TEMA 4: DE LO REPRESENTADO A LA

REPRESENTACIÓN

1. El pintor de la vida moderna

El título se va deduciendo de lo que hemos visto hasta ahora, cuestión relativa a la mirada
y forma de representar lo que se ve. La transformación de la realidad de la pintura
representada no se debe tanto a la pintura representada, sino al cómo. Transformaciones
respecto a la forma de representar y mirar.

Cambio de énfasis mayor en el como con respecto al qué, Courbet muy relacionado con
la manera representado, mirada distante y fría, pintura que no se interesa por anda
puramente real, existente, concreto; para ello es necesario la mirada distanciada, no juzga
lo que ve, no se implica en ello. Una mirada que tenía que ver con la fotografía y
espejismo que genero inicialmente sobre imagen transparentes sin que medie ningún
estilo ni visión personal, sin embargo, ni siquiera el medio mecánico es capaz de hacer
estas imágenes, a la larga, pone énfasis la objetividad. Por lo tanto, cada vez más la
balanza se va a inclinar en el cómo.

Se pone en tensión los temas representado con la manera de representarlos, énfasis a tal
y como yo las pinto, propio medio pinto rico, va a ser muy experimental con la pincelada,
colores, etc; queriendo que queda muy a la vista el cómo de esta representación. Esto
camina hacia el proceso de autonomía de la pintura. Hay una manera un ejercicio de
experimentación y traducción de lo que veo y como lo transmito con la pintura. Esto tiene
que ver con la fotografía. La fotografía potenciara la búsqueda de los artistas por lo
pictórico propio.

Estos artistas no tienen críticas de la realidad. Nos vamos a encontrar trabajadores,

retratos aristocráticos, en su caso son temas urbanos de manera indiscriminada,
representan ocio moderno, fundamentalmente pretende dar una visión indiscriminada de
la vida moderna. Como Courbet son observadores distanciados y no tienen un interés
critico sino más sensorial. Hay paralelismo entre ellos, proceden de la alta burguesía y
estudian arte lleno a la contra de lo que se esperaba, son artistas modernos, pero basan su
obra en el estudio de maestros del pasado. Ambos van a definir su estilo en la década de
los 70.

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1.1 Edgar Degas

Vamos a ver un aspecto muy experimental en su pintura.

Mujer con crisantemos: vemos el cómo

respecto al que. En este caso, no está claro
el género que vemos, en el primer plano
tenemos un espléndido ramo de flores, una
botella de cristal por lo que podría ser un
bodegón, pero es extraño que aparezca al
lado un retrato teniendo en cuenta esos
rasgos diferenciados.

No es un retrato ya que el foco de atención no está puesto y no se encuentra en medio.

Podemos pensar una escena de género o costumbres porque hay demasiada atención
representada. Aquí salta por los aires estas cuestiones, el tema no está claro en absoluto.
Para desviar la atención al género o tema, donde se pone énfasis es el estudio del color,
la luz, la pincelada; el tema es secundario, aquí vemos una recreación en la visualidad y
la manera de transmitirla.

Hay una desjerarquización de la pintura como es el caso de Courbet, aquí no es cuestión

social, sino pictórica. En este sentido, se puede apreciar muy bien la pincelada, muy
suelta, no trata de disimularse como vemos en la pintura académica clásica, aquí no, se
deja cada vez más a la vista; esto lo vemos en el traje de la mujer que esta abofeteado, lo
que contrarresta con el rostro.

La planchadora, sombrerera, carrera de caballos, clase de danza: en su pintura

encontramos una variedad de temas correspondiente con la vida urbana, pero son
discriminados, estímulos visuales que surge en la vida urbana.

La planchadora y el retrato de Thérèse Morbilli son retratos del mismo año.

El segundo está mucho más acabado, es un pastel que es más

acabado, esa fractura pictórica esta disimulada, lo que encaja con el
motivo o el tema, ya que el retrato está destinado a transmitir el
estatus, en este caso, mujer burguesa representada en un entorno
interior que da el estatus a través del mobiliario del mismo y el gesto
de ella, que es elegante como el de Ingres, por ejemplo.

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Frente a ellos, en el cuadro de la planchadora y otros personajes, le da más libertad lo que
le interesa más esa sensación de inmediatez de la figura, retrato de persona anónima que
mira de forma frontal y esporádica; da sensación de inacabamiento muy llamativo. En los
brazos vemos como ha dejado a la vista lo borrado, énfasis en lo pictórico y en dejar que
se vea. En este caso, el espacio es mucho más claro y menos profundo que el anterior,
vemos toda una serie de telas blancas que a veces se superponen.

En otros cuadros de planchadoras también habrá esa sensación de inacabamiento, como

el de 1886, en este caso, este cuadro está hecho sin imprimación, sin la base del lienzo,
experimenta aquí para pintar sin ella. Vemos la espontaneidad absoluta de la escena, una
planchadora con gesto físico de planchar y la otra el gesto físico de bostezar con la botella
de vino, algo que será muy criticado, ya que la forma representada es vulgar.

El desfile vemos escenas de caballos que junto con las de las bailarinas, son temas que
están desviando la atención con respecto al tema, hay motivo, pero no hay una historia.
La forma en la que escoge pintar este hipódromo,
es un momento donde no ha empezado la carrera
y están dispersos, es una vista donde capta la
atmósfera del momento, es un pasatiempo
burgués característico de la vida moderna
parisina. No busca esa historia o dramatismo,
hay estudio de la luz, los colores de contrastes en
los trajes.
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De igual manera ocurre con las bailarinas como bailarinas en la barra, permite estudio del
movimiento sin contar una historia. Son escenas entra bambalinas, previos a una
actuación, ensayo, etc; donde los personajes no son conscientes de que están siendo
vistos. Aquí se las representan ensimismadas o en la espera una audición. Parcialidad
diagonal del suelo, esa línea diagonal que atraviesa el cuadro, aparece mucho suelo, esa
disposición aplana el cuadro, al mismo tiempo, esa diagonal desestabiliza la escena y da
cierto dinamismo. Estos puntos de vista fragmentarios y la sensación de inmediatez tiene
la marca de la forma de mirar de la fotografía, se insta por la representación del medio, lo
pictórico. El primer baile es un óleo y el segundo es un pastel, a diferencia del retrato de
su hermana, vemos como está experimentando, se deja a la vista el trazo y como estudio
las luces.

