Pastor Giraldo

FOTOGRÁFICA

2009
COMPOSICIÓN DE LA IMAGEN

LA COMPOSICION FOTOGRÁFICA es la selección y disposición de sujetos en

el área de imagen de la fotografía; ésta, como la música, es un lenguaje
universal: habla con más fuerza y más directamente que las palabras. Pero para
conseguir una comunicación con el máximo impacto a través de este medio,
deben comprenderse primero ciertos principios básicos, y se ha de lograr
apreciación de las posibilidades y de los límites de la cámara como introducción
vital a la exploración del Arte y la técnica Fotográfica. El fotógrafo debe
comprender que la cámara funciona muy diferente a corno lo hace el ojo
humano; en cierto modo son parecidos: el parpado es el obturador; la cornea y
el cristalino, trabajan conjuntamente para enfocar las imágenes sobre la retina
sensible a la luz; el iris controla la cantidad de luz que entra al ojo y ayuda al
cristalino a definir mejor las imágenes igual que el diafragma en la cámara; la
retina se parece a la película fotográfica porque contiene sustancias químicas
que se alteran con la luz de distintas longitudes de onda. Pero aquí termina la
analogía. La diferencia crucial está en que la información recogida por el ojo es
interpretada por el cerebro. Las fotografías las hace el fotógrafo, no la cámara.
El hombre que está detrás de la cámara estará influenciado por sonidos, olores
y ambiente, por su estado de ánimo, sentimientos y experiencia, y todos esos
factores determinarán el modo en que su cerebro interpreta la imagen vista por
el ojo. De esta manera, la respuesta a la información obtenida por el ojo puede
ser muy diferente de la escena real que tiene delante. Incluso los fotógrafos más
experimentados pueden, a veces, ser influenciados por factores externos. El
visor de una cámara es para el fotógrafo lo que el lienzo blanco para el pintor. El
PASTOR GIRALDO fotógrafo puede determinar lo que entra en el visor, pero tiene que buscar sus
notasdepasivaggo.blogspot.com, escenas, no crearlas, y entonces solo puede registrar lo que ve. El pintor puede
pasivaggo@gmail.com alterar físicamente y acomodar las relaciones entre los elementos de su cuadro.
Así pues, la esencia de la buena fotografía es lo que el fotógrafo ve y la forma
en que registra la imagen.
 COMPOSICIÓN DE LA IMAGEN FOTOGRÁFICA

“La cámara es un espejo con memoria pero no puede pensar”

ARNOLD NEUMAN.

“Siempre existirán los que solo miran la técnica, que preguntan COMO, mientras que otros de
naturaleza más curiosa preguntarán POR QUE. Personalmente, siempre he preferido la
INSPIRACIÓN a la información.”
MAN RAY.

LA COMPOSICION FOTOGRÁFICA es la selección y disposición de sujetos en el área de imagen

de la fotografía; ésta, como la música, es un lenguaje universal: habla con más fuerza y más
directamente que las palabras. Pero para conseguir una comunicación con el máximo impacto
a través de este medio, deben comprenderse primero ciertos principios básicos, y se ha de
lograr apreciación de las posibilidades y de los límites de la cámara como introducción vital a la
exploración del Arte y la técnica Fotográfica.

El fotógrafo debe comprender que la cámara funciona muy diferente a corno lo hace el ojo
humano; en cierto modo son parecidos: el parpado es el obturador; la cornea y el cristalino,
trabajan conjuntamente para enfocar las imágenes sobre la retina sensible a la luz; el iris
controla la cantidad de luz que entra al ojo y ayuda al cristalino a definir mejor las imágenes
igual que el diafragma en la cámara; la retina se parece a la película fotográfica porque
contiene sustancias químicas que se alteran con la luz de distintas longitudes de onda. Pero
aquí termina la analogía.

La diferencia crucial está en que la información recogida por el ojo es interpretada por el
cerebro. Las fotografías las hace el fotógrafo, no la cámara. El hombre que está detrás de la
cámara estará influenciado por sonidos, olores y ambiente, por su estado de ánimo,
sentimientos y experiencia, y todos esos factores determinarán el modo en que su cerebro
interpreta la imagen vista por el ojo. De esta manera, la respuesta a la información obtenida por
el ojo puede ser muy diferente de la escena real que tiene delante. Incluso los fotógrafos más
experimentados pueden, a veces, ser influenciados por factores externos.

