Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX

INTRODUCCIÓN
La utilidad del arte

El arte ha tenido siempre una utilidad, fundamentalmente vinculado en Occidente a la

Iglesia y al poder, estando muy limitado para otras clases sociales. Destaca
especialmente Holanda, donde hay un desarrollo económico muy temprano que
estimula la creación de arte.

El cuadro El archiduque Leopoldo Guillermo en su galería de pinturas (1647-51)

presenta lo que serán los gérmenes de los museos en el XVIII, los gabinetes de
curiosidades. El museo es un proyecto ilustrado que pretende democratizar el acceso
al conocimiento, siempre con una intencionalidad, debiendo tener en cuenta a quiénes
va dirigido. De la imagen sorprende lo siguiente:

- Unión de la pintura religiosa e histórica: para la gente de la época que visitase la galería, lo llamativo sería
que pintura religiosa e histórica aparecen juntos en un mismo lugar y por ello en una misma imagen. Hasta
entonces este tipo de pinturas tenían una función educativa y/o moral, vinculados con el canon clásico, pero la
problemática viene cuando esas dos formas de representación se unen, algo que el archiduque puede lograr
porque la forma de considerar el arte ha cambiado.

Hasta entonces el arte era considerado un medio de propaganda, un medio para dar un mensaje, pero es en este momento
cuando se empieza a dar valor a la obra de arte como obra de arte en sí, y ya no a solo a la representación. Este cambio
de concepción es lo que permite que salgan las obras de arte de museos, iglesias y monasterios y unirlas en un mismo
espacio, al darles un valor trascendente y eterno, en el que ya no importa tanto la historia, sino la obra en sí. Esto hace
cambiar el estatus del arte y del artista.

→ El arte comienza a tener otro estatus y no tiene tanto que ver con una imagen representativa que es el centro
de una comunidad religiosa o que tiene que ver como un ejemplo de virtud.
→ Se comienza a coleccionar genios, se valora la idea del artista genial.
- La acumulación de imágenes: un espectador actual no podría contemplar tranquilamente y leer cómodamente las
imágenes. Sin embargo, la acumulación habla de poder y riqueza. No hay un orden, sino que se intenta generar unas
simetrías dentro de la pared ordenándolos por tamaño, lo que llamamos un montaje estético.
- El marco: es otro elemento importante para que esta manera de mostrar el arte funcione, puesto que limita las
imágenes y permite que los espectadores puedan leer. El marco tiene varias funciones: de límite (esto será importante
con el arte del s. XX porque va contra el marco); estética, escogiéndolos adrede para aumentar el valor estético de
la imagen; y práctica, para reflejar la luz e iluminar, de ahí su color dorado, y proteger la pintura.

Todos estos cambios se dan en el siglo XV.

EL SURGIMIENTO DE LOS MUSEOS Y LAS EXPOSICIONES

Los museos y las exposiciones son conceptos contemporáneos. Las exposiciones nacen a finales del s. XVII en
Francia, en Los Salones de la Real Academia de Pintura y Escultura de Francia, una institución que nace durante el
reinado de Luis XIV. El ministro de economía de Luis XIV, Jean- Baptiste Colbert, junto con la complicidad del pintor
de cámara de Luis XIV, deciden crear esta institución que posteriormente se copiará en el resto de los países. El reinado
de Luis XIV se caracteriza por las políticas de centralización del poder, por lo que, al fundar la institución, se controla
y centraliza la formación del artista, que siguen los modelos de las pequeñas academias italianas, y centraliza la
producción artística porque a través de la academia llegaban los encargos de la aristocracia, monarquía e Iglesia, siendo
una institución de control. En la Academia se hace una exposición bianual, y en el XVIII ya anual, en la que se muestra
el arte sancionado/apoyado por la monarquía, ejerciendo de algún modo de mecanismo de control. Esta no estaba abierta
a todo el mundo, sino limitada a la corte; y se celebraban en el Salón Carré del Louvre, de ahí su nombre. La institución

1
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
dura hasta comienzos del s. XX, ya sea como representación del arte aprobado oficialmente, pero también en paralelo
surge el Salón de los Rechazados, que al no ser apoyados crean sus propias exposiciones.

Vinculado al surgimiento de las exposiciones, es necesario que alguien interprete, y forme un juicio sobre el arte,
naciendo la crítica de arte vinculada a los Salones. El primer crítico de arte es Diderot, quien formaba un juicio, las
interpretaba y además servía también para difundir el arte francés, llegando a personajes como la zarina Catalina la
Grande de Rusia.

El salón de la Real Academia de Pintura (1787, Pietro Antonio Martini) De nuevo los cuadros se ordenan de manera
jerárquica, pero esta vez en función de los géneros de la pintura, una jerarquía establecida por la Real Academia, en la
que los artistas tenían que superar exámenes para ir ascendiendo en esa jerarquía.

- Los géneros más altos e importantes: pintura de historia (representación de la historia mítica de Grecia y Roma) y
religiosa.
- Retrato y paisaje con figuras.
- Pintura de género (escenas cotidianas).
- El género más bajo: el bodegón.

Las obras se organizaban por tanto según su género, que solía ir de la mano con el tamaño. Sin embargo, fue un sistema
que produjo muchas exclusiones por la manera en la que se iba ascendiendo en la Academia, y porque destacaba sobre
todo la figura humana y los géneros más importantes requerían el desnudo, siendo necesario para retratarla el estudio
de la anatomía humana, cuyo estudio estaba restringido a los hombres, siendo difícil que una mujer accediese a los
grandes géneros de la pintura al ser excluidas por el propio sistema.

En la obra The Academic of the Royal Academy para ser retratados escogen el momento en el que hay dos modelos
desnudos para estudiar la anatomía humana. En la Academia inglesa había dos mujeres, pero aparecen colgadas en la
pared porque no se las permitía entrar al estudio: Angelica Kauffmann sí tuvo acceso a las clases con modelo, pero como
no podía hacerse público al no ser decoroso que las mujeres estudiaran la anatomía (pero sí pintó no solo retratos, sino
también obras alegóricas), cuando Angelica presentaba sus obras se la tildaba de emocional por ser mujer y porque
siempre cubría a sus figuras de ropajes abundantes para tapar que no sabía pintar la figura, cuando en realidad era un
moda de la época, por lo que no hace desnudos pero porque era indecoroso en una mujer. Mientras que Mery Moser, era
conocida por pintar flores. Las mujeres tradicionalmente han sido objetos de representación, no artistas, y en este cuadro
vuelven a aparecer como objeto de representación. A finales del XIX cuando las mujeres comienzan a reclamar
participar, los varones defenderán que no tienen capacidad de comprensión de la capacidad general, sino que tienen
capacidad para pintar el detalle. Pero es en el XIX cuando comienzan a participar en las clases de modelo, primero con
mujeres y más adelante con hombres.

14/09/23

(Real Academia de Bellas Artes del siglo XVIII) la pintura histórica y religiosa se situaban en la parte de arriba
de las paredes debido a un motivo moral, suponía un tipo de enseñanza moral, de ahí que estaban en la parte más alta
de la jerarquía; y el otro motivo es por la proximidad a lo real. El bodegón está más pegado a lo real, mientras que la
pintura religiosa e histórica se trata de imaginar.

En la Edad Moderna se produce otro fenómeno que es el paso de consideración de estos productores de arte: el paso de
artesano a artista. Se construye esta idea que acabará consolidándose con el paso de los siglos, siendo considerado el
artista como un genio.

En cuanto al retrato, se situaba en el medio por dos cuestiones:

- En principio el retrato tiene que parecerse al retratado, se aproxima a la realidad.

- La vanidad: la idea de retratarse se traduce como al vano. Los retratos que más se valoraban eran los póstumos
al tener el artista que hacer un ejercicio de imaginación.
2
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
De esta manera, estaba ordenado por tamaños ayudando a comprender su importancia. Los grandes artistas eran aquellos
que podían pintar esos grandes géneros (pintura religiosa e histórica). Se realizaban pruebas para poder conseguir ese
trabajo, influyendo esta dinámica en otras Academias de Arte.

En paralelo a las exposiciones nacen los museos. El primero es el Museo del Louvre que se abre después de la
revolución Francesa con el motivo de democratizar el arte.

Nace otra disciplina en paralelo a los museos: la historia el arte. El primer historiador del arte es Winckelmann,
conservador de las obras vaticanas. Escribe un libro (). La crítica nace con las exposiciones, y la historia del arte nace
con el desarrollo de _.

En el siglo XIX se comienza a ver el arte, se empieza a colgar

cuadros con escenas de géneros, bodegones y paisajes. Aparece otro tipo de
pintura de historia que tienen que ver con sucesos contemporáneos, y otros
que tienen que ver con la construcción mítica de la narración, con una
identidad de nación a partir de recuperar acontecimientos históricos que se
convierten en mitos.

El orden se rompe, se comienzan a mezclar cuadros grandes con los

pequeños. Se rellenaba las paredes. Es un tipo de montaje que dura hasta
principios del siglo XX. Se traduce una forma de entender el arte, se deja a un lado el orden y se comienza a rellenar los
huecos de la pared, permitiendo la lectura.

*los impresionistas pintaban las paredes a juego del color del cuadro, creando un ambiente.

En los años 30 se dio una exposición de arte alcanzando el récord mundial de visitantes (más de 2ma de visitantes): La
Exposición de Arte Degenerado, organizado por los nazis. Se desarrolla este concepto como una oposición al
simbolismo y al decadentismo, el libro fundamental de Degeneración lo publica un judío, para generar una idea de arte
que se opone a la que ellos defienden. La primera sede es en Múnich en 1937, un encargo directo del ministro de
propaganda – Joseph Goebbles - a una comisión de expertos para que hagan una exposición en la que se muestre el arte
de vanguardia alemán que se había coleccionado los museos nacionales. La exposición se encargó con muy poco tiempo.
La teoría que defendía Hitler en el arte es por dos ideas básicas:

- Los artistas eran locos, porque era una forma de reproducir la realidad, pero de manera alterada. Los enfermos
deben estar en un psiquíatra. Esos artistas debían ser llevados a un psiquiatra para que se curasen.
- El arte de vanguardia es una estafa, y dichos estafadores deberían estar en la cárcel.

Lo que ocurre es que la exposición se organiza muy rápido, expoliándose las propias colecciones de los museos
alemanes. Se organizaron festivales de música de general, el cual es el Jazz. Para los nazis es música negra, ritmos
africanos, llegando a prohibirse en Alemania.

En esos momentos los museos habían hecho una limpieza de montaje, es desordenado y se usa el texto de pared, poco
habitual en estos momentos. Aparecían fragmentos de discursos sobre ese arte degenerado, al igual que eslóganes. Fue
un gran éxito. La exposición estaba organizada por temas: la broma, ataque a la divinidad, etc.

Frente a otra exposición que se celebró ese año (1937) fue El Gran Arte Alemán. Se mostraba para determinar un
contraste. Para esa exposición se pensó un edificio, uno de los arquitectos vinculados al régimen nazi, Albert Spitz, que
acabo siendo ministro de defensa nazi. Tenía un concepto de arquitectura en el que tuvieran una ruina bonita, casi se
adelanta a lo que iba a pasar. Muy vinculado al mundo clásico, como por ejemplo Haus der Deutschen Kunst. El tipo
de arte que podían defender los nazis era el Romanticismo, ligado al paisaje, las escenas que tienen que ver la epopeya
de los nibelungos, las mujeres (habiendo dos estereotipos, ya sean las madres o las alegorías, personajes de esas historias
vinculadas a las leyendas germánicas. Pero fundamentalmente eran madres y trabajadoras), defendían un arte más
pegado a la representación realista, tópico que no seguía el arte de vanguardias.

3
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
El interior de la Haus der Deutschen Kunst, vemos que está mucho más ordenador, por formas, generando ritmos dentro
de las paredes. Las paredes son blancas, importante en los museos y siendo fundamental. Hay luz natural. Bancos, ligada
a la idea de contemplación.

En cambio, en la exposición de Arte Degenerado es todo lo contrario. La figura de Cristo Crucificado, 1921, por Ludwig
Gles, es un encargo de la Iglesia. Es una obra que pertenece a una tradición en la representación del crucificado que
tiene que ver con la representación del dolor y el sacrificio. Es un Cristo con una anatomía que remite al canon clásico.
Lo que sucede en cuanto al contexto, es que es sacado, y siendo llevado a otro para darle una nueva lectura.

En cuanto a las secciones, existía una dedicada a las mujeres.

Una subasta a la que los grandes museos decidieron no asistir, pero otros museos si, fundamentalmente los museos
americanos. Se subastaron obras como el autorretrato de Gaudhin.

Fisrt Papers of Surrealism, Whitelaw Reid Mansion, Nueva York, octubre - noviembre. Fue una galería con intención
benéfica con el fin de obtener beneficios para esos artistas que huyeron de la guerra y conseguir los papeles para que se
residieran legalmente en EE. UU.

15/09/23

Otra de las cosas que hizo Goebbles que encargó el proyecto, fue incluir obras de artistas que estaban en psiquiátricos.
Subrayando esa idea de locura. Incluyó la colección Princeton, una de las colecciones más importantes de arte producida
_.

Tendemos a enfocar nuestro interés o bien en el artista – explicando su biografía, por ejemplo – o bien en el cuadro o
obra de arte en sí.

Los primeros papeles del surrealismo han servido para contar un relato de la historia del siglo XX, de una censura en
una primera parte que sería hasta 1945 y una segunda parte a partir de 1945. En este segundo, se ha considerado que
EE. UU. se convierte en el e centro de la producción artística. Es un relato que se ha escrito desde EE. UU., es el país
que ha tomado el mando, de ahí su triunfo. Lo hacen a partir de ese traslado de los artistas de vanguardia europeos a
Nueva York. Se ha tomado como un punto de inflexión.

Esta exposición se organizó con un carácter benéfico, organizada por la diseñadora Schiaparelli. Para conseguir los
permisos para esos vanguardistas que seguían en Europa. La exposición la piensan, no organizar, dos personajes
importantes: Marcel Duchamp y André Breton. Retoma la tradición francesa de los simbolistas y le añade el
psicoanálisis freudiano y le da una carga de carácter político vinculado a las ideas relacionadas con el comunismo
fundamentalmente.

