APUNTES HISTORIA DEL ARTE

ARTE GRIEGO, ROMANO, BIZANTINO

1. EL PARTENÓN.

Levantado durante el gobierno de Pericles, entre el 447-437 a.C, es obra de los

arquitectos Ictino y Calícrates, siendo todo el trabajo supervisado por Fidias. La
construcción se pagó con el dinero de la liga de Delos, que Atenas administraba.
El templo está consagrad a la estatua criselefantina de Atenea Parthenos. Dicha
estatua fue obra de Fidias, se ha perdido y solo nos quedan copias romanas en
mármol.
La columnata exterior del templo es de estilo dórico, octástilo y períptero, pero
la columnata interior es jónica. El Partenón es el mayor ejemplo de la maestría
griega en cuanto a efectos visuales (correcciones ópticas):
A) Ni el entablamento ni estilóbato son rectos, sino ligeramente convexos
(corrige la impresión de estar ligeramente hundido)
B) Los intercolumnios no mantienen siempre la misma distancia ni las columnas
son todas de las mismas dimensiones, sino que las de los extremos son más
gruesas (para evitar de esta forma que al recibir la luz parezcan más estrechas).
C) Asimismo, el edifico está ligeramente inclinado hacia el exterior, para evitar
que dad su altura parezca que se desploma sobre el espectador.
El material del que el templo está construido es mármol rosado del Pentélico,
una cantera situada a unos pocos kilómetros de Atenas. Los sillares están
unidos sin argamasa y en ocasiones se emplean grapas para su sujeción. No
debe olvidarse que el templo (frontones y metopas) fue pintado de vivos
colores (rojo, negro y azul) para que resaltaran más las esculturas.
En la baja antigüedad, el templo fue convertido en Iglesia Cristiana, en el siglo
XVI en mequita y posteriormente la guarnición turca lo transformó en un
polvorín. Sobre este polvorín cayó una bomba veneciana en 1687 (Almirante
morosini). Finalmente, Lord Elgin, embajador británico ante la sublime puerta,
pidió permiso para trasladar a Inglaterra las esculturas (Los frontones, algunas
metopas y el friso de las panateneas).

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2. EL ERECTEION

Construido en el 420, fue ideado por Filocles, por la complejidad de su planta

es una excepción entre los templos griegos. Está dedicado a tres divinidades:
Atenea, Poseidón y Erecteo. En sus relieves se narra la lucha entre Atenea y
Poseidón por el dominio de la Acrópolis. Finalmente venció Atenea, simbolizada
en un olivo (tierra) frente a Poseidón simbolizado en una fuente (agua). El
templo se acomoda al fuerte desnivel del terreno, posee dos pórticos de cuatro
y de seis columnas jónicas, pero destaca el pórtico sur donde se encuentra la
tribuna de las cariátides. Se trata de esculturas femeninas que tienen una doble
función, decorativas y sustentante, miden 2,5 metros y se encuentran en una
actitud clásica, descansan el peso del cuerpo sobre una pierna. Sobre la cabeza
llevan un canastillo a modo de equino y un ábaco. El entablamento está
formado por un arquitrabe jónico dividido en tres bandas, sin friso. Una de
estas cariátides fue trasladada y se conserva en el British Museum.
3. EL TEATRO DE EPIDAURO.

Fue construido en el siglo IV por Policleto el Joven. Tiene aforo para 15.000
espectadores y está dotado de unas excelentes condiciones acústicas y perfecta
visibilidad. El teatro griego aprovecha las condiciones naturales del terreno para
acometer la Cávea, según la pendiente de la colina. La cávea es ultra
semicircular, dispuesta en torno a al orchestra circular, en la que actúa el coro.
El resto de la actuación se realiza en la escena.

