SIETE

TÉCNICAS
PARA UNA
PRODUCCIÓN
MUSICAL
EXITOSA

Felipe García
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cons=tuir un delito contra la propiedad intelectual.
ÍNDICE

1 ¿POR DÓNDE EMPEZAR? 1

2 PRODUCCIÓN Y ARREGLOS 7

3 LAS VOCES: GRABANDO 13

4 LAS VOCES: MEZCLANDO 18

5 MEZCLA: LA MAGIA DE LA
PRIMERA ESCUCHA
22

6 UN BUEN USO DE LA
REVERBERACIÓN
29

7 LA MASTERIZACIÓN 32
¿POR DÓNDE EMPEZAR?

Si eres músico, compositor o productor, sabrás

que es muy pero muy sencillo y frecuente
frustrarse y sentirse perdido cuando estás
componiendo una canción. Especialmente
cuando decides empezar a construirla desde
cero. Comenzar una idea con nada más que un
papel en blanco o una sesión limpia en tu DAW
puede llegar a ser angustiante cuando ya llevas
un buen tiempo trabajando en ello y… ¡sigue en
blanco!
No es tan grave como parece, recuerda que lo
que estás haciendo es arte, una combinación de
corazón y razón que da lugar a una idea en
muchos casos extraordinaria. Como artistas
algunas veces necesitamos una fuente de
inspiración, algo o alguien que nos motive lo
suficiente; otras veces solo se nos ocurren ideas
y ya está, pero en definitiva, no puedes
depender de la inspiración para hacer buena
música. Imagina que un cliente te contrata para
producir una canción en una semana,
evidentemente tu respuesta no puede ser
 “espera a que tenga inspiración”, ¡ya tienes un
deadline!
Esta problemática nos ha pasado a todos como
productores y músicos, y estos son algunos
consejos que puedes seguir cuando te sientas
perdido, a mi me han funcionado bastante bien.

Empieza definiendo la tonalidad

Escoge una tonalidad que en tu secuenciador o
instrumento domines y en la que te
desenvuelvas bien, asegúrate de que te guste la
sonoridad de esa tonalidad para que te pueda
atraer un poco de inspiración. Una tonalidad
bien escogida no solo te puede llegar a inspirar,
sino que le dará un carácter a la canción, te
ayudará a encontrar un foco acorde a la emoción
que deseas transmitir. Explora diferentes escalas
o invéntate una tu mismo, es lo que en
composición llamamos “modos sintéticos”

Define la forma de la canción

En numerosas ocasiones me ha funcionado
mucho hacer un plan previo de la canción,
haciendo esto no sólo puedes ver la pieza

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 macroscópicamente, sino que también sabrás
qué es lo que vas a componer desde cero y qué
es lo que vas a variar a partir de lo que
compongas. Hablaremos un poco más de esto
en el capítulo de arreglos y producción.
Intenta empezar con un plan de forma en donde
puedas ver aspectos como:
• Secciones (Coros, Versos, Interludios, Solos)
• Movimiento climático
• Letra o indicios de ella
• Efectos y Sonoridades
• Textura
No importa si tienes que cambiar el plan a medio
camino, un plan de acción musical te será de
ayuda para empezar la canción
estructuradamente, de esta forma fluirá más tu
creatividad, pues tienes algo menos de qué
preocuparte.

Empieza con el gancho

“Gancho” es como le llamamos a la parte más
pegajosa y memorable de una canción. Identifica
o inventa el gancho en tu producción y empieza

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 por ahí. ¿es acaso la melodía principal? ¿la letra?
¿un efecto único? ¿el bajo? Sé consciente de cuál
es el elemento que genera más recordación en
tu canción y haz que tu música gire en torno a
ello. Recuerda que esto también depende
mucho del género que estes produciendo,
algunos tipos de música le dan más
protagonismo a la voz, otras al beat, otras a los
instrumentos, etc.
Mi experiencia me ha demostrado que la letra y
la melodía son un arma de enganche
poderosísima, incluso si no eres cantante,
cantando es básicamente la forma más directa
con la que te conectas con la música. Trata de
cantar o tararear tu gancho, esa es una buena
prueba de que puede funcionar.
Los ganchos en muchas ocasiones no es lo
primero con lo que empezamos la composición,
todo depende de las ideas que concretes en tu
cabeza al empezar, por lo que no te desesperes
si no sale de entrada, lo importante es que
logres identificar uno en tu canción, lo explotes y
potencies a beneficio de la misma.
Ve guardando todas las ideas que se te ocurran,
nunca sabes cuál va a ser el gancho perfecto.

