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DIOS SALVE EL PUNK.

UNA APROXIMACIÓN A LA
REPRESENTACIÓN GRÁFICA DEL PUNK.

Trabajo de Ania Samira Blanco Diego.

Tutor: Jose Antonio Marcos Botella.

Departamento de Proyectos.
Escuela Superior de Dseño
de la Región de Murcia.

Curso 2022-2023
2 3

DIOS SALVE EL PUNK.

UNA APROXIMACIÓN A LA
REPRESENTACIÓN GRÁFICA DEL PUNK.

Trabajo de Ania Samira Blanco Diego.

Tutor: Jose Antonio Marcos Botella.

Departamento de Proyectos.
Escuela Superior de Dseño
de la Región de Murcia.

Curso 2022-2023
4 5

ÍNDICE

I. PLANTEAMIENTO. 7
1.1. Definición del área de investigación.
1.2. Objetivos del trabajo de investigación.
1.3. Diseño de investigación. Álbumes punk y su estética.

II. EL PUNK: INICIOS ANTECEDENTES E INFLUENCIAS. 21

2.1. Antecedentes.
2.2. El inicio del punk.
2.3. Impacto del punk en la sociedad.
2.4. Impacto en el diseño.
2.5. Diseñadores a destacaar.
2.6. Evolución del diseño punk.

III. PUNK, MÚSICA Y DISEÑO EN LA ACTUALIDAD. 43

3.1. Música punk en el presente.
3.2. El concepto punk en la actualidad.
3.4- El pop-punk. Derivaciones y adaptaciones.
3.3. Diseño punk en la era tecnológica.

IV. ANÁLISIS DE CASOS. 55

4.1. La élite.
4.2. La plata.
4.3. La paloma.
4.4. Se ha perdido un niño.
4.5. VVV [Trippin’you].
4.6. Depresión Sonora.

V. CONCLUSIONES. 69

VI. BIBLIOGRAFÍA. 73
6 7

I. PLANTEAMIENTO.
8 9
DEFINICIÓN DEL ÁREA DE INVESTIGACIÓN.

La presente investigación tiene como objetivo

estudiar el diseño gráfico en la música punk y su
influencia en la sociedad. El diseño gráfico en la música
punk es un campo artístico que se ha desarrollado
y evolucionado desde el surgimiento del punk en la
década de 1970, como parte de una revolución cultural
y artística que tuvo lugar en ese momento.

El punk se caracterizó por su rechazo a las convenciones

sociales y artísticas establecidas, y por su compromiso
con la autenticidad, la libertad y la expresión personal.
En este contexto, el diseño gráfico en la música punk
se convirtió en una herramienta fundamental para
la comunicación y la expresión de los valores y la
ideología de la cultura punk, y para la creación de una
estética propia y distintiva.
Como movimiento social y cultural, tuvo una gran
influencia en la sociedad, particularmente en lo que
respecta a la política, la moda, la cultura juvenil y la
música.
Fue un movimiento transgresor que desafió los valores
y las normas sociales establecidas, y que representó
una alternativa a la cultura dominante de la época.
Además, el punk tuvo un impacto significativo en la
escena musical, al introducir una estética y un sonido
nuevos y distintivos, y al influir en otros géneros
musicales como el hardcore punk, el post-punk y el
new wave.

A través del análisis de las principales tendencias,

los artistas y los movimientos del diseño gráfico en la
música punk, así como de la revisión de la literatura
existente en este campo, se busca comprender la
importancia del diseño gráfico en la música punk y su
papel en la creación de una identidad y una estética
punk distintiva, así como su influencia en la cultura
popular y en la sociedad en general.

Por lo tanto, esta investigación busca explorar el diseño

gráfico en la música punk y su relación con la cultura
punk, y su impacto en la sociedad y en la revolución
cultural y artística que supuso el punk.
10 11
OBJETIVOS DEL TRABAJO DE INVESTIGACIÓN.

Los objetivos a desarrollar en este trabajo son:

Analizar la evolución del diseño gráfico en

la música punk, identificando sus características
distintivas y su impacto en la cultura visual.

Investigar la relación entre la música punk y el

diseño gráfico, y cómo esta relación ha influido en la
creación de la estética punk.

Estudiar el papel del diseño gráfico en la

construcción de la identidad y la subcultura punk,
y cómo ha sido utilizado como una herramienta de
protesta y resistencia contra las normas sociales y
culturales establecidas.
12 13
OBJETIVOS DEL TRABAJO DE INVESTIGACIÓN.

El objetivo del trabajo de investigación es

analizar sobre el punk y su impacto tanto en la
sociedad como en el ámbito gráfico de la música.
Ello nos dará los principales problemas que pueden
recurrir al realizar una gráfica para un grupo de punk
en la actualidad, y con ello las posibles soluciones.

Para ello, se realiza un análisis cualitativo de todos

los antecedentes que rodean el punk, su música, su
estética y, sobre todo, los principales álbumes que
representan este movimiento.

Al ser un movimiento el cual no solo se centra en la

música sino que, además, incluye influencias de carácter
social, político y artístico, nos permitirá entender mejor
toda esa burbuja punk, toda la importancia e impacto
que ha tenido a lo largo de la historia, para ello se hará
una investigación la cual emplea fuentes primarias y
secundarias.

Este trabajo de investigación nos ofrece todo el contexto

necesario para poder establecer unas bases en el área
de diseño y entender mucho mejor recursos utilizados.
14 15
DISEÑO DE INVESTIGACIÓN. ÁLBUMES PUNK Y SU ESTÉTICA.

“Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex

Pistols” (1977).

Diseñador: Jamie Reid.

El icónico álbum debut de los Sex Pistols,

es una obra maestra del diseño gráfico
punk. Con su uso de imágenes llamativas
y tipografía impactante, Reid creó un estilo
gráfico que se convirtió en un sello distintivo
del punk.

“London Calling” (1979).

Diseñador: Ray Lowry.

El tercer álbum de The Clash presenta una

fotografía de Paul Simonon destrozando
su bajo en el escenario, una imagen que se
convirtió en un icono del punk. El diseño
gráfico del álbum es una mezcla de elementos
del punk, el reggae y la cultura pop.

“Fresh Fruit for Rotting Vegetables” (1980).

Diseñador: Winston Smith.

El primer álbum de Dead Kennedys,

presenta una portada con una imagen
icónica y provocativa diseñada por Winston
Smith. La imagen presenta un collage en
blanco y negro de varios elementos que
representan la decadencia y la corrupción de
la sociedad. Hay una imagen central de un
edificio gubernamental en llamas, rodeado
de billetes de dólar, armas, un cerdo con
corbata y un crucifijo.
16
“Zen Arcade” (1984).
Diseñador: Grant Hart,
El cuarto álbum de Hüsker Dü, presenta
una portada de estilo collage que refleja la
energía y el caos del punk. El diseño gráfico
del álbum es una mezcla de elementos del
punk y la cultura pop.
“Raw Power” (1973).
Diseñador: Mick Rock.
El tercer álbum de The Stooges, presenta
una portada en la que Iggy Pop aparece con
una chaqueta metálica brillante y la palabra
“Raw” en letras grandes. El diseño gráfico
del álbum es un ejemplo temprano del estilo
punk y ha influido en el diseño gráfico de
muchas bandas posteriores.
“The Ramones” (1976).
Diseñador: Arturo Vega.
El álbum debut homónimo de The Ramones,
presenta una imagen icónica de la banda en
blanco y negro. El diseño gráfico del álbum
es una representación visual de la estética
minimalista y sin pretensiones del punk.
17
“The Clash” (1977).
Diseñador: Ray Lowry.
El álbum debut homónimo de The Clash,
presenta una portada con una fotografía
de la banda en blanco y negro, rodeados de
letras en diferentes colores.
“Damaged” (1981).
Diseñador: Henry Rollins.
El álbum debut de Black Flag, diseñado
por el vocalista de la banda, Henry Rollins,
presenta una portada minimalista con la
palabra “Damaged” en letras grandes. El
diseño gráfico del álbum refleja la agresividad
y la intensidad del punk hardcore.
“Substance” (1987).
Diseñador: Peter Saville.
Un álbum recopilatorio de Joy Division,
presenta una portada minimalista con la
palabra “Substance” en letras grandes,
en una tipografía similar a la utilizada en
los anuncios publicitarios de la década
de 1950. El diseño gráfico del álbum es
una representación visual del legado y la
influencia de Joy Division en la música punk
y post-punk.
18
“Horses” (1975).
Diseñador: Robert Mapplethorpe.
Álbum de Patti Smith. La portada del álbum
“Horses” fue diseñada por el fotógrafo
Robert Mapplethorpe, quien también fue
pareja de Patti Smith en ese momento. La
icónica imagen en blanco y negro de Patti
Smith mirando directamente a la cámara se
convirtió en una representación icónica de la
energía y el estilo de la escena punk.
“Fun House” (1970).
DIseñador: Joel Brodsky.
De The Stooges. La imagen muestra a los
miembros de la banda en un estado de
frenesí, capturando la energía cruda y caótica
del sonido de The Stooges.
“Plastic Surgery Disasters” (1982).
De Dead Kennedys: La portada del álbum
fue diseñada por Winston Smith, quien
también colaboró en otras portadas de
Dead Kennedys. La imagen muestra una
cirugía plástica distorsionada y grotesca,
reflejando la crítica del álbum a la cultura de
la apariencia y la sociedad consumista.
19
“Parallel Lines” (1978).
Diseñador: Frank Duarte.
Álbum de Blondie. La imagen presenta una
fotografía del grupo con un efecto de líneas
paralelas, que le da un aspecto dinámico y
moderno. Este álbum fue uno de los más
exitosos de Blondie y ayudó a consolidar
su estatus como una banda influyente en la
escena punk y new wave.
“Group Sex” (1980).
Diseñador: Raymond Pettibon.
Es un álbum de Circle Jerks, emblemático
del punk hardcore. Con canciones cortas y
rápidas, letras directas y un sonido crudo, el
álbum captura la energía y la actitud rebelde
del punk de la costa oeste de Estados Unidos.
“Walk Among Us” (1982).
Diseñador: Doyle Wolfgang von
Frankenstein.
Este álbum de Misfits es una mezcla única de
punk rock, horror y referencias a películas
de serie B. El diseño gráfico del álbum fue
realizado por el guitarrista y miembro
fundador de la banda, Doyle Wolfgang von
Frankenstein. Doyle es conocido por su
habilidad como músico y también por sus
contribuciones al diseño gráfico y estético de
Misfits.
20 21

