GUIA APRECIACION DEL ARTE - Prim23

Guía Metodológica de la Asignatura
“Apreciación del Arte”
1
BENEMÉRITA UNIVERSIDAD
AUTÓNOMA DE PUEBLA
VICERRECTORIA DE DOCENCIA
ACADEMIA DE ARTE
Responsables del contenido
Víctor Hugo García Ramírez
Wendy Olivia González Araiza
Benemérita Universidad Autónoma de Puebla
Lilia Cedillo Ramírez

Rectora
José Jaime Vázquez López

Vicerrector de Docencia
Jemima Barbosa Xochicale

Directora de Educación Media Superior
Academia general de ARTE
Primera edición, 2022

Benemérita Universidad Autónoma de Puebla
-anexar- Dirección
Impreso en México
-describir- Condiciones de uso
2
Presentación
La siguiente Guía Metodológica tiene el objetivo de ser un material de apoyo y

complemento a la didáctica aplicada en el salón de clases. No obstante sugiere actividades
individuales y colectivas, así mismo, contiene recursos abiertos para que los alumnos
exploren en las redes y las realicen. Todo esto con el propósito de generar dinámicas más
adecuadas a nuestra actualidad docente.
Antecedentes
Dentro del perfil de egreso de nuestros estuantes existe la necesidad de generar un humano
integral que responda a las necesidades de este nuevo mundo, por lo que queremos darle
una formación donde comprenda de tecnologías, materiales e instrumentos que han llevado
al desarrollo y evolución en la humanidad, y que todo esto no es solo una serie de
mecanismos que parece algo sistematizado, sino que también está impregnado de filosofías,
ideologías y estética. En consecuencia es nuestro objetivo acercarlo al mundo del Arte
mediante una visión socioformativa que le permita adquirir el saber comprender, el saber
hacer, el saber ser y el saber convivir.
Propósito
General
Establecer elementos que son necesarios en la comprensión del arte, cómo se aplican y reconocen
en el lenguaje de las formas, para generar en el estudiante un cambio de actitud con respecto al
sentido del Arte.
3
Contenidos Temáticos Bloque por Componente
I- Geometría y belleza
II- El cuerpo como arte y mercancía
III- El Arte y la guerra
Competencias a desarrollar
GENÉRICA 2.-
Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en
distintos géneros.
ATRIBUTOS
 2.1 Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas,

sensaciones y emociones.
 2.2 Experimenta el arte como un hecho histórico compartido que permite la

comunicación entre individuos y culturas en el tiempo y el espacio, a la vez que
desarrolla un sentido de identidad.
 2.3 Participa en prácticas relacionadas con el arte.
GENÉRICA 6.-
Sustenta una postura personal sobre temas de interés y relevancia general, considerando
otros puntos de vista de manera crítica y reflexiva.
ATRIBUTOS
4
 6.1.- Elige las fuentes de información más relevantes para un propósito específico y
discrimina entre ellas de acuerdo a su relevancia y confiabilidad.
 6.4.- Estructura ideas y argumentos de manera clara, coherente y sintética.
GENÉRICA 8.-
Participa y colabora de manera efectiva en equipos diversos.
ATRIBUTOS
 8.2.- Aporta puntos de vista con apertura y considera los de otras personas de
manera reflexiva.
 8.3.- Asume una actitud constructiva, congruente con los conocimientos y
habilidades con los que cuenta dentro de distintos equipos de trabajo.
GENÉRICA 10.-
Mantiene una actitud respetuosa hacia la interculturalidad y la diversidad de creencias,
valores, ideas y prácticas sociales.
ATRIBUTOS
 10.2.- Dialoga y aprende de personas con distintos puntos de vista y tradiciones
culturales mediante la ubicación de sus propias circunstancias en un contexto más
amplio.
 10.3.- Asume que el respeto de las diferencias es el principio de integración y
convivencia en los contextos local, nacional e internacional
5
BLOQUE I
GEOMETRIA Y BELLEZA
1. Sección Áurea
1.1 Representación en la naturaleza
Aprendizaje esperado
Relaciona la propiedad numérica de las formas y el espacio de una obra artística a partir de
la aplicación de la sección áurea, para descubrir que a través de la geometría se representa
la belleza
Duración 100 min
Apertura
RECORDANDO CONCEPTOS
Contesta las siguientes preguntas:
¿Qué es la belleza?
¿Cómo se relaciona con el arte?
¿Crees que hay relación entre la belleza y las matemáticas?
6
DESARROLLO:
La Sección Aurea
El número áureo también llamado sección áurea es un número irracional e
infinito que se representa con la letra phi (Se atribuye este
descubrimientoa el griego Euclides de Alejandría en el año 300 a. C.
Su importancia radica en la relación o proporción que guardan dos segmentos
de rectas valor y Euclides definió su valor como "una línea recta está dividida
en el extremo y su proporcional cuando la línea entera es al segmento mayor
como el mayor es al menor."
Imagen 1. El número áureo surge de la división en dos de un segmento guardando las siguientes
proporciones: La longitud total a+b es al segmento más largo a, como a es al segmento más corto b.
Es imposible escribir el valor del número de oro, sin embargo podemos

ayudarnos de la notación aritmética para conocerla con la siguiente expresión
Imagen 2. Número áureo, equivalente a la relación a/b.
7
Para entenderlo mejor…
Trasladamos la expresión anterior a un rectángulo
Imagen 3. Rectángulo áureo, equivalente a la relación a/b.
Pero ¿Qué hay de especial en éste número? y

¿Por qué se relaciona con la belleza y el arte?
Existe un fenómeno que se da en la naturaleza como pauta geométrica de gran

armonía entre las semillas de una flor de girasol, la espiral de las conchas de
algunos moluscos y los brazos de las galaxias, etc., la misma que podemos
encontrar en las obras de grandes artistas de todos los tiempos, desde el
romano Vitruvio a Leonardo da Vinci en el Renacimiento así como a los
modernos de Le Corbusier y Salvador Dalí a la que se le nombra como
Proporción Divina.
Imagen 4. La espiral áurea en la naturaleza o Divina Proporción.
8
Sucesión Fibonacci
Leonardo Pisano, mejor conocido como Fibonacci, en el siglo XIII hace un

gran descubrimiento a la que se le denomina Sucesión Fibonacci y se explica
cómo una serie numérica infinita en que la suma de dos números consecutivos
siempre da como resultado el siguiente número.
0,1,1,2,3,5,8,13,21,34,55, etc.
Existe una relación que se da con el número áureo cuando entre cada pareja de
números consecutivos de Fibonacci se divide entre su anterior y el resultado se
aproxima al número áureo.
21/13 = 1.1658346154
Si ilustramos la expresión anterior en tres pasos con el rectángulo áureo

tenemos:
1.- Se representa un rectángulo con proporción áurea y números de Fibonacci
Imagen 5. Rectángulo áureo
9
2.- Se aplica la división con la Sucesión Fibonacci, esto es restando un
cuadrado de longitud al lado corto de aquel con lo que obtendremos otro
rectángulo áureo de menor tamaño pero en proporción. Repitiendo el proceso
más veces se obtiene
Imagen 6. Rectángulo áureo con división de Sucesión Fibonacci
3.- Unimos los vértices de los cuadrantes de circunferencia de un radio igual a

lado de cada uno de los cuadrados que surgieron y entonces nos aparece la
espiral logarítmica o espiral áurea
Imagen 7. Espiral logarítmica
10
En el siglo XV Luca Pacioli escribe De divina proporsione, donde fija las
proporciones que deben cumplirse para conseguir la belleza excelsa, a partir
de la geometría. En esta obra se encuentran los famosos poliedros de
Leonardo da Vinci y su célebre "hombre ideal". Se considera que contiene los
elementos imprescindibles de las obras teóricas con más Influencia de la
cultura occidental correspondientes al Renacimiento Italiano.
Imagen 8. Proporción áurea en el Partenón
Veamos el siguiente video para afianzar esta información
Video Documental La Proporción Áurea/ Redes Eduard Punset

https://www.youtube.com/watch?v=d_7I-uqz_ic&t=997s
11
ACTIVIDAD
Vamos a comprobar si las obras siguientes contienen sección áurea como en el

ejemplo, y escribe tus conclusiones
Imagen 9. Proporción áurea aplicado en los objetos
Imprime en un acetato (o papel que se transparente) la plantilla no. 1 (ubicada

en los anexos) con el rectángulo áureo para medir las siguientes imágenes
Imagen 10. Georges Seurat. Un domingo en La Grande Jatte - 1884, 207,5 × 308,1 cm. Óleo sobre lienzo, Arts
Institute Chicago
12
Imagen 11. William Turner, Barcos de pesca con vendedores ambulantes negociando pescado, 1842. 174,5
× 224,9 cm, óleo sobre lienzo
Conclusión:
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CIERRE
Realiza una composición en la que aplicas sección áurea con los

materiales y medidas que tu Profesor (a) te indique.
Utiliza la siguiente Rubrica.
BENEMÉRITA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE PUEBLA
EDUCACIÓN MEDIA SUPERIOR
Plan 07 Academia: Arte Programa: Fecha:

Apreciación
del Arte
Bloque: I Grupo y turno: Nombre del alumno:
Nombre del docente: Unidad Ponderación

Académica:
Rúbrica Composición Sección Aurea
Destacado Satisfactorio Suficiente Insuficiente

Criterios
10 puntos 8 puntos 7puntos 6 puntos
Composición El estudiante El estudiante aplica principios de Sección El estudiante trata de El estudiante no parece
aplica principios áurea con una destreza adecuada. aplicar principios de poder aplicar los
de Sección áurea Sección áurea pero en principios Sección áurea
con gran destreza. general el resultado no a su trabajo.
es adecuado.
Colores La selección y La selección y aplicación de los colores La selección y El estudiante necesita

aplicación de demuestra conocimiento de las relaciones aplicación de colores esforzarse por aprender
colores demuestra entre éstos. Los colores son apropiados demuestra la relación entre los
un conocimiento para la idea que se está expresando. conocimiento de la colores y usar ese
avanzado de las relación entre éstos. conocimiento en su
relaciones entre Aunque, los colores NO trabajo.
éstos. La selección son apropiados para la
14
del color realza la idea que se está
idea que se está expresando.
expresando.
Uso de El estudiante El estudiante presenta su trabajo limpio El estudiante presenta El estudiante presenta
Materiales y presenta su en un 90 % su trabajo limpio en un su trabajo limpio en un
limpieza trabajo limpio en 90 % y con maltrato 80 % o menos y con
su totalidad del papel maltrato del papel
Creatividad El estudiante ha El estudiante ha tomado la técnica que El estudiante ha El estudiante no ha

tomado la técnica está siendo usada y usó una fuente de copiado alguna pintura hecho mucho esfuerzo
que está siendo materiales como punto de partida. La de las fuentes. Hay por cumplir con los
estudiada y la ha personalidad del estudiante sale a relucir muy poca evidencia de requerimientos de la
aplicado en una en partes de la composición. creatividad, pero el actividad.
manera que es estudiante ha hecho la
totalmente suya. actividad.
La personalidad
del estudiante ha
salido a relucir.
Conocimiento El estudiante El estudiante puede nombrar con El estudiante puede El estudiante no puede
Ganado-Técnica puede con precisión 4 características de los con precisión nombrar con precisión nombrar 3
precisión nombrar principios y técnicas que han sido 3 características de los de los principios y
5 características de estudiadas y describe cómo estas 4 principios y técnicas técnicas que han sido
los principios y características son usadas en su propio que han sido estudiadas o no puede
técnicas que han diseño estudiadas y describe describir cómo estas
sido estudiadas y cómo estas 3 características se
describe cómo características son relacionan a su propio
estas 5 usadas en su propio trabajo.
características son diseño
usadas en su
propio diseño
Total:
GENÉRICA 2.-

distintos géneros.
Atributos
2.3 Participa en prácticas relacionadas con el arte
15
Fuentes y referencias
Imagen 1 https://es.wikipedia.org/wiki/N%C3%BAmero_%C3%A1ureo#/media/Archivo:Image-
Golden_ratio_line.png
Imagen 2 Número áureo, equivalente a la relación a/b. https://ovacen.com/proporcion-aurea-que-

es/
Imagen 3 Rectángulo áureo, equivalente a la relación a/b https://ovacen.com/proporcion-aurea-

que-es/
Imagen 4 La espiral áurea en la naturaleza o Divina Proporción https://ecoosfera.com/destacados/la-

geometria-mistica-de-la-naturaleza-ejemplos-vivos-que-comparten-la-proporcion-aurea-x1f4f8/
Imagen 5 Rectángulo áureo https://ovacen.com/proporcion-aurea-que-es/
Imagen 6 Rectángulo áureo con división de Sucesión Fibonacci https://ovacen.com/proporcion-

aurea-que-es/
Imagen 7 Espiral logarítmica https://ovacen.com/proporcion-aurea-que-es/
Imagen 8 Proporción áurea en el Partenón https://ovacen.com/proporcion-aurea-que-es/
Imagen 9 Proporción áurea aplicado en los objetos https://www.crunar.mx/blog/la-proporcion-

aurea-en-el-diseno
Imagen 10 William Turner, Barcos de pesca con vendedores ambulantes negociando pescado,
1842. 174,5 × 224,9 cm, óleo sobre lienzo Georges Seurat. Un domingo en La Grande Jatte - 1884,
207,5 × 308,1 cm. Óleo sobre lienzo, Arts Institute Chicago
https://www.artic.edu/artworks/27992/a-sunday-on-la-grande-jatte-1884
Imagen 11 https://www.artic.edu/artworks/4796/fishing-boats-with-hucksters-bargaining-for-fish
Bibliografía
1 Fernando Corbalán (2010). La proporción áurea. RBA Coleccionables S.
A. ISBN 978-84-473-6623-1.
2 https://www.artic.edu/collection
16
Anexos para uso de la guía
Anexo 1
Plantilla sección aurea
17
BLOQUE I
GEOMETRIA Y BELLEZA
1. Sección Áurea
1.2 Representación en lo artificial
Relaciona la propiedad numérica de las formas y el espacio de una obra artística a partir de
la aplicación de la sección áurea, para descubrir que a través de la geometría se representa
la belleza.
Introducción
La sección áurea es un tema amplio por su aplicación en un gran número de

campos, no obstante, parece ser el vínculo entre las matemáticas con el
hombre y la naturaleza con el Arte.
Existen muchos estudios de obras de arte que se basan en otros tantos y otros
hechos por el mismo autor de la obra, donde la aplicación de la sección áurea
se comprueba que se hace de forma consciente, y en otros casos los análisis
nos demuestran que no se sabe si el artista lo hace conscientemente o es
intuición, lo que puede llegar a demostrar especial sensibilidad del hombre
hacia esta proporción.
En la época clásica son numerosas las muestras de arte realizado con sección
áurea, ya que es el momento donde nace el estudio de dicha proporción.
El ánfora ática que ilustra la leyenda de Hércules y Pholus tiene proporciones

tanto de altura como de ancho la relación áurea.
18
Imagen 1. Ánfora ática
Será en la arquitectura y en la pintura donde nos referiremos con mayor

atención.
1.2.1 Templos Griegos
Duración 100 min
Apertura
ARMONÍA
El Griego Pitágoras, que también sabemos que utilizó la fórmula de oro, crea
un sistema en el que las matemáticas son una clave para resolver el enigma del
Universo y en el número el principio de todo. Para él la armonía significa la
proporción de las partes del todo, y es el concepto que une las matemáticas y
la música. Es importante señalar lo anterior porque muchas obras pictóricas y
19
arquitectónicas basan sus proporciones en relaciones musicales que a su vez se
basan en la sección áurea.
Para la cultura griega el cuerpo humano era considerado el modelo vivo más
perfecto de simetría en sus formas y proporciones. El Romano Vitruvio cuatro
siglos después en su Tratado de Arquitectura dice que para que los templos
sean "Magníficos" se construyan análogos al cuerpo humano bien formado en
el que existe armonía. En el tratado relata que la amplitud de los brazos
extendidos del hombre bien formado es igual a su altura, y las manos y los
pies desplazados tocan un círculo centrado en el ombligo, relación arquetípica
"cuadratura de un círculo" que asombro a los pensadores del momento por
considerar esas formas como sagradas.
Los renacentistas retoman las ideas del arte clásico y es Leonardo da Vinci
quien lo ilustra.
Imagen 2. Leonardo da Vinci, Hombre de Vitruvio, 1492, Tinta sobre papel, 34.4 x25.5 cm, Galería de
la Academia de Venecia, Venecia, Italia
20
DESARROLLO:
CONSTRUCCIÓN DE
El arte griego era fiel al
UN TEMPLO GRIEGO
pensamiento racional y a la idea de
que las armonías musicales se
corresponden con las proporciones
del cuerpo humano por lo que
deben aplicarse también a la
arquitectura.
Imagen 3. Partes del templo griego
21
El Templo Griego es la construcción más importante y se realiza con
principios y normas de armonía y belleza. Es arquitectura de técnica
arquitrabada con el uso de columnas como elementos sustentantes, los
materiales son varios en los que destacan la madera, la piedra arenisca y el
mármol, su decoración tiene elementos como: cenfas, rosetas, ovas, perlas,
etc.
Existen tres formas de construir templos griegos que se distinguen por su tipo
de columna y a los que se les denomina "Órdenes Griegos" y son tres: Dórico,
Jónico y Corintio.
Imagen 4. Órdenes griegos
22
ACTIVIDAD
No todos los templos tenían la misma distribución, sin embargo si estaban

establecidas el número de salas, columnas y tipos de plantas con las que se
edificaban. Fueron muchas las recomendaciones en cuanto a la construcción
con las proporciones de los templos griegos. Un ejemplo es que la longitud
del templo duplique su ancho y que las proporciones del vestíbulo de entrada
abierto (pronaos) y de la habitación interior cerrada (cella) estén en relación 3-
4-5 (3 la profundidad del pronaos, 4 el ancho y 5 la profundidad de la cella)...
Imagen 5. Interior, partes del templo griego, vista de planta
Dibuja un templo griego en vista de planta con las proporciones del ejemplo
antes mencionado para comprobar si se cumple esta regla comparando con la
imagen no.6
Lo puedes realizar en una hoja blanca o en tu libreta, debe ser en centímetros.
23
Imagen 6. Interior del templo corintio de Labranda, vista de planta
CIERRE
Explica si fue complicado o simple realizar el dibujo; y si este guarda

correspondencia o no, con la imagen 6
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Utiliza la siguiente Lista de cotejo.
Plan 07 Academia: Programa: Apreciación del Fecha:

