Estilos del arte contemporáneo

Algunos de los estilos contemporáneos más conocidos son:

Fauvismo o Fovismo. Fue un movimiento pictórico originado en Francia entre 1904 y 1908, cuyo
nombre responde a la voz francesa fauve, “fiero”. Ello hacía alusión a la paleta de colores tan
provocativa de sus pintores, que rompía con lo acostumbrado y se atrevía a incursionar en tonos
poco fieles a lo real. Se considera a Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) y
Maurice de Vlaminck (1876-1958) como sus fundadores y autores más importantes.

Cubismo. El cubismo surgió en Europa entre 1907 y 1924, y se considera una tendencia
fundacional, de vital importancia para el surgimiento de las vanguardias del siglo XX. Consistió en
una verdadera ruptura con la pintura tradicional, que se atrevió a romper con la perspectiva
realista, inaugurando en cambio una perspectiva propia, subjetiva, de las cosas. Los padres del
cubismo fueron Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963), pero a ellos se sumaron
otros grandes pintores europeos de la época, así como el poeta y crítico de arte francés Guillaume
Apollinaire (1880-1918).

Dadaísmo. Surgido en 1916 en el cabaret Voltaire de Zurich, fue un movimiento artístico de

carácter burlesco y contestatario, que se opuso al arte burgués y al positivismo imperante en la
época. Obra del poeta rumano Tristan Tzara (1896-1963) y el poeta alemán Hugo Ball (1886-1927),
tomó su nombre del balbuceo infantil (da-dá) porque valoraba las sucesiones de sonidos sin
sentido aparente, como una manera de romper con la obligación de “decir algo”. Esa actitud luego
fue heredada en otros géneros por los seguidores del movimiento, como en la escultura y la
pintura.

Surrealismo. Uno de los grandes movimientos culturales de la Europa del siglo XX, cuyo precepto
fundamental era alejarse de la razón y de la objetividad para abordar el mundo del inconsciente
freudiano: los sueños, las alucinaciones y las fantasías. El movimiento surrealista comenzó
formalmente cuando el poeta francés André Bretón (1896-1966) publicó en 1924 el Manifiesto
surrealista en París, ciudad que fue el eje del movimiento en su expansión por el mundo entero,
incursionando en pintura, escultura, literatura e incluso el cine. El movimiento contó con
numerosísimos seguidores de distintas nacionalidades, entre los que destacaron el propio Bretón,
Salvador Dalí (1904-1989), René Magritte (1898-1967), Marcel Duchamp (1887-1968), Jean Arp
(1887-1966), Luis Buñuel (1900-1983), entre muchos otros.

Expresionismo. Otro de los grandes movimientos artísticos del siglo XX, nacido a inicios de siglo en
Alemania, al mismo tiempo que el fauvismo francés. Su campo inicial fue la pintura, pero luego se
extendió por otras artes como la literatura, la escultura, la música, la danza, el teatro y el cine,
siempre bajo la premisa de oponerse al impresionismo y a su concepción racional, objetiva, del
arte. El expresionismo valoraba la interioridad del artista ante todo, y deformaba la realidad en la
obra para adaptarla a la expresión de esa subjetividad, a menudo a través de escenarios oníricos,
desolados y de cierta amargura, propios del período de la Alemania prebélica. No se trató, sin
embargo, de un movimiento homogéneo, así que sus rasgos estilísticos mutaron mucho a lo largo
del tiempo, aunque se conservó su premisa filosófica. Algunos de sus típicos exponentes fueron los
pintores Evard Munch (1863-1944), Vasili Kandinski (1866-1944), Paul Klee (1879-1940), Egon
Schiele (1890-1918), Amedeo Modigliani (1884-1920) y Marc Chagall (1887-1985), junto a
escritores como Franz Kafka (1883-1924) y Bertoldt Brecht (1898-1956), o músicos como Arnold
Schönberg (1874-1951), por citar sólo algunos.