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 Empieza con un ritmo
Todos tenemos un lado instintivo. El instinto por
defecto nos mueve (o intenta mover), está en
nuestra sangre, la primera herramienta de
comunicación de nuestros ancestros era la
percusión, con ella, además de comunicarse por
largas distancias, se reunían en tribus y
danzaban. Con esto lo que quiero decir es que si
no has logrado obtener inspiración, usa un
sample de percusión que se ajuste a la música
que quieres hacer e inventa ideas mientras lo
escuchas. La percusión por naturaleza es una es
una excelente fuente de inspiración, ¡sentirás
incluso ganas de bailar!

Empieza con la armonía

Una progresión de acordes básica es capaz de
solucionar muchos problemas estructurales,
después de todo, la armonía es el vehículo en el
que viajan nuestras ideas musicales.
Empezar con la armonía te dará una visión
contextual, un boceto para experimentar,
improvisar, cantar, etc. Puede ser mucho más
sencillo encontrar una melodía una vez tienes la
armonía definida.

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 Empieza con la letra
A veces todo el asunto de la música se puede
volver en un dolor de cabeza. Empezar con la
letra es entonces la mejor fuente de inspiración,
además te ayuda a encontrar posteriormente un
sonido más natural y orgánico que encaje con
ella.
Empieza con una frase, complementala, realiza
variaciones líricas de ella, improvisa, acude a
notas, lee una novela para encontrar inspiración
e ideas.

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PRODUCCIÓN Y ARREGLOS

De todas las etapas de un proyecto, esta es la

más divertida, y lamentablemente muchas veces
a la que menos tiempo le dedican los autores,
que en numerosas ocasiones no tienen una
visión comercial para su música.
Lo cierto es que si tienes la capacidad de hacer
un arreglo, no necesariamente complejo, pero de
suficiente capacidad y calidad para potenciarlo
en grande en la producción, ya estás un paso
más cerca del éxito con tu música (o la de tu
cliente), pues una buena ejecución de estos dos
procesos fundamentales acercará a las personas
a tu música de manera orgánica.
Hasta ahora no te he dicho nada que no sepas,
por lo que quiero que revisemos cuáles son los
aspectos clave que debes tener en cuenta a la
hora de arreglar tu composición. Y antes de
empezar quiero desmitificar un poco el concepto
de la composición; por lo general, cuando
escuchamos buena música o incluso cuando
hacemos nuestra propia música, creemos que
mientras más decoraciones, capas, plugins,

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 instrumentos (reales o virtuales), entre otros
tantos factores tenga nuestra música, entonces
va a sonar mejor. Quiero que saques esa idea de
tu cabeza, pues en la música menos es más. Si
bien puedes embellecer tu música con arreglos
inigualables y extremadamente cargados y
saturados de texturas y colores, recuerda que el
árbol crece desde la raíz. A lo que voy es a que
no deberías perder la esencia de tu música, que
es la melodía y la armonía. Hablando en
términos arquitectónicos, si quieres embellecer
tu estructura con una fachada de madera o
mármol está bien, pero no tienes que derrumbar
columnas para eso. Asegurate de que no se
pierda la inteligibilidad de tu propia música,
algunas veces añadimos tantos elementos a la
música, tanto en composición como en
producción y mezcla, que olvidamos de dónde
provino esa idea que en principio movió
nuestras emociones. Pregúntate: ¿sigo sintiendo
lo mismo que cuando nació la idea? ¿qué está
transmitiendo la canción? en esencia no deberías
perder emociones positivas frente a ella, por el
contrario, deberías ganar más de ellas en la
etapa de producción, entendida como la
promotora de la idea principal.