Arte Arte
Bloque: I Grupo y Nombre del alumno:

turno:
Nombre del docente: Unidad Académica: Ponderación
Lista de Cotejo Dibujando un Templo Griego
Criterio Puntos Logrado En No

proceso logrado
El alumno (a) utiliza las medidas 2 pts.
indicadas para realizar el dibujo
El alumno (a) realiza el dibujo con 2 pts.
eficacia
El alumno (a) utiliza los materiales 2 pts.
indicados para realizar el dibujo
El alumno (a) explica de forma clara lo 2 pts.
requerido
Total de puntos. 10
Retroalimentación:
25
GENÉRICA 2.-

distintos géneros.
Atributos
2.1 Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y

emociones
Imagen 1 https://matematicas.uclm.es/ita-
cr/web_matematicas/trabajos/240/La_seccion_aurea_en%20arte.pdf
Imagen 2 https://es.wikipedia.org/wiki/Hombre_de_Vitruvio
Imagen 3 https://www.guiadegrecia.com/general/templo.html
Imagen 4
https://www.google.com/search?q=templo+griego&tbm=isch&chips=q:templo+griego,g_1:planta:
QvU_eqR5QII%3D&rlz=1C1CHZL_esMX707MX707&hl=es-
419&sa=X&ved=2ahUKEwjj07qC4L77AhUakGoFHUbyAcoQ4lYoAXoECAEQJw&biw=737&bi
h=636#imgrc=gkB5pHo_9UJ1mM
Imagen 5 https://www.academiagratuita.com/arquitectura-griega-ordenes-
griegos/https://ecoosfera.com/destacados/la-geometria-mistica-de-la-naturaleza-ejemplos-vivos-que-
comparten-la-proporcion-aurea-x1f4f8/
26
Bibliografía
Recuperado de
1 https://matematicas.uclm.es/ita-
2 Fernando Corbalán (2010). La proporción áurea. RBA Coleccionables S. A. ISBN 978-84-473-

6623-1.
3 Gombrich, E.H. (2011). La historia del arte. Décimo sexta impresión. Editorial Phaidon.
27
1.2.2 Templos Góticos
Duración 100 min
Apertura
LA CATEDRAL GÓTICA
Imagen 1. Notre Dame de París, Isla de la Cité, París Francia
28
A mediados del siglo XII se
desarrolla en el norte de
Francia una nueva
majestuosa forma de
construcción de templos. La
catedral era el símbolo más
grande de la fe cristiana y
era orgullo cívico. Podemos
considerarlas como proezas
ingenieriles por la estructura
del conjunto y el complejo
sistema de fuerzas que
sostienen las elevadas
bóvedas que se deslizan
hacia abajo en los pilares que
forman como varillas de
piedra.
Imagen 2. Capilla superior de la Sainte-Chapelle, París, Francia
Se distingue también del estilo anterior por no tener muros compactos ni

macizos pilares. Estas proporcionaban a los creyentes un reflejo de lo que
habían oído hablar en himnos y sermones de Jerusalén celestial porque las
paredes de los edificios no eran frías y cerradas, sino con vidrios coloreados
que brillaban como una piedra preciosa y el realce en oro de pilares, nervios y
tracerías. El fiel que se entregaba a la contemplación de esto podía sentir estar
en el cielo.
29
Mucho se ha estudiado sobre su sistema constructivo y los elementos
arquitectónicos que hacen de este estilo algo sin igual.
Elementos arquitectónicos de la Catedral Gótica
Cruz latina (con ábside orientada al este)
Tipo de Planta Con variación de número de naves, capillas y

girolas
Tipo de arco Apuntado u ojival
Empujes contrarrestados por Arbotantes y contrafuertes
Elementos sustentantes Pilares fasciculados
Bóveda De Crucería y doble crucería
Muros Ventanas con vidrieras en lugar de paredes,

vitrales y rosetones
De tres puertas con tímpano, abocinadas y

decoradas con relieves, con dos torres, tres
Fachada
niveles, galería de reyes y rosetón.
Escultura ornamental de relieves de estatuas,

columnas, capiteles, gabletes, pináculos, agujas y
Decoración
gárgolas
El humanismo insipiente liberaba al hombre de

las oscuras tinieblas y el templo gótico le llevaba a
Lenguaje arquitectónico
la luz
30
Imagen 3. Dibujo en corte frontal de la estructura de la catedral y vista de planta Catedral de Chartres
Imagen 4. Dibujo fachada principal de catedral gótica y puerta principal
31
El estilo gótico se extendió al norte de Europa, las catedrales francesas
españolas y alemanas son ejemplos de este bello estilo. Su nombre se debe a
Giorgio Vasari, un erudito del Renacimiento que alude este estilo como de
origen germánico y propio de los godos, enfatizando el carácter despectivo de
este arte, pues lo consideraba un arte bárbaro, sin armonía y deforme. Es hasta
el siglo XIX, en pleno romanticismo y nacionalismo alemán que se revalora al
estilo gótico como base de la cultura nacional europea. Todas esas
connotaciones peyorativas se dispersan cuando se comprueban los principios,
que del clásico se derivan, aplicados en estos edificios.
En la arquitectura gótica se encuentra el triángulo egipcio como trama
reguladora de sus fachadas generando un crecimiento armonioso. F.M. Lund
hace una reconstrucción del alzado en la fachada de una catedral gótica (de
Nidaros) utilizando el triángulo.
Imagen 5. Trazado gótico según Lund Imagen 6. Catedral de Nidaros, siglo XII,
Noruega
Al comparar las plantas de muchas catedrales góticas encuentra que los

elementos constantes son el doble cuadrado y sección áurea.
32
En 1931 Matila Ghyka, que se basa en la teoría de Aldolf Zeising que dice que
el número áureo es la regla estética universal, empieza a estudiar muchas
obras desde la antigüedad griega, pasando por el arte romano y Renacimiento,
y que por supuesto aparece en las catedrales góticas. Un ejemplo de ellas es
Notre Dame de París, en su fachada aparece la proporción áurea, esto fue
corroborado por Eugene Viollet-le-Duc, arquitecto que la restauro en el siglo
XIX.
Imagen 7. Notre Dame de París, Isla de la Cité, Imagen 8. Trazo de la proporción áurea sobre
París Francia Notre Dame de París
33
ACTIVIDAD
Observa el siguiente documental y contesta el siguiente cuestionario en

equipos de 4 o 5 personas
Historia del Arte Universal - Cap 6. Edad media (Románico y Gótico)

https://www.youtube.com/watch?v=ZczVcjGRhpc
Cuestionario
“Arte Medieval”
1. ¿Qué era lo más esperado de las lluvias de finales de abril a inicio de marzo?
2. ¿Por qué se debía de visitar con devoción los sepulcros de santos a lo largo del
camino?
3. ¿Qué provocó la imprenta?
4. ¿Cuál monasterio representa una de las cotas más altas a las que llegó la
plástica románica?
5. ¿Qué modelos de edificios encarnaron tanto las novedades constructivas más
importantes como la expresión espiritual y estética de su tiempo?
6. ¿Qué mostraban los capiteles del claustro?
7. ¿Qué se vuelve en la mejor puerta de ingreso en la arquitectura de la edad
media?
8. ¿Qué dio vida a ese verdadero renacimiento arquitectónico que no solo
impulsó la arquitectura religiosa, sino que también en la civil y militar?
9. ¿Por qué se perfila un modelo de iglesia llamada peregrinación?
10. ¿Cuáles son las grandes iglesias son las que obedecen a ese tipo de modelo?
11. ¿Qué tienen en común esas iglesias en lo arquitectónico?
34
12. ¿Qué son las bóvedas nevadas?
13. ¿Qué catedral cumple con la fachada característica de la arquitectura gótica?
14. ¿Entre que siglos las iglesias románicas vistieron sus muros imitando los
modelos y el cromatismo de los mosaicos de la arquitectura bizantina?
15. ¿En qué ayudo la pintura mural de mosaico a las iglesias?
16. ¿A partir de qué siglo la hierática figura del pantocrátor se perpetuo cada vez
más abierta y alejada de rígido prototipo?
17. ¿De qué pintor es la versión del pantocrátor apocalíptico en el tríptico del
juicio final?
18. Menciona un pintor que resalta en Italia en la pintura mural y porqué
19. ¿Cuál fue la obra más conocida de Giotto y donde fue pintada?
20. Además de las iglesias ¿Qué otros edificios incorporaron la pintura a su
arquitectura?
21. ¿Qué manifestaban las fantásticas composiciones con la que crecía libremente
la escultura?
22. ¿En qué se basan sus relieves y qué expresan?
23. ¿A quiénes se le debe la concepción de dichas obras que también
evolucionaron hacia un mayor realismo y movimiento?
24. ¿Qué representan los relieves de la cátedra episcopal de la catedral de Parma?
25. Menciona un ejemplo donde la arquitectura y la escultura trabajaban juntas
por un mismo resultado.
26. ¿Cómo es que la escultura encontró nuevos soportes dentro de los templos?
27. ¿Cuál era el valor de la vidriera para el artista?
28. ¿Qué revolucionó el arte del color en la vidriera?
29. ¿Cuál es la función del plomo?
30. ¿Cuál es el pensamiento del autor de la obra?
35
CIERRE
Espero que este claro el fin de este estilo y me gustaría que expresaras tu
opinión con respecto a si este arte merece el reconocimiento que tiempo
después de su época tuvo, o si concuerdas con las ideas de Vasari
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Las respuestas del

Cuestionario se
encuentran en el anexo
para profesores
36
GENÉRICA 2.-

distintos géneros
GENÉRICA 6.-
Sustenta una postura personal sobre temas de interés y relevancia general, considerando otros
puntos de vista de manera crítica y reflexiva.
Atributos
6.1.- Elige las fuentes de información más relevantes para un propósito específico y discrimina
entre ellas de acuerdo a su relevancia y confiabilidad.
Imagen 1 https://turismoparis.org/catedral-notre-dame/
Imagen 2 https://es.wikipedia.org/wiki/Sainte-Chapelle#/media/Archivo:Sainte_Chapelle_-
_Upper_level_1.jpg
Imagen 3 https://estudiandoloartistico.wordpress.com/2015/03/06/origen-y-fases-de-la-
arquitectura-gotica-francesa-preclasica-clasica-y-radiante/planta-y-alzado-de-la-catedral-de-
chartres1/
Imagen 4 https://i.pinimg.com/originals/9b/42/6b/9b426b5d32d66174da6d2fec5285bebd.jpg
37
Imagen 6 De Eikern - Trabajo propio by uploader, CC BY-SA 3.0,
https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4519271
Imagen 7
https://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Notre_Dame_%28Par%C3%ADs%29#/media/Archivo:N
otre-Dame_de_Paris_2013-07-24.jpg
Imagen 8 https://www.elmostrador.cl/cultura/2019/04/26/por-que-notre-dame-la-catedral-aurea-es-
tan-apreciada-por-muchos-matematicos/
Bibliografía
Recuperado de
1 Giorgio Vasari y el estilo gótico, Gonzalo Durán, 21 de enero de 2010
2 https://lineaserpentinata.blogspot.com/2010/01/giorgio-vasari-y-el-estilo-gotico.html
3 https://matematicas.uclm.es/ita-
4 Por qué Notre Dame, la catedral áurea, es tan apreciada por muchos matemáticos, Andrés Navas
26 de abril 2019
5 https://www.elmostrador.cl/cultura/2019/04/26/por-que-notre-dame-la-catedral-aurea-es-tan-
apreciada-por-muchos-matematicos/

6623-1.
38
1.2.3 Bauhaus
Duración 100 min
Apertura
BAUHAUS
Durante la Ilustración, la Sección Áurea fue olvidada y es hasta el siglo XIX

que en los inicios del cubismo la retoman y un grupo de aquellos artistas se
hacen llamar "Sección Dorada", desde entonces numerosos artistas la estudian
y la aplican. Todos ellos se reúnen en La Bauhaus.
La Bauhaus fundada en Weimar , Alemania 1919 por Walter Gropius cuando
une la Escuela Superior de Artes Plásticas con la de Artes y Oficios. Está
considerada como la primera escuela de Diseño del mundo y funda las bases
para el diseño moderno.
La aplicación de la Sección Áurea tiene un reconocimiento muy alto dentro de
la arquitectura considerando la precisión con la que debe ser proyectado el
edificio ya sea antiguo o moderno.
En el mundo moderno, incluso se utiliza ya en el diseño de logotipos y
productos. Uno de los principales arquitectos modernos que utilizo los
principios geométricos fue Mies van der Rohe, representante alemán del
racionalismo arquitectónico quién dirigió la escuela de Diseño y Arte de la
Bauhaus en 1930.
Mies van der Rohe tiene como características en sus composiciones la
sencillez estructural, la proporción y geometría, así como la ausencia de
elementos ornamentales. La acertada combinación de materiales como el
mármol, el travertinos, el vidrio y el acero, construyen el vínculo entre lo
artificial de la arquitectura que se adapta a la naturaleza.
39
Con influencia de Teo Van Doesburg, Mondrian y los del grupo De Stjil, en
sus edificios se percibe el espacio fundamentalmente vacío por la pureza de
las formas y la fluidez de las habitaciones que nunca son cerradas y se abren
hacia el exterior.
Imagen 1. El Pabellón de Alemania (exterior), Mies van der Rohe, Exposición Universal de Barcelona
de 1920
Imagen 2. El Pabellón de Alemania (interior), Mies van der Rohe, Exposición Universal de Barcelona
de 1920
40
ACTIVIDAD
Observa el siguiente video de una d la obras maestras de Mies van der

Rohe, La Villa Tugendhat.
https://www.youtube.com/watch?v=nZWAQ_XKvEQ
En tu libreta realiza un resumen del video mencionando las

características más importantes de esta construcción.
CIERRE
Ahora que conoces como este concepto matemático se ha aplicado al Arte

y produce Belleza, escribe en las siguientes líneas si ha cambiado tu idea
de lo que la belleza es y explica por qué.
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
41
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
________________________________________________
GENÉRICA 2.-

distintos géneros.
Atributos
2.1 Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y

emociones.
Imagen 1 El Pabellón de Alemania (interior), Mies van der Rohe, Exposición Universal de
Barcelona de 1920 https://miesbcn.com/es/el-pabellon/
Imagen 2 El Pabellón de Alemania (interior), Mies van der Rohe, Exposición Universal de
Barcelona de 1920 https://miesbcn.com/es/el-pabellon/
Bibliografía
Recuperado de
42
1 https://www.arteespana.com/ludwingmiesvanderrohe.htm
2 https://www.fadu.unl.edu.ar/polis/la-bauhaus-19191933-a-100-anos-del-inicio-de-la-escuela-de-
diseno/
3
https://www.google.com/search?q=la+villa+wolf+mies+van+der+rohe&rlz=1C1CHZL_esMX707
MX707&oq=la+villa+wolf+mies&aqs=chrome.1.69i57j33i160l2j33i21.20615j0j15&sourceid=chro
me&ie=UTF-8#fpstate=ive&vld=cid:36cfb720,vid:Ixv-DIpMC0w
BLOQUE I
GEOMETRIA Y BELLEZA
2. Representación en el espacio
Explica la función y técnica de la perspectiva mediante la observación, clasificación y el

funcionamiento de un lenguaje gráfico que representa el espacio para descubrir su
aplicación en la construcción de una realidad.
1.2 Perspectiva en la pintura renacentista
Duración 100 min
Apertura
43
Renacimiento
En Florencia el Arte en los siglos XIV y XV adquiere independencia de la

región, ahora quien puede pagarlo lo tiene a su alcance, por lo que familias
nobles y burguesas hacen encargos a los artistas para enaltecer su estatus
social.
Los artistas ya no son considerados artesanos, reciben el reconocimiento de su
individualidad creativa, sus obras dejan de ser de carácter religioso y surgen
otros géneros dentro de la pintura y otras formas de la escultura.
Este periodo de la historia está enmarcado por grandes descubrimientos
geográficos, científicos y filosóficos gracias a la bondad económica de la
época que lo impulsa.
Escucha también la explicación más a detalle de lo que el Renacimiento es.
DESARROLLO:
Perspectiva
Imagen 1. La ciudad ideal, Piero della Fracensca, témpera sobre madera, 239,5 x 67,5 cm, 1480-1490
Gallería Nacionale delle Marche, Urbino, Italia
Hasta este momento en la historia la pintura era una expresión simbólica y

plana, y gracias al conocimiento avanzado de estos artistas en geometría
aunado a la valoración de la belleza y presunta libertad en la expresión, un
grupo de artistas intenta representar la forma en que el ojo percibe en una
44
superficie plana, intentando crear profundidad y volumen en la imagen, de lo
que surge la perspectiva.
Se le atribuye al arquitecto Filipo Brunelleschi éste sistema denominado

"Perspectiva Lineal"
ACTIVIDAD
Observa el siguiente video para conocer a detalle como se hizo éste

descubrimiento.
https://www.youtube.com/watch?v=k_uHf9kxTPo
https://www.youtube.com/watch?v=yS4Ogbf8HbY
A partir de la explicación anterior escribe en tu libreta a manera de lista, los

conceptos necesarios que te hicieron comprender como se puede realizar un
dibujo en perspectiva.
Utiliza la siguiente lista de cotejo para guiar la entrega de tu trabajo