Expresionismo abstracto. Movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en los años de 1940,
fruto de la migración de muchos artistas surrealistas europeos al nuevo continente. Abandonando
el figurativismo a favor de la abstracción, este movimiento empleó colores primarios y un enfoque
minimalista, a la vez que trazos violentos. Sus inicios estuvieron muy marcados por su herencia
europea, de la mano de su pionero el armenio Arshile Gorky (1904-1948), exiliado en Nueva York,
pero pronto se convirtió en el primer movimiento propiamente estadounidense dentro de la
pintura abstracta, cuyos máximos exponentes son los célebres Jackson Pollock (1912-1956) o Mark
Rothko (1903-1970).

Pop art. El “arte pop” nació como una reacción al expresionismo abstracto y una continuación no
irónica y menos destructiva del movimiento dadá. Sus inicios tuvieron lugar en 1950 en el Reino
Unido y a comienzos de 1960 en los Estados Unidos, y su postulado esencial era la reunificación de
arte y vida, a través del enfriamiento de las emociones. Para ello, acudió a la superficialidad
aparente de la cultura de masas, y a los diseños repetidos, de línea bien definida, así como a la
representación y utilización de objetos de consumo cotidiano, como las famosas latas de sopa
Campbell de Andy Warhol (1928-1987), quizá su exponente más conocido. Fue un movimiento
cercano a la publicidad y hasta cierto punto eufórico, que se considera hoy propio del auge del
capitalismo en Occidente durante la Guerra Fría. Otros nombres importantes fueron los de Robert
Rauschenberg (1925-2008) y Roy Lichtenstein (1923-1997).

Arte cinético. Como su nombre lo indica, el arte cinético intenta incorporar el movimiento a la
obra de arte, como en pinturas y sobre todo esculturas. Este movimiento puede ser real
(mecánico, eléctrico, magnético, por viento, etc.) o figurado, y puede o no contar con la
participación del espectador, a través del accionar de un interruptor o de penetrar en la obra
misma. La mayoría de sus obras, de hecho, eran tridimensionales, y se produjeron entre las
décadas de 1960 y 1970, teniendo como epicentro París y los Estados Unidos. Hubo importantes
representantes latinoamericanos en esta vertiente artística, como el argentino Julio Leparc (1928-)
o los venezolanos Jesús Soto (1923-2005) y Carlos Cruz Diez (1923-2019).

Arte conceptual. El arte conceptual se debe entender como una propuesta artística en la que la
idea o el concepto es mucho más importante que la obra misma, al menos en tanto objeto físico o
material. Así, el arte se reduce a la expresión de lo mental indiferente a la técnica, sin necesidad
de un soporte físico duradero, más allá del texto y la fotografía. Surgió en los años de 1960 en
Estados Unidos y el Reino Unido, pero tuvo importantes representantes europeos, como el grupo
alemán FLUXUS, o la japonesa Yoko Ono (1933-). En este movimiento tienen cabida desde
performances y formas del arte efímero, hasta instalaciones, esculturas y grabaciones
audiovisuales.

La fotografía

Características de la Fotografía

Características principales

Características de la FotografíaLas fotografías son estáticas.

Hacen uso de la luz para sacar su mejor perspectiva de la realidad.

La fotografía es de carácter plenamente expresivo.

Suelen permanecer por años (como en el caso de las fotos impresas), o para siempre (fotos
digitales).

Es la forma de traer parte de la historia al momento presente, de forma visual.

El primer intento fotográfico se dio en 1820

El primer intento oficial de una fotografía experimental que resultó en éxito, fue el heliograbado.
Esta práctica fue descubierta por Joseph Niépce en 1820, aproximadamente.

tipos de fotografía

Tenemos diferentes tipos de fotografía que dependen del contexto en el que se esté trabajando.
Podemos comentar, la fotografía publicitaria, de modas, documental, paisajística, científica,
artística, de retrato y otras.

Publicitarias: esta clase de fotografías son las que se utilizan para promocionar algún producto y
para de esta manera orientar el consumo de las personas hacia el mismo. La fotografía también
resulta un recurso clave para la publicitación de un producto en avisos callejeros o de diarios o
revistas.