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 Entendiendo este principio, continuemos con los
aspectos fundamentales a tener en cuenta a la
hora de arreglar tu composición y producir dicho
arreglo.
Déjame hacerte una pregunta. Si escucharas tu
canción en la radio, ¿tendrías la tentación de
cambiar de estación? Si la respuesta es sí ¿En
qué momento de la canción sentiste dicha
sensación?
Muchas de las canciones que no logran un buen
posicionamiento comercial tienen falencias en su
forma, son muy repetitivas y generan
predictibilidad en el oyente. Para no caer en este
fatal error es importante que tengas un balance
entre la unidad de la canción y la sorpresa, y
digo balance porque a nadie le gusta escuchar el
coro siete veces seguidas, pero tampoco le gusta
escuchar sorpresas todo el tiempo.
La forma es como las columnas de nuestro
edificio, sin ella no hay edificio, es uniforme pero
no igual. cada columna es diferente, una sirve
para soportar habitaciones, otra para soportar la
fachada, otra incluso sirve para pasar la tubería.
Lo m i s m o p a s a c o n n u e s t r a m ú s i c a ,
evidentemente necesitaremos repetir el coro o

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 el tema principal, pero vamos, innova cada vez
que lo presentas. Con la mayoría de las
canciones comerciales después de escuchar el
verso y el coro ya puedes predecir toda la
canción, eres capaz de interiorizarla y concebirla,
(¡unidad!) pero no por ello pierdes el factor
sorpresivo de la canción. Por lo general se
siguen presentando variaciones de estas partes
que conllevan al clímax dado muchas veces por
el interludio ( sí, esa parte que no quieres que se
acabe pero solo la escuchas una vez).
Una de las cosas más asombrosas y destacables
de los grandes hits , es la capacidad que tienen
de cambiar por completo lo que quieres
escuchar pero por medio de variaciones,
introduciendo estratégicamente nuevos
elementos a medida que la canción va
avanzando.
Estos son algunos ejemplos de factores que
puedes variar, añadir o eliminar en tu música sin
quitarle unidad a la misma:
• Armonía instrumental
• Armonía vocal
• Efectos vocales

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 • Distorsión
• Percusión
• Doblaje de guitarras
• Doblaje de voces
• Anticipación rítmica de una sección
• Tempo
• Reverb (usada como efecto creativo)
• Amplitud estereofónica
• Paneos


Debes tener en cuenta, como lo mencioné

anteriormente, que no solo es cuestión de
añadir y añadir, algunas veces generas un mejor
efecto en el oyente solo quitando elementos, de
hecho esta es una muy buena estrategia para
generar expectativa. Elimina la sección rítmica o
fíltrala en un punto estratégico uno o un par de
compases antes de una nueva sección y verás el
efecto de intriga que genera la ausencia de este.
Recuerda!

El objetivo de un buen arreglo y producción es llevar
al oyente a un viaje y mantenerlo enganchado y
emocionado en cada momento del camino.

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 Haz un buen manejo de la tensión tanto a nivel
musical, con acordes dominantes y de necesaria
resolución; como a nivel de producción, con
buenos efectos, balances etc. Como te he
mencionado, la emoción de hacer buena música
muchas veces nos lleva a querer hacer muchas
cosas al mismo tiempo, por lo que deberás
tomar conciencia de lo que estás haciendo y
forzarte a ti mismo a guardar ciertos trucos para
un fragmento posterior o incluso aceptar que
algunas ideas no van con la canción que estás
haciendo en un momento determinado.
Una buena estrategia es hacer un plan de acción
de la canción, puedes hacerlo antes o después
de componerla, lo importante es que en él
anotes las características que va a tener cada
sección y los aspectos nuevos de cada una de
ellas, de esa forma puedes asegurarte de que
cada sección de la canción va a estar
estratégicamente ubicada, lista y fresca para que
el consumidor la escuche.