Arte Arte

turno:
45
Lista de Cotejo Dibujo en perspectiva

proceso logrado
El alumno (a) escribe todos los conceptos 2 pts.
indicadas para realizar el dibujo en
perspectiva
El alumno (a) presenta la tarea a realizar 2 pts.
con el formato requerido
El alumno (a) escribe con claridad los 2 pts.
conceptos
El alumno (a) escribe sin faltas de 2 pts.
ortografía y con los correctos signos de
puntuación
Total de puntos. 10
Retroalimentación:
CIERRE
Escribe, en las siguientes líneas, bajo tu punto de vista que ventaja tiene
éste descubrimiento en la actualidad
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
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_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
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46
_______________________________________________________________
________________________________________________
GENÉRICA 2.-

distintos géneros.
Atributos
2.3 Participa en prácticas relacionadas con el arte
Imagen 1 La ciudad ideal, Piero della Fracensca,

https://es.wikipedia.org/wiki/La_ciudad_ideal_(obra)#/media/Archivo:Formerly_Piero_della_Franc
esca_-_Ideal_City_-_Galleria_Nazionale_delle_Marche_Urbino_2.jpg
Bibliografía
Recuperado de
Video 1 https://matematicas.uclm.es/ita-
Video 2 https://www.youtube.com/watch?v=yS4Ogbf8HbY

6623-1.
47
2.2 Surrealismo de Dalí
Duración 100 min
Apertura
La representación de la profundidad en el arte ha evolucionado a lo largo de la

historia. En la pintura era importante la representación fiel de la realidad.
Sabemos que a partir del Renacimiento, se empezó a introducir en los cuadros
la apariencia de profundidad. En el siglo XIX, aparece la fotografía y el cine
lo que permite una representación tridimensional perfecta. Actualmente existe
tecnología que nos ayuda a superar la bidimensional dad mediante
ordenadores y programas, sin embargo, trabajarlo con técnicas artísticas sigue
siendo un reto.
Un artista que consigue dominar este campo es Salvador Dalí, artista del
Surrealismo y uno de los máximos exponentes del arte contemporáneo. Sus
composiciones pictóricas rompen las leyes lógicas porque mezcla imágenes
simbólicas, fragmentadas, imposibles. Su creatividad no solo lo llevo al éxito
en la pintura, también abarco cine, escultura, diseño y la literatura.
Salvador Dalí utilizó la percepción especial, la ilusión óptica y la sección

áurea en sus obras de arte de varias maneras. Él estudia a fondo matemáticas,
física junto con la teoría de la perspectiva y explora las diferentes
posibilidades de representación de la realidad y lo imaginario, consigue
48
plasmar en sus obras perspectivas originales, consideradas como
contradictorias o imposibles. Demostró que en sus obras existe ciencia
matemática ilustrada y el recurso que utilizó en muchas de sus obras; una
medición que le sirvió para explorar la geometría hasta identificarla con la
naturaleza. Un gran ejemplo es ésta obra, observala a detalle.
Imagen 1. Salvador Dalí, La persistencia de la memoria. 1931
“Los objetos duros se vuelven inexplicablemente flácidos en este paisaje

onírico desolado e infinito, mientras que el metal atrae a las hormigas como si
fuera carne podrida. Dominando lo que llamó “los habituales trucos
paralizantes del engaño visual”, Dalí pintó con “la más imperialista furia de
precisión”, dijo, pero sólo “para sistematizar la confusión y así ayudar a
desacreditar completamente el mundo de la realidad”. Es la ambición
surrealista clásica, pero también incluye algo de realidad literal: los lejanos
acantilados dorados son la costa de Cataluña, el hogar de Dalí.
Esos relojes flácidos son tan blandos como un queso demasiado maduro; de
hecho, representan “el camembert del tiempo”, en frase de Dalí. Aquí el
49
tiempo debe perder todo significado. La permanencia la acompaña: las
hormigas, un tema común en la obra de Dalí, representan la decadencia,
particularmente cuando atacan un reloj de oro, y parecen grotescamente
orgánicas. La monstruosa criatura carnosa que cubre el centro de la pintura es
a la vez extraña y familiar: una aproximación del propio rostro de Dalí de
perfil, sus largas pestañas parecen inquietantemente parecidas a un insecto o
incluso sexual, al igual que lo que puede o no ser una lengua que rezuma de su
nariz como un caracol gordo”.
Extracto de publicación de MoMA Highlights: 375 Works from The Museum

of Modern Art, Nueva York (Nueva York: The Museum of Modern Art, 2019)
ACTIVIDAD
Realiza una intervención a la obra “La persistencia de la Memoria” de

Salvador Dalí, con otras imágenes respetando la sección aurea y explica el
significado que le diste. Esta actividad se realiza en clase trabajado a forma de
collage. (El profesor (a) debe pedir el material con anticipación)


Arte Arte
turno:
Rúbrica Composición Collage

Criterios Destacado Satisfactorio Suficiente Insuficiente
50
10 puntos 8 puntos 7puntos 6 puntos
Composición El estudiante interviene la El estudiante interviene la El estudiante interviene la El estudiante realiza la
obra con más de 5 obra con más de 3 y obra con menos de 4 intervención a obra y en
imágenes y es de gran menos de 6 imágenes y es imágenes y es de poca general el resultado no es
destreza y originalidad de gran destreza y destreza y originalidad adecuado.
originalidad
Colores La selección y aplicación La selección y aplicación La selección y aplicación El estudiante necesita

de colores demuestra un de los colores demuestra de colores demuestra esforzarse por aprender la
conocimiento avanzado de conocimiento de las conocimiento de la relación entre los colores y
las relaciones entre éstos. relaciones entre éstos. Los relación entre éstos. usar ese conocimiento en su
La selección del color colores son apropiados Aunque, los colores NO trabajo.
realza la idea que se está para la idea que se está son apropiados para la
expresando. expresando. idea que se está
expresando.
Uso de El estudiante presenta su El estudiante presenta su El estudiante presenta su El estudiante presenta su

Materiales y trabajo limpio en su trabajo limpio en un 90 % trabajo limpio en un 90 % trabajo limpio en un 80 %
limpieza totalidad y con maltrato del papel o menos y con maltrato del
papel
Creatividad El estudiante usa la técnica El estudiante usa la técnica El estudiante usa mal la El estudiante no ha hecho
que está siendo estudiada que está siendo usada y técnica. Hay muy poca mucho esfuerzo por
y la ha aplicado en una usó una fuente de evidencia de creatividad, cumplir con los
manera que es totalmente materiales como punto de pero el estudiante ha requerimientos de la
suya. La personalidad del partida. La personalidad hecho la actividad. actividad.
estudiante ha salido a del estudiante sale a
relucir. relucir en partes de la
composición.
Exposición El estudiante explica con El estudiante explica las El estudiante explica las El estudiante no puede con
precisión características características de la características de la explica las características
de la pintura usadas en su pintura usadas en su pintura usadas en su de la pintura usadas en su
propia intervención propia intervención, sin propia intervención, sin propia intervención
embargo no hay embargo no hay
congruencia total congruencia
Total:
CIERRE
Muestra a tus compañeros tu obra intervenida y explica el nuevo

significado.
51
GENÉRICA 6.-
Atributos
DISCIPLINAR BÁSICA HUMANIDADES

H12.-Desarrolla su potencial artístico como una manifestación de su personalidad y arraigo de la
identidad, considerando elementos objetivos de apreciación estética.
Imagen 1 Salvador Dalí, La persistencia de la memoria. 1931
http://www.museoguiraldes.com.ar/la-persistencia-de-la-memoria-analisis-de-esta-obra/
Recuperado de
1 https://historia-arte.com/artistas/salvador-dali
2 https://www.moma.org/collection/works/79018
3 https://culturacolectiva.com/arte/obsesion-de-salvador-dali-con-la-proporcion-aurea/
52
2.3 Zaha Hadid
Duración 100 min
Apertura
Zaha Hadid
Cuando se trata de producir arte en tres dimensiones se puede hablar de la

escultura y la arquitectura, las cuales la historia del arte nos enseña que siguen
las fórmulas de las matemáticas y la geometría. Ahora nos toca saber un poco
sobre la arquitectura de la actualidad y como ejemplo tenemos a Zaha Hadid.
Arquitecta iraquí y la primera mujer que recibe el premio Pritzker de
arquitectura en 2004, también recibió otros premios referentes a la
arquitectura. Su estilo de “edificios neofuturistas” tiene como característica
generar formas curvas con múltiples puntos de perspectiva y geometría
fragmentada. Sus obras se encuentran dentro de la corriente deconstructivista,
sin embargo tiene otras influencias como el minimalismo y el cubismo.
“En sus primeras obras imágenes gráficas que alteraban los ángulos de visión,
utilizando la rotación y la secuencia para generar en el observador una
percepción diferencial de la geometría y el espacio. Este sistema gráfico, que
se nutre del suprematismo, es un código visual que además de dar identidad a
su arquitectura, se convierte en instrumento de configuración formal que actúa
como mecanismo generador de su arquitectura.”
Extracto de publicación de Zaha Hadid, vida y obra de la arquitecta que lo cambió
todo (Lino Álvarez, 2016, Moove Magazine)
53
Imagen 1. Dibujo de Zaha Hadid expuesto en el MoMA de Nueva York
Beko Masterplan
Imagen 2. Beko masterplan, Zaha Hadid, Belgrado, Serbia
54
En el complejo multifuncional Beko en Belgrado, Hadid usa su gráfica
pictórica para expresar la temporalidad y el movimiento que definen el
carácter del edificio. Se encuentra a solo 500 metros del centro histórico, a
orillas del Danubio. El conjunto tiene una superficie una superficie de 94.000
metros cuadrados.
En Beko utiliza conceptos formales novedosos e integradores; no obstante, la
exuberancia de la forma ondulada rompe el orden armónico del perfil urbano.
Preserva algunas tradiciones y el edificio que fue utilizado por la firma textil,
mantiene su estructura y la integra al conjunto mediante líneas fluidas que
surgen de uno de sus lados hasta lograr la combinación formal. Modela formas
que parecen emerger del terreno, siguiendo la técnica del desvanecimiento
utilizado en la pintura china, que superpone capas de espacio hasta el infinito,
que generan una sensación de profundidad y libertad ilimitada.
Las líneas flexibles de las formas que crean volúmenes fluidos y dinámicos
son cualidades que hacen única la obra de Hadid.
ACTIVIDAD
Realiza en equipo (3 a 4 personas) una pequeña maqueta de un edificio de

Zaha Hadid con cartón y acetato de un edificio de Zaha Hadid y explica
con una autocrítica a tus compañeros la composición.
Instrucciones:
 La medida de la base es de 20x20 cm.
 Los materiales son cartón caple, corrugado, acetato y cualquier
otro plástico. ( De preferencia reciclado)
 Debe manejar una escala
 Revisa la Rúbrica
55

Apreciación
del Arte
Bloque: I Grupo y turno: Nombre de los alumnos

del equipo:

Académica:
Rúbrica Maqueta de edificio arquitectónico

Criterios
10 puntos 9 puntos 8 puntos 7 puntos
Calidad de la La maqueta La maqueta muestra atención en su La maqueta muestra La maqueta muestra
construcción muestra una construcción. El parecido con el algo de atención en poca atención en su
considerable edificio original es total. Sus su construcción. El construcción. El
atención en su componentes están nítidamente edificio es parecido edificio no es
construcción. El presentados con algunos detalles. al original sin parecido al original.
parecido con el Tiene algunas marcas notables, embargo hay Hay marcas notables,
edificio original rayones o manchas de pegamento algunas diferencias rayones o manchas
es total. Sus presentes. Nada cuelga de los bordes en su composición. de pegamento
componentes Hay unas pocas presentes. Existen
están marcas notables, elementos que
nítidamente rayones o manchas cuelgan de los bordes
presentados con de pegamento
muchos detalles. presentes. Nada
No hay marcas, cuelga de los bordes
rayones o
manchas de
pegamento.
Nada cuelga de
los bordes
Atención al Los estudiantes Los estudiantes dan una explicación Los estudiantes dan Los estudiantes dan
tema dan una razonable de cómo la mayoría de los una explicación una explicación breve
explicación elementos en la maqueta están clara de cómo e insegura de cómo
razonable de relacionados con el tema asignado. algunos de los los elementos en la
56
cómo cada elementos en la maqueta están
elemento en la maqueta están relacionados al tema
maqueta está relacionados al tema asignado.
relacionado al asignado.
tema asignado.
Creatividad Todos de los Varios de los materiales usados en la Los materiales Los materiales
materiales maqueta reflejan la creatividad de los usados en la usados no son los
usados en la estudiantes en su aplicación para su maqueta reflejan requeridos y en la
maqueta reflejan construcción poca creatividad de maqueta reflejan
un excepcional los estudiantes en su poca creatividad de
grado de aplicación para su los estudiantes en su
creatividad de construcción aplicación para su
los estudiantes construcción
en su aplicación
para su
construcción
Tiempo y El tiempo de la El tiempo de la clase fue usado El tiempo de la clase El tiempo de clase
esfuerzo clase fue usado sabiamente. Los estudiantes debieron no fue usado ocasionalmente fue
sabiamente. dedicar más tiempo y esfuerzo de sabiamente. Los usado sabiamente,
Mucho del trabajo en su hogar. estudiantes debieron Los estudiantes no
tiempo y dedicar más tiempo realizaron trabajo
esfuerzo estuvo y esfuerzo de trabajo adicional en su
en la planeación en su hogar hogar.
y diseño de la
maqueta. Es
claro que de los
estudiantes
trabajaron en su
hogar así como
en la escuela.
Total:
CIERRE
Genera una autocrítica con respecto a tu maqueta evidenciando las

características del edificio que elegiste.
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57
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GENÉRICA 8.-
Participa y colabora de manera efectiva en equipos

H12.-Desarrolla su potencial artístico como una manifestación de su personalidad y arraigo de la
identidad, considerando elementos objetivos de apreciación estética.
Imagen 1 Dibujo de Zaha Hadid expuesto en el MoMA de Nueva York

https://moovemag.com/2016/04/zaha-hadid-vida-y-obra-de-la-arquitecta-que-lo-cambio-todo/
Imagen 2 Beko masterplan, Zaha Hadid, Belgrado, Serbia
Bibliografía
Recuperado de
1 https://moovemag.com/2016/04/zaha-hadid-vida-y-obra-de-la-arquitecta-que-lo-cambio-todo/
2 https://tecnne.com/arquitectura/zaha-hadid-maleabilidad-de-la-forma/
58
BLOQUE I
GEOMETRIA Y BELLEZA
3. Geometría figurativa
Identifica el uso de figuras geométricas básicas en imágenes artísticas y cotidianas

mediante la observación, que le permita juzgar la importancia de manejar un lenguaje
gráfico visual.
3.1 Abstraccionismo geométrico
Duración 100 min
Apertura
Abstraccionismo Geométrico
Los principios de imitación del modelo natural, conocido como “Arte

mimético o figurativo”, y la abstracción son esenciales en la historia y la teoría
de las artes visuales, estando presentes desde el arte prehistórico, alternándose
durante toda la historia del arte según Wilhem Worringer.
La idea de que el arte no es solamente lo reconocible, sino que también puede
serlo lo que no reproduce el modelo natural, trata de consolidar cambiando los
criterios que están condicionados por el gusto basado en los modelos de la
Antigüedad Clásica y del Renacimiento. Los que contribuyeron al cambio de
paradigma fueron artistas, teóricos y e historiadores del arte del siglo XIX,
59
haciendo referencia a representaciones en el arte consideradas,
despectivamente, como arte bárbaro, por ejemplo el arte africano, japonés y
otros, la razón es que no reproducen fielmente el modelo natural, ni están
acorde a los cánones occidentales clásicos entre otras cosas.
El arte abstracto se relaciona también con la matemática cuando sus
producciones se conforman con el uso de formas geométricas simples y el
color, combinadas de manera subjetiva para crear espacios irreales.
Imagen 1 Wassily Kandinsky (1866–1944). Composición 8, julio de 1923. Óleo sobre lienzo, 140 x 201 cm. Solomon
R. Guggenheim Museo, Nueva York
Integrando lo sensible, emocional y sensitivo del arte a lo racional de la

ciencia y el número.
60
DESARROLLO:
Wassily Kandinsky
De origen ruso, fue un artista que inicia el arte abstracto del siglo XX, basado
en las teorías de Wilhem Worringer y Konrad Fielder, así como en la música
de Arnol Schönberg, se interesaba por el arte no-objetivo. Le preocupaba la
dominación del materialismo en el mundo moderno y veía en la abstracción
una vía de liberación del hombre. En 1911 publica con Franz Marc el
almanaque “Der Blaue Reiter” (El jinete azul), movimiento al cual se une un
variado grupo de artistas. En él se defiende la función mística para el arte, un
arte no-objetivo que respondiera a la fuerza interior del artista y no a un reflejo
de las apariencias. La difusión de sus ideas fue por medio de sus escritos De lo
spiritual en el arte (1912) donde habla de la sinestesia y Punto y línea sobre el
plano. Cuando Kandinsky regresa a Alemania se convierte en el más
importante de los colaboradores de la Bauhaus de Weimar, y su estilo se
contagiaba con la tendencia geométrica de esta escuela.
Otro artista que representa el arte geométrico es Kazimir Malévich, ruso
también que en 1915 llama a su estilo Suprematismo, que consiste en crear
composiciones no objetivas, con formas geométricas simples que flotan en
espacios blancos y colores puros. Su arte busca una realidad espiritual a la que
él llamaba “lo absoluto”, el espectador tenía que hacer un esfuerzo para
entender sus obras.
Para entender el valor histórico de su propuesta debemos tener en cuenta que
es el antecedendente del movimiento constructivista ruso y anterior al
neoplasticismo o a la Bauhaus, incluso Kandinsky ya está trabajando con la
abstracción, pero no con la abstracción geométrica suprema.
61
Imagen 2 Kazimir Malévich. Suprematismo, 1916. Óleo sobre lienzo, 88,5 x 71 cm. CP
ACTIVIDAD
Creación de Composiciones Geométricas Abstractas
Materiales:
1. Papel blanco o cartulina
2. Lápices
3. Reglas
4. Colores, marcadores o lápices de colores y hojas de colores
5. Tijeras
6. Pegamento
Instrucciones:
62
1. Piensa en un concepto a representar alegóricamente como la felicidad,
la Amistad, la paz, etc. y realiza tu composición tomando en cuenta el
valor de las formas y colores simbólicamente para generar tu
composición.
2. Utiliza los materiales requeridos por el profesor (a) combinando el

dibujo y los recortes de hojas de colores si así lo deseas.
3. En una hoja diferente escribe el título y el significado de tu producto

artístico
Utiliza la siguiente rúbrica para guiar la entrega de tu trabajo

Apreciación
del Arte
Bloque: I Grupo y turno: Nombre del alumno

Académica:
Rúbrica Composiciones Geométricas Abstractas

Criterios
Composición El estudiante El estudiante aplica principios del El estudiante aplica El estudiante no
aplica principios geometrismo abstracto con destreza principios del aplica principios del
del geometrismo adecuada y es original geometrismo geometrismo
abstracto con abstracto sin abstracto, el
gran destreza e embargo el resultado no es lo que
63
innovación resultado no es muy se requiere
original parece una
copia de lo ya hecho
Colores La selección y La selección y aplicación de los La selección y El estudiante necesita

aplicación de colores demuestra conocimiento de aplicación de colores esforzarse por
colores las relaciones entre éstos. Los colores demuestra aprender la relación
demuestra un son apropiados para la idea que se conocimiento de la entre los colores y
conocimiento está expresando. relación entre éstos. usar ese
avanzado de las Aunque, los colores conocimiento en su
relaciones entre NO son apropiados trabajo
éstos. La para la idea que se
selección del está expresando.
color realza la
idea que se está
expresando.
Creatividad Todos de los Varios de los materiales usados en la Los materiales Los materiales
materiales composición reflejan la creatividad usados en la usados no son los
usados en la de los estudiantes en su aplicación composición reflejan requeridos y en la
composición para su construcción poca creatividad de composición reflejan
reflejan un los estudiantes en su poca creatividad de
excepcional aplicación para su los estudiantes en su
grado de construcción aplicación para su
creatividad de construcción
los estudiantes
en su aplicación
para su
construcción
Uso de La composición La composición se presenta con una La composición se La composición se