II. EL PUNK: INICIOS, ANTECEDENTES E INFLUENCIAS..

22
ANTECEDENTES.
“Los Stooges fueron una de
las principales influencias del
punk rock, tanto por su sonido
duro y abrasivo como por la
actitud nihilista y provocativa
de su líder, Iggy Pop”. Simon
Reynolds,“Rip It Up and Start
Again: Postpunk 1978-1984”.
“El punk heredó el legado
del movimiento hippie y lo
transformó en una cultura más
agresiva y confrontacional, que
rechazaba el optimismo y la
utopía del movimiento hippie y
abrazaba el nihilismo y la vio-
lencia como medios para cues-
tionar el sistema”. Dick Hebdig,
“Subculture: The Meaning of
Style”,
“El punk y el movimiento skin-
head compartían una actitud
militante y una estética distinti-
va, que representaba una alter-
nativa a la moda convencional
y a la cultura pop dominante”.
George McKay, “Senseless Acts
of Beauty: Cultures of Resistan-
ce Since the Sixties”.
23
El punk se caracterizó por su actitud nihilista,
su rechazo a las convenciones sociales y culturales
establecidas, y su compromiso con la autenticidad,
la libertad y la expresión personal. Para entender las
raíces del movimiento punk es necesario remontarse
a varios antecedentes culturales y musicales que lo
precedieron.
Uno de los antecedentes del punk fue la escena musical
underground de Nueva York de finales de los años 60
y principios de los 70.
La música de bandas como The Velvet Underground
y The Stooges se caracterizaba por su sonido crudo
y experimental, y por su actitud anticomercial y
contracultural. Otro antecedente importante del punk
fue el movimiento hippie de los años 60. Si bien el
movimiento hippie promovía la libertad, la igualdad
y la paz, también se había comercializado y cooptado
por la industria cultural y la sociedad de consumo.
El punk reaccionó contra esta cooptación del
movimiento hippie y propuso una alternativa más
radical y auténtica. Además, el punk también se
vio influido por la música reggae de Jamaica y el
movimiento skinhead de Reino Unido. La música
reggae, con su ritmo sincopado y sus letras sobre la
lucha contra la opresión, conectó con el sentimiento
de rebelión y resistencia del punk. Por su parte, el
movimiento skinhead surgió en los años 60 como una
subcultura de jóvenes obreros y adoptó una estética
distintiva basada en la moda y la música jamaicana. A
pesar de que algunos grupos skinheads se asociaron
con la violencia y el racismo, la mayoría rechazaba
estas actitudes y abrazaba una identidad de clase y
solidaridad.
En resumen, los antecedentes del movimiento punk
incluyen la escena musical underground de Nueva
York, el movimiento hippie, la música reggae de
Jamaica y el movimiento skinhead de Reino Unido.
Estos antecedentes contribuyeron a la creación de una
cultura punk distintiva y transgresora que se convirtió
en un fenómeno global en la década de 1970 y que
sigue teniendo un impacto significativo en la cultura
popular y la sociedad en general.
24 25
EL INICIO DEL PUNK.

El diseño gráfico en la música punk se originó

a finales de la década de 1970, en un momento en que
el punk estaba en su apogeo como un movimiento
contracultural en el Reino Unido y en Estados Unidos.
A menudo, el diseño gráfico punk se caracterizaba por
ser crudo, espontáneo y antiestético, en contraposición
a las normas de la estética tradicional.

El diseño gráfico en el punk tuvo una influencia

significativa en el desarrollo del diseño gráfico en
general, y ha sido reconocido por su innovación y
originalidad en la forma de abordar el diseño visual.
Algunas de las técnicas que se popularizaron en el
diseño gráfico punk incluyen el collage, la tipografía
experimental, la iconografía y los mensajes políticos y
sociales.

El diseño gráfico en el punk es un tema amplio y

complejo que ha evolucionado a lo largo de los años
y ha sido influenciado por diversos factores culturales
y políticos.

En sus inicios, el diseño gráfico punk se caracterizó por

ser crudo, espontáneo y antiestético, en contraposición
a las normas de la estética tradicional. Los artistas y
diseñadores punk utilizaron técnicas como el collage,
la tipografía experimental, la iconografía y los mensajes
políticos y sociales para crear un estilo visual distintivo
que reflejara el espíritu rebelde y contestatario del
movimiento punk.

Uno de los aspectos más interesantes del diseño gráfico

punk es su relación con la música. Los primeros carteles
y portadas de álbumes punk eran a menudo simples
y directos, con tipografía cruda y colores primarios,
diseñados para atraer la atención y comunicar el
mensaje de la banda de manera clara y concisa.

Las portadas de los álbumes de los Sex Pistols, como

“Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols”
(1977), son un ejemplo clásico de este estilo gráfico
punk.