Página | 2
El visor de una cámara es para el fotógrafo lo que el lienzo blanco para el pintor. El fotógrafo
puede determinar lo que entra en el visor, pero tiene que buscar sus escenas, no crearlas, y
entonces solo puede registrar lo que ve. El pintor puede alterar físicamente y acomodar las
relaciones entre los elementos de su cuadro. Así pues, la esencia de la buena fotografía es lo
que el fotógrafo ve y la forma en que registra la imagen.

A continuación se describirán algunos principios básicos y elementos formales estéticos para la

consecución de una buena imagen fotográfica:

A. EL ENCUADRE.

Encuadrar es poner dentro de un cuadro, es organizar y disponer los sujetos de la escena que
se quiere que aparezcan en la imagen de acuerdo con los elementos y técnicas de
composición. Al encuadrar, debemos tener en cuenta:

1. BUSCAR EL PUNTO DE VISTA; es decir, el lugar desde donde se hace la toma, el fotógrafo
se desplaza desde el sujeto o hacia este, y alrededor del mismo, para ubicar la cantidad
de espacio que cubrirá el visor de la cámara; a cada variación del espacio abarcado tras
el desplazamiento, se le denomina plano fotográfico, y se clasifican de mayor a menor así:

a. PANORÁMICA: Plano exclusivo para paisaje, en el cual se abarca mucho espacio, en

donde los sujetos tienen igual importancia con relación a su entorno.

b. PLANO GENERAL: También se abarca mucho espacio, pero con sujeto principal
predominando en su relación con el entorno.

c. PLANO MEDIO: El espacio se limita a un sitio particular donde se encuentra el sujeto

principal, hay una relación más próxima con su entorno cercano.

Página | 3
 d. PLANO AMERICANO: Similar al plano medio en lo que respecta a la relación del sujeto
principal con el entorno, pero hay una fragmentación en la que el sujeto está partido, si es
una persona, en la mitad del muslo con el encuadre en posición horizontal, o cuando
aparecen en el mismo, dos terceras (2/3) partes de objetos o animales.

e. PRIMER PLANO: El espacio se limita o relega a la mera función de fondo, y el sujeto

llena todo el encuadre tanto horizontal como verticalmente.

f. CLOSE-UP O PLANO DE ACERCAMIENTO: Se elimina casi totalmente la relación con

el entorno o fondo, y el sujeto aparece fragmentado con el encuadre, mostrando una parte
de interés específica. Este plano se utiliza principalmente y es característico en las
técnicas de macrofotografía.

g. PLANO DE DETALLE: Se utiliza para mostrar un aspecto muy singular y específico de

una parte del sujeto, el espacio que se abarca se limita a un solo detalle.

2. CUADRAR LA POSICIÓN HORIZONTAL O VERTICAL, de acuerdo a la extensión y posición

predominante del sujeto o escena, o según la idea y mensaje que se desee expresar.

3. UBICAR EL ÁNGULO DE TOMA, apuntando la cámara hacia arriba o hacia abajo si se quiere
un ángulo insólito o distinto al convencional, que generalmente lleva línea de horizonte
dentro de la imagen. En seguida se describen las posiciones. No es necesario especificar
la más común y convencional de apuntar hacia el frente, por ser la más conocida y
utilizada espontáneamente, las otras dos son:

a. PUNTO DE VISTA ALTO O EN PICADA: También se le denomina mirada o vista de

ave. El fotógrafo se encuentra en un sitio elevado, apuntando con la cámara hacia abajo.

Página | 4
 Se utiliza para abarcar grandes extensiones de terreno, y para empequeñecer al sujeto
subordinándolo.

b. PUNTO DE VISTA BAJO O EN CONTRAPICADA: También se le denomina mirada o

vista de sapo. Se contrapone al anterior, apuntando la cámara hacia arriba desde un sitio
muy bajo. Enaltece y magnifica al sujeto.