La orquesta de la ópera y la café-concert aux ambassadours: es otro de los temas de la

vida moderna, los concepto y espectáculos más cultos y otros más populares.

La orquesta una visión casi fotográfica, no está claro

el centro, el foco, este es el flautista, no se ve a las
bailarinas bailar, sino que les corta la cabeza y los pies.
En primer plano tenemos un elemento que casi estorba
en la vista, detrás tenemos la orquesta. No es un retrato
de un individuo ni de la orquesta ya que no vemos a
todos. En el palco aparece otro personaje, pasa lo
mimos que la mujer de las flores, no hay tema sino
estímulos visuales que transmiten sensación de
inmediatez, que es falsa ya que es muy estudiado.

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Los autores trabajen los cuadros durante mucho tiempo, los cuadros dan sensación de
inmediatez, pero realmente tardaba mucho, estaba basado en el estudio laborioso de los
maestros del pasado.

Tensión entre lo representado y la representación, el que y el cómo, en el cuadro vemos

algo que parece fotográfico, pero al mismo tiempo lo está llevando a un terreno altamente
estetizado, más atención e importancia en las cosas que veo y como lo represento.

Hay toda una serie de ritmos lineales, esquemas, etc; linealidades que se corresponde con
el hecho de que es un cuadro compuesto en cierta manera de líneas, elementos que
nosotros sabemos que están dispuesto de profundidad, peor que en el cuadro lo vemos
uno encima del otro, algo que hace aposta, como vemos en la
posta del bajo, parece que está junto con la bailarina; esto
también lo vemos en el cuadro del café.

Con pintura como la del café, está representado nuevas formas

de ver. Detrás de la mujer vemos un espejo que refleja toda
una hilera de luces, está jugando con los elementos para tener
unan percepción más espontanea de las cosas; vemos casi un
patch-work de impresiones.

Después del baño o la bañera (hay dos): deja a la vista los trazados y todas esas líneas, se
ve el brazo de la mano, como no hay difuminado y ha dejado a la vista la forma de trazar.
Los presentan los tres en 1886, son desnudos que llaman la atención que es una escena
casi cotidiana, posturas que no presuponen un observador. Perspectivas extrañas, en el
sentido que es difícil imaginarse que el pintor está ahí. Bañera de la última perspectiva
aérea, como se estuviera levantada, superposición de planos, telas, juego de estabilizar el
espacio de ña perspectiva.

En el segundo vemos franjas que ayudan a perder esa especialidad, todas esas líneas, dejar
técnicas a la vista e inacabado para ver como se hace visible lo representado. En el primer
cuadro juego de telas para dar sensación de planidad a la representación.

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1.2 Édouard Manet

Retrato de Zola: vemos el cómo respecto al que. Zola es un escritor. Si es un retrato, pero
a los contemporáneos les aprecio un bodegón. Esta es perfil,
pero hay toda una conjunción de otros elementos con la mismo
detalle que la cara de Zola, no hay una jerarquización, toda la
serie de elementos que le rodea. La sensación de profundidad
esta empezado a bailar, lo que sirve para desjerarquizar los
elementos, hay toda una serie de elementos que están más bien
superpuestos. En la pared parece una serie de producciones que
hablan casi más de Manet: grabado japonés, cuadro de
Velázquez, etc.

El concierto en las Tullerias: en el cuadro sale representado con su sombrero y bastón. Al

igual que el anterior va a ser observador, representado todas las escenas de la vida
moderna con una voluntad más distanciada que la de Courbet, está inspirado en el estudio
del pintor, a la izquierda se introduce a sí mismo y personajes de su entorno, escritor,
compositor, etc. Se muestra como observador en una escena de ocio, a diferencia de
Courbet, Manet deja a los personajes en su entorno, por lo que nos puede recordar al
entierro de Ornans.

Otra diferencia es la temática urbana, lo que provoca una mayor sensación de

muchedumbre en el cuadro, claramente tenso la sensación de que estamos en una escena
donde va más allá, la pincelada es rápida para intentar captar la fugacidad de lo
representado, un cuadro donde hay muchos elementos inacabados, sensación de
instantaneidad, sensación mi fuerte, como si el artista no hubiera terminado el cuadro.

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Sensación de multitud. Una diferencia con la pintura de Courbet es que esta es mucho
más suelta, luminosa, rápida, a lo largo de su obra va variando la luz a raíz del contacto
con los impresionistas.

Personifica el pintor de la vida moderna, tal y como aposto Baudelaire, considera que el
arte hay que actualizarse, en estos artistas hay admiración por el pasado, pero sensación
de que ese arte está caducado y debe intentar actualizarse.

La pintura de Manet va a plantear una continua conversación con los maestros del pasado
a raíz de sus visitas a museos y viajes a Italia, en sus cuadros se ve muy bien la
actualización. San embargo, la manera de representar provocó rechazo en el público. Las
dos décadas fundamentales recibió continuo rechazo a pesar de la vinculación con los
maestros:

Olympia y el almuerzo en la hierba: en esta última figura principal una mujer desnuda
que mira directamente, a pesar de ser parejas se presentaron en exposiciones distintas,
una, la segunda en el salón de los rechazados y la otra en el salón. El salón de los
rechazados se organizó en el 1864 debido a la rigidez del salón oficial, quedando fuera
una gran cantidad de pintores, por esto se dio permiso para un nuevo salón que recibió un
gran público.

El salón de los rechazados se va a repetir y los artistas buscaran otras alternativas, ya que
esto tienen incluso un filtro, los artistas impresionistas crearan una exposición
independiente, esta tónica va a ser la oficial hasta que el salón principal pierda el foco.
Junto a ellos va a ir proliferando el mercado de arte.

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Almuerzo en la hierba generó un gran escándalo por la mujer denuda que no se
avergüenza, de hecho, nos mira de forma directa, esta mujer es la misma modelo que la
de Olympia, su desnudo se destaca por la presencia de los dos hombres perfectamente
vestidos.