Además de los carteles y las portadas de los álbumes,

los fanzines fueron otro medio importante para la
difusión del diseño gráfico punk. Estos pequeños
periódicos autogestionados se convirtieron en una
26
IMPACTO DEL PUNK.
plataforma para la expresión artística y política de la
escena punk underground, y presentaron una gran
variedad de estilos y técnicas de diseño gráfico. La
revista británica Sniffin’ Glue, fundada por Mark Perry
en 1976, es uno de los ejemplos más conocidos de este
tipo de publicación.
Otro aspecto importante del diseño gráfico punk es
su compromiso político y social. Muchos diseñadores
punk utilizaron su trabajo para abogar por causas como
los derechos civiles, el antirracismo y el feminismo. En
los años 80, el diseño gráfico punk se fusionó con el
movimiento por la justicia social y la lucha contra el
sida, y produjo carteles y otros materiales para eventos
y manifestaciones políticas.
En resumen, el diseño gráfico punk se originó en un
momento de cambio social y cultural en la década de
1970, y se convirtió en una forma de expresión artística
y política para la escena punk. A través de su estilo
crudo y antiestético, el diseño gráfico punk ha influido
en el desarrollo del diseño gráfico en general y ha
dejado una huella duradera en la cultura visual.
27
El punk ha tenido un impacto significativo en la
cultura popular y la sociedad en general desde su
surgimiento en la década de 1970. A continuación, se
detallan algunas formas en las que el punk ha influido
en la cultura contemporánea:
En la música: El punk ha sido una gran
influencia en la música contemporánea y ha dado lugar
a numerosos subgéneros como el hardcore punk, el
punk rock melódico y el punk pop. Artistas y bandas
como Green Day, The Offspring, y Blink-182, entre
otros, han sido influidos por el punk y han llevado su
música a nuevas audiencias.
En la moda: El estilo punk ha influenciado la
moda contemporánea, desde la ropa hasta el peinado
y el maquillaje. Los elementos de la moda punk, como
los pantalones ajustados, las chaquetas de cuero, las
botas con hebillas y los cabellos teñidos, siguen siendo
populares hoy en día.
En la política: El punk ha sido un medio
para la expresión política y social, y ha inspirado a
personas a tomar medidas en contra de la opresión y
la injusticia. El punk ha tenido un papel importante
en movimientos sociales, como el movimiento por
los derechos LGBTQ+, la lucha contra el racismo y la
xenofobia, y la defensa de los derechos de los animales.
En el arte y el diseño: El punk ha influido en
la estética visual contemporánea, desde el diseño
gráfico y la publicidad hasta la moda y la arquitectura.
Los diseños punk se han vuelto icónicos y se han
convertido en una parte integral de la cultura visual.
En la actitud: La actitud punk, que se
caracteriza por ser rebelde, independiente y crítica con
la autoridad, ha inspirado a generaciones de jóvenes
a cuestionar el statu quo y a buscar nuevas formas de
expresión y creatividad.
En resumen, el punk ha tenido un impacto duradero
en la cultura contemporánea, y su legado continúa
inspirando a nuevas generaciones de artistas, músicos
y activistas en todo el mundo.
28
IMPACTO EN EL DISEÑO.
En el campo del diseño, el punk ha tenido un
impacto significativo desde sus inicios. El diseño
punk se caracteriza por su estética cruda, agresiva
y antiestablecimiento, y ha sido una influencia
importante en el diseño gráfico y la publicidad.
En los inicios del punk, los diseñadores utilizaron
técnicas de collage, fotocopiado y serigrafía para
crear carteles, portadas de álbumes y fanzines. Estos
diseños se caracterizaban por su estilo DIY (hazlo tú
mismo), con letras y dibujos hechos a mano, recortes
de periódicos y revistas, y fotos en blanco y negro.
El diseño punk también se caracteriza por el uso de
símbolos y tipografía impactantes, como la tipografía
sans-serif en negrita, las calaveras, las estrellas, las
anarquías, las cruces y otros elementos que representan
la rebeldía y la subversión.
El legado del diseño punk se puede ver en la estética
gráfica contemporánea, en el diseño de carteles,
portadas de álbumes y publicidad. Las técnicas de
impresión y las técnicas DIY siguen siendo populares
en el diseño gráfico, y la estética punk sigue inspirando
a diseñadores de todo el mundo.
29
Los recursos gráficos más utilizados que encontramos
son los siguientes:
Copia y pega: la apropiación de imagen.
“La estrategia visual de apropiación, el acto de tomar
prestadas imágenes preexistentes, se convirtió en algo
emblemático del arte contemporáneo a finales de los
años setenta y ochenta. (...) Estas fuentes baratas y
comunes permitieron un fácil acceso, no solo para los
artistas, pero también para la miríada de diseñadores
de gráficos punk.” Andrew Blauvelt.
Muchos de los diseños más memorables del punk
utilizan la estrategia visual de apropiarse de imágenes
ya existentes. Imágnes de periódicos, libros televisión o
películas, lo cual las convierte en recursos memorables.
Muchos de los diseños más memorables del punk
emplean la estrategia visual de apropiación, dibujar
imágenes de periódicos, libros, televisión y películas.
Una técnica particularmente moderna, la apropiación
está asociada con varios movimientos artísticos del
siglo XX, como el dadaísmo y el surrealismo, así como
con el arte visual contemporáneo de la era punk. Jamie
Reid, quien creó muchos diseños punk icónicos para la
banda Sex Pistols, se sintió atraído por esta historia del
lenguaje visual como parodia y protesta.
En una entrevista, Jamie Reid, el diseñador de este
cartel, da su consejo para jóvenes creativos. Sus
sugerencias incluyen: destruir tu ordenador, tomar un
pincel, tener sentido del humor, aprender del pasado
y mirar hacia el futuro:
“Las ideas radicales siempre serán apropiadas por la
corriente principal. Mucho de esto tiene que ver con
el hecho de que el establecimiento y las personas con
autoridad en realidad carecen de la capacidad de
ser creativo. Roban todo lo que pueden. (...) Por eso
hay que seguir adelante haciendo cosas nuevas. (…)
Siempre hay que seguir adelante, seguir adelante y
seguir adelante.” Paul Moody, “Iconic Punk Artist
Jamie Reid Has Some Advice for Young Creatives”.
“La grafica punk es una cultura de “cortar y pegar”,
mediante la cual se encuentran, ensamblan y
transforman fragmentos de textos e imágenes en
una nueva obra. Armados con tijeras y pegamento,
los diseñadores punk rebuscaron en todos los libros,
revistas y periódicos que tenían a mano en busca de
nuevas fuentes.”Andrew Blauvelt.
30 31

Portada de Robin RIchards de Jamming!
11, enero 1981.
Portada del album London Calling de
The Clash, 1979.
DIY (do it yourself), zines y flyers.
Los fanzines fueron la expresión literaria y gráfica de
la música punk. Esta portada es de un popular fanzine
iniciado en 1977 por Tony Fletcher, un niño de trece
años inspirado en el punk rock londinense. El primer
número se imprimió en una fotocopiadora escolar,
con solo cincuenta copias hecha.
“El diseño de fanzines y flyers se basa en una noción
exaltada del aficionado. Derivado de su raíz latina
amator, que significa “amante”, la palabra está
conectada a la noción de amor y pasión, en lugar
de habilidad o dominio. En mucha música punk y
muchos gráficos punk, el aficionado reina supremo.
De hecho, una condición inversa de “descalificación”:
desaprender o suprimir activamente ciertas
habilidades profesionales, tanto musical y gráfica— a
veces era necesario para entrar en escena. Para punks
educados en casa, tal desaprendizaje era innecesario;
para el profesionalmente entrenado, sin embargo,
a menudo significaba romper las reglas después de
aprenderlas por primera vez.” Andrew Blauvelt.
Pastiche.
La portada del álbum de The Clash de 1979, London
Calling, imita las letras y el diseño del álbum debut de
Elvis Presley de 1956. Este es un ejemplo de pastiche,
un artístico obra realizada en un estilo que imita el de
otra obra, artista o período.
“El poster de The Clash, London Calling, presenta la
famosa fotografía tomada por Pennie Smith, el bajista
de Clash, Paul Simonon, golpeando su guitarra contra
el escenario, repetido veintiocho veces. La única
imagen, que aparece en el álbum. portada, ha sido
aclamada como quizás la más icónica de la era del
rock, capturando la naturaleza incontrolable y energía
frenética de la presentación en vivo de punk.” Andrew
Bauvelt.
Agitprop: poder para la gente.
Una mezcla de las palabras “agitación” y
“propaganda”, agitprop describe oficial formas
de persuasión utilizadas por los gobiernos,
particularmente los regímenes comunistas, para
influir en su ciudadanía. La era post-punk de la década
de 1980 comenzó a identificarse con determinadas
causas sociales y políticas progresistas, en reacción a
las políticas de El presidente estadounidense Ronald
Reagan y la primera ministra británica Margaret
Thatcher. Los músicos punk prestaron su apoyo a una
variedad de temas, incluidas las preocupaciones como
el abuso laboral y presos políticos, y causas de justicia
social, como los derechos de los homosexuales, el
movimiento antiapartheid (apartheid fue un sistema
de segregación racial en Sudáfrica y Namibia el cual
estuvo en vigor hasta 1992) y esfuerzos como Rock
Against Racism (rock contra el racismo).
“Una institución es la sombra alargada de una persona”
Bedtime for Democracy, Dead Kenned- Ralph Waldo Emerson en su ensayo “Self-Reliance”.
ys, LP poster, Winston Smith, 1986.
Comic relief (encontrar alivio con la comedia).
El punk es un movimiento nihilista, cínicos ante la
vida y escépticos respecto a las instituciones sociales.
Pero toda esta actitud seria y sombría se equilibra con
el humor negro, ingenio y sarcasmo.
Alfabetos excéntricos, la tipografía punk.
Los carteles punk reflejaban el estilo DIY (hazlo tu
mismo) que se encuentra en los fanzines y folletos,
como letras dibujadas a mano, tipografía con estilo
de nota de rescate y texto mecanografiado, a menudo
muy ampliado. Las normas de la tipografía tal como
habían evolucionado a lo largo de la historia rotas
conscientemente. Líneas de base desiguales, tipografía
dimensional, letras torcidas y al revés reflejaba una
actitud mucho más experimental. La gráfica punk
alteraron el rumbo del diseño gráfico borrando las
líneas entre profesional y aficionado trabajar. Si la
música punk exaltaba a los aficionados y sus talentos
no profesionales, entonces la la tipografía profesional
o entrenada de los diseñadores post-punk tendría que
ser no aprendido o sin esas capacidades.
Julia Gorton es conocida por sus fotografías en
blanco y negro crudas y sinceras de músicos y de
la escena punk del centro de Nueva York. En este
poster combinó una de sus fotografías con tipografía
clasica punk recortada. Su obra de épocas pasadas ha
recibido un nuevo reconocimiento gracias a su cuenta
de Instagram recientemente creada. En una entrevista
de 2017 con Garage, Gorton recordó la energía creativa
de la época: “Tú no necesitaba ser perfecto antes de
Orphans, Teenage Jesus and the Jerks,
empezar. Creo que es por eso que la gente reacciona
poster 45, Julia Gorton, 1978. ante tales un nivel emocional a gran parte de la música
y el arte de esa época.”
32 33
DISEÑADORES.

