Responsabilidad armónica:

Hay que construir una superficie armónica sólida sobre la que se deslicen
el resto de instrumentos.

Para lograrlo, desde la tónica, dependiendo del estilo, se pueden añadir

notas de la especie del acorde, también se pueden añadir tensiones, si es esa la
sensación que se quiere generar, o sonar más ambiguos tocando sus2 o sus4.

Puede haber patrones que se repitan, o no, en el caso de una línea de

walking bass, puede haber incluso notas cromáticas de fuera de la escala.

Debemos tener muy claros los movimientos de fundamentales y de las

notas guía, así como la estructura del tema para marcar los cambios de partes.

Responsabilidad rítmica:

O bien junto a la batería, o bien sobre ella, hay que construir una
estructura rítmica sobre la que se asienten el resto de instrumentos.

Debemos tener muy claros dónde caen los acentos rítmicos en el compás y
hacer que los temas caminen usando también para ello la articulación.

Responsabilidad melódica:

En ocasiones hay que apoyar melodías al unísono con otros músicos o

cantantes y otras veces tocaremos un sólo y es importante ser capaces de tocar
con el instrumento las frases melódicas que tenga en la cabeza, como si
tararease la melodía de una historia y llevase esta al bajo, más que hacer un
repaso de licks, o posiciones de arpegios y escalas.

Es conveniente para ello tener bien desarrollado el oído interno, además de

para mantener ritmo y armonía mientras soleamos.
 Cubrir estas responsabilidades, hace referencia al Groove y al Fraseo, y
para tener un buen groove y un buen fraseo, es necesario atender a estos
aspectos:

Groove y fraseo:

1. Escucha:

Tocar es como mantener una conversación, aunque todos estén hablando

del mismo tema, cuando uno no escucha, no va a aportar nada, ni a participar
adecuadamente. Tenemos 3 oídos: dos orejas, una para escucharte a ti, otra para
escuchar a los demás, y el oído interno, para oír lo que va implícito aunque no se
esté escuchando.

Muchas veces el problema que tenemos es que nos ponemos a tocar sin
pararnos a escuchar lo que están haciendo los demás. Al principio sería
conveniente por cada vez que vayamos a tocar algo, escuchar 10 veces, pensar 5
veces y cantar lo que voy a tocar 3.

2. Consciencia corporal:

Además de realizar un buen calentamiento, sobre todo antes de

enfrentarnos a sesiones de estudio largas o bien ensayos, grabaciones de varias
horas o conciertos, debemos tener en cuenta nuestra postura corporal, que esta
no genere tensiones en ninguna parte de nuestro cuerpo ni provoque
dificultades a las hora de tocar.

Por un lado debemos evitar cualquier lesión derivada de tocar el

instrumento, y por otro analizar también nuestra postura y movimiento de
manos y dedos para tener una mayor eficiencia y libertad a la hora de tocar lo
que queramos.
 3. Ritmo y tempo:

Conviene interiorizar diferentes tipos de compases y ritmos, concretar los

acentos y trabajar dentro y fuera del ritmo que se esté marcando, eso nos dará
una mayor libertad.

Ayuda mucho escuchar con nuestro oído interno las subdivisiones

rítmicas en las puede dividirse el compás y ver en cuáles tocamos una nota y en
cuáles tocamos un silencio. Es necesario ser muy preciso, muchas veces supone
una gran diferencia en lo que se está oyendo, tocar una nota un cuarto de
segundo antes que después.

4. Notas:

En este apartado hablamos de armonía, acordes, escalas, melodías, todo lo

que tiene que ver con qué notas elegimos para tocar.

A veces damos un peso excesivo a este apartado, y en realidad tiene la

misma relevancia que los demás e incluso tu puedes tocar notas que están fuera
de la tonalidad que si mantienes el tempo y el groove no sonará tan mal como si
sucede al contrario, de hecho hay maneras de poder tocar las 12 notas dentro de
una tonalidad, por ello es importante también no olvidarse de practicar la escala
cromática.

5. Silencios:

Es interesante pensar en los silencios como algo que se toca (pero solo
suena en nuestro oído interno), más que como algo que nos callamos, también
pensar en ellos como los momentos en los que se respira entre frases, igual que
cuando hablamos, es un momento además para asimilar lo que se acaba de decir
antes de pasar a lo siguiente.