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LAS VOCES: GRABANDO

Me gusta pensar la voz como un instrumento

más, un instrumento que la mayoría de las veces
es el protagonista, es decir, el más importante y
el de mayor atención ante el consumidor.
Acudamos a las curvas isofónicas de Fletcher y
Munson, las curvas que demuestran el
comportamiento de nuestros oídos frente a
determinada presión o “volumen” con referencia
a las frecuencias que escuchamos (20Hz -
20Khz). No es de extrañar que estas curvas
afirmen el hecho de que las frecuencias medias
son las frecuencias a las que somos más
sensibles sin importar la situación sonora o
presión acústica (“volumen”) a la que nos
expongamos.

Somos casi que animales instintivos, y como

“manada humana”, como “tribu” lo más
importante auditivamente para nuestra
supervivencia es que reconozcamos las voces de
los nuestros, que sí, se encuentran en el registro

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 medio de audición, es por eso que son las
últimas frecuencias que dejamos de escuchar
con el paso de los años, las primeras son los
bajos y agudos.

¿Qué conclusión puedes sacar de esto?

Las voces son MUY delicadas y complejas de
grabar y mezclar. Instintivamente estamos
programados para escucharlas con un timbre
específico, sabemos identificar cuando una voz
no suena natural, incluso si no sabemos
absolutamente nada de música o ingeniería de
sonido.
Por esa razón debes tener extremo cuidado
cuando estás grabando una voz, no permitas
que el ingeniero de mezcla, o incluso tu mismo,
sufra los resultados de una mala grabación de
voces.

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 ¿QUÉ HACER PATA CONSEGUIR
UNA BUENA TOMA DE VOCES?
Invierte en un buen micrófono
El sonido de las voces depende en gran parte
del micrófono que estés usando, revisa la
respuesta en frecuencia de tu micrófono. Las
curvas se ven de esta forma:

Ninguna curva o respuesta es mejor que otra,

ningún micrófono es mejor que otro, se podría
decir que es un trabajo de prueba y error, gustos
e incluso moda por una sonoridad. No obstante
existen ciertos criterios de selección de un
micrófono para la voz, no por nada unos son
más caros que otros.
Los dos principales consejos que te puedo dar
para escoger un micrófono para grabar voces en
estudio son:

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 • Usa un micrófono unidireccional , no
omnidireccional.
• Revisa que la respuesta en frecuencia sea lo
más plana posible, un pequeño corte en los
bajos está bien, pero nunca en los medios o
agudos.
• Preferiblemente usa un micrófono de
condensador

Conserva un ambiente constante

En un mundo ideal grabaríamos en un estudio
donde tuviéramos el control absoluto de cada
parámetro acústico. Lamentablemente no
vivimos en un mundo ideal, y nos corresponde
encargarnos de asuntos como los de la
consistencia en la grabación. Para ello es clave
ser muy uniforme con el lugar en donde
grabamos, la temperatura, la ubicación del
micrófono y demás.
Intenta utilizar la misma habitación y conservar
las mismas posiciones de grabación así como las
configuraciones de tu computador y equipos
que puedan afectar el comportamiento del
micrófono. Guarda fotos del lugar y los equipos
para que no se te escape ningún detalle.

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 Utiliza pop filters
Si no usas filtros anti pop en frente de tu
micrófono lo más probable es que haya pasajes
en tu grabación en que la señal de audio suene
como un golpe. Esto se debe a la presión que
ejerce nuestra voz frente a la pronunciación de
la letra P y algunas otras consonantes.

No uses compresores durante la grabación

grabar con compresores es un hábito que
muchos productores tienen, especialmente los
de la vieja escuela, a ellos les gusta el sonido de
distorsión y compresión natural de la cinta en los
tiempos en que se grababa analógicamente. Lo
cierto es que es fatal elección, ajusta los niveles
de tu micrófono con cuidado, asegúrate de que
lo que estés escuchando sea lo que estás
grabando, y graba lo más limpio posible, después
puedes hacer un inserto análogo si es lo que
quieres, pero no grabes así, te llevará a una
cadena de malas decisiones.