Materiales y se presenta sin mancha o pegamento visible, no está presenta con más de presenta con más de
manchas ni totalmente limpio de imperfecciones y una mancha o una mancha o
limpieza pegamento trazos dobles. pegamento visible, pegamento visible, no
visible, está no está totalmente está totalmente
totalmente limpio de limpio de
limpio de imperfecciones y imperfecciones y
imperfecciones y trazos dobles. trazos dobles y el
trazos dobles. papel de base está
roto o arrugado
Total:
CIERRE
Escribe, en las siguientes líneas, si consideras que esta forma del arte es
importante y relevante y el por qué.
64
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
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________________________________________________
GENÉRICA 2.-
Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en distintos
géneros.
Atributos
2.3 Participa en prácticas relacionadas con el arte.
Imagen 1 Vasily Kandinsky (1866–1944). Composición 8 , julio de 1923. Óleo sobre lienzo, 140 x 201 cm. Solomon
R. Guggenheim Museum, Nueva York
https://www.guggenheim-bilbao.eus/aprende/mundo-escolar/guias-para-educadores/composicion-8
Imagen 2 Kazimir Malevich. Suprematismo, 1916. Óleo sobre lienzo, 88,5 x 71 cm. CP
https://es.wikipedia.org/wiki/Composici%C3%B3n_suprematista
65
Bibliografía
Recuperado de
1 https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/kandinsky-wassily
file:///C:/Users/wendy/Downloads/Dialnet-
ElAfanDeAbstraccionEnLaCreacionArtisticaSegunWilhe-2749400.pdf
https://www.3minutosdearte.com/seis-cuadros-un-concepto/las-composiciones-suprematistas-
de-malevich/
66
3.2 Cubismo Analítico
Duración 100 min
Apertura
¿Qué sabemos del Cubismo?
El cubismo se desarrolló en 1907 y sus creadores fueron Pablo Picasso

y Georges Braque. La tendencia abrió paso a otras técnicas vanguardistas del
arte del siglo XX. Fue el crítico francés Louis Vauxcelles fue quien creó el
término cubismo al estudiar las pinturas de Braque y observo que estaba
compuesta por pequeños cubos y figuras geométricas. El cubismo es una
corriente en la que se representa la realidad con elementos geométricos, que
son el resultado del análisis y la síntesis, y que también forman parte del arte
abstracto.
El cubismo no es considerado solo como una moda de principios del siglo
pasado, sino que fue una revolución porque rompió, definitivamente, con la
pintura tradicional conocida hasta entonces. Considerada la primera
vanguardia, porque es el primer estilo que rompe con los cánones impuestos
por el realismo renacentista de la perspectiva y que seguía vigente hasta
principios del siglo XX.
DESARROLLO:
“La característica más destacable del cubismo es que no solo representa la

realidad a través de figuras geométricas, sino que fragmenta las líneas y las
superficies, lo que se le conoce como perspectiva múltiple. Esto quiere decir
67
que los cuadros cubistas son capaces de representar todas las partes de un
objeto sobre el mismo plano. Y es que el arte cubista tiene algo de filosofía:
no se representan las cosas desde un punto de vista específico, sino que se
dibuja lo que se sabe de ellas”.
En el arte cubista la profundidad no existe, no hay una única manera de ver los
cuadros, no existen los detalles y mucho menos el realismo que caracterizaba
a la pintura renacentista. Por otra parte, suprime los colores vivos del arte
tradicional, pues se decanta más por los tonos grises, verdes y marrones, así
como el monocromatismo.
El Cubismo Analítico fue una fase específica dentro del movimiento artístico
del cubismo, que tuvo lugar aproximadamente entre 1908 y 1912. Fue una de
las etapas iniciales del cubismo y se caracterizó por un enfoque analítico y
desarrollo de las formas. Los artistas buscaron representar los objetos desde
múltiples perspectivas simultáneas y descomponer las formas en sus
elementos básicos. Esto a menudo resultaba en la representación de un objeto
desde varios ángulos en una sola imagen. Utilizaban una paleta de colores
limitada y tonalidades apagadas. Los artistas se centraban más en la estructura
y la forma que en la representación realista de los colores. A diferencia de las
representaciones tridimensionales tradicionales, el Cubismo Analítico
enfatizaba la bidimensionalidad de la superficie de la pintura. Las formas se
presentaban como planos superpuestos que desafiaban la ilusión de
profundidad. Frecuentemente, los fondos y los objetos se entrelazaban y se
superponían, haciendo que la distinción entre el objeto y el espacio
circundante fuera menos clara. El espacio negativo (el área entre y alrededor
de los objetos) a menudo se utilizaba de manera significativa para definir las
formas y crear un equilibrio visual.
Los artistas asociados con el Cubismo Analítico incluyen a Pablo Picasso y
Georges Braque, quienes trabajaron estrechamente juntos durante esta fase del
cubismo. A medida que el cubismo evolucionó, se desarrollaron otras formas,
como el Cubismo Sintético, que presentaba una simplificación y síntesis de
formas más marcadas.
68
Imagen 1. Pablo Picasso. Las Señoritas de Avignon, 1907, Óleo sobre lienzo, 243,9 cm × 233,7 cm.
Museo de Arte Moderno, Nueva York
ACTIVIDAD
Realiza el siguiente diagrama radial con el análisis de la obra de Picasso, “Las

Señoritas de Avignon” consultando en el siguiente vínculo la información.
https://www.culturagenial.com/es/cuadro-las-senoritas-de-avignon-de-pablo-
picasso/
Instrucciones:
En equipo de 5 personas
Lee y organiza la información en el diagrama radial
69
Contexto
Histórico
Valor de
Simbolismo
Referencia
Las
Señoritas
de Avignon
Valor Estructura
Artístico Expresiva
CIERRE
Escribe que crees que aprendiste con respecto a esta forma del arte y cuál
es tu opinión con respecto a esta vanguardia.
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70
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___________________________________________________________
GENÉRICA 6.-
GENÉRICA 8.-
Participa y colabora de manera efectiva en equipos
COMUNICACIÓN
C7.- Valora y describe el papel del arte, la literatura y los medios de comunicación en la
recreación o la transformación de una cultura, teniendo en cuenta los propósitos
comunicativos de distintos géneros.
Imagen 1. Pablo Picasso. Las Señoritas de Avignon, 1907, Óleo sobre lienzo, 243,9 cm × 233,7
cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York
https://www.moma.org/collection/works/79766?sov_referrer=art_term&art_term_slug=cubism
Bibliografía
Recuperado de
71
1 ¿qué es el arte cubista?
https://www.ifema.es/noticias/arte/que-es-el-
cubismo#:~:text=El%20cr%C3%ADtico%20franc%C3%A9s%20Louis%20Vauxcelles,peque%C3
%B1os%20cubos%20y%20figuras%20geom%C3%A9tricas.
2 Claves para entender el cubismo
https://www.artemiranda.es/blog/index.php/claves-para-entender-el-cubismo/
3 Descubriendo a Picasso
https://pablo-picasso.space/periodos-de-picasso/cubismo-analitico/
4 Convenciones destrozadas de la representación y perspectiva
https://www.moma.org/collection/terms/cubism/cubism
5 Las señoritas de Avignon de pablo Picasso
https://www.culturagenial.com/es/cuadro-las-senoritas-de-avignon-de-pablo-picasso/
BLOQUE II
EL CUERPO COMO ARTE Y MERCANCIA
1. El cuerpo humano en la antigüedad.
1.1 Prehistoria
Descubre los diferentes usos y atributos relacionados con el cuerpo humano en

la antigüedad, mediante la organización de representaciones plásticas,
comparándola con el valor que se le ha dado hasta el siglo XXI.
100 minutos
Apertura
72
De entre todas las imágenes que vemos todos los días, la figura humana
sobresale de entre todas las demás imágenes por ciertas características a las
que poco le prestamos atención.
No nos damos cuenta de que muchas de las imágenes de la figura humana no
son realistas es decir su composición las hace parecerse poco a un ser humano
real, pero ¿por qué sucede esto? ¿Por qué se crean imágenes que son tan poco
realistas del cuerpo humano? Habrá que decir que esto no es nuevo y que la
representación del cuerpo humano es una de las primeras manifestaciones del
arte sucedidas hace más de 30,000 años.
El Arte tiene entre sus temas más recurrentes, la representación del cuerpo
humano, la cantidad y variedad de cuerpos representados es muy extensa y ha
sufrido cambios a lo largo de la historia, no siempre se le ha representado de la
misma manera ¿Por qué?
Actividad 1. Reflexiona
La venus de Willendorf representa una de las primeras
imágenes del cuerpo humano, pero te has preguntado ¿por
qué tiene esta forma? ¿Cuáles pueden ser las razones por las
que la hayan creado así?
Respuesta: -
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73
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_____________________________________________________________
DESARROLLO
La Venus de Willendorf.
Hace miles de años, la incipiente existencia de la especie humana, se abría

camino en un mundo que le era totalmente adverso. Como especie, la humana
es físicamente débil a otras especies de animales ¿cómo fue que sobrevivió
hasta convertirse en la especie dominante del planeta? Los primeros grupos
humanos se dedicaban a recolectar y cazar toda la comida que podían, eran
nómadas y su objetivo principal era el de sobrevivir recorriendo así, vastas
regiones de Europa, al final de la última glaciación, hace unos 30,000 años.
La escultura de la Venus de Willendorf tan solo mide escasos 10 cm,
claramente representa el cuerpo de una mujer. Sin embargo, algunos rasgos
como el rostro y los brazos han sido minimizados o eliminados y, al mismo
tiempo otros han sido exagerados.
Algunos sugieren que se trata de una imagen que representa la fertilidad, pero
eso no explica las particulares características enunciadas anteriormente. No
fue hecha así por casualidad, se hizo con alguna intención.
Para poder explicar el aspecto de la Venus de
Willendorf, es necesario analizar el contexto
durante el cual la escultura fue creada; las
condiciones climáticas, la organización social, las
creencias y los valores vigentes en el momento de
la creación de la escultura nos pueden arrojar
pistas sobre el posible significado que esos
primeros artistas buscaron plasmar en sus obras.
La forma de la venus de Willendorf se hizo así,

porque las condiciones, el contexto, determinaron
la visión que sus creadores trataron de expresar
en la obra. Para esos primeros artistas, el
74
representar sus creencias o valores, estaba determinado por el contexto, pero
también por algo que este arraigado en nuestra condición como especie
humana y eso condiciona nuestra manera de ver las cosas. Sin embargo, como
veremos posteriormente, lo anterior no siempre ha sido así.
ACTIVIDAD
Realiza una infografía: La representación del cuerpo humano en

la prehistoria.
Indicaciones:
• Para ello deberás consultar la primera parte del vídeo “Más

humano que lo humano “cuyo enlace encontrarás en las fuentes y
referencias.
• https://www.area-documental.com/video/Mas+Humano+que+lo+Humano/
• Consulta la lista de cotejo para su elaboración
• Retroalimenta la actividad en clase.
Lista de cotejo
Bloque II El cuerpo humano
75
proceso logrado
El título de la infografía hace 2

referencia al tema
Las imágenes están relacionadas 4

con el tema de la infografía.
La información es acorde con las 4

imágenes
Total, de puntos. 10
Retroalimentación:
CIERRE
Aunque no sea del todo claro el fin de esta representación del cuerpo
humano, me gustaría que expresaras tu opinión con respecto a si este arte
merece el reconocimiento que tiempo después de su época tuvo
_______________________________________________________________
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76
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GENÉRICA 6.-
Atributos
COMUNICACIÓN
C7.- Valora y describe el papel del arte, la literatura y los medios de comunicación en la
recreación o la transformación de una cultura, teniendo en cuenta los propósitos
comunicativos de distintos géneros
https://www.area-documental.com/video/Mas+Humano+que+lo+Humano/
77
Título original: How Art Made the World
Año: 2005
Duración: 300 min.
País: Reino Unido
Dirección: Robin Dashwood, Mark Hedgecoe, Ben McPherson, Nick Murphy, Francis
Whately, Martin Wilson
Guion: Paul Zelevansky
Música: Daniel Mulhern
Fotografía: Chris Hartley, Jim Ashcroft, Mark Molesworth
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC, KCET
Género: Serie de TV. Documental | Miniserie de TV. Documental sobre Historia
BLOQUE II
EL CUERPO COMO ARTE Y MERCANCIA
El cuerpo humano en la antigüedad.
1.2 Edad antigua
Identifica conceptos básicos del Arte mediante lecturas, análisis y discusión

que le permita valorar las diferentes expresiones artísticas.
100 minutos
Apertura
78
Las antiguas civilizaciones también tuvieron entre sus prioridades la
representación del cuerpo sin embargo éstas se presentan de manera estilizada
y proporcionada a diferencia de las
primeras representaciones del cuerpo
realizadas en los albores de la de la
civilización.
Estas representaciones se presentan
de manera muy clara precisa
estilizada y además con estrictas
reglas en su representación todo esto
nos lleva a pensar por qué la de la
representación del cuerpo en las
antiguas civilizaciones concretamente en la egipcia, se llevó de manera tan
esquemática y lineal, con características tan específicas que conforman el
estilo inconfundible del arte egipcio.
DESARROLLO
Al observar las imágenes del cuerpo humano realizadas por la sociedad

egipcia lo primero que observamos es que no son nada realistas más bien son
sumamente esquemáticas ordenadas,
estilizadas y que manifiestan un cierto
orden y precisión que solamente las
reglas a las cuales se sujetaron la
creación de estas imágenes explican su
forma.
Si el arte es un reflejo social un reflejo
de la sociedad que lo crea tendríamos
que referirnos a la sociedad egipcia
para poder explicar las razones que
llevaron a la creación de este tipo de
imágenes y de las cuales realmente no hubo mucho cambio a lo largo de la
existencia del imperio egipcio eso también podría darnos una pista sobre lo
que se presentan en la imagen recordemos que una obra de arte también es el
79
reflejo de los valores vigentes en una sociedad lo valioso que para esa
sociedad representa ciertas características y que se y que el mensaje se envía
por medio de las imágenes que se crean.
Si esto es así debería explicar también la creación de las diferentes imágenes
en otras civilizaciones que vinieron posteriormente.
ACTIVIDAD
Cuadro comparativo: Las representaciones del cuerpo humano

en la antigüedad.
Indicaciones:
• Elabora un cuadro comparativo sobre las representaciones

del cuerpo humano en las culturas antiguas.
• Compara y comparte con los conocimientos adquiridos en

esta sesión.
Bloque II. El cuerpo humano
Lista de cotejo Cuadro comparativo

proceso logrado
Vincula y establece las 1

características a comparar entre
cada una de las imágenes
80
Identifica 4 diferencias entre las 5
distintas representaciones del
cuerpo humano en la antigüedad.
Permite una lectura organizada 2

de la información.
La información expuesta es clara 1

y precisa.
Presenta buena ortografía y 1

redacción.
Puntaje total 10
Retroalimentación:
CIERRE
Comenta con tus compañeros el resultado de las diferencias y las

coincidencias de tu Cuadro comparativo
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_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
81
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
GENÉRICA 6.-
Atributos
6.4.- Estructura ideas y argumentos de manera clara, coherente y sintética.
GENÉRICA 8.-
Atributos
8.2.- Aporta puntos de vista con apertura y considera los de otras personas de manera
reflexiva.

