La textura

Texturas naturales y texturas artificiales

Textura rugosa de las nueces

Nueces. Fuente: Banco de imágenes del CNICE.

Textura lisa de la madera

Madera. Fuente: Banco de imágenes del CNICE.

Textura áspera de un rallador de cocina

Rallador. Fuente: Banco de imágenes del CNICE.

Cada objeto o superficie tiene su textura. Sin embargo, establezcamos una sencilla distinción:

Texturas naturales son aquellas que tienen las superficies y cuerpos de la naturaleza: el tronco de un
árbol, la piel de un animal, etc.

Texturas artificiales son aquellas superficies que tienen los objetos fabricados por el ser humano: la
superficie de una pared, la superficie de un coche, etc.

A continuación te mostramos tres ejemplos de texturas naturales en la superficie de las nueces y en

la superficie de la madera.

En cambio, el rayador posee una superficie o textura artificial creada por el hombre para que este
objeto cumpla su función.
Textura

La experiencia humana ha conocido cómo es al tacto la corteza de un árbol, la superficie de una

tinaja o de una piedra, una copa de cristal y miles de superficies más que conforman el ámbito
cotidiano.

Cuando percibimos un objeto lo vemos como una totalidad en la cual están presentes las sensaciones
aisladas de configuración, color, textura, sonido, olor, etc. Teniendo en cuenta este fenómeno los
artistas de todos los tiempos han utilizado las texturas como parte de los elementos constructivos del
lenguaje visual. El aprovechamiento de las cualidades táctiles ha tenido diferentes acogidas por parte
de los artistas.

Como acercamiento elemental se puede señalar tres actitudes seguidas por los artistas en la
utilización de la textura. En primer lugar hay artistas que no les interesan el uso o aprovechamiento
de esta cualidad en sus obras y renuncian a su explotación. En segundo lugar hay artistas que sí se
sienten atraídos por las posibilidades del empleo de este elemento.

Dentro de los que le interesan las texturas podemos definir dos corrientes: la tradicional
representación-imitación de las texturas en su forma más meticulosa y objetiva utilizando la textura
visual, y la de los que piensan que la plástica no es arte de imitación sino de creación y optan, no por
recrear ilusoriamente las distintas texturas, sino que prefieren ofrecerlas al espectador en su forma
real, textura táctil.

Las distintas densidades de los materiales, aplicaciones con espátula, papeles, rejillas, arenas,
etiquetas y otras superficies son incorporadas a sus obras, como cualidades táctiles reales. Aunque
existen artistas que combinan estos dos tipos de texturas en sus obras de arte indistintamente.

Tipos de textura

Por lo que podemos determinar que en las obras visuales existen dos tipos de textura: la táctil y la
visual.

Textura táctil

Cautivo llamado el Esclavo barbudo, de Miguel Ángel.

La textura táctil es aquella que se percibe mediante el tacto y la visión, al tocar y observar la
superficie de los objetos.

Se comprueba así que estos tienen relieve y que pueden ser suaves o rugosos. Cada materia tiene
una textura diferente.

Textura visual

Naturaleza muerta con ladrillos, de Claudio Bravo.

La textura visual es la representación por medios gráficos, como pintura, dibujo o fotografía, de las
texturas táctiles. Por ello, las percibimos únicamente de manera visual y se llaman también texturas
gráficas.

Existen diversos procedimientos para obtener texturas visuales a partir de materiales de pintura y
dibujo: raspado, transparencia, estarcido, estampación, etc.

Otros tipos

Además pueden ser encontradas otros tipos como: naturales y artificiales.

Las texturas naturales pertenecen a elementos de la naturaleza, como la piel del elefante o la
superficie de un pétalo de rosa.

Las texturas artificiales son las que estructuran las superficies del material con que están fabricados
los objetos, como la de la pared o un papel de regalo.

Emociones que producen

La textura de los objetos influye en los sentidos del ser humano y crea una corriente de atracción o
rechazo según sus características, y unas impresiones visuales y táctiles de variados efectos.

Una superficie de textura lisa y uniforme produce una sensación visual estética, y una textura rugosa,
irregular y de diferentes colores produce mayor efecto de movimiento visual.
Las texturas táctiles toman un importante protagonismo, haciéndose casi imprescindibles en la
escultura, decoración, diseño industrial y textil. En pintura también tienen su interés, aunque el
relieve suela ser más escaso.

