-El papel del mercurio Galante.

13
-Revista dedicada por primera vez al público femenino, Donneau de Visé fue el
primero en escribir sobre cuestiones hoy fundamentales para la moda como las
temporadas
-Algunas industrias ya llevaban algunos años potenciando marcas distintivas que
identificasen a los fabricantes
-Ideas que transmitía la revista: Estilos cambian (hay que estar al día) y que las
prendas en París tenían un toque que en ningún sitio.

1890 vuelve a publicarse pero hacia la literatura Siglo XX cuando dio lugar a la
Editorial Gallimard

-Una vez creado concepto de marca imposible que no naciese el de publicidad, son
insostenibles si no están juntad.
-El primer soporte de moda las revistas 14
-Durante la guerra reina ana tuvieron que hacer salvoconducto para exportar a
Londres.
-Zapato de estilo, provocativa para la época 15

5 Estilistas y nuevos estilismos: La corte se rodea de estilistas.

-Para que pueda desarrollarse nuevo servicio o tecnología son necesarios una serie de
cambios tecnológicos o sociales previos e interdependientes.
-Champagne y su éxito, potenciaron peluquerías, deseaban llevarse recuerdos a sus
casas y un peinado a la ultima moda.
-Aficion por las compras para impulsar decoración interiores
-1715 Ligier publica la primera guía turística de París. 16 Libro de cocina. Cambio
habitos alimentarios.
- Diapo 17 sirvieron un café por primera vez un desayuno a Luis XIV.

El estilo barroco no encajaba en los cambios de aires del S.XVIII. El estilo neoclásico
representaba mucho mejor los intereses de la nueva Europa.
Arquitectos abogan por la austeridad ornamental y proponer una arquitectura
simplicidad formal. 22
Después de la revolución se adopta el neoclasicismo, se mantienen las premisas de el
gusto por el lujo y la elegancia desde mediados del XVII.
-23 vajilla olímpica que muestra el refinamiento barroco que se seguía usando.

A partir de Luis XIV y hasta el movimiento moderno, los periodos de regencia

coincidieron con estilos decorativos que se emplean para definir estilos de mobiliario.
-El Zar de Rusia, Pedro el grande construyo ciudad lujo versallesco. Ventana Rusia hacia
mundo occidental. 24
-25 casa Fabergé Idea de lujo y perfección que destila.
-27 Phillipe Starck cheque en Blanco de la república francesa para su apartamento
privado en el Palacio del Eliseo.

-El gobierno español de Felipe González (1982-1896). El diseño español postmoderno

como símbolo de la imagen del país moderno que querían dar de España, culminó en
los escaparates mundiales de la expo y las olimpiadas de 1992.

6 Menos es más. La austeridad como estilo

Isabel Campi: el adorno es aceptable solamente si es merecido, se obtiene por medio

del trabajo, excesos ornamentales en cursilería. El estilo de finales del S XIX se
consideró de mal gusto.

El estilo Dandy
El Dandi forjó un ideal aristocrático que determino en un modelo de buen gusto que
inclino la balanza de la elegancia de Francia a Inglaterra, este era discreto, caballeroso,
útil a la sociedad y carente de ostentación. 28 y 29.

El prestigio intelectual: Dandy aportó al ideal de estilo el concepto moderno de

aristócrata como persona culta. Se puede desear poseer la cultura o intelecto del
moderlo a imitar. Así saber de estilo supone conocer de historia de materiales, de
técnicas, en definitiva el aristócrata que representa el dandy.

7 Exportación del modelo a las clases medias

La cenicienta. 30

8 El triunfo del estilo de la clase obrera. Satisfacer las necesidades del gran público.
- Verdadero mercado en la clase media, democratizar el lujo.
- Bajada de tarifas en el teléfono móvil 31 y 32
- Las costumbres domésticas se conviertieron en parte del lujo cortesano a partir
de los mules, sandalias domésticas. 33
- Zapatillas Allstars, Levís pantalones 34-36.

9 El consumo marca la diferencia

El rey sol marca la diferencia desde una actitud sincera, consecuente con el trabajo
que se han podido a llegar obras de las más grandes de la humanidad, como catedrales
góticas.

Vigente honestidad del estilo del Rey Sol. Sinceridad asociada al trabajo artesanal
exquisito, punto de vista del diseño que se limita a resolver problemas y adquiere un
rol de responsabilidad social.
5 La vida en la cultura basura
-dentro de la cultura basura se desarrolla la versión sin prestigio del lujo versallesco. 1
-La posmodernidad ha legado al Cyberpunk la labor que en la modernidad le
correspondía al Dandy
-Lipovetski La sociedad actual ha abandonado el símbolo como valor.

-Este simulacro es una versión aberrada del principio de imitación, el certificado de

defunción de la función social del arte, la base del kitsch.

Kitsch- Formas socialmente dirigidas. Surge, se acepta, se entiende, resurge y perdura.

La envidia es la base del consumo a nivel antropológico. Luis XIV sentó las bases del
estilo moderno y la estética empezó a depender de las modas.
Resulta difícil definir que es el mal gusto porque nos hemos acostumbrado a modelos
arbitrarios que lo regulan.

El mal gusto es despreciable en cuanto es una muestra de la falta de cultura de

determinados estratos sociales.
Aquello que nos aparece como algo consumido que llega a las masas o al público
medio porque ha sido consumido y que se consume precisamente porque el uso a que
ha estado sometido por un gran número de consumidores ha acelerado e intensificado
su desgaste.

Kitsch solo tiene sentido dentro de los medios de consumo de masas, objetos
culturalmente digeridos. Diapo 2 y 3

Su consecuencia es un público perezoso, ansia de aparentar hace que desee participar

de los valores de los bello y convencerse de que lo disfruta sin hacer esfuerzos
innecesarios.

El arte es un terreno abandonado por el kitsch, practicar arte otorga nivel social,
cultural, un modelo de personalidad prefabricada y nos remonta al ideal de prestigio
intelectual del Dandy.

Moda y gusto se mezclan, hasta el punto de confundirse.

La moda ha perdido el carácter honesto que tenia en su origen, se consumen por
habito, se tiende a fetichizar, prestigio social.

Famosos Diapo 5-11-

Productos con fecha de caducidad.

Diapo 12-13
Diapo 14-15 “Lo edulcorado”

La celebración del arte de consumo como el gran arte Diapo 17-22-

La cultura de consumo ha conseguido que todos queramos comer perdices, el paquete

completo de cenicienta.

La vida en la cultura basura

La posmodernidad trae consigo una degradación de los aspectos éticos de la vida.

Se afianza búsqueda de la realidad. Las personas se autoengañan.
Falta de criterio. 47.

Famosa por dilapidar la herencia familiar en labrarse una carrera musical que la lanzo a
la fama por su completa falta de habilidad.

El consumidor de artesanía tradicional consume el kitsch de una forma ingenua y

sincera.

La cultura basura es fruta de una sociedad que ve marcas las normas de

comportamiento y necesita generar necesidades de consumo.

Público consumista inmaduro. Diapos 96-104.

Hoy, los modelos que impulsan la Modernidad han perdido sentido, como lo ha
perdido la imitación de un único modelo.
Los cambios sociales y revoluciones culturales han eliminado factores represivos del
seno de la sociedad. 105.

Nos rodean ejemplos del triunfo de lo antisocial como modo de vida aceptable.
6 El revival como generador de formas:
-A mediados del S XIX se daban las condiciones para nacimiento del movimiento
moderno. 1 y 2.