Artística: son aquellas fotografías que fueron tomadas con el objeto de causar alguna emoción o
de transmitir algún concepto al espectador. En estas fotos se tiene muy en cuenta la iluminación,
la perspectiva, el contraste, la profundidad, el color, entre otros detalles claves, como puede ser
incluso su enmarcación. Muchas veces, las fotos como estas son usadas con fines publicitarios, por
lo que no se trata de una categoría excluyente.
Foto-secuencia: en este caso, se trata de un conjunto de fotografías que se presentan en orden
cronológico para representar cómo ocurrió un determinado hecho a lo largo del tiempo. Lo ideal a
la hora de armar una foto-secuencia es tomar fotos que transmitan muy claramente lo que los
personajes que la integran están haciendo y que se perciba un avance en ello entre foto y foto.

Documentales o periodísticas: fotografías como estas son las que logran capturar hechos o
personajes que resultan relevantes ya sea para comunicar una noticia o para representar algún
hecho que resulte socialmente relevante, no sólo para el futuro más inmediato, sino para la
historia de una sociedad. Por lo general, existe la idea de que estas fotografías son objetivas por
interpretarse que retratan un hecho en su forma más fiel. Se debe tener en cuenta que esto no es
así sino que cuando el fotógrafo toma una imagen, está recortando la realidad, de acuerdo a sus
criterios.

Paisajes: como su nombre indica, estas fotografías son las que capturan un paisaje determinado,
como puede ser la playa, la montaña, un bosque o un desierto, entre otros ejemplos. Un detalle
que suele tomarse en cuenta a la hora de tomar estas fotografías es la luz solar, que por lo general
suele marcar la diferencia entre una buena y una mala foto. En otros casos, se intenta plasmar la
lluvia o incluso la caída de un rayo, en donde muchas veces el paisaje en sí pasa a un segundo
plano y es dicho fenómeno el que la vuelve atractiva. Estas fotos también pueden ser tomadas con
fines artísticos, no meramente ilustrativos.

Retrato: en este caso, se busca ilustrar el rostro de uno o varios personajes o incluso transmitir, a
través de ellos, algún sentimiento o emoción que estén atravesando para así conmover al
espectador. En estas fotos, el uso de la luz se vuelve fundamental para que los rasgos queden bien
definidos y transmitan la sensación de tridimensionalidad o incluso para hacer algún juego con las
sombras que se conformen.

Aérea: las fotografías conocidas bajo este nombre son las que se toman desde alturas muy
elevadas, por lo que se requiere hacerlo desde un avión o incluso satélite. Estas fotos son las que
se usan, por ejemplo, para identificar el crecimiento de ciudades o villas. También, son una
herramienta esencial para los cartógrafos o para rastrear objetos, flora o fauna, entre otras cosas
que se encuentren en un determinado territorio.

De acción en movimiento: en fotografías como esta se intenta captar a un determinado objeto en

movimiento, el cual queda plasmado de manera borrosa y así transmite la sensación de que se
está moviendo, mientras que el fondo se plasma de manera estática. Apara obtener este tipo de
fotografía, quien la toma deberá mantener quieta la cámara para que el resto de la escena no se
vea movida, mientras que el objeto en cuestión, que se encuentra en acción, sí.

En movimiento: como su nombre indica, estas fotografías intentan transmitir la sensación de

movimiento no sólo en el objeto capturado sino en toda la escena. Para esto, se debe fotografiar
al objeto mientras esté en movimiento, utilizando breves tiempos de exposición. Al mismo tiempo,
el fotógrafo deberá seguir con su cámara al objeto en movimiento. De esta manera, también se
consigue obtener un fondo borroso y así lograr el efecto deseado.

Pintura corporal:
La pintura corporal ha sido desde tiempos remotos una forma de expresión, transmite un
mensaje. En las sociedades primitivas, el hombre dibujaba su cuerpo utilizando el rojo, marrón,
negro y azul, colores asociados a los elementos fuego, tierra, oscuridad y agua. Significaban
energía vital y fecundidad, luto o purificación, la noche o la nada, protección.