Algunos diseñadores importantes en la

historia del diseño punk, desde sus inicios
hasta la actualidad:

Peter Saville.
Reconocido diseñador gráfico británico
conocido por su destacado trabajo en la
escena punk y post-punk. Es especialmente
reconocido por su colaboración con la
legendaria banda Joy Division y su sello
discográfico Factory Records.
Saville se destacó por su enfoque innovador y
vanguardista en el diseño gráfico, rompiendo
con las convenciones establecidas y explorando
nuevas formas de expresión visual.
Sus diseños eran minimalistas, con una paleta
de colores sobria y un enfoque en la tipografía y
la composición. Utilizaba imágenes y símbolos
icónicos, creando una estética distintiva y
reconocible.

Su trabajo más famoso es la portada del álbum

“Unknown Pleasures” de Joy Division, que
presenta una gráfica en blanco y negro con
ondas de radio pulsar. Esta imagen se ha
convertido en un ícono del diseño y ha sido
ampliamente imitada y reinterpretada.
Además de su trabajo con Joy Division, Saville
también colaboró con otras bandas y artistas
como New Order, Roxy Music y Pulp, entre
otros. Su influencia en el diseño gráfico se
extiende más allá de la escena punk, y su
enfoque minimalista y estilizado ha dejado
una marca duradera en el campo del diseño
contemporáneo.

Peter Saville es considerado una figura

influyente en el diseño gráfico y su legado
perdura hasta el día de hoy. Su enfoque
innovador y su capacidad para capturar la
esencia de la música a través del diseño lo
convierten en una figura destacada en la
historia del diseño en la escena punk y post-
punk.
34
Jamie Reid.
Es un renombrado diseñador gráfico y
artista británico conocido por su destacada
contribución a la escena punk. Es
ampliamente reconocido por su trabajo en
el diseño gráfico del álbum “Never Mind
the Bollocks, Here’s the Sex Pistols” de Sex
Pistols, uno de los álbumes más influyentes
en la historia del punk. Reid creó una estética
visual distintiva y provocativa, utilizando
letras y tipografías audaces, collages de
imágenes y símbolos políticos para transmitir
mensajes subversivos y contraculturales.
El estilo de diseño de Reid es caótico, llamativo
y repleto de elementos gráficos impactantes
que desafían las convenciones. Sus obras
suelen combinar imágenes de consumo
masivo, símbolos políticos y culturales,
así como letras y mensajes políticamente
cargados. Su enfoque desafiante y su uso
innovador de la tipografía y el collage han
influido en generaciones posteriores de
diseñadores y artistas.
A través de su trabajo, Jamie Reid logró
capturar el espíritu rebelde y contestatario
del punk, transmitiendo mensajes de
disidencia, anti-establishment y anarquía. Su
contribución al diseño gráfico punk ha dejado
una huella perdurable en la cultura visual y
continúa siendo una influencia significativa
en el arte y el diseño contemporáneo.
Barney Bubbles.
Cuyo nombre real era Colin Fulcher, fue un
destacado diseñador gráfico y artista visual
británico, conocido por su influyente trabajo
en la escena punk y new wave. A lo largo
de su carrera, colaboró con varias bandas
y artistas icónicos de la época, dejando una
huella perdurable en el diseño gráfico de la
música.
Bubbles se destacó por su enfoque
innovador y su habilidad para fusionar
35
diferentes estilos y elementos visuales en
sus diseños. Experimentó con tipografías,
colores, ilustraciones y fotografías, creando
composiciones dinámicas y eclécticas. Su
estilo se caracterizaba por su capacidad para
capturar el espíritu subversivo y la energía
cruda de la música punk, al tiempo que
incorporaba influencias de la cultura pop, el
arte de vanguardia y la estética retro.
Entre sus obras más destacadas se encuentran
las portadas de álbumes como “Inflammable
Material” de Stiff Little Fingers, “Do It
Yourself” de Ian Dury and The Blockheads,
y “The Correct Use of Soap” de Magazine.
También trabajó estrechamente con la banda
punk The Damned, creando una identidad
visual distintiva y una serie de portadas de
álbumes innovadoras.
Barney Bubbles dejó un legado significativo
en el diseño gráfico, fusionando la música
y el arte visual de una manera única y
desafiante. Su enfoque creativo y su pasión
por la experimentación continúan siendo una
influencia importante en la escena del diseño
hasta el día de hoy.
Linder Sterling.
Es una destacada artista visual, fotógrafa y
diseñadora británica que desempeñó un papel
importante en la escena punk de finales de los
años 70 y principios de los 80. Se hizo conocida
por su colaboración con la banda de punk rock
Buzzcocks y por sus impactantes collages y
fotografías que desafiaban las normas sociales
y exploraban la sexualidad y el feminismo.
La obra de Linder se caracteriza por su enfoque
audaz y provocativo. Utiliza imágenes
encontradas de revistas y otros medios de
comunicación para crear composiciones
que desafían las convenciones y critican la
cultura consumista y patriarcal. Su estilo se
destaca por la yuxtaposición de imágenes, la
manipulación visual y el uso del collage para
36
cuestionar las representaciones tradicionales
de la feminidad y el poder.
Además de su trabajo en el diseño gráfico y el
collage, Linder también se ha destacado en la
fotografía, el arte escénico y las performances.
Su enfoque multidisciplinario y su actitud
subversiva han dejado una marca duradera en
el arte contemporáneo.
Linder Sterling sigue siendo una figura
influyente en el mundo del arte y el diseño, y su
contribución a la escena punk y al feminismo
continúa siendo relevante y poderosa. Su
trabajo desafía las normas establecidas y abre
caminos para la exploración de la identidad,
el género y la política a través del arte visual.
Malcolm Garrett.
Es conocido por su trabajo innovador y
vanguardista en la creación de identidades
visuales para numerosas bandas y artistas
icónicos de la época.
Garrett se destacó por su enfoque audaz y
experimental en el diseño. Utilizó elementos
gráficos distintivos, tipografías llamativas
y colores vibrantes para crear imágenes
impactantes y memorables. Su trabajo se
caracterizaba por fusionar elementos de la
cultura pop, el arte pop y el diseño moderno,
logrando una estética única y distintiva.
Entre sus colaboraciones más notables se
encuentra su trabajo con la banda punk
Buzzcocks, para la cual diseñó la icónica
portada del álbum “Another Music in a
Different Kitchen”. Además, trabajó con
artistas como Duran Duran, Simple Minds y
Peter Gabriel, creando identidades visuales
que se convirtieron en emblemas reconocidos.
Malcolm Garrett es considerado uno de
los pioneros del diseño gráfico en la escena
punk y new wave. Su enfoque innovador y
su capacidad para capturar la esencia de la
música a través de imágenes visuales le han
valido reconocimiento y admiración en la
37
industria. Su trabajo ha dejado una marca
duradera en el diseño gráfico y sigue siendo
una influencia importante en la actualidad.
Winston Smith.
Es un reconocido artista y diseñador gráfico
asociado estrechamente con la escena punk
de San Francisco en los años 70 y 80. Es
especialmente conocido por su trabajo como
creador de portadas de álbumes para la banda
Dead Kennedys y su colaboración con el sello
discográfico Alternative Tentacles.
El estilo distintivo de Winston Smith se
caracteriza por su habilidad para combinar
imágenes encontradas y elementos gráficos de
manera provocativa y subversiva. Utiliza la
técnica del collage para crear composiciones
impactantes que a menudo desafían las
normas sociales y políticas establecidas.
Las creaciones de Winston Smith son un
testimonio del poder del arte para cuestionar
y criticar la cultura dominante. Sus imágenes
satíricas y perturbadoras han capturado
la atención del público y han dejado una
impresión duradera en la escena punk y en el
ámbito del diseño gráfico en general.
Además de su trabajo con Dead Kennedys,
Winston Smith ha colaborado con numerosos
artistas, diseñando portadas de álbumes,
carteles y material promocional para
bandas y eventos de la contracultura. Su
legado como diseñador de la escena punk
es reconocido y apreciado por su enfoque
único y su contribución a la estética visual del
movimiento.
Shepard Fairey.
Renombrado artista, diseñador gráfico y
activista estadounidense conocido por su
impactante obra y su compromiso con la
justicia social. Su trabajo ha dejado una huella
significativa en la escena punk y en el ámbito
del arte callejero.
Fairey se hizo famoso por su icónica imagen
del cartel “Hope” que creó en apoyo a la
38
campaña presidencial de Barack Obama en
2008. Su estilo distintivo combina elementos
del arte callejero, la cultura pop y el diseño
gráfico, fusionando imágenes y tipografías
en composiciones llamativas y poderosas.
En la escena punk, Fairey se destacó por su
trabajo como fundador del sello discográfico
independiente llamado “Obey Records”,
donde diseñó portadas de álbumes y carteles
para bandas como Black Flag y Minor
Threat. Su enfoque audaz y su habilidad
para transmitir mensajes políticos y sociales
a través de sus diseños lo convirtieron en
una figura influyente en la comunidad punk.
Además de su trabajo en el ámbito musical,
Shepard Fairey ha creado numerosas
obras de arte callejero y ha participado en
exposiciones y proyectos de arte en todo
el mundo. Su arte se ha convertido en un
símbolo de protesta, empoderamiento y
conciencia social, abordando temas como
la desigualdad, el medio ambiente y los
derechos humanos.
Shepard Fairey ha dejado un legado
duradero en el diseño gráfico y en la escena
punk, demostrando el poder del arte como
herramienta de cambio y expresión. Su
compromiso con la creatividad y la justicia
social continúa inspirando a artistas y
activistas en todo el mundo.
Art Chantry.
Ha dejado una huella significativa en la
escena punk y en la cultura visual alternativa.
Es conocido por su enfoque no convencional
y su estética cruda y provocativa.
Chantry se hizo famoso por su trabajo en la
escena musical de Seattle en los años 80 y 90,
donde diseñó portadas de álbumes y carteles
para bandas como Nirvana, Soundgarden
y The Sonics. Su estilo distintivo combina
elementos del arte gráfico underground, el
collage y la tipografía experimental, creando
composiciones visuales que capturan la
energía y la rebeldía del punk.
39
A lo largo de su carrera, Chantry ha
desafiado las convenciones del diseño gráfico
convencional, adoptando un enfoque más
artesanal y expresivo. Ha utilizado una amplia
gama de técnicas y materiales, desde el uso
de recortes de revistas y fotocopias hasta la
experimentación con estampados y texturas.
Su trabajo se caracteriza por su capacidad
para comunicar de manera directa y efectiva,
transmitiendo un mensaje visual impactante
y lleno de autenticidad. Chantry ha sido un
defensor del diseño gráfico de guerrilla y ha
abogado por la importancia de la originalidad
y la subversión en el proceso creativo.
Vaughan Oliver.
Fue un destacado diseñador gráfico británico
conocido por su trabajo revolucionario en la
escena punk y alternativa. Es considerado una
de las figuras más influyentes en el diseño
de portadas de discos y ha dejado una marca
indeleble en el campo del diseño gráfico.
Oliver se destacó por su enfoque artístico y
experimental, creando imágenes audaces y
evocadoras que desafiaban las convenciones
visuales. Trabajó estrechamente con el sello
discográfico 4AD, donde colaboró con bandas
como Cocteau Twins, Pixies, Dead Can Dance
y The Breeders. Sus diseños se caracterizaban
por una combinación única de tipografía,
fotografía, ilustración y manipulación visual,
creando una estética distintiva y provocativa.
Su trabajo se distinguió por su atención
meticulosa al detalle y su habilidad para
capturar la esencia emocional de la música
en una imagen. Sus portadas de discos se
convirtieron en obras de arte en sí mismas,
generando una poderosa conexión entre la
música y la visualidad. Su estilo se caracterizó
por el uso de colores vibrantes, composiciones
inesperadas y elementos surrealistas, creando
un lenguaje visual único y reconocible.
40 41
EVOLUCIÓN DEL DISEÑO PUNK.