-El referente pasa de Francia a Inglaterra que había asumido el liderazgo de la

revolución industrial y cuya monarquía dictaba normas de estilo de la época, pero el
peso de la tradición artesanal y la resistencia de la formas al cambio hacían que el
diseño de 1850 fuese sinónimo de composición ornamental. 3

La arquitectura primera en adoptar estética totalmente nueva

Estilo – Gusto – Revival

Estilo: Grupo de rasgos comunes diferenciales de un conjunto de manifestaciones
artísticas.
-La presencia de un mismo estilo en una amplia gama de artes es a menudo
considerada integración de una cultura y de un momento altamente creativo.
-Uso de estilo de moda o estilo de concepto universal de estilo que se utiliza en
historia del arte.
- Los de moda son cortos pero tienen las mismas características prácticamente que los
periodos históricos más amplios.
- Juntas todos los estilos es el Art Noveau. 4
- Cada cultura en si misma es un estilo. 5

Gusto: Estrechamente vinculado al taste

-El mal gusto en las artes consiste en no complacerse más que con ornamentos
sofisticados y no ser sensible a la belleza natural.
-Preferir burlesco a lo noble, preciosista y afectado a lo bello y sencillo. Es una
enfermedad del espíritu.
-El taste parte de la base de que no existe definición teórica a los fines del arte, así las
decisiones del artista no dependen de la razón o del juicio sino de las inclinaciones
interiores, de sentimientos.

Revival: Influencia de la tradición ha venido marcando el desarrollo de las artes hasta

la primera mitad del S XX 6. Únicamente el Movimiento Moderno y solo durante ese
periodo se ha manifestado abiertamente en contra de la historia y tradición.
Buen gusto porque toma aspectos del pasado que interesan y los revive.
Porque el estilo es precisamente lo único que nos podemos permitir recuperar sin
temor a consecuencias sociales. Gracias al revival vivimos lo mejor del pasado en el
presente. 7
Los griegos siguen marcando nuestros gustos en lo que se refiere a arquitectura y
representación del cuerpo humano, nuestro sentido del gusto, canalizan nuestras
predilecciones hacia la cultura clásica y construyendo modelo de buen gusto
cosmopolita, culto, discreto, austero, educado y conservador.
El buen gusto aporta prestigio a quien lo ostenta y que se suma a símbolos que son
comúnmente aceptados desde el S XVII. 8

La principal utopía estética fue la de alcanzar un estilo inmutable y eterno, estilo del
siglo. Orientado a la simplicidad y expresionista.9
Ruskin deseaba abandonar cuanto antes el camino de la revolución industrial. Para el,
el pasado preindustrial no era en absoluto cualquier momento de la historia, era una
utopia, mundo ideal, naturaleza benigna y amable. 10

Búsqueda del paraíso en: El pasado y el futuro

-El pasado con revival neoclásico y neogótico.
-El futuro se proyectó al presente, capaces de superar nuestra propia realidad a través
del progreso. 11 y 12.

El modelo pasa a convertirse en Dogma

Se evocan espíritus del pasado y se construye un mundo ideal para adoptar los
argumentos del taste, civilizado, pacifico, naturaleza, culto, sabio, bello e ideal. 13

Rechazaron la industria como enemiga de la artesanía, tecnofobia.

Mientras Ingress capitaneaba un movimiento para abolir la fotografía.
Industria se defiende con argumentos estéticos, acabados. 14-16.

-En el otro extremo la Hermandad Prerrafaelista (1848-1854) supuso el ejemplo de

revival histórico. 17-18.
-Propusieron una evasión hacia la edad media que negaba el concepto vasariano de
arte como progreso y entendía la técnica como experimentación, identificándose con
el pintor artesano de un gremio.
-Buscan estilo arquetípico que tuviera cierta difusión y penetración. 19.
-Ruskin pintaba con la honestidad de un hombre del S.XII o XIII.
-La creación artística era confinada al artesano, elemento homogéneo de las clases
populares.
-El Arts and crafts pretende luchar contra la diferenciación arte- artesanía. Incluyó
compromiso socialista, reemplazo el objeto de la perfección tecnicoformal,
exponiendo el problema de la función del arte en la sociedad, el poder de frenar
industrial, la máquina y las concentraciones urbanas.
Morris y la reforma social mediante el diseño.

El artesano y la tradición:
Trabaja con un profundo respeto hacia el material que emplea y la persona que va a
utilizar sus productos.
Valores de un trabajo bien hecho, materiales nobles, autenticidad del trabajo manual,
dedicación y trabajo experto.
7 La ilustración toma el mando

El rechazo del ornamento se inició a finales de XVIII con la arquitectura y los

elementalistas.
Con la llegada de la Ilustración, apareció por primera vez una utopía futurista que está
en la génesis del diseño moderno. Estos se enfrentaron a la necesidad de transformar
la arquitectura hacia un uso más social, simplificar el aspecto ornamental en busca de
otro lenguaje y afrontar el rediseño de ciudades tras el fin del feudalismo.

-Arquitectura la primera que da una respuesta estética a las necesidades de la

sociedad.
Segunda mitad del siglo XVIII: arquitectura elementalista, austera en el ornamento.
Finales del XIX: Art Noveau, rompe con el pasado y propone un estilo completamente
nuevo.
Principios del XX: El movimiento moderno es abstracto, funcionalista y austero.
Finales de los 70: Nacimiento del movimiento postmoderno.

Es denominado revolucionario lo que se hacia en XVIII, por la obra de Boullée, Ledoux

y Lequeu.

-Lo clásico y lo romántico: la estética surgió a mediados del XVIII, cuando el principio
metafísico de la naturaleza como revelación, implicaba el principio de imitación,
sustituido por factores ideológicos y políticos, adoptó actitud RACIONAL frente
PASIONAL.
-Transformaba la naturaleza a su ámbito. El racionalismo se impone por encima del
arte- imaginación.
-El artista toma consciencia de su función cívica, los edificios no deben de ser solo para
la corte y nobleza, debe de responder a las necesidades de la gente corriente.
Eso lleva consigo, un sentido de austeridad, búsqueda de lo esencial y duda de la
ornamentación.
-Objetivo del artista barroco fue la perfección técnico formal y el artista moderno la
difusión del conocimiento. 2

Lo pintoresco y lo sublime:

Kant en la Crítica del Juicio lo bello pintoresco es la sensación y lo sublime es la verdad

suprema por encima de la sensación.
La utilización de la esfera es un ejemplo de lo sublime. 3

La frecuencia de laberintos en diseño de jardines en XVIII y XIX referencias a aspectos

más pintorescos. 4

-A partir del neoclasicismo todo cambia, adelanto de la Revolución Industrial en el que

las formas iban a jugar el papel de lo bello, la tecnología apropiándose de lo sublime, la
importancia radicaba en la idea generadora y el virtuosismo técnico del artesano ya no
era fundamental.
-Las formas iban a permitir resultados antes inalcanzables. En los proyectos globales el
artista controlaba perfectamente la producción.
-La planificación urbana consecuencia de la nueva función social del arte, la ciencia de
la urbanización se convierte en una técnica de expoliación y control del suelo.

Durante más de un siglo los arquitectos debaten sobre si abandonar lo clásico y

proponer en academias algo nuevo para la era de la mecanización.
Idea orientada a cambiar la sociedad a través de la innovación formal es fruto directo
de las ideas ilustradas.

Piranesi (1720-1778) Innovación formal fruto de las ideas ilustradas como lo

demuestra el trabajo de antes de los revolucionarios. 7-16.

