Disidencias en la mirada dominante.

Estética e historia del arte I

Profesor: Claudio Pereira

Nombre: Katherinne Paris
Introducción.

En este trabajo escrito tomaremos el concepto “construcción de la mirada” y lo

definiremos a partir de los conceptos nacidos en el mundo clásico y griego. Veremos
como influyeron en esta nueva mirada, el nacimiento de nuevos conceptos y nuevas
visiones del arte y como esto desarrollo lo que conocemos como Manierismo y Barroco.

Lo haremos a través de 9 obras que correspondan a los términos Barroco, Manierismo y a

lo que consideramos como mirada dominante. Complementaremos con los textos de
Gombrich, Umberto eco y Regis Debray. Cada obra será analizada y entrelazada con el
tema a discutir en este trabajo y también puede contener apreciaciones propias.

¿Pero a que nos referimos con la expresión de “Mirada dominante”?

En el siglo XIV los primeros exponentes de esta nueva mirada decidieron tomar conceptos
de belleza extraídos de la visión griega y romana en el siglo tanto. Estos conceptos de
belleza comenzaron una nueva línea en el arte, el Renacimiento.

No había obra, ya sea pintura, figura o hasta un escrito que no se guiara a través de estos
cánones, por lo que podemos lo podemos denominar regente o dominante. Esta mirada
de lo que sería la belleza, el método y el arte en si se basan en los conceptos del mundo
clásico.

“No existe ningún cuerpo vivo tan simétrico, tan bien construido y bello como los de las
estatuas griegas.” (Gombrich, 1950)

Es en esto en lo que se basó el renacimiento, enfocándose en esta belleza, la cual no

esta de más decir nació retocada, no hubo figura ni estatua que no fuera basada en un
cuerpo real, pero con las modificaciones que el artista considero pertinentes para lograr la
perfección a esos ojos.

Podemos decir que los conceptos claves para el renacimiento y su mirada fue separarse
del clasicismo en lo que veíamos gótico y recuperar el arte de la antigüedad, trayéndolo a
través de la reinterpretación de obras antiguas o basando obras nuevas en ellas. El
interés en la figura humana, para lo cual muchos de los exponentes en esos años
estudiaron no solo para pintar, sino que también se volcaron en el estudio de las ciencias
anatómicas y las matemáticas para poder crear con el mayor realismo posible.
 El místico matrimonio de santa catalina.

Echo por Benozzo Giozzoli, pintor nacido en Florencia en el año 1420 fue un gran
exponente en los principios del renacimiento, sus obras siempre caracterizadas por
detalles y toques realistas dentro de las representaciones de la naturaleza, así como de
las figuras humanas. La gran mayoría de sus obras se compone en pinturas de historias
religiosas y bíblicas.

A pesar de que en el renacimiento los artistas intentaban alejar sus realizaciones de las
obras netamente religiosas, no significa que se apartaran de la creación de estas, sino
mas bien incorporar los principios renacentistas en estas pinturas o figuras para crear
acercándose más al antiguo arte.

El místico matrimonio de santa catalina fue creado en el año 1495 aproximadamente, es

una pintura perteneciente al renacimiento temprano o Quattrocento. En este año Gozzoli
ya estaba en edad avanzada y dependía de asistentes para terminar sus diseños, eso no
era impedimento para que sus obras siguieran teniendo su característico toque.
Podemos preguntarnos por qué la elección de esta obra y que es lo que podemos ver
como dominante.

Si nos fijamos en los rostros de las mujeres en la obra (las cuales son María magdalena,
virgen María, Santa Úrsula y Santa Agnes) sus facciones y características físicas son muy
parecidas entre ellas, con aspectos marcados de los que se consideraba como cuerpos o
rostros ideales, simétricos, muy arraigado con los conceptos del mundo clásico.

Podemos notar direccionalidad en las miradas lo que da una geometría identificable en el

cuadro, notando las líneas de perspectiva entre las miradas de las mujeres para identificar
el centro, los ángeles y los personajes que están por debajo de la pintura principal.

Parte del echo de que esta pintura pertenezca a la mirada dominante es el echo de que
su realización esta basada es una visión de la belleza muy particular que proviene de lo
que consideraban como “perfecto” y que sentó las bases de la belleza hegemónica, así
como la historia representada se basa en una religión dominante para ese entonces que
procuraba perdurar.
 La sagrada familia

Creada por Miguel Ángel en el año 1504 para el mercante Angolo Doni, es la
representación de la “santa familia” compuesta por la virgen María, José y el niño Jesús.