Algunos momentos clave:

Inicios del diseño punk: El diseño punk

comenzó a surgir en la década de 1970, junto con la
música punk. Los diseñadores punk crearon portadas
de álbumes, carteles y fanzines con un enfoque DIY,
utilizando técnicas como el collage, la serigrafía y
la xerografía. Según el diseñador Malcolm Garrett:
“El punk rock realmente sacó a la luz el concepto
del diseño gráfico punk. Fue la primera vez que los
jóvenes tomaron control de la música, la moda y el
diseño” (Fuente: “Malcolm Garrett: How punk design
influenced my work”, The Guardian).
La influencia del punk en el diseño gráfico: El
punk tuvo un impacto significativo en el mundo del
diseño gráfico, al desafiar las convenciones del diseño
tradicional y alentar a los diseñadores a experimentar
con nuevas técnicas y estilos. Según el diseñador y
autor Russ Bestley: “El punk desafió la idea de que
el diseño gráfico era algo elitista y reservado para las
grandes corporaciones. En su lugar, el punk lo convirtió
en algo accesible y abierto para todos” (Fuente: “The
DIY spirit of punk lives on in graphic design”, The
Conversation).
La estética punk en la cultura popular: La
estética punk se ha convertido en un elemento
común en la cultura popular, desde la moda hasta
la publicidad y el cine. Según el diseñador Vaughan
Oliver: “La estética punk se ha vuelto omnipresente, y
ha sido utilizada para vender todo, desde ropa hasta
teléfonos móviles. Pero a pesar de esto, sigue siendo
una forma de expresión y de resistencia” (Fuente:
“Vaughan Oliver: Why the punk aesthetic is still
relevant”, Creative Review).
La evolución del diseño punk: A medida
que el punk ha evolucionado a lo largo de los años,
también lo ha hecho su diseño. Algunos diseñadores
han adoptado un enfoque más sofisticado y refinado,
mientras que otros han seguido manteniendo la estética
punk original. Según el diseñador Art Chantry: “El
diseño punk sigue vivo y bien, pero ha evolucionado.
Los diseñadores ahora son más sofisticados y tienen
acceso a nuevas tecnologías y materiales. Pero al final
del día, se trata de la misma actitud DIY y de hacerlo
tú mismo” (Fuente: “Art Chantry: The Grandfather of
Grunge Design”, HOW Design).
42 43

III. PUNK, MÚSICA Y DISEÑO EN LA ACTUALIDAD.

44 45
MÚSICA PUNK EN EL PRESENTE.

La música punk ha demostrado ser un movimiento

perdurable y relevante a lo largo de las décadas, y en la
actualidad sigue desempeñando un papel importante
en la escena musical. Aunque ha evolucionado y se
ha ramificado en diferentes subgéneros y estilos, el
espíritu contestatario y la energía cruda del punk
continúan influyendo en artistas y audiencias en todo
el mundo.

Una de las características distintivas del punk en

la actualidad es su enfoque en la autenticidad y la
independencia. Muchos artistas punk optan por
mantenerse fuera del sistema convencional de la
industria musical, buscando la libertad creativa y el
control total sobre su música. Esto se manifiesta en la
creación y distribución de música a través de sellos
discográficos independientes, la organización de
conciertos y festivales autogestionados, y la utilización
de plataformas digitales para llegar directamente a su
audiencia.

Además, el punk ha adoptado nuevos elementos

sonoros y temáticos, fusionándose con otros géneros
musicales y generando una diversidad de subgéneros
como el punk pop, el punk hardcore, el punk melódico
y el street punk, entre otros. Esto ha permitido que la
música punk llegue a nuevos públicos y se mantenga
fresca y relevante en el panorama musical actual.