Expresividad de las texturas

En la escultura

La expresividad de una obra escultórica está estrechamente relacionada con el aspecto que ofrece su
superficie. Ese aspecto viene dado por el tipo de material pero también por el tipo de textura
elegida. Cada textura nos proporciona una sensación distinta. Con la realización de texturas podemos
lograr que un objeto parezca agradable, repulsivo, frágil, pesado, cálido, frío etc. El artista es
consciente de que una adecuada elección del material y las texturas con las que lo trabaje ayuda a
potenciar el efecto final de su obra.

En la pintura

Las texturas son una parte principal de la obra plástica. Por medio de texturas los artistas intentan
imitar en sus representaciones bidimensionales las sensaciones táctiles de los objetos de la realidad.
Esa sensación de relieve la consiguen realizando entramados de líneas, gradaciones de color,
superponiendo formas, cambiando el signo de la pincelada o la espátula haciendo pequeños o
grandes trazos, siendo homogénea o variada, con mucha pastosidad o poca.

Action painting de Jackson Pollock

Otras veces, y sobre todo en los artistas contemporáneos, la realización de texturas se convierte en
su principal medio de expresión y el aspecto más relevante de sus obras. En ocasiones aplican la
pintura en capas densas sobre el soporte arañándola o raspándola con diferentes herramientas.
Salpican pintura con brochas y pinceles o la arrojan y la vierten directamente sobre el soporte como
hacía Jackson Pollock (1912-1956) en su action painting. Añaden cargas como arena o piedra pómez,
colas y barnices sintéticos, e incluso pegan todo tipo de objetos como cartones, telas u objetos
encontrados.

En el diseño

La realización de texturas en el diseño tiene dos papeles destacados: uno funcional y otro estético. El
material y las texturas de cada objeto deben ser adecuados a la función práctica que tienen que
desempeñan.
Además de una función práctica, las texturas poseen un efecto expresivo. Están cuidadosamente
pensadas y diseñadas para conseguir resaltar la forma de los objetos y hacerlos tan atractivos como
sea posible.

. Elegir el tema

¿Eres principiante? Empieza practicando con temas sencillos, como naturalezas muertas. A
continuación, podrás abordar temas más complejos, retratos o paisajes.

Una fotografía te permitirá trabajar sin obligaciones de tiempo y, si no sabes dibujar, calcar el
modelo en el soporte.

2. Composición del cuadro

Encuentra un hilo conductor que una los distintos elementos (líneas, formas, colores, luz) de una
escena en un todo coherente. ¡Tu intuición es tu mejor aliada!

Un ángulo insólito realzará el interés del cuadro. Observa el tema centrándote en un detalle o
captando el conjunto de la escena. Para ello, utiliza una ventana recortada en un cartón o forma un
marco con tus manos. Si trabajas con una foto, encuádrala con tiras de papel.

Prueba tus ideas sobre el papel: realiza todos los bocetos que sean necesarios, variando los
encuadres y los juegos de luces sombras.
Óleo : Dibujo previo

3. Dibujo previo

Se trata más de una "guía de encuadre" que se un auténtico dibujo. No es una etapa obligatoria, pero
resulta ser muy útil para ir aplicando luego los colores.

Sobre el soporte, haz un boceto del tema con carboncillo, sin olvidar pulverizar un fijante para evitar
que se ensucien los colores; o con lápiz, muy ligeramente para que no se transparente a través de la
pintura; o con óleo o acrílico, utilizando un color muy neutro y diluido.

¿No estás seguro de tu destreza con el lápiz? Traslada los principales trazos del modelo utilizando la
técnica de la cuadrícula o un papel de calco si trabajas a partir de una foto.

Trabaja a grandes líneas, ve a lo esencial: no intentes reproducir fielmente la escena en sus más
mínimos detalles, o recargarás tu cuadro inútilmente.

Truco: Observa el tema con los ojos medio cerrados, así se resumirá a manchas de colores y masas
borrosas. Esto te ayudará a eliminar los detalles superfluos y a simplificar las formas que lo
componen.

4. Capa de preparación

Para que la pintura se adhiera bien y se seque sin resquebrajarse, tienes que aplicar una capa de
fondo fina.
¿Blanca o de color? Un fondo blanco ilumina los tonos, algo ideal para los temas ricos en color. Un
fondo de color ofrece un tono de base que unificará el cuadro: elige el color en función de la
tonalidad final que deseas para el cuadro (cálida, fría, clara, oscura).

