Géneros artísticos.

Género artístico (del francés "genre": género, clase). Formas de existencia y

desarrollo de las artes. El concepto de género artístico se formó en los siglos XV-
XVI. En las distintas artes, existen diferentes criterios para dividirlas en géneros.
Es una especialización temática en que se suelen dividir las diversas artes.

 1Literatura (género literario)

 2Música (género musical)
 3Artes plásticas o visuales
o 3.1Pintura (géneros pictóricos)
o 3.2Fotografía
o 3.3Cine (géneros cinematográficos)
o 3.4Televisión (géneros cinematográficos o televisivos)
o 3.5Cómic
o 3.6Arquitectura
o 3.7Escultura

Género literario Comentado [mm1]: Genero literario

Los géneros literarios son los distintos grupos o categorías en que podemos
clasificar las obras literarias atendiendo a su contenido y estructura.

Los géneros literarios tradicionales

La primera clasificación que se estableció para estos textos surgió en la Antigua

Grecia, de la mano del prestigioso filósofo Aristóteles. Este distinguió tres niveles
de clasificación para los géneros literarios. El género narrativo, el género lírico y
el género dramático. Con el paso del tiempo, algunos autores también incluyeron
al género didáctico como el cuarto nivel de clasificación.

El género narrativo
El género narrativo es aquel que se caracteriza por el que el autor presentaba
hechos legendarios, haciéndolos pasar por verdaderos o basándose en la verdad.
Como su propio nombre indica, su forma de expresión es la narración, aunque
también podía contener descripción e, incluso, algo de diálogo. También podía
ocurrir que la narrativa no fuese escrita, sino que, en ocasiones, se transmitía
oralmente.
El género lírico
Por su parte, el género lírico era el género por el cual el autor transmitía sus
sentimientos, emociones o sensaciones por un objeto o una persona que le servía
de inspiración. Para ello, utilizaban al poema como el elemento de referencia para
expresar estos sentimientos. Un poema que puede encontrarse tanto en verso
como en prosa poética. la poesía, escrita en verso, trata temas diversos apelando
a las emociones e irracionalidad como Eau de résistance de Ana Merino Miralles.

El género dramático
En el caso del género dramático, este está fundamentalmente ligado al teatro.
Corresponde a las representaciones teatrales. En estas se representaban algún
episodio o conflicto de las personas por medio del diálogo de los actores que lo
representaban. Aunque puede ser leída, el género dramático tiene como fin la
representación llevada a cabo por unos personajes en un escenario para un
público. Por tanto, el diálogo en este género es fundamental.

El género didáctico
Por último, (aunque estaría ligado a una clasificación más moderna y no a la
histórica) tendríamos al género didáctico. En este género, la principal función es
la enseñanza o la divulgación de ideas. Las cuales son expresadas de forma
artística, con un lenguaje elaborado y recursos de la filosofía.

Pero, entonces, ¿Dónde aparece la novela? ¿y el ensayo? ¿Qué pasa con el

cuento? Como puedes entrever, esta no es más que una clasificación general del
mundo literario. De estos cuatro ejes principales, nacen los subgéneros literarios,
en los cuales introduciremos todos los nuevos elementos del mundo literario.

Los subgéneros literarios

Como explicábamos, en una clasificación posterior, a medida que iban surgiendo

nuevos géneros literarios, se procedió a establecer una nueva clasificación. Esta
recibe el nombre de subgéneros literarios, ya que, dependiendo a las
características del manuscrito, estará encuadrado en un subgénero que nace de
los tradicionales.

Los subgéneros literarios más importantes son:

 La épica
 La epopeya
 El cantar de gesta
 El cuento
 La novela o la fábula.
Dentro de estos, podríamos decir que los que más han trascendido son la novela
y el cuento. En la actualidad, hay infinidad de obras y tipologías que han surgido
de los cuentos y las novelas.

Entendiendo que el cuento es la narración breve de una historia, que puede ser
real o no, y que, cuenta con un grupo reducido de personajes y escenarios. Y que,
en estos, el argumento es relativamente sencillo, tenemos multitud de subgéneros
dentro del cuento. Un cuento breve, infantil, de aventuras, de fantasía…

La novela, género estrella en los géneros literarios

Este texto ha adquirido tal magnitud en la literatura, que podríamos decir sin
equivocarnos que casi se ha convertido en un género. Y es que de la novela nacen
varios subgéneros dependiendo de la temática de su escritura. Estos están
relacionados con el tema que desarrollan, que cuentan con sus normativas
propias. Entendemos por novela a la obra literaria en prosa, en la que se narra
una acción fingida en todo o en parte y que cuyo fin es causar un placer estético
en los lectores. Es la forma literaria más practicada en la actualidad.

Podemos encontrar diferentes tipos de novelas, en función de su temática:

 Las novelas históricas: son aquellas en las que los acontecimientos

históricos reales cobran cierta relevancia en el desarrollo de la obra y sus
protagonistas no son personajes reales, aunque pueden estar inspirados en
alguno. Un ejemplo de este tipo de novela sería El sombrero de terciopelo
verde, de Cristina Pascual, en el que el pasado cobra una gran importancia.
 Las novelas de ficción cuentan con una gran variedad de subtipos, como
ocurre con la novela. Todas tienen en común que los personajes y el mundo
en el que se desenvuelven parten de la imaginación del autor. A partir de
este punto, podemos hablar de novelas de ciencia ficción, de Youth Adult
(joven adulto), novelas distópicas y utópicas, o novelas de misterio e incluso
negras y policiacas. Sin olvidar a las novelas románticas. Dependiendo de
la temática de la novela, podrás encajar tu novela en cualquiera de estos
subgéneros.

El subgénero lírico
Como es lógico, en esta clasificación que vamos a denominar como antigua vamos
a encuadrar a todos los subgéneros líricos tradicionales:

 La Oda
 El himno
 La canción
 La elegía
 La églogla
 La sátira
  El romance…

Mientras que los subgéneros líricos modernos y contemporáneos, vamos

a diferenciar al soneto y al madrigal. Definen al soneto como la composición
poética formada por catorce versos de arte mayor. Suele estar compuesto de
endecasílabos y, en el soneto, suele haber una rima asonante, que se distribuye
en dos cuartetos y dos tercetos.

Por su parte, el madrigal es un poema lírico breve, en la mayoría de las ocasiones

culto, que suele presentar temas de amor. En él se expresa un cumplido elogioso
dirigido a una mujer, en el que se combinan versos de 11 y 7 sílabas. Es una
composición del renacimiento, la cual está escrita para varias voces. Puede
acompañarse de instrumentos.

Subgénero dramático, el teatral

Por su parte, como hemos explicado anteriormente, este subgénero comprende a
las distintas variedades del drama (entendidas como obras de teatro). Por su
estructura, suele presentar diálogos entre los personajes y tratan temas trágicos,
cómicos o el híbrido entre ambos: la tragicomedia. La osadía de un autodidacta de
Antonio Jiménez Rey es un claro ejemplo de teatro que no te dejará indiferente.
Siempre ha de construirse pensando en ser representada por diversos personajes
y con un cierto orden. Podemos encontrar como subgénero a la tragedia, la
comedia, el melodrama, la tragicomedia o la farsa.

En todas ellas, como decimos, será una representación de los personajes, cuya
diferencia estará en la temática que sigan los subgéneros.

Subgénero didáctico
Es el último subgénero en aparecer y sy principal función es la enseñanza o la
divulgación de ideas. Aunque no cuentan historias ficticias, estos libros hacen una
gran labor por la sociedad transmitiendo conocimientos científicos para que
puedan ser entendidos por la mayoría sin necesidad de ser expertos en ello.

Se consideran géneros literarios didácticos:

 El ensayo
 La biografía
 La crónica
 La memoria escrita
 La oratoria
 La carta
 El tratado científico o filósofo,
 La novela didáctica
 El diálogo o incluso el poema didáctico.
El escrito de referencia de este subgénero es el ensayo. En este, la opinión y la
reflexión es el argumento principal del texto. En ellos, normalmente, suelen
exponerse reflexiones, críticas u opiniones sobre un tema de actualidad o que
preocupe a los lectores. Aquí situaríamos a Los romaníes y la mentira del
universo de Nelson del Castillo Obando, que trata la historia de la etnia romaní a
través de una chica que lucha por la libertad de su pueblo.

Quizás tus reflexiones sobre algún aspecto de la vida social, afectiva o profesional
sirvan a otros para saber afrontar los acontecimientos que les ocurren. Si es así,
tu obra se situaría dentro de los libros de autoayuda. Yo, una más. Historia de una
enfermedad de Sonia Cuesta Clemente sería un ejemplo de cómo afrontar una
enfermedad tan dura como el cáncer a través del testimonio en primera persona
de la propia autora.

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Tras conocer los diferentes géneros literarios que te hemos presentado en este
post, puede ocurrirte te hayan entrado ganas de escribir tu propio libro. O puede
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Géneros musicales. Comentado [mm2]: Género musical

Un género musical es una categoría que reúne composiciones musicales que

comparten distintos criterios de afinidad, 1 tales como su función (música de
danza, música religiosa, música de cine...), su instrumentación (música
vocal, música instrumental, música electrónica...), el contexto social en que es
producida o el contenido de su texto.
¿Qué es estilo y género musical?
Un estilo musical es el carácter propio que da a sus obras un artista o un músico.
Cuando un estilo se diferencia y se generaliza en distintas obras y múltiples
artistas que toman rasgos comunes entre sí, se forma una categoría que se
denomina género musical (ejemplo: el rock es un género musical de ritmo muy
marcado).
Clasificación académica de los géneros musicales[editar]
Tradicionalmente se han separado por géneros las obras musicales según para qué
fin han sido compuestas, esto es, según su función social y su instrumentación
(criterios funcionales o materiales).
Clasificación por función[editar]

 Música religiosa: la que ha sido creada para alguna ceremonia o culto

religioso (misa, etc.).
 Música profana: es el género al que pertenece toda música religiosa.
 Música de danza.
 Música dramática: pertenecen a este género las obras musicales teatrales, en
la que los cantantes actúan representando a su personaje a la vez que cantan
(ópera, musical, etc.). Entre ellas distinguimos:
o Opera seria
o Intermezzo (Italiana)
o Opera buffa (Italia)
o Tragédie lyrique (Francia)
o Comédie-ballet (Francia)
o Opéra-comique (Francia)
o Opéra-ballet (Francia)
o Grand opéra (Francia)
o Singspiel (área germánica)
o Zarzuela (España)
o Opereta
o Musical
o Oratorio, género no religioso litúrgico.
 Música incidental: es la música que acompaña una obra teatral, un programa de
televisión, un programa de radio, una película, un videojuego y otras formas de
expresión que no son en principio musicales.
 Música cinematográfica: es la música, por lo general orquestada e instrumental,
compuesta para acompañar las escenas de una película o teatros y apoyar la
narración cinematográfica. Aunque se la puede considerar como un tipo de
música incidental, constituye por sí misma un género musical.
Clasificación por instrumentación[editar]

 Música vocal : toda música en que interviene la voz. A la música vocal sin ningún
tipo de acompañamiento se le denomina “acapella”. Si se trata de un conjunto
de voces se le llama música coral.
 Música instrumental: obras interpretadas exclusivamente por instrumentos
musicales, sin participación de la voz. Dentro de la música clásica, si la
agrupación de instrumentos es reducida se habla de música de cámara. Cuando
la obra musical es interpretada por una orquesta se habla de música sinfónica.
Si los instrumentos que ejecutan la obra son electrónicos, hablamos de música
electrónica.
 Música pura o abstracta: es música sin referencia a lo extramusical; no trata de
describir o sugerir algo concreto más allá de lo que el oyente sea capaz de
percibir y sentir
 Música programática: es la que se basa en un programa literario, guía o
argumento extramusical. Es música que intenta contar una historia o cuento, la
vida de un personaje, etc. Una derivación de este género es la música
descriptiva, que es la que describe un paisaje, fenómeno o acontecimiento (una
batalla, una tormenta, etc.)

Los géneros musicales en la música actual[editar]

Categoría principal: Géneros musicales
Cuando la expresión "género musical" es usada actualmente en contextos no
académicos, como los comerciales, en las sociedades de autores 4 o por la crítica
de música popular, es utilizada como sinónimo de estilo musical. Suelen hoy
distinguirse tres grandes familias de estilos o géneros: música culta, música
folklórica y música popular.
Música culta
La música culta es también conocida como música clásica,56 docta o académica. El
apelativo de música clásica es un término muchas veces impreciso pero
profundamente arraigado e institucionalizado en la sociedad, además del modo
habitual de referirse a otros vocablos similares, que aparece por primera vez en
el Oxford English Dictionary de 1836.7 Implica todo tipo de
consideraciones teóricas, estéticas y estructurales y habitualmente conlleva una
larga tradición escrita, por lo que sus intérpretes suelen tener años de formación en
un conservatorio.
Música folclórica o tradicional
La música tradicional se ha transmitido oralmente de generación en generación al
margen de la enseñanza musical académica como una parte más de los valores y
de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico que
normalmente la hace difícil de comprender a escala internacional, aunque existen
excepciones notables como el flamenco, la jota, el samba y, en general, todos
los ritmos latinos que hayan mantenido cierta entidad propia con el tiempo. En los
últimos tiempos se han agrupado en la denominación artificial conocida
como músicas del mundo (en inglés world music).
Música popular
La música popular se opone a la música académica y es un conjunto de estilos
musicales que, a diferencia de la música tradicional o folclórica, no se identifican
con naciones o etnias específicas. Por la sencillez y corta duración de sus formas,
no suelen requerir de conocimientos musicales elevados para ser interpretados y se
comercializan y difunden gracias a los medios de comunicación de masas.89 Esta
última afirmación es discutida desde muchos ámbitos de compositores e intérpretes
y cada vez más tiende a pensarse a la música popular y la música culta como
músicas de prácticas diferentes, si bien comparten muchas características de su
lenguaje. Existen músicas populares que requieren habilidades musicales elevadas
y por otro lado músicas cultas extremadamente sencillas. En general puede decirse
que la música culta viene de la música escrita en partituras y la popular de la
tradición no escrita, sea esta popular o profesional. En parte, el surgimiento de los
medios masivos de difusión y el negocio de la música han contribuido a desdibujar
los límites entre estas músicas.10
Dicho brevemente, puede afirmarse que la música popular surge en Europa con la
llegada de la Revolución industrial en el siglo XVIII, cuando la mejora
tecnológica hace posible que los fabricantes puedan comenzar a producir
instrumentos musicales en serie y a venderlos a un precio razonable, llegando así
a la clase media. Otro avance importante en el desarrollo de este tipo de música se
produce en el siglo XIX gracias al fonógrafo de Edison y al gramófono de Berliner,
que permiten al público en general grabar su propia música o escuchar la música
compuesta por los demás sin necesidad de asistir a un concierto en directo. De
hecho, a finales de los años veinte del siglo siguiente, muchos compositores
prestigiosos e intérpretes populares ya habían efectuado múltiples grabaciones que
pudieron difundir a través de otros inventos modernos de la época como la radio y,
posteriormente, la televisión. Pero no será hasta la década de los cincuenta cuando
la música popular alcance realmente la divulgación que tiene hoy en día gracias al
desarrollo del rock and roll y a la popularidad que alcanzaron las gramolas en
los bares, pubs, cafeterías y restaurantes. Además, no tuvo que pasar mucho
tiempo antes de que apareciesen en el sector nuevos estilos como la música
pop, música electrónica, heavy metal, punk, hip hop, y reguetón, hasta tal punto que
actualmente los estilos musicales son tantos y tan variados, y las fronteras tan
difusas, que es difícil saber cuando se está hablando de uno y cuando de otro.
Actualmente existen multitud de estilos musicales en constante evolución. Desde
los que presentan una asentada concepción (tango, blues, salsa, hip hop, entre
otros); hasta amplias y difusas categorías musicales que abarcan un marco
absolutamente heterogéneo musicalmente, de nueva creación por parte de las
discográficas para acercar la música al profano y facilitar su clasificación en los por
ellas denominados "géneros": (música rock, música universal o world music, música
electrónica, entre otros).
Géneros más populares del momento:

1. Rap

Conocido en algunos contextos como hiphop, se trata de un estilo musical

desarrollado en Estados Unidos a finales de la década de 1960 y principios de

1970. En concreto, podemos rastrear su nacimiento en el barrio del Bronx, en la

ciudad de Nueva York.