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4. KOUROS (S. VI a.C)

Representa a un atleta desnudo, a un ganador de los juegos olímpicos,

presenta un claro convencionalismo, de influencia egipcia:
a) Frontalismo: La obra solo permite una visión frontal.
b) Simetría: las formas son compactas e incluso los brazos aparecen pegados al
cuerpo.
c) Estatismo: aunque presenta una pierna adelantada, no consigue dar la
sensación de movimiento.
d) Representación anatómica precaria. El torax abombado en contraste con el
abdomen reducido. La difícil representación de la rodilla se consigue colocando
un trapecio invertido. Mientras que la espinilla es una arista.
e) La cabeza también se inclina mediante formas geométricas. Presenta una
sonrisa arcaica (labios arqueados hacia arriba) ojos almendrados y pelo
geométrico.
En cuanto a los aciertos, hay una búsqueda del naturalismo y el rigor físico.
5. KORÉ

También escultura de la época Arcaica (S.VII a.C), a diferencia de los Kouroi,

las korai aparecen siempre vestidas, las figuras se cubren con las típicas
prendas “quitón” y “peplos”. Los pliegues están dispuestos de forma geométrica
y también presenta la típica sonrisa arcaica (labios arqueados hacia arriba).
Sobre su función hay cierta polémica, pueden ser sacerdotisas, exvotos o

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también representaciones de la diosa Atenea. Están realizadas en caliza y

mármol, y presentan restos de policromía.
6. AURIGA DE DELFOS.

S. VI a.C, transición a la escultura clásica. Según la inscripción en el pedestal, la

obra fue ofrecida por Polizaros, tirano de Sicilia como exvoto por haber sido
vencedor de carros. Por lo tanto, es una obra de carácter conmemorativo, y es
casi lo único que nos queda de la escultura antigua y fue fundido en trozos
(pies, cabeza y manos).
Destaca la gran túnica que cae hasta los pies y que se parece a las estrías de
una columna dórica, aunque los pliegues son distintos entre sí. El modelado de
la cara es suave y hay disimetría entre los dos lados. Los ojos son postizos y
dan sensación de vida y serenidad. El pelo presenta una cinta decorada con
grecos pero está tratado con forma geométrica con mechones pegados a la
cabeza. Muestra los tendones expresando así fuerza, lo fundamental es que se
ha roto con la frontalidad, ya que la mirada de la Auriga es oblicua.
7. MIRÓN EL DISCÓBOLO (S V a.C)

Copia romana hecha por Mirón, era un broncista de la escuela de Argos. Esta
obra representa el instante fugaz que precede al lanzamiento del disco. La
composición es innovadora, ya que el interés del escultor está en representar el
cuerpo humano en movimiento. Todos los músculos están en tensión, en
función del lanzamiento del disco. Se ha perfeccionado la representación
anatómica, la tensión de los muslos, no los dedos de los pies que se agarran al
suelo. No obstante, este esfuerzo no se manifiesta en el rostro que resulta
imperturbable, tal vez como reflejo de la serenidad clásica que llamamos
“ethos”.
En esta obra perviven algunos arcaísmos, como son los mechones de pelo

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geométricos y la postura convencional como en un relieve, piernas de perfil,

cuerpo de frente y cabeza de perfil.
8. POLICLETO (DORÍFORO) (S V.)

Original en Bronce, copia romana, representa a un joven que porta una lanza
(la cual ya no está), es posible que sea tal vez el héroe Aquiles; Policleto
plasmó en esta obra sus estudios sobre el canon del cuerpo humano, cuya
unidad es la cabeza que corresponde a 1/7 de todo el cuerpo. También el
rostro se divide en tres partes, 1/3 la frente, 1/3 la nariz, 1/3 la boca y el
mentón. La disposición de la figura responde a un ritmo muy estudiado, la
pierna derecha soporta el peso del cuerpo, lo que deja libre la izquierda que
toca el suelo con el extremo del pie. En los brazos, el derecho no realiza ningún
esfuerzo y cae relajado y se dobla para tomar la lanza. Este ritmo cruzado se
denomina contraposto. Otra obra de Policleto es el Diadumeno.
9. FRISO DE LAS PANATENEAS, FIDIAS (S V a.C)

Se trata de un friso continuo, jónico de 160 metros que rodea la parte superior
de la celda del Partenón, se representa la procesión de las Grandes Panateneas,
que se realiza cada 4 años en honor de la Diosa, y en la cual las jóvenes
atenienses le regalaban un peplos tejidas por ellas mismas.
Delante de ellas, los arcontes dirigen la marcha. Es un medio relieve que iba
sobre un fondo negro pintado para que resaltara más la figura.
Lo más sobresaliente, es la representación de las doncellas, a menudo en
parejas, que siguen un ritmo que no suele repetirse, en estas figuras caen los
pliegues de los vestidos creando esta sensación de movimiento. Esta obra
representa el clasicismo en su momento de máxima moderación, es decir, el
equilibrio entre la belleza física y la espiritual. Otros relieves del Partenón
debidos a Fidias y su escuela son:
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-Los frontones; En los que se representa el enfrentamiento entre Poseidón y