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LAS VOCES: MEZCLANDO

Edición
Para empezar, escucha las voces principales
originales, sin añadirles ningún efecto ni
proceso. Es de gran importancia que niveles las
voces antes de aplicar cualquier otro elemento
en su cadena. Cuando me refiero a nivelar hago
alusión al nivel antes del fader, el nivel del clip
de audio. En protools tienes la herramienta clip
gain que es extremadamente útil para esta labor,
en otros DAW puedes utilizar herramientas de
edición como las tijeras y hacer fades LINEALES
(no exponenciales), entre clips.
Hacer una edición meticulosa de la voz es
fundamental para darle continuidad a la voz,
además de controlar respiraciones y
acentuaciones no deseadas.

Uso de filtros
No es un secreto que debemos eliminar del
espectro las frecuencias que el instrumento no

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 genera, en este caso la voz. El uso de un filtro
pasa altos además de ayudarte a limpiar la
mezcla, te ayuda a optimizar los procesos
posteriores en la cadena, pues estos actúan
entonces solo frente a la información que nos
importa, aportándole más inteligibilidad a tu voz.
Haz entonces que tus filtros sean el proceso
n ú m e ro u n o d e n t ro d e l a c a d e n a d e
procesamiento del canal.

Ecualización
Como ya te dije, nuestros oídos están
preparados para la crítica perfecta de la voz, y la
ecualización es con seguridad uno de los
procesos más importantes para evadir errores en
este aspecto. No hay una verdad absoluta de
cómo debe ser ecualizada una voz, todo
depende en principio del intérprete y su tesitura,
condicionado por factores técnicos como el
micrófono y preamplificador que usaste que al
mismo tiempo dependen de la acústica del lugar
en donde grabaste, etc.
Con esto no estoy diciendo que sea un proceso
completamente aleatorio, por el contrario, hago
énfasis en que la ecualización es un proceso tan

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 variable que debes ser consiente de su uso en
cada oportunidad que tengas que utilizarlo.
Ten presente que lo que catalogamos como
“natural” en una voz es el equilibrio y calidez del
sonido. Normalmente mi primer EQ en la cadena
es un Fabfilter Pro Q, te recomiendo mucho este
plugin, su exactitud y versatilidad es capaz de
atender cualquier tipo de corrección. Después
de todo el ecualizador no es más que una
herramienta para igualar el sonido (que ha
pasado por una serie de extensas
conversaciones para poder ser reproducida) a
nuestra percepción. Usarla como herramienta
artística también es muy válido, pero en principio
el ecualizador es un “igualador”.

Compresión
Si se trata de voces, no hay duda de que los
compresores ópticos o de tubos son los más
adecuados. Después de ecualizar la voz, suelo
utilizar uno de estos para modificar un poco el
timbre. No se trata de utilizar compresores para
equilibrar niveles, lo que busco es añadir
armónicos y para eso el clásico LA2A funciona
de maravilla ¡incluso sin comprimir añade color!

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 Si no tienes acceso a uno, y sabiendo que son
escasos por estos tiempos, usa una simulación.
Universal Audio y Waves tienen unas excelentes.
Es de saber que los compresores ópticos no son
muy buenos con esto del ataque, por eso, de ser
necesario y solo de ser necesario, te
recomiendo utilizar una segunda etapa de
compresión pero esta vez que sea una
compresión de picos. Puedes usar un compresor
VCA o uno digital, lo importante es que seas
cuidadoso, puedes dañar toda la dinámica de la
voz si lo ajustas mal. Se sutil y conseguirás
agresividad. ¿Paradójico verdad?

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MEZCLA: LA MAGIA DE LA
PRIMERA ESCUCHA

En la actualidad, existen diversos procesos en la

producción de una canción, un solo proyecto
puede pasar por tantas personas como lo
permitas. Business Manager, Manager Personal,
Production Manager, Director Musical, Ingeniero
De Grabación, Ingeniero de Mezcla, Ingeniero
De Mastering, Artista entre otros. Lo mejor y
peor de esto, es que ¡todos dan su opinión y la
opinión de todos es diferente!
Hasta principios de la década de los ochenta la
mezcla no era un proceso separado de la
producción, la primera persona que puso el foco
de atención en la profesión especializada de
ingeniero de mezcla fue Bob Clearmountain,
cuando por la misma fecha entraron a la
industria el sampling y la grabación en discos
duros, quienes sin lugar a dudas dieron lugar
mucho después a nuestros actuales y potentes
DAWs (Digital Audio Workstation) tan modernos
como los conocemos.