Utiliza una pintura bien diluida y espera que se seque antes de pasar a las etapas siguientes.

También puedes utilizar pintura acrílica, que seca más rápido.

Truco: Para comprobar si el fondo está seco, pasa ligeramente el índice por distintos lugares: si no
tiene ningún resto de pintura (aunque la superficie dé la impresión de estar pegajosa) podrás aplicar
la capa siguiente.

Óleo : Colocar las capas de color

5. Colocar las capas de color

El color se va aplicando con la superposición de capas. Empieza por las zonas de luces y sombras,
rellena las grandes zonas de color y luego trabaja con paciencia, superponiendo capas de colores
cada vez más intensos.

Tienes que respetar la regla de oro de la pintura al óleo: pintar « graso sobre magro ». Cada capa
superpuesta tiene que ser ligeramente más "grasa", es decir, rica en aceite, que la anterior. Para ello,
diluye mucho las primeras capas y cada vez menos las siguientes. Si no, tu cuadro podría
resquebrajarse con el tiempo.

Segunda regla básica: espera que la capa de pintura esté bien seca antes de aplicar la siguiente.
Existe otra técnica, más rápida, destinada a pintores más experimentados: la pintura « alla prima » .
Utilizada al aire libre o con un modelo para captar la espontaneidad de una escena, permite terminar
el cuadro en una sola sesión, ya que cada capa de color se aplica sobre la anterior aún fresca

Óleo : Capas finales y retoques

6. Capas finales y retoques

Ahí es donde se realiza el verdadero trabajo del pintor. Ya no se trabaja "en la masa", sino con toques
ligeros. A esto se le llama "hacer que el lienzo cante". Es el acorde final de los tonos.

Utiliza pintura no diluida, tal y como sale del tubo.

Aléjate con frecuencia para juzgar tu trabajo. ¡Sé tu primer espectador!

¡No corras demasiado! Afina tu trabajo poco a poco, aplica las luces, trabaja las sombras, cuida los
detalles. A partir de este momento, cualquier modificación profunda del color implica un cambio de
todos los tonos del cuadro. Aprende a pararte… ¡Ahora, a firmar el cuadro!

El secado de la pintura al óleo

El secado del óleo no se produce como la mayoría de las pinturas que es por evaporación, sino que su
secado se produce por oxidación. Esto significa que cuando la pintura queda expuesta para el secado,
se produce una reacción química al entrar en contacto con el oxígeno del aire que hace que la
pintura se endurezca.

Por este motivo es que el óleo seca tan lento, ya que mientras el óleo siga expuesto al oxígeno este
proceso seguirá hasta que esté completamente seco. Este lento secado es una de las principales
ventajas que aprovechan los principiantes, ya que permite realizar correcciones por más largo
tiempo.

¿Cómo es un pincel para pintar con óleo?

pinceles para aprender a pintar oleo

Los pinceles para óleo vienen en una gran variedad de formas y tamaños, dependiendo su uso de
acuerdo a la técnica y trazos que queramos lograr. Los más apropiados para el principiante, y a la vez
los que más se usan, son los denominados planos y redondos.

Las 3 partes de un pincel

Primero te voy a explicar por si no lo sabes, que un pincel está formado por 3 partes. El mango, la
virola o férula y el mechón de pelo. Los mangos por lo general vienen pintados o barnizados, y se
juntan con la virola, esa parte de metal que sujeta a los pelos del pincel.

Tipos de pinceles y trazos

Los trazos que podemos lograr con los diferentes tipos de pinceles para Oleo son infinitos. Además
de contar con las diferentes formas y tamaños, la presión que le demos al trazo y la dilución más o
menos espesa de la pintura darán por resultado pinceladas que sólo con la experiencia podremos
volver a igualar.

Entre los pinceles más usados como ya te mencioné, están los planos y redondos, pero también los
hay como por ejemplo los de abanico, los denominados lengua de gato, angulares y finos para
delinear.

