrazos.

Taburetes: el plegado es un plegado (taburete plegable) con base X, ejecutado en materiales a menudo
de lujo y tejidos preciosos estirados. El placet es un taburete cuadrado o rectangular, con cuatro pies
rectos y un espaciador en H o X.

Tablas y tablas de pedestal

Tabla de estado similar a las consolas del medio (debido a sus pies en forma de consolas). A menudo se
vuelven masivas, pero no se usan para tomar una comida. Su plato cuadrado, rectangular y algunas
veces redondo está hecho de mármol, pórfido, alabastro, marquetería de piedras de colores rodeadas
de mármol negro o madera con incrustaciones y estaño o cobre y carey. Los pies formados por consolas
o motivos en tirantes se ensamblan mediante un cinturón tallado o perforado y un espaciador en H que
se convierte en X. El pie vuelto al origen es recto (en forma de funda con sección cuadrada o balaustre)
ya sea en la forma de una consola, luego la curva se acentúa para formar una palanca con zapato
bifurcado que anuncia el estilo Regency. Los juegos de fondo en dorado son a cuadros y rombos. La
mesa del comedor no existe, todavía hay en ese momento simples caballetes.
Aparato y corchetes intermedios

Pedestales llamados bengalas.

Armarios y aparadores

Los gabinetes grandes son de forma rectangular y tienen una cornisa saliente.

El tocador se crea durante este período. Esta creación se atribuye a Boulle.

Bonnetières.

Buffets (armarios bajos).

Muebles de escritura

Los gabinetes se están convirtiendo gradualmente en oficinas. El ejemplo más conocido es la “Oficina de
Mazarin” (ver muebles nuevos)

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camas
Las camas se componen de un marco cubierto con tela. Una cama del cielo descansa sobre cuatro
columnas. Sus nombres son “camas duquesa” o “camas con dosel”.

Descansar camas, formas (antepasados del sofá).

Gradualmente, los asientos estarán adornados con un cojín, telas, tapices de agujas (grandes puntos,
pequeños puntos o cuero dorado o repujado), terciopelo de Génova o Damasco, etc., colocados por
pequeñas uñas ocultas por coladores.

Nuevos muebles

Oficina de Mazarin

El tocador: reemplaza el cofre y se desarrolla a partir de finales del siglo XVII. El vestidor lleva el nombre
de 1708.

La silla con aurículas o confessionnals.

La oficina: evolución del gabinete. Uno de los mejores ejemplos es la Oficina de Mazarin. Este consiste
en ocho pies. Está dividido en tres partes. En el exterior del gabinete, los pies están conectados de
cuatro en cuatro con un espaciador X y soportan tres cajones. La parte central está retrasada.

Materiales

Bosque

La madera maciza utilizada está compuesta principalmente de nogal, roble y castaño. El ébano, la pera
negra, el abeto y la fruta también se usan.

Otro

El bronce cincelado sabe un gran aumento. El desarrollo de la marquetería considera el uso de metales
(cobre, estaño, bronce), escamas (incluida la tortuga), huesos, marfil y piedras preciosas.

Técnicas y herramientas

La marquetería, decoración hecha con chapas cortadas y pegadas al marco del mueble, ya está presente
bajo el estilo anterior. Podemos observar la contribución de los conocimientos holandeses, estos, a
menudo alojados en el Louvre, se llaman “ebony joiner, king cabinet maker”. La marquetería conoce un
fuerte desarrollo bajo el liderazgo de André-Charles Boulle. Desarrolla una técnica existente, la Tarsia
incastro o la “fiesta contra la parte”, que toma el nombre de “Boulle marquetry”. La incrustación de
carey aparece en este momento. Las técnicas de unión son la espiga, la mortaja y la cola de milano.

Pintura

En la primera parte del reinado, los pintores franceses fueron influenciados en gran parte por los
italianos, particularmente Caravaggio. Los pintores franceses notables incluyeron a Nicolas Poussin, que
vivía en Roma; Claude Lorrain, que se especializó en paisajes y pasó la mayor parte de su carrera en
Roma; Louis Le Nain, quien, junto con sus hermanos, hizo principalmente obras de género; Eustache Le
Sueur y Charles Le Brun, que estudiaron con Poussin en Roma y fueron influenciados por él.

