Documentos de Académico
Documentos de Profesional
Documentos de Cultura
Mezcla
En
reproducción
y
grabación
de
sonido,
mezcla
de
audio
o
mixdown
es
el
proceso
por
el
cual
múltiples
sonidos
grabados
se
combinan
dentro
de
uno
o
más
canales,
por
ejemplo
estéreo
de
2
canales,
Surround,
etc.
En
el
proceso,
el
nivel,
contenido
armónico,
dinámicas,
y
posición
panorámica
son
manipulados
con
posibilidad
de
que
efectos
como
reverberación
puedan
ser
agregados.
Esta
práctica,
estética,
y
tratamiento
creativo
se
realiza
con
la
finalidad
de
producir
una
mezcla
que
sea
más
atractiva
para
los
escuchas.
Antes
de
la
aparición
de
los
digital
audio
workstations
(DAWs),
el
proceso
de
mezcla
comúnmente
se
llevaba
a
cabo
en
una
mesa
de
mezcla
o
consola.
Actualmente,
más
y
más
ingenieros
y
artistas
independientes
están
usando
computadoras
personales
en
este
proceso.
Las
mesas
de
mezcla
o
consolas
continúan
jugando
un
papel
importante
en
el
proceso
de
grabación.
Usualmente
son
usadas
en
compañía
de
un
DAW,
aunque
el
DAW
solo
se
puede
utilizar
como
grabadora
multipista
y
para
editar
o
secuenciar,
mientras
la
mezcla
real
se
lleva
a
cabo
en
la
consola.
Como
un
recurso
del
personaje:
Los
directores
pueden
añadir
una
voz
en
off
en
la
fase
de
producción
porque
el
argumento
o
la
motivación
del
personaje
no
es
inmediatamente
clara;
por
ejemplo
Francis
Ford
Coppola
añadió
la
voz
en
off
al
personaje
del
Capitán
Willard
en
Apocalypse
Now
para
clarificar
los
pensamientos
e
intenciones
de
Willard.
En
la
versión
de
la
película
Moby
Dick
de
1956
de
Herman
Melville,
Richard
Basehart,
como
Ishmael,
narra
la
historia
y
a
veces
comenta
la
acción
en
voz
en
off,
igual
que
hace
William
Holden
en
las
películas
El
crepúsculo
de
los
dioses
y
Espía
por
mandato.
La
técnica
de
voz
en
off
también
se
usa
para
dar
voces
y
personalidades
a
personajes
de
dibujos
animados.
Entre
los
actores
de
voz
más
sobresalientes
y
versátiles
se
encuentran
Mel
Blanc,
Don
Messick
y
Daws
Butler.
Como
un
recurso
creativo:
En
las
películas,
el
director
de
cine
pone
el
sonido
de
una
voz
humana
(o
varias
voces)
sobre
imágenes
mostradas
en
la
pantalla
que
pueden
estar
o
no
relacionadas
con
las
imágenes
mostradas.
Por
consiguiente,
las
voces
en
off
se
usan
a
veces
para
crear
un
contrapunto
irónico.
También,
de
vez
en
cuando
pueden
ser
voces
aleatorias
no
directamente
relacionadas
con
la
gente
que
se
ve
en
la
pantalla.
En
obras
de
ficción,
la
voz
en
off
es
usada
a
menudo
por
un
personaje
para
reflexionar
sobre
su
pasado,
o
por
una
persona
externa
a
la
historia
que
normalmente
tiene
un
conocimiento
más
completo
de
los
acontecimientos
de
la
película
que
los
otros
personajes.
El género del cine negro está especialmente asociado con la técnica de voz en off.
Como
un
recurso
pedagógico
o
descriptivo:
La
voz
en
off
tiene
muchas
aplicaciones
en
la
no
ficción
también.