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 ¿Por qué es tan importante la primera escucha?
P i e n s a e n e s t o . To d o s h e m o s t e n i d o
experiencias asombrosas en nuestra vida, y
todas por naturaleza coinciden en que la primera
vez nos emocionaron tanto que incluso
decidimos repetirlo. Como cuando fuiste a un
cinema por primera vez, o cuando conseguiste el
equilibrio en la bicicleta por primera vez. Todas
esas fueron, en su momento, experiencias
fenomenales, más de lo normal, después
empezamos a acostumbrarnos y lo asombroso
poco a poco se convirtió en lo normal. Lo normal
es que no pierdas el equilibrio en la bicicleta, lo
normal es que el cine suene increíble y tenga
efectos especiales y postproducción de calidad,
porque cuando no es así entonces entramos en
la situación contraria.
Pues bien, eso es exactamente lo que pasa con
la primera escucha de una mezcla o la primera
idea de una canción.
NUNCA HAY UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD
PARA UNA PRIMERA IMPRESIÓN.
Cuando escuchas por primera vez una canción,
en cualquier contexto, es la única ocasión en la
que escuchas de la misma forma en la que un

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 consumidor la escucharía, al final de la ecuación,
es a él a quien queremos deleitar, ¿no es así?
Entonces ¿qué es lo que pasa cuando has
trabajado horas, días, ¡incluso semanas! bajo una
canción? Teniendo un factor en contra, eres el
autor de la canción y la has compuesto, tocado,
programado, pre-mezclado y muchas cosas más.
Creo que ya entiendes por donde voy.
Cuando componemos una canción y la
producimos, nuestro cerebro se acostumbra a
escucharla de cierta forma, ya te has casado con
una sonoridad, le has dado un estilo más allá del
puramente musical (de lo contrario seríamos
editores de partitura y no productores
musicales), sin embargo, lo que debes entender
es que lo has hecho ¡de la peor forma posible! Es
como criar a un hijo, cuando percibes un cambio
drástico en su personalidad te alteras
demasiado, cuando tu hija consigue novio solo
hay dos opciones, sentir ira o preocupación,
(privilegiados son los que sienten felicidad).
Lo mismo pasa con la música, de tanto trabajar
en tu proyecto ya tienes la canción hasta en tus
sueños, y eso genera una gran desventaja en tu
trabajo de mezcla real. Es entonces cuando

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 debes aceptar que tu hija (tu canción) debe
conseguir novio (el ingeniero de mezcla) pues ya
tiene 50 años y sigue viviendo en casa.
Es por esta razón que te recomiendo escuchar la
canción con oídos frescos, y si has sido el autor
o coautor de la canción, permítete solicitar
ayuda a un tercero para la mezcla. En este punto
no vas a escuchar como un sello, ni como un
programador de radio, mucho menos como un
consumidor, en este punto has agotado la magia
de la primera escucha.
Puede que estés enamorado de tu canción,
orgulloso de tu sonido y tu estilo, ilusionado por
la verdad absoluta de la perfección con esos
trucos excepcionales que has usado para la
producción. O incluso peor, puedes sentir todo
lo contrario y estar completamente frustrado y
cansado de tu canción… Pero por favor, no te
dejes engañar por tu peor enemigo… tu mismo.

Ventajas de tercerizar el proceso de mezcla

El ingeniero de mezcla cobra por mejorar la
calidad del audio al mismo tiempo que respeta la
integridad y la intención de la producción.