En la actualidad, la música punk en España sigue gozando

de una importante presencia y un ferviente seguimiento por
parte de una comunidad de fanáticos dedicados. Aunque
la escena ha evolucionado y se ha diversificado, el espíritu
punk sigue siendo una fuente de inspiración y un canal para
expresar críticas sociales y políticas.

En el panorama actual, encontramos una amplia gama de

bandas y proyectos musicales que mantienen vivo el legado
del punk en España. Algunos ejemplos destacados incluyen
a Los Chikos del Maíz, una banda de rap punk que mezcla
letras políticas y sarcásticas con ritmos enérgicos; No
Konforme, una formación con influencias del punk rock
y el ska que aborda temas sociales y de desigualdad; y Def
Con Dos, una veterana banda de rap metal que ha sido un
referente en la fusión de estilos y la crítica social.
46
EL CONCEPTO PUNK EN LA ACTUALIDAD.
Además de estas bandas, también han surgido proyectos
más jóvenes que aportan una nueva perspectiva al punk
en España. Grupos como Mala Reputación, Blowfuse,
Desakato y Trono de Sangre han ganado popularidad por su
estilo enérgico, sus letras incisivas y su compromiso con la
autenticidad punk.
La escena punk en España también se mantiene viva a
través de festivales y eventos que promueven la música y
la cultura punk. Algunos festivales destacados incluyen el
Resurrection Fest en Viveiro, el Tsunami Xixón en Gijón y el
Viña Rock en Villarrobledo, que presentan una variedad de
bandas de punk y géneros relacionados, atrayendo a miles de
seguidores cada año.
En términos de distribución y promoción, la era digital ha
jugado un papel crucial en el desarrollo y la visibilidad de
la música punk en España. Las bandas utilizan plataformas
de streaming, redes sociales y canales de YouTube para
compartir su música, llegar a nuevos oyentes y establecer
conexiones directas con su base de fans. Además, los sellos
discográficos independientes y las iniciativas de autogestión
siguen siendo fundamentales para el apoyo y la difusión de
la música punk en el país.
En resumen, la música punk en la actualidad en España sigue
siendo un movimiento vibrante y comprometido. A través
de bandas innovadoras, festivales y una fuerte presencia en
plataformas digitales, el punk continúa siendo una forma de
expresión desafiante y una voz crítica en la sociedad española.
La música punk en España es una poderosa herramienta
para cuestionar las normas establecidas y abordar temáticas
sociales y políticas de actualidad.
47
El punk social es una corriente dentro del movimiento
punk que busca utilizar la música y la cultura punk
como herramientas para abordar y promover cambios
sociales positivos. Va más allá de la mera expresión
musical y se centra en la conciencia social, la justicia y
la lucha contra la opresión.
En la actualidad, el punk social continúa siendo una
parte importante del panorama punk y ha evolucionado
para abordar una amplia gama de problemas sociales.
Los artistas y bandas punk utilizan su música y sus
letras para abordar cuestiones como la desigualdad,
el racismo, el sexismo, la homofobia, la xenofobia y la
crisis medioambiental.
La música punk social se caracteriza por sus letras
críticas y provocativas, que buscan despertar la
conciencia y fomentar la acción entre sus oyentes.
Las canciones abordan temas de injusticia, represión
y marginalización, y buscan inspirar a las personas a
cuestionar las estructuras de poder y luchar por un
cambio social significativo. Además de la música, el
punk social se extiende a otros aspectos de la cultura
punk, como el arte, la moda y el activismo. Los artistas
punk social utilizan estas formas de expresión para
crear conciencia, difundir mensajes de igualdad
y justicia, y construir una comunidad de apoyo y
solidaridad.
En la actualidad, el punk social se manifiesta en
movimientos y colectivos que promueven la igualdad
de género, la diversidad cultural, los derechos humanos
y la sostenibilidad ambiental. Estos grupos organizan
conciertos benéficos, eventos de concienciación,
campañas de activismo y colaboraciones con
organizaciones sociales y políticas.
El punk social también se ha beneficiado de las
plataformas digitales y las redes sociales, que permiten
a las bandas y activistas punk conectarse y difundir
sus mensajes a nivel global. Además, el punk social
se ha convertido en una influencia importante en
otros géneros musicales y movimientos culturales,
demostrando que sus ideales y valores siguen siendo
relevantes y resonantes en la sociedad actual.
Ha sido un catalizador para la defensa de los derechos
humanos, la igualdad de género, la justicia social y la
48
EL POP-PUNK. DERIVACIONES Y ADAPTACIONES.
lucha contra la opresión. Ha dado voz a comunidades
marginadas y ha desafiado las normas establecidas,
inspirando a las personas a cuestionar el statu quo y
a luchar por un cambio positivo en la sociedad. Ha
influido en movimientos como el feminismo punk, que
aboga por la igualdad de género y la emancipación de
las mujeres en la música y en la sociedad en general.
Ha promovido la inclusión y la diversidad en la escena
musical, desafiando los estereotipos y las barreras
sociales.
El punk también ha desempeñado un papel importante
en la promoción de la conciencia ambiental y la
sostenibilidad. Ha destacado la importancia de la
preservación del medio ambiente y ha fomentado un
estilo de vida más respetuoso con el planeta.
En la actualidad continúa generando movimientos
sociales y desafiando las normas establecidas. Ha sido
una fuente de inspiración y empoderamiento para
diversas comunidades, y ha contribuido a la lucha
por la igualdad, la justicia y el cambio social. A través
de su música, su estética y su actitud, el punk sigue
siendo un motor para la acción y la transformación en
la sociedad actual.
49
El pop-punk es un género musical que surge en la
década de 1990 como una fusión entre el punk rock
y el pop. Combina la energía, la actitud rebelde y
la velocidad del punk con melodías pegadizas y
estructuras de canciones más accesibles del pop. El
pop-punk se caracteriza por su enfoque en temas
como el amor, las relaciones personales, las luchas
adolescentes y la búsqueda de identidad.
Una de las características distintivas del pop-punk es
su estética juvenil y desenfadada. Tanto en la música
como en el diseño gráfico, el pop-punk utiliza colores
vibrantes, imágenes divertidas y letras con un tono
irónico y sarcástico.
El estilo visual del pop-punk a menudo incluye
elementos como logotipos llamativos, ilustraciones
animadas, tipografía audaz y referencias a la cultura
juvenil y el mundo del skateboarding.
En cuanto a las bandas representativas del pop-punk,
destacan grupos como:
Blink-182: Conocidos por sus letras juveniles,
humor irreverente y melodías pegadizas, Blink-182 se
convirtió en un referente del pop-punk en la década
de 1990. Canciones como “All the Small Things” y
“What’s My Age Again?” se volvieron himnos de toda
una generación.
Green Day: Originarios de la escena punk
de California, Green Day alcanzó una enorme
popularidad con su álbum “Dookie” en 1994. La banda
ha fusionado el punk con elementos pop y ha logrado
éxitos como “Basket Case” y “American Idiot”.
Sum 41: Con su mezcla de punk, pop y
elementos de metal, Sum 41 se hizo conocido por su
energía y actitud juvenil. “Fat Lip” y “In Too Deep”
son algunos de sus mayores éxitos.
All Time Low: Esta banda estadounidense ha
sido una presencia destacada en el pop-punk moderno.
Sus letras inteligentes y pegadizas, combinadas con su
estilo energético, los han llevado a éxitos como “Dear
Maria, Count Me In” y “Weightless”.
50
DISEÑO PUNK EN LA ERA TECNOLÓGICA.
Paramore: Aunque también se les asocia con
el género del pop-rock alternativo, Paramore ha sido
influyente en la escena del pop-punk con su sonido
enérgico y la carismática voz de su vocalista Hayley
Williams. Canciones como “Misery Business” y “Still
Into You” son ejemplos de su estilo distintivo.
Además de su impacto en la música, el pop-punk
también ha dejado su huella en la moda y la cultura
juvenil. Los fanáticos del pop-punk suelen identificarse
con una estética específica que incluye ropa casual,
camisetas de bandas, zapatillas deportivas, piercings
y tatuajes. Esta subcultura ha influido en la moda
callejera y ha generado una comunidad de seguidores
comprometidos y apasionados.
El pop-punk es un género musical enérgico y pegadizo
que combina elementos del punk y el pop. Ha influido
en la música, la moda y la cultura juvenil, y continúa
siendo una fuerza relevante en la escena musical
contemporánea.
51
El diseño punk en la era tecnológica ha experimentado
una evolución significativa debido al avance y la
integración de la tecnología en nuestras vidas.
El punk, como movimiento contracultural, siempre ha
desafiado las normas establecidas y ha buscado formas
de expresión disruptivas y subversivas. En el contexto
de la era tecnológica, esto se ha manifestado en el
diseño digital, la cultura de Internet y la apropiación
de las herramientas tecnológicas para transmitir
mensajes punk.
Una característica destacada del diseño punk en la era
tecnológica es la estética DIY (Do It Yourself) o hazlo
tú mismo. El punk ha adoptado las herramientas
digitales y las plataformas en línea para crear su propio
contenido, desafiando las estructuras establecidas
de producción y distribución. Las bandas punk y
los artistas pueden grabar y producir su música de
forma independiente, diseñar sus propias portadas de
álbumes y promocionar su trabajo a través de las redes
sociales y plataformas de streaming.
En términos de diseño gráfico, el punk en la era
tecnológica se caracteriza por su enfoque en la estética
cruda, el uso audaz del color, la tipografía agresiva
y la apropiación de elementos visuales de la cultura
popular y la cultura de Internet. Se trata de un diseño
que desafía las convenciones estéticas y busca captar
la atención de una manera impactante.
La cultura de Internet ha proporcionado un espacio
para la creación y difusión del diseño punk en la
era tecnológica. Los foros, blogs, redes sociales y
plataformas de crowdfunding han permitido a los
diseñadores punk conectarse con una audiencia global,
compartir sus creaciones y colaborar con otros artistas.
La era tecnológica ha ampliado las posibilidades de
diseño interactivo y experimental.
El diseño punk se ha adaptado a las interfaces digitales,
los sitios web interactivos y las aplicaciones móviles
para transmitir su mensaje de manera más dinámica
y participativa. Se han creado juegos, animaciones
y experiencias visuales inmersivas que fusionan el
espíritu punk con la tecnología.
52 53