Los
telediarios
están
a
menudo
presentados
como
una
serie
de
clips
de
vídeo
de
acontecimientos
de
interés
periodístico
(piezas
informativas),
con
la
voz
en
off
de
los
periodistas
describiendo
el
significado
de
las
imágenes
presentadas;
éstos
se
intercalan
con
videos
de
los
presentadores
de
noticias
describiendo
las
historias
mientras
no
se
muestra
el
video
de
los
acontecimientos.
Las
retransmisiones
deportivas
en
directo
se
muestran
a
menudo
como
voces
en
off
de
larga
duración
por
locutores
expertos
sobre
el
video
del
evento
deportivo.
Los
concursos
de
televisión
antiguamente
hacían
un
amplio
uso
de
la
voz
en
off
para
presentar
concursantes
y
describir
los
premios
disponibles
o
concedidos,
pero
esta
técnica
ha
disminuido
a
medida
que
los
concursos
se
han
movido
hacia
premios
predominantemente
de
dinero
en
efectivo.
Los
comentarios
en
voz
en
off
por
un
destacado
crítico,
historiador,
o
por
el
propio
personal
de
producción
son
a
menudo
una
importante
característica
de
la
publicación
de
películas
de
cine
o
documentales
en
DVD.
En
este
tipo
de
ejemplos
en
la
que
existe
un
narrador
mal
llamado
"voz
en
off"
es
más
exacto
y
correcto
aplicar
el
término
"voz
over"
o
"voice
over".
Como
un
recurso
publicitario:
El
uso
de
la
voz
en
off
en
la
publicidad
ha
sido
popular
desde
el
inicio
de
la
radiodifusión.
En
los
primeros
años,
antes
de
que
existiera
una
eficaz
grabación
y
mezcla
de
sonido,
los
anuncios
se
producían
"en
directo"
y
en
una
única
sesión
en
un
estudio
con
el
reparto
completo,
el
equipo
de
sonido
y,
normalmente,
una
orquesta.
Un
patrocinador
corporativo
contrataba
un
productor,
que
contrataba
escritores
y
actores
de
voz
para
interpretar
comedia
o
drama.
-‐Narrador:
A
diferencia
de
la
voz
en
off,
el
narrador
puede
aparecer
en
imagen,
la
intención
del
narrador,
es
contribuir
con
la
historia,
muchas
veces
es
utilizado
para
resumir
secuencias,
o
bien
reemplazarlas
y
así
adelantar
la
historia
que
se
cuenta
audiovisualmente.
Su
sentido
suele
estar
ligado
a
la
narrativa
de
la
historia.
A
veces
se
procesa
con
efectos,
pero
lo
más
importante
es
que
el
narrador
es
una
actor
que
con
su
voz
nos
transmite
sentimientos
y
un
punto
de
vista.
Narrador
Testigo.
El
narrador
testigo
es
un
espectador
del
acontecer,
un
personaje
que
asume
la
función
de
narrar.
Pero
no
es
el
protagonista
de
la
historia,
sino
un
personaje
secundario.
Cuenta
la
historia
en
la
que
participa
o
interviene
desde
su
punto
de
vista,
como
alguien
que
la
ha
vivido
desde
fuera,
pero
que
es
parte
del
mundo
del
relato.
Monólogo
interior.
El
monólogo
interior
introduce
una
reflexión
que
raya
en
la
disertación
sobre
un
tema(no
se
debe
confundir
con
el
stream
of
consciousness
o
como
flujo
de
conciencia)
es
la
técnica
literaria
que
trata
de
reproducir
los
mecanismos
del
pensamiento
en
el
texto,
tales
como
la
asociación
de
ideas.
-‐Doblajes:
Es
un
recurso
técnico
utilizado
para
reemplazar
el
registro
o
bien
para
reforzar
y/o
darle
coherencia
a
la
historia.
Consta
de
registrar
con
lypsinc
los
diálogos
del
film
en
Studio
y/o
en
mejores
condiciones
que
la
locación
del
registro.