Al fondo cuarta figura que se está bañando, lo que podría justificar el desnudo de esa
mujer, que ha dejado la ropa en el bodegón de fruta. En la época esto chocó muchísimo,
esto represento un almuerzo en el campo, algo habitual en la época. Por lo tanto, era un
tema muy presente en las ilustraciones populares; al mismo tiempo Emilie Zola escribió
en prensa por que se sorprende por el desnudo cuando el Louvre está lleno de cuadro de
este estilo. Paradójicamente, estas escenas se convierten en parodias de estos cuadros, ya
que ponen en evidencia que, si es absurdo esto, la obra de los antiguos es todavía más,
por mucho que tengan esa excusa mitológica.

La razón de que resultara tan impactante está relacionada con la manera que está pintado,
entre en juego ese mundo estético, reglas cada vez más propia y particulares, se ve
claramente la manera en que el cuerpo de ella es muy blanco se recorta sobre un fondo
negro, oscuridad del apaisé y ropa de los personajes. El cuerpo hay poco sombreado, lo
que potencia sensación de figura plana recortada y puesta encima. Las tres figuras forman
un grupo y está hablando, pero ninguna mira a las otras, hay una desconexión que se
potencia por el tratamiento extraño de la perspectiva, los distintos elementos
representados son autónomos y están representado uno encima de otro.

La forma de pintar y la provocación al pasado artístico venerado se hace más evidente a

la Olympia, referencia a la venus Urbino de Tiziano. La pintura muy literal un brazo con
la almohada y otra tapa su sexo con una mano más tensa. Justamente esa cita al venus
veneciana hace la figura más chocante y provocadora, esta mujer esta atraída al presente

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a través del escenario y la ropa que representa como el lazo, el chal de debajo de su cuerpo,
además de la sirvienta negra que se acerca para traer flores, esto actualiza a la venus de
urbino. Prostitución de alto estatus.

Olympia es un nombre típico de la época para esta clase social. Vemos un gato que es un
animal con toda una serie de connotaciones sexuales. La flor es un símbolo de lascivia.
Recibe flores de un amante al que ella encuentra indiferencia coloca al espectador
masculino en una posición inquietante.

En cuanto a la representación de fondo, la estructura tripartita de Tiziano se mantiene,

pero la diferencia fundamental es a la perspectiva, en el de Tiziano se abre en un espacio
representado en perspectiva, cosa que en Manet se nula al colocar el cortinaje, en el fondo
es una serie de distintos planos.

Con lo que se llega al fondo aplanado en el que destaca elementos de tonalidades claras:
flores, ropa, cuerpo de Olympia, sabanas; matices de blanco sobre matices de negro. Esto
potencia el impacto que genero la época, sensación de foco de luz que aplana el cuerpo
de Olympia y la sensación del volumen, se deja a la vista la línea y los contornos de la
figura.

En el pífano también vemos ese parecido a un naipe,

figura sobre un fondo casi blanco y en este cuadro
vemos una representación de que el rechazo a la
pintura del pintor no es solo por el tema, sino por la
manera de ser pintados. Referencia a Pablo de
Valladolid (Velázquez), fascinación en el cuadro
según el cual solo había aire, pífano da sensación de
mucho mas planitud, no hay aire debido a la sombra.

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A esto se le suma el modelado y la volumetría de la figura de Velázquez e incluso la
manera en que está pintado ese fondo neutro, en Manet esto se elimina y a la sombra del
pífano es minúscula. En general la figura es mucho más plana en su modelado.

El nacimiento de Venus presentado en salón 1863 por Cabanel. Representa el desnudo

que si se admiraba a la actualidad. Aquí se trata de un desnudo con provocación eróticas
por la manera en que se está representando el desnudo, arqueada hacia atrás, hay una
hipocresía en la visión. La idea de nacimiento de Venus sirve como excusa para meter
esta figura volumetría. Aparece toda una serie de elementos como las olas o los ángeles
para justificar la obra. Esto choca con la Olympia, figura menos erótica que elimina esa
excusa mitológica para traer a la contemporaneidad.

El torero muerto o el asesinato del emperador Maximiliano: representa objetivamente los

acontecimientos y lo lleva a un lenguaje pictórica que busca su propia gramática, muestra
como esa estilización de la representación viene dada por esa mirada que no se implica.
Muerte sin dramatismos. Formaría parte de un cuadro mayor, en los tesoros no hay
representación en el rostro hacia un acotamiento dramático. Esta el tema español muy
típico en la época. Vemos el rojo de la mancha de sangre, reduciendo la muerte ahí, n0
ningún tipo de dramatismo ni escenificación. Frente a esta frialdad, hay un recreo en lo
pictórico.

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Esto se potencia en el fusilamiento del emperador Maximiliano, de actualidad muy
conflictiva en el momento, sensación de distancia y elegancia como esos caballeros. El
acontecimiento tuvo lugar en el 1877 y consistió en el fusilamiento de Maximiliano de
Austria puesto en México, en un momento dado pierde el favor de Napoleón y tuvo que
hacer frente a la oposición indígena. Este cuadro se censuró porque era reflejo de la
fatídica política exterior de Napoleón III.

Llama la atención esa frialdad y distancia que nos lleva a una forma de pintar elegante
con este pelotón de fusilamiento que parece hecho de figurines que contrasta con la
manera de pintar un tema semejante, diferente al cuadro de los fusilamientos de Goya
cuadro en el que se inspiró. Si comparamos la figura de los fusilados en Goya vemos el
dramatismo y las tres fases del horror, en esta escena esas tres figuras parecen mal puestas
y no resulta una escena casi creíble. El personaje a la derecha es una alusión a lo que
ocurrió en el fusilamiento, y es que tuvo que recibir un tiro directo.

Encima del muro hay toda una serie de figuras contemplando esto como si fuera un
espectáculo. Se ve esa tensión entre representación objetivo y estilización a partir de un
estilo propio subjetivo relacionado con la mirada y manera de representar. Él explica en
un texto pretendía interpretar su propia impresión de los hechos. El mismo explico en el
mismo texto que para el artista es importante exponer sus obras, ya que acaba
acostumbrando al público, muy representativo de lo que le va a ocurrir a los pintores, un
arte que resulta chocante a los ojos del público que finalmente acaba siendo asimilado y
digerido.

A Manet le llego el reconocimiento muy al final de su vida. Cuadro donde vemos ese
mundo pictórico.