Duchamp piensa en el montaje y decide hacer lo siguiente: el edificio estaba en el centro de Manhattan no pensado para
exponer. Las salas que alquilan tienen un carácter palaciego. Generar esos paneles para poner las obras y crean una red
que se considera una obra a la vez. Esta red resulta una especie de “obstáculo” para el espectador, permitiendo la entrada
por los laterales. Duchamp piensa también una acción para el día de la inauguración, pide a los hijos de los Harensberg
(familia judía) que jueguen al fútbol durante la exposición. Esto significa como Duchamp quiere presentar sus obras en
un contexto determinado vinculado a los principios del surrealismo.

Otro lugar que comienza a tener importancia serán las intervenciones de los propios catálogos de la exposición, por un
lado, funciona como catálogo, se muestra las obras de la exposición, pero se le añade algo que está muy próximo a una
obra de arte surrealista. Pro un lado, la decisión de las portadas – un primer plano de un queso con burbujas –
seguramente esta imagen tiene que ver con uno de los juegos del surrealismo, el cual es la asociación de imágenes, como
un bebé o un murciélago. La contraportada es una pared con unas huellas de barro, está troquelada (el hueco era real),
haciendo ese juego de realidad-imaginación.

4
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
Duchamp a construir esa esencia surrealista, había hecho también otra de las exposiciones del surrealismo como
la de Exposición Internacional del Surrealismo en París, concretamente en unas galerías comerciales de París para
mostrar la producción del surrealismo que ya estaba institucionalizado en los años 30. Jugaba con la idea de interior y
exterior. Al entrar se atravesaba por un pasillo que tenía rótulos de las calles de parís y maniquíes intervenidos por
diferentes artistas, una vez atravesado el pasillo entramos a una sala con un ambiente del sueño, como si estuvieran
visitando una cueva. Dentro de la exposición no había luz, la única luz que había era en el centro de la sala mediante un
infernillo y a los visitantes se les entregaba una linterna. En el montaje de Duchamp trata de jugar con la mirada, en el
techo apreciamos sacos de carbón para dar esa sensación de cueva. En el suelo apreciamos arena y musgo, no es el suelo
plano de los museos. Otros sentidos que puede introducir es el olfato, una vez que se entraba se olía la humedad que
desprendía la arena. Luego la importancia que enfoca con la luz el espectador, simulando de esta manera la estancia real
de una cueva.

Peggy Guggenheim – perteneció a la familia burocrática neoyorkina de origen judío - mecenas estadounidense
organiza la exposición de Art of this Century (1942). Esta mujer fue una coleccionista de arte de vanguardia. Huye de
NY por las presiones de la familia, y termina en Londres, allí monta una galería (gracias a la asesoraría de un historiador
del arte). Se aprovecha de los artistas de arte vanguardista para poder coleccionarlos. Peggy encarga a Henry Hisler, un
arquitecto de origen holandés que se exilia a EE-UU. Vinculado a una arquitectura de carácter racionalista, y el genera
un espacio para contemplar las obras de arte de vanguardia. El espacio es así: tiene forma de barco, aunque también se
habló de su semejanza del interior de un tren. Sorprende la poca luz, pues jugaban con ella, cuando un lado se iluminaba
el otro permanecía oscuro, además había sonido de una máquina de tren. El problema es que duró muy poco. Hisler creó
esos sillones con múltiples usos. Las pinturas están separadas de la pared dando un efecto de levitación al suelo. Las
obras tienen un sistema manejable por el espectador para que este pudiera acomodar el cuadro a su gusto, no todos los
espectadores. Llama la atención los marcos de los cuadros, los cuales protegen y los espectadores lo tocan. Las
vanguardias empiezan a romper con esa idea de cuadro.

En estos museos comienza a verse la sección de biblioteca, en las cuales había obras de papel ya sean dibujos,
fotografía y grabado. En cuanto a la fotografía, un sistema que traduce de un modo la realidad, son fotografías
construidas. Cuando nace la fotografía, esa idea de reproducir la realidad, hay algo que reproduce la realidad fielmente.
Lo que sucede con el arte ya no es necesario copiar, lo que copia la realidad es la fotografía, de esta manera el arte
avanza a otros lugares que no tienen que ver con la realidad. Los retratos estaban pegados a la idea de mímesis (copiar
la realidad imaginaria o inventada).

Es interesante apreciar como la fotografía entra dentro del arte. El espectador interactúa, toca las obras que tiene delante,
ordenar y desordenar su relación en las obras, como se aprecua en una imagen de Art of this century; biblioteca, 1942.
Fredrick Kiester.

Hay dos tipos de abstracción: una abstracción relacionada con lo emocional, como la de Kandinsky y otra de carácter
constructivo (objetivo y no objetico). El espacio es de color azul turquesa y las paredes eran de azul eléctrico, generando
un espacio par a ver unas obras características y que alude al cielo. Coloca las obras fuera de la pared, como hemos visto
anteriormente. Se había institucionalizado como vemos hoy en día el arte contemporáneo. El tercer espacio de la galería
estaba destinado a la abstracción objetiva (emocional: Kandinsky) y otra de carácter constructiva que es racional. La
critica lo compara con un parque de atracciones y con un circo.

Comentando el contexto histórico de EE. UU en estos años, se produce la gran crisis financiera en la economía moderno,
conocido como el Crac del 29, llegando a ser internacional. Y segundo, la misma semana que se produce el crac de
Nueva York se da la apertura del MoMa de Nueva York, dedicado al arte contemporáneo, este museo institucionalizó
una forma de ver el arte que es la que nos encontramos en todos los museos hoy en día. Es gracias a la iniciativa de unas
mujeres de la plutocracia neoyorkina. Y, por otro lado, ese personaje que es el primer director del Moma que fue Alfred
H. Barr, un medievalista que genera la máquina de visión. Barr contrata a estas mujeres y le pide que vayan a Europa,
concretamente a Alemania, para ver los cuadros. En estos momentos en Alemania hubo una revolución de cómo entender
los museos, además de la Bauhauss, esa escuela de arquitectura. Lo que hace Barr es tomar idea de esos museos
alemanes, en concreto de la Bauhauss y plantea un museo que no esté dedicado a la pintura y escultura, sino que incluya

5
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
a la fotografía y el diseño uy la arquitectura. Planta de esta manera un museo en el que recoge la pintura, la fotografía,
el dibujo, el diseño y la arquitectura. Hoy en día colecciona videojuegos clásico y danza (video o partirura de la
coroegrafia).

21/09/23 PASAR A SILVIA

MoMa como primer museo neoyorkino de arte contemporáneo. Esas mujeres vieron un espacio necesario para dedicar
un espacio al arte contemporáneo, a pesar de que había otros como el MET, pero el Moma era específico para el arte
que se estaba produciendo.

A las patronas del Moma les parece muy arriesgado el programa que se plantea, pero Barr terminará convenciendo a su
patronato par que se respete ese esquema a partir de los 30 y que hoy en día se mantiene. El MoMa ha determinado
como vemos el arte contemporáneo, nosotros vemos el arte contemporáneo a partir del modo de despliegue que algún
modo Barr impuso en dicha exposición.

La primera exposición que hizo el MoMa, una semana después del Crac del 29, una fecha importante porque se considera
la primera crisis financiera global, (fecha que el profe indica entorno al arte contemporáneo, pues las vanguardias se
institucionalizan en los museos y como arte contemporáneo). La primera exposición, lo llamativo es que no es una
elección de Barr, no decide abrir la exposición con estos cuatro artistas – Cézanne, Gauguin, Surat, van Gogh-, sino las
patronas, y esto se debe a que es un arte que había sido de vanguardia y había sido asimilado en EE. UU. Además, a
estos 4 artistas se les considera a los padres de la vanguardia, de ese arte nuevo. No todo el mundo estaba acostumbrado
a este arte, por lo que había que generar un espacio para que se aceptara ese arte nuevo.

Cézanne: se caracteriza por la guía constructiva de las vanguardias, es un análisis de la realidad que tiene que
ver con la realidad constructiva. Con Cézanne llegamos al cubismo, deriva en el cubismo de Picasso y de Barr, esa idea
de construir la realidad desde distintos puntos de vista al mismo tiempo, elemento principal del cubismo inicial.

Gauguin: se interesa primero por la estampa japonesa, por los esmaltes medievales, le interesa especialmente
trabajar con el color. Y mira hacia lo vermicular, lo tradicional. El abre una guía que llevará al fovismo. Gauguin nos
lleva a Matisse.

Serrat: desarrolló el puntillismo. Es una pintura que tiene que ver con lo científico. A través con los puntos de
color tiene que formar la pintura. Las imágenes de Serrat desaprecian en la trama de culto. Se le ha considerado como
un antecedente de la abstracción, la idea de llegar a una imagen abstracta a partir de lo real.

Van Gogh: expresionismo. Abre la guía del expresionismo. Su pintura está cargada de pasta, con pinceladas
muy marcadas, en las que se ve el gesto del artista, ligado a la vida del artista. Plasmar el Yo sobre el lienzo.

Respecto al espacio de la exposición encontramos un espacio totalmente renovado_ se ha limpiado el montaje, y las
obras se contemplan de una en una. Son obras que parecen sostenerse por sí mismas. Las paredes son neutras, blancas,
y hay descanso entre las obras (no hay obras pegadas). Barr subraya a la hora de separar las obras la idea de que el arte
es autónomo, vale por sí misma, no necesita otras al lado. El arte siempre responde a un contexto en el que se está
haciendo, en sí el arte es no es independiente. Pero a partir del siglo XIX, las obras de arte dan poco a poco esa
independencia, pero no del todo. Además, es complejo porque su lectura no está exenta de ese contexto.

Otra de las exposiciones donde introduce la idea de relato es la exposición

que MoMa dedica a van Gogh. Vemos un juego con la simetría de las paredes,
pero las obras de VG se organizaron a partir de las cartas que Van Gogh escribe a
su hermano Theo. Está subrayando la idea de genio de biografía, y la vinculación
de la obra a lo biográfico. Introduce un elemento que habíamos visto en la expo
de Arte Degenerado, pero que era nuevo en las exposiciones de museos: texto de
pared. Si que había otro tipo de soporte que eran catálogos pequeños que tenían
que consultar al ver una obra. Se introduce la cartela. Tiene que ver más con el
conocimiento que con el reconocimiento.

6
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
La idea de que el MoMA fuera el primer en EE-UU museo que se viera arte contemporáneo, en 1913 ya había
vanguardias en USA, había llegado el cubismo, el fauvismo.

7
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX

TEMA 17: DE DADÁ AL SURREALISMO: MARCEL DUCHAMP

Llegó Duchamp, el cual expone una de sus obras en esta exposición. Se produce un éxito de escándalo, dio
mucho de qué hablar, fue un escándalo. Presentó Desnudo bajando la escalera, los propios compañeros de Duchamp
lo rechazan, pero una segunda oportunidad da mucha repercusión en NY, porque resulta ser escandalosa. No se entiende
la propia obra.

Otra de las exposiciones, titulada como La última exposición futurista, pero los historiadores del arte la consideran
como constructivista. Tiene que ver el modo en el que se colgaban los iconos de las iglesias ortodoxas.

Folkwang Museum, Essen, ca.1934. En los años 30 se da otra exposición en Alemania para dar entender lo
que estaba ocurriendo en dicho país. En dicha exposición encontramos una obra que estaba en la exposición de Arte
Degenerado, por parte de los nazis. Usan imágenes con aquellos que resulta ser primitivo que caracteriza a las
vanguardias, el interés por la producción material de otras culturas. Está rodeada de otras obras, entre ellas apreciamos
un vaso canopo.

Las demás obras: vemos un tótem oceánico, una cerámica prehispánica. Lo que tratan de subrayar en esta sala es (vemos
2 obras de vanguardia, un peletero, una cerámica americana) la influencia del arte primitivo de otras culturas en las
vanguardias. Se rompe la idea de cronología, de espacio y de tiempo. Subraya dos ideas en torno al arte: autonomía
(esa idea de contemplar la obra individualmente) y que el arte es universal y eterno. La idea de arte es occidental. El
arte no es universal porque la idea de representar el espacio no es universal, es decir, un indígena de las amazonas no
entendería el Cristo muerto de Mantegna. El arte tampoco es eterno, la idea de arte ha cambiado y con ella su apariencia.

Barr tomará en cuanta este tipo de montajes para aludir a esa idea de obra autónoma y subrayar la idea de universalidad
y eternidad.

Alexander Dorner, tuvo que huir de Alemania durante el holocausto y se estableció en USA. Hace un nuevo
montaje y recoloca la colección del Museo Municipal de Hanover. Las paredes tienen color, y las obras ya no están
acumulados en las paredes, están alineados, generando un esquema. El, sobre todo la pintura del XIX, la ordenó en
temas. Apreciando una de las salas, la dedicada al dibujo, la transforma: tapa toda la arquitectura palaciega y genera una
línea que rota por otras obras que comenta. Esquema_

- Idea de una Hª del arte (Clasicismo, Romanticismo, Impresionismo, Postimpresionismo, Simbolismo,

Decadentismo, Impresionismo, Fovismo, Cubismo, futurismo, suprematismo, etc.)
- Idea que hay una línea que rota con otras obras.

Genera una sala que tiene que ver con lo abstracto. El montaje de la sala renacentista es de color gris y blanco, con la
línea que da cierta geometría. La puerta es una puerta de transición al manierismo, la siguiente sala detrás de la puerta
es sobre el Barroco, con paredes rojos, y marcos dorados, se está construyendo un ambiente que él consideraba adecuado
para esas obras.

28/9/23

Idea de cómo se aproxima el arte moderno, Renacimiento, barroco y contemporáneo con las salas que pretenden
reconstruir un espacio adecuado. Hoy en día no sucede del todo, no vemos las obras en su contexto. Los modos de mirar
han cambiado a lo largo de la historia.