H10.- Asume una posición personal (crítica, respetuosa y digna) y objetiva, basada en la razón
(lógica y epistemológica), en la ética y en los valores, frente a las diversas manifestaciones del
arte
Video 1 https://www.area-documental.com/video/Mas+Humano+que+lo+Humano/
82
Año: 2005
Duración: 300 min.
País: Reino Unido
BLOQUE II
EL CUERPO COMO ARTE Y MERCANCIA.
El cuerpo humano en siglo XX.
5.1 Valores y Significados
Examina representaciones del cuerpo humano mediante la clasificación y el

análisis para explicar sus cambios en el siglo XX.
100 minutos
Apertura
83
Las imágenes del cuerpo humano nos rodean en todos los espacios públicos
desplegados en los diferentes medios de difusión, en los anuncios, en los
programas de televisión, en las redes sociales en forma de publicidad.
Se muestra el cuerpo humano en distintas poses,
circunstancias y ambientes; fragmentado y situaciones
en donde el cuerpo es utilizado como fondo, como una
base para anunciar algún producto o servicio.
Cada parte es utilizada para anunciar algo y en este
sentido se utiliza el cuerpo como un argumento de
venta, como una extensión, como justificación de un
objeto de con un cierto valor comercial o que anuncia
a su vez a otro objeto.
Sin embargo, por más que la forma humana se nos
aparece en todos los medios de forma “natural” en
realidad todas las imágenes del cuerpo humano que
nos rodean comparten un rasgo en común:
Todas esas imágenes representan cuerpos humanos perfectos, con
proporciones en muchos casos fuera de la realidad, en otras palabras, son
imágenes exageradas del cuerpo humano, ¿Por qué?
DESARROLLO
Como hemos visto en capítulos anteriores, la representación del cuerpo
humano ha sufrido modificaciones a lo largo de la historia de la civilización.
Pero ¿qué es lo que determina la representación del cuerpo humano en las
distintas etapas históricas y las sociedades que las concibieron?
El cuerpo humano y su representación han tenido diferentes usos y
significados a lo largo de la historia del arte. Cada sociedad en un momento
histórico determinado manifiesta en sus representaciones artísticas sus valores
y condiciones sociales.
84
La representación del cuerpo humano no es
la excepción, distintas sociedades lo han
empleado para enviar mensajes y expresar en
ellos los valores vigentes.
No es de extrañar entonces, que el cuerpo
humano y su representación, obedecen a los
intereses que como sociedad se pretende
expresar con distintos argumentos.
Con la llegada de la reproducción en masa,
las imágenes del cuerpo como muchas otras
imágenes, fueron sujetas de un proceso de
fragmentación y empleadas para diferentes
usos.
La representación misma del cuerpo humano
obedece a los cambios sociales y lo que se
considera valioso para una sociedad.
La publicidad, es la actividad que utiliza el arte como escaparate, como
argumento de venta, estableciendo un vínculo entre la representación artística,
el cuerpo humano y el espectador.
La sociedad de consumo actual utiliza el cuerpo como argumento de venta y
lo utiliza como un mecanismo de identidad hacia el espectador– comprador.
ACTIVIDAD
Cartel sobre la fragmentación y utilidad del cuerpo humano
Indicaciones: Elabora un cartel donde representes la utilidad del cuerpo o

alguna parte del cuerpo para una función comunicativa, comercial o artística
Bloque II. El cuerpo humano
Lista de cotejo Cartel sobre la
85
fragmentación y utilidad del cuerpo
humano en el siglo XX

proceso logrado
El título del cartel es acorde con 1

el tema
Las imágenes se relacionan con el 1

tema
El cartel maneja una 4

composición adecuada y manejo
del color
El mensaje expresado alude al 3

tema.

redacción.
Retroalimentación:
86
CIERRE
Expón tu cartel frente a grupo
GENÉRICA 6.-
Atributos
6.4.- Estructura ideas y argumentos de manera clara, coherente y sintética
GENÉRICA 10.-

Atributos
10.2.- Dialoga y aprende de personas con distintos puntos de vista y tradiciones culturales
mediante la ubicación de sus propias circunstancias en un contexto más amplio.

H11.- Analiza de manera reflexiva y crítica las manifestaciones artísticas a partir de
consideraciones históricas y filosóficas para reconocerlas como parte del patrimonio cultural.
87
https://www.area-documental.com/video/Mas+Humano+que+lo+Humano/
Año: 2005
Duración: 300 min.
País: Reino Unido
88
BLOQUE III
EL ARTE Y LA GUERRA
1.- Cambio de paradigma
1.1 El arte del nuevo imperio

1.2 Arte Neoclásico
Muestra los diferentes cambios de paradigma dentro del arte y la sociedad

mediante la observación análisis y comparación entre para establecer
relaciones entre los procesos históricos y los procesos sociales artísticos
actuales.
100 minutos
Apertura
CONTEXTO HISTÓRICO
La mitad del siglo XVIII se va a caracterizar por la influencia del movimiento

ilustrado, en donde, un sistema de ideas difundido en la Europa, que otorga un
valor supremo al conocimiento derivado de la razón.
Sin embargo, este período se caracteriza por una agitada situación política; a
las guerras entre Francia e Inglaterra por el dominio de los mares y de las
colonias americanas le sucederá la guerra de independencia de Estados Unidos
que es el tiempo de la primera de las revoluciones burguesas en la cual
Francia apoyando a los insurgentes americanos y posteriormente los
revolucionarios franceses intenten llevar a la práctica lo que supondrá el inicio
de la Revolución Francesa punto de partida para la llamada edad
contemporánea al mismo tiempo que una naciente Revolución Industrial
comienza a cambiar el mundo.
89
DESARROLLO
Arte Neoclásico
Durante los acontecimientos que

se suceden en Francia a raíz de
la Revolución de 1789 y que
culminan con el ascenso al poder
de Napoleón, entre 1750 y 1815
se extiende una concepción
razonada de la belleza que
producen profundas
transformaciones en el
significado de la creación
artística.
Se instituye por medio de la
Academia, la teorización sobre la belleza que impuso un determinado gusto, el
Barroco y el Rococó son fuertemente criticados por considerados exagerados
y por tener un lenguaje clasista. En el razonamiento del gusto se consideraba a
la antigüedad clásica como modelo de perfección absoluta a la que había que
imitar. La actividad creadora sufre en esta época transformaciones profundas
tanto en lo que se refiere al artista como a la obra sobre todo en rol social del
artista se refuerza en su dimensión individual lo que conlleva a su valoración
como genio inconfundible
El Neoclasicismo es un estilo que obedece a recuperación de los valores
estéticos de los modelos del arte clásico, como movimiento cultural y artístico,
se vio marcado tanto por las relaciones entre arte y política como por la
atención surgida entre la aplicación de la norma y la interpretación.
Entre sus principales características tenemos:
 La razón se convierte en el centro de toda ciencia o arte. La fantasía, la
mística o el sentimentalismo quedan en un segundo plano.
 Solo se acepta aquello que puede ser comprobado o sometido a
un análisis. De la mano de la Ilustración se consolidan el periodismo y
los estudios críticos.
 El Neoclásico es una reacción al Barroco.
90
 Sus principios son la funcionalidad, la claridad y la racionalidad, en la
búsqueda del orden, la armonía y la pureza de líneas.
 Es un arte vinculado a la burguesía, la nueva y triunfante clase social.
 Se imita el arte grecolatino, así como las manifestaciones del
Renacimiento.
 Tiene un valor didáctico y moralizante tomando como modelo el arte
antiguo, ya que en él veían la perfección y la virtud.
 Principios liberales como la libertad, la igualdad y la fraternidad.
ACTIVIDAD
Análisis historicista y biográfico de una obra de arte Neoclásico
Indicaciones: Realiza el análisis historicista y biográfico de una obra

representativa del período Neoclásico
Bloque III. Cambio de paradigma.
Lista de cotejo Análisis de una obra de arte

proceso logrado
La obra corresponde al período 1

neoclásico
91
Las imágenes cuentan con 1
descripción
El análisis historicista se centra 4

en el contexto histórico de la obra
El análisis biográfico establece la 3

vida y obra del autor.

redacción.
Retroalimentación:
Cierre
Recibe retroalimentación de tu profesor (a)
92
GENÉRICA 2.-

distintos géneros.
GENÉRICA 10.-

Atributos
Bibliografía
1 El arte neoclásico. La enciclopedia del estudiante, tomo 9, Historia del Arte
2 Primera edición, Buenos Aires, Santillana
3 "Arte Neoclásico". Autor: Equipo editorial, Etecé. De: Argentina. Para: Enciclopedia
Humanidades. Disponible en: https://humanidades.com/arte-neoclasico/. Última edición: 23 enero,
2023. Consultado: 16 octubre, 2023.
Fuente: https://humanidades.com/arte-neoclasico/#ixzz8GMzWzAXj
93
BLOQUE III
EL ARTE Y LA GUERRA
1.3 Arte y revolución Industrial

1.4 Romanticismo y Simbolismo

mediante la observación análisis y comparación entre para establecer relaciones
entre los procesos históricos y los procesos sociales artísticos actuales.
100 minutos
Apertura
CONTEXTO HISTÓRICO.
Durante la primera mitad del siglo XIX, una gran inestabilidad política se
divierte desde la Revolución francesa hasta las revoluciones de 1848 y el
inicio de los nacionalismos las guerras y alzamientos nacionales se suceden a
lo largo de todo este periodo inestabilidad que a pesar de ello convivió con el
gran desarrollo económico e industrial producto de la primera Revolución
Industrial en gran parte del occidente de Europa.
En este sentido, la Revolución Industrial supuso un cambio en las relaciones
sociales de producción, modificando e influenciando todos los aspectos de la
vida cotidiana de una u otra manera. La producción tanto agrícola como de la
naciente industria se multiplicó a la vez que disminuía el tiempo de
producción.
94
DESARROLLO
Romanticismo y Simbolismo
El Romanticismo es un movimiento
cultural que se originó en Alemania y
Reino Unido a finales del siglo XVIII, es
una reacción en contra de la Ilustración y
en el clasicismo y los valores que le
privilegiaban al pensamiento a la razón y
que el movimiento romántico terminará
por determinar que son los sentimientos y
la pasión lo más importante en este sentido
es un movimiento no sólo artístico sino
cultural porque también es crucial para
comprender la cultura occidental moderna.
La filosofía, la literatura, la música y la política fueron influenciadas por este
movimiento en un periodo turbulento que se extendió y que se conoce como
las revoluciones burguesas el mundo occidental. Con las Revolución francesa
de 1789 y la Revolución Industrial el romanticismo pasa a significar una
nueva experiencia de la característica fundamental es la ruptura de la tradición
clasista basada en un conjunto de reglas que limitaban la expresión artística
debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza
así como la del ser humano mismo es que se presenta una manera distinta y
particular en cada país se da paso a los nacionalismos y al amor al a la patria a
los ideales a la pasión a los ideales de libertad consagrados en el amor
romántico.
El romántico exaltaba la belleza y los ideales, dando libertad a los
sentimientos. El espíritu creativo resultaba más importante que la estricta
adhesión a las reglas de la. El artista romántico buscaba escapar de la realidad
inmediata que lo abrumaba y lo angustiaba. Por eso, las obras suelen
representar épocas pasadas o lugares lejanos. El artista se refugiaba en sí
mismo y se aislaba de la sociedad. Sostiene la imagen de un genio romántico
que se destaca por su imaginación, y atormentada, a diferencia del genio del
renacimiento que se destacaba por su impecable manejo de la técnica La
subjetividad. El movimiento exaltaba los sentimientos y los estados de ánimo
95
sobre él. El miedo, la pasión, la locura y la soledad expone situaciones y
relativas a los sueños, las pesadillas y las fantasías. Expone situaciones en las
que la imaginación se libera del sentido de la razón.
Entre los valores expresados por el Romanticismo tenemos:
 Lo sublime, se hacía referencia al concepto de belleza como un ideal de
grandeza absoluta, aquello incomparable en cuanto a su magnitud y su
capacidad de conmover. De ahí, el uso de símbolos que reflejaban la
idolatría a un genio, héroe o figura excepcional.
 La naturaleza.
 La búsqueda de la identidad, no solo individual, sino a su herencia y
sentido de pertenencia.
 La nostalgia por el pasado, el movimiento se contraponía al progreso
dramático de la que amenazaba con romper la unidad entre el hombre y
la naturaleza.
Realismo.
El Romanticismo trajo consigo
una contemplación entusiasta de
la vida que contribuyó a valorar
la idea de la verdad visual y que
marca el inicio de la
representación realista.
Como movimiento artístico, el
Realismo tuvo como objetivo, la
representación verdadera y
objetiva del mundo sensible, que
se basaba en la observación
detallada de la vida que sucedía alrededor del artista.
A partir de mediados del siglo XIX, la literatura y las artes visuales se
desprenden de la narrativa y de la idealización de la belleza. Lo que sucede, lo
contemporáneo, se impone a lo histórico.
El arte entonces revela una interpretación de la vida más ligada a la realidad
El Realismo entonces, se caracterizó por su búsqueda por la representación de
la veracidad, y su compromiso social, adopta una postura activamente política,
96
denunciando las injusticias sociales y comprometiéndose con las clases bajas y
los movimientos políticos de izquierda.
ACTIVIDAD
Análisis historicista y biográfico de una obra de arte del

Romanticismo.

representativa del período Romántico.

proceso logrado

del Romanticismo.

descripción

97

redacción.
Retroalimentación:
CIERRE
Escribe tu opinión con respecto a este estilo en el arte y si es congruente

con el pensamiento del momento histórico
GENÉRICA 2.-

distintos géneros.
GENÉRICA 10.-

98
Atributos
mediante la ubicación de sus propias circunstancias en un contexto más amplio
Bibliografía
1 Romanticismo y realismo. La enciclopedia del estudiante, tomo 9, Historia del Arte
Primera edición, Buenos Aires, Santillana 2006
2 "Romanticismo". Autor: Equipo editorial, Etecé. De: Argentina. Para: Enciclopedia

Humanidades. Disponible en: https://humanidades.com/romanticismo/. Última edición: 23
enero, 2023. Consultado: 16 octubre, 2023.
Fuente: https://humanidades.com/romanticismo/#ixzz8GN4BCF9c
BLOQUE III
EL ARTE Y LA GUERRA
1.5 Impresionismo

mediante la observación análisis y comparación entre para establecer relaciones
entre los procesos históricos y los procesos sociales artísticos actuales.
100 minutos
Apertura
99
El impresionismo fue un movimiento artístico, principalmente pictórico,
surgido en la de la segunda mitad del siglo XIX, principalmente en, y cuyos
principales postulados fueron el abandono de las figuras plenas e
identificables, en favor de pintar la y capturar su presencia en un panorama
específico, más allá de las formas que pudieran subyacerle. El impresionismo
surgió en la Europa de la segunda mitad del siglo XIX.
DESARROLLO
El impresionismo
En 1874 en París un grupo de pintores

expondrán sus cuadros que
interpretaron como meras impresiones
llamándoles efectivamente impresiones
30 años después en el salón de otoño de
1905 uno de los lugares alternativos a
salón.
El impresionismo como escuela
pictórica se desarrolla en Francia en la
segunda mitad del siglo XIX trata de
captar la impresión inmediata que
produce la visión al natural
generalmente al aire libre por medio de
una técnica rápida y directa de
pinceladas sueltas y colores puros la
aparición de esta escuela estuvo acompañada de una serie de circunstancias
Una reacción contra los contenidos narrativos de la pintura, la conciencia de
fugacidad de la vida moderna que parece un perpetuo devenir dominado por
sensaciones diversas experiencias ópticas que los pintores aplicaron
intuitivamente como la influencia que producen unos determinados colores al
100
lado de otros o la llamada mezcla óptica es decir la combinación de pinceladas
de distintos colores a ser contempladas en la distancia innovaciones técnicas
en los útiles de pintor como los lienzos industriales y los tubos de colores que
produjeron una fascinación por su viveza y contraste además de fomentar la
materialidad de la superficie pictórica el auge de las experiencias fotográficas
y en particular de las instantáneas que produjo múltiples puntos de vista en los
encuadres y acabó con la idea de en composición ordenada en términos
tradicionales.
El término “impresionista” se empleó por primera vez de manera despectiva.
Se le atribuye a un crítico de arte de nombre Louis Leroy, quien lo habría
usado a modo de mofa frente a un cuadro de Monet: Impresión, sol naciente
(1873). Inspirado en el título de este cuadro, el crítico arremetió en la prensa
contra los treinta y nueve “pintores impresionistas” expuestos en París,
dándole nombre sin saberlo a uno de los movimientos pictóricos más
importantes del siglo
De modo similar, los impresionistas dejaron la forma en segundo plano,
prefiriendo explorar las distintas modalidades de la iluminación: iluminación
artificial en interiores, como en el caso de Degas y sus bailarinas; iluminación
natural filtrada por las hojas, como en Renoir; o la iluminación natural de un
lago y una multitud, como en Monet. En esto daban la espalda al que ubicaba
el volumen y la forma como preocupación principal de la pintura, desplazando
más bien su atención a la luz y el color.
Las posiciones oficiales la investigación sobre la naturaleza física de la
percepción del color y la luz ciertas innovaciones técnicas y un concepto
moderno del sentido de la vida fueron algunas de las circunstancias del
nacimiento del impresionismo.
El paisaje fue quizá el gran

protagonista del
impresionismo, dado que los
panoramas abiertos
permitían la cantidad de luz
y de color necesaria para sus
métodos pictóricos en donde
la impresión cromática y
lumínica del pintor, son la
principal intención más que
en su afán por reproducir
101
una realidad percibida
Uno de los avances del impresionismo y de la época apunta a la creación de
nuevos pigmentos a partir de los cuáles disponer de colores más puros. Esto
permitió a los pintores replantear muchas de las leyes cromáticas vigentes
hasta la época, pudiendo entender el color en relación con sus acompañantes y
con el contraste que generan. Así, los impresionistas se atrevieron a hacer
juegos de sombra que rompían con la dinámica del claroscuro, que empleaba
valores de luz para generar las sombras y la perspectiva, en favor de sombras
hechas con colores complementarios, dando así sensación de mayor
profundidad a la obra. Este avance sería fundamental luego, para las
vanguardias a las que el impresionismo abrió la puerta.
ACTIVIDAD
Análisis historicista y biográfico de una obra de arte

representativa del Impresionismo.