Le Geay (1732-1786) 17-19.

Estos coinciden y por ello la enorme influencia en el trabajo de Piranesi de Le Geay.

Grecia ocupada por los turcos, el conocimiento directo de su civilización había estado
ausente por completo de los intereses de tres siglos de clasicismo.

Se hacen populares los momento de las vistas de templos en ruinos invadidos por
naturaleza, imitación de la primera visión. 23 y 24.

Primera búsqueda del paraíso entendida como estética.

Generación de 1730. Encargados de nuevos ideales artísticos que surgieron con ellos.

Debían transmitir ética o estimular unos sentimientos, la geometría elemental se

convirtió en la herramienta adecuada, satisfizo sentimiento individualista y el deseo de
esquemas modernos.

Evolucionó la arquitectura entre 1750 y 1800 por los arquitectos eclécticos,

románticos, racionalistas y reformistas.

Eclécticos o individualistas 25
Románticos, buscaban atmósfera a través de dimensiones exageradas o efectos de luz.
26
Racionalistas buscaban reglas básicas de sensatez y coherencia, propagaban formas
elementales y predicaban el respeto por la naturaleza y materiales 27, los reformistas
tenían ansias de establecer un nuevo orden de las partes integrantes 28.

Racionalismo- Expresionismo
Eclecticismo- Historicismo
La obra de Boullée se hace prácticamente inadvertida hasta el SXX, hay una campaña
contra el que le acusa de realista, su idea de implicación en el progreso de la
humanidad la demuestra.
En la medida en que su preocupación formal iba hacía el conjunto y no los detalles, sus
diseños sentaron la base del funcionalismo de la arquitectura del s XX gracias a que
diferencia arquitectura y técnica de construcción, inicia la tendencia de una
arquitectura narrativa.

Arquitectura narrativa que combina masas geométricas, define espacios con la

iluminación, mira el carácter moral del edificio y tiene una tendencia a integrar la
obra en la naturaleza. 29-33.

Decía que todo era fruto de su invención y marco las pautas hacia las vanguardias 36-
38, la luz era suficiente ornamento para la simplicidad que emana de la naturaleza. Los
arquitectos propusieron una utilización decorativa pero fiel al modelo original,
ejerciendo una reivindicación sobre este. 42-45.

Biblioteca de Boullé y proyecto teatro ópera 45- 55.

8 La utopía futurista como motor de la modernidad.
Los inicios. La civilización industrial se basa en Nova Atlantis de Francis Bacon 1627. 1
Comprender la naturaleza para poder llegar a dominarla, se complementaba
perfectamente con el concepto humanista de civilización ideal, ya fuera República o
ciudad- estado.

-La idea generadora supuso la gran evolución de esas ideas que tuvo lugar a finales del
S XVIII. Cuando las revoluciones políticas sacudieron al mundo en una catástrofe
natural. 2
-El día de todos los santos 1755, maremoto y fue la primera catástrofe mítica de la
historia moderna, convirtieron la tragedia en motor de progreso.
-La revolución industrial supuso el mayor cambio tecnológico para la humanidad,
desde la ilustración se iba formando la utopía cuya función era desvelarnos el aspecto
del mundo si decidíamos seguir el objetivo de Bacon de unir ciencia y tecnología para
progreso social.
-Necesidad de encontrar paraíso perdido y según la época ese paraíso está o en el
pasado o en el futuro.

-La clave del éxito era una promesa, el futuro que surgiera a la sombra del cambio,
cualquier elemento que produjese el nuevo orden político y tecnológico era mejor.
Necesidad de utopía.
-El futuro imaginado adquirió diversas formas para la materialización del paraíso, el
primer mito era el de la ciudad ideal. 3
La ciudad perfecta implica la existencia de una sociedad de ensueño, un conjunto de
rutinas que invadidas por la naturaleza tomaban aspecto de serenidad eterna. 4.
-Necesidad de estilo del siglo, bebía de la idea de sociedad perfecta con armonía de
naturaleza y la idea de saber es poder, vinculada con el progreso tecnológico 5-8.
-Nuestros hábitos de vida deberían de cambiar, la función social del arte debía de
cambiar 11. Diseño industrial respondiendo a la utopía, el cine podía visualizar con
mayor realismo ese futuro, y esto fue uno de los grandes atractivos

El nacimiento de la tecnofobia William Morris(1834-1896). 14.

Nacimiento de una visión oscura y peligrosa de la rendición incondicional a la ciencia,

en el contexto de la industrialización, William Morris propuso que la mecanización
debía ser erradicada, la posibilidad de ser esclavizados, en el modo de vida medieval
en pequeñas comunidades de artesanos este pensamiento se tomaba como modelo.

Morris funda el Arts & Crafts que demostró la incapacidad de estos ideales
proartesanistas para aplicarse a la producción industrial. 15.

Crear objetos de calidad para todas las clases sociales, solo consiguió productos que
deleitaron a la burguesía.
La potente empatía social tuvo el mito del progreso acabo sirviendo para olvidar la
tecnofobia y que todas las naciones propagaran para conseguir mayor productividad
de la clase obrera.
5 El futuro como propaganda.

Las naciones industrializadas aprovechan el tiron mediático de la tecnología para sus

propios intereses políticos, en EEUU sirve para impulsar el esfuerzo productivo y
superar crisis del 29.

La industria ofrecía maravillas que la corroboraban.17.

Los años dorados en la búsqueda del estilo del siglo y la aerodinámica fue el estilo que
mejor cumplió la función, la imagen de futuro hoy persiste en el inconsciente colectivo
de la sociedad. 18-22.

Las formas del futuro.

Primer mito: la ciudad ideal para la sociedad ideal. 23.

Tema más común de todos y se halla presente en muchos ámbitos para aspirar a un
mundo unido. Cine 25-30. Falsa felicidad capitalista 31-33.

Segundo mito: creación de seres artificiales. 34

Cuando se les priva de la Razón estos monstruos son experimentos fallidos, no osamos
a atrevernos a apuntar que seamos capaces de crear algo así. 35
Cine 36-43.

Tercer mito: El desarrollo ilimitado de la ciencia. 44.

Mito de la era del futuro como propaganda, nos han obsequiado sin embargo, con
todo tipo de diseños especulativos. 48-51.

Cuarto mito: El dominio definitivo de la naturaleza. 52.

Imagen de Heston descubriendo el mundo de pesadilla de el planeta de los simios.

Cine 54-56.

Quinto mito: la conquista del espacio y de otros mundos. 59

Colonización del espacio como prolongación de nuestra propia experiencia terrestre

en el descubrimiento de otros mundos. Cine 60-62.

Para resumir, búsqueda del paraíso tecnológico ha pasado un esplendor en la fase

incial, la ilustración, ligado a la construcción de ciudades utópicas, y otra de esplendor
desde la revolución industrial hasta después de la segunda GM, y actuando como
mayor aparato propagandístico.
La uniformización cultural moderna era la única opción, el nuevo estado de cosas
imponía la negatividad a lo tradicional y el culto a la novedad y cambio constante.
Búsqueda del placer frente a trabajo duro.

La sociedad indiferente surge después de 1945, las nuevas generaciones querían

divertirse y no asumir responsabilidades. 1989 marcó el fin del movimiento moderno,
el punto de inflexión se producía en un contexto de cultura globanl que descartaba
cualquier alternativa al capitalismo como forma de gobierno.