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El balcón: inspirado en las majas al balcón de Goya, la principal diferencia es que en
Goya sensación de humildad, conexión y grupo, frente a ello en Manet cada una mira a
un lado, gesto y no se sabe que es la conexión. Tenemos a personajes del entorno cultural
de Manet. Ruptura de la narración en el que encontramos tres retratos diferentes.

Esto pasa con el cuadro del ferrocarril,

vemos dos mujeres que entendemos que
forman un grupo, su mirada apunta a
diferentes direcciones, la niña nos da la
espalda y la mujer confronta nuestra mirada
y la niña también parece indicarnos que
miremos hacia el fondo, donde encontramos
la verja y humo que impide que haya fondo
en la composición y la aplana.

Comparación con la estación del ferrocarril,

ponen emoción a personajes, frente a ellos
mirada fragmentario de Manet y otros artistas
como Caillebotte en el puente de Europa, en el
que vemos el elemento de humo que aparece
arriba. En consonancia esa pincelada suelta y
rápida, de hecho, es in cuadro que nos produce
una fuerte impresión de primera.

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Un bar aux Folies-Bergère: cabaret parisino característico de la vida moderna, tema muy
frecuente en la pintura de Degas. Otro cuadro de esta temática es La ciruela. El cuadro se
representa un aserie de visiones, última gran obra de Manet. Mirada absorta, la forma en
la que está pintada, el centro simétrico de la composición, botones de la chaqueta, está
representado con una simetría y frontalidad poco habitual en los artistas. Probablemente
sería un espejo, no vemos algo detrás de ella, sino delante, algo que no tenemos que
imaginar que está en nuestro propio espacio, cita de Velázquez. En este caso, el espejo es
el espacio de todo. Hay un juego de espejos que se potencia con otra serie de cosas,
corresponde con la experiencia visual de la época. Al fondo este juego de doble realidad.

Además de los distintos puntos de vista, distintos momentos temporales, parece que la
mujer y su reflejo se refiere a dos momentos diferentes. Es casi como si nos encontramos
con dos escenas sucesivas. Muchas otras cosas que no cuadran desde el punto de vista de
la perspectiva, como es el caso de el reflejo de las botellas de la barra, juego de visión.
Hay una serie de juegos visuales en este cuadro como la figura, casi podemos pensar en
una madona, con esa frontalidad. Arriba a la izquierda vemos dos piernas con dos pies
verdes, una figura colgada que genera una serie de referencias visuales que se sale del
cuadro y contrasta con la frontalidad de la figura.

Es un reflejo condicionado por la luz artificial, que afecta a la visión, hay muchas
superficies del lienzo reflejadas con esas lámparas. Por otro lado, juego de contrasta está
el aspecto psicológico, la retratada esta absorta, nuestra percepción de ella es inmediata,
pero a diferencia de otras obras, no nos mira directamente, sino que tiene una mirada
perdida, lo que potencia la sensación de bullicio ya que ella es ajena a ese ocio, esta
tensión entre la soledad y el bullicio potencia ese lugar común y dará reflexiones sobre el
aislamiento del sujeto. Es una trabajadora que retunda un poco la temática de mujeres
trabajadoras.
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 2. Impresionistas

2.1 Origen

Serie de artista que presentara sus obras por primera en 1874 en el

estudio de fotógrafo Nadar, lo celebrarán aquí porque es el sitio
donde tiene para hacerlo. Es una exposición propia. Esta primera
exposición responde al descontento de los artistas que no
encajaban, serie de artistas que se reunía en tono a Manet en un café
de París. Estalló en el año 70 la guerra franco-prusiana, lo que hizo
que los artistas se dispersaran, años después se volvieron a juntar
en Paris.

Es cuanto estos artistas se organizan fundan una sociedad anónima, a través de la cual
deciden que van a movilizarse poniendo ellos mismos el dinero y buscando los espacios
en cuestión. Esto responde a la línea que venía desde Courbet, la diferencia es que no
tienen voluntad de provocar, sino que nace de la necesidad de exponer sus obras y no
encuentran otra manera.

A diferencia de Manet, estos artistas ya se lo plantean como algo permanente, los

impresionistas deciden que esto va a ser oficial, el sistema de arte va a estar en entredicho.
En esta tendencia de auto gestionarse, que va a hacer que el sistema oficial pierda su
relevancia, los cafés, en este mundo auto gestionado, van a jugar un papel cada vez más
importante, lugar donde los artistas se unen y discuten sus ideas artistas y políticas.
Veremos como el dadaísmo por ejemplo se forma en un cabaret.

Características:

1. Pintura del paisaje

2. Influencia de la fotografía
3. Visión contemporánea
4. Desnuda de la impresión emocional
5. Descubrimientos de la óptica
6. Pincelada rápida
7. Se pinta en el momento

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A diferencia de los salones, donde se colocan de manera jerárquica, cuadro tras cuadro,
los impresionistas en sus planteamientos diplomáticos, decide hacer solo dos filas de
cuadros y ordenar los cuadros alfabéticamente.

Incluso no se pusieron nombre, sino que los puso un crítico, en un comienzo se la critico
de manera hostil, el crítico que les puso el nombre lo hizo burlándose de los cuadros y
tomando el nombre del cuadro de Monet: “impresión, sol naciente”, le sirvió para burlarse
de ellos. Artista que en su exposición reúnen muchos cuadros y muy variados.

Degas es un artista que siempre estuvo con ellos, sus

cuadros estuvieron en ciertas exposiciones, pero no es
impresionista. También estuvo cuadro de Cezanne, una
olimpio moderna, cuadro de un artista postimpresionista.
De los pintores hay muchos que hoy son desconocidos.

2.2 Características

Para intentar definir esta pintura, tenemos la idea fundamental y básica que es una pintura
que refleja nuevas formas de mirar características de la vida contemporánea influido por
la fotografía. Como los cuadro de La grenouillere de Monet y Renoir; tienen su origen en
la pintura del paisaje, en relación con esto, el
impresionismo conecta con la idea de la pintura del
color y de la luz visto en el romanticismo, en este
caso, enlaza con la mirada características del
realismo distanciada. Una última cuestión, es algo
nuevo, la pintura al aire libre, es una pintura distinta
de lo que se veía haciendo ahora.