Durante 1980 y 1990, el rap se diversificó por todo el país y logró desbordar las

fronteras estadounidenses. Algunos exponentes como The Sugarhill

Gang, Cypress Hill o Public Enemy han firmado su rúbrica entre los grupos más

importantes. En español, artistas y grupos como Kase-o, SFDK, Chojín, Control

Machete y Vico C, entre otros, se cuentan entre los precursores. No existe solo

un género de rap. Al contrario, podemos distinguir más de 50 subgéneros de lo

que se considera toda una cultura.

2. K-Pop

Seas o no fanático de este estilo de música, habrás escuchado sobre el K-pop.

Aunque lo asociamos con un género moderno, en realidad podemos rastrear sus

orígenes a principios y mediados de 1990. Sin embargo, desde hace décadas

se identifica el estilo con la música popular de Corea del Sur. El género surgió

en este país asiático bebiendo de las fuentes de diferentes estilos, como lo son

el rock, el jazz, el rap, el reggae, la música electrónica y por supuesto el pop.

Durante la primera década del presente mileno, el género se empezó a hacer

popular en todo el mundo.Tal y como apunta la Federación Internacional de la

Industria Fonográfica (IFPI), el k-pop se posiciona en la actualidad como uno de

los géneros musicales más populares en todo el mundo. Destacamos entre sus

exponentes a BTS, Super Junior, BlackPink y Exo.

3. Rock

Agrupar a todos los subgéneros de esta categoría con la simple etiqueta

de rock es como tratar de condensar a todo el universo en una canica. Sus

orígenes los encontramos en el rock and roll, estilo que surgió a finales de la

década de 1940 y principios de 1950.

Durante 1960 y 1970 el género se diversificó por todo Estados Unidos, momento

en el que surgen los primeros subgéneros musicales. Podemos distinguir, de

esta manera, el rock clásico, el rock folk, el jazz rock, el rock psicodélico,

el country rock y muchos otros.

Dada la cantidad de exponentes importantes, es muy difícil agrupar en este

espacio sus piezas más importantes. Por solo mencionar algunos, destacamos

a Elvis Presley, Chuck Berry, The Beatles, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Janis

Joplin, Pink Floyd, The Doors, The Eagles, David Bowie, Aerosmith, Van

Halen, Guns and Roses, Led Zeppelin y muchos otros más.

4. Música electrónica

Al igual que sucede con el género anterior, con la etiqueta música electrónica se

agrupan una centena de estilos musicales con ciertas características en

común. Podemos fechar su inicio en paralelo con el desarrollo de los primeros

instrumentos musicales electrónicos. Esto es, a finales del siglo XIX. En países

como Alemania, Francia, Estados Unidos y Japón empezaron a distribuirse las

primeras canciones de música electrónica. Durante 1960, 1970 y 1980 el estilo

se consolidó como uno de los géneros musicales más populares. Algunos de los

intérpretes más importantes del género son Jean-Michel Jarre, Kraftwerk,

Autechre, Daft Punk, Boards of Canada, The Orb y The Black Dog, entre

muchos otros. Entre los subgéneros mencionamos disco, techno, trance

music, drum and bass, downtempo y muchos más.

5. Pop

La música pop es otro de los géneros musicales más populares de todos los

tiempos. Sus inicios los encontramos en la década de 1950 y 1960. Para

entonces, el pop y el rock se usaban como sinónimos. A finales de 1960 se

empiezan a distinguir como dos estilos diferentes. Quizá la principal

característica de este género es que se orienta hacia la audiencia general. Más

que dirigirse a un grupo o a una cultura en específico, el pop fue y ha sido

siempre más abierto en cuanto a sus receptores. En este punto es

imprescindible mencionar los nombres de Michael Jackson y Madonna,

conocidos como el Rey del Pop y la Reina del Pop. Aunque siempre fue popular,

a partir de los años 2000 se ha consolidado como uno de los géneros con mayor

expansión.

Muchos géneros musicales remontan su origen a décadas de finales del siglo XIX.

6. Independiente

La música independiente no es un género en sí misma, ya que por sí sola abarca

todos los géneros de nuestra lista. Sin embargo, es una categoría que se usa

con frecuencia para describir las producciones que se alejan de los grandes

sellos discográficos, de las intenciones comerciales, del mercado y con una

libertad completa por parte de su creador al momento de desarrollar las

canciones. De esta manera, podemos encontrar pop

independiente, rock independiente y demás. Prácticamente todos los estilos

musicales nacieron como independientes, puesto que cumplían uno o varios de

los criterios mencionados. También se conoce solo como indie y se perfila como

una alternativa para quienes desean hacer música por vocación artística sin

grandes retribuciones comerciales.

7. Música clásica

No podíamos hacer una lista de géneros musicales más populares sin hacer

referencia a la música clásica. Tiene sus orígenes en la música litúrgica, aunque

después se distanció hacia un estilo más secular. Se distinguen varias

corrientes, como son la música clásica del renacimiento, el romanticismo, el

barroco, el clasicismo. Las producciones actuales se conocen como música

clásica contemporánea. Vivaldi, Bach, Hayden, Mozart, Beethoven, Rossini,

Schubert, Chopin, Liszt, Wagner y Brahms son solo algunos de los nombres que
se evocan al pensar en este género. Se trata de la semilla de todos los estilos

musicales que podemos escuchar en la actualidad.

8. Country

La música country es la antesala del rock y otros géneros que se asocian

inmediatamente con la cultura estadounidense. Tiene sus orígenes a principios

de la década de 1920 del siglo pasado. Algunos la catalogan como música

popular y otros como folclórica. James Gideon, John Carson, Jimmie Rodgers y

Cliff Carlisle fueron algunos de sus principales precursores. Otros artistas que

ganaron fama internacional con este género fueron Johnny Cash, Patsy Cliney

y Jim Reeves. Hoy el estilo se escucha en todo el mundo, aunque con mayor

fuerza en los Estados Unidos.

9. Metal

Técnicamente, el metal, también conocido como heavy metal, es un subgénero

de la música rock. Dada su importancia, trascendencia, características e
infinidad de grupos que lo han desarrollado, no dudamos en incluirlo bajo una
sección única en nuestra lista de géneros musicales más populares de todos los
tiempos. El enfoque en ritmos más fuertes y solos de guitarra largos son dos de
sus principales características. Como subgénero del rock, surgió a mediados de
1960 y se consolidó por completo durante 1970 y 1980. Bandas como Led
Zeppelin, Black Sabbath, Judas Priest, Iron Maiden y Motörhead son algunos
de los ejemplos de este estilo.
10. Folk

La música folk, conocida también como música folklórica, engloba una serie de

estilos que guardan relación con las tradiciones de los pueblos rurales. El

término folk se acuñó en Estados Unidos y es una variante de la locución

alemana volk. Con esta se denominaba a la gente sencilla o inculta.En sus

inicios, la música folk hacía referencia a todos los estilos musicales que

formaban parte de las zonas rurales. El banjo, el violín, el contrabajo y la guitarra

se consideran los instrumentos predilectos de este género. Por supuesto, hoy

ha evolucionado hasta el punto de que algunos artistas utilizan instrumentos

eléctricos y hasta sintetizadores. Si somos más estrictos, la música folk abarca

todos los estilos musicales de los pueblos tradicionales. Por tanto, también se

le denomina música tradicional. Esta categorización es un problema, debido a

que muchas manifestaciones no guardan mayor relación entre sí.

11. Flamenco

El flamenco no es un solo un género musical ni tampoco un estilo. Su historia y

particularidades desbordan estas categorías, de manera que sus fanáticos,

precursores y exponentes lo consideran una cultura. Sus orígenes los

encontramos en España, a través de una mescolanza que coincidió en el sur de

la península. La hipótesis más aceptada es que su nacimiento ocurrió en algún

punto de finales siglo XVIII. La voz, la guitarra y el baile del flamenco han hecho

que se distinga de otros géneros musicales más populares. También

encontramos diferentes subgéneros dentro de él, como es el caso del toná.

La UNESCO lo considera desde el 2010 como parte del Patrimonio Cultural

Inmaterial de la Humanidad.

12. Jazz

El jazz nace entre las comunidades afroamericanas de Nueva Orleans, Luisiana,

en Estados Unidos. Sus primeros pasos los encontramos a finales del siglo XIX,

aunque su consolidación, expansión y aceptación no se logró hasta las primeras

dos décadas del siglo XX. Entre otras cosas, la improvisación es una de sus

características más importantes.

A medida que pasaban los años, el género iba añadiendo nuevas referencias

hasta conformar más de 50 subgéneros diferentes. Destacamos entre estos

el hard bop, el cool jazz, el gypsy jazz, el bebop, el cape jazz y el modal jazz,

entre otros. Nombres como Gene Krupa, Benny Goodman, Eddie Condon, Ella
Fitzgerald, Billie Holiday, Louis Armstrong y Ray Charles se cuentan entre los

principales exponentes.

13. Salsa

La salsa en un género que se suele catalogar como música latina, de manera

que muchas veces se confunde con otros, como el merengue, el mambo, la

guaracha, la bachata, el son y decenas de géneros de Iberoamérica. También

se conoce como música para bailar, con diferentes subgéneros, como la salsa

dura, la salsa romántica y la timba. Sus orígenes los encontramos en una

combinación de ritmos caribeños y afroamericanos, aunque con el paso de los

años fue bebiendo de diferentes culturas hasta consolidar un estilo muy

particular. Algunos de sus exponentes son Joe Cuba, Marc Anthony, Héctor

Lavoe, Tito Nieves, Johnny Pacheco, Oscar D`León, Rubén Blades, Willie Colón

y Celia Cruz.

La salsa ha tenido entre sus grandes exponentes a artistas cubanos.

14. Blues

El blues es un género musical que tiene sus orígenes en el sur de los Estados

Unidos. En concreto, a mediados de 1860. Está relacionado directamente con

las comunidades de trabajo de la población afroamericana. El blues es la base

sobre la que se han construido otros géneros, como el jazz, el rock o la

música country. Al igual que sucede con la mayoría de los estilos,

el blues cuenta con decenas de variantes que impiden identificar a todos sus

exponentes bajo un mismo criterio. Algunos como Robert Leroy, Riley Ben King,

Willie Dixon y Albert King se cuentan entre sus principales intérpretes.

15. Reguetón
El reguetón es una de las caras más visibles de la música hispanoamericana

desde principios del siglo XXI. Su origen se remonta a mediados de 1990, con

influencias del reggae y el rap. Puerto Rico fue su cuna. En cuanto a los

intérpretes, Daddy Yankee fue uno de sus pioneros. Incluso se le atribuye a él

la denominación del nombre del estilo musical en una de sus canciones. Otros

de los exponentes de mayor importancia son Tego Calderón, Don Omar, Héctor

& Tito, Nicky Jam, Wisin & Yandel.

16. Reggae

El estilo musical desarrollado en Jamaica a mediados de 1960 se trata de una

evolución del rocksteady, otro género surgido en la isla del Caribe. Algunos de

sus exponentes más conocidos son Bob Marley, Johnny Nash, Prince Buster,

Desmond Dekker, Peter Tosh y Bunny Wailer, entre muchos otros. Existen

muchos subgéneros del estilo musical, aunque todos comparten características

en común. La música está estrechamente ligada al movimiento rastafari, hasta

el punto que de manera popular se confunden ambos términos. Desde 2018,

la UNESCO lo considera Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

17. Punk

También conocido como punk rock, es un género musical desarrollado a

mediados y finales de los años 1970. En sus inicios, sus diferencias con

el rock eran muy tenues. Con el pasar del tiempo fue adquiriendo su propia

personalidad, hasta consolidarse como un género aislado. Entre las bandas más

emblemáticas destacamos Ramones, Sex Pistols, The Clash, The

Dammed y The Dead Boys. El punk se ha asociado con toda una cultura (o

contracultura, para ser más precisos), que derivó en lo que se conoce como

el movimiento punk. Aunque es un estilo que ha sufrido altibajos, sigue siendo

uno de los géneros musicales más populares de la actualidad.

Géneros pictóricos. Comentado [mm3]: Géneros pictóricos.

Pictórico es un adjetivo que proviene de pictor, un término latino que puede

traducirse como “pintor”. Lo pictórico, por lo tanto, hace referencia a lo que está

vinculado a la pintura. Para entender el concepto de pictórico, resulta inevitable

saber con claridad a qué se refiere la noción de pintura. Por un lado, la pintura es

aquella sustancia que se emplea para cubrir un material, dejando una capa muy

delgada sobre él. Pintura, por otra parte, es el nombre que recibe la obra

de arte sobre la que hay algo pintado e incluso la denominación de esta rama

artística en general.