4. APLICAR LA “REGLA DE ORO” O “LEY DE LOS TERCIOS”: que consiste básicamente en

una división imaginaria del encuadre o rectángulo del visor en tres partes iguales, con
líneas horizontales y verticales. Los puntos de intersección de las líneas se denominan
puntos fuertes o centros de atención sobre la imagen, por ser esa zona donde se
encuentra el mayor acento y armonía visual, por lo tanto es ahí, y sobre o cerca a las
líneas que dividen los tercios, donde se deben ubicar los sujetos o elementos, y los
conjuntos lineales importantes de una escena.

B. CUALIDADES Y CARACTERISTICAS DE LA ESCENA

La fotografía impone algunas limitaciones básicas: Las escenas móviles, tridimensionales y

coloreadas, se transforman en imágenes quietas, planas y en tonos grises. Es un cambio
importante, y condición básica de la posibilidad de la fotografía. El secreto está en aprovechar
este cambio para simplificar y clasificar las imágenes. Por ejemplo: la reducción de los colores
a tonos de gris refuerza las formas y suprime los detalles coloreados no importantes: para ello
hay que aprender a ver las escenas en tonalidades de gris.

Cuando se mira un objeto, los ojos se desplazan continuamente: la fotografía se toma desde un
punto fijo, de cuya elección dependerá el efecto que ejerza sobre quien la mire. El simple
hecho de seleccionar un tema como sujeto aumenta la importancia del mismo frente a lo que lo
rodea4 Observemos los tres aspectos siguientes:

Página | 5
1. LA SENSACIÓN DE TRIDIMENSIONALIDAD: El espacio es la extensión, tanto a lo alto y ancho
como en profundidad, es además el contenido de un cuerpo y el entorno que lo rodea
extendido infinitamente conteniendo otros cuerpos. El límite o porción tridimensional de un
cuerpo, lo denominamos volumen, y puede ser vacío o estar ocupado. En fotografía es
importante diferenciar algunos elementos que tienen que ver con el espacio: la imagen
fotográfica es plana, por lo tanto la sensación de tridimensionalidad es producida por
ilusiones ópticas creadas a partir de elementos bidimensionales como la línea, el tono, la
relación de tamaños y la superposición, descritos seguidamente:

a. EL HORIZONTE: Es la proyección de la línea visual paralela al suelo hacia el infinito,

donde parece juntarse el suelo y el cielo formando una línea de nivel (horizontal). Salvo si
se fotografía una escena muy simétrica, el horizonte nunca debe hallarse en el centro de la
escena. Si se sitúa más arriba, refleja la gran extensión de la tierra, y se simbolizan las
grandes distancias. Un horizonte bajo empequeñece la tierra debajo de una gran extensión
de cielo que produce impresión de espaciosidad.

b. PERSPECTIVA LINEAL: Está determinada por las líneas que parecen converger hacia
uno o más puntos llamados “de fuga”, y que pueden estar en la línea de horizonte, o en el
cenit (centro de la bóveda celeste), representando la distancia y la altura respectivamente.
Cuanto más rápida sea la convergencia, mayor será la sensación de profundidad. Los
puntos de fuga pueden estar o no incluidos dentro del encuadre de la imagen.

c. PERSPECTIVA AEREA: Sí un paisaje ofrece poca perspectiva lineal, las condiciones

atmosféricas son un buen procedimiento para reflejar la profundidad por medio de la
separación tonal. El efecto de la perspectiva aérea es más notorio cuando los objetos
están colocados a distancias grandes como las crestas de las montañas. La neblina
frecuente al amanecer o al atardecer dispersa la luz, de forma que la reflejada de zonas
más distantes da un tono más claro.

d. DISMINUCION DE TAMAÑO: Significa que cuanto más alejado está un motivo más
pequeño aparece. De esta manera, está relacionado con la perspectiva lineal. Por

Página | 6
 experiencia la mente sabe que ciertas cosas, tales como las personas o los muebles,
tienen determinados tamaños. Si aparecen muy pequeños es porque están alejados, es
como razona la mente. En las fotos, la distancia se ve reforzada incluyendo un motivo en
primer plano de tamaño conocido, así como otro de fondo.