Se
recomienda
utilizar
los
mismos
micrófonos
que
en
el
set,
se
suele
procesar
con
reverberancia
para
darle
la
espacialidad
que
exige
la
escena,
es
imperativo
contar
con
el
actor
y
la
secuencia
de
la
película
a
doblar.
Ambientes
Ambientes
Stereo:
Son
aquellos
ambientes
registrados
en
espacios
abiertos
con
microfonía
Stereo.
Suelen
registrarse
con
microfonía
Stereo
con
figura
XY
o
MS
(Recomendada
para
Post-‐Producción
envolvente).
Ambientes
Monofónicos:
Son
aquellos
registrados
por
Micrófonos
monofónicos,
y
en
la
Post
Producción
Envolvente
se
dirige
hacia
el
Center
para
acompañar
al
diálogo
principal
mientras
los
ambientes
Stereo
arropan
la
mezcla
por
los
Frontales
laterales
y
Surround.
Ambientes
Surround:
Son
ambientes
registrados
con
más
de
seis
micrófonos
colocados
con
una
distancia
y
angulación
específica.
Hay
marcas
que
vienes
con
los
micrófonos
instalados
en
un
dispositivo
para
ello.
Su
utilización
es
para
la
Post-‐Producción
Envolvente.
Room
Tones:
Son
los
ambientes
de
locaciones
cerradas
o
interiores.
Se
utilizan
para
darle
espacialidad
a
la
secuencia
y
es
muy
útil
para
solapar
las
frecuentes
automatizaciones
de
volumen
que
se
hacen
a
los
diálogos
durante
la
mezcla.
Música.
La
música
tiene
muchos
géneros
y
en
la
cinematografía
cualquiera
de
ellos
ha
sido
y
puede
ser
utilizado.
Dentro
de
la
Post-‐Producción
de
sonido
no
está
la
del
Musicalizador.
Musicalizar
es
un
proceso
que
se
realiza
durante
el
montaje
de
imágenes
y
se
culmina
en
la
post-‐Producción
de
sonido,
musicalizar
trata
sobre,
escoger
la
música
y
colocarla
en
el
timeline
en
los
momentos
precisos.
Por
lo
tanto,
la
música
durante
el
proceso
de
mezcla
se
automatiza
el
volumen,
de
ser
el
caso
se
efectiza
y
en
algunos
casos
se
ecualiza.
La
música
diégetica:
es
aquella
que
tiene
correspondencia
con
la
imagen.
El
típico
ejemplo,
American
Grafitti
de
Geroge
Luces
y
Sound
Design
de
Michal
Murch,
durante
toda
la
película
se
oye
música
en
los
lugares
y
espacios
donde
se
desarrolla
la
película.
En
este
caso,
la
música
es
trabajada
para
que
suene
con
el
efecto
espacial
que
requiere
la
escena,
para
ello
se
utilizan
efectos
de
reverberancia
y
se
automatiza
los
niveles
de
volumen
de
acuerdo
al
valor
del
plano,
así
como
también
se
panea
y
solapa
con
los
diálogos
ya
que
está
presente
en
el
contexto
de
la
historia.
La
Música
Extradiegética,
es
aquella
que
no
necesariamente
deba
ir
en
sincro
con
la
imagen
ni
esté
en
relación
directa
con
el
contexto
de
la
historia,
no
es
otro,
sino
piezas
musicales
colocadas
sobre
la
imagen,
que
pretende
estar
en
primer
o
segundo
plano
sonoro
cuando
esta
presente.
Al
igual
que
la
música
diegética
puede
o
no
ser
realizada
específicamente
para
el
producto
audiovisual.
En
post-‐producción
se
panea,
sea
utiliza
para
reforzar
la
envolvencia,
se
ecualiza
de
ser
necesario,
y
en
algunas
ocasiones
se
reemplaza
por
nuevas
piezas
o
mejores
versiones.