Si hablamos del arte pictórico, de este modo, nos estaremos refiriendo a aquellas
manifestaciones expresivas que se desarrollan con pintura. Existen diversos
soportes pictóricos, como el lienzo, un mural o una madera. Un artista puede dibujar
y esparcir pigmentos sobre estos soportes para crear una obra. Los géneros
pictóricos se suelen clasificar en cuanto a su contenido
temático: retrato y autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades, paisaje y marina,
pintura religiosa, mitológica, alegórica, de historia, de género, etc. No debe
confundirse esta con las clasificaciones de la pintura según su técnica (dibujo,
grabado, fresco, temple, óleo, encáustica, acrílica, mixta, etc.) o soporte (mural,
lienzo, papel, etc).

Antiguamente se denominaba “pintores de género” a los que se ocupaban de un

solo género o subgénero: pintura de paisajes o "país" (campos, ríos y montañas,
follajes, celajes, marinas, arquitecturas4), pintura de flores,5 de animales,
de ropajes, de joyas,6 etc. El término tenía un cierto sentido peyorativo, ya que
parecía que el artista que trataba solo esos asuntos no valía para otros (de hecho,
en la división gremial del trabajo pictórico, se les encargaban explícitamente esas
partes de las obras mayores que firmaban maestros más importantes), y se
contraponía al “pintor de historia”, que en una sola composición trataba todos esos
elementos, incluyendo las figuras humanas en todo tipo de poses o actitudes). Se
había establecido una jerarquía de géneros, estipulada académicamente. En el
siglo XVIII, "pintor de género" era el que representaba escenas de la vida
cotidiana (temas anecdóticos, como los que ya se habían tratado abundantemente
en la pintura holandesa o por los bamboccianti), opuesto igualmente al pintor de
historia, que trataba temas religiosos (del Antiguo o Nuevo Testamento, vidas de
santos o escenas alegóricas), mitológicos o históricos (del pasado remoto o más
actuales -en ausencia de fotografía, la pintura cumple un papel de crónica
de acontecimientos-). En cambio, a partir del siglo XIX, al perder la pintura de
historia su posición privilegiada con los cambios estéticos de la pintura en la Edad
Contemporánea, se otorgó igual categoría a las demás. Durante un tiempo, la
"pintura de género" pasó a ser la que, sin ser "de historia", tampoco podía
clasificarse en las principales cuatro categorías reconocidas (retrato, desnudo -o
"academia"-, paisaje y bodegón -o "naturaleza muerta"-); siendo "pintor de género"
el que no tenía ningún género definido. Finalmente, al eliminar cualquier jerarquía
en la representación artística, se pasó a considerar pintura de género cualquier obra
que represente escenas de la vida cotidiana, al tiempo que aún se habla de géneros
artísticos para designar los diversos temas que han sido recurrentes en la historia
del arte, haciendo así una síntesis entre los diversos conceptos anteriores. 7

Fotografía
Se llama fotografía a una técnica y a una forma de arte que consisten en capturar Comentado [mm4]: Fotografía.
imágenes empleando para ello la luz, proyectándola y fijándola en forma de
imágenes sobre un medio sensible (físico o digital). La fotografía toda se basa en el
mismo principio de la “cámara oscura”, un instrumento óptico que consiste en un
compartimiento totalmente oscuro dotado de un agujero pequeño en uno de sus
extremos, por el cual ingresa la luz y proyecta sobre el fondo oscurecido las
imágenes de lo que ocurra afuera del compartimiento, aunque invertidas. En el caso
de las cámaras fotográficas, el principio es exactamente el mismo, excepto que
están dotadas de lentes para afinar el foco de lo proyectado, espejos para reinvertir
la imagen proyectada y por último una cinta fotosensible (o un sensor digital
semejante), que capta la imagen y la guarda, para poder luego revelarla o
visualizarla digitalmente. Las imágenes obtenidas así también se denominan
fotografías o fotos, y son el resultado de décadas de perfeccionamiento de la técnica
y de los materiales fotosensibles, hasta lograr la calidad óptica de las cámaras
modernas. Además, esta tecnología permitió el desarrollo y perfeccionamiento de
otras semejantes, incluida la cinematografía. Antes de inventarse la cámara
fotográfica hubo intentos por capturar la imagen visual, con heliograbados y
daguerrotipos, técnicas precursoras del siglo XIX que tuvieron mediano éxito, pero
resultaban muy costosas y poco nítidas. La fotografía como tal se inventa en la
transición hacia la sociedad industrial, obedeciendo al espíritu de la época que
anhelaba la objetividad y la veracidad racional (el positivismo). Heredó del
daguerrotipo su uso de películas fotosensibles de plata pulida, revelada con vapores
de mercurio. Pero estos eran elementos tóxicos y sucesivos científicos e inventores
del siglo XIX fueron dando con mejores métodos y mejores resultados, hasta la
aparición de las placas de bromuro en 1871 y luego la película fotográfica como tal
en la primera cámara kodak en 1888. Posteriormente, la técnica no parará de
innovar: en 1907 Lumière inventa la fotografía a color, en 1931 se logra el primer el
flash electrónico, en 1948 la fotografía polaroid, y en 1990 la digitalización
fotográfica. La fotografía cumple un rol documental o periodístico importante en
nuestros días, ya que permite capturar imágenes reales y reproducirlas en medios
físicos o digitales, pudiendo así observar evento que ocurrieron en otras latitudes
y/o en otros tiempos históricos.
El periodismo, la ciencia y la historia hoy en día son inseparables de la fotografía, y
en cualquier casa del siglo XX se conseguían álbumes de fotos o portarretratos. En
el siglo XXI, en cambio, el lugar para acumular las fotografías parece ser el digital:
los discos rígidos de las computadoras o incluso las redes sociales. Por otro lado,
la geografía, la astronomía y otras ciencias aplicadas han visto en la fotografía la
oportunidad de capturar y agrandar la imagen de objetos enormemente lejanos o
infinitamente chicos, pudiendo así divulgarlas masivamente.

Características de la fotografía
La fotografía consiste en convertir la luz de un momento determinado en una
impresión física de lo visible a través de la cámara. En ese sentido, es fija (carece
de movimiento), es ineditable (excepto mediante recursos digitales) y es duradera
en el tiempo, si bien con el pasar de los años sus materiales van perdiendo calidad
y por lo tanto nitidez de la imagen.

Tipos de fotografía
De acuerdo a sus pretensiones y la naturaleza del objeto fotografiado, podemos
hablar de:

 Fotografía publicitaria. Aquella que sirve de publicidad o promoción a los

productos de consumo, sean los que sean. A menudo es objeto de
intervenciones digitales y otro tipo de “correciones” estratégicas.
 Fotografía de moda. Aquella que acompaña a los desfiles y a otros eventos de
moda, haciendo énfasis en la manera de vestir o de lucir o de peinarse.
 Fotografía documental. También llamada histórica o periodística, se hace con
fines informativos o pedagógicos, es decir, como parte de la transmisión de un
mensaje.
 Fotografía paisajística. Aquella que se toma para exhibir la naturaleza en su
plenitud, como las tomas aéreas o submarinas, usualmente muy abiertas y
llenas de color.
 Fotografía científica. La que toman los estudiosos de la naturaleza a través de
telescopios, microscopios y otras herramientas, para mostrar lo que
comúnmente no se puede observar a simple vista.
 Fotografía artística. La que persigue fines estéticos: retratos, montajes,
composiciones, etc.

No siempre se consideró la fotografía como un arte posible, dado que carecía en

sus inicios de la difusión y aceptación de hoy en día, y se prefería la pintura como
medio artístico de representación de la realidad. Sin embargo, a lo largo del siglo
XX se desarrollaron tendencias estéticas novedosas que influyeron en las
sensibilidades de la época y le abrieron campo al arte fotográfico para demostrar su
potencial subjetivo, ya que se pensaba que no hacía más que mostrar los objetos
puestos delante de la cámara.
Como hemos dicho, la fotografía se basa en la cámara oscura: un compartimiento
totalmente oscuro con un agujero pequeño en uno de sus extremos, por el cual
ingresa la luz proveniente de afuera y proyecta sobre el fondo las imágenes del
mundo exterior, aunque invertidas.

Exactamente eso ocurre en el interior de las cámaras fotográficas, excepto que ellas
están dotadas de:

 Un diafragma que se abre para permitir la entrada de luz y cierra para

impedirla, a una velocidad manejable;
 Lentes ópticos que permiten enfocar lo proyectado;
 Espejos que reinvierten la imagen proyectada;
 Cinta fotosensible o un sensor digital, para captar la imagen y reproducirla.

A la hora de capturar la imagen, los fotógrafos toman en cuenta los siguientes

elementos:

 Enfoque. La disposición justa de los lentes de la cámara que permite que la

imagen se capture con la nitidez precisa, haciendo foco en los elementos
importantes de la misma y no en el fondo.
 Apertura. El grado de apertura del diafragma, o sea, equivalente a la cantidad
de luz que se deja entrar de golpe al presionar el obturador. A más cantidad
de luz permitida, blancos más intensos y brumosos; a menor cantidad,
fotografías oscuras.
 Velocidad de obturación. La cantidad de tiempo durante la cual se expone la
película o el sensor a la luz del exterior de la cámara. Si la luz ambiental es
poca, requerirá mayores tiempos de exposición, y viceversa.
 Balance de blancos. Sólo en los equipos digitales contemporáneos, el
computador que hay dentro del aparato permite calibrar la temperatura del
color, optando entre una luz más blanca (fría) o amarilla (cálida).
 Sensibilidad fotográfica. Antiguamente tenía que ver con el tipo de material
fotosensible: algunos permitían captar más luz que otros, pues tenían
distintos grados de sensibilidad. En los equipos digitales el sensor está
programado para simular dichos efectos, permitiendo una mayor o menor
sensibilidad según se desee.

Géneros cinematográficos. Comentado [mm5]: Géneros cinematográficos

Desde un punto de vista sencillo, casi simplista, podemos decir que el género en
el cine es el tema general de una película que sirve para su clasificación.
Profundizando algo más concluimos que el género caracteriza los temas y
componentes narrativos englobándolos en un conjunto o categoría. En todo caso,
nosotros entendemos el género cinematográfico como una forma de narrar, en
cierto modo “tipificada”, que aporta básicamente:
 Para el espectador es un esquema de partida, un organizador previo, que le
permite crear expectativas e inferencias y decidir su aproximación o no a la
obra. El espectador establece sus propias etiquetas para reconocer las
películas; es casi como una necesidad para interesarse y empezar a hablar de
una determinada película1.
 Para el creador es como un modelo rector que le marca líneas de construcción,
ambientación y presentación de la obra de tal modo que sea reconocible por el
espectador en función del género cinematográfico elegido.
 Para la industria aporta eficacia y rentabilidad en la producción y promoción
comercial, en tanto que los géneros configuran de diferente manera la
mercadotecnia para la distribución de película.
Géneros televisivos. Comentado [mm6]: Géneros televisivos.

¿Qué es el género televisivo?

El género se refiere al programa en general, mientas que el formato se refiere a la
forma particular en que se desarrolla cada uno de estos programas. En televisión
se considera que existen tres grandes géneros: informativo, ficción,
entretenimiento.
Evolución de programas televisivos
La radio fue el medio predecesor de la TV como medio de comunicación y
entretenimiento. En su momento, la radio creó y desarrolló todo tipo de géneros,
que posteriormente fueron adoptados por la TV. Entre los primeros géneros de la
radio encontramos: Informativos; Debate/charla; Entrevista;
Difusión/didáctico; Representación ficcionada/teatro hablado;
Concursos; Musicales; Retransmisión en directo (deportiva u otros). No obstante,
fueron atravesados los primeros obstáculos para su adaptación al formato
 audiovisual como para alcanzar la riqueza expresiva y tecnológica suficiente para
fueron asumidos plenamente por el medio televisivo.
Tipos y ejemplo de programas informativos
Son aquellos programas que están abarcados entre los que tienen carácter
informativo, más allá de la información que introduzcan o que incorporen opinión,
tertulia o interpretación. Podemos encontrar estos espacios. Son los conocidos
como el Telediario de TVE, por ejemplo. Espacios vertebrados por la noticia
televisiva que abarcan todo tipo de temas de actualidad, desde políticos hasta
culturales o deportivos.

 Reportajes: otros espacios que encontramos dentro de los informativos son los
focalizados en el reportaje. Es el caso de Informe Semanal de TVE, Reporteros
Cuatro, etc.
 Otros espacios: otros espacios que entendemos como informativos son los
documentales, la entrevista o la tertulia.
Tipos y ejemplo de programas de Entretenimiento
 Magazines: engloba géneros diversos y sirve como formato contenedor
 Galas: con actuaciones musicales, de humor, etc. Como Operación triunfo o
Eurovisión.
 Concursos: de azar, de méritos, etc. Como la ruleta de la suerte.
 Reality-shows: género muy popular en los últimos años que suele incluir algún tipo
de concurso, tales como de famosos, de convivencia, de méritos, etc. Como Gran
Hermano.
Tipos y ejemplos de programas de Ficción
 Series: con tramas específicas por capítulo y tramas de larga duración.
 Miniseries: series de corta duración.
 Telenovelas: tramas continuadas entre capítulos.
 Tv movies: películas producidas específicamente para televisión. No se estrenan en
cine.
 Cine: películas que se emiten en televisión después de un tiempo de explotación
comercial en los cines
Arquitectura. Comentado [mm7]: Arquitectura.

¿Qué es y para qué sirve la arquitectura?

La arquitectura es, en esencia, el arte y la técnica de proyectar y diseñar edificios,
espacios y estructuras, enfocándote en el diseño, la creación, la mejora y la
restauración de espacios físicos a partir de las necesidades del ser humano.

La arquitectura es el arte y la técnica de proyectar y construir edificios. El concepto

procede del latín architectura que, a su vez, tiene origen en el griego. Puede decirse

que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente físico para

satisfacer las necesidades del ser humano. Los arquitectos no sólo se encargan de

desarrollar construcciones en función de su forma y utilidad, sino que también

siguen preceptos estéticos. Por eso, la arquitectura suele ser considerada como una

de las bellas artes.

En arquitectura no se habla tanto de géneros como de tipologías arquitectónicas,14

que dependen de la configuración global, la técnica, la construcción y la decoración,
pero esencialmente de la función: la vivienda, la tumba, el templo, el palacio,
la torre, el castillo, el mercado, el centro comercial, el taller, la fábrica,
el rascacielos, etc.; y subdivisiones de la arquitectura como la arquitectura religiosa,
la arquitectura civil, la arquitectura militar, la arquitectura industrial, la arquitectura
funeraria, la arquitectura rural, la arquitectura hospitalaria,15 la arquitectura
escolar,16 etc.17
No deben confundirse con los estilos arquitectónicos (los que sucesivamente se han
desarrollado en la historia de la arquitectura -
prerrománico, románico, gótico, renacentista, barroco, neoclásico, etc.-) o
los órdenes arquitectónicos (los clásicos, manifestados en los tres tipos de
columnas griegas: dórico, jónico y corintio).