Esto produce una crisis de valores postmoderna, el futuro dejó de interesar hasta el
extremo de afirmarse que no existía, toda forma futurista como fruto de nuevos
intereses se diferencia de las anteriores por la falta de sustento ideológico que se
presenta como premisa estética. El futuro es un proyecto de presente, el fin de todo
esto era la erradicación de las guerras, la paz era para el ideal kantiano la obra maestra
de la razón.

Si saber no es poder, para que saber?

La consecuencia de el presente continuo sin ideología es la estética.

La estética New Age:

El fin de lo postmoderno, debemos emprendar la búsqueda del futuro perdido, nos

volvemos a interesar por avances científicos y tecnológicos del último siglo. 70-71.
9. Ornamento y diseño.
Estilo
-Según Schapiro el estilo se entiende como la forma constante del arte de un individuo
o grupo, se habla de estilo de vida o estilo de civilización.
-El estilo se considera un rasgo sintomática, igual que las características no estéticas
del artefacto, es utilizado como medio de diagnóstico y no como parte importante de
la cultura.
-También es un estilo usado como vehículo de expresión, ya que Schapiro habla de
sugestividad emocional de las formas que hace que el estilo pueda comunicar valores
religiosos, sociales y morales.
-Manifiesta por tanto el carácter totalista de la cultura y refleja la “forma interior” del
penasamiento y sentimiento colectivos.

Hasta el S.XX considerábamos todo lo extranjero o primitivo como carente de estilo, ya

que en estas se valoraban sobretodo aspectos artesanales tales como la
ornamentación o lo hábil de la elaboración.

La ornamentación ya consistía en dibujar formas geométricas o naturalistas.

Los estudios coinciden en que en nuestra cultura existe una continuidad en todo el
mundo del arte, en las que las formas más adelantadas de cada civilización son las que
mantienen y dentro de esa continuidad hay dos desarrollo, que es del antiguo hasta
grecia y el europeo occidental hasta el medieval-moderno. Dentro de esos en culturas
más pequeñas existen paralelismo de desarrollo.

El ornamento es la base del diseño desde sus orígenes, mejor ejemplo de cómo todas
las culturas basan su idea de representación en copia de modelos preestablecidos,
hablaremos de modelos que perduran como referentes de la arquitectura y artes
decorativas, hasta entonces se basaba en motivos ornamentales dados. 1
-A partir del SXVIII se replantea el ornamento en arquitectura, existe lejanía del
modelo clásico original a lo que existía en el barroco, se conocen nuevos estilos como
el japonés que se extienden con gran velocidad.
-Modelos que son prácticamente comunes en todas las culturas y que se consideran
los más primitivos. 2
-Según Semper, las formas más complejas de la historia tienen en común la necesidad
del hombre por construir en lo más elemental de las formas artesanales y textiles
como ladrillos con los que se edifica o tejido de la ropa.

La independecia de las formas respecto a técnica o material es la base de Riegl en

contra de Semper. 3
El estilo geométrico, Riegl insiste lo más difícil no es dibujar animal, si no modelar la
primera abstracción al tener que dibujar silueta del animal. 4
-La línea como elemento base de la representación es la base del ornamento.
Según Semper parece hallarse en la trencería y tejeduría lo que la convertiría en simple
modo de revestimiento y decoración. 5-7.
-De algún modo la planta es aceptada de buen grado por encima de los animales y
surge la necesidad por ejemplo en Egipto de geometrizar el Loto.
-Riegl dice que no, que en la diapo 8, vemos que existe ornamento geométrico a pesar
de no haber fibras capaces de ser utilizadas para tejer.

Ornamento geométrico primitivo

-De líneas rectas
Rítmicas
En Zigzag
-De líneas sinuosas
Espirales
Propiamente dichas

Estilo Heráldico

Ornamento vegetal
Estilo Heráldico Diapo 9
Se encuentra en los géneros de seda desde la Edad Antigua a media gótica, primera
tentativa de meter motivos vegetales en ornamentación, búsqueda inmediata de
simetría. 10

El ornamento vegetal y el pámpano ornamental

Las partes parecen en absoluto reposo, supera la dificultad añadida del movimiento,
que es intrínseca de toda la representación, su representación no es plana, ha
conllevado una estilización. 11.

Desde el punto artístico lo más relevante es la flor y ya a raíz de esta le siguen el

capullo, la hoja, y el tallo que se usa para revestir todas las formas curvas y enrrolladas
que sirven de base a las configuraciones geométricas, esta línea es el pámpano.
La representación del Loto en Egipto es el origen del ornamento vegetal que ha
perdurado hasta nuestros días. 12.
-Las hileras de lotos y capullos base de ornamentación griega 13.
-Se representan en tres proyecciones. 14 Frontal, lateral o semivista frontal ( inferior,
derivación de la parte inferior que termina hacia arriba con dos volutas, prologanción
divergente en forma de gota de las volutas, parte media en forma de pequeña piña,
comienzo mediante una vaina de hojas en el inferior).
-La combinación de estos elementos dan lugar a una serie de espacios vacíos llamados
cuñas que pueden rellenarse de un elemento decorativo. 18.
-Rosetas, palmetas y volutas unidas mediante el pámpano. 15-16.
-En Egipto, el desarrollo de la palmeta es el más importante y anterior al cáliz de
volutas. 17.
-La palmeta es el nexo de unión entre capitel jónico y algunos orientales.

El ornamento vegetal y el pámpano ornamental

Ornamento griego y el nacimiento de la palmeta de acanto.

Reencuentro entre los motivos ornamentales más primitivos y los más evolucionados
20.

El papel de los genicios en la difusión del ornamento por el Mediterráneo,

contribuyeron al perfeccionamiento de los distintos motivos pero su principal función
fue la de difusión. Cultura que pudo perdurar por siglos. 24.

El ornamento de pámpano en el arte griego: Micénico, origen del pámpano.

Único medio de unión para disponer motivos ornamentales vegetales dentro de un

friso. 25.

Historia de la ornamentación seria un suceso inaudito que una cosa tan insignificante
como una hoja se hubiera aceptado de suyo entre las formas ornamentales. La
verdadera innovación fue la invención del pámpano que permitió todo el desarrollo
del lenguaje ornamental en occidente.

El pámpano ornamental, tipologías 26:

El pámpano ondulado continuo e intermitente: de cada movimiento hacia arriba y

abajo deriva débil línea enrrollada de connotaciones vegetales si capullos flores y hojas
y el intermitente la línea ondulada parece rota en puntos por motivos florales que
brotan del mismo. 27 Invención miscénica. 28.

El entrelazamiento del pámpano

El esquema miscénico de ornamentación elemental mediante pámpanos no basta,

avanza a cintas de pámpanos rellenas de flores. 29

Elementos principales, friso de arcos, cinta trenzada, ramo foliado y pámpano

ondulado.

El ornamento de acanto 430- 450 a.C

De todos los motivos decorativos egipcios el más importante fue palmeta, hubieron
cambios en cáliz de volutas y piña 32.

Aparición ligada a capitel corintio 33-36

Según Riegl, existe una relación en el desarrollo de ornamento vegetal desde su
nacimiento hasta el S XV: nacimiento por causas objetivo- simbólicas, los distintos
pueblos reciben símbolos predecesores que se van adaptando, perfeccionando y
desarrollando siempre a su propia medida artística.

La evolución de la palmeta egipcia en la hoja de acanto

10. Ornamento y delito
El ornamento supone la génesis del diseño en todos sus ámbitos. La practica del diseño
consistió en crear y aplicar motivos ornamentales, estos eran usados para valorar la
calidad del trabajo del artesano. El Siglo XVIII fue el momento culminante de esta
actitud ante el diseño.