El diseño punk en la era tecnológica ha evolucionado

para adaptarse a las herramientas digitales y la cultura
de Internet. A través de la estética DIY, la apropiación
de elementos visuales y la experimentación con
nuevas formas de diseño interactivo, el punk sigue
desafiando las convenciones y transmitiendo mensajes
subversivos en la era digital. Es un reflejo del espíritu
contracultural del punk que ha encontrado su lugar en
el mundo tecnológico.
54 55

IV. ANÁLISIS DE CASOS.

56 57
LA ÉLITE.

La Élite es un proyecto creado por dos amigos de

Lleida, Nil Roig (Yung Prado) y David Burgués. Su
música tiene base en el punk de los ochenta, la new
wave y sonidos eléctronicos con cajas de ritmos y
sintetizadores, también propios de los ochenta.
Sus canciones te dan la sensación de descontrol y que
todo da igual, que nada importa, sensaciones muy
propias del movimiento nihilista del punk.
Lo han llegado a denominar Joy Division pero que
suena como Eskorbuto, un punk electrónico en estado
puro. Este dúo consigue la perfecta combinación entre
Sorry Not Sorry 12 Latas A 180 la melodía pop y la energía punk, creando un synth-
punk tan característico.
Han comentado alguna vez que “en ningún momento
pensamos en hacer conciertos ni editar discos y esas
cosas”, demostrando que lo hacían en todo momento
“por amor al arte” más que por comercializarse o
darse a conocer. Las primeras grabaciones que se
proporcionaron al público corresponden a los temas
del EP “12 Latas.” (2016), en el que se incluía una
versión del «She lost control» de Joy Division en
español.
Aunque su primer concierto incluyó una guitarra, decidieron
no repetirlo en futuras actuaciones para mantener su
identidad. Su música se basa en el uso de lun ordenador y
admiran a bandas como The Clash.
En su álbum “Sorry not Sorry” (2019), La Élite continúa
Bailando Nuit Folle Contento De Ser Feo con su estilo electrónico y ritmos vertiginosos. Las letras
exploran temas como los “niños rata”, los neo hippies y las
fuerzas del orden. Además, colaboran con artistas como
Pokito Paranoico y Yudi Saint X en algunas canciones.
Destaca la canción “Vida de 1€”.
La banda también ha lanzado videoclips, como el de la
canción “Neo hippie”, donde se muestra a un grupo de
amigos bailando en un campo de frutales.
En noviembre de 2020, La Élite lanzó nuevos temas como “En
mis pies” y “A 180 con mi monopatín”. Su popularidad creció
cuando fueron invitados a tocar en el Primavera Weekend,
lo que marcó su primer concierto abierto al público.
Con canciones como “Bailando” y “Nuit folle”, La Élite
continúa generando energía y éxito. Firmaron con el sello
Montgri y lanzaron su primer álbum, “Nuevo Punk” (2022),
que incluye 14 temas. En este disco, colaboraron con bandas
Todos me miran mal Nuevo Punk Vampireando como The Parrots, Ben Yart, Kiliki y la Mainline Magic
Orchestra. Su estilo provocador y su música electrónica sin
complicaciones los consolidan como un dúo destacado en la
escena musical.
58 59
LA PLATA.

La Plata es un grupo de pop-punk “nueva ola” que, a

pesar de su juventud, ha sabido combinar elementos
de este género con la herencia musical valenciana
de los años 90. Con tempos acelerados y melodías
constantes, evocando la música de baile que sonaba
en las discotecas valencianas, crean himnos de poco
más de 3 minutos. El proyecto comenzó cuando Diego
Escriche lanzó “Unatasco” en solitario a finales de 2015
bajo el nombre de 0000000. Posteriormente, en 2016,
se unió a Miguel J. Carmona para dar forma al resto
Un Atasco Desorden 01 03 2019 de canciones después de disolver su proyecto mutuo
llamado “Progreso”. Fue entonces cuando se sumaron
al grupo Patricia Ferragud, Salvador Frasquet y María
Gea, quien también desempeña un papel destacado
en la imagen y presencia visual del grupo. Juntos,
consolidaron el proyecto enraizado en Valencia.
Destaca por su capacidad de reflejar el momento
actual y hacia dónde se dirige la música. A pesar
de esto, también poseen un aura de nostalgia y
romanticismo que es difícil de encontrar en la era de
las redes sociales y el consumo rápido. Cada paso que
dan parece ser cuidadosamente meditado, como si
estuvieran siguiendo un plan maestro que han estado
cumpliendo desde su debut con el EP “Un atasco”,
lanzado por Sonido Muchacho en 2017.
Tras este EP, llegó su álbum de debut, “Desorden”,
Victoria Aire Nuevo Acción Directa que confirmó definitivamente su posición al frente
de la nueva generación de bandas de guitarras. Se
acercaron a la corriente de formaciones interesadas en
sonidos oscuros y post-punk, compartiendo espacio
con bandas como VVV, Futuro Terror, Somos La
Herencia y Último Día.
Aunque han rendido homenaje a bandas como Décima
Víctima, a quienes consideran maestros y han llegado
a versionar, La Plata ha seguido su propio camino,
alejándose de influencias externas. Han desarrollado
un sonido personal y una imagen gráfica que, a pesar
de su crítica, se ha convertido en su distintivo.
El lanzamiento de su segundo álbum en 2022, “Acción
directa”, confirma lo que ya se sabía: La Plata es una
rareza tanto dentro como fuera de nuestras fronteras,
destinada a convertirse en un objeto de culto para las
generaciones futuras. Tenemos la fortuna de disfrutar
Real (de “La Ruta”) Sueños de su deslumbrante plenitud en este momento
presente.
60 61
LA PALOMA.

La Paloma, un trío madrileño, se suma a la genealogía

de artistas que escapan de la hegemonía cultural del
trap, siendo a la vez radiantes y modernos. Aunque
tienen una modernidad palpable, también tienen un
fuerte vínculo con el pasado. Juntos, conforman una
mezcla perfecta de voces y guitarras que se organiza
de forma casi matemática. Tanto en sus discos como
en sus directos, es habitual que una canción la cante
uno de ellos y la siguiente la cante el otro, respetando
la autoría de cada uno.
El nombre “La Paloma” surgió de diferentes
Ya está Siempre Así Bravo Murillo coincidencias, aunque la mayoría de ellas los conducen
a un lugar: Tetuán. Sin pretenderlo, se han convertido
en una especie de emblema de ese distrito madrileño.
En su álbum de debut, “Todavía no” (La Castanya,
2023), que lanzaron hace unas semanas, La Paloma
mantiene un tono similar. Muchas de sus letras parecen
dirigirse a alguien con quien han distanciado o con
quien aún quedan asuntos pendientes por resolver.
Es evidente que sus letras son más personales que
políticas, centrándose en el individuo en lugar de
abordar temas más amplios.
El enfoque personal en las letras permite a La Paloma
explorar emociones y relaciones cercanas, transmitiendo
sentimientos y experiencias individuales con mayor
intimidad. A través de sus letras, el grupo ofrece una
visión introspectiva y reflexiva, profundizando en
Una idea, pero es triste El Adversario No Es una Broma las dinámicas personales y las complejidades de las
relaciones humanas.
Al poner énfasis en lo personal en lugar de lo político,
La Paloma se sumerge en la esfera íntima de cada
individuo, capturando momentos de conexión,
separación, arrepentimiento y comunicación no
resuelta. Esta elección temática otorga a sus canciones
una calidad introspectiva y sincera, permitiendo al
oyente sumergirse en las experiencias y emociones
individuales que La Paloma busca transmitir.
“Me parece más honesto hablar en primera persona.
Las canciones de La Paloma son así. Todas personales”,
es lo que defiende Nico Yubero.