La arquitectura nació junto con la civilización humana, en el período Neolítico.

Sólo fue necesaria cuando el hombre nómada o semi nómada pudo asentarse.

Ello fue sólo posible tras la invención de la agricultura y la domesticación de distintas

especies vegetales y animales.

Cuando el ser humano alcanzó esos logros, pudo a su vez empezar a planificar sus
hogares y asentamientos.
Así se originaron los primeros pueblos y ciudades. Además modificar o construir
espacios para habitar, la arquitectura se desarrolló especialmente al
planificar recintos ceremoniales y edificios administrativos.

Historia de la arquitectura

Existen registros de la arquitectura desde los primeros templos ceremoniales o

tumbas de reyes en la antigüedad. En muchos casos se trataba de proyectos
monumentales como las Pirámides de Egipto, los Zigurats mesopotámicos o los
templos griegos con sus columnas impresionantes que luego heredaron
los romanos.

El tratado más antiguo en la materia del que se tiene noticia, data del siglo I a. C.,
titulado De architecturay. Su autor fue el arquitecto romano Marco Vitruvio.

La antigüedad clásica fue un hito de importancia en la historia arquitectónica

de occidente. De hecho el nombre mismo de la disciplina así lo delata: archós (“jefe,
principal”) y téctön (“constructor”). Etimológicamente, un arquitecto es un
constructor en jefe.

Desde esas épocas antiguas, la arquitectura se ha transformado al ritmo de

diferentes cambios sociales que modificaron estilos y funciones de los edificios.
Gracias a ella la humanidad ha aprendido a hacer del mundo un lugar más
hospitalario para sí y para sus fines.

¿Para qué sirve la arquitectura?

La arquitectura sirve, en general, para modificar los espacios y construir

edificaciones que nos resguarden los elementos (lluvia, frío, calor, viento, etc). En
ese sentido, un arquitecto es útil para:

 Planificar, diseñar y liderar la construcción de edificios que alberguen

distintos tipos de oficios humanos, desde viviendas hasta fábricas u oficinas.
 Planificar y diseñar el espacio público de las ciudades, para embellecer el
entorno urbano, para facilitar el tránsito o para resolver problemas puntuales.
 Diagnosticar y reformular las edificaciones humanas que se encuentren
deterioradas para alargar su vida o, dado el caso, para erigir una nueva
edificación.
 Diseñar la ubicación de parques, plazas y otras formas de presencia vegetal
dentro de la ciudad.
La arquitectura comprende diversas formas de aplicación, tendencias y estéticas.
Ello implica numerosas y diversas formas de clasificación, la principal de las cuales
reconoce dos formas distintas:

 Arquitectura histórica o estilística. Esta categoría incluye los diversos

edificios arquitectónicos cuyo rasgo principal es su sintonía con su origen en
el tiempo y la cultura, como pueden ser iglesias barrocas, monumentos
romanos, etc.
 Arquitectura popular o tradicional. Aquellas edificaciones construidas por
arquitectos de poca profesionalización, privilegiando los aspectos
funcionales por encima de los estéticos.

En otros ámbitos puede distinguirse el tipo de arquitectura según distintos criterios:

 Según funcionalidad. Atendiendo al cometido que cumplen, las obras se

distinguen en religiosas, militares y civiles.
 Según período. Esta clasificación atiende a las obras en tanto documentos
históricos, reconociendo a partir de su estilo, su ornato y sus materiales el
período en que fue construida: arquitectura barroca, romana,
neoclásica, gótica, etc.

La arquitectura moderna (no debe confundirse con la modernista) abarca el

conjunto diverso de estilos que se cultivaron en el mundo entero a lo largo del siglo
XX. Su germen se remonta a la Escuela de la Bauhaus, una de las principales
de Europa, fundada en Alemania en 1919.

Esta tendencia constituyó una verdadera revolución, operando en base a dos

principales tendencias:

 Racionalismo arquitectónico. Surgido en rechazo del Art Noveau de después

de la Primera Guerra Mundial, propuso hallar un balance entre la imitación
de las tendencias tradicionales y el tecnicismo uniformador de la
contemporaneidad.
 Arquitectura orgánica. También llamada organicismo arquitectónico,
promueve la sana convivencia entre el hábitat natural y el urbano, buscando
integrarse al sitio y a la naturaleza dada. Es heredero
del funcionalismo o racionalismo y fue promovido enormemente en el
llamado Primer Mundo.

Arquitectos famosos

Algunos de los más célebres arquitectos de la historia han sido:

 Leonardo Da Vinci (1452-1519).

  Gustave Eiffel (1832-1923).
 Antonio Gaudí (1852-1926).
 Frank Lloyd Wright (1867-1959).
 Le Corbusier (1887-1965).
 Oscar Niemeyer (1907-2012).
 Santiago Calatrava (1951-).

Escultura. Comentado [mm8]: Escultura.