La sala rococó: rosa. Los marcos son plateados, una forma de entender el rococó, ligado a la fantasía.

Había arte contemporáneo, del que expoliarían los nazis, otros se rescataron y otros llegaron a otros museos de Europa
con las subastas que se hicieron.
8
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
Con el arte contemporáneo, encargo la salsa de arte contemporáneo a dos artistas de vanguardia, de las cuales una se
pudo realizar y la otro no tras la llegada d ellos nazis. Se llama Gabinete abstracto, para mostrar únicamente arte
abstracto. De los artistas que encontramos aquí son Picasso, _. Recupera los gabinetes del Renacimiento al ser un espacio
pequeño que produce cierta intimidad, aunque los materiales fueran distintos. La pared fue hecha mediante planchas
pequeñas de _ formando un acalamiento, produciendo un efecto de movimiento en la sala. Apreciamos obras en el suelo.
Se había generado un contexto especifico con relación a lo que participaban las obras: obras geométricas. Además,
genera un tipo de marco que permite la interacción del espectador (mover los marcos y cambiarlos de orden). Tenia luz
natural. Genera también otro dispositivo y es el dispositivo que permite que el espectador gire un rollo para que pudiera
haber más dibujos.

La otra sala, que tenia que ver con la contemporaneidad, tanto Moulian como Lizzyski, que es una habitación dedicada
a obras de arte que tenían que ver con el diseño gráfico e industrial y la arquitectura. En si como objeto, solo había una
escultura lampara del propio Maulinas. Esta es la sala que nunca se llegó a hacer.

El tipo de montaje que había hecho Barr: había descanso en las propias salas; idea de que el espectador se enfrenta a la
obra de manera individual. Tenemos que hacer un salto temporal de 1929 a 1959: Toward the New Museum of Modern
Art, MoMa, recurre a un tipo de montaje que alude a la abundancia de las colecciones del MoMa, y demostrar que esta
no es la forma adecuada de ver las obras de arte: ha acostumbrado a ver las obras de arte a verlas de una manera inusual,
y de repente el Moma se queda sin espacio porque sus colecciones han crecido. El MoMa es privado y Barr organiza
esta exposición para pedir dinero y así poder ampliar dicho museo. La gente lo entendió y pudo conseguir el dinero para
ampliar el museo. Vemos un claro contraste de 1929 que trata de dar un espacio en el que se viera las obras de manera
esparcidas, a 1959 a tenerlas todas más apilonadas.

Barr trabajaba con esquemas, de los que se conserva en varios. Planteaba una historia
de esos movimientos de vanguardia. Sigue un esquema mixto: habla de verticalidad y
horizontalidad, cosas que suceden simultáneamente. Comienza a añadir influencias
externas a esos movimientos.

Apreciamos que en el catálogo los movimientos no acaban, alude a la idea de que dichos
movimientos continúan y no tienen fin.

La exposición de Cubismo y arte abstracto, 1936, en el MoMa: era una forma de mostrar
el diseño y la arquitectura. Traduce una idea de diseño, subraya en torno al diseño: vemos
unas sillas colgadas en la pared que nos dicen que “le ha quitado su funcionalidad”, lo
ha convertido en una estructura sujetada en la pared y que tiene que ver con la
composición de la estética. Es una estrategia de Barr que nos dice que el diseño es
importante y que estos objetos, aparentemente poco estéticos, si que lo pueden ser. Ilustración 1. Catálogo Cubismo y
arte abstracto, 1936.
Se coloca la maqueta de la villa Saboya: la maqueta está en el centro de la sala, exenta,
sobre una _, donde se coloca las esculturas. Lo que ha hecho Barr es convertir una
maqueta en escultura, aludiendo a la idea de volumen.

Otra exposición con sillas colgadas en la pared es la de Herbert Bayer, en Deutscher

Werkbund: sala de mobiliario y arquitectura, Exposición de la Sociedad de Artistas
Decoradores, 1930. Hay mas sillas, aludiendo a la idea de originalidad. Como esos
objetos, a partir del diseño, se pueden producir en serie. Ha recuperado la altura y ha
colocado piezas muy bajas, es una forma de entender la arquitectura de otro modo.
Añade la idea de mirar la planimetría. El espectador debería de ser ideal porque e l ojo se abriría mirando hacia arriba
(¿).

Más estrategias: recupera estrategias ya vistas en museos alemanes, ahora vemos con lo que tiene que ver con
la recontextualización, como la importancia del arte africano ligado a ese arte universal. Encontramos la escultura de la
Victoria de Samotracia que junto a su lado está _.

9
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
Fantastic Art, Dada, Surrealism: Si cubismo y _ tenía que ver con la idea de construcción, el surrealismo se ocupa de
lo irracional. Lo que hace aquí es que rompe con la idea de tiempo e introduce obras de artistas del pasado que ayudan
a reforzar que este tipo de arte tiene una tradición (mezcla obras románticas con surrealistas), introduce también arte
realizado por personas que no se han formado para ser artistas. Y, también, semejante a la exposición de Arte
Degenerado, incluye obras de artistas que están en psiquiátricos. Alude a un sentido positivo, e introduce el comic (el
primer comic que se expone fue en el MoMa). Barr lo que hace es no poner marcos en las obras, se ha visto obligado a
marcar un marco con el fondo blanco de la pared.

Las exposiciones de propaganda: hemos visto la de Arte Degenerado, y ahora veremos un párelo: es una
exposición sobre la fotografía (la moma fue el primer museo en coleccionar fotografía) Road to Victory, 1942. Tenía un
carácter propagandístico, pretendía justificar la entrada de EE. UU. a la II GM y animal un sentido de patria y nación.
El diseño lo hace Bayerr, de origen alemán, y el comisariado _ era de origen húngaro, siendo el primer comisario de
fotografía en el MoMa. Trabajan dos europeos en la construcción que pretende avivar el sentido patriótico y justificar
la entrada de EE. UU. en la IIGM. Se abría con una escultura de un águila, en el que delante había un cristal con 52
estrellas: es la bandera de Estados Unidos. Pero es un águila particular que recuerda a un tótem nativoamericano, porque
esto nos lleva a ese camino. En otra de las salas, encontramos tres retratos de nativos americanos, una imagen de bosque
que alude a la originalidad del paisaje de EE. UU., y un bisonte como animal nacional del país. En la fotografía no hay
marcos que aludan a los fotógrafos, solo importa _. Parecen fotos de revistas. Esta fotografía en origen no tenia esa
intención, son fotografías que son extraídas de un proyecto que encargó Roosevelt a diferentes fotógrafos y e squ retraten
el campo americano para reafirmar ese control de la explotación agrícola, lo que trataba era de justificar esas políticas
de movilidad de EE. UU. Tenia que ver con la idea de valores familiares, porque se estaba produciendo un éxodo masivo
del campo rural a la ciudad, había que recuperar una representación idílica que se moviera del campo a la ciudad. Es un
relato en el que esos trabajadores blancos culturizan ese territorio mediate el trabajo en el campo. Otras fotos que
encontramos son de campo cultivado o paisajes en los que hay granjas. Lo que hace Bayer es seleccionar estas imágenes
y colocarlas en la pared como si fuese un reportaje subrayando esa idea de hermandad, comunidad, etc, valores que eran
propiamente estadounidense.

El siguiente camino – hemos pasado de la agricultura a lo industrial – tiene que ver con el poder industrial de Estados
Unidos. Apreciamos imágenes de fábricas y funciones que tienen que ver con dicho poder. ¿para que servirá ese
desarrollo industrial? Para fabricar armas. La entrada de USA a la II GM fue gracias a la explosión en Japón de Pearl
Harbour, veías en la sala una imagen sobre la explosión de dicha explosión, el motivo de la entrada. Alude la justificación
a la entrada de la Segunda Guerra Mundial.

A partir del recorrido de la guerra, la sala comienza a dejar de ser plano y empieza a elevarse. Empieza con una serie de
imágenes en las que hay imágenes de soldados muertos. Lo único que nos puede recordar a ese muerto e scon la imagen
de ese soldado sobre un montículo de tamaño real, del que el espectador se enfrentaba desde abajo. Luego apreciamos
del poder militar de EE. UU con aviones, imágenes del poder naval, imágenes desde el cielo que habla del poder aéreo.

Terminaba la exposición así: el ejército, la masa de soldados y con imágenes que parecen salir de esa masa que parecen
individualizar historias, relacionados con los valores de los soldados. Fotos familiares, esa idea de individualizar esa
masa a través de esas masas de recuerdos.

10
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
Clase IMPORTANTE:

Obra de Duchamp: L.H.O.O.Q (1919)

Dos obras fundamentales de Dicha es esta y la que veremos a continuación: es una obra que
no se hizo pública demasiado pronto, a pesar de que apareciera en revistas. Es una obra que
pretende ridiculizar el arte – en el siglo XX se da el género de la broma en el arte -. Es clara
la broma: pintar un bigote a una de las obras más importantes de la historia del arte. Para
poder llegar a esto nos habla también de un nuevo estatuto de la imagen. Comienzan a haber
novedades en el concepto de las imágenes.

Si la Gioconda no hubiera perdido su soporte, Duchamp no hubiera podido realizar esta obra.
¿por qué pone un bigote y una perilla? La intención final tiene que ver con romper la
tradición, a la pintura tradicional.

El título significa: Ella tiene el culo caliente si lo leemos detenidamente las letras en francés.
Y en inglés se podría leer como LOOK.

La Gioconda es una de las obras que más se ha escrito, es un cuadro del que se escribe muy pronto – ya pintando
Leonardo esta obra, comienza a realizarse escritos -. Además, se hacen obras casi contemporáneamente. La Gioconda
pasa de ser considerado como el canon ideal femenino, luego se le añaden capas y asociándolo a la belleza medusea. Se
asoció más tarde con la belleza andrógina.

En un momento determinado, 1911, la Gioconda es robada. La seguridad del museo no era excelente. Es uno de los
robos más notables dentro de la Historia del Arte. EL ladrón al sacar la Gioconda tarda tres días en darse cuenta de que
fue robada, pero la idea del ladrón era robarla para hacerle copias y así estafar a distintos compradores, mientras que
este trabajador del Louvre se quedara con ella. Salió en todos los periódicos del mundo el robo de dicha obra: la
Gioconda ha perdido ese soporte, se ha convertido en pura imagen.

Mistinguett, una actriz que se hizo famosa por la canción de Es mi hombre, era conocida en los escenarios parisinos por
ser una actriz y cantante. Y Comedia Ilustre dedica un artículo en el que mujeres se presentaban como la Mona Lisa y
así poder reclamar la obra original.

En 1914, vuelve a reaparecer la Mona Lisa de una forma particular: el trabajador que
había robado se la llevó a Italia, escondiéndola debajo de su cama. Además, trató de
venderlo al Museo de Venecia, Galería de Uffizi, que fue decisorio para recuperarla.

La Mona Lisa aparece también como un reclamo publicitario, podías coleccionar Monas
Lisas. Comienza a aparecer en otras tarjetas postales, con la cara de burla. O incluso
también aparece en obras de arte vanguardista:

• Kasimir Malevich, Composición con Mona Lisa, 1914: en esta obra cubista,
tacha a la Mona Lisa por lo que simboliza, de nuevo apreciamos otro ataque a la
tradición pictórica. La Mona Lisa comienza a convertirse en un símbolo contra
lo que hay que ir.

Es lógico que Duchamp realizara su obra sin que surgiera un problema extremo. En 1910 aparece un artículo que resultó
ser un éxito, de Freud, padre del psicoanálisis, en el que habla sobre Leonardo llamado Un Sueño Infantil de Leonardo,
en el habla que es el primero en decir que Leonardo es homosexual. Freud excava en el interior de la mente para saber
cuales son los traumas del pasado de Leonardo, y de ahí escribe uno de sus sueños, un sueño que reproduce Leonardo
en sus diarios: sueña que el estaba en la cuna, y un milano baja y se posa sobre el y le pone la cola en la boca y eso,
Freud, lo asocia la ausencia de la figura paterna, lo que hace que Leonardo desarrolle una persona curiosa por la ciencia
ay por el arte. Al mismo tiempo que todas esas figuras andrógenos de la pintura de Leonardo. Explica esa ausencia y
autoridad de la madre que da una fijación a los jóvenes de Leonardo. Este artículo, como hemos mencionado, fue un
escándalo. A partir de ahí, si hablamos de la belleza andrógina de la Mona Lisa, la teoría de Freud se refuerza. Con este
11
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
artículo, actualmente, vemos que partió con error de traducción: se empieza a estudiar el_ renacentista, y se ve que la
diosa egipcia Mut tiene forma de halcón y puede reproducirse a si misma. El análisis etimológico que hace Freud define
que Mut se asemeja en alemán a la palabra “madre”. De tal manera que vincula la diosa egipcia con la palabra alemana
madre. Explica de esta manera esa ingeniosidad científica y artística ligado a la homosexualidad. Hay un error de
traducción, lo que Leonardo sueña era que el animal que baja es un halcón, pero en realidad era un milano, por lo que
toda la simbología que él había buscado fue errónea.

Lo que hace Duchamp, no es un ataque de la feminidad, sino ese estudio que hizo Freud con su artículo y las hipótesis.

Duchamp estuvo interesado en la alquimia, especialmente en los textos. La figura del andrógeno es principalmente _.
El título, ¿quién dice que “tiene el culo caliente”? lo dice la Mona Lisa, o también nos dice “mira”.

Una de las cosas que molestó es que no estuviera pintada por Duchamp, era directamente un plagio/copia. Una de las
cosas a las que Duchamp se enfrentaba a esa idea de la copia.

La idea de la copia, de lo original: a Duchamp le molestaba este concepto. L a copia es algo que es habitual en el arte
occidental, pues es la base de la formación del artista, es decir, el artista se forma gracias a las copias de los maestros.
Además, esa idea de la historia: los museos comienzan a ser muy importantes, a Manet (no es impresionista, se le
correspondía con el naturalismo) se le llamó el pintor de los museos.