Fue también el siglo XVIII cuando el modelo empezó su declive. En este momento el
ornamento se convirtió en el blanco de todas las críticas y fue rechazado.

Las causas del rechazo del ornamento fueron:

La historia del diseño moderno se desarrolla a lo largo del siglo XX partiendo de un
importante momento a mediados del S. XIX, cuando la Revolución industrial se sumó a
dos acontecimientos fundamentales.

La invención de la fotografía y la nueva visión de la historia.

Consolidaron la revolución que se había iniciado. 1
Para Banham estos cambios con origen en el S XIX, pueden resumirse en: el sentido
de la responsabilidad del arquitecto ante la sociedad, el enfoque racionalista de la
arquitectura, y la crisis de la tradición de la enseñanza académica.

El sentido de la responsabilidad del aquitecto ante la sociedad es que el nuevo mundo

que surgía a la sombra de la máquina no cambiaría hasta que se eliminasen
definitivamente las viejas formas. 2

El simbolismo era del todo inútil para representar la llegada de la Modernidad.

William Blake – Pugin – Ruskin – William Morris – Walter Gropius.

-La teoría de los estilos era cuestionable y el debate estaba en que debía hacerse en el
clasicismo aunque nadie habla todavía de erradicarlo. 3
-Le Corbusier y su generación basaban quien construye correctamente, construye
como los griegos en que consideraba lo conscientes de su responsabilidad social. 4
-Ledoux, arquitectos revolucionarios, sus obran pertenecían a un movimiento
generacional importante.
-El libro que financia con los restos de su fortuna contiene escritos teóricos y el
proyecto de una ciudad ideal. Tópicos religiosos, problemas sociales, temas
económicos, soluciones a problemas de higiene.
-A todo esto propone nuevos servicios y diseño específico de viviendas, su obra puso
de manifiesto una arquitectura autónoma, funcional y geométrica frente a los
planteamientos del barroco. 5
Ledoux construyó un gran número de edificios en la Francia prerevolucionaria. 6

Cambios en palcos por balcones de anfiteatro, auditorio semicircular, platea con

asientos, desplaza la orquesta para que no sea visible al público. 7 y 8. 9-13. Ledoux le
contratan, 50 barreras para el cobro de tributos.

Las Salinas reales de Chaux. Primer Proyecto (1773-1778) 14-16.

-Durante años estuvo en ruinas pero se restauró 17-19.
-Decidió rediseñarlo el primer proyecto para construir una ciudad ideal 20 -21.

-Segundo proyecto. La ciudad ideal de Chaux. 1805. Ciudad Radial que tenía intención
de construir alrededor de las Salinas Reales de Arc Et Senans.
-Elevación del estándar de la clase obrera, lugar real, perfecta armonía entre hombre y
naturaleza, ciudad en marco rural, simboliza el paraíso moderno soñado por la
Ilustración. 22.
-En este segundo proyecto abandona el principio de diferentes edificios según el
rango. Combina todos los ideales de la arquitectura y se desarrolla a partir de la
práctica de los edificios.

-Todo implica en centrar la vida alrededor del obrero 23.

-El talento de Ledoux para adaptar formas existentes a nuevas funciones se revela
aquó con la utilización funcional de las pirámides como hornos de fundición. 24-25.
-Recuperación de la arquitectura clásica pura por parte de los arquitectos de la
segunda mitad del XVIII. 26-45.

El enfoque racionalista de la arquitectura: El modelo neoclásico acabó evolucionando

hacia una arquitectura definitivamente moderna: funcional y carente de todo
simbolismo.
47-48.
-Defensores del movimiento como Ruskin chocaban con modernistas como Henry
Cole, que defendían la producción industrial podía dar lugar a objetos de calidad.
-Muchos de los objetos de la Exposición de 1851 mostraban las limitaciones de la
tecnología de los primeros años de la Revolución Industrial. 49.

El problema era el ornamento, se intentaba realizar manualmente se entraba en un

anacronismo y si se intentaba mecánicamente el resultado era dolorosamente feo.

-El movimiento Werbund sentó las bases del diseño moderno en Alemania, nació del
estudio del Arts & Crafts y la Escuela de Glasgow de Inglaterra. La Bauhaus partidaria
del Arts & Crafts creada por Gropius tras la primera Guerra Mundial, Adolf Loos
máximo detractor del ornamento empezó su carrera ligado a la seccesion austriaca.
-Adolf Loos 1908, Ornamento y delito, ornamento como garabato inconsciente y
como tatuaje. Y garabato como plano simbólico, no evolutivo.
La Torre Eiffel se mantuvo en pie aunque se creó en la exposición de 1889 a pesar de
las críticas que suscitó en los círculos artísticos del momento por ser un monstruo de
hierro, tuvó éxito en la expo de 1900 y es por ello que poco a poco se convirtió en
símbolo de París. 53.
54 Pirámide, Louvre tuvo que ser modificado a la baja para acallar críticar por
Vanguardista.

La estética puede ser independiente de la calidad material, la principal virtud de la

industria moderna es la normalización y la forma abstracta sustituirá al ornamento
definitivamente.

Hacia finales de los sesenta el ornamento resurgió para quedarse. 55-58.

Para Gombrich la fuerza del hábito explica la continuidad histórica, los invariables y las
disposiciones psicológicas que justifican los desarrollos convergentes.

Ornamentos como signos, todo motivo ornamental adquirió un valor simbólico,

durante el S. XIX todo el estudio del ornamento se basa en ese simbolismo, estudiosos
como Semper se hallaban profundamente influenciados por el credo evolucionista y
por el arte japonés.

En ellas queda clara la necesidad de distinguir entre diseños y signos, entre

estrictamente decorativo y lo que está detrás del envoltorio estético.
11. La destrucción del mito de la ciudad ideal
Arquitectura de la ilustración contribuye a la visualización de la forma de paraíso
mediante nuevas formas y la reconsideración de los órdenes clásicos que pasaron a
usarse como lenguaje de la antigüedad.

-Vitrubio trajo la tradición clásica de la arquitectura para esa tradición clásica los
órdenes clásicos eran imprescindibles. El vitrubismo entendido como línea sucesiva
desde Grecia al Barroco entró en crisis en el XVIII.
Por las teorías racionalistas.1
-Los descubrimientos arqueológicos, el conocimiento de civilizaciones remotas, la
difusión de teorías basadas en las poéticas kantianas de lo sublime y lo pintoresco.
-Locke revaloriza las sensaciones y el sentimiento, lo cual supuso un replanteamiento
de la estética y la crítica del arte.
-Lo sublime en la arquitectura y lo pintoresco en la visión de la naturaleza. El artista
modificaba la naturaleza para adaptarla a su ámbito.

La arquitectura clásica usada como lenguaje, elemento de uso obligado durante

siglos, uniforme de cierta clase de edificios. 2. Encarnan algún principio de belleza.
Los órdenes descienden de romanos a través de griegos y se vinculan directamente
con la casa primitiva.

-Esta idea sirve a muchos arquitectos del XVIII como base teórica para justificar la
destrucción de los órdenes, visualiza la cabaña primitiva como funcional y racional. 3

-Embellecer la propia naturaleza a través del arte, el revival se convirtió en piedra

angular del trabajo de arquitectos hasta el punto de considerar 1750 como umbral de
arquitectura de revivals. La arquitectura propone la nueva utilización de los órdenes y
empleo de formas geométricas con la esfera como paradigma. 4

-Jardinería para paraíso perdido y revival pintoresco.