Se llama escultura (del latín sculptūra) al arte de modelar el barro, tallar en piedra,
madera y otros materiales. Las primeras manifestaciones escultóricas se remontan
al Paleolítico inferior, cuando el hombre cortaba el sílex percutiendo contra otra
piedra. Posteriormente utilizó el grabado, el relieve en piedra y en huesos de
animales. Hace unos 27 000 y 32 000 años aparecen representadas unas
exuberantes figuras humanas femeninas de piedra, en una exaltación artística de
la fertilidad;3son las «venus paleolíticas», como la Venus de Willendorf y la Venus
de Lespugue.3Durante el período Magdaleniense se utilizaron bastones
y propulsores con motivos ornamentales. En el Paleolítico superior, los ejemplos
más abundantes son tallas u objetos grabados que evolucionaron desde una fase
más primitiva, con decoraciones más esquemáticas, hasta llegar a la representación
de figuras animalísticas que se adaptaban a la estructura del hueso. 2
La arcilla también fue un material habitual. Las primeras piezas escultóricas que se
conocen proceden de Egipto, China, India y el Cercano Oriente, lugares donde
hacia el 4000 a. C. ya existían hornos para fabricar objetos de alfarería.4
Uno de los avances más importantes en la historia de la escultura fue el poder
trabajar el metal—primero el bronce y luego el hierro—, que sirvió para fabricar
herramientas más eficientes y, además, obtener un nuevo material para realizar
obras escultóricas. El proceso de construcción de la obra primero en arcilla y luego
vaciarla en bronce ya se conocía en las antiguas civilizaciones griegas y por
los romanos, y es el sistema que actualmente, en el siglo XXI, todavía se utiliza. 5A
partir del siglo V a. C., en el último periodo del Edad del Hierro,
los celtas desarrollaron la cultura de La Tène, propagándose por toda Europa;
representó una evolución del arte de la cultura de Hallstatt. En la decoración de
todos sus objetos, espadas, escudos, broches y diademas, se pueden observar
motivos de animales, plantas y figuras humanas. A partir del siglo III a. C. se
acuñaron las primeras monedas siguiendo los modelos helénicos, así como obras
figurativas como el Dios de Bouray, realizado en chapa de cobre repujada.6
Atigüedad
Del arte púnico y grecopúnico se conservan muchas estatuas, en general
femeninas, y bustos de barro cocido, junto con una diversidad
de amuletos de marfil y de metal que se descubrieron en
las necrópolis de Ibiza y Formentera. Se calcula que las más antiguas son obras del
siglo VIII a. C. y su fabricación tuvo continuidad hasta muy avanzada la dominación
romana. En cuanto a la escultura ibera las obras encontradas son de piedra y bronce
y provienen de tres grandes áreas del sur, centro y el levante de la península ibérica,
destacando el excelente busto de piedra de la Dama de Elche, de inspiración
griega.7 La estatuaria arcaica fue principalmente religiosa. Los templos se
decoraban con imágenes de los dioses, de sus hazañas y batallas, y las figuras eran
poco realistas. Las korai y los kouroi no son retratos de personas concretas, a los
rostros se les ponía una sonrisa ficticia, un gesto facial conocido en el mundo del
arte como «sonrisa arcaica». De este periodo cabe citar la Cabeza de Dipilón,
fragmento de una estatua colosal de mármol del siglo VI a. C. y el Jinete Rampin (c.
560 a. C.) obra posterior que presenta un tratamiento más cercano al naturalismo. 8
La escultura griega alcanzó un elevado grado de perfección, calidad que venía
impulsada por la búsqueda de una mejor expresión de la belleza de la figura
humana; llegaron a establecer un canon con unas proporciones consideradas
«perfectas». Desgraciadamente, el Auriga de Delfos, la pareja de los Bronces de
Riace junto con la del Dios del cabo Artemisio forman parte de las pocas esculturas
griegas en bronce que se conservan completas.9Uno de los artistas más significativo
del período clásico fue Praxíteles, autor del magnífico Hermes con Dioniso niño .
Durante el período helénico se observa que en la creación de esculturas, hay una
clara intención de intensificar el movimiento y acentuar las emociones como se
puede observar en el conjunto escultórico de Laocoonte y sus hijos.10 La escultura
etrusca (siglo IX a. C.—siglo I a. C.) derivaba del arte griego, pero también
realizaron obras con unas características propias. 11La estatuaria vinculada a los
contextos fúnebres es, la producción etrusca más abundante y el material de
elección, por regla general, era la terracota, como el célebre Sarcófago de los
esposos.12Posteriormente, la escultura romana recibió la influencia de la etrusca y
de la griega, y los artistas romanos llegaron a realizar numerosas copias de obras
griegas. Cabe destacar las esculturas conmemorativas, como las de la Columna de
Trajano (114), donde se narran varias batallas en una espiral continua que ocupa
toda la superficie de la columna, o la Estatua ecuestre de Marco Aurelio.13Pero uno
de los tipos de escultura que más desarrollaron fueron los retratos, obras realistas
con un marcado carácter psicológico que se realizaron en todo el Imperio
Romano.14
Edad Media.
Las obras escultóricas más destacadas del Imperio Bizantino son los trabajos
ornamentales de los capiteles; hay buenos ejemplos en San Vital de Rávena. Eran
habituales los relieves en marfil aplicados en cofres, dípticos o la célebre Cátedra
del obispo Maximiliano, una obra tallada hacia el año 550.15Es característico del arte
otoniano las pequeñas esculturas en marfil y bronce a las que se añadían
incrustaciones de piedras preciosas. También de bronce son las puertas de
la iglesia de San Miguel de Hildesheim, una obra emparentada con el arte
bizantino y el arte carolingio. Cabe destacar las imágenes de madera recubiertas
de oro que se utilizaban como relicario. Entre estas, destaca el Crucifijo de
Gero (siglo X), en madera policromada, que se encuentra en la catedral de
Colonia.16 La escultura románica (siglo XI—siglo XIII) estaba al servicio de
la arquitectura y se encuentran muchos ejemplos en torno a las grandes rutas
de peregrinaje, como la del Camino de Santiago.17Los escultores trataron diversas
partes de las iglesias — tímpanos, portadas y capiteles con historias sobre
temas bíblicos—, con un gran realismo. El Maiestas Domini y el Juicio Final fueron
los temas iconográficos más representados.18El material más empleado fue la
madera, que era usada para la elaboración de imágenes de devoción como las
«Vírgenes con Niño», muy representadas por toda Cataluña y por el sur de Francia.
Pero, la imagen más importante del románico, fue el Cristo en Majestad, destacan
el Volto Santo de Lucca, en la Catedral de Milán, y también el Cristo de Mig Aran y
la Majestad de Batlló en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.19 La puerta de
la Catedral de Chartres (1145) es uno de los primeros ejemplos de escultura gótica,
y en ella, entre otros personajes, están representados animales fabulosos que dan
forma a las gárgolas. En Alemania, tanto en el exterior como el interior de
la Catedral de Bamberg (siglo XIII) se encuentran unas esculturas muy
significativas, un buen ejemplo es la Estatua ecuestre del Caballero de Bamberg.
Una innovación son las esculturas sobre temas dramáticos, con escenas de
la Pasión de Cristo y la Piedad. Al final del período gótico, en Alemania se
realizaron unos magníficos retablos, ejecutados por artistas como Tilman
Riemenschneider y Veit Stoss. En el reino de Castilla trabajaron los escultores Gil
de Siloé y Alejo de Vahía.20En cuanto al reino de Aragón, Aloi de Montbrai realizó
el Retablo de los Sastres de la Catedral de Tarragona y Pere Moragues esculpió el
sepulcro de Fernández de Luna, pieza que se encuentra en la Catedral de San
Salvador de Zaragoza. También cabe destacar el relieve de San Jorge del Palacio
de la Generalidad de Cataluña ejecutado por Pere Joan.20Claus Sluter, artista
flamenco, realizó la portada de la cartuja de Champmol (Dijon) y un pedestal del
pozo del claustro conocido como el Pozo de Moisés. En Italia, en Pisa y Siena, los
escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano dejaron obras de gran calidad,
donde ya anuncian el paso hacia una nuevo tipo de escultura. 2120
Edad Moderna
Los historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inició con el
concurso para realizar las puertas del baptisterio (1401) de la ciudad de Florencia,
al que se presentaron Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti.22La nueva forma
artística del renacimiento se inspiraba en la escultura de la antigüedad clásica,
buscando una total exaltación de la belleza. La matemática se convirtió en su
principal ayuda, con la aplicación en todas las artes de determinados principios y
leyes como, por ejemplo, la perspectiva. Surgieron grandes mecenas, como
los Médici de Florencia, los papas de Roma, además de cardenales, príncipes y
también los gremios.23En esta época la escultura prácticamente quedó desligada de
la arquitectura y los personajes representados mostraban expresiones llenas de
dramatismo, se puede observar en esculturas de Miguel Ángel como, por ejemplo,
el David. Durante las diferentes etapas del quattrocento y
del cinquecento en Italia se realizaron las mejores obras del renacimiento gracias a
la actividad de grandes escultores como Donatello, Jacopo della Quercia, Luca
della Robbia, Andrea del Verrocchio y Miguel Ángel, el gran artista representativo.24
En el resto de Europa fue incorporándose el nuevo estilo un poco más tarde y por
influencia directa de Italia y sus escultores. Muchos de ellos viajaron a otros
países: Andrea Sansovino lo hizo a Portugal y Pietro Torrigiano a Inglaterra, este
artista fue más tarde a España, donde también trabajaron Domenico
Fancelli y Jacopo Florentino junto con los escultores de origen francés, Felipe
Bigarny y Juan de Juni. Cabe destacar los trabajos de Bartolomé
Ordóñez en Barcelona, en el trascoro de la catedral de la ciudad, y de Alonso
Berruguete en Castilla. En los Países Bajos, Conrad Meit fue un especialista de
retratos y Jacques du Broeuq realizó numerosas obras y fue el maestro
de Giambologna que desarrollaría su obra en Italia. En Francia se realizaron
esculturas con gran influencia italiana, así, a Pierre Puget era considerado como el
«Bernini francés».25Uno de los temas más habituales fueron los monumentos
sepulcrales, donde la figura del yacente era tratada con un gran realismo; por
ejemplo, el Memorial de René Chalon de Ligier Richier.26 Giambologna es el que
presenta en su escultura, como El rapto de las sabinas , el estilo del manierismo. A
finales del cinquecento, los escultores trataron las figuras alargando sus
proporciones y mostrando unos posados artificiales y opuestos —mujer y hombre,
vejez y juventud, belleza y fealdad—, y con la sinuosidad de unas formas en
(serpentinata), una especie de movimiento de rotación de las figuras y los grupos
escultóricos.27El Concilio de Trento (1545 - 1563) marcó una nueva orientación en
las imágenes religiosas; Gian Lorenzo Bernini —autor de David, Apolo y
Dafne y Éxtasis de Santa Teresa—, fue el escultor que más influyó en el escultura
barroca, donde se buscabann efectos emotivos y dramáticos.28En Francia destaca
la obra de Simon Guillain y de Jacques Sarazin haciendo retratos de la nobleza, la
tumba del cardenal Richelieu realizada por François Girardon y las esculturas del
jardín del Palacio de Versalles de Pierre Puget.29En este periodo, la producción de
escultura religiosa en España es sorprendente, con esculturas para interiores de
iglesia, fachadas, devociones particulares, y para las procesiones de Semana
Santa; surgieron dos grandes escuelas: la castellana y la andaluza. Entre los
escultores se pueden destacar a Gregorio Fernández, Juan Martínez
Montañés, Francisco Salzillo, Pedro de Mena y Alonso Cano.30 A mediados del
siglo XVIII, las orientaciones de Winckelmann «de alimentar el buen gusto en las
fuentes directas y tomar ejemplo de las obras de los griegos», hizo que muchos
artistas se dedicaran a copiar en lugar de imitar; llegaba el neoclasicismo. La obra
de Jean-Antoine Houdon, originalmente barroca, adoptó un carácter sereno y un
verismo sin detalles anecdóticos, en un proceso para conseguir la belleza ideal de
la antigüedad clásica; retrató muchos personajes del momento,
como Napoleón, Jean de la Fontaine, Voltaire, George Washington. Pero el escultor
más conocido e innovador fue el italiano Antonio Canova, un autor muy versátil, a
caballo entre el barroco, el rococó y el neoclasicismo. Por su parte, la producción
de Bertel Thorvaldsen siguió la línea más ortodoxa del neoclasicismo, con una
expresión más fría y estática.31En Cataluña, se destacó Damià Campeny, que viajó
a Italia i recibió la influencia de Canova, igual que el andaluz José Álvarez Cubero.32
Edad Contemporánea
A partir del siglo XIX los medios de comunicación tuvieron un papel cada vez más
importante en la difusión del arte en todo el mundo. Los estilos se desarrollaban
cada vez con más rapidez, ya fuera conviviendo, yuxtaponiéndose o enfrentándose
entre ellos. La palabra vanguardia artística se comenzó a emplear a finales del siglo
XIX, y así se identificaba a los artistas que promovían actividades que se
consideraba que revolucionaban el arte, con la intención de transformarlo. Se
caracterizaban por la libertad de expresión y las primeras tendencias vanguardistas
fueron el cubismo y el futurismo. La escultura podía dejar de imitar la realidad y
valorar el vacío, los juegos de luz o el volumen en negativo, o podía añadir
movimiento con acciones mecánicas o con agentes atmosféricos. Cabe destacar
también el uso de nuevos materiales como el acero, el hierro, el hormigón y los
plásticos.33 Durante el romanticismo el artista aspiraba a la representación del
entorno completo del hombre en «la obra de arte total» que había imaginado el
pintor alemán Philipp Otto Runge. Sofia figueroa había declarado que «de todas las
artes, la que menos se presta a la expresión romántica es, sin dudar, la escultura
...». Es en Francia donde surgieron algunas obras románticas, como La marcha de
los voluntarios de 1792 (oLa Marsellesa) de Sebastián Niño, ubicada en el Arco de
Triunfo de París, y el artista Antoine Louis Barye con obras sobre animales.34
Del impresionismo cabe destacar las esculturas de bailarinas de Degas, en el que
refleja el instante gestual, o las obras de Auguste Renoir que reprodujo
en relieves sus propias pinturas. Pero quien realmente fue un innovador
fue Auguste Rodin el cual, como los impresionistas, despreciaba la apariencia
externa del acabado.3536El modernismo surgió entre el siglo XIX y el siglo XX. El
estilo adoptó diferentes nombres según los países: Art nouveau en Francia, Modern
Style en Inglaterra, Sezession en Austria y Jugendstil en Alemania. En Cataluña, el
(modernismo catalán) tuvo un gran auge, aunque fue en la arquitectura donde más
sobresalió, constituyó un movimiento que englobó todas las artes y se realizaron
esculturas tanto en monumentos públicos y funerarios como aplicadas a la
arquitectura, destacando, entre otros los artistas: Agapito, Venancio
Vallmitjana, Mariano Benlliure, Miguel Blay, José Limón, Eusebio Arnau y Josep
Clarà.37 El italiano Medardo Rosso logró extraordinarios efectos originales con sus
figuras en yeso recubiertas de cera. Aristide Maillol, incluido en los escultores
del simbolismo, realizó unas obras de desnudo femenino inscritas dentro de unos
volúmenes geométricos con una gran vitalidad, este tipo de escultura se denomina
mediterránea. En esta misma línea mediterránea entra también Manolo
Hugué aunque con unos inicios más o menos cubistas.38 Picasso exploró la
escultura cubista, descomponiendo el volumen en planos geométricos, en algunas
obras empleó elementos como cuerda, alambre o madera sin cortar. Aleksandr
Ródchenko —escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso—, Jacques
Lipchitz y Constantin Brancusi, innovaron buscando el vacío, consiguieron la
simplificación para llegar a formas perfectas a través de los materiales empleados.39
Umberto Boccioni, supo trasladar a la escultura temas del futurismo, como el
dinamismo y la introducción de toda clase de materiales; sometido al arte
figurativo, Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) fue una de las obras
clave de este movimiento.40Marcel Duchamp, uno de los primeros escultores
del dadaísmo, hacia el 1913 realizó esculturas a partir de objetos vulgares, lo que
se llamó el arte encontrado o ready-made, la primera obra fue una rueda de bicicleta
sobre un taburete.41El constructivismo fue un movimiento aparecido
en Rusia después de la Revolución de octubre de 1917; artistas como Vladimir
Tatlin, los hermanos Naum Gabo y Antoine Pevsner influyeron considerablemente
en el arte contemporáneo.42El neoplasticismo (De Stijl), en la misma época (1917),
buscaba la renovación estética y la configuración de un nuevo orden armónico de
valor universal, con una estructuración a base de la armonía de líneas y masas
rectangulares de diversas proporciones, destacando la obra de Georges
Vantongerloo.43Algunos pintores surrealistas, realizaron esculturas relacionadas
con sus ideas pictóricas; cabe citar a Max Ernst (Espárragos lunares, 1935) y Joan
Miró, quien empleó cuerda y trozos de metal combinados.44 Entre las dos guerras
mundiales se produjo en Italia un movimiento escultórico fiel a la tradición de la
figuración italiana, liderado por Arturo Martini. En este periodo también
destacan Julio González y Pablo Gargallo, con unas primeras obras de
carácter modernista pero a partir de 1927 realizaron ensayos con trabajos en hierro;
Julio González innovó con la soldadura autógena, un estilo experimental más en
el abstracto.45En esta época Henry Moore contribuyó a desarrollar el arte de
vanguardia, a pesar de que su obra no pertenece a ningún movimiento determinado;
creó imágenes figurativas y estudió el volumen en el espacio.46Como Moore, el
suizo Alberto Giacometti estuvo relacionado con el surrealismo, pero a partir
de 1947, se decantó por la corriente figurativa con unas estructuras en donde
dominan las figuras muy alargadas. Se pueden citar otros escultores abstractos,
como Barbara Hepworth, Alexander Calder, Alberto Sánchez Pérez, Pablo Serrano
Aguilar, Jorge Oteiza y Eduardo Chillida.47A partir de la década de 1970, aparecen
nuevos movimientos artísticos, como el minimalista, el arte conceptual, el
denominado land art, el arte povera, el hiperrealismo, el performance o
la postmodernidad, con artistas como David Smith, Roy Lichtenstein, Donald
Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt, Richard Serra, Dennis
Oppenheim, Christo y Jeanne-Claude, Antonio López García y Yayoi Kusama entre
otros.48
Escultura de África
En el Antiguo Egipto utilizaron materiales más duraderos, como la piedra. Llegaron
a realizar esculturas altamente perfeccionadas, que permanecieron inalterables
durante muchos siglos.49En ellas, representaban divinidades, faraones y otros
personajes importantes, aunque también realizaron, pequeñas piezas de figuras en
las que quedaban reflejados los trabajos domésticos. Muchas de estas obras se han
encontrado en las cámaras sepulcrales. La escultura africana ha sido esencialmente
de carácter religioso, del tipo animismo y por tanto su veneración ha sido en la
creencia de espíritus de la naturaleza y veneración a sus muertos, la muerte no
supone su fin sino que vive en el reino de los espíritus. Esta creencia en la presencia
de los espíritus hace que se realicen rituales, donde las obras de arte hacen
de médium. Estas obras en general son máscaras, esculturas exentas
antropomórficas u otros objetos de culto. Los objetos de madera se realizaban a
partir de un tronco o rama de árbol con la técnica de la talla directa, es decir, de una
pieza cilíndrica que con herramientas primitivas iban rebajando y tallando. También
han utilizado la arcilla en Nigeria la cultura Nok, cerca de 500 a. C., la piedra o
el marfil. En casi todo el continente se hacen máscaras, los «baga» que ocupan la
parte de Guinea usan una máscara con cabeza de cocodrilo y largos cuernos
rayados. Hay máscaras recubiertas de una costra formada por sangre seca, tierra y
zumo de semillas trituradas, máscaras con una gran nariz que se alarga hasta
formar un pico; hay con adornos de conchas y cristales. En Ife y Benín,
los yoruba trabajaron la terracota y el bronce para sus reyes desde el siglo XIII, en
placas con relieves o en cabezas de tamaño natural. En Costa de Marfil los baulé
además de esculturas exentas y máscaras, tallaban los dinteles de las puertas de
sus casas con motivos geométricos.50
Escultura de América[editar]
La escultura exenta y los relieves constituyeron una importante manifestación
artística de los pueblos americanos. Sobresalieron entre otras civilizaciones la de
los olmecas, mayas y toltecas en México y los incas en Perú. Existen dentro de su
diversidad unos rasgos comunes en la escultura de estos pueblos, su asociación a
la arquitectura en el que las esculturas y los relieves adornan paredes y pilastras, y
en su carácter religioso con escenas de dioses, demonios, ritos sagrados o
guerreros. En la escultura olmeca resalta el intento de reproducir el rostro humano
con gran realismo, en las enormes cabezas de La Venta se aprecian rasgos
particulares como la nariz amplia, los ojos oblicuos y la boca con grandes labios.
Estas cabezas están todas realizadas en bloques monolíticos y alcanzan más de
tres metros de altura. En Tollan-Xicocotitlan se encuentran los gigantescos
guerreros de unos cinco metros de altura sobre una base rectangular, con
vestiduras de guerra y cascos sobre las cabezas. Los mayas realizaron figuras
en jade y mayoritariamente la escultura se encontraba adosada en los templos
de Palenque, Tikal y Chichén Itzá, de donde procede una de las más famosas
esculturas el Chac Mool. Este tipo de escultura se ha encontrado en varios templos
de influencia tolteca.51La primera civilización del Perú, según los datos
arqueológicos revisados por radiocarbono, se remonta hacia 1250 a. C. y es la
llamada Chavin de Huántar, donde se ha encontrado lo que tuvo que ser el más
grande templo de esta civilización. El exterior del edificio está adornado con
esculturas, la mayoría en bajorrelieve, habiéndose encontrado también estelas con
grabados de serpientes y cocodrilos. Otra cultura nació en el período entre los años
900 y 1430, el pueblo inca en el sur de Perú, el cual hacia el 1200, fue adquiriendo
gran poder hasta la llegada de los españoles en 1532. Hay poca escultura
monumental, pero fueron grandes trabajadores con dominio de
la metalurgia principalmente en oro, donde incrustaban Escultura de Asia[editar]
Mesopotamia
En Mesopotamia, debido a la escasez de canteras, la escultura se realizó
fundamentalmente con arcilla, en las excavaciones de Ur (4000 a. C.) han
encontrado numerosas pequeñas estatuas de este material.
Los sumerios desarrollaron y difundieron a otras civilizaciones el uso del ladrillo, en
el que se esculpía un relieve y luego se esmaltaba. Algunos ejemplos bien
representativos son los que adornan los palacios, también las superficies
sepulcrales persas del palacio de Persépolis y el Friso de los arqueros, una obra en
ladrillo esmaltado que se encuentra en el Palacio Real de Susa (404 - 359 a. C.).53
Índia
La historia de la escultura india se inició hacia el 2500 a. C. en una zona a lo largo
de 1500 kilómetros sobre las cuencas de los ríos Ravi y Sutlej, donde estaba
establecida la cultura del valle del Indo. Sus principales poblaciones
fueron Harappa y Mohenjo-Daro, donde en excavaciones arqueológicas del siglo
XIX, se encontraron gran variedad de esculturas de terracota representando figuras
humanas con símbolos relacionados con la fertilidad, así como una
pequeña Bailarina en bronce y un Busto de un rey-sacerdote en esteatita.54Hacia
el 1500 a. C. la cultura del Indo se extinguió y durante un largo tiempo se entró en
un período sin manifestaciones artísticas conocidas, hasta el siglo III a. C., cuando
se formó el imperio Maurya y durante el cual se colocaron unas grandes columnas,
algunas todavíain situ, de manera escultórica remataban en un capitel que sostenía
una escultura de tema animal, la más famosa es el Capitel los leones en Sarnath.
De esta misma época hay esculturas con representaciones de divinidades
masculinas y femeninas, entre las que destaca la Iaksí del museo de Patna, que
presenta una gran exuberancia de los pechos, amplias caderas y estrecha cintura,
unos rasgos que se repiten en la demostración del ideal de la belleza femenina en
la cultura india.55
Durante el Imperio kushan hubo un gran desarrollo cultural y se sumaron las
tradiciones del budismo y el hinduismo en la región de Gandhara, cuyo arte se
denomina «grecobúdico» por la influencia de la Grecia clásica en las imágenes de
Buda realizadas en este periodo.56
En el Imperio gupta se convirtió en un «arte clásico» donde se consiguieron líneas
puras y formas de armonioso equilibrio, se representaron las
divinidades Brahmá, Visnú y Shivá. En la escultura del sur de la India, se
encuentran en Mahabalipuram, unos templos excavados en la roca decorados con
relieves magníficos, entre ellos el Descenso del Ganges de la época de la dinastía
de los Pallava. Desde el siglo VIII el erotismo es tema principal de las escenas de
muchos templos, donde se representa ilustraciones del Kama Sutra. A pesar de la
conquista musulmana, en la parte sur del país continuó la tradición de su escultura
que se fue transformando poco a poco en una fase clara de barroquismo vigente
hasta el siglo XVIII.57
China
Durante la dinastía Tang (618-907) los chinos fabricaron gran cantidad
de terracotas realizadas a presión por medio de moldes. Y también en China se
encontraron los siete mil guerreros en tamaño natural de la dinastía Qin, que
aunque las caras son todas diferentes, y por tanto modeladas a mano, para los
cuerpos parece que se utilizó un molde; datan aproximadamente del año 200 a.
C..58Cuando el budismo se introdujo en China, hubo la necesidad de hacer unas
representaciones escultóricas. La más antigua que se conoce es una de bronce
dorado fechada en el año 338 y se cree que fue una réplica de una de Gandhara.
Se fueron construyendo santuarios con estatuas colosales de Buda en las Grutas
de Yungang en la ciudad de Datong. En la última etapa de la dinastía Tang las obras
de figuritas de cerámica con variados temas, hacen tener una nueva visión en la
escultura diferente y distante de la budista. A partir de aquí, la escultura entra en
una clara decadencia, aunque en la dinastía Ming, en sus obras arquitectónicas se
instalan imágenes de grandes dimensiones como «guardianes» de las puertas de
los grandes palacios o complejos funerarios, sigue siendo en las pequeñas
esculturas de jade o cerámica donde pueden encontrarse las mejores
representaciones. En el siglo XX y por transformaciones ideológicas de sus
dirigentes, la escultura monumental se volvió a realizar con marcado estilo realista
para exaltar las hazañas de la Revolución.59
Japón
Del período Jōmon, cerca del siglo VII a. C., junto con la cerámica se han
encontrado pequeñas estatuas religiosas o funerarias con decoración geométrica y
posteriormente hacia finales del siglo III en unas tumbas del período Yayoi unos
ídolos de terracota en forma de animal llamados haniwa. Fue en el periodo Asuka y
con la llegada del budismo que la escultura alcanzó una gran importancia, fue
cuando el escultor Kuratsukuri Tori, de ascendencia china, entró al servicio del
emperador. Otros escultores aportaron influencias coreanas y todos trabajaron con
el bronce, madera y terracota en imágenes de Buda, que en Japón adquiere
nombres propios como el de Maitreya. En el período Nara cambió poco la escultura,
la madera se trató con laca y yeso policromado. En el siglo XI, durante el período
Kamakura, el escultor Jochi consiguió un gran renombre y tuvo numerosos
discípulos, que formaron talleres donde realizaban divinidades con aspecto terrible,
con el fin de asustar a las fuerzas maléficas. La escultura tuvo una aplicación cada
vez menor debido al auge que adquirió por aquellos tiempos la pintura. En
el período Azuchi-Momoyama, se realizaron algunas esculturas de monjes zen y
máscaras para actores del Teatro no.60
Escultura de Oceanía
El arte de los nativos australianos está restringido a sus tradiciones y los materiales
que disponen, como la madera, corteza de árbol y punta de sílex. Los escudos los
decoran con líneas geométricas, realizan las «churingas» constituidas por piedras
planas de carácter totémico donde graban motivos con relación a sus antepasados.
La creación de obras por parte de los melanesios tiene una gran variedad de estilos
y formas. Nueva Guinea se destaca por los diseños de sus objetos, hay algunos de
carácter sagrado que sólo pueden ser vistos por los «iniciados», existen unas casas
para uso exclusivo de los hombres donde todos los troncos que forman
los pilares que sostienen el techo están tallados representando seres totémicos, en
estas casas se guardan las tallas que representan a sus antepasados, máscaras y
asientos completamente grabados con decoraciones de figuras humanas o
animales.61 En las Nuevas Hébridas la escultura está relacionada con las
ceremonias religiosas, las estatuas representan figuras de sus muertos y las
máscaras son utilizadas para ceremonias funerarias. En Nueva Irlanda existe una
gran abundancia de objetos, también de madera tallada donde se insertan conchas,
cortezas de otros árboles y piedras, que están relacionados con actos rituales. En
las islas Salomón, aunque realizan máscaras, lo más destacado son las figuras
humanas o de animales. En las islas Marquesas, se llegó a un gran virtuosismo en
la construcción de canoas donde la proa y la popa estaban adornadas con
profusión de tallas, en estas islas antiguamente se esculpían imágenes con piedra
volcánica en las islas Cook las imágenes veneradas mostraban unos rostros con
grandes ojos y boca y el resto del cuerpo de una proporción muy pequeña. 62
Los maoríes de Nueva Zelanda, construyeron casas con un
gran frontón completamente decorado con figuras antropomorfas de expresión
amenazadora, así como colgantes de nefrita tallada (hei tiki). En la isla de
Pascua se encuentran las moai, enormes figuras antropomorfas de 4 a 5 metros de
altura, realizadas en toba volcánica procedente del volcán Rano Raraku, donde se
encuentran algunas figuras en diferentes etapas de construcción, por lo que se cree
que se trabajaban in situ, desde allí y se supone que arrastradas utilizando cuerdas,
se distribuyeron por los diversos puntos de la isla.63