e. SUPERPOSICION O SOLAPAMIENTO: Los objetos que se superponen nos indican que

una cosa está delante de la otra, un motivo que tapa a otro parece estar en frente del más
alejado. Ya que no es una característica específica de realzar distancias, el solapamiento
puede colaborar con otros, tales como la disminución de tamaños. El viejo truco del en-
cuadre en el que el fotógrafo incluye un primer plano de hojas o ramas, realza la distancia,
combinando el solapamiento con la disminución de tamaño.

f. GRADACI0N TONAL: La iluminación es fundamental en la representación visual del

volumen, en la imagen esta se traduce en tonos de grises entre el blanco y el negro o en
degradaciones de oscuro a claro con el color. El tipo de iluminación va desde la oblicua
dura y directa, adecuada a las líneas nítidas de un moderno edificio, a la suave y difusa,
conveniente a los volúmenes redondeados de un desnudo, resaltando en ambos casos el
aspecto tridimensional del propio cuerpo del sujeto.

2. EL SUJETO COMO IMAGEN: El tono, el color, la línea, la figura y la forma, la textura, el ritmo,
son partes del discurso del lenguaje visual, la fotografía en nuestro caso, que constituyen
lo que consideramos como elementos estéticos, que el ojo y la mente buscan para
identificar el mundo. Comunes a la mayoría de los motivos, estos rasgos o elementos no
reciben siempre la misma importancia en la mente, que tiende a escoger, en especial
cuando identifica una característica. La clave para el cielo puede ser el color, para un
huevo, el contorno y para la arena, la textura. Estos elementos pueden combinarse para
decir muchas cosas y si se disponen de modo grato producen una buena fotografía. En
esencia, estos son entre otros, los elementos visuales críticos:

a. EL TONO: El empleo de los tonos claros u oscuros determina el ambiente de cualquier

fotografía, El control del tono ayuda a centrar el interés de la imagen y le da fuerza, la

Página | 7
 amplitud tonal puede controlarse mediante la exposición y la iluminación. La mayoría de
los sujetos incluyen numerosos tonos entre el blanco y el negro. La luz, las propiedades
reflectoras de los materiales y los colores afectan al intervalo tonal, las tonalidades pueden
cambiar abruptamente (alto contraste) o gradualmente (tono continuo y suave). La función
más importante del tono es representar el volumen y dar sensación de tridimensionalidad.
Un sujeto puede incluir muchos tonos entre el blanco y el negro o las zonas claras y
oscuras en el caso de las fotos en color, o bien, ser predominantemente claro hi key (tono
o clave alta), u oscuro low key (tono o clave baja), o ser muy contrastado con tonos
prácticamente blancos o luminosos y, negros muy profundos en las sombras solamente.
Las imágenes en tonos altos o bajos dan una fuerte sensación de ambiente delicado o
misterioso respectivamente. Los altos contrastes dan sensación de fuerza y dramatismo.

b. EL COLOR: La vista se recrea en la satisfacción sensorial que proporciona el color y se

siente incomodo cuando los colores no armonizan. En ocasiones se desea provocar esa
incomodidad, pero en otras, se genera inadvertidamente. La manipulación del color
supone la de las fotografías. Los colores suaves y apagados, propios de un día nublado,
crean un ambiente tranquilo, introspectivo. Mientras que los colores fuertes e intensos
excitan y estimulan. Los colores determinan el ambiente fisiológica y psicológicamente.
Así, los rojos fuertes y cálidos se han considerado siempre excitantes, quizás por
asociación con la sangre y el fuego. Las combinaciones resultan más apacibles cuando los
colores armonizan. Son armoniosos los colores próximos, como el verde y el verde
amarillento o el rojo y el naranja, y también los diferentes matices de un mismo color,
como el rojo y el rosa. Por el contrario, los colores resultan enervantes e inquietantes
cuando contrastan entre sí. Las combinaciones tales como amarillo y azul, o verde y
magenta (fucsia), parecen bailar ante los ojo por el fuerte contraste. Los colores de una
fotografía deben servir al tema de la misma. Si desea convertir el color en el motivo de una
fotografía, hágalo, nada se lo impide.