-La combinación de arte y artesanía produjo objetos de gran belleza en una variada
gama de ámbitos, que los trabajadores volviesen a disfrutar de lo que hacían.
-La ciudad ideal se dibuja como paisaje de formas abstractas, con grandes bloques de
apartamentos, 8 y 9.
-Sociedad ideal para ciudad ideal 10-11.

Ciudad ideal en el auge del movimiento moderno

Los diseñadores americanos no contaban con el perfil teórico de los europeos, su
trabajo no contaba con la oposición de los sectores conservadores de Europa que
consideraban cada paso adelante del movimiento moderno como una traición de la
tradición. 12-13.

Paisaje como espectáculo 14-16.

Ciudad radial 17-19
Ciudad reticular 20-23
Ciudad jardín 24-26.
Ciudad vertical 28-33.
Civilización del ocio 36
Desaparición de enfermedades 37
Desaparición de desigualdades sociales 38

En canarias quisieron una puesta en escena del territorio para los servicios turísticos,
durante la época de Franco ejemplos hoteles como la Bahía del Duque de gran lujo. 39-
41.

41-45

Van der Rohe declaraba que la arquitectura no era cuestión de formas, la arquitectura
no tiene nada que ver con la creación de formas, es el campo de batalla del espíritu.

46-47-48.

La destrucción del mito:49

La postmodernidad nos ha situado en una nueva realidad construida por el consumo,

tan cómoda que es una ficción utópica en si misma. Estamos demasiado ocupados en
consumir ante cosas banales. Debemos recuperar el espíritu que llevó a los arquitectos
a diseñar ciudades utópicas durante la modernidad.

La utopía en el contexto de la posmodernidad.

Una vez quitada la autoridad de aquellos que se habían venido encargando de inventar
el mañana, que nos esperaba? La posmodernidad ha traído nuevos paradigmas.

Uso y abuso de la historia, reducir el pasado a un mero discurso estético generalmente

abocado al revival era la solución.
Únicamente se imitan los aspectos estéticos del pasado. 51. Supone un nuevo refugio
en la historia que se usa y se tira a medida. 50.

Lo que jamás pensó la utopía moderna es que el urbanismo al servicio de la

especulación urbanística un monstruo casi imposible de comprobar 52-53.
Una peligrosa trasposición de la ética del marquismo, las marcas asumen valores
humanos en una publicidad que es la fuente de cultura de muchos individuos. Son
valores de venta al cliente global. 55.

Reivindicando la figura del autor, para acabar lo que se consideraba un error. El

concepto de autoría es esencial para entender el trabajo del arquitecto o el diseñador
moderno.

El marketing ha visto en la autoría una magnífica herramienta para seleccionar y llegar

mejor a los diferentes tipos de audiencia. 56.

Recordando a Morris. El fracaso del Movimiento Arts & Crafts fue la inasequibilidad
económica de sus productos para la clase trabajadora que lo había inspirado 58.

Futuras responsabilidades. Condiciones mínimas de progreso 59.

Sin entender el diseño como actividad asociada a la creación de formas, sino como
actividad anónima y colaborativa que trabaje definitivamente por la solución de los
problemas de los hombres.
12. La enseñanza del diseño.
En la clase 10 se trata la responsabilidad social del arquitecto ante la sociedad en la
que vie y el enfoque racionalista de la arquitectura, la tercera gran influencia de la
arquitectura es la crisis en la tradición de la enseñanza académica.
La enseñanza en el seno de comunidades de artesanos. Asmismo, los artistas se
educaban de un modo similar, aprendiendo el oficio un maestro durante una larga
etapa como aprendices. Como se aumentó la demanda se crearon muchas mas
escuelas, se generó una idea que se basa en decir que no deben existir artes
independientes entre sí, sino como en el Renacimiento, un solo arte que fusione todas
la ideas de la belleza.

La Bauhaus

1. ETAPAS.

Tres fases se distinguen normalmente. 1919 – 1923. Weimar. Gropius. Primera fase
1923 a 1929. Dessau Gropius. Segunda Fase
1929. 1930 Meyer Dessau y Berlín. Tercera fase
1930 – 1933 Van der Rohe

Weimar.1 van de Velde exponente del Arts Noveau en Bélgica fue también miembro
de la Wekbund, el cambio ideológico adelanta como iba a ser la Bauhaus en el futuro,
iba a surgir dos posturas aparentemente antagónicas. Procede de dos enfoques,
Werkbund antes de la primera Guerra mundial y medievalismo romántico de William
Morris, reforzado por el expresionismo. 2

El deseo de reforma impuso dos exigencias fundamentales, toda enseñanza de las

artes estuviera basada en formación artesanal, a los estudiantes se les prohibía
especializare, las escuelas debían abarcar tantas especialidades como fuera posible.

Fundación
Se crea por la fusión de la de van de Velde y la academia de Bellas artes. 3.

La involución de Gropius. De la Fagus y el Werkbund al Arts & Crafts.

Gropius sufre un cambio de actitud frente a la máquina tras su participación en la 1ª

G.M. Ese cambio ayuda a explicar como la influencia generadora de Van de Velde
produjo una primera Bauhaus artesanal y con abundantes raíces del pasado.

Profesores. Itten 4.

Su personalidad y conductas estaban muy cerca de la extravagancia, posiblemente

Loos solo conocía su obra y no sus particulares métodos de enseñanza. Era
vegetariano, además místico y discípulo de las muchas creencias y seudo religiones
nuevas.
-Los pequeños comerciantes y artesanos creían que la escuela amenazaba su propia
existencia, políticamente les acusan de potenciar el consumismo y de uno desarrollar
un arte alemán, Gropius tuvo que luchar por política por los judíos.

-Se dedicó la escuela a derribar barreras entre bellas artes y oficios pero empleó
como profesores a pintores sin ningún conocimiento en las técnicas artesanales.

-La Villa Sommerfield, un proyecto demostró que las secciones de Bauhaus podían
trabajar juntas de acuerdo con los propósitos de Gropius 13-16.

La influencia de De Stijl en Weimar

-La presencia de Van Doesburg en Weimar fue responsable de un cmbio de orientación
de la escuela. 17.
-En 1922 organizó el congreso constructivista y dadaísta en Weimar, donde da a
entender Gropius que apoyaba el arte cerebral apoyado en las máquinas. 18-19.

La dimisión de Itten
-Hizo resurgir al Gropius de la fábrica Fagus, el cambio de rumbo supuso la dimisión de
Itten en 1922, la Bauhaus iba a cambiar a partir de 1922. Laszlo Moholy- Nagy fue
nombrado sustituto de Itten en 1923. 20.
-Llamaba libres a sus formas abstractas, y basó los fundamentos de su producción en
tres aspectos modernos, las relaciones dimensionales (sección aurea y relaciones
proporcionales), la posición o el movimiento, los distintos aspectos de los materiales y
la luz.
La exposición de 1923
-Consiguió una proyección muy fuerte en la Bauhaus pero mayormente fuera de
Weimar. 22- 25.
El abandono de Weimar. 28
-La Bauhaus se vio amenazada no solo por la crisis económica de principios de los 20 si
no por la política. En diciembre cayó el gobierno y a principio de 1924 la derecha gana
la mayoría en el parlamento de Turingia.

Dessau 1923- 1929: 29.