Pintura del color y la luz: en la francesa romántica esta la pintura de la línea con Ingres y
la de color cuyo máximo exponente era Delacroix, una tendencia que se veía en la pintura
Europa en general, Turner enlaza con la de pintor y Friedrich mas lineal. La pintura de
los expresionistas conecta con la línea de pinturas de Turner.

Turner, a través de la búsqueda romántica de las sensaciones transitoria sublimes, había

dado lugar a una innovadora, donde los objetos tienden a disolverse, los elementos e la
naturaleza son los autentico protagonistas en la pintura de Turner.

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Impresión, sol naciente: elementos como el fuego, nieve, el humo que vemos en el cuadro
de Monet son protagonistas como en Turner, en el fondo hay unas chimeneas humeantes
y una grúa en el de la impresión. Sol naciente, primero plano agua, barcos de pecadores,
hay un sol, escena tenue donde las cosas empiezan a distinguirse y definirse, pero todavía
aparece de forma dispuestas, es muy probable que estuviera influenciado por el incendio
del parlamento, por la luz del sol y reflejos en el agua. Junto a esa cualidad apenas visible
influye con el momento del día. La principal diferencia entre los dos cuadros es el tema,
uno representa un acontecimiento dramático mientras que el otro solo está captando un
momento, eso nos lleva con la cuestión que conecta a la obra con la pintura realista y esa
visión distanciada.

La pintura romanticona de paisaje está basada en la experiencia directa del paisaje que el
artista quiere transmitir, es profundamente emocional, de ahí la fascinación por las
catástrofes naturales, la naturaleza transmite emociones, miedo, religiosa, etc. En la
pintura impresionista se desnuda el paisaje de esa expresión emocional, si bien viene de
una experiencia directa, es sensorial, sensitiva, de ahí el tirulo del cuadro, es la sensación
de lo que el paisaje haba producido al artista esto es lo que va a intentar captar estos
artistas, esa impresión visual sin ningún tipo de aditivo. Esto está relacionado con los
avances tecnológico y científicos de este momento. Los artistas están en esa investigación
de cómo se perciben las coas, una investigación que lleva a radicales innovaciones.

Pintura libre (plenairismo). Aire libre sin pasar por el estudio, innovación en el momento,
porque los artistas habían salido a tomar notas rápidas y volver a su estudio; ahora cada
vez más se va a pintar directamente la obra en la naturaleza, esto implica una forma de
pintar rápida que va a centrarse en los efectos de la luz sobre el paisaje de una manera

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científica, los artistas intentan romper una representación, representar en un estado
preracional

La grenouillere de Renoir y Monet, se reconocen las cosas, a la derecha tenemos un

espacio terraza, etc, a los artistas no les interesa describir los arboles del fondo, sino captar
sensaciones visuales de la luz, especialmente reflejos del agua con una pincelada rápida,
la luz a lo largo del día va cambiando. Para ello han ocurrido toda una serie de
innovaciones técnicas, la primera y fundamental es la comercialización de colores
industriales, hasta ahora los artistas hacían sus propios colores ahora ya vienen fabricados,
se pueden llevar en la bolsa al campo y pintar desde el tubo, lo que da rapidez, colores
sacados del tubo, con esa pincelada rápida.

Otra son los aparejos del pintor, industriales, que se pueden llevar, todas las cosas que
permita que los artistas se puedan llevar su taller encima, esa posibilidad de movilidad es
fundamental para entender a la pintura impresionista. Las cosas que se pueden hacer con
esa manera de pintar la vemos en el cuadro de Pisarro: Escarcha, el viejo camino a ennery
pontoise, vemos surcos por donde se superponen sombras de árboles que esta fuera de su
campo visual, aquí estamos viendo aquello que esta fuera del campo vidual del cuadro y
lo que vemos dentro, se rompe esa idea de ventana, ese espacio que se abre mas allá,
referencia de lo que está dentro y fuera. Las sombras no están hechas como proyecciones,
sino con otros colores, son superficies cromáticas. Se juega con es blanco de la escarcha,
crea ese velo visual, genera una visión confusa, prerracional, donde las cosas no están
ordenadas de manera tradicional, algo que vemos si lo compramos con las regatas de
argentteuil de Monet o la isla de la grande jatte de Sisley.

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Explora menos a esas posibilidades cromáticas que permite la técnica impresionista, es
mucho más claro, entendemos mejor que está delante y detrás, tendremos un primer plano
de agua, segundo plano de árboles, clara estructuración del espacio en terrenos de
distancia que entre los cuadros no están y se transmite por la pincelada, no hay
estructuración de espacio tan clara como el de sisley. En el agua nos encontramos la tierra
y los árboles, además del azul de los cielos, dualidad de la pincelada, sensación de que el
reflejo en menos real.

Si lo comparamos con las regatas argentteuil de Monet, no hay diferenciación de los

colores del reflejo del agua y los reales son iguales, no hay matizaciones en los colores,
según esta forma de pintar, el resultado es lo tangible y reflejo tiene la misma sensación
visual, no hay diferencia, sensación que el reflejo del agua está roto, pero la pincelada es
igual de consistente en la vera y reflejo, igual de consistente y el pigmento sin diluir, igual
de dolida y material que lo otro.

Vinculado al ocio y tiempo libre, también hay interés industrial, aparece el humo y
chimeneas que viene al mundo moderno, elementos que otros artistas del paisaje estaban
dejando fuera. En todo caso, todos tiene el elemento agua, interés por el acuático que
transmite sensación de dinamismo que permite estudiar la visión desde los puntos de vista
comentados, las pinceladas tienen la misma consistencia. Otro motivo frecuente son las
vistas aéreas, calles llenas de gente como Boulevard des capucines de monet.

Impresionismo nace a partir de la autorrealización, esa sociedad-cooperativa artística que

se organiza fuera del sistema de arte. Gran variedad de artistas, que algunos podemos
considerar impresionistas y otros no. Hay una serie de características, no se limita al
paisaje, nace del dadaísmo y de la manera de entender el paisaje.