Una obra controversial de la época pero que no por eso se aleja de su propio movimiento.
Vemos las bellezas clásicas en los cuerpos del hombre en la parte de atrás del cuadro,
donde todos posan de distintas maneras mostrando las diferentes formas de estos
cuerpos estéticamente bien construidos y simétricos.

Figuras siendo retratadas casi posando también era algo muy característico para el
movimiento renacentista, esto lo puedo dilucidar como una forma de ayuda para exponer
estas figuras y sus patrones de belleza.

En el centro vemos atípicamente a la virgen maría, José y el niño, los vemos como casi
cercanos, reales. Una madre y un padre tratando de lidiar con un niño pequeño. Algo muy
característico del humanismo, traer un poco a la realidad a personajes que sus historias
se alejan bastante de lo cercano a lo humano.

Esta es una obra que pertenece al “Alto renacimiento” o Cinquecento.

 La virgen del canónigo Van der Paele

Pintura echa por Jan Van Eyck en el año 1434 aproximadamente, es una obra que se
caracteriza por su gran y minucioso detalle. No solo vemos el detalle en los objetos y
ropajes, sino que en la gran dedicación al realismo de la pintura que es el gran destacable
para su movimiento.

El realismo de los rostros permite identificar a sus protagonistas y también sus

vestimentas ayudan a cada personaje del cuadro.

La composición muy simétrica, los colores ayudan a esa simetría, a no sobrecargarse par
ningún lado a pesar de que en el lado izquierdo vemos a una figura y en la derecha dos,
pero todo equilibrado para que su centro no se pierda.

Estas tres obras pertenecientes a la mirada dominante tienen una correlación en las
historias que cuentan, todas representaciones del pensamiento dominante, la religión
regente, pero cada una contiene su propia forma de contarla y de a través de la obra
mostrar mucho más, mucho mas de que solo un encargo de la iglesia o un empresario
católico, sino que hay un pensamiento detrás.

Podemos notar como se va dejando la era del ídolo.

El Manierismo o renacimiento tardío, intenta ir en contra de los conceptos con los que
comenzó el renacimiento, que era volver a la vida los conceptos griegos y romanos del
mundo clásico, este ultimo punto del renacimiento buscaba todavía el gran detalle, como
en su principio, pero fueron a través de las exageraciones y la búsqueda de su propia
perspectiva del realismo que comenzaron a crear.

Como índice de que se impulsó a esta última parte del renacimiento a ser un movimiento
único, fue la forma disidente de los artistas al crear. ¿Y por qué decimos disidente? Por
qué

iba en contra de los cánones erigidos por la mirada dominante en los inicios del
renacimiento, creando bajo su propia mirada de lo bello y lo real.

El soplón

Fue pintado en el año 1572 por El Greco, pintor importantísimo de la época y de este
movimiento en particular. En este retrato podemos apreciar el acertado uso de la luz y
como a través de este podemos dar con los detalles del movimiento, los cuales nos
muestran una imagen muy acertada y real de un muchacho encendiendo lo que sería un
fosforo para nosotros en la actualidad.
 The vestal virgin tuccia

Esta pintura fue echa por Giovanni Batista Moroni, pintor italiano que realizaba mas que
nada retratos, este especialmente sobresale de sus pinturas pues esta basado en una
historia de la roma antigua, una característica muy propia del renacimiento el traer
historias o personajes del mundo clásico para insertarlos en su presente.

Lo que hace pertenecer a esta pintura al manerismo no solo el año en el que fue echa
(1555 aprox) sino que la forma en que retrata a la protagonista de la historia. La posición
de las extremidades flectadas de una forma que no demuestra una gracia como la del
quatroccento, sino para demostrar fuera o movimiento y no una pose en sí. La
exageración de los cuellos y los músculos también aluden mucho al movimiento
manerista.
El barroco es lo que vino después del renacimiento, tiene bases del renacimiento
provenientes del manerismo más que desde sus inicios, busca alejar las concepciones de
belleza extraídas del mundo clásico. Este movimiento buscaba alejarse lo mas posible de
la concepción de la belleza y estilización utilizada en el Quatroccento, para hacer esto lo
hizo a través de la representación de su contexto histórico, la vida se fue volviendo oscura
y sus representaciones también.