Con la muerte en 1661 del cardenal Mazarin, el primer ministro del rey, Louis decidió encargarse
personalmente de todos los aspectos del gobierno, incluidas las artes. Su principal asesor en las artes
fue Jean Colbert (1619-1683), quien también fue su ministro de finanzas. En 1663, Colbert reorganizó los
talleres de muebles reales, que fabricaban una gran variedad de artículos de lujo, y le añadió los talleres
de tapices de Gobelinos. Al mismo tiempo, con la asistencia de Le Brun, Colbert se hizo cargo de la Real
Academia de Pintura y Escultura, que había sido fundada por el Cardenal Mazarino. Colbert también
tomó un papel dominante en la arquitectura, tomando el título de Superintendente de edificios en 1664.
En 1666, se fundó la Academia Francesa en Roma, para tomar ventaja de la posición de Roma como el
principal centro de arte de Europa, y para asegurar una corriente de pintores bien entrenados. Le Brun
se convirtió en el decano de pintores franceses bajo Luis XIV, involucrado en proyectos de arquitectura y
diseño de interiores. Sus notables trabajos decorativos incluyen el techo de la Galería de los Espejos en
el Palacio de Versalles.

Los principales pintores del reinado posterior de Luis XIV incluyeron a Hyacinthe Rigaud (1659-1743),
que llegó a París en 1681 y atrajo la atención de LeBrun. LeBrun lo orientó hacia la pintura de retratos, e
hizo un célebre retrato de Luis XIV en 1701, rodeado de todos los atributos del poder, desde la corona
sobre la mesa hasta los tacones rojos de sus zapatos. Rigaud pronto tuvo un taller elaborado para hacer
retratos de la nobleza; empleó artistas especializados para crear los trajes y cortinas, y otros para pintar
los fondos, desde campos de batalla hasta jardines y salones, mientras se concentraba en la
composición, los colores y especialmente las caras.

George de la Tour (1593-1652) fue otra figura importante en el estilo de Luis XIV; le dieron un título,
nombrado pintor de la corte del Rey, y recibió grandes pagos por sus retratos, aunque rara vez llegaba a
París, y prefería trabajar en su ciudad natal de Lunéville. Sus pinturas, con sus inusuales efectos claros y
oscuros, eran inusualmente sombrías, las figuras apenas vistas en la oscuridad, iluminadas por la luz de
las antorchas, evocando meditación y piedad. Además de las escenas religiosas, hizo cuadros de género,
incluido el famoso Tricheur o trucos de cartas, que muestran a un joven noble engañado en las cartas
mientras que otros lo miran pasivamente. El escritor y posterior ministro de cultura francés Andre
Malraux escribió en 1951: “Ningún otro pintor, ni siquiera Rembrandt, sugirió jamás un silencio tan
vasto y misterioso. La Tour es el único intérprete del aspecto sereno de las sombras”.

En sus últimos años, los gustos de Luis XIV cambiaron de nuevo, bajo la influencia de su esposa
morganica, Madame de Montespan, hacia temas más religiosos y meditativos. Hizo que todas las
pinturas de su habitación privada fueran removidas y reemplazadas por un solo lienzo, San Sebastián
siendo atendido por Santa Irene (c.1649) por Georges de la Tour.

Escultura

El escultor más influyente de la época fue el italiano Gian Lorenzo Bernini, cuyo trabajo en Roma inspiró
a escultores de toda Europa. Viajó a Francia; su propuesta para una nueva fachada del Louvre fue
rechazada por el rey, que quería un estilo más específicamente francés, pero el Bernini hizo un busto de
Luis XIV en 1665, que admiraba e imitaba mucho en Francia.

Uno de los escultores más destacados bajo Luis XIV fue Antoine Coysevox (pronunciado “qualzevo”)
(1640-1720) de Lyon. Estudió escultura bajo Louis Lerambert y copió en mármol antiguas obras
romanas, incluida la Venus de Medici. En 1776, su busto del pintor oficial del rey Charles Le Brun le valió
la admisión en la Real Academia de Pintura y Escultura. Pronto estaba produciendo una escultura
monumental para acompañar los nuevos edificios construidos por Luis XIV; hizo un Carlomagno para la
capilla real en Les Invalides, y luego un gran número de estatuas para el nuevo parque en Versalles y
luego en el Chateau de Marly. Originalmente hizo las estatuas al aire libre en estuco resistente a la
intemperie, luego las reemplazó con obras de mármol cuando se terminaron en 1705. Su trabajo de
Neptuno de Marly está ahora en el Louvre, y sus estatuas de Pan y Flora y Dryad ahora se encuentran en
los jardines de Tuileries. Su estatua de La fama del rey montando Pegaso fue hecha originalmente para
el Chateau de Marly. Después de la revolución, se trasladó a los jardines de las Tullerías, y ahora se
encuentra dentro del Louvre. También hizo una serie de esculturas de retrato muy admiradas de los
principales estadistas y artistas de la época; Luis XIV en Versalles, Colbert (por su tumba en la iglesia de
San Eustaquio, el cardenal Mazarin en el Collège des Quatre-Nations (ahora el Instituto de Francia) en
París, el dramaturgo Jean Racine, el arquitecto Vauban y el diseñador de jardines Andre Le Notre.