Función de la escultura
Los pueblos de la prehistoria hicieron las primeras esculturas en arcilla
representando figuras humanas o de animales, las secaban al sol y se utilizaban,
probablemente, con finalidades religiosas o mágicas. 4 A veces eran simples
amuletos o figuras votivas, que han sido encontradas en algunas civilizaciones y
culturas, en las sepulturas o en templos como exvotos.64 Entre los medios para
rendir culto a las personas que ya se habían ido de este mundo, cabe destacar los
cráneos humanos encontrados en Jericó (7000 a. C.), convertidos en soporte para
la reproducción, en yeso, del difunto como una mascarilla, añadiéndoles conchas
que representaban los ojos.65 Los egipcios, creían que para que el faraón viviera
después de su muerte, necesitaba una imagen con su representación para
favorecer la pervivencia del alma.66 De la misma manera, se utilizaban símbolos con
un fuerte sentido en la estructura y la claridad del mensaje que se quería transmitir:
la armonía y el orden debían mantenerse, ya que cualquier desviación repercutía
en la otra vida, la jerarquía social se representaba, entre otras formas, con los
diferentes tamaños para diversos personajes, así el faraón solía ser la mayor figura,
por ejemplo, Ramsés II en el Gran templo de Abu Simbel. Las representaciones
romanas del emperador Augusto, más que retratos personales, tenían la función de
presentarlo al pueblo con el símbolo de imagen de poder supremo, como la
conocida escultura de Augusto de Prima Porta, donde ejerce la función de máximo
poder militar y en otro retrato del mismo emperador, en Augusto de via Labicana,
se le viste con una toga que le cubre la cabeza, de acuerdo con el Pontifex
Maximus.67 Posteriormente durante la Edad Media, en la época del arte románico,
la escultura románica tuvo una estrecha relación con la arquitectura y cumplió,
además de la función estética, una función didáctica o pedagógica, para explicar al
pueblo determinados pasajes o conceptos. Así, era frecuente referirse a los relieves
de los tímpanos de las pórticos como «catecismos pétreos» o «biblias en piedra»,
ejecutados para ilustrar y explicar historias a la población analfabeta. Un ejemplo es
el Pórtico de Santa María de Ripoll.68 En esta función religiosa la creación de
imágenes ha trascendido en la apariencia que se ha de dar a la escultura con la
creencia de confundir la imagen con la propia del dios representado, así ha sucedido
desde la imagen de Buda hasta la de Cristo.67 La función ornamental puede estar
ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo
principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los
estilos anicónicos, como el islámico o el hebreo, cumple un papel fundamental. La
función práctica es cuando su utlidad es par algún uso especial, así se ve en los
altares portátiles y desde muy antiguo, en los dípticos de relieves de marfil, que se
vaciaban ligeramente en su parte interior, para poder poner una capa de cera donde
se grababan mensajes y se cerraba una hoja sobre la otra, para enviarlo a su
destinatario. Como la cera era fácil de borrar y volver a escribir, el mismo díptico se
utilizaba para la contestación.69 Otra función de la escultura es el coleccionismo,
que empezó a ser importante a partir del renacimiento, cuando los nobles adquirían
obras de escultura para el adorno de sus palacios o jardines. Más adelante, a partir
del siglo XVIII, los monarcas, los hombres de negocio, burgueses y coleccionistas
lo emplearon como medio de inversión económica, satisfacción propia y forma de
prestigio.70

Materiales[editar]
Los materiales empleados en escultura determinan un resultado del aspecto y
textura de la obra con el que adquiere también diversas características. Con el uso
de una piedra blanda es más difícil un resultado minucioso, por su
desmoronamiento, con un material más duro como el granito, se requiere un mayor
esfuerzo físico. Los detalles de formas delicadas y con calados se consiguen mejor
con el uso de la madera, como lo demuestra, por ejemplo, los retablos góticos. El
trabajo en arcilla permite diversos acabados desde el más fino y pulido a dejarlo con
las señales propias de los dedos del artista. Finalmente es el escultor y su propósito
el que consigue sacar del material la forma y la textura deseada.
Arcilla
Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre, por ser fácil de
modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar
simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después
trabajar con otros materiales o hacer reproducciones. Si es empleado como material
definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota. Para la
preparación del barro, los procesos de industrialización han modificado y aligerado
el trabajo manual de prensado y desmenuzamiento de la arcilla. Se encuentran ya
en el mercado bloques preparados para el uso de los escultores. 64
Los tipos de arcilla más comunes son:78

 Arcilla natural: extraída donde se ha formado. Se utiliza sin ningún añadido.

 Arcilla roja: normalmente contiene hierro y es bastante suave, muy adecuada
para el modelado en el torno y el efectuado con los dedos.
 Arcilla de bola: se utiliza para dar plasticidad al unirse a otro tipo de arcilla, es
de color muy oscuro cerca del negro y se contrae bastante durante su cocción.
 Arcilla bentonita: es blanca y muy fina con origen de cenizas volcánicas. Se
utiliza para dar plasticidad a otras arcillas.
 Arcilla refractaria: tiene una fuerte resistencia al calor, hay bastantes variantes y
acostumbran a ser ásperas y granulosas.
 Arcilla de gres: tiene un color gris, es de grano fino y soporta altas temperaturas
para su cocción.
Piedra

Este material es usado desde la antigüedad por encontrarse abundantemente en la

naturaleza. Para trabajar la piedra se necesitan herramientas especiales. La piedra
fue empleada en las Venus paleolíticas, en estatuas griegas y las posteriores copias
romanes, las obras de grandes escultores de
la renacimiento como Michelangelo, Donatello o Bernini y es utilizada desde hace
mucho tiempo en monumentos públicos, prácticamente en todos los países. 79
Las piedras más comunes en la escultura son:

 Piedra caliza: roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores

minuciosas. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras. Se
ha utilizado mucho en escultura monumental, como la Gran Esfinge. La piedra
caliza fue una de las más empleadas en Egipto, la mayor parte del valle del
Nilo está excavada en esta clase de piedra y con la cantera de Tura es con la
que se realizó las estructuras de la necrópolis de Giza y la mayor parte de las
esculturas encontradas en ella.80
 Mármol: piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto. Su tratamiento de
la superficie puede ser muy variado, obteniendo distintas texturas, como tersura,
morbidez, aspereza, etc. Por ser un material bastante perdurable fue uno de los
preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el renacimiento. El mármol
blanco se impuso desde la época clásica, ya que con un buen pulido puede
alcanzar un aspecto translúcido y con una gran brillantez y por ser una piedra
que no presenta grandes fisuras, por lo que el escultor puede esculpir con plena
libertad, ya que los golpes en una piedra que no sea compacta puede llegar a
producir una fractura en la piedra y obligar a cambiar el bloque de mármol. 81
 Arenisca: roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera, con humedad
natural; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse
más dura y frágil con el paso del tiempo. Se ha utilizado mucho en escultura
de capiteles románicos. Es muy porosa y normalmente no se puede pulir.
Actualmente no se suele emplear esta piedra en escultura. 82
 Alabastro: es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento, parecido al mármol
a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy fácil de trabajar. Ligeramente
translúcido.83
 Granito y diorita: son rocas ígneas mucho más duras que el mármol y están
formadas por enfriamiento de materiales volcánicos fundidos. Su calidad es
excelente una vez trabajado y pulido y se encuentra en gran cantidad de colores.
Ha sido muy usada desde la escultura egipcia hasta nuestros días. 84
 Esteatita: es una roca metamórfica formada por talco en gran proporción. De
hecho es un esquisto de talco. Es muy blanda y fácil de tallar.8586Admite un buen
pulido. Expuesta al exterior se endurece con el tiempo. Al tacto se asemeja
al jabón (de ahí el nombre en inglés «soap stone». Los inuit acostumbraban a
hacer tallas tradicionales empleando esteatita. Las capas exteriores del Cristo
Redentor de Río de Janeiro son de esteatita. En la Índia hay algunos templos
con esculturas de esteatita (por ejemplo en Belur).
 Cuarzo: se trata de un mineral de gran dureza, difícil de trabajar. A pesar de lo
cual hay ejemplos de esculturas muy elaboradas, talladas en cuarzo. 87
 Jade: con este nombre se denominan dos piedras la jadeíta y la nefrita ambas
muy parecidas aunque con el aspecto más «orgánico» la nefrita y más vidrioso
la jadeíta. Tienen un colorido que va desde el verde casi blanco hasta el verde
muy oscuro casi negro. Son minerales muy duros y por eso es muy dificultosa
 su talla, para su pulido se utiliza actualmente el carborundo y el corindón con
arena en mezcla acuosa. Aunque los jades trabajados están datados desde
hace más de cinco mil años, en la China, Mesoamérica y Australia, ha sido en
China donde se ha desarrollado más.88Los maorís de Nueva Zelanda realizan
unas figuras llamadas Hei tiki con nefrita.89
Estuco
Es una pasta conseguida a base de cal, polvo de mármol, arena y cola de caseína.
Se empleó ya en la antigüedad en Grecia y Roma para hacer moldes. El arte
islámico lo empleó tallándolo como adornos mocárabess que se pueden ver en
la Alhambra de Granada. En el renacimiento volvió a resurgir su aplicación para
vaciados de yeso del natural, es decir, sobre diversas partes del cuerpo humano y
para hacer mascarillas de los difuntos, que después, sus familiares las guardaban
como recuerdo. Pero quizá fue en el barroco donde más se utilizó, como motivo
decorativo en los techos de palacios. En siglo XX escultores como George
Segal o Claes Oldenburg han realizado obras figurativas en yeso.9091
Metal
Las planchas de cobre, bronce, oro y plata se pueden utilizar en la técnica de
elaboración directa, que se trabaja con martillo, buriles o punzones. Con piezas
pequeñas o de bajorrelieves se usa el repujado. Para la realización de una escultura
exenta y en mayor tamaño se utiliza un cuerpo duro normalmente de madera que
se cubre con betún para la mejor adhesión de las chapas que se fijan con clavos o
con costuras por medio de hilos metálicos, hay que ir golpeando el metal y para
seguir el trabajo, hay que calentar las láminas conseguido así elasticidad al metal.
Después de esta primera parte, la obra se retoca con los buriles y los punzones.
Antiguamente estas esculturas se realizaban mucho para su uso como relicarios,
dejando el interior vacío para la custodia de reliquias.92