Efectos.
El
campo
de
los
efectos
es
muy
basto
y
su
utilización
y
tipo
responde
al
género
del
audiovisual,
es
importante
conocer
sus
tipos
y
nombres,
para
facilitar
el
acceso
a
los
mismos.
-‐
Efectos
Presentes:
Son
los
efectos
asociados
a
la
imagen,
que
no
son
necesariamente
hechos
para
la
película.
Por
ejemplo,
un
disparo,
corneta
de
carros.
Son
efectos
que
por
lo
genral,
vienes
de
Bibliotecas
de
sonido,
y
en
el
proceso
de
Post-‐Producción
se
modifican.
-‐Foleys:
Son
aquellos
sonidos
registrados
especial
y
únicamente
para
una
película,
van
en
sincronía
con
la
imagen,
y
por
lo
general
su
función
es
reforzar
las
acciones
o
bien
hacerlas
sonar.
Se
registran
en
salas
especializadas
o
studios
de
sonido
utilizando
micrófonos
monofónicos
o
Stereo.
Deben
grabarse
en
seco,
la
reverberancia
y/o
compresión
que
necesiten
se
agregará
en
Post-‐Producción.
Efecto
de
Fondo:
Son
aquellos
efectos
que
ayudan
a
ambientar
y
dar
armonía
a
la
escena.
Por
ejemplo,
sonidos
de
cotidianidad
de
una
cocina
mientras
se
ve
una
pareja
comiendo
en
un
restaurante.
Este
tipo
de
efectos
suele
confundirse
con
los
ambientes
también,
pero
responden
a
una
acción
o
una
sensación
que
se
quiera
trasmitir.
Efectos
de
Diseño
Sonoro:
Son
aquellos
efectos
realizados
para
la
película,
pero
que
son
modificados
o
creados
de
manera
especial
por
el
Ingeniero
de
mezcla,
para
darle
carácter,
personalidad
y/o
detalle
a
la
película.
Efectos
electrónicos
o
de
Producción:
Se
hicieron
populares
con
la
Ciencia
ficción,
pero
con
el
tiempo
otros
géneros
han
generado
nuevos
efectos
y
utilidades,
son
los
típicos
Whoosh,
zips,
impacts,
etc.
Son
efectos
creados
con
sintetizadores
e
instrumentos
virtuales,
por
lo
general
muy
elaborado
su
proceso,
es
por
ello
que
su
uso
responde
a
géneros
o
lenguajes
particulares.
Existen
distintos
tipos
de
efectos
de
Producción
utilizados
en
la
industria,
conocer
su
nombre
y
sonido
es
fundamental
en
la
creación
y
comunicación
del
Diseñador
de
Sonido
y
los
operadores.
A
Continuación
una
lista
de
los
más
conocidos:
Accent
Arpeggio
Ascend
Bed
Bumper
Burst
Chopper
Composition
Data
Element
Descend
Distortion
Feedback
Glitch
Hit/Impact
Hit
to
Whoosh
Logo
Musical
Element
Power
Down
Power
Up
Ramp
Shimmer/Tinkle
Stab
Station
ID
Stinger
Slutter
Sweeper
Swell
Tape
Rewind
Wash
Whoosh
to
Hit
Whoosh
Funciones
del
sonido
en
el
audiovisual:
·∙
Aporta
realismo
a
la
imagen.
·∙
Logra
fluidez
narrativa,
encadenando
elipsis,
cambios
de
lugar,
disolvencias,
etc.
·∙
Expande
el
espacio
narrativo
fuera
de
los
límites
de
la
pantalla.
·∙
Puede
afectar
emocionalmente
al
espectador.
·∙
Opera
como
anclaje
o
refuerzo
del
significado
de
la
imagen.
·∙
Permite
generar
contrastes.
·∙
La
música
puede
reforzar
la
acción,
en
su
sentido
imitativo.