- Manet al realizar Almuerzo en la hierba, vemos que se ha podido copiar de una obra original de Marcantonio
Raimondi EL Juicio de París, 1516.
- La obra de Manet de Olympia se asemeja con la obra de Tiziano con la Venus de Urbino: ha habido un cambio,
el desnudo es igual excepto algunas alteraciones, y lo que ha hecho Manet ha sido actualizar el tema, pues la
Venus ya no es una modelo o una diosa, sino una prostituta. Además, el nombre de Olympia era muy común en
las prostitutas del siglo XIX. La Venus de Urbino, hablaba del matrimonio, un regalo nupcial – se lee por la
escena por el arpón de boda -, la posición también cambia, en vez de un cachorro de perro, tenemos un cachorro
de gato. ¿por qué se presentó esta obra? porque rompía con las normas del decoro (desnudo, no representaba la
mitología), y también porque molestó por cómo estaba pintada, la gente iba a reírse del cuadro. Decían también
que esta mujer tenía sífilis, por la piel amarillenta, el cargo de prostituta que adopta.

Dalí pintó Autorretrato como Mona Lisa (1954). Se retrata a sí mismo como Gioconda; Andy Warhol pintó tres obras:

- Four Mona Lisa

- X
- Thirty are Better Than One.

(volviendo a la obra de Duchamp) Hay una técnica que permite representar la realidad. No se lleva la abstracción, ya no
hay que reproducir. Por otro lado, el artista tiene que trabajar con lo real, no reproducirlo. La realidad se convierte en
objeto de _. Es lo que llamó Duchamp Trade made.

En 1965 hace otra obra riéndose de sí mismo, devolciendo la Gioocnda a su estado original. Duchamp decía tambien
que un Trading Made, podría usa

La idea de disociación _, no es clara. Duchamp se le encarga un farmacéutico parisino que meta dentro de un aboya el
aire de parís y que lo enviara a Nueva York. El objetivo de Duchamp es dar un contenido poético.

12
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
La otra obra polémica: LA FUENTE EXAMEN

Duchamp conoce muy bien los _ del sistema. La Sociedad de Artistas

Independientes de NY le invitan que sea el presidente. Duchamp convence al
jurado de que, si los artistas pagan una tarifa pequeña, pueden exponer, es decir,
ellos no van a seleccionar las obras, sino que todo aquel que pague pueda
exponer. Duchamp envía La Fuente (1917), lo que hace el jurado es
escandalizarse y le echa, el jurado censura esta obra y la esconde detrás de una
cortina. El enfado de Duchamp.

No es una obra única, pues se destruyó la original y Duchamp firmó en más

urinarios. R. Mutt es un francés, que nos recuerda a alta clase. Pero Duchamp
juega con distintas cosas:

- La sombra humaniza el urinario. La gente pensó que era una forma de aludir a Buda y a la Virgen.

5/10/23

¿Qué nos molesta de esta obra? el artista ha firmado este objeto como “R. Mutt”. La R era de Richard, que nos lleva a
la idea de “rico”, del “rico Mutt”. Además, lo que molestaba también es lo siguiente: los urinarios en Nueva York era
un objeto de lujo en esta época, lo que pasaba con estos objetos es que estaba la Quinta Avenida, la calle más importante
de NY asociada al lujo. La gente oba a contemplar estos objetos de Mott, algunos para incluirlos en sus casas y otros
para admirarlos por no tener tanto dinero. Tenemos entonces un objeto sanitario de lujo ligado al arte.

En esta época se publicaba una tira cómica llamada Mutt & Jeff, una pareja de amigos solteros, que viven juntos y les
suceden cosas que tienen que ver con que un soltero es la persona que necesita tenerlo todo controlado (Jeff) y el otro
es la persona que le suceden las cosas, es torpe, etc. (Mutt). Por lo que se ha podido relacionar que este ultimo ha podido
firmar haciendo una borma.

El cuadro que hay detrás de l cuadro de la Fuente, es el de Marsden Hartley The Warriors, es decir, Duchamp al parecer
ha realizado una obra de arte semejante al cuadro mencionado en cuando a la forma del urinario. Duchamp sabía
perfectamente todas las referencias que podían extraer del cuadro.

Aparece un artículo de revista que dirige el grupo de vanguardia, en el explica la intencionalidad artística de la fuente.
Cuando se descubre la autoría del autor, compra la obra Harensberg, uno de esos coleccionistas de la burocracia
neoyorkina.

El caso de Richard Mutt:

Dicen que cualquier artista que pague seis dólares puede exponer. El señor Richard Mutt envió una fuente. Sin discusión
este articulo desapareció y nunca fue expuesto. He aquí las razones para rechazar la fuente del señor Mutt:

1. Algunos arguyeron que era inmoral.

2. Otros que era plagio, una simple pieza de fontanería.

Pero la fuente del señor Mutt, al igual que una bañera no es inmoral, eso es absurdo. Se trata de un accesorio que se ve
a diario en los escaparates de los fontaneros.

Si el señor Mutt hizo o no hizo la fuente con sus propias manos carece de importancia (porque decide que el urinario es
una escultura). Él la Eligió. Cogió un artículo de la vida diaria y lo colocó de tal manera que su significado habitual
desapareció bajo el nuevo título y punto de vista: creó un pensamiento nuevo para ese objeto. Le da Duchamp un valor
artístico, lo saca de contexto, por lo que tenemos que ver y pensar ese objeto sacado de su contexto.

En cuanto a la fontanería, eso es absurdo. Las únicas obras de arte que ha producido América han sido sus productos de
fontanería y sus puentes. Aquí hace una pequeña broma respecto a la producción de vanguardia, la cual tiene muy poca
13
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
historia frente a la francese, y ese interés por la producción industrial. De hecho, la obra de Duchamp detrás hay obras
suyas de producción industrial que no tenían uso, como la fuente cuya función es miccionar, pero se escapa del envase
por los agujeros que lo flanquean.

¿por qué es tan importante Duchamp? Preguntas de carácter ontológico [¿qué es el arte?]; una de carácter
epistemológico [¿cómo sabemos que eso es arte?]; y de carácter institucional [¿quién decide qué es arte?]. Esto recién
escrito, es prácticamente porque se ha dado un giro a las preguntas que surgieron con esta obra. El artista decide qué es
lo que es arte, pero debe de estar ligado a un coleccionista que lo compre, o que la crítica de arte decida si es arte o no.
El museo ayuda a que se institucionalice. De hecho, el urinario acabó destruido, y lo que hizo Duchamp fue firmar otros
urinarios, se le denomina la “obra múltiple”. En resumen: no nos tiene que gustar la obra, sino que es otra forma de
establecer un nuevo paradigma que va más allá de la pintura y la escultura. De hecho, la idea de trabajar la identidad de
autoría nos termina llevando a conceptual.

Tradicionalmente se habla de la autoría. Al parecer, la idea original del urinario tiene que ver con otro personaje
de vanguardia, la cual es una mujer, llamada Baronesa Dara. Duchamp, ya había hecho otros redimeits. Le da ese estatuto
de arte, como Rueda de bicicleta, 1913, se da esa idea de circularidad, como La Fuente, y también juega con la idea de
una escultura en movimiento, cinemática, y luego está ensamblada sobre un taburete de dibujo, haciendo un propio
juego de la idea de artista. Esta obra/máquina se utilizaba para concentrarse en el estudio al ver la rueda.

Pero Duchamp no era el único que estaba trabajando. Encontramos a Picasso, que en el mismo año 1912 estaba
realizando un bodegón. Por un lado, el marco con esa cuerda, y segundo, y más importante, la silla de rejilla. No
representa la silla, sino que ha recortado un papel que imita la silla de rejilla, consiguiendo ese bodegón cubista. Ya no
es n necesario de representar lo real, sino que podemos realizar obras realistas con propio material.

Otra idea fundamental es la idea e azar. Duchamp hace también una obra llamada Tres zurcidos patrón, es un nuevo
sistema de medición a partir del azar. Lo hace lanzando un hilo sobre unas tablas de madera y es el dibujo qyue hace la
regla. Todo esto tiene que ver con esas teorías sobre la cuarta dimensión, la cual comprendemos tres dimensiones – alto,
ancho, profundo – pero hay otras dimensiones que son más difíciles de ver, que para Duchamp serla el tiempo y el azar.

Otra obra es el Portabotellas, 1914. En esta obra se apropia del objeto. es una maquina que no funcionaba. Esta obra se
usaba de la siguiente manera: esun aparato que sirve para secar las botellas, y quedan a la espera, lo mismo que la propia
máquina. Duchamp juega mucho con el carácter erótico de sus obras. El se consideraba un soltero a la espera, significado
que plasma en esta obra, es una lectura que el provoca.

Otra obra es In advice of the broken arm, 1915. Apolinère enameled, 1916-17, lo que hace es apropiarse de un anuncio
de pintura de esmaltes modificando el título para asociarlo a Apollinère Enameled, vanguardista cubista que perteneció
al círculo donde el también trabajo en sus inicios.

La idea de viaje es una idea muy presente de él. De ahí deriva la siguiente obra: Pliant de voyage, 1916. Viene a ser una
funda de una máquina de escribir, ese soporte hace que parezca como una lampara, y en la propia funda pone
“underwood”, simulando mirar debajo de la falda. En esos momentos forma un trío entre Duchamp, Margaret y otro
hombre. De bajo de Wood. Las máquinas de escribir, un objeto relativamente e nuevo, pronto se asoció a otras
cuestiones, como a esas postales que circulaban en la época que tiene que ver con lo erótico de Duchamp, como que se
convierte en falda de Wood, mirar debajo de la falda de Wood.

El propio urinario se convirtió también en un retrato de Duchamp.

Un ruido secreto, 1916. Se llama así porque dentro del huevo, que si agitas ese ensamblaje, suena. el titulo nos da la
pista sobre que es ese redimeit . en el caso de El Peine, un peine para cepillar a sus mascotas lo ha convertido en obra.
con estos objetos, lo conocía muy poca gente, debido a la escasa publicación, estaban en el estudio.

EL ajedrez, interés de duchamp, aparece muchas veces en su obra, que lo que hace con el trébuchet, se apropia de este
tipo de colgadores cuyas formas, del modernismo, recuerdan formas que vienen de la naturaleza, le da esa ide ade

14
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
tropiezo al situarlo en el suelo. Pero hace que lo veamos de manera distinta. Cambia de posición y lo coloca en el suelo,
lo cambia de contexto, como La Fuente.

La obra de Porte – Chapeux, 1917. Duchamp jugaba con la colocación de las obras. Esto alude a la forma de una araña,
aunque es un prota sombreros que en la sombra parece una araña. La idea de araña y de la tela de araña, dentro de la
iconografía de Duchamp. Esta idea de tela de araña está asociada a lo femenino, la idea de una madame fatale.

Sculpture de voyage, 1918. Esos trozos de goma de gorros, hace una tela de araña. Esta epjsado para viajar, lo que sucede
las descuelgas y la metes en la maleta.

Algunos de los redimeti de DIchamp no son obras suyas, da las instrucciones a otros para que los hagan. Por ejemplo,
encontramos Ready-made maihereux, fue el regalo de bodas de su hermana, también artista. Duchamp le manda las
instrucciones para que realicen este readymade . le pide que coja el libro de física-matemática y que lo ate de una manera
detemrianda en el balcón de su casa y que deje que envejezca.

Esa construcción de la figura de artista. Duchamp decide que cuenta que ha decidido dejar de producir obras de arte,
para dedicarse al ajedrez. Antes de ese momento decide trabajar desde otro lugar, alterando su propia identidad – eros
de la vie – “el eros de la vida”, asume un carácter femenino. Entonces, hace un readymade que es una botella de perfume.
Modifica la etiqueta y lo llama Belle Haeline. Está jugando con los roles de género, pero no es tan innovador., sino que
recupera la figura del andrógeno y que tiene que ver con la alquimia.

Rose de la Vie, comienza a hacer ready mades. Tenemos Why not sneeze Rrose Sélavy, 1921. Es el retrato de una mujer.
Y es un insulto, no es consciente de lo que dice Duchamp, que es fría como el mármol, pero esos cubitos de azúcar son
de mármol, con el hueso de sepia alude a la idea de mujer virgen, y la jaula nos dice que es una mujer que no es capaz
de salir de la jaula. Convierte este retrato en un insulto.

Comienza a crear obras que hablan de sí mismo. Tenemos un cartel publicitario en el que aparecen muchas de sus obras,
llamado Tu m’, 1918, que significa “tú me aburres/amas”.

En un momento determinado de las obras de Duchamp era romper con juego retiniano, usando maquinas que generen
figuras geométricas que se distorsionaban.

Finalmente, esa idea de museo de sí mismo, múltiple y móvil, que comienza a trabajar en ella en los años 30. Lo que
hace en Boîte en valise, lo llamativo es que con la idea e serie, e urinario, esa fuente en miniatura, miniaturiza toda su
obra y la mete en una maleta. Esta obra se produjo en serie, para poder venderlas. Muchas de ellas eran pintadas por el
propio Duchamp.

6/10/23

Examen: identificar 5 imágenes, hablando del título, autor y año y un pequeño comentario de 5 líneas para situar la
obra. Otras 2 obras para desarrollar más, y una tercera parte de desarrollo de tema.

15
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX

27/10/23

16
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
TEMA 22: LA INSTITUCIONALIZACIÓN DE LAS VANGUARDIAS Y
SU LLEGADA A NUEVA YORK. EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO
AMERICANO Y JACKSON POLLOCK.
Arte de 1900-1945.

Todo lo que sucede después de la IIGM, era imposible volver a pintar imágenes o crearlas. Influyó esa imposibilidad de
pintar.

El interés por la vuelta de la pintura abstracta: ya no era posible de pintar le mundo por ello había que construir otro tipo
de obras.

En occidente, después de la IIGM, se produce la Guerra Fría, ese enfrentamiento entre el bloque occidental y oriental.
El arte sirve de algún modo para reflejar todo ese contexto. El arte que se estaba produciendo a los países soviets es de
carácter realista, o socialismo realista, y en Occidente se fomentó la abstracción, en Europa se llamó Informalismo.