El motivo para pintarse varía de acuerdo a la cultura. Los hombres utilizaban la pintura como
ornamento, para reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada o señalar la entrada a un
nuevo estado o grupo social. Los dibujos y colores permitían cambiar la identidad, camuflarse,
vestirse para la guerra o formar parte de algún ritual. Los pueblos autóctonos continúan dándole
estos usos y significados.

Características de Pintura corporal

Se trata de una pintura libre, de una forma de pintar que no piensa ni elige nada, sin imitación ni
artificialidad, y que hace reflexionar sobre las formas de configurar la pintura actual.

Tiene un carácter abierto e indeterminado en cuanto a la hora de recrear espacios y tiempos. No

tiene principio ni fin, sino pura pintura y diversión, de forma simple, entretenida y sin pretensión
alguna.

Muestra situaciones repentinas sin argumentos, haciendo experimentable la música y la pintura.

La pintura corporal es una práctica prehistórica, identifica a diversas culturas alrededor del
mundo. Las sociedades tribales teñían sus cuerpos con tierra, tiza, sangre de animales y otros
pigmentos naturales, para camuflarse y cazar, participar en rituales o ir a la guerra. Para
identificarse como tribu.

Historia de la pintura corporal

En la India, Yemen, Afganistán, África del Norte y el Medio Oriente es popular la técnica conocida
como Mehandi o Mehndi. Consiste en la creación de diseños decorativos en el cuerpo. En las
mujeres se pintan manos, pies y la parte posterior de los hombros. En los hombres brazos, piernas,
espalda, torso y en menor medida, el cuero cabelludo. Se emplea para ello henna, de
característico color marrón, también tinturas de color blanco, rojo, negro y dorado. Los usos,
diseños y significados varían en cada región.

Tipos de pintura corporal: Entre los tipos de pintura corporal destacan:

 Animalización: Arte inspirado en un animal.
 Mimetismo: El arte del camuflaje.
  Abstracto: El cuerpo es el lienzo para la creación abstracta en la que se destacan ciertas
zonas del cuerpo.
 Figurativo: Se dibuja en la piel la figura de algo en concreto.
 Realista: El que representa a un personaje u objeto real. Ejemplo el maquillaje alusivo a un
personaje histórico, en el que se replican facciones y vestuario.

VIDEOS: El videoarte es una forma de expresión artística que se basa en el uso de

tecnología de video como medio visual y audible. Consiste en crear manifestaciones
artísticas mediante imágenes en movimiento y sonidos, y está muy vinculado al arte
conceptual, las performances y al minimalismo. El videoarte supone la completa
integración de la imagen y el sonido en el universo artístico contemporáneo. El videoarte
puede manifestarse de múltiples maneras y abarca múltiples tendencias y géneros que se
hibridan como video registros, video comunitario, video escultura, video instalación. El
videoarte puede contar o no con diálogos, emplear actores, usar grabaciones, apostar por
la música en vivo o basarse en pantallas. El videoarte se puede registrar o plasmar de
diferentes maneras , como en DVD o en performances en vivo. Algunos de los artistas más
representativos del videoarte son Nam June Paik, Bill Viola, Dan Graham, Nan Hoover,
Eija-Liisa Ahtila

El videoarte en Venezuela tiene una historia que se remonta a hace cuarenta años,
cuando se llevó a cabo la primera gran experiencia multimedia inspiradora de los eventos
integrales de las artes visuales en Venezuela: “ Imagen en Movimiento ” Desde entonces,
ha habido cuatro generaciones de arte audiovisual en Venezuela El artista venezolano Iván
Candeo ha ofrecido un seminario sobre el videoarte en Venezuela También hay
documentales y archivos videográficos que muestran los inicios del videoarte en
Venezuela, como el Festival de Videoarte en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas
en 1975 En la actualidad, se puede encontrar una amplia variedad de artistas y obras de
videoarte en Venezuela

PERFORMACE:

Características del performance

 Estas son las principales características del arte performance:

 La elaboración de las obras, y el trabajo que se refleja en ellas lo llevan a cabo los
integrantes principalmente. Los escenarios no son tan importantes, sino que está basado
especialmente en el físico. Es decir, la utilización del cuerpo de los artistas es muy
importante a la hora de realizar este tipo de creaciones artísticas.
 El escenario puede ser cualquiera. No hay un sitio establecido, por lo que pueden
realizarse en cualquier lugar.
  Los elementos que se conjugan en este tipo de obras son los siguientes: el cuerpo del
artista, el tiempo de duración, el espacio en el que se desarrolla, y la relación que existe
entre los artistas y el público que asiste.
 Dentro de una representación se pueden incluir diferentes manifestaciones artísticas:
danzas, música, pinturas, drama… Puede aglutinar diferentes facetas combinándose todas
ellas en esa representación.
 El desnudo es una característica habitual de este tipo de manifestaciones. No es algo
obligatorio, pero se suele incluir con frecuencia en las obras de performance.

Cuáles son los objetivos del arte performance?

Estos son los principales:

 La provocación es uno de los objetivos principales, por este motivo la interacción con
el público suele ser muy habitual y necesaria, es parte de la representación. Suelen
motivar a los asistentes a que participen e interactúen. Por ejemplo, en los
espectáculos de La Fura dels Baus, es muy habitual.
 Se aleja de cualquier formato establecido, no es una obra clásica, sino que combina
muchas disciplinas y las integra de manera coherente. Al final, es como una obra de
arte en vivo y en acción continua por lo que se destaca su libertad de ejecución.
 Fomentan el aspecto visual, es una de las cosas más llamativas en este tipo de arte.

Grafitis

Tipos de grafiti, aunque no haya un estudio formal de los mismos, ni reglas demasiado
estrictas para su elaboración:

Art graffiti. Asociado a la cultura hip-hop de las décadas del 70 y 80 en los estados unidos, tiende a
representar motivos más o menos abstractos, nombres (“tags” o etiquetas: nombres en clave) o
mensajes recurrentes, siempre mediante un despliegue de colores y de formas que en ocasiones
toma varios días terminar.

Grafiti público. Los “lemas” públicos que aparecen en una ciudad y reiteran eslóganes o mensajes
políticos, más o menos satíricos o groseros, tratando de dar un mensaje a las masas. También
entran en esta categoría los grafitis de protesta.

Latrinalia. Se llama así al grafiti poco elaborado, grosero y por lo general de baja ralea que
predomina en baños públicos y espacios de tránsito, como puertas, ascensores, trenes, etc.
Pueden ser desde confesiones de amor, amenazas, denuncias hasta intentos de poesía o de relato.

Origen y función del grafiti

Surge en los años sesenta en Nueva York con el propósito esencial de testimoniar la presencia de
su autor en un lugar determinado, por ejemplo, los vagones del metro.

Se trata de una práctica ilegal, en principio, por lo que muchos la consideran vandálica. El grafiti
irrumpe el espacio público para visibilizar a los actores sociales no asumidos por la sociedad de
masas y para dejar constancia de los puntos de vista silenciados. Por lo tanto, suele tener un alto
sentido político.

Los primeros grafitis incluían apenas firmas, mensajes directos o dibujos rápidos. Con el tiempo, la
preocupación estética permitió el desarrollo de técnicas y composiciones cada vez más complejas.
Esto le ha merecido ser considerado un arte urbano, aun cuando gran parte de la producción de
grafiti sigue siendo ilegal.

Características del grafiti

se puede hablar de un programa estético general que debe tener las siguientes características para
cumplir con su propósito social y estético:

 Buen sentido del diseño, lo que implica planificación en blocs de trabajo;

 Dominio de la técnica de la pintura con spray (no debe chorrear la pintura);
 Capacidad para trabajar con rapidez;
 Originalidad;
 Encadenamiento de las letras como un “flujo” continuo;
 Efecto de brillo en los colores;
 Definición de los contornos.

¿Cuáles son las artes circenses?

Las artes circenses son aquellas formas de expresión corporal que resultan propias de la tradición
circense, o sea, que son típicas del circo. En ellas se utilizan aspectos escénicos y teatrales
provenientes de las Bellas Artes, pero se disponen para espectáculos de destreza, sin grandes
aspiraciones estéticas.