Atenea, y el nacimiento de la diosa.
-Las metopas; En los que se representa la lucha entre la civilización y la
barbarie, en 4 ciclos:
~Gigantomaquia
~Amazonomaquia
~Centauromaquia
~Guerra de Troya
Es famosa la metopa 30 en la que se dice que está representado el Centauro
Quirón, maestro de Aquiles.
10. HERMES CON EL NIÑO DIONISO (PRAXÍTELES).

En el siglo IV se desarrolla lo que se ha llamado el segundo clasicismo.

Aparecen nuevos valores como son un mayor realismo, por ejemplo, en el
cultivo del retrato, una mayor representación de los sentimientos humanos y un
aspecto más mundano en la representación de los dioses (escepticismo).
Destacan tres escultores: Praxíteles, Scopas y Lisípo, y un nuevo canon de
belleza ideal. Praxíteles ve a los dioses como seres humanos normales,
desprovistos de majestad, en este caso suponemos que Hermes esta
enseñando un racimo de Uva a Dionisos. Acentúa las curvas mediante la actitud
de apoyar el cuerpo en una pierna, lo que se conoce como curva “praxiteliana”.
Las expresiones de los rostros son melancólicas y muy pulidas.

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11. APOXIOMENOS (LISÍPO).

Lisípo crea un nuevo canon de belleza masculina, un tipo más esbelto que el de
Policleto, en la que la cabeza equivale a un octavo del cuerpo. Las piernas se
alargan y se reduce el tamaño de la cabeza.
También el tema ha cambiado, ahora no se recoge un momento nada heroico,
sino cuando el atleta se limpia el polvo de la palestra con el estrígilo.
Otro aspecto formal que cambia es la dimensión espacial. El atleta adelanta sus
brozas hacia el espectador, con lo que la escultura gana espacio y pierde la
frontalidad, pudiendo ser contemplada desde distintos puntos de vista.
12. VICTORIA DE SAMOTRACIA.

Pertenece al arte helenístico. Escuela de Rhodas. Representa a una victoria

alada, de pie con las alas desplegadas como si estuviera en la proa de un barco.
Contrasta la firmeza de su cuerpo, que se deja entrever a través del paño, con
la ligereza de los pliegues movidos por el viento. Se conserva en el musée du
Louvre.

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13. VENUS DE MILO.

Estilo helenístico. Esta obra por la severa expresión del rostro y la belleza
tranquila del torso se enlaza con el periodo clásico.
14. EL ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO.

Fue levantado en la acrópolis de Pérgamo por el rey helenístico Eumenes II.

Representa fuertes emociones, por lo que la relacionamos con el “pathos”
griego. La obra ha influido en la estatuaria posterior y en concreto ha inspirado
el grupo de la Marsellesa del Arco del triunfo de París.
15. TEATRO ROMANO DE CARTAGENA

Se levantó en la ladera norte del monte de la Concepción, con el fin de

aprovechar su inclinación para el graderío (cavea). La ladera rocosa fue
recortada al efecto con el fin de acomodar la arquitectura, sus dimensiones son
de 80 metros de diámetro y 20 de altura. Como es propio de los teatros
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romanos es semicircular. Se ha reconstruido el frente escénico. También se

puede intuir el pórtico situado detrás de la escena en el que según el tratadista
romano Vitrubio podía servir de refugio de los espectadores en caso de lluvia.
El edificio está dedicado a Caius y Lucius caesar, príncipes de la juventud, es
decir a los nietos del emperador augusto. Se puede fechar el teatro entre el
año V a.C y el año I d.C. La función del edificio son los ludi scaeni, pero
también se busca la difusión de la ideología imperial. En las excavaciones se
han descubierto altares dedicados a la triada capitolina.
16. LAOCOONTE. (Museo Vaticano)