·∙
La
música
puede
describir
la
imagen.
·∙
Crea
nuevos
sentidos.
Con
respecto
a
la
relación
con
la
imagen:
La
música
puede
formar
parte
de
la
historia,
de
lo
narrado,
o
ser
externa
a
la
narración
propiamente
dicha.
Lo
mismo
vale
para
efectos
y
ruidos.
Lo
narrado
se
conoce
como
Diégesis,
una
palabra
de
origen
griego
que
refiere
a
todo
lo
que
se
cuenta,
lo
que
tiene
que
ver
con
la
historia,
lo
que
transcurre
en
ella.
La
diégesis
puede
incluir
recuerdos,
sueños,
hechos
pasados
(flashback)
o
que
sucederán
(flash-‐forward).
Aquello
que
no
forma
parte
de
la
historia
se
denomina
extra-‐diegetico,
como
la
(mal
llamada)
“música
de
fondo”
que
no
transcurre
dentro
de
la
narración,
sino
que
esta
“agregada”
para,
por
ejemplo,
influir
emocionalmente
en
el
espectador.
Lo
Diegético:
toda
la
música
que
pertenece
a
la
diégesis
de
un
film,
es
decir,
todo
aquello
que
pertenece
de
forma
natural
a
la
historia
narrada.
También
conocida
como
música
“realista”
u
“objetiva”,
proviene
siempre
de
una
fuente
que
existe
(visible
o
no)
dentro
de
la
película:
los
músicos,
cantantes,
orquestas,
radios,
casetes,
televisores,
tocadiscos,
etc.
que
vemos
en
imagen
conforman
la
música
y
sonidos
diegética,
que
participa
en
la
acción.
Lo
extra-‐diegético
o
incidental
engloba
cualquier
música
o
sonido
que
sirva
como
comentario
dramático
y
que
no
tenga
justificación
dentro
de
la
película.
Se
trata
de
una
convención
asumida
por
el
espectador,
que
no
necesita
que
le
sea
mostrada
una
fuente
objetiva.
Recursos
narrativos
Fuera
de
campo:
Una
acción
puede
ser
narrada
solo
por
el
sonido,
y
ocurrir
fuera
de
la
pantalla,
fuera
del
campo
visual.
Este
recurso
moviliza
la
imaginación
del
espectador,
ya
solo
escucha
lo
que
pasa,
pero
no
ve
la
acción.
Lógicamente
muchos
sonidos
objetivos
ocurren
fuera
del
campo
visual
(una
sirena
a
lo
lejos
anticipa
la
entrada
de
una
ambulancia),
pero
el
“fuera
de
campo”
como
recurso
expresivo
es
cuando
el
eje
de
la
narración
sucede
fuera
de
la
pantalla.
Ejemplo:
una
pareja
comparte
una
cena
romántica,
desde
un
departamento
vecino
se
escuchan
gritos,
luego
golpes
y
llantos,
luego
un
disparo.
La
cámara
nunca
abandona
a
la
pareja
cenando,
el
espectador,
al
igual
que
los
protagonistas,
solo
escucha
la
acción
que
ocurre
fuera
de
la
habitación.
Voice
Over
(voz
en
off):
Cuando
una
voz
relata
los
hechos.
Puede
ser
diegética
(un
personaje
relata
hechos
de
su
infancia
que
vemos
en
imagen
mientras
seguimos
escuchando
su
voz);
o
extra-‐diegética
(la
narración
proviene
de
una
voz
que
no
participa
directamente
en
la
historia).
Sonidos
“on
the
air”:
Es
un
recurso
mediante
el
cual
el
director
aporta
datos
significativos
a
la
narración,
valiéndose
de
un
elemento
diegético
por
lo
general
fuera
de
campo.
Por
ejemplo,
se
ve
una
toma
panorámica
de
la
ciudad
y
se
oye
la
voz
de
un
locutor
de
radio
dando
noticias
sobre
el
avance
de
una
tormenta,
o
un
parte
de
guerra.