6. Articulación:

Es todo lo referente al ataque y la longitud de las notas, así como técnicas

de tocar que utilicemos, tipo ligados, hammer on, pull off. Hay muchas formas de
tocar las mismas notas, y que suenen a un lenguaje completamente distinto, no
sólo es importante cada nota, sino cada detalle de cómo se toca esa nota para
que tenga una forma de sonar muy determinada.
 7. Dinámica:

La dinámica hace referencia al volumen e intensidad , y al igual que en

cualquier conversación hay variaciones de este. Puedo subir la dinámica en un
momento de mayor intensidad, o bajarla, para llamar más la atención de lo que
se está tocando. Las variaciones de dinámica sirven también para conducir y
potenciar a los solistas.

8. Técnica:

La técnica que utilicemos para tocar el bajo influye en el sonido y la

articulación y conviene dominar las diferentes técnicas que utilicemos, para que
estas sean un elemento útil que sume y no un estorbo que dificulte lo que
hacemos para sacar un sonido determinado.

Slap, double thumb, 2 dedos, 3 o 4 dedos, arpegiar, chord melody, rasgueo,

palm mute, armónicos, hammer on, slide, ghost notes, etc…

9. Tono:

El tono puede cambiar según el tipo de bajo, las pastillas, usando un tipo de
cuerdas u otro, con los balances del instrumento, con los del amplificador, con
pedales, según toquemos con la mano (si más cerca del diapasón o del puente)

Según los temas que estemos tocando, los instrumentos a los que
acompañamos o la técnica que usemos, tendremos que utilizar un tono u otro.
Con el tiempo nuestro oído se irá haciendo más fino e iremos oyendo más
matices que antes no éramos capaces. Hay que tener en cuenta también, que
podemos tener todo ecualizado de una manera en la que en el local de ensayo
nos suena el tono que queremos, pero al llegar a la sala de conciertos
probablemente haya que cambiar algo, ya que hay factores ambientales y de
acústica de la sala que también afectan al sonido.

10. Emoción:

Así como los olores conectan con nuestros recuerdos, la música lo hace
con nuestras emociones, y los temas que toquemos, además de contar una
historia, estarán transmitiendo una emoción al oyente. Las emociones con las
que subamos a tocar también saldrán a luz, si estamos nerviosos o inseguros,
aunque sea de manera subliminal se percibirá, si estamos muy emocionados, nos
podemos dejar arrastrar acelerándonos, tocando demasiado o muy rápido,a
veces incluso más allá de nuestras capacidades técnicas.

Conviene ser honestos con nuestras emociones, para poder conectar con
ellas y ser capaces de utilizarlas al tocar, en lugar de ser rehenes de ellas sin
saber muy bien por dónde nos van a llevar.

Análisis de las decisiones:

Es importante que a la hora de tocar nos acostumbremos a tomar

decisiones sobre cada uno de estos aspectos de una manera consciente. El
problema que muchas veces tenemos es que enseguida nos ponemos a tocar, a
hacer cosas un poco al azar, esperando que algo de lo que hacemos nos sirva, sin
pararnos a percibir y analizar lo que está sonando y lo que queremos hacer.

Una recomendación, es que algo que ya toquemos, lo pasemos por cada

uno de estos puntos, analizándolo de una manera más completa y realizando
ejercicios específicos de cada apartado.

Fases del aprendizaje:

1. Ignorancia feliz: cuando no tenemos ni idea, pero la ilusión lo llena todo.

2. Consciencia frustrante: comenzamos a aprender y empezamos a darnos
cuenta de la dificultad que conlleva el camino que hemos elegido.
3. Conocimiento consciente: hemos llegado a dominar la técnica y la teoría,
pero seguimos atado a pensar en lo que hacemos, analizando lo que
tocamos.
4. Conocimiento inconsciente: es intuitivo, no estamos atado a pensar en lo
que hacemos, si no que tocamos con las emociones, no con la técnica o la
teoría, sustituyendo notas por sonidos.
 Frases:

● Play the room. (Toca al volumen adecuado para la sala).

● Tocar con la banda, no a pesar de ella.
● Escuchar > pensar > cantar > tocar.
● Dominar el instrumento para ser libres.
● Entrar por la técnica y salir de ella después.
● Si no sale muy despacio es que no sale.
● Intentar que el movimiento sea el menor.
● Anticipar la jugada sin estar preocupado de lo que estás haciendo
● No mostrar todo de golpe, brillar generando momentos especiales.
● Transmitir lo que sientes.
● Never loose the groove in order to find the root.