c. LA LÍNEA: Una sucesión de puntos continuos engendra la línea. La utilización juiciosa de

líneas en la composición de una imagen constituye un elemento primordial. La línea puede
tomar diferentes apariencias: línea recta, quebrada, curva, etc. Así: la línea fina evoca
ternura, fragilidad y la línea gruesa transcribe el vigor, la rudeza. Las horizontales
producen sentimientos de calma y tranquilidad (y más aún si el formato de la imagen es
horizontal); las verticales dan impresión de solidez, poderío elevación (es más dramático el

Página | 8
 efecto si el formato es vertical). Las líneas diagonales crean impresiones de profundidad,
de energía y movimiento en la imagen. Las líneas oblicuas engendran sentimientos de
inestabilidad; efecto igualmente producido por las líneas quebradas. Las líneas sólidas de
motivos repetidos dan la impresión de regularidad y de movimiento. Las líneas curvas
sugieren dulzura, placer y calor. Finalmente en la imagen se pueden encontrar líneas
invisibles que también producen efectos en la composición: La “línea óptica” que resulta de
una sucesión de puntos, la línea de horizonte” que divide el espacio-imagen; la “línea de
mirada” que enlace la atención que muestra un personaje o ser vivo. La línea es el
elemento que conforma el esqueleto o estructura de una imagen.

d. LA FORMA: La línea que regresa a su punto de partida crea el contorno dando origen a la
silueta, esta supone la máxima simplificación posible. Prescinden del color, la textura y el
volumen, y reducen miles de detalles a un solo elemento: la forma. El observador solo
percibe los contornos del motivo, lo que raramente ocurre en el mundo real, el ojo y el
cerebro parten de la forma, pero buscan rápidamente más información. En fotografía, las
siluetas resultan verdaderamente reducidas a una forma. La vista se abalanza sobre las
siluetas y devora literalmente las curvas, los ángulos y los contornos. El éxito de una
silueta deriva probablemente de su simplicidad; da la información suficiente para que el
observador sepa de que se trata, pero oculta lo bastar te para desatar la imaginación. Es
fácil realizar siluetas subexponiendo un sujeto en contraluz, o situado ante un fondo claro
como una pared blanca o una extensión de agua en donde se refleja el sol.

e. LA TEXTURA: La textura o característica de superficie de un objeto, llama

inmediatamente la atención del observador. En términos generales, se clasifica como
áspero o suave con algunos grados intermedios. La textura permite mostrar la
característica física del sujeto y aportar, por lo tanto, información sobre la materia que lo
constituye; refuerza la noción de profundidad evocándola sin llegar a expresar el volumen;
aporta además, una sensación de tercera dimensión, se puede decir que nos hace percibir
el micro relieve de las cosas. La luz lateral destaca la textura, para suprimirla, basta
iluminar con luz difusa o frontal.

f. EL RITMO: Es también una manera para lograr armonía y equilibrio en una imagen. El
ritmo se funda en la repetición de elementos semejantes. Se puede entonces encontrar

Página | 9
 ritmos basados en líneas, masas, colores, formas o motivos. Esta repetición puede resultar
de condiciones naturales, de los artificios del creador de la imagen, o de los efectos de la
técnica. El autor de la imagen puede idear o aprovechar una ruptura del ritmo incluyendo
un elemento diferente o combinando dos pautas rítmicas, para que la repetición no sea
monótona, y para retener la atención del observador al señalar el centro de interés de la
imagen.

g. EL EQUILIBRIO: Una buena imagen retiene la atención si de ella se desprende una

impresión de equilibrio y de armonía entre sus diversos componentes. El equilibrio se
encuentra tanto en la noción de división del espacio, como en la repartición de las masas,
la utilización del color o de la luz. Un equilibrio estático se obtiene por la equivalencia de
elementos de igual naturaleza. Un mejor equilibrio será el dinámico y este se basa en el
contraste obtenido por las influencias contrastantes de dos o más elementos de distinta
naturaleza. Por ejemplo se puede equilibrar una desproporción de tamaño entre dos
superficies, si se privilegia la más pequeña con un color más fuerte.