-Las nociones románticas y de autoexpresión artística se vieron sustituidas por ideas

racionalistas casi científicas. El programa y los métodos de enseñanza sufrieron
drásticos cambios.
-Se cambia el nombre a Escuela Superior de Concepción de Formas, pasó a ser un
Instituto de diseño.
- El taller de impresión que en Weimar se había dedicado a la producción de artes
gráficas se dedicó en Desaau a las maquetas gráficas, la tipografía y la publicidad.
Cambio de actitud de Gropius respecto al Arts & Crafts. 30.

Debía darse un cambio y pasar de fabricar objetos artesanales a fabricar objetos que
pudieran ser ejecutados en fábricas.
Abandonaba definitivamente a Morris

Moholy fue ayudado a llevar al curso preliminar por un antiguo estudiante: Josef
Albers, en 1928, tras la dimisión de Moholy, se hizo cargo del curso preliminar.31.
-Idea de que el creador es intuitivo y por tanto fabrica sus propias reglas, la obra surge
espontáneamente de sus manos y sobre todo que ninguna ciencia pueda reemplazar a
la certeza ingenua del artista.
Profesores: Gropius – Muche – Kandinsky – Klee – Van der Rohe – Moholy Nagy –
Feininger.
La aparición de Meyer, en 1927, se establece un departamento de arquitectura al
mismo nivel que los talleres, si el estudiante optaba por arquitectura no estaba
obligado a adquirir conocimientos en artesanía de ningún tipo.
Meyer 1889- 1954.
-Introduce una visión de izquierdas y antroposófica de la arquitectura.
Dessau bajo la dirección de Meyer. Su radicalismo político, visión constructivista y anti
–artística produjo enfrentamientos con el resto de la plantilla. La crisis produjo la crisis
en enero de 1928, la dimisión de Gropius.
-La expulsión de Meyer. Se vió obligado a dimitir con el pretexto de una donación de
dinero en nombre de la escuela a unos mineros en huelga. Fue expulsado y con el
algunos estudiantes.
-Van der Rohe sustituye a Meyer en agosto de 1930.

Dessau/ Berlín bajo la dirección de Mies 1929 – 1933 .47

Expulsó a los estudiantes comunistas para evitar problemas, en 1930 los talleres de
muebles metalistería y pintura mural se unificaron en el de diseño de interiores.
Abandono de Dessau.
Berlín y disolución definitiva de la escuela. 48.
Poco después de abrir la escuela los nazis ganaron el poder y todo se desmoronó,
llamada al orden y detención de miembros de la Bauhaus.

La semilla de la Bauhaus en el mundo.

Tras la clausura en 1933, los principales protagonistas de la Bauhaus abandonan

Alemania y se convierten en apóstoles de la Bauhaus y en parte de su mito.
13 Claves del diseño moderno
En la clase 10 tratamos los tres grandes cambios del S. XIX y que según banham
supusieron ruptura con el pasado y punto de partida del diseño moderno.

1Sentido responsabilidad del arquitecto ante la sociedad.

2El enfoque racionalista de la arquitectura
3La crisis de la tradición de la enseñanza académica.

En la clase 7 vimos que cambios dieron lugar a nuevos estilos modernos que podían
agruparse en racionalismo, expresionismo.
Eclecticismo e historicismo.

-Estas dos cuestiones nacieron con intención de dar respuesta a necesidad de hallar
estilo nuevo y distinto para nuevas formas industriales. Esto a nivel estético es la
principal consecuencia de estos cambios del ornamento del diseño de vanguardia y la
condena a lo artesano.
-Estudiaremos que caracteriza a las formas modernas y que ha permanecido del “
Estilo del siglo” 1
-Definición del trabajo industrial y artesanal. 2

Trabajo artesanal se caracteriza por producir obras de elevada calidad, elaborar

objetos directamente para el usuario, la dependencia y coincidencia del artesano –
creador ( como diseñador – artista), la relación clara y directa que guara su trabajo con
el hombre y sus procesos.
Prescindir con frecuencia de planos y proyectos detallados, indiferenciación entre
trabajo y producción, son procesos totalmente continuos, trabajar respetando
calidades, materiales y características.

A estos trabajos les envuelve una mística de que están hechos para durar, son fruto del
trabajo personal y valorados por estar hechos a mano.
Hay algunas cuestiones inalcanzables para la industria y que solo puede llegar a la
mano del hombre. 3-4.

Trabajo industrial 5
Capaz de producir a varias calidades, no existe un vínculo directo entre diseñador y
usuario, proceso ejecución debe organizarse a priori, al no poderse adaptar el
resultado final a la medida surge el concepto de standard, talla, modulo que
normalizan el mundo real. Producto final sujeto a estrictos controles de calidad, de
modo que debe ser igual a lo se proyectó o se desecha inmediatamente, no respeta los
objetos que crea ni a las personas que los crea.
La aportación industrial. 6.

La importancia del proyecto permite elegir entre varias soluciones alternativas del
mismo problema, la relativización de la importancia del material, adaptabilidad del
proceso de producción, la transición de sistema cerrado a abierto, progresiva
tendencia a la diminución de la manutención.

A1La importancia del proyecto

La aportación del diseño moderno heredera de la metodología de la arquitectura e

ingeniería ha permitido introducir innovaciones en productos que llevaban años sin
evolucionar 7.

A2La relativización de la importancia del material

El diseño ha aportado dos nuevos usos del material, calidad del material como
compensación del ornamento pero por otro caso, calidad para producto barato. 8-9

Una de las cualidades más valoradas por los usuarios del Tupperware cuando lo
introdujeron en el mercado fue el hecho de ser fabricado de plástico y un material muy
innovador en los 40.

A3 Sistema abierto a la innovación, introducción del i+d+i por competencia entre

empresas.

A4 De la durabilidad a la obsolescencia programada.

Henry Ford y el Ford T de 1908, y el reloj de oro de La Phare de 1915.
Los fabricantes se dieron cuenta de que no favorecía la innovación y los cambios y por
ello optaron por un punto de vista distinto.

B. La persistencia del artesano: una nueva relación entre usuario y producto. 14

El usuario puede conocer perfectamente al diseñador y las técnicas de investigación de

mercado hacen que el diseñador tenga una gran información sobre sus usuarios.
Puede incluir algún cambio en la cadena de producción, la lógica del trabajo se dirige
hacia las necesidades del mercado, la especialización profesional ha hecho que algunos
diseñadores deleguen las cuestiones proyectuales y se limiten a esbozar ideas básicas
del proyecto, además, la marca ha desplazado a las personas en cuanto a relación
afectiva con el producto.

B1 Investigadores de mercado y diseñadores. 15. Zara solo fabrica a partir de bajas

existencias.
B2 Cambios durante el proceso. 16.
B3 Necesidades del mercado determinan la orientación de la producción hacia un
público objetivo. 17-19.
Las impresoras 3D son el último paso para el hazlo tú mismo, a todos los productos
industriales. Fenómenos como este devuelven el placer de la práctica artesanal al
propio usuario. 20.

La relación entre producto y usuario se canaliza a través de la marca. 21- 22.

C. Diseñar para la obsolescencia. 23.

-Importancia cada vez mayor del factor económico que influye en las políticas del I+D+i
de las empresas y al que está sujeta la continuidad de existencia de un producto en el
mercado, las marcas, el cambio del concepto de calidad.
-Industria por tanto tiende a crear artefactos de gran calidad, pero con obsolescencia
programada que permite la creación de versiones mejoradas gracias a un proceso de
retroalimentación entre proyecto y producción, se basa en la necesidad de añadir
nuevos modelos. 24.
-En conclusión. La producción industrial ha mejorado la producción de artefactos
aportando el valor del proyecto previo, un sistema abierto a los cambios, la
relativización de la calidad material, y la disminución del mantenimiento.