proceso logrado

del Impresionismo
102
descripción



redacción.
Retroalimentación:
Cierre
Escribe tu opinión con respecto a la técnica de este
GENÉRICA 6.-
103
Atributos
6.4.- Estructura ideas y argumentos de manera clara, coherente y sintética.
GENÉRICA 10.-

Atributos
Bibliografía
1 El impresionismo. La enciclopedia del estudiante, tomo 9, Historia del Arte
Primera edición, Buenos Aires, Santillana 2006
2 "Impresionismo". Autor: Equipo editorial, Etecé. De: Argentina. Para: Enciclopedia

Humanidades. Disponible en: https://humanidades.com/impresionismo/. Última edición: 23
enero, 2023. Consultado: 16 octubre, 2023.
Fuente: https://humanidades.com/impresionismo/#ixzz8GN3rjTV3
104
BLOQUE III
EL ARTE Y LA GUERRA
2. La construcción de la identidad mexicana
2.1 El Muralismo como resistencia popular
Define elementos relevantes de la identidad mexicana mediante el análisis y la

interpretación de producciones artísticas mexicanas para criticar la visión que se
tiene de la identidad en un contexto internacional.
100 minutos
Apertura
Realiza una reflexión sobre las siguientes preguntas:
¿Qué consideras que es lo mexicano?
¿Qué nos identifica como mexicanos?
Comparte tus respuestas con tus compañeros
105
DESARROLLO
El arte de México es el resultado de complejas relaciones sociales, en donde

las tradiciones las raíces indígenas y la influencia europea, confluyen en arte
único cargado de misticismo que fue conformando su identidad nacional a lo
largo de siglos de desarrollo social y artístico.
Al comienzo del siglo XX, al planteamiento de la Revolución mexicana y sus
ideales de libertad, se suma el enorme desafío de dotar de una identidad propia
a una sociedad en influenciada en gran medida por la colonización europea.
Así, con la firme idea de crear una identidad libre de los juicios de valor
europeos al pasado indígena precolombino y de las raíces indígenas que aun
permean en la sociedad mexicana, el arte mexicano comenzó a incorporar en
sus expresiones, a la gente la cultura y la naturaleza del país, dejando de lado
la aparente necesidad por imitar los modelos europeos y otras ideas
extranjeras.
El arte mexicano entonces, se centró en la búsqueda de una identidad nacional.
Las representaciones artísticas toman como fuente de inspiración, a las fiestas
patronales, los trajes típicos y el arte indígena, al mismo tiempo, los artistas
retratan la crueldad y las injusticias de la colonización española.
Muralismo mexicano
También denominado Escuela mexicana de pintura, fue un movimiento

pictórico iniciado en la década de 1920, como parte de las políticas de
modernización del Estado de Mexicano tras la revolución de 1910.
106
Se trata de un movimiento inspirado por un propósito: construir una identidad
nacional para aglutinar a los diferentes sectores de la sociedad mexicana,
dadas las profundas desigualdades sociales de la época, especialmente
educativas y culturales.
El presidente Álvaro Obregón, elegido para el período de 1920 a 1924,
nombró a José Vasconcelos como secretario de educación pública. Este
desarrolló el primer programa cultural del Estado mexicano después de la
revolución.
Con el propósito de crear un sentimiento de unidad nacional y promover los
valores del Estado moderno, Vasconcelos impulsó, por un lado, la educación
pública nacional, concentrando esfuerzos en la lengua castellana como punto
de unificación en un México pluricultural y multilingüístico. Por el otro,
desarrolló un programa de arte público para construir y reforzar la identidad y
la memoria colectivas. El muralismo era un arte concebido por el Estado para
una estrategia social, y como tal, debía tener un alcance público, lo que solo
podía lograrse mediante el muro o la escultura monumental.
Así, el soporte esencial de muralismo mexicano fue, evidentemente, el muro,
lo que le daría monumentalidad al concepto artístico. Estos muros estaban
dispuestos en edificios del Estado, en escuelas, universidades o iglesias.
El Muralismo Mexicano es uno de los géneros artísticos más distintivos de
América Latina. Tiene su origen en la Revolución mexicana de 1910,
paralelamente al movimiento de transformación en México. Sin embargo, no
es hasta 1921 cuando inicia formalmente el Movimiento Muralista
Mexicano, año en que José Vasconcelos, uno de los principales intelectuales
mexicanos, asumió funciones como Secretario de Educación Pública bajo el
Gobierno del Presidente Álvaro Obregón, quien comisionó a distintos artistas
a pintar una serie de murales en las paredes de la Secretaría Nacional y la
107
Escuela Nacional Preparatoria. A partir de ese momento, la Escuela Muralista
Mexicana comienza adquirir prestigio internacional no sólo por ser una
corriente artística, sino por ser un movimiento social y político de resistencia e
identidad, con imágenes a través de la diversidad de sus componentes
estilísticos que retratan temas como la revolución, la lucha de las clases y al
hombre indígena. Entre sus miembros, destacan David Alfaro Siqueiros, José
Clemente Orozco, Diego Rivera y Rufino Tamayo conocidos posteriormente
como los tres grandes.
ACTIVIDAD
Análisis historicista y biográfico de una obra de arte del Muralismo.

Lista de cotejo Análisis de una obra de
arte

proceso logrado
La obra corresponde al 1
período del Muralismo.
descripción
El análisis historicista se 4
centra en el contexto
histórico de la obra
El análisis biográfico 3
establece la vida y obra del
autor.
redacción.
108
Retroalimentación:
CIERRE
Escribe tu opinión con respecto a este estilo en el arte y si es congruente

con el pensamiento del momento histórico
GENÉRICA 2.-

distintos géneros.
Atributos
2.2 Experimenta el arte como un hecho histórico compartido que permite la comunicación
entre individuos y culturas en el tiempo y el espacio, a la vez que desarrolla un sentido de
identidad.
GENÉRICA 10.-

valores, ideas y prácticas sociales
DISCIPLINAR EXTENDIDA HUMANIDADES

HE4.- Comparte expresiones artísticas para reconstruir su identidad en un contexto de diversidad
cultural.
109
1 Muralismo-mexicano: características, autores y obras.

Consultado: 16 de octubre de 2023
Fuente: https://www.culturagenial.com/es/muralismo-mexicano/
2 Muralismo mexicano
Secretaría de relaciones Exteriores. Gobierno de México
Fuente: https://consulmex.sre.gob.mx/atlanta/index.php/component/content/article/22-
asuntos-comunitarios/299-movimiento-muralista-mexicano
3 https://www.culturagenial.com/es/muralismo-mexicano/
https://consulmex.sre.gob.mx/atlanta/index.php/component/content/article/22-asuntos-
comunitarios/299-movimiento-muralista-mexicano
110
BLOQUE III
EL ARTE DE LA GUERRA
La construcción de la identidad mexicana
1.1 Cine
Define elementos relevantes de la identidad mexicana mediante el análisis y la

interpretación de producciones artísticas mexicanas para criticar la visión que se
tiene de la identidad en un contexto internacional.
100 minutos
Apertura
¿Qué películas mexicanas has visto?
¿Cuál consideras que represente mejor la

identidad mexicana?
Desarrollo
Serguéi Eisenstein, (1898 – 1948) fue un director de cine y teatro de origen

judío
Eisenstein visitó México impresionado por las secuelas de la revolución

mexicana y sus contribuciones ideológicas a los movimientos de masas, el arte
(en particular el muralismo), la educación y el nacimiento de un partido de
111
Estado en cierne (en 1929 se funda el Partido Nacional Revolucionario, que
incubó al PRI actual) y, con seguridad, empezó a tener una visión comparada
de esos procesos políticos porque en 1917 presenció la Revolución rusa.
Se trata de un filme inacabado que debía contener cuatro episodios, además de
un prólogo y un epílogo. El prólogo alude al México prehispánico, mediante
imágenes alegóricas. El episodio "Sandunga" refleja los preparativos para una
boda indígena en Tehuantepec. "Fiesta" escenifica una escena de tauromaquia,
llamada fiesta brava en el país azteca. Con otro tipo de tragedia se encamina
"Maguey", donde se representa la tragedia de un campesino castigado por
rebelarse en contra de su patrón. Había otro episodio que no fue finalmente
rodado por Eisenstein, como "Soldadera", dedicado al sacrificio de una mujer
revolucionaria. En el epílogo, conocido como "Día de muertos", se hace
referencia al carácter sincrético del tradicional culto a los muertos en México.
.La película en sí tiene una estructura alegórica e histórica de México: una
boda indígena en el sureste del país (Oaxaca, aunque viajó por carretera,
automóvil, avión, burro y a pie por Guerrero, Yucatán y Chiapas), que
recuerda el pasado prehispánico; un ambiente festivo con una corrida de toros;
escenas trágicas donde un campesino quiere quitarse las ataduras de los
hacendados; e imágenes de una tradición centenaria como el día de muertos,
que consigna la hibridez cultural, las herencias indígena e hispánica, una
suerte de sincretismo, que combina los periodos colonial, revolucionario y
moderno.
Fue un filme de honda repercusión en el cine mexicano, incorporando sus
hallazgos a la tradición fílmica del país. A su vez, el cineasta es deudor de
diferentes influencias estéticas, especialmente, la de los muralistas mexicanos,
como Orozco y Rivera, fotógrafos como Agustín Jiménez o Manuel Álvarez
Bravo o la del grabador José Guadalupe Posada.
ACTIVIDAD
Indicaciones: Realiza un collage con los elementos que

consideres más representativos de la identidad mexicana.
Bloque III. Arte y libertad

Lista de cotejo Collage
112
proceso logrado
El collage está compuesto por 1
fotografías.
Las imágenes están colocadas y 1
dispuestas de forma integral
El collage corresponde con el tema 4
Las imágenes son de buena calidad. 3

redacción.
Retroalimentación:
CIERRE
Presenta y explica tu collage frente a grupo
GENÉRICA 2.-

distintos géneros.
Atributos
113
identidad.
GENÉRICA 6.-
Atributos

HE4.- Comparte expresiones artísticas para reconstruir su identidad en un contexto de
diversidad cultural.
HE11.- Promueve el patrimonio histórico-cultural de su comunidad para reconocer la
identidad del México actual
1 QUE VIVA MÉXICO, 1930. DIRECTOR SERGUÉI EISENSTEIN

Aureavisura, Año 6, Tercera época, No. 26, abril-junio 2018
Fuente: http://aureavisurarevista.fad.unam.mx/?p=2200
2 Artium museoa. Dokuarte, Biblioteca y centro de Documentación

Serguei EISENSTEIN, biografía.
Fuente: https://catalogo.artium.eus/dossieres/5/eisenstein-sergei/biografia
3 http://aureavisurarevista.fad.unam.mx/?p=2200
4 https://catalogo.artium.eus/dossieres/5/eisenstein-sergei/biografia
114
BLOQUE III
EL ARTE Y LA GUERRA
3. Arte de la posguerra: revoluciones artísticas
En el siglo XX se produjeron innumerables eventos que favorecieron a la

humanidad, sin embargo hubo también tragedias como La Primera y La
Segunda Guerra Mundial, La Crisis Mundial de 1929 entre otras. Al mismo
tiempo el arte tenía un momento fecundo para desarrollarse y estaba en
búsqueda continua de innovación. Esta forma de expresión permitió a los
artistas canalizar sus emociones, transmitir mensajes impactantes y desafiar
las injusticias que surgen durante y después de los conflictos armados. El arte
como medio de protesta ha sido eficaz para aumentar la conciencia social
sobre las realidades y horrores de la guerra. Pinturas, fotografías, esculturas y
otras formas artísticas capturan la brutalidad de los conflictos y llaman la
atención del público hacia los sufrimientos humanos. Las obras de arte
impactantes tienen el poder de movilizar la opinión pública y generar
discusiones significativas sobre las causas y consecuencias de la guerra. No
obstante, a partir de la crítica se inspiran movimientos sociales y acciones
colectivas que son una forma duradera de registrar y preservar la memoria
histórica de los conflictos y sucesos del siglo. Documenta los eventos de una
manera que va más allá de las estadísticas y datos, permitiendo que las
generaciones futuras reflexionen sobre ese contexto. Los movimientos de
vanguardia son formados por estos colectivos de artistas de los cuales a partir
de sus polémicas surge un gran impulso creativo y estos se denominan
Cubistas, futuristas, expresionistas, abstractos, surrealistas, dadaístas, etc.
115
Estos artistas querían hacer un cambio en todos los sentidos, desde la forma de
ver la realidad hasta como vivir y comprometerse socialmente.
Valora el sentido crítico del arte ante los horrores de la guerra, a partir de la relación entre
situaciones de conflicto nacional con conflictos en otras regiones para argumentar la
importancia de una convivencia pacífica entre los seres humanos.
3.1 Cubismo
Duración 100 min
Apertura
Cubismo sintético
El Cubismo Sintético es una fase posterior del movimiento cubista que se

desarrolló alrededor de 1912-1914. A diferencia del Cubismo Analítico, el
Cubismo Sintético se caracteriza por una simplificación más evidente de las
formas geométricas y una mayor incorporación de elementos collage. Algunas
de las características clave del Cubismo Sintético fue la interpretación de la
realidad sin intentar describir lo ya conocido, es decir, abandonan la idea de
pintar las cosas como las vemos, el uso del Collage y de otros materiales en
sus obras, como papel, tela, periódicos y cartón. Estos elementos añadidos
aportan una dimensión táctil y visual adicional a las pinturas, los colores son
116
vibrantes y tienen mayor libertad en la paleta con respecto al cubismo
analítico.
El Cubismo Sintético fue un movimiento artístico en el que participaron

varios artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, aunque no
hubo un grupo específico con una filosofía compartida de manera tan formal
como en algunos otros movimientos artísticos.
Imagen 1 Juan Gris. Naturaleza muerta. Óleo sobre lienzo. 1913. CP
DESARROLLO:
117
Pablo Picasso
Pablo Picasso, uno de los artistas más influyentes del movimiento cubista,
aportó un papel significativo tanto en el Cubismo Analítico como en el
Cubismo Sintético. Su enfoque evolucionó a lo largo del tiempo, y su
contribución al Cubismo Sintético se caracteriza por la introducción de
elementos de collage y una mayor experimentación de formas simples
fragmentadas y materiales como papel con partes de piezas musicales, madera
granulada, trozos de cara, cuerpos, instrumentos y tela, en sus obras. Esta
técnica permitió la introducción de elementos de la realidad cotidiana en sus
pinturas. Aunque el Cubismo Sintético sigue siendo abstracto, Picasso buscó
una mayor claridad y una representación más reconocible de los objetos en
comparación con el Cubismo Analítico. Las formas eran diseccionadas con el
arte que un cirujano que elige las mejores partes de su obra y la relación entre
las partes individuales de la obra se volvió más evidente. En el Cubismo
Sintético, Picasso también experimentó con una paleta de colores más vibrante
y variada. Sus obras comenzaron a incorporar tonos más vivos y alegres, en
contraste con la gama de colores más limitada asociada con el Cubismo
Analítico.
Un ejemplo notable de la fase sintética de Picasso es su obra "Guitarra"

(1913), donde se puede observar claramente el uso del collage y la
incorporación de elementos de la realidad. Esta pieza representa una transición
hacia una estética más accesible y una expresión más personal dentro del
Cubismo.
118
Imagen 2 Pablo Picasso. La Guitarra. 66x49.6 cm. . Collage. 1913. MoMA, Nueva York, E.U.
Actividad
Collage: Reflexión sobre La Paz
Vamos a realizar un Collage Reflexión sobre la Paz, el arte como medio de

protesta ante las guerras ha desempeñado un papel crucial a lo largo de la
historia, ofreciendo una plataforma para expresar críticas, denuncias y
reflexiones sobre los horrores y las consecuencias de los conflictos armados.
Sin embargo existe la contraparte que es la paz, que es más que la ausencia de
conflictos; es la presencia de armonía, comprensión y respeto entre las
personas y las naciones. Es un estado en el que se cultivan las semillas de la
cooperación en lugar de las espinas del conflicto. Reflexionar sobre la paz
implica considerar cómo podemos construir puentes en lugar de muros, cómo
119
podemos fomentar la empatía en lugar de la indiferencia, y cómo podemos
encontrar soluciones pacíficas a los desafíos que enfrentamos.
Ahora es tu turno de representarla por medio del collage.
Materiales necesarios:
 Papel base (cartulina, cartón o papel de arte)

 Tijeras
 pegamento
 Revistas, periódicos, papel de colores y otros materiales (tela, plástico,
partes de objetos, etc.) para recortar.
 Lápices de colores, marcadores o pinturas (opcional)
Pasos para crear un collage al estilo de Picasso:
1. Recopilación de Materiales:
Reúne revistas, periódicos y otros materiales que tengan imágenes, texturas y
colores interesantes. Busca elementos que puedas recortar para usar en tu
collage.
2. Selección y Recorte de Elementos:

Explora las imágenes y recorta formas y texturas que te llamen la atención. No
te preocupes por la coherencia en las imágenes; Picasso a menudo usaba
elementos diversos y contrastantes.
3. Organización de Elementos:
Organiza los elementos recortados en su superficie de trabajo. Experimenta
con diferentes disposiciones para crear una composición interesante. Piensa en
cómo las formas pueden interactuar entre sí.
4. Creación de Formas y Figuras:

Utiliza las formas recortadas para construir figuras y objetos en tu collage.
Picasso a menudo descomponía y reorganizaba las formas para crear
composiciones abstractas y evocadoras.
5. Uso de Collage y Pegamento:

Comienza a pegar las formas en tu papel base usando pegamento. No tengas
miedo de superponer y yuxtaponer las formas de manera creativa. La
superposición de elementos es una característica clave del estilo cubista.
120
6. Añadir Detalles (Opcional):
Si lo deseas, agrega detalles adicionales con lápices de colores, marcadores o
pinturas. Puedes seleccionar ciertas áreas, agregar líneas y experimentar con
colores para darle más dinamismo a tu collage.
7. Reflexión y Ajustes:
Da un paso atrás y reflexiona sobre tu obra. Si sientes que algo necesita
ajustarse o agregar, hazlo. La creatividad y la experimentación son
fundamentales en este estilo.
8. Secado y Presentación:
Deja que el pegamento se seque por completo antes de manipular tu collage.
9.Ponle un título
Recuerda que el objetivo es expresar tu creatividad y experimentar con la
composición de formas. No hay reglas estrictas, así que diviértete y déjate
llevar por la inspiración del estilo cubista de Picasso.