NOTA: Este resumen ha sido realizado por el profesor Pastor Iván Giraldo, para el taller de fotografía
básica, extractado de diferentes textos, incluyendo además, aportes personales.

Página | 10
TALLER DE FOTOGRAFIA - NIVEL 1 -

Practica sobre la COMPOSICION

Recordemos que encuadrar es poner dentro de un cuadro, es organizar los elementos y

sujetos de la imagen dentro de los límites de un rectángulo. Para todas las FOTOGRAFIAS
procure basarse en la ley de los tercios para situar el sujeto principal, o la línea de horizonte en
un punto o línea dominante, busque un punto de vista (normal, alto o bajo) para realzar el
sujeto principal. Tenga cuidado con los, elementos parásitos o retoños (sujetos incompletos o
atravesados accidentalmente frente a la cámara). Procure lograr una correcta exposición
(combinación de diafragma y velocidad) haciendo una interpretación adecuada de la lectura
que da el exposímetro.

A. Elija un sujeto o escena, y tome las siguientes fotos:

FOTOS No. 1 y 2: Con el sujeto llenando todo el negativo, resalte sus características
principales (el encuadre).

FOTO No. 3: Desde dos (2) puntos de vista diferentes para que cambie la relación del
sujeto y su entorno.

B. Manteniendo La distancia y la altura de la cámara, tome los siguientes retratos de cabeza

y hombros:

FOTO No. 4: De la cara con la luz lo más frontal posible.

FOTO No. 5: Gire al sujeto, de modo que la luz le dé por un lado, para reproducir el
volumen de la cabeza.

FOTOS No. 6 y 7: Repita lo mismo pero en una zona sombreada para que la luz sea más
suave (luz difusa).

C. Tome dos (2) fotografías en contraluz (luz tras el sujeto y frente a la cámara):

Página | 11
 FOTO No. 8: Realzando la silueta de un solo sujeto (forma).

FOTO No. 9: Fundiendo dos (2) o más formas en una (1), reduciéndolas a una silueta
única.

D. FOTO No. l0: Busque un conjunto de sujetos iguales o parecidos en su forma y orden,
para representar un motivo rítmico, que ocupe todo el fotograma (ritmo).

E. FOTO No. 11: Busque un sujeto iluminado con luz solar directa y rasante (a ras de la
superficie del sujeto), para fotografiar de cerca su superficie revelando su
textura.

F. FOTO No. 12, 13 y 14: Aproveche las líneas de carreteras, pistas, cercas o curvas de
colinas o ríos para llevar la vista hacia algún centro de atención.

G. Tome dos (2) fotografías de un paisaje, en tono alto y en tono bajo:

FOTO No. 15: Abriendo el diafragma en tres (3) puntos, o bajando la velocidad en tres (3)
puntos, después de hacer la lectura de exposición. (Sobreexpuesta).

FOTO No. l6: Cerrando el diafragma en tres (3) puntos, o aumentando la velocidad en
tres (3) puntos, después de hacer la lectura de la exposición.
(Subexpuesta)

H. Tome tres (3) fotografías haciendo énfasis en el manejo de planos:

FOTO No. 17: Una panorámica (de paisaje).

FOTO No. 18: Una de primer plano (sujeto entero que llene todo
el encuadre).

FOTO No. 19: Solo un detalle de una parte de un sujeto.

Página | 12
I. Elija un sujeto arquitectónico y tome tres fotografías de perspectiva lineal y de relación de
tamaños para dar sensación de tridimensionalidad.

FOTO No. 20: Colocando el punto de fuga en uno de los centros de atención de acuerdo
a la ley de los tercios.

FOTO No. 21: Desde el suelo, mirando la edificación hacia arriba (punto de vista bajo o
contrapicado)

FOTO No. 22: Sin incluir el punto de fuga dentro del encuadre.

J. FOTOS No. 23 y 24: Tome dos (2) fotos de paisaje con línea de horizonte alta y línea de
horizonte baja

Apunte los datos técnicos de la práctica, en el cuadro adjunto en la página siguiente

Página | 13
FOTO TEMA O SUJETO Y ELEMENTO FECHA
#f/ T/ ISO
No. HORA DEL DÍA COMPOSITIVO DD/MM/AA

Página | 14