La modernidad y posmodernidad imponen la recuperación de lo artesanal y el fin de

lo perdurable.

El estilo moderno:
En cuanto a la modernidad como estilo, la modernidad ha impuesto objetos abstractos
y por tanto carentes de connotaciones simbólicas. La forma abstracta huye de sus
antedecesores, el ornamento, clasicismo, y lo hace por dos vías, expresionismo y
racionalismo.
-Después de 1945, la tendencia era la racionalización e incluso la cientifización del
diseño que se había dado en los años de la Bauhaus que se impuso y se extendió por
occidente. 28.
-El Estilo internacional en arquitectura, fue puesto en duda en los años 60, como
ocurrió con el resto del sistema, el creciente interés por la artesanía, la globalización
cultural y económica, la deslocalización del diseño y profundos cambios culturales.
-Hemos pasado a múltiples modos de entender el diseño, en una eclosión de estilos
donde todo vale, desde la postmodernidad ha recuperado la artesanía y el ornamento,
pero aparecen nuevas variables como el eclecticismo y el historicismo. 29- 30.

El diseño moderno es caracterizado por la escasa durabilidad, por el mercado, por la

nueva visión de progreso, la sumisión a las modas, la existencia de diseñadores o
artistas para marcas y la necesidad del diseño de responder por encima de todo lo
anterior a su responsabilidad social. 37-38.
14 Del diseño a los diseños 1.
La situación del diseño cambio apartir de los 80, al desaparecer el objetivo de un
único estilo, se centró en una época ecléctica donde se empezaron a configurar por las
tendencias actuales, panorama caracterizado por
La persistencia del estilo moderno, la existencia de diseños en los que la idea
generadora prima sobre la forma, el protagonismo del material con el que se
contruyen las piezas, el mestizaje y el revival.

El estilo clásico que prevalece

Dietr Rams: simple en lugar de complicado, sin pretensiones, duradero y funcional. 1-

3.
La aplicación de funcionalismo a los objetos electrónicos de los sesenta trajo consigo
una forma de hacer conocida como estatismo, hasta los sesenta, se creía que los
objetos simplemente tenían que integrar la forma y disimular las piezas. 5

El diseñador debía diseñar en función de un estilo, en un concepto primitivo, la

aerodinámica con sus líneas.

Transparencia y nuevos materiales

Después de la guerra el coste de carcasas de metal aumentó estrepitosamente y

paulatinamente fueron sustituidas por otras fabricadas con compuestos polímeros. 10-
17

2. Diseño conceptual: el triunfo de la idea generadora.

El diseño alcanzó su madurez cuando fue capaz de supeditar la forma del objeto no
sólo a su función, si no a capacidad de comunicar ideas, que aportasen un valor
añadido al objeto. 18-21.

3. Protagonismo, riqueza y diversidad de los materiales

Nuevos recursos y experimentación de nuevas soluciones 22- 24.

4. Lo interracial se mezcla con lo intercultural y metalingüístico

La forma del producto viene definida por cuestiones tan subjetivas como la inclinación
sexual, política, o diversos gustos. 25.

Se abandona todo intento de establecer reglas sobre la apariencia que debe tomar un
objeto. 27. Pero también sobre la función a la que está destinado. 28-30.
5 El revival. Dentro del contexto del todo vale, los diseñadores utilizan la historia como
catálogo así, referencias a la ornamentación clásica griega florecen en recuperaciones
del Arts & Crafts.
Hasta los automóviles se atrevían con el revival. 32-37.

Según Luis Rodríguez Morale en el periodo posterior a la 2ªGM, surgieron una serie de
reflexiones que se convirtieron en indicadores de una situación de cambio profundo.
Fruto de esta reflexión son las tres corrientes generales que podemos distinguir dentro
del movimiento posmoderno.

La semiológica
La historicista
La banal.

Los diseñadores en los 80 se reparten en dos perfiles profesionales, el diseño de

productos
y ambiente, mobiliarios, decoración, gráfico, packaging.

En 1989 Volker Fisher propuso que el panorama postmoderno podía entenderse en

base a la siguiente división de estilos.

High Tech 40-53

Trans Hich Tech 54-66
Post Modernismo 67-72
Alchimia o Memphis 73 - 83
Minimalismo 84-94
Arquetípico 95-97
Ecológico 100

Formas del diseño digital.

La heterogeneidad característica del medio ha producido la homogeneización, la

banalización y la apropiación.

1 Homogeneización. La fotografía fue acusada de producir decadencia del gusto

artístico y homogeneizar el estilo de pintores, práctica imposibilidad de renovación
que nos lleva a la banalización, la cual es el uso indiscriminado y sin reglas de efectos o
recursos. En la apropiación que es una particular visión de la banalización se pierde la
creatividad debido a tendencia progresiva a utilizar productos que otros han fabricado
antes.
Motion contro, flying logos, desenfoques, expansión de tipografías. 101-104.

El estilo bitmap o pixelado (106-112) , el estilo vectorial (113-115) y el sintético (116)

15 Del diseño a los diseños 2.
Como vimos en la clase 13 después del postmodernismo, el diseño se ve condicionado
por la escasa durabilidad, el mercado, la nueva visión de progreso, la sumisión a las
modas, la relación entre diseñador, artista y marca y la necesidad de responder a su
responsabilidad social. 1

El diseño como actividad arraigada al consumo.

Ámbitos profesionales 2

1 PADRES DEL DISEÑO 1920

Inician su profesión autodidactas
2 PADRES DEL DISEÑO FINAL DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
Agencias de diseño que se ocupan de todos los ámbitos profesionales
SEGUNDA GENERACIÓN DE DISEÑADORES 1950
Empleados de estas agencias, se especializan y crean nuevas empresas.
TERCERA GENERACIÓN DE DISEÑADORES 1980
Profesión especializada totalmente.

Diseñador como transformador del mundo a través de su responsabilidad sobre el

parque de productos. 3

Ámbitos de trabajo actuales 4.

Producción de objetos de consumo destinados al gran público, el diseño como

industria del equipamiento, diseño para crear o equipar ambientes, destinado a
mobiliario y materiales de decoración, diseño de productos gráficos y packaging.

De lo postmoderno a lo hipermoderno: 5

Durante los años de la postmodernidad, la idea del diseñador como ordenante de

elementos, precisamente todo lo puesto en marcha en los 80 y 90 iba orientado a ese
diseño estrchamente vinculado al consumo, muchos autores propusieron catálogo de
estilos para referirse al nuevo diseño.

Se mantenía una concepción clásica del diseño proveniente del diseño suizo o alemán
de la posguerra, diseño nordico, o good design americano de los 50.

Ese valor refugio del valor clásico se mantiene hoy aunque hayan cambiado
herramientas de producción o estrategias de comercialización.
El diseño posmoderno llegó a eclipsar esa concepción clásica de la profesión de diseño,
se aplicaba un mayor número de objetos industriales.

Según Lipovetski, la etapa postmodeerna no ha hecho mas que acentuar el carácter

esctrictamente moderno de nuestra sociedad, librándonos de la ingenuidad que
imponían al gunos dogmas de la esencia del Movimiento Moderno.

Cambio de tendencia: podemos decir que a principios del S XXI, coexisten de forma
entrelazada dos grandes maneras de entender el diseño. Clásica y derivadas de los
planteamientos postmodernos.

Aprender a usar lo mejor de los dos mundos. 6-8. 10-34.