Jacques Sarazin fue otro escultor notable trabajando en proyectos para Luis XIV. Hizo muchas estatuas y
decoraciones para el Palacio de Versalles, así como las Cariátides para la fachada oriental del Pabellón
del Reloj del Louvre, frente al Cour Carré, que se basaron tanto en un estudio de los modelos griegos
originales, y en el trabajo de Miguel Ángel.

Otro notable escultor del Estilo Luis XV fue Pierre Paul Puget (1620-1694), que fue escultor, pintor,
ingeniero y arquitecto. Nació en Marsella, y los primeros ornamentos esculpidos para barcos en
construcción. Luego viajó a Italia, donde trabajó como aprendiz en los techos barrocos del Palazzo
Barberini y Palazzo Pitti. Viajó de ida y vuelta entre Italia y Francia, pintando, esculpiendo y tallando en
madera. Hizo su famosa estatua de cariátides para el ayuntamiento de Toulon en 1665-67, luego fue
empleado por Nicolas Fouquet para hacer una estatua de Hércules para su castillo en Vaux-le-Vicomte.
Continuó viviendo en el sur de Francia, haciendo estatuas notables de Milo de Croton, Perseo y
Andrómeda (ahora en el Louvre).

Tapices

En 1662, Jean Baptiste Colbert compró el taller de tapicería de una familia de artesanos flamencos y lo
transformó en un taller real para la fabricación de muebles y tapices, bajo el nombre de tapicería
Gobelins. Colbert colocó el taller bajo la dirección del pintor de la corte real, Charles Le Brun, que ocupó
ese cargo desde 1663 hasta 1690. El taller trabajó estrechamente con los pintores principales de la
corte, que produjeron los diseños. Después de 1697 la empresa se reorganizó y, a partir de entonces, se
dedicó por completo a la producción de tapices para el Rey.

Los temas y estilos del tapiz eran en gran parte similares a los temas en las pinturas de la época,
celebrando la majestad del Rey y escenas triunfales de victorias militares, escenas mitológicas y
pastorales. Si bien en un principio se hicieron solo para el uso del rey y la nobleza, la fábrica pronto
comenzó a exportar sus productos a los otros tribunales de Europa.

La fábrica real de Gobelins tenía competencia de dos empresas privadas, la fábrica de Beauvais y el taller
de tapicería de Aubusson, que producían obras del mismo estilo pero con un proceso de baja
deformación, con una calidad ligeramente inferior. Jean Bérain el Viejo, el real dibujante y diseñador del
Rey, creó una serie de alfombras grotescas para Aubusson. Estos tapices a veces celebran temas
contemporáneos, como una obra diseñada por Aubusson. Tapicería de finales del siglo XVII a principios
del siglo XVIII realizada por la Manufactura Beauvais que representa a astrónomos chinos en el
Observatorio Antiguo de Pekín utilizando instrumentos nuevos y más precisos traídos por europeos
(jesuitas) que fueron instalado en 1644.
Diseño y espectáculo

En los primeros años del reinado del Rey, la ceremonia real pública más importante era el carrusel, una
serie de ejercicios y juegos a caballo. Estos eventos fueron diseñados para reemplazar el torneo, que
había sido prohibido después de 1559, cuando el rey Enrique II fue asesinado en un accidente de justas.
En la nueva versión, menos peligrosa, los jinetes generalmente tenían que pasar su lanza por el interior
de un anillo o golpear maniquíes con las cabezas de Medusa, moros y turcos. Un gran carrusel se llevó a
cabo del 5 al 6 de junio de 1662 para celebrar el nacimiento del Delfín, el hijo de Luis XIV. Se celebró en
la plaza que separa el Museo del Louvre del Palacio de las Tullerías, que más tarde se conocería como la
Place du Carrousel.