Algo ha cambiado Todo esto Tiré una Piedra al Aire Todavía no

62 63
SE HA PERDIDO UN NIÑO.

Se Ha Perdido Un Niño es un grupo formado por

cuatro murcianos con trayectorias muy diversas en
términos de estudios y experiencia laboral. Ganaron
el premio CreaMurcia en la categoría de pop-rock
y fueron seleccionados por Big Up! Lanzadera, un
programa que busca impulsar y profesionalizar
proyectos musicales emergentes en la Región de
Murcia.
La historia de este grupo comenzó en 2022 cuando
cuatro amigos de Murcia decidieron unirse para tocar
música juntos. En ese momento, el grupo no estaba
El Palomar P*#% Cantautor CXMA presente en plataformas digitales y ni siquiera tenían
una cuenta de Instagram. Sin embargo, tras ganar el
premio CreaJoven, comenzaron a dar pasos para darse
a conocer en el ámbito digital.
En su canción debut invita a una fiesta improvisada
con luces LED, brillo y gente extravagante en general.
Según afirman, “entonces la música techno se rompe
a guitarrazos y el postureo acaba por desaparecer,
descubriendo que todo era una excusa para montar
una buena fiesta, como siempre”.
Presentan una propuesta musical que se podría
definir como rock mezclado con elementos de punk
y algunos toques de funk, donde el humor es parte
esencial de las letras y los conciertos, acompañado
de cierta extravagancia en las vestimentas y un amor
por un cierto salvajismo infantil, según menciona
la lanzadera. Se Ha Perdido Un Niño es capaz de
“profesionalizar musicalmente” la idiotez, lanzando
mensajes crudos y sin adornos en sus letras, pero
también con profundidad. Su enfoque en vivo concibe
la música y el espectáculo como una entidad completa.
En resumen, su objetivo es devolver el concepto de
banda de rock a la escena. Sus letras son críticas, irónicas,
humorísticas o simplemente idiotas, y se entrelazan
con canciones crudas y directas que no dejan espacio
para el autotune. Se Ha Perdido Un Niño fusiona
rock con toques de post-punk y derrocha energía en
un combo que combina música y espectáculo, música
y fiesta, o simplemente en un sinsentido donde no
perderás la oportunidad de volverte loco.
64 65
VVV [TRIPPIN’YOU].

VVV [Trippin’you] es un trío madrileño que se

autodenomina como neo-bakala. Está compuesto
por Elinor Almenara, Adrián Bremmer y San Fierro.
La banda tiene como objetivo “rendir culto al frío, al
ruido, a la modernidad y a los parkings.” Su música
encuentra un equilibrio entre la oscuridad generacional
y las ganas de bailar en la pista.
Es un reflejo de su tiempo y su generación. Sus letras
frenéticas capturan el espíritu alternativo de la juventud
actual, mientras que sus sonidos psicodélicos electro-
punk y sus voces cargadas de desidia te transportan a
Dirty Leeds Dance and Cry L’ennui través del tiempo.
En 2018 lanzaron su primer EP, “Lennui”, lo que les
permitió realizar giras por España hasta 2019. Durante
ese tiempo, tocaron en diversas salas y festivales en
todo el país, y también presentaron dos sencillos y
un documental sobre el grupo. En febrero de 2020
lanzaron su segundo EP, “Escama”.
Busca experimentar y transmitir la esencia de su
generación a través de su música, combinando
elementos de diferentes géneros para crear un sonido
único y enérgico.

Escama Cólera / Mi Sangre Los Bailes Perdidos

(Escama Remixes)

Odiar Frontal Monstruo Turboviolencia TAB es Leal x [Triángulo de Odiar Frontal_remix x Turboviolencia_remixes
Amor Bizarro] [Woesum]
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DEPRESIÓN SONORA.

Marcos Crespo es un cantante y compositor

vallecano que ha ganado reconocimiento a través de
la publicación de varios EP y una serie de singles y
colaboraciones. Sus canciones han capturado el espíritu
de una generación cansada, ansiosa y atrapada en
una cultura hiperproductiva. Cuando le preguntaron
el porqué del nombre Depresion Sonora, él contesto:
“De un mañaneo en algún pueblo perdido de Castilla
hablando de los niveles de presión sonora que genera
un altavoz y que un amigo entendiera Depresión
Sonora, un simple juego de palabras. Creo que define
Depresión Sonora Tú No Me Tienes Que Salvar Gasolina y Mechero muy bien la onda que tiene la música.”
Comenzó a lanzar música durante el confinamiento por la
pandemia de COVID-19 en 2020.
Su EP debut se titula “Depresión Sonora”, el cual fue publicado
durante el confinamiento y posteriormente lanzado en
formato físico por el sello discográfico Sonido Muchacho.
El EP consta de cinco canciones que reflejan la situación
claustrofóbica del momento, donde Marcos expresa su
deseo de vivir y también su frustración por la situación que
le tocaba enfrentar en aquellos días.
“Depresión Sonora” tiene una vibración ochentera
característica del post-punk y la new wave, que siempre
suena fresco. Canciones como “Hasta que llegue la muerte”
capturan la necesidad de salir y divertirse para escapar de la
monotonía del encierro. “Ya no hay verano” aborda el paso
del tiempo, lo que se queda y lo que se va, y la incertidumbre
Apocalipsis Virtual Historias Tristes desorden del sueño de lo que vendrá en el futuro.
para Dormir Bien

Veo tan Dentro Voy a Explotar Dónde Están mis Amigos El Arte de Morir
muy Despacio
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V. CONCLUSIONES
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CONCLUSIONES.

Este trabajo de investigación ha explorado la relación

entre el diseño gráfico y el movimiento punk, así
como la influencia del punk en la sociedad. A lo largo
del estudio, se ha analizado la evolución histórica
del diseño gráfico en el contexto del punk, desde
sus inicios en la década de 1970 hasta la actualidad.
También se ha examinado cómo el punk ha impactado
en diversos aspectos de la sociedad, desde la música y
la moda hasta los movimientos sociales y el activismo.

Se ha demostrado que el diseño gráfico en el

ámbito del punk es una forma de expresión visual
única, caracterizada por su estética audaz, cruda y
provocadora. Las portadas de álbumes, los posters,
las camisetas y otros elementos visuales asociados al
punk han desafiado las convenciones estéticas y han
transmitido mensajes poderosos y subversivos.

Además, se ha puesto de manifiesto cómo el punk ha

influido en la sociedad, especialmente en la juventud,
al cuestionar las normas establecidas, promover
la autenticidad y la individualidad, y fomentar la
participación activa en la cultura y la política. El
punk ha sido un catalizador para el cambio social y
ha inspirado movimientos y subculturas que han
desafiado la autoridad y buscado una mayor igualdad
y libertad.

En el ámbito del diseño gráfico, el punk ha dejado un

legado duradero. Sus elementos visuales distintivos,
como la tipografía impactante, el uso del collage y la
apropiación de imágenes, han influido en generaciones
posteriores de diseñadores y han sido adoptados en
diferentes contextos creativos.

En resumen, este trabajo ha contribuido a una

comprensión más profunda de la intersección entre
el diseño gráfico y el punk, y cómo esta influencia se
ha manifestado en la sociedad. Se ha evidenciado que
el punk continúa siendo relevante en la actualidad,
ya sea a través de su música, su estética o su mensaje
social. Como resultado, el diseño gráfico en el ámbito
del punk sigue siendo una fuente de inspiración y un
medio poderoso para transmitir ideas y desafiar las
normas establecidas.
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VI. BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA.

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