[El expresionismo abstracto americano influyó por toda Europa, y en España, mientras gobernaba Franco, pretendía
aproximarse a EE. UU. A la par, se comienza a promocionar otro tipo de arte para dar imagen. Franco en la época de
aperturismo promociona el tipo de escultura de Chilida, un tipo de abstracción en el que los materiales y las formas
orgánicas de mucha importancia.

Otro artista catalán, Tapiés, _

La abstracción no es problemática, es algo que no hay declaración política obvia, aunque, por ejemplo, la pintura de
Tarnies las podríamos entender como “canelones”, es una abstracción que permite llenarla de otro contenido que no
hace falta que sea original.]

Volviendo a la abstracción de América: todo esto empieza mucho antes de lo previsto, para ello tenemos que comprender
el contexto americano de este siglo. El expresionismo abstracto americano se convierte en el primer movimiento de
vanguardia americano.

Habíamos visto la fundación del moma que había supuesto la institucionaizacion de las vanguardias, cada ismo ya tenia
su propio museo. Los artistas que estaban trabajando en Nueva York y Los Ángeles es donde se concentraban la mayor
parte de los artistas. De hecho, en los ángeles se funda la _ donde se forma Pollock en origen.

El propio Pollock se construye su propio personaje, pues el decía que había nacido en california y otras veces decía que
en Arizona, pero la verdad es que había nacido en Wyoming, un estado central. La madre de Pollock era un tipo de
mujer que _ y de sus 5 hermanos tres de ellos fueron artistas, pudiendo influir en su carácter.

En estos momentos Nueva York está viviendo el Crac del 29, fue una de las primeras crisis financieras [tipo de economía
volátil] que fue global. El Crac produjo el periodo de la Gran depresión, que duró todoa la década de los 30, y por
consiguiente la IIGM. Se produjo una semana antes de la apertura del MoMa.

El tipo de arte que se estaba haciendo en EEUU, : se estaba haciendo arte que tuene ucho que ver con las vanguardias
europeas. Toman elementos de las vanguardias euriea y hacen un tipo de pintura que a su vez rompan con dichas
vanguardias. Quieren alejarse de las vanguardias europeas, de ahí que miraran al arte paralelo de USA. Lo que hacían
los americanos [muchos de ellos eran europeos], como Insane era el realismo social, para diferenciarlo del realismo
socialista de los osviesticos, era un arte figurativo que denunciaba injusticias sociales al tener un compromiso social y
poltico muy evidente.

Un ejemplo lo tenemos en The Passion of Socco and Vanzetti: trabajadores italianos, relacionados con el anarquismo,
vinculados a los sindicatos y que fueron condenados a morir electrocutados por un atraco. Lo que se diferenció en el
juicio es que las pruebas eran más en cuestión ideológica que con el atraco en realidad, porque no había pruebas que
demostraran aquel atraco. Eso supuso una corriente de protestas internacional acerca del juicio y condena debido a la
carga ideológica y xenófoba. Ben Shahn realiza este cuadro para rendirles honor. Vemos que tenía elementos
17
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
vanguardistas europeas, con cierto ingenuísimo en la representación de los personajes y el espacio, con situaciones
similares al cubismo, pero sin perder la composición de la imagen.

Durante este tiempo el propio gobierno, Roosevelt pretende iniciar un tipo de política económica nueva muy
intervencionista, eso que llamamos el The New Deal.
Dentro del desarrollo de esto integró a los artistas. Se dio
cuenta, Roosevelt un hombre muy culto, se dio cuenta del
potencial que tenia el arte. Genera una estructura que se
llama _ para que se dieran obras de tipo público, en murallas,
genero otra estructura que la amplio no solo al arte publico
o a la escultura de mayor tamaño, que se llamó la
administración para el progreso del trabajo, ahí
trabajaron mas de 6 000 artistas, entre ellos, Lee Krasner o
Jackson Pollock.

¿Qué supone para un artista que el Estado lo sostenga?

- Control ideológico,
- Estabilidad a los artistas.
- Sentido de comunidad. Generaban grupos. Y los que no participaron en estos programas se sentían excluidos.

Otra de las estructuras que genera Roosevelt es la administración de la seguridad del campo, la cual pretendía reorganizar
la producción agrícola americana y controlar el éxodo rural. Había que racionalizar el campo y establecer cultivos menos
intensivos.

Lo que hace el gobierno de Roosevelt es encargar a un grupo de artista y de fotógrafos, pero Ben Shanh participo en
este proyecto y haciendo este tipo de imágenes. El objetivo era muy particular, porque pretendía mostrar la pobreza del
campo americano y a su vez sus virtudes para que no se generara ese éxodo. Se construirán imágenes bastante
particulares, un ejemplo lo tenemos con A Mule and a Plow, 1937; Years of Dust, 1937

Mas fotógrafos que participan en estas organizaciones son:

- Dorothea Lange, con su obra Madre inmigrante, q936. Una imagen muy dramática con la mirada perdida de la
madre, esta mujer posteriormente hará un reportaje de los campos de concentración de EEUU con población
japonesa, principalmente.

Otro proyecto de la fotografía documental fue el que hizo Walker Evans, que representaba los valores de familia,
tradicionales, pero tambien mostraba a figuras que desprendían empobrecimiento

En estados unidos se estaba haciendo ese tipo de pintura que tiene que ver de nuevo, con la construcción de una identidad
nacional, como podemos ver en American Gothic, de Grant Woods. En esta obra podemos ver como se representa los
valores tradicionales americanos. Resulta ser una pintura de regionalismo que representaban valores americanos con
cierta ética protestante en relación con los pioneros americanos.

Otro tipo de pintura que se estaba haciendo, si antes veíamos el campo, _. Thomas Hart Benton con The Arts of the
West, el maestro de Pollock, se forma con este señor. Pollock decía que los cuadros de formación con Benton le sirven
para saber qué es lo que no quiere hace, pero analizando las pinturas de Pollock vemos elementos directos de Benton,
como el tamaño grande de las obras, la forma de estructura el lienzo de pollock. La estructura de Benton es a través de
las líneas y círculos que sostiene el cuadro, lo que permite introducir otras imágenes, como vemos en la parte derecha
con la doma del caballo. Resalta ese tipo de masculinidad concreta, como el “vaqueo masculino”, la cual debía acogerse
los artistas de este momento, de hecho, Jackson se llamó así para proporcionar un tipo de masculinidad mayor.

Benton le habla a Pollock sobre el manierismo de Rubens, el Barroco italiano, con lo cual, Pollock, lejos de ser ese
personaje salvaje que tiene que ver con la idea del “salvaje Oeste” y su dominio, conocía muy bien la historia del arte,
de manera, que, no era un personaje primitivo como nos tratan de vender.
18
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
El arte regionalista, tambien tenían cierto compromiso social, mucho más conservador, pero tenía que ver con la
construcción de una identidad común.

En Estados Unidos de los años 30, llega el muralismo mexicano, [grupo de pintores que pintaban en los murales que
recibieron encargos, relacionados a la Revolución mexicana con el fin de la dictadura y la guerra civil después de la
Revolución] que tiene que ver con la vocación didáctica para provocar el cambio. En lugar de llevarlo a la estampa se
lleva a las paredes, aludiendo a esa pintura de tipo público, porque pensaban que el arte es para todos. Trabajaron tres
muralistas: Siqueiros, Clemente y Rivera.

Siqueiros generaban imágenes que tenía mucho que ver con el surrealismo, apreciando en su obra Echo of a scream,
1937. No se usa solo esa pintura industrial en sus obras, sino que el dripping [goteo de Pollock] ya lo practicaba este
artista y no Pollock. Pollock ya tenía relación con este hombre.

Ducko: El cartacter de este señor debía de ser muy fuerte, un carácter autoritario que remitía a la experimentación que
desarrollaba al pintar.

3/11/23

La idea que tenemos de Pollock a la hora de pintar, esa técnica, en el momento de la

revelación, pues ese tipo de técnicas que tiene que ver con el goteo eran usadas en el estudio
de Siqueiros. Por lo que, Pollock, ya lo teni aprendido. Tenemos que pensar que es un
ejercicio muy usual en las escuelas de arte, pues el goteo es una forma de experimentar con
la técnica.

Siqueiros trabajaba con el aerógrafo, gotear sobre la superficie. Para los murales mexicanos
la figura contenía el mensaje y era muy importante. Volviendo a la obra de Echo of a scream
(1937), nos habla de los gritos de las personas de la Guerra Civil Española.

Diego Rivera: paso mucho tiempo en Europa, por lo que conocía bien las vanguardias
europeas. En parís y en Madrid y Barcelona se relacionó con ese grupo de cubistas hasta que
volvió a México y cambio su forma de pintar, aunque Rivera mantiene elementos de cubismo que lo asientan en la
realidad y que ayudan a comprender la imagen. Este pintor recibe un encargo de Rockefeller, y, le encarga unos murales.
Va a Nueva York y plantea este mural El hombre en la encrucijada, 1932-4. Es un mural que habla del trabajador y del
trabajo. Retrata a una serie de personajes. Una de las funciones que pensaban que tenía esta pintura era la educación
para provocar la revolución, una de las bases de los muralistas mexicanos. Dentro de este mural vemos el retrato de
Lenin. Cuando Rockefeller vio el mural casi pintado, decidió que había que retirarlo y lo censuró. Rivera se vengó y lo
rehízo en México

Otra de las obras importantes de Rivera que hace en Estados Unidos es Detroit Industry 1932-3. Es una forma de
producir que tenía que ver con la producción en serie que era un sistema que alineaba al trabajador. Vemos en el cuadro
19
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
que se plasma ese imaginario precolombino que los muralistas mexicanos recuperan esa idea, la idea de recuperar su
propia tradición, de ahí esa preocupación por ese tipo de mitos. Se refleja mitología maya. Se busca en esa tradición y
en otro tipos de tradiciones, por lo que hay recursos de recuperar lo popular.

En este m omento en México se produce el taller de Grabado Popular, idea de democratizar el arte, y la parte central es
una representación de los recursos para generar una representación. Abajo vemos una fábrica de coches, la industria de
Detroit, el coche es un símbolo de modernidad. La muerte de Pollock y su final y proceso de destrucción, el coche es
un símbolo de la cultura americana. Tambien reivindica la muerte moderna. Vemos en el fondo un enjambre de maquinas
que le sirven como recurso pictórico para ir llenando los espacios, esto tiene que ver con la modernidad. También vemos
trabajadores que realizan producción/montaje en serie, Rivera retrata como esos personajes no están alineados, pero es
como una comunidad. Los personajes están individualizados, al menos los de abajo, y a la par la sensación de
comunidad, presente la ideología de Rivera. En la parte inferior de la derecha vemos una máquina que se asemeja a un
robot, aludiendo a esa modernidad y sociedad (¿futurista?). obviamente esto viene del futurismo y ese interés por las
máquinas.

Otro de los artistas que conoció Pollock, cargado de ideología, es José Clemente Orozco. SU pintura alude a la pintura
barroca, cargada de religión y esos fuertes claroscuros. Su obra Prometheus [se queda al fuego a la Humanidad y es
castigado por los dioses], puede tener dos lecturas:

- Defensor de los hombres.

- Con el fuego comienza la industria.

Los dioses del mundo moderno: esqueleto rodeado por otros esqueletos. Tenemos que pensar que Orozco es mexicano
y los esqueletos está muy presente en la cultura popular mexicano. Tambien tiene que ver con las vanitas del Barroco.

Tambien vemos otro tipo de imágenes, como New School of social Research, la importancia del arte con relevancia
social, lo cual fue algo fundamental en el desarrollo del expresionismo abstracto americano.

En esos años hay artistas estadounidenses que adaptan las vanguardias europeas, encontramos el ejemplo de Peter Blume
con Eternal City 1937. Nos suena a la pintura flamenca, vemos de nuevo como los surrealistas recuperan elementos de
pinturas de otras épocas. En la obra apreciamos citas directas a Dalí. Incluso la preciosidad de la pintura tiene que ver
con el surrealismo que hablaban los americanos, una pintura bien hecha. En la derecha vemos al retrato de Mussolini en
un payaso. El contenido de los surrealistas no es muy evidente. La relevancia social para los americanos era fundamental.

20
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX

Las vanguardias europeas ya eran accesibles para los artistas americanos. Vimos el Moma como lugar fundamental y
quien puso el relato de arte contemporáneo_.

Pollock estaba obsesionado con Picasso, como un rival con el que debía competir. Cuando Picasso pinto el Guernica
tenía 56 años. se fie adaptado a algunas de las vanguardias como el surrealismo, y Picasso fue central en la configuración
del moma. En 1939 le dedica una Retro perspectiva de su producción desde sus últimos años desde sus 49 años. El
Guernica, es un cuadro que encarga la republica española para ser expuestos en el Pabellón de la República en la
Exposición de Paris del año 37. Es un cuadro que habla de la Guerra Civil con escenas representadas, convertida en un
icono contra las guerras de todo tipo. Este cuadro tambien funcionaba como pintura mural con intención educativa. Se
convierte en un icono de la vanguardia.

Este cuadro tiene relevancia social y política. El Moma convirtió a Picasso en el centro, tuvo mucho que ver. El Guernica
estuvo expuesto en Europa y luego hizo una itinerancia por Estados Unidos, hasta que Picasso decide dejarlo en deposito
en el Moma. Se ha ido cargando de significado político el cuadro. Los viajes contribuyeron en ello. Es un cuadro que se
usó como imagen en la Guerra de Vietnam. Poco a poco se ha ido cargando.

Es una pintura vanguardista y moderna. Y al

mismo tiempo tiene una relevancia social. Volvió
al Reina Sofía en el año 81, pues puso como
condición que, si El Guernica a España debía de
haber Democracia en España, de ahí que se
devolviera en el 81. Aunque hubo un proceso
largo de recuperación del cuadro por parte del
MoMA.

Otro artista que tenia que ver con la abstracción racionalista, que trabajaba con amarillo, rojo azul y blanco, y que fue
usada por esos jóvenes artistas en cuanto a la composición y con la idea de ordenar el caos, se trata de: Burgoyne Diller.

Third Theme: La forma de estructurar. Las líneas si lo abstraemos sería una composición.