25
 El trabajo del ingeniero de mezcla jamás será el
de juzgar tu música. Tu debes ser lo
suficientemente consciente de que si confías en
la persona a la que le delegas ese trabajo, es
porque está preparada y te va a entregar un
resultado optimizado.
En el proceso de mezcla como hemos visto es
fundamental contar con el privilegio de la
primera escucha, en ella el ingeniero de mezcla
inmediatamente imagina hacia dónde quiere
dirigir la música, el productor (si cuentas con
uno) identifica claramente las fallas estructurales,
entre otras muchas cosas que pueden
enriquecer tu música.
Dejar el ego a un lado y permitir
recomendaciones y sugerencias es un don que
algunos tienen y otros deben desarrollar, lo
cierto es que como músicos nos corresponde
dejarnos asesorar, pues de ello pueden salir
resultados fenomenales.
¿Recuerdas que al principio mencioné que las
opiniones son una ventaja y desventaja al mismo
tiempo? Pues bien, ya conoces el lado positivo,
pero ¡no escuches todas las opiniones! o si no te
volverás loco. Establece objetivos claros con
personas en las que confíes y te puedan aportar

26
 valor con su primera escucha, enfócate en esas
metas y sigue adelante, no cambies tu plan
todos los días, de lo contrario nunca acabarás.

Tips para una primera escucha adecuada

1. La primera escucha es 100% emocional, es
por eso que es tan importante


2. Haz una segunda escucha a conciencia, esta

es siempre de carácter analítico


3. Toma notas!!!


4. Recuerda que las decisiones relacionadas con

orquestación son parte de la producción, no
de la mezcla. Si vas a hacer ambos procesos
tu mismo, divídete en dos, eres dos personas,
separa tu yo productor de tu yo ingeniero.


Después de la mezcla
Cuando tu mezcla esté acabada, considera la
posibilidad de llevarla a un estudio de mastering
e invertir un par de horas con el ingeniero de
masterización, recuerda que él también tiene el

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 privilegio de la primera escucha, y no solo eso.
Mientras un ingeniero de mezcla trabaja en un
álbum al mes, un ingeniero de mastering trabaja
en diez, por lo que tiene una concepción de la
música y de las sonoridades completamente
diferente a la de todo el equipo de producción.
Aprovecha este beneficio y nuevamente,
permítete el derecho a los aportes ajenos.

28
UN BUEN USO DE LA
REVERBERACIÓN

Usar la reverberación correctamente puede ser

un asunto complicado. Es una herramienta
poderosa ya que nos permite ubicar los sonidos
en un espacio y definir cómo queremos que sea
ese espacio.
Hacer que un sonido suene más grande que en
la vida real nunca había sido tan sencillo, pero
cuidado, no utilices la reverberación en todas
las pistas. Los oídos del oyente interpretarán
naturalmente el ambiente de nuestra música
como una sensación de espacio, y si este es muy
artificial perderás el contacto orgánico con él.
Claramente puedes usar la reverberación
desproporcionadamente como desarrollo de una
idea creativa siempre que esta esté
contextualizada correctamente.
Dependiendo de la demanda de tu producción,
define si te va mejor usando una reverberación
artificial (plate, spring, digital, etc) o una
simulación natural (room, hall, stage); Para estas

29
 últimas, suelo utilizar mucho las reverberaciones
por convolución, que son reverberaciones que
simulan espacios reales, creadas a partir de
mediciones de tal espacio transformadas en
algoritmos que lo modelan, ¿una locura verdad?
Altiverb es una de las reverberaciones que más
me gustan para esa labor.
En lo personal, me gusta utilizar diferentes tipos
de reverb dependiendo de la sección de la
canción en la que estoy. El coro requiere de una
grandeza especial, y una configuración adecuada
de la reverb me ayuda mucho sin tener que
mover ni un solo decibel en los faders.
¡Pruébalo! Eso sí, utilizo una sola a la vez, no
olvides que la reverb es una herramienta para
ubicar espacialmente los sonidos, no querrás
tener el piano en un salón y la guitarra en una
iglesia.

El Predelay
No pases por alto el parámetro del predelay, las
reflexiones tempranas definen MUCHO nuestra
reverberación y el tamaño de nuestro espacio.