Esta pintura libre siempre se había hecho, tomando apuntes en el campo, ahora los
impresionistas centrados en captar efectos de la luz y el color, distintos aspectos de las

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cosas según la luz, voluntad de captar la fugacidad y lo transitorio. Para ello, la cosa de
volver a la obra para retocarla en el estudio se elimina, responde a la rapidez, lo que
explica a la pincelada dejada a la vista, todo posible por las innovaciones técnicas, que
permite llevar su taller al campo como los tubos de colores. Como consecuencia, son
colores que están sin mezclar, sacan los colores del tubo y lo aplica en el lienzo, por lo
cual, la pincelada tiene esa densidad material de los pigmentos.

El interés por a luz y colores tienen un salto cuantitativo por los avances de la época de
los estudios de óptica, vinculados con la fotografía. Hay un estudio del color, todos estos
avances lo vamos a ver en los artistas, saben que la sombra de un objeto va a ser el color
complementario del color del material, por lo que la sombra no es oscurecer los colores,
cada sombra tiene una gran belleza y variedad cromática. Esto también está relacionado
con el agua, no hay distinción de los objetos sólidos, todo es color y reflejo de la luz, algo
que también se está estudiando es que los colores son reflejos de la luz. Ellos construyen
todo a base de colores y luz reflejada.

Los paisajes y la naturaleza que pintaban es inminentemente urbana, alrededores de París,

vinculados al ocio de fin de semana como Argenteuil o la Grenouillère. También aparece
esta naturaleza industrializada, en cualquier caso, en los tipos de paisaje el elemento agua
tiene gran protagonismo, ya que permite los estudios de la luz, vinculación de la superficie
acuática rompe las formas. En relación con la temática industrial, tenemos estaciones de
tren como la de Monet y su cuadro estación de san lázaro, ya hemos visto anteriormente
pero son vista mas distanciadas, el interés del artista está en la luz, el humo de las
locomotoras, con este encontramos los paisajes urbanos y las vistas aéreas que permite
ese movimiento y visión como Boulevard des Capucines, París, en cualquier caso,
interesa indagar en esa vista elevada, sabemos que es un banco a través de las figuras
negras a la derecha que también están en un banco.

19
Otro ejemplo de este tipo de vista es la rue montorgueil fiesta de 30 de junio de 1878,
pincelada suelta, que hace que las bañaderas sean llamadas de fuego, además, sensación
de multitud. Visión elevada relacionada con los desarrollos tecnológicos y de la
fotografía. Daumier y su obra nadar elevando la fotografía al rango de arte, esta visión
sobre la ciudad es características a estos momentos. Permite una visión distanciada
físicamente, psicológicamente y emocionalmente como ejemplo la rue mosnière con
empedradores, relacionado con el cuadro de Courbet, la visión aérea permite
distanciamiento, no hay énfasis en el esfuerzo físico y no hay critica o reclamación social,
simplemente son uno más de ese movimiento, esto se acentúa por las vistas amplias y
alejadas de Manet.

La pintura tiene origen en el paisaje, peor no se limita

a esto. Tenemos a obra de Renoir, que ya hemos busto,
su pintura centrada en la figura huma como Baile en el
Moulin de la Galette, a pesar de estar construido con
figuras es pintura al aire libre por el tipo de luz, estudios
lumínicos de los artistas.

Comparando el columpio con el cuadro de los horacios, podemos ver que en el primero
el espacio no es determinado, la luz es reflejada,
tenemos a Renoir recreando con su pincelada esos
reflejos, goteada, tenemos una luz que transite esa
sensación de reflejo, esa sombra larga es un conjunto
de pinceladas azules alternadas con las amarillas,
mientras que aquí tenemos visión tradicional de la
pintura, visión donde se construye un espacio, donde
se disponen las figuras y se proyecta la luz que cae
sobre figuras y espacio, elementos que articulan la
visión. Renoir lleva esta pintura al desnudo, su
pintura se va haciendo cada vez más clásicas,
alejándose de la pintura impresionista.

20
2.3 Pintoras impresionistas: Berthe Morisot

Tenemos a Berthe Morisot que va a ser siempre impresionista centrada en las figuras,
hubo varias artistas. Para contextualizar su trabajo es importante el contexto, que es ser
mujer/artista a mediados del siglo XIX, antes había mujeres artistas peor hay condiciones
distintas.

Este momento se transforma el papel de la mujer que genera dos exigencias opuestas entre
sí, por un lado, la moral burguesa es extremadamente rígida, ideales sobre mujeres como
seres sumisos y domésticos, encerrados en ese espacio doméstico y centradas en el marido
y los hijos, exigencia muy demandante, para las mujeres salirse de esto es caer en
desgracia.

Al mismo tiempo debido a las revoluciones muchas veces se tienen que ir a trabajar ya
que el oficio ya no es familiar, nos vamos a encontrar mujeres campesinas y humildes
como planchadoras y prostitutas, esto ocurre con clases medias a las que se les demanda
esas virtudes burguesas, pero tienen que ganarse la vida como maestras, institutrices, dos
exigencias que se contradicen. Es en este contexto donde
se produce los primeros movimientos feministas, es en el
contexto social donde se encuadra el trabajo de las
impresionistas. Uno de sus primeros cuadros, junto con su
hermana, fue cabaña con techo de paja en Normandía,
viendo como ella pintaba en múltiples ocasiones paisajes
(impresionismo relacionado).

El retrato de Madame Edma Pontillon hermana de Berthe

que era pintura que renuncio a su carrera por la familia.
Es representativa, el rostro son los rostros, derecha es la
hermana y a la izquierda es ella, una manera de transmitir
esa dicotomía, tensión entre los dos impulsos: convicción
y el arte.

El ejemplo contrario
es Mary Cassatt niña
en sillón azul, esta
mujer opto por no casarse, renunciando al matrimonio
para centrarse en su carrera, contrario a su hermana.
21
Camille Claudel fue una mujer que por seguir pasión cayó en desgracia, trabajo en el
estudio de Rodin (beso), amante tiene obra propia como la edad madura, se representa a
sí misma en la figura del hombre par que no se marche, el hombre es Rodin que la
abandono para casrse con una mujer que sigue las convecciones, cumpliendo requisitos.
Esta tensión se manifiesta en las que se plantean ser y no ser artistas.