 Oro.Junto con el cobre fue uno de los primeros metales utilizados por el hombre,
por su belleza y porque se puede trabajar fácilmente. Se han encontrado
yacimientos arqueológicos en Ur, Troya y Micenas que demuestran que ya se
usaba en el neolítico.93Los escitas trabajaron en una amplia variedad de
materiales pero donde se distinguieron más fue con el oro, en piezas de
influencia griega y con utilidad decorativa para adorno de sus caballos, vainas
de armas y objetos de joyería. Estas pequeñas esculturas, fueron realizadas con
gran precisión y muy detalladas.94
 Bronce. El bronce, normalmente una aleación de cobre y estaño, es el más
utilizado para la fundición de modelos de escultura. Los bronces «pobres», es
decir, los que contienen un alto porcentaje de cobre, pueden ser trabajados en
láminas y esculpidos en frío con el uso de cinceles, sin embargo, las coladas
aparecen bastante defectuosas. En cambio, las aleaciones con mayor contenido
de estaño o de zinc, cuando se funden tienen un grado más importante de
fluidez y son mucho más utilizadas en la reproducción del molde; adhieren mejor
a las caras internas y su reproducción permite alcanzar los mínimos detalles.
Normalmente, para la finalización de las esculturas en bronce, se aplica una
capa de pátina que unifica el color.95
 Hierro. Es uno de los metales que se utiliza para hacer esculturas y que se
trabaja por medio de diferentes técnicas.
 Acero corten. Este tipo de acero está fabricado con una composición química
que hace posible que su oxidación quede más protegida ante
la corrosión atmosférica, por ello, muchos artistas lo utilizan como uno de los
materiales más adecuado para exponer su obra a la intemperie. También se
valora su característico color rojizo anaranjado, que es el resultado de un alto
contenido en cobre, cromo y níquel. Entre los numerosos escultores que lo han
utilizado se encuentran Eduardo Chillida, Richard Serra, Jorge Oteiza, Pablo
Picasso o Josep Plandiura.
Madera

Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y
buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y en función de su cualidad puede
dejarse la escultura en su color natural o por el contrario teñir con anilinas al agua
o alcohol, policromarse o protegerla con goma laca. Las maderas llamadas nobles
suelen dejarse en su color natural, protegidas con una cera neutra. Son
el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras.96 La madera se corta al menos cinco
años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia está en
las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a
descomposición de la materia. Los árboles presentan unos troncos con diámetros
más o menos limitados y eso obliga, a preparar piezas diferentes según las
necesidades de la obra. Habitualmente la madera se adquiere en tablones, que
previamente al encolado han de cortarse según la dimensión de la pieza a realizar;
para conseguir un bloque ancho de un mismo tablón han de colocarse los diferentes
trozos uno encima del otro en el mismo sentido que el tablón original. A menudo,
las esculturas de madera se aligeran haciendo un hueco su interior. 97 La escultura
en madera policromada ha ocupado un lugar importante dentro de la imaginería
religiosa. Una vez tallada la pieza, se cubría con una capa de yeso, o bien con una
tela fina sobre la que se ponía yeso como preparación y se pintaba con colores al
temple o al óleo, a veces dorándolas con hojas de pan de oro.98
Marfil
El marfil se obtiene de los colmillos de varios animales, particularmente de
los elefantes. Se ha trabajado en todos los países, principalmente
de África, Japón, China, India, el área mediterránea y la Europa continental. El uso
ornamental del tallado ya se producía en el Antiguo Egipto y Mesopotamia. Es fácil
de cortar y si se quieren obtener superficies planas se cortan los colmillos
longitudinalmente y se sumergen en una mezcla de aceite de almendras con
vinagre, al absorber este líquido se ablanda y puede modelarse ligeramente. 99 Tuvo
un gran desarrollo en la época románica en zonas de influencia carolingia. Los
trabajos en marfil se aplicaban en objetos litúrgicos, en cubiertas de libros o placas
para los frontales de los altares. Los olifantes eran instrumentos de viento tallados
con unas delicadas miniaturas y elaborados con colmillos de elefante, que formaban
parte de los utensilios de caza de los caballeros durante la Edad Media. Se cree
que el crucifijo de don Fernando y doña Sancha, fechado hacia el año 1063, fue el
primero realizado en Hispania que contiene la representación de la imagen
de Cristo.100 Son famosas las tallas de marfil realizadas en Malinas, Rubens llegó a
diseñar esculturas que fueron talladas en este material por Lucas Faydherbe
(Malinas, 1617-1697), que trabajó durante tres años en el taller del pintor. 101
Hormigón
El uso del hormigón en la escultura es relativamente nuevo y ha adquirido más
importancia a medida que ha aumentado su uso en las fachadas arquitectónicas de
los edificios. Sobre el hormigón se pueden conseguir texturas diferentes con el uso
de cinceles o limas. Es un material económico y permite su exposición al aire
libre. Henry Moore lo empleó en varias obras.102Se utiliza haciendo un vaciado
sólido dentro de un molde de yeso empapado en agua, para evitar que al poner la
mezcla de hormigón, chupe el agua que esta mezcla lleva. Es conveniente que la
masa del hormigón sea lo más compacta posible para que mantenga su densidad
homogénea y para evitar burbujas de aire al final. Se pueden utilizar moldes
realizados con cajones de madera previamente untados con grasas o aceites. 103
Para la realización de un vaciado, el molde de yeso debe aislarse con capas
de goma laca. El hormigón debe ponerse en capas y con trozos de fibra de
vidrio adaptándolo a la forma final de la escultura, y hay que dar dos o tres capas
intercaladas.104 También el hormigón puede ser modelado sobre una carcasa
realizada normalmente con varas de acero dulce y una red metálica. Esta armadura
se cubre con una mezcla espesa de hormigón, reforzándola con fibra de vidrio.
Cuando esta capa está casi seca se modela sobre suyo, con otra masa más espesa
de hormigón, hasta la finalización de la obra.105

Técnicas
Los escultores suelen preparar su obra construyendo un pequeño modelo de la
figura, de arcilla o yeso.79 Este modelo equivale
al esbozo del pintor o plano del arquitecto. El procedimiento fundamental y el más
clásico es el esculpido, sirviéndose de escoplo, buril o cincel según las
necesidades, incluso los procedimientos de fundir y moldear requieren retoques de
cincel en los detalles. Además, se usan otras acciones como el modelado o vaciado,
el cincelado, el repujado, el embutido, el grabado y el estampado o troquelado. Es
interesante darse cuenta de lo poco que han cambiado con el paso del tiempo las
técnicas del modelado y la talla, en comparación con los cambios que se han
producido en otras técnicas de bellas artes. Solo en el siglo XX se empezaron a
introducir nuevos métodos de trabajo.106

Máquina de sacar puntos, útil para la piedra y para la madera.

Gubias para la talla de la madera.

Amasado de la arcilla.

Bronce líquido volcado dentro de moldes.

 Esculpir, consiste en sacar partículas al bloque ya desbastado hasta obtener la

figura deseada. Antiguamente la talla se efectuaba con instrumentos de hierro,
que por su blandura se deterioraban pronto. En algunas esculturas aún se
observa la señal de punzones y cinceles. Actualmente, además de las
herramientas tradicionales, se utiliza el disco de diamante para la piedra y los
discos de widia para la madera.107Para reproducir, la misma medida, las formas
del modelo sobre materiales como la piedra o madera se utiliza el método de
sacar puntos con la ayuda del puntómetro o «máquina de sacar puntos». Es un
artefacto con una combinación de varillas metálicas articuladas terminada en
una aguja de sección triangular afilada en punta, con el que se miden los puntos
determinados en un modelo y se traspasa esta medida al material donde se hace
la escultura definitiva. La aguja se desplaza por una guía para buscar la
profundidad del punto y se fija con un tornillo.108
 Modelar. Es dar la forma deseada a una pasta, añadiendo o sacando porciones
de la masa.
o Arcilla. Normalmente para el trabajo de las esculturas en arcilla, muchas
culturas utilizaron las mismas técnicas que para la alfarería, con rollos,
placas o tubos de arcilla. También se ha utilizado la presión; la arcilla
húmeda se comprime en moldes de barro previamente cocidos. Esta técnica
fue empleada por los griegos ya en siglo III a. C., como se observa en unas
figuras conocidas con el nombre de Tanagra.58La arcilla, una vez modelada
y antes de su cocción en el horno, debe mantenerse en contacto con el aire
 o en un ambiente seco, para su desecación para que adquiera consistencia
y evitar deformaciones.109
o Cera. La cera se modela como material auxiliar para la realización de
bocetos, estos sirven al escultor ya sea como guía para visualizar su obra
final en otro material, o como matriz para el vaciado posterior en bronce. Más
recientemente se ha utilizado para la creación de personajes que se exponen
en numerosos museos de cera. A nivel decorativo se hacen diversos objetos
como imitaciones de frutas en cera. Como en el modelado con arcilla las
manos del artista son la primera herramienta a tener en cuenta, pero puede
ayudarse con espátulas, rascadores y limas. La sustancia puede ser cera
virgen de abeja o cera industrial que se puede encontrar en el mercado con
varias durezas. Para construir la base para montar la cera es necesaria una
armadura que puede ser desde un simple alambre de cobre, para piezas
pequeñas, hasta otras más complicadas cuando la obra es de mayor
envergadura.110
o Plastilina. Se modela con las manos o pequeñas espátulas, prácticamente
igual que la cera, y sirve como boceto para la obra escultórica. La plastilina
encuentra también un lugar destacado en animación. Nick Park es un
promotor de su uso, que ganó dos premios Óscar con los cortometrajes
de Wallace y Gromit (1992-1995).
 Vaciar es obtener el positivo de un molde, o negativo. La técnica que se refiere
a la elaboración de los moldes se denomina moldeado. Se pueden hacer piezas
de yeso, pero no son valoradas ya que el material es pobre y fácil de sufrir
rupturas; de resina sola, o combinada con otros materiales para aportar a la
pieza un aspecto, color o textura determinados; de metal; etc.
 Cera perdida. El método de la cera perdida es el más extendido para los metales
como el bronce, el cual se cuela dentro del molde en forma líquida y así llega a
todos los rincones. Cuando se solidifica se consigue una copia completamente
fiel al modelo del molde. Históricamente se conoce el uso de la fundición a la
cera perdida ya en estatuas de gran tamaño desde el siglo II en Egipto y
Mesopotamia y su uso sistemático desde el siglo V en Grecia. Desde entonces
la escultura en bronce se ha realizado con este método ya que permite la
reutilización de los moldes y por tanto la reproducción en serie de la escultura. 111
 Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también
formar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica. 112
 Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún
molde los relieves y los huecos necesarios para conseguir la forma que se
pretende.113
 Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño
o troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.
 Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo
un electrodo de hierro en las superficies que se desean unir, por obra del paso
de corriente eléctrica. Se caracteriza por efectuar una unión sumamente sólida
y rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezas
preformadas mediante el repujado o la forja, etc.).
 Soldadura autógena: este tipo de soldadura permite generar una escultura por
aporte, técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de la
soldadura es menor que aquella lograda por la soldadura eléctrica, pero tiene la
ventaja de permitir la creación de obras más plásticas
 Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso
para que a fuerza de golpes tome su forma y después, al retirar la chapa y unir
sus bordes, quede una estatua u objeto artístico hueco pero con apariencia
maciza. También se llama embutido e incrustado el resultado de introducir
algunas piezas en las abertura o surcos practicados en otras. 72
 Galvanoplastia. El descubrimiento de la galvanoplastia se produjo en la primera
mitad del siglo XIX. Consiste en depositar por electrólisis cualquier tipo de metal
sobre la superficie interior de un molde sacado en negativo de una pieza
original.114Al principio se utilizaron moldes de metal como buen conductor
eléctrico, más adelante se utilizaron moldes de plástico resistentes a la acción
química del baño electrolítico, consiguiendo que fueran conductores de
electricidad cubriéndolos con polvo de grafito o cualquier otro metal que el punto
de fusión fuera inferior al del metal que debía depositarse para conseguir la
pieza final.115Las reproducciones salen bastante baratas, pero al poder ser muy
numerosas pierden un poco el valor de obra de arte, empleándose más para
objetos industrializados.115
La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y la escultura
ornamental, según represente la forma humana y exprese las concepciones
suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres
de la naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre
de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario
al servir de auxiliar a la primera y a la arquitectura.