Fue realizado en el Siglo I a.C y pertenece a la Escuela de Rodas. Se trasladó a

Roma donde fue descubierto en el siglo XVI e influyó en el Renacimiento
Italiano, por ejemplo en Miguel Ángel. El tema muestra al sacerdote troyano
Laocoonte que fue condenado junto con sus hijos a morir por medio de las
serpientes por desobediencia a los dioses. Se opuso a que el caballo hecho por
los griegos fuera introducido dentro de las murallas de Troya.
La composición está pensada para ser vista de frente. Se rompe el equilibro
clásico y la serenidad en pro de un gran dramatismo (pathos) creando además
dos líneas diagonales que contribuyen a este barroquismo. Que viene además
marcado por la torsión en espiral de Laocoonte. Es patética la expresión,
Laocoonte tiene la boca entreabierta, el rostro contrito de dolor. Los rostros de
los hijos son, en cambio, más serenos. Muestra el supremo dolor físico (por
liberarse de las serpientes) y el supremo dolor moral (por la muerte de sus
hijos).
El hiperrealismo llega al extremo de que se suele decir que el costado de
Laocoonte se encuentra paralizado por el veneno de las serpientes. Los rostros
y cuerpos de los hijos son menos perfectos, más que niños lo que se muestra
son una especie de adultos a escala menor.
Esta obra refleja influencias del Siglo IV y en concreto de Scopas.

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17. PATRICIO BARBERINI.

Muestra a un noble Romano portando las efigies de sus antepasados fallecidos

(Imagines maiorum). Era costumbre de las clases altas romanas, el que tras la
muerte de un familiar se sacase una mascarilla de cera de su rostro, que a
veces se trasladaba al mármol (Incluso se podía llevar en procesión al foro).
Estas imágenes eran depositadas en el atrio de la casa donde recibían culto.
Según el historiador Polidio, el tener muchas imágenes de los antepasados era
signo de nobles. De esta costumbre y de la influencia etrusca sale el Realismo
del teatro romano.
18. IMAGEN DE AUGUSTO DE PRIMA PORTA.

Nos presenta al emperador Augusto, dirigiéndose a sus legiones. A ello

corresponde la coraza militar y la mano alzada. Viste la toga de Senador, a sus
pies aparece un Eros que rompe en cierto modo la solemnidad del acto y que
puede simbolizar el origen de la familia Julia, de la gens Iulia. La obra es de un
artista griego que adaptó el Doríforo de Polícleto, le vistió la coraza y le hizo
alzar la mano. El emperador aparece idealizado, como un apuesto joven, clara
influencia del idealismo griego. También la coraza muestra una interesante
iconografía. Probablemente aluden a la recuperación de las águilas que los

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germanos habían arrebatado al general “Craso”. La toga es de senador,

significa que tiene el poder político.
19. ARA PACIS (Augustae)

Tras acabar las guerras en Hispania contra cántabros y astures entre los años
13 y 9 a.C, Augusto mandó colocar en el campo de Marte un altar a la paz.
Símbolo por excelencia de la llamada pax romana. Se trata de un movimiento
de planta cuadrada en cuyo centro estaba el altar. Decoración en cuatro grupos:
a) Dos frisos externos con el desfile procesional.
b) Cuatro relieves a ambos lados de las puertas.
c) Un zócalo corrido externo con noleos de acanto.
d) Un zócalo corrido interno con búcalos y guirnaldas.
El relieve más conocido representa la procesión de la familia imperial,
magistrados y senadores que se dirigen a la inauguración de este mismo altar.
El relieve recuerda el friso de las panateneas, pero en este caso, dispuesto a la
romana, es decir, ordenado mediante la jerarquía política (algo muy distinto al
tropel indisciplinado de Fidia, aquí todo es orden y sosiego).
Un rasgo estilístico importante es la composición de las figuras en dos planos,
hay también que destacar que se trata del primer retrato de arte
contemporáneo. También es de destacar los relieves alegóricos situados a los
lados de las puertas. Las escenas más conocidas son dos:
1) El sacrificio de Eneas.
2) La representación de la diosa tierra con dos niños (la parte mejor
conservada del Ara). Todos los elementos (alegoría de la tierra, mar y aire)
proceden de la estatuaria alejandrina. Su autor pertenece a la escuela neoática
(idealismo, se dejan llevar por ello).
20. LA COLUMNA TRAJANA (Emperador Trajano nacido en Itálica, hoy
Sevilla)