Berthe consiguió mantener ese equilibrio, también es interesante que en al antiguo

régimen ser pintor venia de familia, para las hijas de estos artesanos, pintores, era cosa
natural dedicarse a la pintura. En el antiguo régimen hubo muchas mujeres artistas,
aunque la historia la hayan sepultados, en el siglo XIX los artistas se quedan descolocados
del sistema de producción, surgiendo la idea de artista genio, donde el artista ha ganado
libertad en su obra, lo que explica las innovaciones que hemos visto, pero su propia
economía depende de que él venda su genialidad.

Aquí tenemos todos estos artistas muertos en la precariedad absoluta con Van Gogh,
incluso los impresionistas pasaron penurias al comience. Contexto donde se sitúa las
pinturas de las mujeres, contexto donde se da mucha más movilidad social. Las pintoras
provienen de las elites sociales, condición singular ya que las mujeres no pueden acceder
a las academias de bellas artes, entonces para que una mujer llegue a ser artista tiene que
tener una poción privilegiada, donde puedan recibir educación artística desde el hogar,
todo para que deslumbre en sociedad, no que se especialicen.

Morisot contemporánea de Monet y Renoir, tiene insistencia de dedicarse a la pintura,

ella después de formarse con el pintor en casa, ella y su hermana salían a pintar al aire
libre, de hecho, su maestro no sabía hacerlo y buscó otro, empezando a la formación,
mandó en el año 74 al salón, de hecho, al principio, consigue aire de profesional al entrar
al salón, algo que no ha conseguido sus compañeros masculinos. No era infrecuente que
hubiera cuadros de mujeres en el salón, que entre al cuadro al salón no significa que se
vea, y era algo más cortes.

22
 A mediado de los años 60, entra en contacto con Manet, como el
balcón, el artista se queda fascinado con ella sobre la que se ha
especulado mucho. El contacto con Manet es muy importante para
ambos artistas, a partir de ahora ella va a introducir la figura humana,
el por su parte, va a introducir y centrarse en la pintura dl paisaje: El
escondite. Le sirve para tener en contacto con todos los artistas, siendo
uno de los miembros fundadores de la sociedad anónima, desde el principio hasta el final,
manteniéndose fiel a esta manera de pintar. Artista central en el desarrollo de la pintura
del impresionismo, su obra se fue olvidando y sepultando, siendo las últimas décadas las
que se han centrado en ella.

El escondite vemos la figura dentro del paisaje, muy

distinta al de Renorir donde las figuras construyen el
espacio, aquí solo dos insertadas en el paisaje, otra
diferencia de Manet es que al definición de la figura
y fondo es la misma, mientras que la del pintor es
más distorsionada en el fondo, lo que hace Morisot
produce una fusión de la figura y fondo, el juego de
la pintura en el fondo, el puerto de Niza es de los años 80 de paisaje, responde a la
concepción impresionista de la pintura al aire libre, misma consistencia pictórica del agua
y reflejo, movimiento que rompe en los reflejos que permite romperse y centrarse en los
colores; también lo vemos en el muelle de bougival, difícil concebir los limites, por la
pincelada suelta centrada en captar efectos de la luz, siempre con la mirada distanciada.
El jardín en bouguval otro tipo de motivo, pero misma pincelada suelta. Casi parece una
aparición, como si no hubiera terminado.

23
Los paisajes la figura adquiere un mayor protagonismo, innovaciones pictóricas muy
audaces, que se va definiendo poco a poco. En este caso encontramos estudio relación
entre la figura y el paisaje, la figura y fondo, siendo
el cuadro un espacio donde se pone las figuras a
cause de la pintura suelta y la forma de pintar
vemos que la figura de la mujer casi aprese
confundirse con el paisaje. Hay una incipiente
fusión de los dos elementos.

Días de verano también es difícil distinguir, las pinceladas del agua apresen batir la del
traje. En la veranda o Eugene Manet en la isla de wight
nos fijamos que hay 3 partes espacio en el cuadro. Se
complejiza el juego de figura y fondo. Todas estas
cosas que estén delante o detrás condenamos nosotros,
esas plantas y flores desde el punto de vista pictórico,
la solidez con la que están pintadas es la misma que sus
reflejos del cristal
cercano, lo mismo ocurre con la veranda. Juego de
trasparencias donde los objetos se confunden con su
propio reflejo. En la verada vemos cristal y a través
de un jardín y una casa. Tenemos rayos de luz que se
reflejan sobre la botella, refleja los estudios de la luz
muy bien.

Estas obras tienen una técnica extraordinaria. En el caso de Eugene Manet y su hija en el
jardín. Vemos a una niña y a Manet, la ropa de la niña es blanca, pincelada más etéreas
que el espacio, pinceladas de hojas verdes. Como en el cuadro del jardín, las esquinas no
están acabadas, parece empezar desde el centro hacia fuera sin acabar las esquinas. Es
una cuestión que veremos en el cubismo, son cuadros que se construyen de dentro a fuera,
no son cuadros donde primero se proyecte un
espacio, aquí es lo contrario, en vez de lo general a
lo particular, se va a esas pinceladas de color y luz
de las figuras del espacio, son pinceladas de color
que van abriendo el espacio, de aquí que se queden
las esquinas sin terminar.

24
El ama de cría y Julie: cuadro tremendamente audaz, extremo del juego figura y fondo,
no distinción entre sólido y etéreo, desparece la atmosfera que separa la figura del fondo,
todo con pinceladas iguales, sombrilla de la izquierda se confunden directamente con la
hierba, no sabemos dónde acaba una y empieza otras.

Julie con muñeca: insinuación técnica, trasciende una serie de características del pastel al
óleo que genera esa sensación visual.

En cuanto a los temas, muchos son temas del entorno doméstico, hemos visto a su marido,
el ama de cría de su hija, e incluso a su hija. Intimidad
domestica propia, el espejo psique, vemos a una mujer
visitándose delante del espejo, psique, que pertenecía a la
propia artista, escenas que nos conectan a su entorno
privado, otro ejemplo es muchacha en su tocador, el fondo
se ha convertido un primer plano que se llega a confundir
con el vestido de ellas, juego impresionista de luces, reflejos
y distintos niveles de los visible, lo solido se convierte en
etéreo, siempre se centra en las luces.

Ella lleva esta técnica impresionista del aire libre al espacio doméstico, demuestra que
ciertas visiones del impresionismo en el paisaje se pueden representar en escenas del
interior e intimidad. Trabaja estos temas y siempre en estos puntos de vista. Esta cuestión
de la actividad domestica aparece recurrentemente en otros artistas impresionista, ella se
plantea un debate interesante de observar.