Lo principal que quería explicarte, son los diferentes tipos que hay para que te vayas familiarizando
con ellos, ya que van a ser tus compañeros inseparables durante toda tu carrera artística.
En el blog, hay artículos que hablan específicamente sobre pinceles, así que si quieres puedes Leer
este artículo También te invito a que mires en detalle los juegos que te muestro a continuación:

elegir pincel oleo

comprar pinceles oleo

Lo tienes en Amazon a muy buen precio

Para que veas la diferencia entre un pincel y otro, te voy a mostrar la siguiente infografía:

aprender a pintar un cuadro

¿Cómo son la paleta de pintor y las espátulas?

La paleta de pintor es el soporte en el cual el artista coloca su pintura. Vienen de formas y materiales
diversos, tratando de adaptarse a las necesidades de cada artista. Hay desde realizadas en madera,
plástico, e inclusive paletas desechables de papel resistentes al aceite del óleo.

Las más conocidas son las de forma de riñón, que vienen con un orificio para colocar el pulgar y
trabajar cómodamente con el resto de los dedos para sujetar los pinceles que estamos usando. Pero
como también en la variedad de materiales que se ofrecen, hay muchas formas buscando que el
artista se sienta cómodo con ella.

Para empezar no hace falta que te gastes mucho dinero, desde este enlace puedes comprar una
paleta por menos de 7 euros y con 12 pinceles de regalo.

paleta para oleo principiantes

Inclusive hay artistas que no usan paleta de mano. Utilizan para colocar sus pinturas al óleo mesas
donde van realizando sus diferentes mezclas. Lo importante en cuanto a la colocación del óleo, sea
en la paleta o sobre una mesa, es siempre colocar los colores en un mismo orden.

Esto favorece al pintor, ya que al tener los colores siempre en el mismo lugar, casi por instinto dirige
su mirada hacia ese sector y trabaja de forma mucho más práctica y rápida en sus obras.

Y en el título también puse que iba a hablar sobre las espátulas. En este caso hablaré de las espátulas
que se utilizan para la mezcla de colores, no para pintar un cuadro. Y es que por lo general, cuando
colocamos los distintos colores en la paleta, con una espátula seleccionamos un poco de un color y
luego de otro, y los mezclamos con la espátula ya que resulta mucho más fácil el proceso de mezcla.

Espátulas de Pintor

espatulas principiantes oleo

Las espátulas vienen de metal y de plástico, y sirven tanto para mezclar como también para limpiar
la paleta, inclusive para raspar la pintura en el cuadro cuando tenemos que realizar una corrección.

Tienen una hoja flexible, recta y de punta redondeada. El largo filo sirve para quitar pintura fresca
cuando corregimos, y la punta redonda para tomar y mezclar de a pequeñas cantidades en la paleta.

Por menos de 9 euros tienes en Amazon el juego de espátulas de la imagen de arriba.

¿Qué más se necesita para empezar a pintar?

Ya tenemos conocimiento sobre el óleo, hemos hablado de los pinceles, de la paleta de pintor y las
espátulas para mezclas. Ahora bien, ¿Qué más se necesita para poder comenzar?

caballete de pintor
Hay un elemento que aún no he hablado sobre él, y que tiene mucha importancia: el caballete de
pintor. Si bien al principio podemos prescindir de él, va a ser por muy poco tiempo.

Cuando queremos trabajar cómodamente, un caballete no debe de faltar en tu estudio de pintor. El

de la imagen de arriba esta pensado para principiantes, por unos 30 euros puedes trabajar
cómodamente sin tener que gastar más de 200 euros en un caballete como este, aunque si te
quieres dar un capricho, es una preciosidad.

Al principio es común apoyar un lienzo sobre cualquier objeto o mueble, incluso arriba de una mesa.
Pero llega un momento en que todo pintor debe realizar esa inversión, ya que nos facilitará y mucho
nuestro proceso de pintura.

Además del caballete, están los diferentes soportes sobre los cuales pintar. Los más conocidos son
los bastidores de madera con lienzo tensado, como estos, aunque hay una gran variedad de tamaños
y materiales. Existen lienzos sobre madera, cartón, y muchos tipos más. Pero todos tienen algo en
común: están preparados para que el aceite del óleo no los deteriore con el tiempo.

También aparte los caballetes y soportes, hay muchos accesorios que necesitamos. Por ejemplo
aceiteras para los medios y diluyentes de oleo, como así también frascos donde poner aguarrás y
diluyentes para limpiar los pinceles.

Y ya que toqué el tema de limpieza, vamos a necesitar paños y papel absorbente, inclusive papel de
diario, además de jabón suave o detergente.