Sería una abstracción de planos y de las luces de los edificios como vemos en el Large Architectual de Ilya Bolotowsky.
Incluso el ritmo que usa pollock en sus pinturas tiene que ver con esa pintura.

21
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
Ese grupo del expresionismo abstracto americano, la pintura de acción, la escuela de nueva York lo tiene muy presente.

Pollock estuvo trabajando con Burgoyne.

Comparten algunos elementos como la idea de la pintura superficie, la idea de una imagen maciza. Son cuadros que
tiene dimensiones grandes, frente a otro tipo de pintura. La idea de gesto. Peor la solución a la que llegan es distinta, de
ahí que tengamos a Robert Motherwell: se reconocen figuras y casi podemos hablar de lo que la pintura se convierte en
un mural. Pero hay una sobre imagen en la que están dos personajes cuyo título nos permite comprender Pancho Villa.
Dear or Alive. La parte de la derecha nos recuerda a Pollock con ese goteo. Algo interesante del expresionismo abstracto
americano es que son infinitos, la pintura podría continuar al rededor del marco.

Unos años más tarde, tenemos a At Five in the Afternoon, 1949. Este título alude al canto de la muerte del torero, poema
de El poeta Lorca fue fusilado al comienzo de la Guerra Civil, fue uno de los primeros ejecutados, convirtiéndose en un
símbolo de dicha guerra. En esta obra juega con el blanco y el negro, colores del Guernica, Picasso está presente. Hay
una abstracción absoluta frente a ese primer Motherwell.

Expresionismo abstracto americano:

Willem de Kooning: vemos que en su cuadro Pink Angels, 1945. Vemos citas a Picasso de nuevo, con las formas. Este
pintor nunca perderá la figura, por cierto, era holandés. Es menos problemático, se pueden diferenciar esa posición
ideológica. De hecho, el propio termino de expreisonismo nace de Kokes hace de Hanks Mokman, de origen alemán, y
su producción tenia que ver con lo que se estaba haciendo en Europa. De ahí que se ponga en cuestión el termino de
expresionismo abstracto americano.

Hace este tipo de pintura, vemos que es una pintura maciza, esos ángeles rosas que nos recuerdan a cuerpos aquellas
manchas rosas. Es un movimiento abstracto.

El Kooning de los años 50, realiza obras en las que se reconocía fácilmente los personajes, un ejemplo lo encontramos
en segundo cuadro, Woman I, totalmente distinto al primer cuadro que hemos visto. Carácter expresionista pero no
abstracta al ver una mujer en el cuadro. Se nota como esta pintada por la pincelada. Idea de abstracción, si todos
responden a ella o no.

Mark Rothko: los mitos de carácter universal y propios aparecen alusiones a la cultura nativa americana. Esa idea de los
mitos universales que tiene que ver con un inconsciente y subconsciente colectivo. Lo que hacen los expresionistas
americanos es sustituir a Freud por _. Ya no es ese psicoanálisis que habla del individuo sino del colectivo, ligado ala
idea del arquetipo.

Tiene que ver con la idea del mito, idea fundamental y como algo universal, que comparten todas las culturas. Por
ejemplo, su obra Antigone. Vemos la cara múltiple arriba que nos recuerdan a ese cubismo picassiano diluido en los
años 30 (el guernicoa) o la representación de abajo que nos recuerda un friso plástico.

Rothko acbara con esta pintura, nada que ver con de Kooning, en su obra Red, Orange, Tan and Purple, manchas de
color. Luego esto dará lugar a esa segunda parte que son los campos de color o la abstracción pospictorica. Vemos esa
evolución que tiene que ver con los campos de color, pero vemos que aquí hay una referencia a la naturaleza con ese
horizonte central y los colores de tonalidad rojo crean profundidad en la pintura.

17/11/23

Estos artistas comparten el automatismo. El automatismo de los surrealistas era un automatismo procesado y la
asociación de imágenes. En este caso tiene que ver con las imágenes: volcar la personalidad a través del lienzo. ´

22
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX

No todos los artistas eran abstractos y mexicanos. De este grupo quedaron excluido otros protagonistas, sin duda fueron
las mujeres relacionadas con el grupo que pertenecieron a la escuela de NY. Al ser mujer son correspondían al tipo de
idea de genio de ese momento:

LEE KRASNER: añade una construcción que en Pollock desaparece, a pesar de que tenga mucha influencia por este.
Las condiciones de LK a la hora de pintar, pues ella pintaba en la cocina o en una habitación pequeña, mientras que
Pollock tenia el granero para pintar. Ella siempre se queda en la casa. Sus cuadros son de tamaños pequeños. Luego va
creciendo tras la muerte de Pollock.

Una obra suya que se formó con Hans Nuthman, este es el autorretrato de LK, conocido como Self-Portrait, 1930. En
este retrato se ha pensado que LK trata de ocultar su identidad femenina, revistiéndola a un hombre. La firma de la
artista “Lee” lo elige ella, es un nombre que no tiene género, pues su nombre real es “Leonora”. Su forma de firmar
“LK”, lo que pretendía era ocultar su genero para que no se prejuzgara su pintura. Eso que vemos de la idea de
sentimentalidad etc.

Krasner se convierte en la propia historia que se ha convertido en torno a Pollock. A ella siempre se la construye como
espectadora de las pinturas de su marido, siempre aparece desplazada.

ELAINE DE KOONING: una vez más, esta mujer siempre aparecía como espectadora de la spinturas de su marido.
Ella esta asociada al cuadro, a los desnudos de mujer que pitna de Kooning en los años 50, viene a ser la modelo del
cuadro. Namuth, antes de dedicarse a estros reportajes sobre artistas, era un fotógrafo en obra. en su fotgrafia s etraduce
la idea de retratar los ritos a través de este tipo de imágenes (Willen and Elaine de Kooning). Evolucionó a una abtraccion
notoria y excelente.

Los artistas afroamericanos:

NORMAN LEWIS: las tecincas eran muy similares a las de Pollock: un amarña central , que en el caso de Lewis , es
menos accidental aunque hay cierto mautomatismo, como vemos en Twilight Sounds

Beaufourd mDelaney: era afroamericano. Se fue de NY y se estableció en Europa por no sentirse acogido en ninfuna
comunidad. Era gay además, por lo que tenía una doble acusación

POLLOCK:

se construye como ese héroe de las vanguardias americanas, ese artista que es capaz de competir con Picasso. es el
artista más importante, a pesar de ser complicado. Los críticos lo construyen como esa figura central y heroica. Pero se
construye ese pollock que tiene que ver con lo salvaje, inculto y que parece que se vacía en cada lienzo que pinta. Se le
incluye como un héroe del lejano oeste. Dice que nace en Arizona, y usa su primer nombre, y contribuye a la
construcción de ese personaje salvaje. No todo en pollock era así.

Conocía muy bien la historia del arte y todo el movimiento artístico que estaba ocurriendo en ese momento en EE. UU.
Pollock era una persona relativamente conocedora de lo que ocurría a nivel político de EE-UU. No era consciente el
personaje que se está construyendo de cara al público, pues se adecuaba al estereotipo.

Una de las primeras obras suyas, tras finalizar su formación con Brenton. Seascape, 1934. No remite a la pintura de
Benton, pues para P era ese maestro al que enfrentarse. Remite a una tradición de la pintura estadounidense que tiene
que ver con el paisajismo romántico, la diferencia que tiene es la pincelada con dicho paisajismo. Es un paisaje oscuro,
lo que nos habla de su relación con la naturaleza en el que parece que va a suceder atroz.

Pollock era muy conocedor de la historia del arte y al de su propio país. Moonlight Marine, de Albert Pinkham Ryder,
en este cuadro trata de transmitir una naturaleza sublime, que somos incapaces de comprender. La tormenta o el mar
agitado de noche se relaciona con la idea de sublime asociado al paisaje. Trabaja con la superficie.

23
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
El siguiente cuadro, de su época temprana de Pollock, es Going West, 1934, se sitúa en el Viejo Oeste y en relación con
los colonos, construir ese escenario estadunidense. Los colores tienen que ver con Orozco, muralista, esos colores ocres,
marrones, tierra. La composición con Benton, con esa idea de circularidad que se sostiene, hay un circulo en el cual hay
elementos verticales que sostiene la imagen. Son cuadros que tienen un misterio, recordar que en estos momentos
Pollock trata de buscar un nuevo lenguaje y de ahí estas características y como mezcla elementos de Orozco, Siqueiros
y Benton.

Una de las obras de Benton, Beallad of the jelous Lover of Lone Green Valley: este tipo de pintura de Benton se ha leído
como una idea de la historia marxista, que tiene que ver con la repetición de círculos y con la idea de progreso y luego
como decae. Traduce esa idea de historia, a pesar de que nos hable del pasado mítico de USA.

En los 40 ya empieza a hacer otro tipo de composición, parece que encuentra un nuevo lenguaje, que es bastante
misterioso. En los cuadros de Pollock reconocemos imágenes todavía, pero siempre hay algo misterioso, como si algo
fuera a pasar. Lo podemos ver en Stenographic figure, 1942: esas formas nos recuerdan al cubismo picassiano de los
años 30 (con el que Pollock establece un dialogo constante). La escenografía es la taquigrafía, es un tipo de lenguaje
esquemático. Pollock lo emplea en esta obra. la obra comienza a experimentar con la forma de pintar, es la idea de que
la pintura es un proceso. En este caso tiene que ver con el gesto. Ese lenguaje propio que el está construyendo y que en
muchas ocasiones el solo puede interpretar, el pinta el gesto que usa. Si que trabaja con la idea de automatismo que
permite corrección, no es accidental (el piensa antes de introducir de sopetón dichos gestos). Tambien ver la planitud
del lienzo, que irá a más, pero aquí se preocupa por cómo construir el espacio. Hay dos figuras verticales y ya un círculo
central que puede sostener la imagen. El cuadrado negro sería una mesa.

En Male and Fame, 1942. Dos líneas verticales y una forma central, se nos puede asemejar a los tótems. Pero esta
figuras aluden a un nuevo interés por el arte primitivo, pero en este caso lo que se hace es buscar en el arte de los nativos
americanos, y esas figuras totémicas aluden a esos tótems de los nativos americanos. En el año 1941 el Moma hizo una
exposición de arte nativo americano, y Pollock asistió a esa exposición.

En Guardians of the Secret, 1942. Vemos arquetipos y lo universal. Se puede ver una acción que forma parte de la vida,
la idea de expresar el interior o la psique interior sobre el lienzo o a través de la pintura que podría ser automática. Unen
lo individual y colectivo con el arquetipo. Vemos a los Guardianes del secreto, y el secreto está en los tótems
representados, y ese cuadrado central que aparece que es algo que se reproduce en sus obras, que sería semejante a una
caja. La idea de energía y mal, vinculado al a construcción de Pollock como un salvaje, está vigente en la pintura de
Pollock de estos años, vinculado con lo autentico. Abajo encontramos una figura que se asemeja a un lobo, aunque no
se sabe del todo. Vemos lo misterioso porque abajo se ven que sostiene en secreto y en la arte de arriba figuras. La
representación del espacio: hay planos, las dimensiones se han llevado todas a una. La lectura es complicada pue no
sabemos si esa superficie blanca central es el plano de una mesa o si realmente si es un cuadro. Podemos ver esos signos
misterioso que aparecen repetidos y que crean ritmos de la superficie de pollock. Busca ese secreto. Este cuadro es
significativo por la mancha central cuadrada, que parece que es un cuadro dicha mancha central adelantará a lo hará a
finales de los años 40.

Pasiphae, 1943. La composición parece que se va completando, mantiene la verticalidad con estas figuras que
seguramente. Parece que se produce una explosión, vemos otros elementos como la capacidad del gesto con la pincelada
ligera, y transmite mucha energía y ritmo. Los colores contribuyen. En origen el cuadro se llamaba Movie Dick, un mito
universal, además de ser una de las obras fundamentales de la literatura estadounidense, y un héroe y antihéroe Movie
Dick, ese animal abominable. Y luego le cambio ese nombre de Pasiphae, la madre del minotauro, que casi podría ser
una escena del propio mito. El minotauro es una figura fundamental en las vanguardias. Esa idea de mito universal y
arquetipo, planitud del lienzo (cada vez más), la evidencia de la acción, el gesto a través de la pincelada, constituyen
factores claves característicos de Pollock.

• André Masson, realiza tambien un Pasiphae.

She Wolf, 1943. La loba, como mito de la creación de roma como madre de Rómulo y Remo, pero además el lobo es un
animal mítico de estados unidos. Tiene que ver con representaciones de animales en esas comunidades de los pueblos
24
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
originarios de América. La energía animal, el gesto, una pintura cada vez más plana, y que va progresivamente
rompiendo con el marco. Esa figura abstracta de una loba.

Otra imagen que nos habla de este interés y nuevo primitivismo es la obra Moon-women cuts the Moon, 1943. Vemos
que la figura lleva un tocado de plumas, típico de los nativos americanos. Y luego esa mujer que lleva un cuchillo, en el
centro de la imagen. Por un lado, hace referencia a un mito africano de los Cui-Cui – tetotes -, una cultura africana que
tiene que ver con tartamudo pues su forma de hablar recordaba a los holandeses al tartamudeo.

Hay un momento determinante en la vida de Pollock que es cuando conoce a Peggy Guggenheim. Tras el existo de esa
primera exposición en su galería, le encarga un mural para decorar en su apartamento, siendo un momento muy
importante en la vida de nuestro artista.

24/11/23

Construye un proyecto que consiste en proyectarse o verterse sobre la pintura, que tuviera un alcance universal. Enlazado
con el expresionismo abstracto americano. En su trayectoria encontramos un momento decisorio, es la imagen de
Pollock al lado de un mural que será el encargo que hace a Peggy en el 43.