Leitmotiv:
(del
alemán
leiten,
'guiar',
'dirigir',
y
motiv,
'motivo')
El
leitmotiv
o
motivo
conductor
fue
empleado
en
la
ópera
antes
que
en
el
cine.
Consiste
en
identificar
o
asignar
una
melodía
a
cada
personaje.
Cada
vez
que
aparece
el
personaje,
se
escucha
“su”
música
de
fondo.
Uno
de
los
ejemplos
más
notorios
de
leitmotiv
es
el
que
representa
al
“Tiburón”
en
la
famosa
saga
de
Spilberg.
En
este
caso,
el
leitmotiv
logra
tal
grado
de
identificación
que
muchas
veces
reemplaza
al
Tiburón,
solo
escuchamos
el
motivo
musical,
e
imaginamos
que
el
tiburón
asecha
aunque
no
lo
vemos.
El
motivo
conductor
también
puede
identificar
una
situación
emocional,
por
ejemplo,
en
“Corazón
valiente”
hay
un
leitmotiv
refiere
al
amor
de
William
Wallace
por
su
mujer
asesinada.
El
leitmotiv
aparece
representando
al
amor
perdido,
alimentando
el
ansia
de
venganza
y
lucha
del
protagonista.
Aunque
no
es
lo
más
común,
un
leitmotiv
también
puede
ser
un
efecto
de
sonido.
En
el
exorcista
se
utiliza
un
efecto
sonoro
que
aparece
en
distintos
momentos
representando
una
presencia
maligna.
Transiciones
Así
como
existen
diversas
técnicas
de
transición
entre
la
imagen,
hay
diversos
recursos
transitivos
aplicables
a
música
y
ambientes.
Algunos
tienen
correlación
con
la
imagen,
como
los
cortes
y
fundidos,
pero
otros
son
aplicables
solo
a
lo
sonoro.
Corte:
La
transición
más
simple
consiste
en
cortar
junto
con
la
imagen,
o
más
comúnmente
anticipando
el
sonido
de
la
siguiente
imagen.
Suele
usarse
para
pasar
de
un
ambiente
objetivo
a
otro,
pero
una
música
incidental
también
podría
salir
por
corte.
La
música
puede
entrar
por
corte,
por
ejemplo,
con
un
golpe
musical.
Fundido:
La
música
se
funde
con
un
ambiente.
No
necesariamente
la
imagen
se
empalma
por
fundido,
la
transición
de
ambientes
puede
fundirse
mientras
que
la
imagen
cambia
por
corte.
El
fundido,
al
ser
una
transición
suave,
es
ampliamente
utilizado,
sea
para
unir
dos
ambientes
objetivos
o
ambientes
con
músicas
incidentales.
Sonido
anticipado:
Este
recurso
enlaza
dos
secuencias
adelantando
el
sonido
de
la
segunda
sobre
la
primera.
Esto
refuerza
la
fluidez
narrativa,
ya
que
el
espectador
escucha
“por
adelantado”
algo
que
corresponde
a
la
escena
siguiente,
generando
expectación,
una
predisposición
al
cambio
de
imagen.
El
sonido
adelantado
puede
ser
la
voz
de
un
personaje,
música
incidental,
ambiente
objetivo.
Enmascaramiento:
Este
recurso
se
usa
tanto
en
imagen
como
en
sonido.
Consiste
en
“tapar”
la
transición,
con
un
efecto.
La
transición
puede
ser
por
corte
o
fundido,
pero
se
superpone
en
ese
momento
un
efecto
que
impide
escuchar
el
punto
de
empalme.
Por
ejemplo,
el
despegue
de
un
avión
enmascara
la
entrada
de
la
música
incidental
de
la
escena
siguiente.