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 Presta atención al siguiente tip:
Me ha funcionado muy bien ajustar el predelay
de mis reverberaciones a un valor múltiplo del
tempo de la canción. Es decir, si mi canción tiene
un tempo de 100 BPM, puedo saber por
matemática que una negra acontece cada
600ms, una corchea cada 300ms, una
semicorchea cada 150ms y así sucesivamente.
La conclusión clave en esta matemática está en
que si el predelay de la reverberación y el tempo
de la canción se encuentran en armonía, la
unidad de mi mezcla y la sonoridad de la música
misma ¡se enriquece infinitamente!
No te preocupes por hacer el cálculo cada vez
que inicias un proyecto, para todo existe una
app. Te recomiendo Neoduction Tools, una
aplicación en la que puedes calcular con
facilidad estos valores.

31
LA MASTERIZACIÓN

Hemos tocado por encima el concepto de la

masterización. Esta es la última (pero no menos
importante) etapa de una producción profesional
en cuanto a desarrollo nos referimos. Y digo en
cuanto a desarrollo porque no es justamente la
última etapa radical de un álbum o canción,
p o s t e r i o r m e n t e v i e n e n m á s p ro c e s o s
administrativos como el lanzamiento, promoción,
ventas, etc.
La masterización suele pensarse como un
proceso misterioso en el ámbito musical, parece
como una casa de las brujas en el que todo lo
que entra sale diferente, y lastimosamente no
muchas veces mejor. Por eso es bueno que le
dediques un buen presupuesto a la etapa de
masterización y escojas un buen estudio e
ingeniero para elaborar dicha labor.
Irónicamente muchos músicos y productores no
siguen este consejo, y cometen el error de
masterizar su canción en un sitio de mediana o
baja calidad, o mucho peor, lo masterizan por
ellos mismos en su home studio. ¡Pésima

32
 elección! El mastering es un proceso muy
delicado en la cadena de desarrollo de la música,
es el encargado de articular nuestra producción
con el cliente final, gracias a él tus piezas
tendrán las cualidades de calidad para salir al
mundo real. Es como la palmadita que le da el
doctor al bebé justo cuando nace, ¡ya estas listo
para vivir en el mundo chiquitin!
Originalmente el mastering simplemente
consistía en llevar la canción al estudio para que
la prepararan para un consumo regular masivo
en formatos como vinilos, CD´s o MP3.
Actualmente aún conserva su esencia, aunque
con el pasar de los años fue incluyendo ciertos
procesos como ecualización, compresión,
regulación de loudness, entre otros. Por eso es
importante que (si cuentas con presupuesto)
tercerices este paso.
Si no cuentas con el presupuesto
correspondiente, debes nuevamente
desdoblarte y convertirte en dos personas
diferentes, pues el mastering es a la mezcla
como la mezcla es a la producción. Ponte tu traje
de mastering y dale una mirada a tu música
desde una perspectiva diferente.

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 Debes saber que en general, cuando los
ingenieros de mezcla o productores intentan
masterizar sus canciones, ¡sale muy mal! por lo
cual es importante que sostengas buenas
relaciones con ingenieros de masterización de
alto nivel, con los que te sientas cómodo, a los
que les puedas confiar tu música, o la de tu
cliente. Te advierto que no se encuentran
buenos ingenieros de masterización en cada
esquina, son escasos, y si das con uno de mala
calidad puede destrozar tu mezcla por completo.

¿Qué esperar de la masterización?

Referenciate de una canción que te encante (o a
tu cliente), escoge una que cuente con una
calidad superior, si la puedes descargar en
formato WAV, AIFF o FLAC mucho mejor.
Concéntrate en aspectos como las dinámicas, la
estereofonía, la amplitud espectral, el loudness, y
otros aspectos que consideres importantes
dignos de potenciar. ¡Pero cuidado! ya lo he
dicho antes, tienes que ver el mastering como
u n a e t a p a d e e n r i q u e c i m i e nt o , n o d e
correcciones. No esperes que el mastering sea

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 esa clínica estética en donde todo lo feo sale
bello, no abuses de la pereza y mediocridad en
tu mezcla, producción o incluso en tu
composición creyendo que el mastering va a
corregirlo.

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cons=tuir un delito contra la propiedad intelectual.
 SIETE
TÉCNICAS
PARA UNA
PRODUCCIÓN
MUSICAL
EXITOSA

Felipe García