La entrada ceremonial del Rey en París también se convirtió en una ocasión para las festividades. El
regreso de Luis XIV y la reina Marie-Thérèse a París después de su coronación en 1660 se celebró en un
gran evento en un parque de atracciones a las puertas de la ciudad, donde se construyeron grandes
tronos para los nuevos monarcas. Después de la ceremonia, el sitio se hizo conocido como la Place du
Trône, o lugar del trono, hasta que se convirtió en la Place de la Nation en 1880.

Existía una oficina en la casa real de Luis XIV llamada Menus-Plaisirs du Roi, que era responsable de la
decoración de las ceremonias y espectáculos reales, incluidos los ballets, las máscaras, las iluminaciones,
los fuegos artificiales, las representaciones teatrales y otros entretenimientos. Esta oficina se llevó a
cabo desde 1674 hasta 1711 por Jean Bérain el Viejo (1640-1711). También fue diseñador del dormitorio
y oficinas del Rey, y tuvo una enorme influencia sobre lo que se hizo conocido como el Estilo Luis XIV; su
estudio estaba ubicado en la Gran Galería del Louvre, junto con los del diseñador real de muebles André
Charles Boulle. Fue particularmente responsable de la introducción de una versión modificada del estilo
grotesco de ornamento, creado originalmente en Italia por Rafael, en el diseño interior francés. Utilizó la
estela grotesca no solo en paneles de pared, sino también en tapices hechos por los talleres de tapices
de Aubusson. Sus muchos otros diseños variados incluyeron el diseño altamente ornamentado del
espejo de popa del buque de guerra Soleil Royal (1670), llamado así por el Rey.

Además de la decoración interior, diseñó el vestuario y el escenario de los teatros reales, incluyendo la
ópera Amadis de Jean-Baptiste Lully en el Teatro del Palais Royal (1684) y el ballet de ópera Les Saisons
por el sucesor de Lully. , Pascal Colasse, en 1695.

El jardín a la Française

Una de las formas más duraderas y populares del Estilo Louis XIV es The Jardin à la française o jardín
formal francés, un estilo basado en la simetría y el principio de imponer el orden en la naturaleza. El
ejemplo más famoso es el de los Jardines de Versalles diseñado por André Le Nôtre, que inspiró copias
por toda Europa. El primer jardín importante a la francesa fue el Castillo de Vaux-le-Vicomte, creado por
Nicolas Fouquet, el superintendente de Finanzas de Luis XIV, comenzando en 1656. Fouquet encargó a
Louis Le Vau diseñar el castillo, Charles Le Brun para diseñar estatuas para el jardín, y André Le Nôtre
para crear los jardines. Por primera vez, ese jardín y el castillo estaban perfectamente integrados. Una
gran perspectiva de 1500 metros extendidos desde el pie del castillo hasta la estatua del Hércules de
Farnese; y el espacio estaba lleno de parterres de arbustos de hoja perenne con motivos ornamentales,
bordeados por arena de colores, y los callejones estaban decorados a intervalos regulares por estatuas,
estanques, fuentes y jardines cuidadosamente esculpidos. “La simetría alcanzada en Vaux logró un
degee de perfección y unidad raramente igualado en el arte de los jardines clásicos. El castillo está en el
centro de esta estricta organización espacial que simboliza el poder y el éxito”.

Los Jardines de Versalles, creados por André Le Nôtre entre 1662 y 1700, fueron el mayor logro del
Jardín a la francesa. Eran los jardines más grandes de Europa, con un área de 15,000 hectáreas, y
estaban dispuestos en un eje este-oeste siguiendo el curso del sol: el sol se elevaba sobre la Corte de
Honor, iluminaba la Corte de Mármol, cruzaba el Castillo y Encendió la habitación del Rey y se sentó al
final del Gran Canal, reflejado en los espejos de la Galería de los Espejos. En contraste con las grandes
perspectivas, llegando al horizonte, el jardín estaba lleno de sorpresas: fuentes, pequeños jardines
llenos de estatuas, que proporcionaban una escala más humana y espacios más íntimos. El símbolo
central del jardín era el sol; el emblema de Luis XIV, ilustrado por la estatua de Apolo en la fuente
central del jardín. “Las vistas y perspectivas, hacia y desde el palacio, continuaron hasta el infinito. El rey
gobernó sobre la naturaleza, recreando en el jardín no solo su dominio de sus territorios, sino también
sobre la corte y sus súbditos”.

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