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El respeto que a lo largo de la historia ha tenido la figura de Trajano, ha hecho

que esta columna que elogia sus victorias se haya conservado en buen estado
hasta hoy. Sin embargo, ha perdido la estatua del emperador que la coronaba
siendo sustituida por un San Pedro. En su base se guardaban las cenizas del
emperador.
La columna es una espiral continua que narra las campañas de Trajano en la
Dacia, hoy Rumania, se extiende por más de 200 metros de escultura y se
esculpieron más de 2500 figuras.
El relieve narra las dos guerras Dacias y su función es eternizar las victorias del
emperador. Predomina las escenas de guerra, los asaltos de ciudades, las
marchas militares, etc… El hilo conductor es la figura de Trajano, situado
normalmente entre sus oficiales. El paisaje de fondo no tiene un carácter
descriptivo no sino representativo y termina con la victoria del emperador sobre
el caudillo Decébalo.
En cuanto a la perspectiva, se utiliza la superposición de planos, procedimiento
ya superado pero que aquí facilita la claridad narrativa. También sobresale la
desproporción entre las figuras y las cosas, sistema elegido no por la impericia
del escultor sino en pro de la claridad. En cuanto al autor, la unidad de toda la
cinta indica una única mano, no obstante, su realización pudo ser obra de
varios escultores.

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21. ESTATUA ECUESTRE DE MARCO AURELIO (S. II)

Hecha en bronce, se situa en la plaza del capitolio y es la única de su género

que ha llegado hasta nosotros. La causa es que en la Edad media se creyó que
representaba a Constantino. Sin embargo, se ha perdido la figura del Bárbaro
vencido que hubo de yacer debajo de la pata del caballo. El animal está
perfectamente representado y muestra una gran fogosidad, Marco Aurelio, en
cambio, va vestido con una indumentaria corriente, sin los atributos de General.
Su aspecto tal vez refleja su condición de filosofo estoico. La obra aún conserva
parte del dorado que en su tiempo la revistió. Esta obra sirvió de inspiración a
las estatuas renacentistas de Donatello y Verochio.
22. ESQUEMA DE UNA BASÍLICA PALEOCRISTIANA (PLANTA Y ALZADO).

Después del Edicto de Milán (313), dado por Constantino, la Iglesia salió de las
catacumbas y desarrolla sus ritos en edificios construidos al efecto.
Las primeras iglesias tomaron como modelo la basílica romana. Esta consta de
una sala longitudinal de tres o cinco naves de las cuales la central es la mas
ancha y alta que las otras y está rematada en un ábside. Dada la menor altura
de las naves laterales, en estas se puede colocar un trifolium o matronium, por
estar destinada a las mujeres. La cubierta es de madera a dos aguas. La rápida
elección de la Basílica como templo cristiano sugiere una elección consciente, el
edificio más adecuado de los ya existentes para la celebración de los ritos
cristianos. Otras partes de la basílica son el nártex o vestíbulo para los
catecúmenos y un atrio. Entre las basílicas más importantes de Roma están la
de San Pedro, San Pablo extramuros y Santa Maria la mayor.

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23. BASÍLICA DE CONSTANTINO.

Esta construida sobre la tumba del Apostol San Pedro, es un edificio de cinco
naves separadas por columnas. Y culimnada en un ábside, precediendo a la
Basílica había un atrio y un nártex dedicado a los catecúmenos.
24. MAUSOLEO DE GALA PLACIDIA.

El mausoleo de Gala Placidia en Rávena es un pequeño edificio de planta

cruciforme construido en el siglo V al exterior muestra una clara distribución de
volúmenes decorados con arquillos ciegos y barras lombardas. Al interior es un
espacio con cuatro bóvedas de cañón y una cúpula central revestida de
mosaicos entre los que destaca el buen pastor. Aparece uno de los leretos (en
forma de media luna) sobre un fondo del paisaje. Se nos muestra a Cristo con
el cuerpo erguido volviendo el rostro y con el brazo en alto, en cierto modo
como un dios pagano. Los cristianos adoptaron la mitología romana dotándola
de nuevos significados, la figura de Cristo está inspirada en la de Apolo y en el
tradicional Moscóforo. Otras veces se representa también a Cristo como Orfeo.

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