El automatismo de Pollock se construye como una especie de mito, es un automatismo controlado, pues hay que pensar
antes de ponerse a pintar. A posteriori habrá una improvisación en el cuadro, ligado con la música Jazz, como Tupac
tocando Boggie Boggie en la película. A medida que va experimentando, desaparece la figura central que caracteriza la
pintura en Occidente. En su obra Mural, 1943 si que encontramos una serie de figuras que remiten a la abstracción de
figuras y que tienen relación con los pictogramas de las comunidades nativas estadounidense (figuras negras con ojos)
que reproduce en esta pintura. Pero es en esta obra avanza con la idea de que hay una figura maciza.

La forma de estructurar la composición: la composición de Mural juega con el color y ayuda que la composición se
sujete. Usa las estrategias que aprendió con Benton, el cual remitían a un Oeste mítico, su estructura era con ejes
verticales que el espectador no percibe, y ejes circulares en toda la escena. En esta obra, Pollock, sigue lo mismo. Trata
de seguir la idea de energía, fundamental en la idea de Pollock – estamos en la II GM y EE. UU entra en acción, por lo
que la idea de energía entra en la cabeza de los artistas -. Lo que logra es la composición que cubre todo el lienzo, podría
seguir de manera infinita de izquierda a derecha, y lo que subraya mas es ese movimiento. El espectador solo mira todo
el lienzo y no los detalles, invita al espectador a meterse dentro de la obra.

Esto que aprende en Mural lo aplica a otras obras, como es el caso de Gothic, 1944: el tamaño pequeño le permite
experimentar menos y se reconoce alguna que otra figuras. Debemos tener en cuenta la idea del “yo” de los artistas del
pensamiento existencialista, que uno se descubre a sí mismo a través de la acción, y la pintura de Pollock juega con
estas asociaciones. Cabe incluir, que, estamos en el contexto de periodo maduro de Pollock. Aquí llena todo el lienzo.

Esta obra llamada Gothic: el nombre de “gothic” se asocia en Estados Unidos, el neogótico se le consideraba
propiamente americano, que tiene que ver con la recuperación de identidad nacional. La propia verticalidad nos reucerda
a lo que es tópico del gótico, sigue manteniendo el gesto: pintar e improvisar sobre el lienzo, peor hay una serie de
asociaciones claras cuyas pistas nos las da el propio título de la obra.

En 1946 ya se ha trasladado a _, tiene controlado su alcoholismo, pero pinta The Key 1946, que nos parece que vuelve
a su etapa anterior. Estamos en un contexto en el que Pollock sigue buscándose a sí mismo. En esta forma de pintar que
tienen los expresionistas abstractos tiene que ver con la propia vida, esa pintura se queda como un testigo de la propia
vida (es un acto biográfico que ha tenido en la propia pintura). El nombre de este cuadro remite a esa búsqueda de
identidad, pero vuelve y revisa su propia pintura. Tenemos 2 ejes laterales y luego esa construcción de curvas que nos
remite a esa forma de pintar de Benton, el gesto y el automatismo. Y las citas directas a Picasso con esas formas que nos
recuerdan a partes de un cuerpo. De manera, que, sigue buscando con pasos adelante y hacia atrás.

En ese mismo año en el 46. Empieza otra serie de pinturas que se llama El sonido de la hierba que ya adelanta lo que
sucederá después, que se hará llamar el estilo maduro de Pollock. En este cuadro no vemos figuras, encontramos un
círculo en el centro, siguiendo, usando ese recurso. Pierde la profundidad y la superficie del lienzo. El cuadro está

25
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
pintado de la siguiente manera: ha ido un paso más lejos porque no se reconocen las formas; pinta con pincel y con
espátula. Pollock pensó mucho hacia donde quería llegar, mediante la experimentación. Los propios artistas de la
Escuela de Nueva York lo llamaban “el rompe-hielo”, le admiraban en ese sentido.

Otro cuadro es Vortex, 1947. Aquí comienza a usar la técnica del goteo y chorreo. Nos habla de una representación
nueva del mundo en el que estaba Pollock, lleno de energía.

El tipo de pintura de pollock tiene que ver mucho con el presente, pues es una pintura que juega con las temporalidades.
De algún modo, es un tipo de pintura que está en presente y es infinita en distintos sentidos: la idea de que podemos
seguir pintando el lienzo de manera infinita. El espectador puede reconstruir cuando se enfrenta a un pollock el modo
en el que está pintado, por ejemplo, que color pintó primero, cual fue el segundo, etc. El proceso de la pintura. La idea
de proceso es muy importante en Pollock, pues es definitiva en el arte contemporáneo. Pollock puso en valor la idea de
proceso. En la obra Cathedral, 1947 lo podemos ver. Nos lleva a ver una catedral gótica que sabemos que es por los ejes
de verticalidad, elemento clave del Gótico.

Perderá los títulos con el paso del tiempo, empieza a enumerar. Es complicado en algunas obras porque hay números
que se repiten. Un ejemplo es Number 1, 1948. Esa idea de numeración universaliza el significado de la pintura. Aquí
ya vemos como llega a esa forma de pintar que llegó a considerarse como una idea característica que al final supuso un
problema. El cuadro se convirtió en testigo de una acción: el lienzo lo colocó en el suelo y vemos como eso le ha
permitido adentrarse en la pintura; de las huellas de las manos sobre el lienzo cuando se tiene que apoyar para pintar;
deja huellas de residuos de su estudio como arena o trozos de cristal, o colillas (fumaba mientras pintaba). Lo que se
convierte en central es la propia acción, el artista no crea un cuadro que de testimonio. El cuadro sigue siendo el objetivo
final, no hay que olvidar eso, pues esa maraña de pintura funciona como una suerte de dibujo – para Pollock el control
de la línea es fundamental -. En Pollock es fundamental saber que en sus cuadros siempre hay una estructura base:
improvisación con control. La repetición le permite generar esos ritmos sobre la superficie. Es una imagen que podría
extenderse.

Encontramos otra obra Summer Time 9A, 1950. Aquí ya no hace mas encargos para Peggy, y empieza a trabajar para
Betty Parsons. En esta obra sigue usando las mismas estrategias que en Mural, pero experimenta con los colores. La
estructura base se hace directamente sobre el lienzo, pero llena los huevos en blanco con pintura de valores que ayuda
a generar ese ritmo encontrando dos estilos en esta pintura.

Esta forma de pintar all over o de manera infinita no es una revelación; ya hubo artistas que ya lo usaban como Joan
Miró, con unas construcciones que pertenecen a la colección de constelaciones como La Poetisa. Otros personas como
Janet Sobel con Sin título, 1944, que pintaban con cierto reconocimiento en momentos determinados y que usa el All
Over. Esa composición. Pollock no es quien tenga esa revelación, sino que ya hay una previa influencia. En sin título
1934-8, aquí trabajó con Siqueiros. Aquí vemos todo lo que sucederá después. Esta casi todo en la pintura de pollock.
De manera, que, no es un iluminado. Ha procesado y experimentado mucho.

En Autumn Rhythm, 1950. Con estas grandes composiciones – blanco, negro, gris – que aluden a Picasso, y en esa
rivalidad que tenía con él lo que hará es explotar desde dentro la pintura de Picasso (rompe la forma que tenía Picasso
la superficie de la pintura). Vemos como ha el lienzo, pero no solo la acción, sino el lienzo es importante. Esta forma
de pintar puede venir de otro lugar o del conocimiento de Pollock del arte primitivo estadounidense, de hecho, en el 41
el Moma hizo una colección de Indian Art of the United States, y se habían hecho composiciones de pintura de arena.
Vemos en dichas colecciones los pictogramas que se implantan en Mural. Esa idea de meterse en el lienzo se ha buscado
y se piensa que tuvo su origen en los indios navajos. Además, nos habla del mito, pues habíamos visto que en las
pinturas de Pollock con la idea de misterio era importante como rito. La diferencia de estos pintores con Pollock es que
los primeros borraban la pintura al ser una pintura d arena, mientras que para Pollock el lienzo es fundamental. A estos
artistas se les comenzó a llamar artistas de acción.

Pollock solía pintar en el interior de su estudio, pero Namuth realiza una fotografía en que ese aprecia a Pollock en el
exterior pintando, esto tiene un claro significado. utiliza en concentrarse en los zapatos que nos remite a la pintura de

26
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
otro pintor, el cual es Van Gogh, que pintaba botas leídas del pintor, esa asociación. La película de Namuth tiene una
clara construcción, a pesar de que Pollock quería un automatismo.

Es en este momento cuando Pollock comienza a hacerse famoso y comienza a hacerse una clara rivalidad con Picasso.
Namuth aparte de hacer la película, realizo un reportaje a Pollock pintando. Afirma que la propia forma de pintar que se
asemeja a un ritual simula a un baile/ un ritmo que le permite construir la pintura.

Cuando hace la segunda exposición con Betty Parsons, las grandes pinturas de Pollock se convierten en papel pintado,
una suerte de fondo perfecto para un reportaje de moda, como la editorial de moda para Vogue, 1951 con Cecil Beaton
como modelo. Beaton convierte a Pollock en algo puramente decorativo, Pollock se dio cuenta que si seguía por ese
camino sabia que su pintura iba a alcanzar fines decorativos.

Posteriormente, se da cuenta de es imposibilidad y de nuevo vuelven a aparecer las pinturas como vemos en
Convergence, 1952. Aparecen ocultas esas formas que remitían al pollock de los 40, comienza a emerger. Vuelve a dar
esa estructura que se basa en construir la superficie técnica.

Comienzan a aparecer esas formas o bioformas que nos llevan de nuevo a Picasso o a otros colegas, con es el caso de
De Kooning. Ocurre en Echo, Number 25, 1951. Aquí vuelve a esa terapia _ y esos dibujos que usaban los terapeutas
como formas de asumir esa personalidad.

Blue Poles, Number 25, 1925. Vuelve a la estructura de Mural, lo que nos afirma que vuelve a pensar en su propia
técnica. Nos ayuda pensar como estructuraba sus pinturas.

Había perdido el color, pero en un momento determinado lo recupera, como vemos en Portrait and a Dream, 1953. Es
un autorretrato y un sueño: ha traducido sobre el lienzo uno de sus sueños o pesadilla en la parte izquierda de la pintura,
y a la derecha está es el autorretrato.

Easter and the Totem, 1953. Vemos los tótems y las bioformas que construyen la superficie del lienzo. Esa suerte de
abstracción en la que hay figuras.

En 1956 en una espiral de autodestrucción choca y estrella con un árbol. Se ha pensado que era una suerte de suicidio.

1/12/23

27
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX

TEMA 24: UNAS LATAS DE SOPA SE EXPONEN EN UNA GALERÍA:

JASPER JOHNS Y ROBERT RAUSCHBERG. ANDY WARHOL.

WARHOL

Warhol, es un hijo de migrantes checos que se establecen en EE. UU. A pollock le sucede algo parecido como a James
Dean, una muerte contemporánea, un accidente de tráfico durante una carrera de coches. Esto se convirtió en portada
de los periódicos de la época: vinculada con la idea de muerte.

Andy Warhol hace le mismo año de la muerte de James Dean, representa ese accidente en uno de sus dibujos. Cuando
W llega a NY es doblemente excluido por los genios de la Escuela de Nueva York. A su llegada se formo en diseño en
Pittsburgh, y se desarrolla como artista comercial, trabaja en una revista comercial y esto le excluía de la Escuela de
Nueva York, con esa construcción de masculinidad pues era homosexual y porque era coleccionista = excluido del
grupo. Su obra James Dean, 1955 habla de un deseo que no es habitual.

Empieza a aparecer la idea de muerte en la obra de Warhol, relacionado con los accidentes de coche. En los años 50 el
coche es símbolo de riqueza, de modernidad, de la sociedad estadounidense, y en las pinturas de Warhol se convierte en
otra cosa: un lugar de muerte/ del accidente.

En Warhol esta muy presente las propuestas duchampianas (de Duchamp), con esa idea de “blody may”. Rompe con
otra idea vinculada a Duchamp y a la construcción del genio en esa época que tiene que ver con la idea de
hipermasculinidad y genialidad, que en estos momentos el epitomen de estos conceptos de la cultura moderna es Picasso.
La obra de Paysage Fautif, 1946 de Marcel Duchamp es prácticamente una eyaculación que regaló a su amante.

Esta idea de hipermasculinidad vinculada a la idea de genio comienza a ser replanteada a un grupo de artistas vinculados
al Pop, que ponen en cuestión tambien la pintura que se difundió en estos momentos. Jasper John, pareja de Robert
Rauschberg durante un tiempo, nunca hablaban de su relación porque buscaban el reconocimiento de la escuela de
Nueva York, lo que hacen es ocultarse. En un momento dado, Jones presenta esta obra Painting with Two Balls, 1960.
Esta obra raja el lienzo que nos recuerda a ese expresionismo abstracto, que chorree la pintura romper con ello y juega
con la frase de “dos pelotas” que alude a una buena pintura según la escuela de NY. Además, añade el titulo abajo en el
cuadro, con su firma y con el año. Rompiendo con el expresionismo abstracto.

La obra de Target with Plaster Cats de Jasper Johns, 1955. Johns engaña al propio critico de arte ya que le convence de
que es una abstracción con campos de color y no se da cuenta de que se configura dianas. Trata de recuperar una imagen
que existe previamente que es la diana y la convierte en el centro de la representación. Se habla tambien que el objetivo
es un molde de Jasper Johns metido en las cajas de la parte superior, tiene que ver con una inversión de una tipología
tradicional, que nos lleva al retablo. Esa figura de Jasper Johns tiene que ver con la representación contemporánea de
una historia clásica, es decir, una actualización de San Sebastián, con los juegos de enmascaramiento.

Ese tipo de artista mencionada ha continuado, no acaba con Pollock, sino que encontramos a Bruce Nauman que lo
vemos parodiando la fuente de Duchamp.

Warhol empieza a ponerse en contra o a parodiar a la escuela de BY y el expresionismo abstracto en Dance Diagram
(The Lindyn Tuck In Turn-Man), 1962. Invita a seguir y a bailar ese baile. Es una relación con la pintura y la música
en la Escuela de Nueva York por el Jazz: la idea de improvisación. Esta contenido todo esto en esta serie. Warhol se
construye como alguien que se opone a este tipo de pintura, pero no como hacia Jasper Johns.