Arte Arte
Bloque: I Grupo y Nombre del alumno
turno:
Rúbrica Collage
Criterios
121
Tema El Collage se compone El Collage incluye en El Collage incluye en El Collage incluye solo
principalmente su mayoría fragmentos algunos fragmentos y un fragmentos o
fragmentos de yy elementos que elementos que reflejen elemento que reflejen la
elementos que reflejen reflejen la el tema la el tema requerido el tema requerido
la el tema requerido requerido
Colores La selección y La selección y La selección y El estudiante necesita

aplicación de colores aplicación de los colores aplicación de colores esforzarse por aprender
demuestra un demuestra demuestra la relación entre los
conocimiento avanzado conocimiento de las conocimiento de la colores y usar ese
de las relaciones entre relaciones entre éstos. relación entre éstos. conocimiento en su
éstos. La selección del Los colores son Aunque, los colores NO trabajo
color realza la idea que apropiados para la idea son apropiados para la
se está expresando. que se está expresando. idea que se está
expresando.
Creatividad Todos de los materiales Varios de los materiales Los materiales usados Los materiales usados
usados en la usados en la en la composición no son los requeridos y
composición reflejan un composición reflejan la reflejan poca en la composición
excepcional grado de creatividad de los creatividad de los reflejan poca
creatividad de los estudiantes en su estudiantes en su creatividad de los
estudiantes en su aplicación para su aplicación para su estudiantes en su
aplicación para su construcción construcción aplicación para su
construcción construcción
Imágenes- Todas las imágenes son La mayoría imágenes Muchas de las imágenes Las imágenes no son
Claridad claras y el contenido es son claras y el no son claras y el claras y el contenido es
fácilmente visto e contenido es fácilmente contenido es poco poco identificable
identificable. visto e identificable identificable.
Total:
CIERRE
Escribe, en las siguientes líneas, el significado de tu collage y por qué le

diste ese título
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
122
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
________________________________________________
GENÉRICA 2.-
Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en distintos

géneros.
GENÉRICA 6.-
Atributos

diversidad cultural
Imagen 1 Imagen 1 Juan Gris. Naturaleza muerta. Óleo sobre lienzo. 1913. CP
https://www.wikiart.org/es/juan-gris/saint-matorel-1913
123
Imagen 2 Pablo Picasso. La Guitarra. 66x49.6 cm. . Collage. 1913. MoMA, Nueva York, E.U.
https://www.wikiart.org/es/pablo-picasso/the-guitar-1913
Recuperado de
1 El collage a partir de Picasso
https://descargas.intef.es/recursos_educativos/Guias_Picasso/Primaria/Collage_Picasso/index.html
2 Prette M., De Giorgis A. Atlas Ilustrado de Historia del Arte. Pág. 196. Susaeta Ediciones, S.A.
Madrid, España
3 Cabañas Miguel. Summa Artis, Historia general del arte, Las vanguardias del siglo XX.
Nacimiento y evolución del Cubismo. Pág. 53. Tomo XII. Espasa. 2004. España.
3.1.2 Dadaísmo
Duración 100 min
Apertura
El dadaísmo fue un movimiento artístico y cultural que surgió durante la

Primera Guerra Mundial, específicamente en el contexto de la Europa de la
década de 1910, devastada por la Guerra . Se caracterizó por ser una forma de
protesta artística contra las convenciones sociales, políticas y culturales de la
época. Este movimiento tenía una actitud anti-arte y anti-sistema, y buscaba
subvertir las normas tradicionales del arte y la sociedad, desafiando las normas
convencionales del arte y la sociedad. Este movimiento se manifestó en
124
diversas formas de expresión, incluyendo la poesía, la pintura, la escultura, la
fotografía, el cine y las performances.
DESARROLLO:
Anti-Arte y Anti-Establecimiento:
El dadaísmo nace en 1916 en Zurich, Suiza. Este grupo de artistas se rebeló

contra las convenciones artísticas y sociales establecidas. Los dadaístas
rechazan la lógica, la razón y cualquier sentido tradicional de la estética,
desafiando las nociones tradicionales de belleza, significado y propósito en la
creación artística. Consideraban que el arte existente y las instituciones
culturales eran responsables de los horrores de la guerra y, por lo tanto,
abogaron por su destrucción.
“Dada” no tiene un significado, la intención del grupo de intelectuales era no

ser comprendidos y abandonan los pinceles tradicionales y crean sus obras con
materiales mezclando madera, metal, plástico, tela, papel y procesos del
diseño y la fotografía, para incorporar elementos irracionales y absurdos en
sus composiciones. Utilizaron técnicas como el "cadáver exquisito”, el
Collage, Montajes y Ready Mades combinando y yuxtaponiendo elementos
heterogéneos, a menudo tomando imágenes y textos de periódicos y revistas
para crear obras provocativas y disruptivas. El movimiento Dada fue
internacional de alcance y tuvo centros importantes en ciudades como Zúrich,
Berlín, Nueva York y París. Los artistas dadaístas se comunicaban entre sí y
compartían ideas a pesar de las barreras geográficas.
125
Influencia en Movimientos Posteriores: Aunque el dadaísmo como
movimiento formalmente organizado fue efímero, su influencia fue duradera.
Se considera precursor de movimientos artísticos posteriores, como el
surrealismo y varias formas de arte contemporáneo.
Los dadaístas más conocidos son: Hans Harp, Marcel Duchamp, Man Ray y
Francis Picabia.
Imagen 1 Marcel Duchamp. La fuente.. Tate Modern, Londres (Reino Unido)
ACTIVIDAD
Realiza un mapa mental sobre Marcel Duchamp tomando como fuente el

siguiente video Las claves para entender a Marcel Duchamp
126
https://www.youtube.com/watch?v=GTAnWsJys2c
Utiliza la siguiente Lista de cotejo.


Arte Arte
turno:
Lista de Cotejo Mapa conceptual

proceso logrado
Los conceptos se manifiestan mediante 1pts.
sustantivos concretos o abstractos en
forma muy clara unidos por líneas o
flechas que contienen las palabras de
enlace
Demuestra un completo entendimiento del 2 pts.
tema ya que presenta el contenido del
tema con las palabras clave y sus
descripciones concisas.
Los hechos son precisos para todos los 1 pts.
eventos reportados.
El uso de mayúsculas y puntuación es 1 pts.
consistente
No hay errores de gramática en la 1 pts.
redacción
El estudiante plasmó con precisión toda la 2 pts.
información relacionada tema y agregó
información con fuente identificada.
Todos los conceptos están ordenados de 2 pts.
127
forma jerárquica, con las ideas más
generales en la parte superior y las más
específicas en la de abajo
Total de puntos. 10
Retroalimentación:
CIERRE
Escribe en las siguientes líneas tu opinión sobre Marcel Duchamp, su

acción y su importancia en la influencia del arte del siglo XX.
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
___________________________________________________________
GENÉRICA 6.-
Atributos
128
consideraciones históricas y filosóficas para reconocerlas como parte del patrimonio cultural,
su defensa y preservación.
Imagen 1 Marcel Duchamp. La fuente.. Tate Modern, Londres (Reino Unido)
https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Marcel_Duchamp.jpg
Bibliografía
1 Recuperado de
Las claves para entender a Marcel Duchamp
https://www.youtube.com/watch?v=GTAnWsJys2c
Madrid, España
3 Cabañas Miguel. Summa Artis, Historia general del arte, Las vanguardias del siglo XX.
Dadaísmo, una vanguardia internacional entre Europa y América. Pág. 93. Tomo XII. Espasa. 2004.
España.
3.1.3 Futurismo
Duración 100 min
Apertura
Futurismo
129
El Futurismo fue un movimiento artístico y literario que surgió a principios
del siglo XX, especialmente en Italia, con su punto álgido en la década de
1910. Fue fundado por el poeta y escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti,
quien proclamó el "Manifiesto Futurista" en 1909. El Futurismo presentó la
modernidad, la tecnología y rechazó las formas artísticas tradicionales,
considerándolas obsoletas, adoptando una actitud radical y provocadora. Su
gran influencia fue de la Revolución Industrial y los avances tecnológicos de
la época, como la invención del automóvil y la aviación. Los artistas futuristas
buscaron representar el dinamismo y la energía de la vida moderna con una
estética inspirada en la máquina. Utilizaron líneas diagonales, formas
geométricas y composiciones dinámicas para transmitir movimiento y
velocidad en sus obras. También tuvo un impacto significativo en la poesía.
Marinetti y otros futuristas escribieron manifiestos y poesía que expresaban la
visión radical y progresista del movimiento.
130
Imagen 1. De Umberto Boccioni, Dinamismo ciclista. 70x95 cm. Óleo sobre lienzo. 1913. Museo
Guggenheim
ACTIVIDAD
Actividad: Creación de un Manifiesto Futurista
El Futurismo fue un movimiento artístico y literario que surgió a principios

del siglo XX, caracterizado por su entusiasmo por la tecnología, la velocidad y
la modernidad. Una de las formas más distintivas de expresión del Futurismo
fue a través de los "manifiestos", declaraciones escritas que expresaban sus
ideales y aspiraciones. En esta actividad, los estudiantes tendrán la
oportunidad de crear su propio manifiesto futurista.
Objetivos:
1. Familiarícese con los principios y características del Futurismo.

2. Desarrollar habilidades de expresión escrita y creatividad.
3. Reflexionar sobre la relación entre la tecnología y la sociedad.
Pasos:
 Análisis de Manifiestos Futuristas: Leer y analizar algunos manifiestos

futuristas escritos por los artistas del movimiento. Discutir en clase
cómo estos manifiestos reflejan la mentalidad y aspiraciones futuristas.
Lectura: El Futurismo
131
https://arteydisegno.files.wordpress.com/2010/02/manifiesto-futurista-
1909.pdf
 Discusión en Grupo:
Dividir a los estudiantes en grupos pequeños y pedirles que discutan sobre

cómo sería un manifiesto futurista en la actualidad.
¿Cuáles serían sus ideales, su visión de la tecnología y la sociedad?
 Creación del Manifiesto:
Cada grupo creará su propio manifiesto futurista en un documento, tomando

inspiración de los principios del Futurismo pero adaptándolos a la realidad
actual. Pueden enfocarse en temas como la inteligencia artificial, la realidad
virtual, la sostenibilidad, entre otros.
 Presentación y Discusión:
Cada grupo presentará su manifiesto al resto de la clase. Después de cada

presentación, se abrirá una discusión sobre las similitudes y diferencias entre
los manifiestos, así como las ideas más destacadas.
Esta actividad no solo fomenta la comprensión del Futurismo, sino que

también invita a los estudiantes a reflexionar críticamente sobre el impacto de
la tecnología en la sociedad actual y a expresar sus propias visiones y
aspiraciones futuristas.


Arte Arte
132
turno:
Lista de Cotejo manifiesto Futurista

proceso logrado
tema y presenta el contenido del tema con
lujo de detalles.
Todos los conceptos están relacionados al 2pts.
tema y lo hacen fácil de entender
Los hechos son precisos para todos los 2pts.
eventos reportados.
El uso de mayúsculas y puntuación es 1 pts.
consistente
No hay errores de gramática en la 1 pts.
redacción
El estudiante plasmó con precisión toda la 2 pts.
información relacionada tema y agregó
información con fuente identificada.
Total de puntos. 10
Retroalimentación:
CIERRE
Genera una reflexión de manera individual sobre cómo la tecnología

influye en su propia vida y en la sociedad. ¿Cómo se relacionan sus
pensamientos con los ideales futuristas expresados en los manifiestos?
_______________________________________________________________
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_______________________________________________________________
133
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GENÉRICA 8.-
Atributos
reflexiva.

HE11.- Promueve el patrimonio histórico-cultural de su comunidad para reconocer la

identidad del México actual
Imagen 1 De Umberto Boccioni - Peggy Guggenheim Collection, Dominio público,

https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38418936
Bibliografía
134
Recuperado de Manifiesto Futurista
1 https://arteydisegno.files.wordpress.com/2010/02/manifiesto-futurista-1909.pdf
Madrid, España
BLOQUE III
EL ARTE Y LA GUERRA
3. Arte de la posguerra: revoluciones artísticas
Valora el sentido crítico del arte ante los horrores de la guerra, a partir de la relación entre
situaciones de conflicto nacional con conflictos en otras regiones para argumentar la
importancia de una convivencia pacífica entre los seres humanos.
3.1.4 Arte pop
Duración 100 min
Apertura
135
Arte Pop
El arte pop, o simplemente "Pop Art", es un movimiento artístico que surgió

en la década de 1950 en Estados Unidos, alcanzando su apogeo en la década
de 1960. Se caracteriza por el uso de imágenes y elementos de la cultura
popular, como la publicidad, los cómics, la música y la iconografía de los
medios de comunicación de masas. Este movimiento buscaba desafiar las
tradiciones del arte convencional al incorporar elementos de la vida cotidiana
y la cultura popular en las obras de arte.
Sus principales características son: la Iconografía de la Cultura Popular con el

uso de imágenes y símbolos fácilmente reconocibles, como productos de
consumo, celebridades, logotipos, cómics y objetos cotidianos dándoles un
enfoque artístico. Los colores son brillantes y llamativos para destacar las
imágenes y hacer las más visuales e impactantes. Sus técnicas están inspiradas
por la producción en masa y la publicidad, como la serigrafía, para crear obras
de arte que puedan replicarse fácilmente. Aunque el arte pop a menudo adopta
una apariencia superficial y juguetona, muchos artistas también incorporan
elementos de ironía y crítica social. Algunas obras pueden cuestionar la
sociedad de consumo, la celebridad, la publicidad excesiva y otros aspectos de
la cultura contemporánea. Los artistas más conocidos asociados con el arte
pop incluyen a Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Jasper
Johns. Ellos se destacaron por su enfoque innovador y su capacidad para
capturar la esencia de la sociedad de consumo y la cultura popular en sus
obras.
136
Imagen 1 Roy Lichtenstein Mujer llorando, 1963
DESARROLLO:
Andy Warhol
“En el futuro, todos serán mundialmente famosos durante quince minutos ".
Estas palabras, que ahora parecen proféticas en la era de Internet, fueron
expresadas por Andy Warhol, indudablemente el artista más emblemático del
Pop Art. Warhol, a través de su obra , realizó una aguda crítica a la
superficialidad de la sociedad de consumo estadounidense, donde la fugacidad
de la inmediatez se equiparaba a la fugacidad de la fama se caracterizó por ser
un artista de lo más polifacético. Comenzó siendo lustrador y diseñador
gráfico para revistas de moda y publicaciones comerciales en Nueva York en
137
la década de 1950. Su talento y estilo distintivo le valieron rápidamente
reconocimiento. Marcó toda una generación con creaciones como sus
reconocidas latas de sopas Campbell's, las botellas de Coca-Cola y los retratos
de celebridades como Elvis Presley y Elizabeth Taylor y otros rostros de las
estrellas de cine más famosas de su época. Fundó "The Factory", un estudio
artístico y un lugar de encuentro social en Nueva York. Este lugar se convirtió
en un epicentro de la vida artística y social de la ciudad, atrayendo a artistas,
músicos, actores y personalidades influyentes. Fue un innovador en el uso de
técnicas artísticas, incluida la serigrafía. Experimentó con una variedad de
medios, incluyendo pintura, escultura, música y cine. Algunas de sus películas
más conocidas incluyen "Sleep" y "Chelsea Girls".
Esta fue su manera de representar el vacío y la esencia misma de la nada, en

sus propias expresiones. Hasta su caída el 22 de febrero de 1987, Warhol dejó
una huella imborrable en el desarrollo de la cultura artística y pop del siglo
XX, desde sus primeros días como diseñador gráfico hasta sus singulares
incursiones en el cine años después.
Fue capaz de dar protagonismo a elementos de la vida cotidiana

estadounidense, y cuando le preguntaban por los motivos que le llevaban a
representar estos elementos en sus cuadros, él se limitaba a responder que los
había visto durante toda su vida, desde que era pequeño, y que eran objetos
simples que retrataba sin otorgar ningún tipo de belleza.
Después de su muerte en 1987, Warhol se ha convertido en una figura

emblemática del arte contemporáneo. Su obra sigue siendo objeto de estudio y
su impacto en la cultura popular y el arte contemporáneo es innegable.
138
Imagen 2 Andy Warhol, tres obras juntas
Actividad
Creación de una Obra de Arte Inspirada en Andy Warhol
Imagen 2 Andy Warhol, Díptico de Marilyn, Galería Nacional de Arte Británico y Arte Moderno en
Inglaterra.
139
Materiales necesarios:
 Cartulina o lienzo
 Pinceles y pinturas acrílicas en colores brillantes (por lo menos 3
diferentes)
 Fotocopias de imágenes seleccionadas (pueden ser retratos de
compañeros de clase, objetos cotidianos, etc.)
 Tijeras
 pegamento
 Revistas para recortar imágenes adicionales (opcional)
 Reglas y lápices (para crear la cuadrícula, si es necesario)
Pasos:
1. Elije una imagen para reproducir en tu obra. Puede ser un retrato propio,
de un amigo, o incluso un objeto cotidiano que les inspire. Imprime el
número de repeticiones necesarias para producir tu obra con Repetición
y Multiplicidad al estilo de Andy Warhol.
2. Creación de la Cuadrícula: si es necesario, crea una cuadrícula en su

cartulina o lienzo. Esto ayudará a dividir la imagen en secciones y
facilitará la reproducción en el estilo de Warhol.
3. Pintura: cada sección de su obra se pintará con colores vibrantes.