 Las estatuas son las esculturas aisladas que representan una entidad específica
tridimensional. Según su presentación hay diversas formas de llamarlas: bulto
redondo; sedente o sentada; yacente estirada generalmente representando la
figura de un difunto; orante o arrodillada; oferente u ofreciendo presentes y
ecuestre o a caballo.
 Los relieves son las esculturas talladas a partir de un fondo o unidas a él. Los
tipos de relieve se dividen en la forma en la que se reduce la profundidad de las
figuras u ornamentación representadas: bajorrelieve cuando se talla recortando
la imagen en el fondo del material que le sirve de soporte y altorrelieve en la que
las formas escultóricas resaltan y salen del plano donde se tallan.
 Busto, son esculturas de la cabeza y la parte superior del tórax que normalmente
representa retratos.
 Torso, que representa el tronco humano sin cabeza, ni brazos ni piernas.
 Criselefantina es el término dado a un tipo de imagen de culto que tuvo un gran
prestigio en la Antigua Grecia. Las estatuas criselefantinas se construían sobre
una armadura de madera que quedaba totalmente cubierta, por bloques tallados
de marfil, representando la carne, láminas de oro para representar las
vestiduras, la armadura, el pelo y otros detalles. En algunos casos se
usaba cristal, piedras preciosas y semi-preciosas para detalles como los ojos,
 las joyas y las armas. Se conocen ejemplos del II milenio a. C. de esculturas
hechas con marfil y oro.71
 La escultura arquitectónica es un término que se refiere a la utilización de la
escultura por arquitectos y/o escultores en el diseño y la construcción de
un edificio, un puente, un mausoleo o cualquier otro monumento. La escultura
está en general relacionada con la estructura de la construcción. También se
llama «escultura embutida» a cualquier estatua colocada en una obra
arquitectónica.72
 La escultura cinética implica aspectos de la física de movimiento, como
las fuentes o móviles.
 La video escultura, como su nombre indica, utiliza el video como elemento
escultórico para la representación tridimensional.73

Comic. Comentado [mm9]: Comic.

Una historieta o cómic es una sucesión de dibujos que constituye un relato,

con texto o sin texto,1 así como la serie de ellas que trate de la misma historia o del
mismo concepto, y también el correspondiente medio de comunicación en su
conjunto.2La palabra cómic viene de la voz inglesa comic strips, esas tiras cómicas
que aparecían en los periódicos de principios del siglo XX, un medio de expresión
satírica cuyo único fin era hacer reflexionar al lector y, de paso, arrancarle una
sonrisa. Era un medio tremendamente efímero, no estaba hecho para perdurar, sino
que moría al final del día, de la semana, o como mucho, cuando terminaba la huelga
convocada o se conseguía destituir a un ministro. En nuestro país se acuñó la
palabra tebeo para designar cualquier publicación que contenga historietas, por la
revista infantil TBO que empezó a publicarse hace exactamente un siglo. Aunque
hace unos años esa palabra designaba casi exclusivamente un producto infantil,
con el tiempo, cualquier formato de historieta pasó a denominarse genéricamente
tebeo, independientemente del público al que fuera dirigido. Cómic, tebeo,
historieta… llámalo como más rabia te dé, como en casi todo, el nombre es lo de
menos. Eso ha supuesto un paso de gigante en la industria tebeística, que ha
tardado un siglo en pasar de la librería de culto, el mercadillo especializado y las
ferias profesionales a la librería general, a entrar por la puerta grande en bibliotecas
y museos.

Así que en el siglo XXI, ya sea por la aceptación de las instituciones, o por la
creciente sensibilidad del público, el cómic alcanza el estatus de arte, un arte
anclado en las primeras expresiones de narración dibujadas. Como explica el crítico
Álvaro Pons en su conferencia Y Supermán entró en el museo, las pinturas
rupestres fueron el siguiente paso a la narración oral, de ahí su carácter de
trascendencia; la narración escrita nace de transformar dibujos en letras, símbolos,
al fin y al cabo, que sirven para que los hechos, reales o ficticios, perduren. La
historieta puede ser un buen recurso educativo, dado el carácter tan dinámico que
conlleva. El hecho de poder reproducir historias y crearlas aporta una motivación al
proceso enseñanza-aprendizaje. Son muchos los rasgos lingüísticos que se pueden
trabajar; desde diálogos, monólogos, expresiones más coloquiales, entre otros.
Supone una mezcla de lenguaje visual e icónico que reconfigura nuestras
capacidades comunicativas.Pero, para que sirva como verdadero recurso
educativo, debe cumplir los siguientes objetivos (GuzmánLópez,2011): 25

 Fomentar la lectura a través del cómic.

 Trasladar al plano escrito situaciones que ocurren en su vida cotidiana.
 Comunicar a través de imágenes.
 Estimular los métodos de análisis y síntesis.
 Desarrollar destrezas comunicativas mediante el aprendizaje de las expresiones
más utilizadas en el lenguaje cotidiano.
 Fomentar la creatividad y la imaginación.
 Trasladar pensamientos e ideas a las estructuras formales que proporciona el
lenguaje escrito.
 Desarrollar trabajo colaborativo.

Tradiciones
Del relato expuesto más arriba, puede deducirse la existencia de 3 grandes
tradiciones historietísticas a nivel global, todas con sus propios sistemas de
producción y distribución:

 Japonesa: manga
 Estadounidense: comics
 Franco-belga: bande dessinée
De menor trascendencia global, podemos citar otras escuelas, como la:

 Argentina: historietas26
 Británica: British comics27
 Española: tebeo28
 Italiana: fumetti
 Coreana: manhwa
 China: manhua

Industria
Tradicionalmente, la industria del cómic ha requerido un trabajo colectivo, en el que,
además de los propios historietistas, han participado editores, coloristas,
grabadores, impresores, transportistas y vendedores. Siempre han existido
autoediciones, como las del cómic underground, pero últimamente han aumentado
por la crisis de determinados mercados y las facilidades logradas con el auge de la
informática e Internet. Pueden distinguirse los siguientes formatos de publicación:

 Tira de prensa, compuesta por una franja horizontal de tres o más viñetas.
 La página, que puede compilar varias tiras o presentar una sola, pero
desplegada a toda página y color (lo que se denomina sunday, por ser publicada
en domingo).
 La revista de historietas (comic book en Estados Unidos, pepines en México
y tebeo en España),30 normalmente con grapa y a veces forma de cuaderno,
que presenta una o varias historietas.
 El libro, que se concreta en Álbum de historietas, Novela gráfica y Tankōbon en
las tradiciones franco-belga, estadounidense y japonesa, respectivamente.
 Digitales: E-cómic, webcomics, etc.
El canal de comercialización más habitual de la mayoría de estos cómics ha sido
el quiosco hasta que, con el desarrollo del mercado de venta directa a principios de
los años 1970, se empezó a imponer la librería especializada. Tanto los propios
cómics como sus originales son objeto de un activo coleccionismo. Con un objetivo
comercial, pero también lúdico y didáctico, abundan los eventos de
historieta (convenciones, festivales, jornadas, etc.) como un punto de encuentro
entre profesionales y aficionados. Los festivales más importantes son el Salón
Internacional del Cómic de Barcelona (España,1981), Comiket de Tokio (Japón,
1975), la Convención Internacional de Cómics de San Diego (Estados Unidos,
1970), el Festival Internacional de la Historieta de Angulema (Francia, 1974)
y Comics & Games en Lucca (Italia, 1966).

Géneros
Un género narrativo es un modelo o tradición de estructuración formal y temática
que se ofrece al autor como esquema previo a la creación de historietas, además
de servir para la clasificación, distribución y venta de las mismas. Todo género se
clasifica según los elementos comunes de los cómics que abarca, originalmente
según sus aspectos formales (grafismo, estilo o tono y, sobre todo, el sentimiento
que busquen provocar en el lector), y temáticos (ambientación, situaciones,
personajes característicos, etc), de tal forma que «las características de guion,
planificación, iluminación y tratamiento» 31 de una historieta variarán según el género
al que pertenezca. Alternativamente, los géneros historietísticos se definen por el
formato de publicación. Como explica Daniele Barbieri, «la división por géneros es
distinta e independiente de la división por lenguajes». Actualmente no existe un
consenso en cuánto a su número, pues las diversas clasificaciones no derivan tanto
de la retórica clásica, con su división en lírico, épico y dramático, como de la novela
popular y el cine, que se caracterizan por la escasa complejidad de su regulación.
No es raro encontrar, por ejemplo, referencias a macrogéneros como historieta de
aventuras33 o de acción.34 Para complicar aún más el tema, los géneros también
pueden ser combinados para formar géneros híbridos. Hay, sin embargo, algunos
bastante definidos y con mucha tradición,31 como los que se distinguen en las
monografías Gente del cómic y Mangavisión:

 Aventuras;
 Bélico,
 Ciencia ficción o futurista:
 o Mecha,
o ópera espacial, y
o Superhéroes;
 Cómico y satírico;
 Costumbrista;
 Deportivo, de artes marciales o juegos de mesa,
 Erótico o pornográfico, distinguiéndose en la tradición japonesa:
o Ecchi (エッチ), que no muestra el coito, pero de carácter erótico.
o Hentai (変態) que ya es plenamente pornográfico;
 Fantástico y legendario, incluyendo la fantasía heroica o el mahō shōjo;
 Histórico, que cuenta con un subgénero consolidado, el de la historieta del
Oeste o western;
 Policíaco o criminal;
 Sentimental y romántico, y
 De terror.

Lenguaje[editar]
Para Oscar Masotta, lo que determina en primer lugar el valor de una historieta es
el grado en que permite manifestar e indagar las propiedades y características del
lenguaje mismo de la historieta, revelar a la historieta como lenguaje. 47 Jean
Giraud afirma que
Iconografía
Históricamente, los personajes tipo han sido muy importantes para el medio, ya que
el lector "desea, quiere y espera que el "bueno" ponga cara de bueno, y el "malo"
tenga cara de malo".49
En la historieta se figura, con medios estáticos, el movimiento real, usando técnicas
que ya practicaron los futuristas.50
Texto
El texto no es necesario, pero suele estar presente, ya sea en forma de globos o
bocadillos, cartelas, textos sueltos y onomatopeyas. Las palabras dichas por los
personajes suelen recogerse en los globos, salvo que se presenten fuera para
indicar que han subido el tono de voz.
Todos los textos suelen estar escritos en mayúsculas y las diferencias tipográficas,
de tamaño y grosor sirven para destacar una palabra o frase, y maritza intensidades
de voz. Masotta establece a este respecto un esquema con 7 oposiciones:

 Diálogo - off
 Lenguaje interior - lenguaje proferido.
 Lenguaje normal - lenguaje excepcional.
 Cerca - lejos
 Globo - Extra-globo.
 Línea recta - línea sinuosa (o en zig-zag, o estrellada, etc.)
 Tipografía normal - tipografía excepcional.51
Articulación narrativa
Toda historieta es una narración gráfica, es decir, desarrollada mediante una
secuencia de dibujos, y no una serie de ilustraciones cuyo mérito radique en ellas
mismas, de tal forma que «cada cuadro o viñeta debe estar relacionado de algún
modo con el siguiente y con el anterior».52 En afortunada expresión de Román
Gubern, la «viñeta es la representación gráfica del mínimo espacio y/o tiempo
significativo. Al espacio que separa las viñetas se le conoce como calle»53 y al
proceso por el que el lector suple ese vacío se le denomina clausura. McCloud
distingue 5 tipos de transiciones entre viñetas: 54

 1. Momento a momento.
 2. Acción a acción.
 3. Tema a tema.
 4. Escena a escena.
 5. Non-sequitur.
Cuanto mayor sea el formato y el número de signos icónicos y verbales, más tiempo
y atención deberemos prestar a una determinada viñeta. La historieta usa
variaciones del ángulo visual, encuadre y planos, términos estos que ha tomado
del cine, para dinamizar la narración.

Relaciones con otros medios

Debido a su condición de medio intersticial desde sus orígenes, 41 la historieta se
relaciona en primer lugar con las artes plásticas.
Literatura
Dada la antigüedad y el prestigio de la literatura, «cualquier relación cercana entre
uno y ojos, porque, se supone, da “categoría” a la niña». 55 En la historieta, sin
embargo, «los textos no viven una vida propia en su interior» como sí ocurre en la
literatura.56
En segundo lugar, ha de mencionarse también sus relaciones con:
Cinematografía
El cine y el cómic comparten una larga historia de influencias mutuas. En este
sentido, Federico Fellini manifestaba que «los cómics que se realizan acercándose
demasiado a la técnica cinematográfica son para mí los menos hermosos, los
menos logrados» de tal manera que los «que merecen consideración son aquellos
que han inspirado al cine y no al revés». Citaba así a clásicos de la historieta de
humor estadounidense, como los Katzenjamer Kids y Bringing up father, que
considera indudable inspiración de ciertos escenarios y personajes de Chaplin.57

Estilos
En un apartado anterior de la sección de historia, ya se ha mencionado la revolución
que en los años 1930, supuso la imposición de un nuevo tipo de
grafismo realista para las historietas "serias" en detrimento del grafismo
distorsionado y caricaturesco que había predominado hasta entonces. A su vez,
desde mediados de los años 1960, muchos autores han tendido a «la destrucción
del realismo naturalista para encontrar nuevos caminos: el realismo fantástico, la
deformación y la angulación, el montaje de mayor expresividad», etc.59 En realidad,
los estilos gráficos usados por los historietistas son tan variados como la intención
y la habilidad del autor, distribuyéndose estos dentro un triángulo formado por tres
vértices (abstracción, realidad y lenguaje)60 que comprende desde el realismo de
filiación fotográfica (Luis García, Alex Ross, etc), a la caricatura. En una
misma viñeta pueden combinarse además varios estilos. McCloud denomina efecto
máscara a la combinación de unos personajes caricaturescos con un entorno
realista que podemos observar en la línea clara o el manga clásico de Osamu
Tezuka.61 A pesar de tamañas posibilidades, los dibujantes clásicos procuraban
mantener siempre un mismo estilo a lo largo de toda su carrera, debido quizás a
imposiciones de sus syndicates. Un autor más moderno, como el español Josep
María Beá, a pesar de estimar grandemente a los que le precedieron, considera que
el «estilo, cuando se perpetúa indefinidamente y no evoluciona, es signo
de fosilización, de amaneramiento».62
Algunos tipos de historias y formatos de publicación de historietas

 Tira de prensa (tira cómica), chargé y cartón (arte) (cartón) (historietas de corta
duración, la primera critica valores sociales, la segunda critica a las personas y
las cosas de la contemporaneidad y la tercera critica las situaciones del el día a
día) .

 One-shot (historia completa) y miniserie (serie limitada) (historietas de media y

larga duración, la primera tiene una duración de una única edición y la segunda
se extiende por más de una edición, generalmente, entre dos a cuatro, aunque
un poco más extensa, así como, por ejemplo, trece).

 Tebeo, novela gráfica y fanzine (el primero es una revista de historieta

tradicional, la segunda es un libro de historieta y el tercero es una revista de la
historieta editada por fanáticos y con contenido bastante diversificado).
 Webcomic (una historieta disponible para su lectura en Internet, la mayoría
publicadas únicamente en la web con un diseño adaptado a ese medio) y e-
comic (historietas que son realizadas específicamente en papel, para su venta
o distribución; y que son transformadas a forma digital para ser leídas en
un PC o similar).