Warhol pone en cuestión la propia idea de autor, si la escuela de NY hacia una suerte de acto autobiográfico además el
lienzo se convierte en una suerte de pantalla en la que proyectar el inconsciente, pintura textual y automática. Warhol lo
que hace es empezar a distanciarse y se convierte en un autor que no está presente en sus obra. se presenta muy bien en
Do it Yourself (flowers), 1962. Él dijo que quería ser una maquina y enfriare la presencia del autor en su obra. en este
28
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
cuadro, esta bromeado con la idea de artistas y son laminas que se vendían para que la gente rellenase y tuviera su propia
pintura, es decir, cada número correspondía a un color y tu pintabas distintas superficies para crear esa pintura. Juega
con la idea de autor y de que todos podemos ser artistas siguiendo las instrucciones.

Warhol tambien era coleccionista, y el coleccionismo estaba asociado, según Freud ye l desarrollo del psicoanálisis, a
un trauma. Seguramente, lo mas importante de Warhol, es sí mismo, porque se construye como una suerte de obra de
arte. Asume el papel de estrella, él entra en la lógica del estrellado, construyéndose como una suerte de imagen que es
muy difícil de leer y ver que hay detrás. Es una máscara.

Marilyn Monroe aparece mucho en la representación y pintura de Warhol, convirtiéndose en la metonimia de Warhol.
Pero cuando se hablan de las Marilyn de Warhol hay algo que no se suele contar: la idea de Warhol de enmascarada en
torno a su propia figura ha tardado en leerse más allá en como consumimos las imágenes en la sociedad contemporánea.
Aquí empieza Warhol a pintar cada uno de estos personajes. La comienza a pintar pocas semanas después de su muerte,
comienza a hacer un tipo de retrato ya visto el Postum. Elige una imagen de Marilyn que tiene que ver con el recuerdo,
joven, elige un momento muy concreto como la foto promocional de la película de Niagra, 1953. Elige a la Marilyn que
todos conocemos. La pinta relacionando esa idea del recuerdo, Otro elemento interesante es el fondo dorado, pues
aparece la estrella de Hollywood con el dorado, como vemos en la obra de Warhol Gold Marilyn Monroe, que lo
asociamos al arte bizantino y a sus iconos, los cuales tienen pan de oro, y la sitúan como una suerte de icono. Este tipo
de asociación de la Marilyn en una idea de religión y de recuerdo. El transfiere una imagen fotográfica que ya existe a
las plantas de la _ y la imprime sobre esa superficie de color dorado del lienzo que remiten a los iconos de la Iglesia
Ortodoxa.

Otras de las primeras representaciones de Marilyn se da ese distanciamiento del autor en el cuadro, queriendo ser una
máquina, como la de Marilyn Díptych, 1962. Nos habla de la presencia de Marilyn hasta su desaparecido la imagen de
Marilyn va del color y se va diluyendo. Todas las imágenes no son iguales, pues juega con la idea de originalidad y de
multiplicidad. A pesar de ser una técnica industrial que permitía la representación de imagen idénticas, favorece el error:
él podría haber sacado dicha obra en una _ industrial, pero decide producirlo en su estudio y quiere favorecer el error en
las imágenes. Él decía que le fascinaba Hollywood porque todos sus habitantes eran clásicos, en el doble sentido:
mercancía y bello (plástico).

Esa idea de cómo se construye esas personas que realmente no conocemos, pues se construyen de las propias imágenes
que conocemos, medios de comunicación, cine, hay otras estrellas en la pintura de Warhol. Una de ellas es Liz Tylor.
En los años 60 había una construcción de feminidad totalmente distinta a la idea de feminidad de Marilyn Monroe. Pintó
a Elizabeth Tylor porque en el año 62 se tuvo que parar el rodaje de Cleopatra porque Liz estaba enferma, esto alude a
ese concepto de muerte vinculado a la punta de estrellas. Liz, 1962

Daily News, 1962. Warhol pinta con pincel en este año de 1962, porque proyecta las transparencias en el lienzo esto
cuadros hablan de cierta anestesia en los espectadores. Nos habla de una nueva idea de muerte en la contemporaneidad.

Blue Liz as Cleopatra,1963 alude a esa enfermedad de Liz en el rodaje de Cleopatra. La multiplicación de la imagen
que alude al cine y al consumo excesivo de imágenes de la sociedad contemporánea, la idea de recuerdo porque no
detalla la propia Liz Taylor, la idea de lo único e inigualable.

Otro tipo de celebridad que empieza en 1963 es Jackie Kennedy que se convierte en otro tipo de feminidad del momento,
en una persona que proviene de una familia acomodada, relacionada con el sueño americano. Alude en su obra red
Jackie, 1963 a la muerte de Kennedy. Lo apreciamos tambien en Sixteen Jackies, con 1964 con distintas emociones:
triste y feliz. Nos habla del magnicidio de Kennedy. La muerte de Kennedy es importante en los medios de comunicación
porque fue la muerte en directo que se conserva en directo.

Campbell’s Soup Cans. 1961-2. Dentro de estos intereses por la sociedad de consumo, y una cierta abstracción,
comienza a pintar la serie de latas Campbell, pinta en anuncio. Establece cierto distanciamiento, tiene un cierto carácter
más artesana que las pinturas semi vaciadas de Marilyn, Liz Taylor y Jackie Kennedy, pero promueve esa idea de
29
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
unicidad y de nutrición. Trata de recuperar los géneros tradicionales de la pintura, como el bodegón. Pero pintar una lata
de comida es tan minúsculo que se habla de cierta abstracción: algo que no significa nada, relacionada con la pintura de
Warhol. La lata se convierte en una forma de comer contemporánea y parece que es algo bastante inocuo comer de una
lata. Puede esconderse también detrás de las latas estas otro suceso, otro tipo de muerte moderna: al mismo tiempo
que las pinta hace otro tipo de pintura, que es muerte de dos mujeres anónimas por comer latas de comida en mal estado.
Parece que no tiene importancia estas cosas hasta que pasan, como los accidentes de coche.

Sin duda los coches y sus accidentes son relevantes en su trayectoria artística. Esa idea de transferir una imagen sobre
el lienzo con un determinante color, lo vemos en Five deaths, 1963. Cuando aparecían estos accidentes de coche en una
revista, nunca eran las imágenes que Warhol elegía, sino elegia las fotos que tomaban los miembros de redacción del
periódico, es decir, aquellas fotos que no se habían visto por ser tachadas de morbosas. Para rizar el rizo, esa especie
de automóvil que socorre a aquellos accidentes de coche que también acaba bajo la misma suerte. Ambulance Disaster,
1963.

La muerte institucional, o la muerte de institución: Bellevue, 1963, muerte en un hospital psiquiátrico. O Suicide, 1962.
Tambien las imágenes de las sillas eléctricas, como vemos en Silver Disaster, 1964. Pues hay un gran debate acerca de
imponer la pena de muerte en USA. Los títulos vemos que ponen mucho “desastre” tal y como hacia Goya, haciendo
una referencia directa de la pintura y los grabados de Goya con Los desastres de la Guerra.

No solo hace sillas eléctricas vacías, máquinas de matar, sino tambien pintura de historia. En los años 60 en USA es el
movimiento de los derechos civiles y el reconocimiento de las comunidades afroamericanas. Ese tipo de disturbios se
convierte en protagonista de las series de Warhol. Por lo que W no es ese artista superficial.

15/12/23

El epítome del pop fue Warhol. Idea de frialdad. Son obras que van más allá, asociadas a la muerte y el fallecimiento de
las estrellas de cine; objetos y mercancías de consumo. Warhol moderniza los géneros tradicionales. El coche como
objeto que representa el ideal americano que se convierte en una máquina de matar.

Cuando Warhol abandona la practica de artista publicitario, se siente excluido del contexto artístico de NY, el cual es el
de los expresionistas abstractos americanos, pues él no entraba dentro de esos parámetros. Rompe con casi todo lo que
se consideraba como un artista “genial”. Cuando comienza a trabajar en esa idea de sentirse excluido, parodia y juega
con algunos de los tópicos de la pintura americana del momento: se apropia de imágenes, como una ventana, y trata de
transcribirlo lo más fielmente en la superficie del lienzo y, por consiguiente, juega con esa imagen (parodiando la idea
de chorreo, goteo, etc.) como vemos en Storm Door, 1960. Juega con los dos estilos: parodia lo que hacían los
expresionistas abstractos americanos y con el Pop, cuyo término crea un tipo de arte inglés, que se aplica a la producción
artística de los 60. En esta obra agranda ese anuncio que ha recortado de la prensa.

Introduce otros elementos, como el cómic [Dick Tracy, 1961] superficie plana. Los puntitos. No acaba el cuadro, deja
que gotee la pintura y vemos también ese trazo de la personalidad del artista en la pintura. Pero no genera nuevas
imágenes, sino que se apropia de las ya existentes, dándole un nuevo sentido.

Otra de las obras canónicas de Warhol, son las botellas de Coca-Cola, cuyo significado tiene que ver con la
democratización: cualquier persona podía beber una Coca-Cola en [Link]. Juega con lo mismo: es un anuncio de Coca-
Cola [juego Duchampiano] es la imagen que da la publicdad, pues la traduce al lienzo: la dibuja con esos contornos
limpios, y parodia el expresionismo abstracto americano en esta parte. Posteriormente hace una nueva versión mucho
más limpia [Large Coca-Cola 1960], la cual está pintada.

Otro de los temas recurrentes de nuestro artista tiene que ver con los cambios, que tiene que ver con su vida. Un ejemplo
es Advertisement, 1960. Sigue la misma estrategia: recoge la imagen de un anuncio, no los acaba pues tiene la finalidad
de que el espectador intervenga.

Otro tipo de anuncios como Before & After, 1961. Que enseña el antes y después de una rinoplastia.
30
Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX
The Broad Gave Me My Face, But I Cab Picl…ligada con la idea de la imagen, sienod estde un atorretrato.

Será uno de los artistas mas representados, junto con Picasso y Dalí. Otra foto de Warhol es Fotografía de Pasaportek,
ha construido su propia imagen.

La idea de superhéroe o de cómic: decide que el cómic no es lo suficientemente original por ello lo abandona, por su
escasa originalidad. Pero siempre son personajes, o personajes que tienen dos caras.

Al princiupio a Warhol le costó entrar en el circuito artístico, pues su propia imágne hacia que no se le considerara a su
persona como un proyecto eficaz. El trabajaba como escaparatista para unos grandes almacenes, los Bonwitt Teller. La
primera exposición que hace de estas obras las hace en un escaparate [lugar que te obliga a desear aquello que está
expuesto] por lo que lo hace de una manera muy consciente.

La primera vez que expuso Campbell’s Soup Cans, 1961-62. Lo que trata de representar es una imagen fiel. Cada una
tiene un sabor distinto. La idea de homocidad está muy presente en toda la proyección warholiana. Siempre se ha dicho
que dichas latas de sopa están inspiradas en Painted Bronze de Jasper Johns, 1960. Siempre se ha dicho que W
reaccionó ante_,. Cuando expone su obra de las sopasen Los Ángeles, decide poenrlas en línea sobre yna estantería,
remediando lo que las latas están en un supermercado: la galería de arte se convierte en una suerte de supermercado.

[Marilyn Monroe’s lips, 1962] La transcripción de la publicidad y de los anuncios, de la mano con lo de traspadasr la
imagen a la superficie del lienzo (serigrafía). Permitió la frialdad, no tomar posición. Pero Warhol, que tenia dinero al
ser un publicitario de éxito, fue capaz de llevar a la industria este tipo de imágenes. Sin embargo, decide hacerlo en su
estudio. El mismo genera el mito de que él no intervenía en sus obras, sino sus asistentes. Sin embargo, él sí que tomaba
decisiones. Elegía los colores, las distancias no son iguales.

Hace homenajes a otros artistas: Andy Warhol en la Factory, 1965-7, por Jon Naar. Warhol se convirtió en una persona
que ocasionaba encuentros, como vemos en La Factory, donde asistía desde famosos hasta vagabundos de la calle. Era
el lugar de encuentro y lugar de estudio.

El mismo se convierte en una celebridad, se contagia del glamour de aquellas estrellas de Hollywood. En este momento
se celebran los Celebrity Studies. Warhol se convitió en ese tipo de persona que _ trabaja convirtiendo personas en
estrellas del cine.

Su producción decide hacer cine. Llegó a ser tan célebre, que en algunas de sus celebraciones, tuvieron que retorar las
obras de las salsas por cuestiones de seguridad, pues había fanáticos de Warhol a quien querían ver antes que las obras.
Convertir en una suerte de obra de arte la imagen de Warhol.

Juega con sus propia imagen, como hacen las celebridades. Y en un ciclo de conferencias él iba con su asistente, se
sentaban y Warhol no abría la boca y era el asistente quien hablaba. Jugaba tambien al despiste, por ejemplo, cuando le
invitaron a ese circuito de conferencia por los College, le pidió que se tiñería el pelo de platino y él iba dando las
conferencias hasta que uno de los integrantes se diera cuenta [es la idea del doble].

Empieza a pintar flores, una temática asociado a lo femenino. No son representaciones naturalistas de las flores, sino
que juega con colores artificiales como vemos en Ten Feet Flowers, 1964.

El autorretrato es muy común, como vemos en Autorretrato, 1964/1967, esta ultima hizo lo mismo con Liz Taylor, MM,
o JK, un color que simboliza una cosa, los colores plásticos, o colores artificiales.

En un momento determinado dice que deja de pintar. Logra pintar y triunfar con ese modelo de artista estrella o
celebridad. Warhol logra exponer en la Galería de Leo Castelli, la más importante de Nueva York. La 2º exposición que
hace en Castelli, representa unos globos volando, como si se hubiese trasladado objetos de La Factory, o como su la
pintura comenzó a volar, generando una escenografía. Además de que el espectador podía intervenir. Convirtió la pintura
en algo decorativo. Lo vemos en Cow Wallpaper en Leo Castelli, con la idea de patron. Comenzó a trabajar en La
Factory y contribuye a crear un grupo llamado Velvet Unde

31