Un
trueno
enmascara
la
transición
entre
un
exterior
con
ambiente
de
lluvia
para
pasar
a
una
escena
interior
en
la
que
predomina
el
sonido
de
una
estufa
a
leña.
En
imagen,
el
enmascaramiento
consiste,
por
ejemplo,
en
un
traveling
que
deviene
en
pantalla
negra
tras
pasar
por
detrás
de
un
árbol,
luego
el
traveling
continúa
en
otro
sitio,
saliendo
de
negro
y
revelando
la
nueva
ubicación.
Transformación
Un
recurso
expresivo
ampliamente
utilizado
es
la
transformación
de
elementos
objetivos
en
subjetivos,
y
viceversa.
También
elementos
que
aparecen
como
extra-‐
diegéticos
pueden
convertirse
en
diegéticos
y
“meterse”
en
la
historia.
Pasaje
subjetivo
a
objetivo
·∙
Por
transformación
del
sonido:
se
escuchan
voces
del
más
allá
(mucha
reverberación,
sin
graves)
llamando
al
personaje,
las
voces
van
cobrando
realismo
hasta
transformarse
en
la
voz
de
la
madre
que
intenta
despertar
a
su
hijo
que
reacciona
confundido.
Las
voces
originales,
subjetivas
de
un
oscuro
sueño,
se
convirtieron
en
la
voz
de
la
madre,
real
y
objetiva.
·∙
Por
aparición
de
nuevos
elementos:
El
alumno
solo
escucha
la
voz
del
profesor,
que
domina
la
escena
como
único
elemento
sonoro,
significando
una
obsesión
o
preocupación
extrema
de
este
personaje.
Poco
a
poco
van
apareciendo
otras
voces
y
sonidos
hasta
que
el
timbre
trae
al
alumno
a
la
realidad.
La
voz
del
profesor,
que
sonaba
como
lo
único
escuchado
por
ese
alumno,
pasó
a
ser
parte
de
un
ambiente
objetivo
real.
Pasaje
objetivo
a
subjetivo
·∙
Por
transformación
del
sonido:
el
tic-‐tac
de
un
reloj
cambia
a
un
plano
exagerado,
omnipresente,
como
dando
a
entender
que
el
tiempo
es
una
obsesión
para
el
protagonista.
·∙
Por
aparición
de
nuevos
elementos:
El
protagonista
toca
el
piano,
y
comienzan
a
aparecer
otros
instrumentos
que
pueden
representar
una
orquesta
imaginada
por
el
protagonista.
Aquí
se
produjo
un
pasaje
de
música
objetiva
a
música
subjetiva.
Pasaje
diegético
a
extradiegético
·∙
Siguiendo
con
el
ejemplo
anterior,
si
esa
música
subjetiva,
imaginada
por
el
pianista,
continuara
en
la
siguiente
escena,
cobraría
una
nueva
función
como
música
incidental
y
“se
saldría
de
la
historia”
(extradiegética).
El
pasaje
a
música
extradiegética
tuvo
lugar
por
resignificación
(el
cambio
de
escena
le
imprimió
un
nuevo
significado,
una
nueva
función,
a
al
música
que
hasta
ese
momento
aparecía
como
dentro
de
la
mente
del
pianista).
Pasaje
de
extradiegético
a
diegético
·∙
Citaremos
como
ejemplo
el
comienzo
de
“El
Aura”.
Allí
la
música
que
aparece
como
música
de
los
títulos,
que
cumple
una
función
incidental
en
cuanto
al
contraste
que
genera
con
la
imagen,
pero
que
no
proviene
de
la
historia,
cobra
nuevo
significado
cuando
el
personaje
altera
su
volumen
al
tocar
un
equipo
de
música,
lo
cual
revela
que
la
música
también
esta
siendo
escuchada
por
el
personaje
en
la
historia.
De
este
modo
la
música
de
los
títulos,
que
estaba
fuera
de
la
historia,
se
metió
en
la
diégesis
por
resignificación.