Algunas de las artes circenses son: la acrobacia, el equilibrismo, el escapismo, los malabares, el
mimo, el clown, la magia, la ventriloquía, entre otras.

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE circense

El mayor activo de un circo es su material humano, ya que gran parte de su espectáculo depende
de las habilidades, talentos, de sus artistas que forman una verdadera familia al frecuentar el
mismo ambiente y compartir sus habilidades y experiencias.
A pesar de las presentaciones con artistas de diferentes características, la estructura de la
exposición es muy conservadora, el “equipo” de estos notables siempre debe incluir:

payasos; malabaristas; equilibristas; Trapecistas; domadores; Magos.

El payaso es la figura popular más emblemática, y su comportamiento en las exhibiciones es

siempre de tipo pícaro, con humor irónico y picante, además de bastante prolijo.

arte circense en Venezuela , y hay esfuerzos para promoverla y apoyarla. Estos son algunos
resultados de búsqueda relevantes:

" El circo sobre el lienzo " es un libro que retrata el colectivo circense en Venezuela y tiene un
importante peso documental para el arte circense y la cultura nacional en general. También hay
planes para crear la Escuela Nacional de Artes Circenses

La Red de Arte Circense tiene como objetivo promover una cultura transformadora en Venezuela.
Se encuentra en caracas

" Plataforma Circense " es un proyecto de Manzanoarte que tiene como objetivo poner en valor el
trabajo de los artistas circenses profesionales que trabajan dentro o fuera de Venezuela

Los artistas circenses en Venezuela suelen actuar en circos, pero también tienen la opción de
actuar fuera de ellos

Venezuela tiene una historia de espectáculos circenses, y ha habido espectáculos circenses

impresionantes en el país.

La escena del arte circense en Venezuela aún está en desarrollo y existe la necesidad de crear una
tradición desde el presente. Por eso algunos se refieren a él como " el circo mestizo" (el circo
mestizo)

Qué es teatro de calle?

Teatro de calle o teatro callejero,1 puede denominar a cualquier tipo de escenificación,
dramatización o representación, con voluntad artística o de espectáculo, que se hace en
escenarios urbanos más o menos improvisados, al aire libre y sin que los espectadores hayan
tenido que pagar.

Características del teatro de calle:

Algunas de las características del teatro de calle son las siguientes:

Locaciones

el teatro de calle tienen como principal característica ser desarrolladas en espacios abiertos y
despejados, es decir, sin paredes o techos totalmente cubiertos. La idea de dichas obras es que los
espectadores puedan sentir la naturalidad de las obras.
Costos

Otra de las características es que son obras gratuitas para promover el arte callejero. Se pretende
que sea apto para todo tipo de personas y que el público pueda disfrutar de las obras y aporte una
propina voluntaria.

Puede servirte: Arte olmeca: esculturas, artesanías, arquitectura (ejemplos)

Escenarios

Como característica se tiene también que son obras con escenarios improvisados y con pocos
elementos, ya que se busca una experiencia que acerque el público con los artistas urbanos
involucrando el entorno abierto de las calles, parques o plazas.

Espacios silenciosos

Los lugares en donde se llevan a cabo las obras, si bien son en lugares abiertos, deben ser poco
ruidosos, ya que así los espectadores podrán disfrutar mejor de la obra y los artistas podrán
desarrollar su actuación con mayor facilidad.

Espacio público

Es importante también que el lugar en donde se lleve a cabo la obra no cause afectaciones al
normal funcionamiento de la ciudad o lugar en donde se lleve a cabo la obra, pues así no se
generarán molestias en aquellas personas que no estén viendo la obra.

Participación de los espectadores

Algunas veces los artistas o actores pueden involucrar a personas del público a sus obras,
haciéndolas más entretenidas y generando mejor experiencia en los espectadores.

Géneros variados

Las obras pueden tratar géneros cómicos, musicales, trágicos, infantiles, mudos, entre otros
temas.