Para no complicarte la vida puedes comprar un Set Completo como este, te dejo aquí como es:

caja completa para pintar

Para realizar bocetos, es decir los dibujos, precisaremos papeles, lápices, carbonillas, goma maleable
para carboncillo, es decir todos materiales para dibujo. Para tomar medidas y realizar algunos
trabajos, una regla no nos debería de faltar en nuestro estudio.

A todo esto le podemos agregar conseguir material de referencia que nos sirva de modelo o de
inspiración. Y ni que hablar para pintar de una forma distendida y tranquila, un equipo con música
suave y que sea de tu agrado no puede faltar en nuestro estudio de pintor.
¿Cuántos colores y pinceles necesito para comenzar a pintar?

Al principio vas a practicar mucho la mezcla de colores. Por esa razón, no conviene comprar mucha
cantidad de colores, ya que si disponemos de los colores primarios (rojo, azul y amarillo) más blanco
y negro ya estamos en condiciones de pintar nuestro primer cuadro.

Por supuesto que hay ofertas como esta, que permiten hacernos de más colores, y no está de más
aprovecharlas, y más aún cuando vienen con pinceles incluídos como este kit. Para el principiante,
estas ofertas pueden ser una buena opción ya que se hace de materiales por un costo inferior a lo
normal.

Lo que sí te diría con respecto al color blanco, que es el color que más se utiliza, te conviene
comprarlo por separado en un envase de mayor tamaño. Por experiencia te digo, que a la larga
siempre nos sale más en cuenta.

Y si no aprovechaste aún alguna de las ofertas anteriores, comprar óleos económicos, como este kit,
son la mejor alternativa. Vienen en cajas de diferentes cantidades, por lo que dejo a tu criterio la que
mejor se ajuste a tus posibilidades.

Con los pinceles pasa lo mismo. Como ya te mencioné, algunas ofertas traen los pinceles
incorporados en la promoción. Si llegaste al punto de comprar los óleos por separado, debes
comprar los pinceles también por separado. A mi me gusta mucho este kit, son pinceles de buena
calidad y vienen prácticamente de todos los tamaños.

¿Alguna otra cosa que me haga falta para empezar a pintar al óleo?

Para empezar vas a necesitar el soporte donde pintar. Te recomiendo empezar con lienzos ya
preparados, para que puedas concentrarte sólo en pintar y no en preparar la tela. Tienes varias
medidas para elegir, comenzando desde 20 x 20, como estos de aquí, y también en medidas A3 y un
poco más grande A4.
Si bien hay medidas más grandes, no son ideales para aprender a pintar al oleo. Las medidas que te
mencioné ya son suficientes y podrás comenzar sin inconvenientes a practicar. Así que sólo falta que
elijas entre las diferentes opciones y decidas con cual comenzar.

Y ahora que ya tienes el lienzo, es turno de ver el carboncillo para empezar el boceto. Hay opciones
que incluyen lápices con borrador para carboncillo, y otras que ofrecen carboncillo en diferentes
medidas de espesor para realizar no sólo bocetos, sino también una obra entera, completamente
realizada con carboncillos.

Estos set de lápices o carboncillos artístico son los ideales para empezar, ya que vienen muy bien
presentados y traen todo lo necesario para el principiante. Por supuesto si quieres dar un paso más,
siempre existe alguna opción mejor, ya que lo que te recomiendo es lo más económico para iniciarte,
pero hay otras opciones. Por ejemplo, el maletín con material de dibujo que viene muy completo.

Y por último vas a necesitar trementina y aceite de linaza como diluyentes, te recomiendo esta aceite
de linaza y esta trementina.

Todo lo que te he dejado, son revisiones que realicé según mi propia experiencia, y opinión de otros
artistas.

¿Ya tengo todo, y ahora qué?

A partir de ahora ya tienes el conocimiento básico que todo principiante necesita para comenzar. En
esta Guía para aprender a pintar al oleo, has encontrado valiosa información aunque no pudimos
hablar sobre técnicas, colores, y demás temas también importantes antes de dar tu primer pincelada,
ya que si bien es información muy útil para ti, no quiero aburrirte con tanta lectura.

La práctica es lo que te va a dar experiencia. Sin pintar no hay experiencia, por lo que deberías
comenzar a pintar cuanto antes.