Pueden optar por utilizar una paleta de colores clásica de Warhol o ser
más creativos con sus elecciones.
Finaliza la actividad con una sesión de reflexión en la que los estudiantes

comparten sus obras y discuten cómo la repetición y la multiplicidad
influyeron en su enfoque artístico.
Esta actividad no solo permite a los estudiantes explorar la creatividad y la
expresión personal, sino que también les brinda la oportunidad de
experimentar con las técnicas distintivas de Andy Warhol y comprender mejor
su impacto en el mundo del arte contemporáneo.
140

Arte Arte
Bloque: I Grupo y Nombre del alumno
turno:
Rúbrica Repetición de Warhol

Criterios
Tema La creación tiene La creación tiene en su La creación tiene La creación no tiene
principalmente mayoría elementos algunos fragmentos y pocos elementos
elementos compositivos compositivos que elementos compositivos compositivos que
que reflejen el tema reflejen el tema que reflejen el tema reflejen el tema
requerido requerido requerido requerido
Colores La selección y La selección y La selección y El estudiante necesita

aplicación de colores aplicación de los colores aplicación de colores esforzarse por aprender
demuestra un demuestra demuestra la relación entre los
conocimiento avanzado conocimiento de las conocimiento de la colores y usar ese
de las relaciones entre relaciones entre éstos. relación entre éstos. conocimiento en su
éstos. La selección del Los colores son Aunque, los colores NO trabajo
color realza la idea que apropiados para la idea son apropiados para la
se está expresando. que se está expresando. idea que se está
expresando.
Creatividad Todos de los materiales Varios de los materiales Los materiales usados Los materiales usados
usados en la usados en la en la composición no son los requeridos y
composición reflejan un composición reflejan la reflejan poca en la composición
excepcional grado de creatividad del creatividad del reflejan poca
creatividad del estudiante para su estudiante en su creatividad del
estudiante en su construcción aplicación para su estudiante en su
aplicación para su construcción aplicación para su
construcción construcción
Imágenes- Todas las imágenes son La mayoría imágenes Muchas de las imágenes Las imágenes no son
Claridad claras y el contenido es son claras y el no son claras y el claras y el contenido es
fácilmente visto e contenido es fácilmente contenido es poco poco identificable
identificable. visto e identificable identificable.
141
Total:
CIERRE
Los estudiantes comparten sus obras y discuten cómo la repetición y la

multiplicidad influyeron en su enfoque artístico. Escribe tu reflexión
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
________________________________________________
GENÉRICA 2.-

distintos géneros.
142
Atributos
identidad.

consideraciones históricas y filosóficas para reconocerlas como parte del patrimonio cultural,
su defensa y preservación.

Imagen 1 Roy Lichtenstein Mujer llorando, 1963

https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/lichtenstein-
roy#:~:text=Su%20caracter%C3%ADstica%20t%C3%A9cnica%20imitaba%20los,de%20una%20manera%2
0muy%20esquem%C3%A1tica.
Imagen 2 Andy Warhol, tres obras juntas

https://culturaimpaciente.com/arte/10-obras-esenciales-de-andy-warhol/
Imagen 2 Andy Warhol, Marilyn 1962

https://culturaimpaciente.com/arte/10-obras-esenciales-de-andy-warhol/
Bibliografía
Recuperado de
1 Andy Warhol, el artista más icónico del “Pop art”
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/andy-warhol-el-artista-mas-iconico-del-pop-art_17703
143
2 Andy Warhol
https://www.wikiart.org/es/andy-warhol
Madrid, España.
3.2 Expresionismo
Duración 100 min
Apertura
El expresionismo fue un movimiento artístico y cultural que surgió en Europa

a principios del siglo XX, especialmente en Alemania. Este movimiento
abarcó diversas formas de expresión, incluyendo la pintura, la escultura, la
literatura, el cine, el teatro, la arquitectura y la música. Este se centra en la
expresión de las emociones y las experiencias humanas. Los artistas
expresionistas buscaron transmitir sentimientos y estados de ánimo intensos y
hasta violentos a través de sus obras, utilizando trazos vigorosos, encendido
cromatismo, formas distorsionadas y técnicas expresivas. La realidad era a
menudo distorsionada y exagerada en las obras expresionistas para reflejar el
mundo interior de los artistas. Las formas podían ser alargadas, las líneas
podían ser angulares y las figuras podían representarse de manera no realista.
144
Imagen 1. Edvard Munch, El grito. 91 cm × 74 cm, Óleo sobre temple y pastel sobre cartón, 1893.
Galería Nacional de Noruega. Oslo Noruega
DESARROLLO:
Los temas abordados por los expresionistas, a menudo incluían la angustia, el

miedo, la soledad, la alienación y otros aspectos existenciales y emotivos.
Estos artistas se sintieron influenciados por los cambios sociales y políticos de
145
la época, así como por la agitación emocional posterior a la Primera Guerra
Mundial. La paleta de colores en el expresionismo era a menudo intensa y no
realista, con un énfasis en los colores fuertes y contrastantes para transmitir
emociones. El uso de la luz y la sombra también era dramático. A diferencia
de algunos movimientos artísticos que se centraban en la representación
objetiva de la realidad externa, el expresionismo ponía un fuerte énfasis en la
experiencia subjetiva del individuo. El expresionismo influyó no solo en la
pintura, sino también en la literatura, el cine, el teatro y la música. En el cine
expresionista alemán, por ejemplo, se veían escenarios distorsionados y
sombras pronunciadas.
Algunos artistas asociados con el expresionismo incluyen a Edvard Munch,

Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Egon Schiele y Wassily Kandinsky, entre
otros. Aunque el expresionismo como movimiento específico fue más
prominente en las primeras décadas del siglo XX, su legado perdura y sigue
siendo una influencia importante en el arte contemporáneo.
Veamos el siguiente video
Expresionismo Alemán-El arte de la angustia
https://www.youtube.com/watch?v=OvNm5Dp-rB0
ACTIVIDAD
Realiza un QQQ (Qué veo, qué no veo, qué infiero) sobre la obra de Otto
Dix artista del Expresionismo.
146
Imagen 2. Otto Dix, Tropas de as alto avanzando bajo un ataque de gas. 1924
Instrucciones: observa detenidamente la siguiente imagen y contesta lo

que se te solicita
QUÉ VEO QUÉ NO VEO QUÉ INFIERO

¿Ves letras o palabras ¿Qué te sugiere?
¿Qué puedes ver en en esta composición?
esta imagen? ¿Has visto antes
¿Has visto antes alguna obra de arte
¿Se han utilizado alguna obra de arte parecida?
muchos colores en esta parecida?
obra? ¿Cómo crees que ha
hecho esto el artista?
147
CIERRE
Escribe en las siguientes líneas y comenta con tu profesor y tus

compañeros que experiencia estética te dejó la obra
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
___________________________________________________________
GENÉRICA 6.-
Atributos
entre ellas de acuerdo a su relevancia y confiabilidad
GENÉRICA 10.-
148
valores, ideas y prácticas sociales
Imagen 1. Edvard Munch, El grito. 91 cm × 74 cm, óleo sobre temple y pastel sobre cartón, 1893.
Galería Nacional de Noruega. Oslo Noruega
https://es.wikipedia.org/wiki/El_grito#/media/Archivo:The_Scream_by_Edvard_Munch,_1893_-
_Nasjonalgalleriet.png
Imagen 2. Otto Dix, Tropas de as alto avanzando bajo un ataque de gas. 1924
https://www.gob.mx/cultura/articulos/otto-dix-el-pintor-de-la-guerra
Recuperado de
1 Descubre el origen de una pasión | Expresionismo alemán, Museo Nacional Thyssen Bornemisza
https://www.youtube.com/watch?v=00zzabvTAu0
2 Expresionismo Alemán-El arte de la angustia
https://www.youtube.com/watch?v=OvNm5Dp-rB0
Madrid, España
4 Cabañas Miguel. Summa Artis, Historia general del arte, Las vanguardias del siglo XX. Nueva
York, una Capital para el arte de vanguardia. Pág. 151. Tomo XII. Espasa. 2004. España.
149
3.3 Expresionismo Abstracto
Duración 100 min
Apertura
El Expresionismo Abstracto, un movimiento artístico que surgió en la década

de 1940 en los Estados Unidos, marcó un cambio radical en la percepción y
ejecución del arte. Este enfoque revolucionario rechazó las restricciones de la
representación figurativa tradicional, buscando en su lugar una expresión más
libre y emocional en la pintura. Este texto explora los fundamentos y la
importancia del Expresionismo Abstracto como una forma de arte que va más
allá de la mera representación visual, sumergiéndose en las profundidades de
la experiencia humana. Se caracteriza por la abstracción de las formas
reconocibles y la liberación de la expresión artística de las limitaciones
realistas. Los artistas de este movimiento, como Jackson Pollock, Willem de
Kooning y Mark Rothko, abrazaron la idea de la "acción" y la "expresión" en
su obra. La aplicación de pintura de manera gestual y enérgica, el uso de
grandes lienzos y la experimentación con materiales no convencionales se
convirtieron en sellos distintivos de este movimiento.
150
DESARROLLO:
El Expresionismo Abstracto no solo es una técnica artística; es una filosofía

que abraza la espontaneidad y la intuición. En lugar de planificar
meticulosamente cada trazo, los artistas de éste movimiento confiaban en la
pulsión del momento, permitiendo que la pintura se convierta en un medio de
comunicación directa entre el creador y el espectador. Este enfoque sin
restricciones da lugar a una conexión más visceral y personal con la obra de
arte, desafiando a la audiencia a explorar su propio universo emocional. Es
importante mencionar que por ser algo tan libre cada artista genera su propia
técnica, tenemos unos ejemplos:
La técnica de goteo “Driping”, utilizada magistralmente por Jackson Pollock,

es un ejemplo paradigmático del Expresionismo Abstracto. Pollock arrojaba y
dejaba caer pintura sobre lienzos dispuestos en el suelo, creando
composiciones caóticas pero vibrantes. Este método radical implicaba salpicar
y gotear pintura sobre lienzos dispuestos en el suelo, permitiendo que la fuerza
de la gravedad y el movimiento físico del artista influyeran en la composición.
Esta técnica, aparentemente caótica, encierra una coreografía oculta de
emociones y pensamientos liberados en cada salpicadura de color. Técnica
que no solo liberó al artista de las restricciones del caballete, sino que también
permitió una interacción más directa y física con la obra. El espectador, al
contemplar un lienzo de Pollock, se enfrenta a un paisaje visual que va más
151
allá de la representación literal, invitándolo a explorar las capas de la psique
del artista.
Willem de Kooning, otro pilar del Expresionismo Abstracto, exploró la figura

humana de manera abstracta y expresiva. Sus pinturas, como "Mujer I" y
"Excavación", presentan figuras distorsionadas y gestos audaces que sugieren
una profunda exploración de la complejidad de la condición humana. De
Kooning fusionó la abstracción y la figuración de manera única, desafiando
las expectativas convencionales y ampliando los límites del arte.
Mark Rothko, por otro lado, se sumergió en la simplicidad de la forma y el

color para evocar una experiencia trascendental. Sus pinturas de campos de
color flotantes, como las famosas composiciones de la serie Seagram, buscan
inducir una respuesta emocional directa en el espectador. Rothko creía que el
arte abstracto tenía el poder de comunicar universalmente las emociones
humanas, trascendiendo las barreras lingüísticas y culturales.
En conclusión, el Expresionismo Abstracto trasciende la mera representación

visual para convertirse en una forma de expresión emocional pura. Este
movimiento desafió las convenciones artísticas establecidas, liberando al
artista y al espectador de las ataduras de la representación figurativa. A través
de gestos audaces, colores y formas abstractas, el Expresionismo Abstracto
ofrece una ventana única a la complejidad de la experiencia humana, invitando
a todos a sumergirse en el torrente emocional plasmado en el lienzo.
152
Imagen 1. Jackson Pollock . Número 1, Óleo y pintura acrílica sobre tela. 2,69 x 5,30 m. 1950. Museo
de Arte moderno de Nueva York. Nueva York EU.
ACTIVIDAD
Realiza en equipo (3 a 4 personas) un cuadro comparativo de los artistas

mencionados, en papel bond y construye una conclusión a tus compañeros
la composición.
Instrucciones:
 Realiza investigación documental de cada uno de los artistas para

poder llenar las categorías que se te solicitan.
 Escribe en la tabla en los anexos tus Fuentes
 Escribe la conclusión del equipo
153
Título
Jackson Willem Mark Semejanzas Diferencias
Pollock, de Rothko
Kooning
Nacionalidad
temporalidad
Influencias
artísticas
Técnica
Colores
aplicados
materiales
Filosofía
Obras
representativa
del
movimiento
(debe llevar
Imagen
Bibliografía
Conclusión
154

Arte Arte
turno:
Lista de Cotejo Cuadro comparativo

proceso logrado
tema en su conclusión
Presenta el contenido del tema con lujo de 2pts.
detalles
Todos los conceptos están relacionados al 2pts.
tema y lo hacen fácil de entender
El uso de mayúsculas y puntuación es 1 pt.
consistente
No hay errores de gramática en la 1 pt..
redacción
La presentación del cuadro comparativo 1 pts.
es limpia.
Incluye la Bibliografía 1 pt.
Total de puntos. 10 pts.
Retroalimentación:
155
CIERRE
Escribe tu opinión sobre esta vanguardia con respecto al sentido que

proyecta.
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
________________________________________________
GENÉRICA 6.-
Atributos
156
GENÉRICA 8.-
Atributos
reflexiva.
Imagen 1. Jackson Pollock . Número 1, Óleo y pintura acrílica sobre tela. 2,69 x 5,30 m. 1950.
Museo de Arte moderno de Nueva York. Nueva York EU.
https://arthive.com/es/jacksonpollock/works/335688~Number_1_Lavender_mist
Bibliografía
Recuperado de
1 Expresionismo Abstracto
https://historia-arte.com/movimientos/expresionismo-abstracto
2 Cabañas Miguel. Summa Artis, Historia general del arte, Las vanguardias del siglo XX. Nueva
York, una Capital para el arte de vanguardia. Pág. 151. Tomo XII. Espasa. 2004. España.
157

GUIA APRECIACION DEL ARTE - Prim23

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Guía Metodológica de la Asignatura

“Apreciación del Arte”

Responsables del contenido

Víctor Hugo García Ramírez

Wendy Olivia González Araiza

Benemérita Universidad Autónoma de Puebla

Lilia Cedillo Ramírez

José Jaime Vázquez López

Jemima Barbosa Xochicale

Academia general de ARTE

Primera edición, 2022

La siguiente Guía Metodológica tiene el objetivo de ser un material de apoyo y

II- El cuerpo como arte y mercancía

III- El Arte y la guerra

 2.1 Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas,

 2.2 Experimenta el arte como un hecho histórico compartido que permite la

 2.3 Participa en prácticas relacionadas con el arte.

1.1 Representación en la naturaleza

Duración 100 min

Contesta las siguientes preguntas:

¿Cómo se relaciona con el arte?

¿Crees que hay relación entre la belleza y las matemáticas?

Es imposible escribir el valor del número de oro, sin embargo podemos

Imagen 2. Número áureo, equivalente a la relación a/b.

Imagen 3. Rectángulo áureo, equivalente a la relación a/b.

Pero ¿Qué hay de especial en éste número? y

Existe un fenómeno que se da en la naturaleza como pauta geométrica de gran

Imagen 4. La espiral áurea en la naturaleza o Divina Proporción.

Leonardo Pisano, mejor conocido como Fibonacci, en el siglo XIII hace un

Si ilustramos la expresión anterior en tres pasos con el rectángulo áureo

1.- Se representa un rectángulo con proporción áurea y números de Fibonacci

Imagen 5. Rectángulo áureo

Imagen 6. Rectángulo áureo con división de Sucesión Fibonacci

3.- Unimos los vértices de los cuadrantes de circunferencia de un radio igual a

Imagen 7. Espiral logarítmica

Imagen 8. Proporción áurea en el Partenón

Veamos el siguiente video para afianzar esta información

Video Documental La Proporción Áurea/ Redes Eduard Punset

Vamos a comprobar si las obras siguientes contienen sección áurea como en el

Imagen 9. Proporción áurea aplicado en los objetos

Imprime en un acetato (o papel que se transparente) la plantilla no. 1 (ubicada

Realiza una composición en la que aplicas sección áurea con los

Utiliza la siguiente Rubrica.

BENEMÉRITA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE PUEBLA

EDUCACIÓN MEDIA SUPERIOR

Plan 07 Academia: Arte Programa: Fecha:

Bloque: I Grupo y turno: Nombre del alumno:

Nombre del docente: Unidad Ponderación

Rúbrica Composición Sección Aurea

Destacado Satisfactorio Suficiente Insuficiente

Colores La selección y La selección y aplicación de los colores La selección y El estudiante necesita

Creatividad El estudiante ha El estudiante ha tomado la técnica que El estudiante ha El estudiante no ha

Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en

2.3 Participa en prácticas relacionadas con el arte

Imagen 2 Número áureo, equivalente a la relación a/b. https://ovacen.com/proporcion-aurea-que-

Imagen 3 Rectángulo áureo, equivalente a la relación a/b https://ovacen.com/proporcion-aurea-

Imagen 4 La espiral áurea en la naturaleza o Divina Proporción https://ecoosfera.com/destacados/la-

Imagen 5 Rectángulo áureo https://ovacen.com/proporcion-aurea-que-es/

Imagen 6 Rectángulo áureo con división de Sucesión Fibonacci https://ovacen.com/proporcion-

Imagen 7 Espiral logarítmica https://ovacen.com/proporcion-aurea-que-es/

Imagen 8 Proporción áurea en el Partenón https://ovacen.com/proporcion-aurea-que-es/

Imagen 9 Proporción áurea aplicado en los objetos https://www.crunar.mx/blog/la-proporcion-

1 Fernando Corbalán (2010). La proporción áurea. RBA Coleccionables S.