Pero no solo eso, sino que el pintar un suceso ya no podía ser simplemente el hecho sino
también lo que se sentía, se comenzaron a representar emociones, lugares, personas y
hechos como si hubieran estado congelados en el tiempo.

Del manierismo extrajeron la forma exagerada de representar, pero la llevaron más allá de
los limites renacentistas y jugaron con lo descubierto por los maestros en los años
anteriores, jugando con la luz, colores y profundidades para los miramientos
característicos del Barroco.

Cupid as victor

Cupid as victor o el cupido victorioso es una pintura realizada por Michelangelo

Caravaggio en el año 1601 aproximadamente, Caravaggio era un pintor italiano
caracterizado por la utilización del claroscuro, una técnica que juagaba con oscurecer las
partes que ya estaban oscuras y traslucidar lo iluminado creando una visión casi de
tercera dimensión en sus pinturas lo que aportaba realidad a sus obras de una manera en
que no muchos artistas pudieron lograr, esta técnica y la utilización de este tipo de colores
logro ser algo característico de la época.

Vemos en esta pintura la utilización de esta técnica y lo que aporta a la figura de cupido,
también nos podemos fijar en las emociones en el rostro del sujeto y la posición de su
cuerpo que claramente no es una posición ni natural ni cómoda, otras características de
este movimiento.

The procuress

Pintura realizada por el pintor Gerard van Hontrost en el año 1625, la técnica del
claroscuro se puede ver aquí también pero no tan definidamente como en Caravaggio,
pero si hay que reconocer un gran juego de luces y sombras, como la que podemos en el
instrumento que porta la joven en la pintura. Las expresiones y el suceso que esta siendo
representado es algo que lo asocio al barroco por las emociones reflejadas y por qué
jamás veríamos a una mujer o señora con desperfectos en el rostro en la época del
renacimiento.

El echo de que se esté retratando una situación indecorosa para la época como la
prostitución también es algo destacable del movimiento, el querer reflejar la realidad tal
cual como es y no solo la visión atrayente para la burguesía, lo que trae al movimiento en
el rasgo de lo Disidente. Podemos decir que el Barroco es el que mas se acerca de los
tiempos estudiados en este trabajo a las obras disidentes por ser un gran persecutor de
retratar la realidad que no quiere ser mirada y la que mas se aleja de los cánones de
belleza grecorromanos.
 The bitter potion

Creada por Adrien Brouwer en el año 1640, fue creada en los últimos años como artista
de Brouwer. El detalle con el que se enfoca el artista en retratar la expresión es notable,
no podemos no entender su condición de disgusto y desagrado, es claramente un
momento congelado. Muy distinto a los rostros pasivos, largos y neutros del renacimiento,
este rostro nos muestra una visión de lo que socialmente importaba en ese momento,
dejando atrás las visiones de adoración a una divinidad o de descubrimiento del
humanismo mismo, ahora habían cosas que decir, cosas que expresar, un mundo que
comunicar, un mundo que estaba viviendo un sinfín de sucesos, entre guerras, pestes y
reformas, ya no se pensaba en idealizaciones y estándares de belleza sino que todo se
volcaba a un pensamiento, a lo colectivo y la realidad.
Bibliografía

Gombrich, E. (1950). la historia del arte. Londres: phaidon.

Linkografía

- El Místico matrimonio de santa catalina:

https://artsandculture.google.com/asset/the-mystic-marriage-of-st-catherine-
workshop-of-benozzo-gozzoli/0wHRPXYIV4JEcQ
- La sagrada familia: https://www.visituffizi.org/es/obras-de-arte/el-tondo-doni-de-
miguel-angel/
- La virgen del canónigo Van der Paele: https://www.artehistoria.com/es/obra/virgen-
del-can%C3%B3nigo-van-der-paele
- El soplón: https://www.todocuadros.cl/el-greco/soplon.htm
- The vestal virgin tuccia: https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/giovanni-
battista-moroni-the-vestal-virgin-tuccia
- Cupid as victor: https://artsandculture.google.com/asset/cupid-as-victor-
caravaggio/HQEQJRFURFe4qg
- The Procuress:
https://artsandculture.google.com/story/venal-love-the-procuress/hAJCD2TirXbAK
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- The bitter potion:
https://www.artble.com/artists/adriaen_brouwer/paintings/the_bitter_potion
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