Los dos últimos cuadros aparecieron en la explosión de 1867, es un tema con distintos
niveles de mirada, en la época una mirada femenina, pero es algo que ha pesado para
hacerla resaltar en la historia del arte, ya que se ha dicho que representan temas demasiado

25
femeninos. Por un lado, algunas personas tratan de justificar estos temas femeninos,
explicándonos que las mujeres tenían una mirada limitada, no pintaban otros temas
porque no podrían. En este aspecto volvemos a la idea de Baudelaire sobre que el artista
moderno se siente en casa en cualquier espacio, recorre todos los lugares de la vida
moderna sin discriminación ninguna, pudiendo retratar todo sin que afecte a la visión de
la sociedad sobre él, un ejemplo en la camarera de cerveza de Manet. Escenas en las que
la mujer no podía ir, de hecho, estas mujeres ni siquiera podían pedirle a una amiga que
posara desnuda, ir solas al parque, etc; todo esto limita su mirada y que respondan a esa
mirada del artista moderno. Por lo tanto, mirada limitada que limita la temática, de echo,
nos encontramos a historiadoras del arte, pioneras del feminista, que reivindica cambiar
los temas impresionistas para incluir estos temas domésticos.

También, en realidad, estos temas ya están en buena

medida en el arte, no tan femeninos, como por
ejemplo la toilette, la diferencia es que la mirada es
masculina el baño turco, mujeres de argel, etc. Vemos
la temática de la intimidad de las mujeres, estando
desde siempre peor como ‘proyección de las fantasías
masculinas. Incluso en Degas, que enlaza con la
escena de Morisot. Incluso con Manet en la Nana
vemos a esa temática doméstica, señora viéndose en
el espejo y un señor mirándola, ella es una prostituta.
Los motivos están, pero cambia el punto de vista.

Parece que Morisot al tener una visión íntima con tiene una pintura innovadora. Prejuicio
de la mirada femenina sobre temas que ya están, hasta el punto de que también en distintos
cuadros como el comedor o la hija del artista, Julie con su Nanny, vemos otro tema,
intimidad privada pero también otro tema que ya hemos visto, el trabajo, se tratan de
cuadro donde representan a mujeres trabajando, tema
característico de la primera mitad del siglo XIX en
Francia, pero de nuevo lo que falla es la mirada y la
aceptación de que esto también son trabajos. Todas
estas mujeres trabajan para mujeres, para la propia
pintora, cuestión muy importante que se encuentra en
autoras que están reivindicando el trabajo.

26
 2.4Monet: la serie de Monet

Almiares, efecto de nieve, mañana: interesa la representación de los cambios lumínicos

que generan las distintas épocas de año, interés del impresionista por la fugacidad, visión
y color. Cuadro que más del motivo importa la época del año.

Volviendo a los años 70, vive en Paris y expone con los impresionistas, estación de san
Lázaro es un cuadro donde se enlaza con la pintura impresionismo. No pinta una serie en
sí, pero cuadros del mismo tipo, interés por captar la fugacidad de los efectos de luz y ese
humo que afecta a la luz. Mejor hacer muchos cuadros del mismo motivo, pensamiento
típico de impresionismo. Los cuadros de la estación de San Lázaro no es una serie.

En los 80 pasamos a viajar por el mundo para

representar distintos tipos de cuadros y otro
tipo de luces, le fascina la luz del
Mediterráneo, Holanda para ver esa
floración, distintos momentos de la
naturaleza como vemos en el deshielo en
Vetheuil, misma instancia pictórica.

Su primera serie es de los 90, dedicado al estudio y representación de los almiares, con
distintos subtítulos como final de verano, invierno, etc distintos momentos del año y de
día, distintas condiciones atmosféricas y de luces que genera distintas visiones. Las
formas incluso parecen disolverse, en el de sol de la neblina tonalidades amarillas y
violetas, mientras que en el efecto niel, mañana vemos azules con distintos tonos o los
almiares que cogen tonos amarillos, beige, dorado, estudio de colores y complementarios.

27
Llegamos al cuadro de los cuatro árboles que nos ayuda a entender la conexión estas
series con el nacimiento de la abstracción. Cuando lo vemos en la sal realmente
apreciamos 4 lineas que generan un ritmo regular de paralelas que llegan hasta el fondo,
no tan lejos de otras cosas como el cuadro de Mondian. Vemos que la sombra de los
árboles son azul intenso, respondiendo a esas impresiones ópticas.

Otra serie es la de catedral de rouen, mismo encuadre es donde

el motivo pierda la importancia ya que se centra, el protagonismo
no es el monumento, sino esos colores que representan los
distintos efectos de la luz. Los colores van adquiriendo
autonomía, catedral que se ha convertido en una pantalla de
proyección de la luz. Títulos que nos lleva a esas armonías
cromáticas con las que están trabajando. Tableau elimina ese
título, donde cabe más el protagonismo en estos juegos
cromáticos y armonías.

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 3. Post-impresionismo: la búsqueda de nuevos caminos
No es un nombre que se dieran así mismo los propios artistas ni tampoco dado por la
crítica, sino que es un nombre que parece mucho después. Artistas que no se van a
agrupar, no se juntan ni organizan sociedad. Cada uno desarrolla distintas formas de pintar
que abren vías para las distintas formas de pintar del futuro, tendencias muy distintas
porque hacen búsquedas muy subjetivas. Todos ellos parten en cierto grado del
impresionismo y extreman su presupuesto en el sentido de extremar lo puramente
pictórico. En cuanto a la cronología, lo ubicamos entre el 1886 (última exposición
impresionista)-1905 donde comienza el cubismo.

3.1 Paul Cezánne:

Mas mayor de todos. Una Olimpia moderna, una granja en Anvers. Su pintura también
parte del impresionismo, sale al campo como ellos, lo que pasa es que muy pronto le da
un giro distinto que hace que no le consideremos
impresionista. En este cuadro vemos esa conexión
don el impresionismo con esa pincelada suelta, que
genera esa suerte de red visual, ese mundo de
movimiento luminoso, característica del
impresionismo y en algunos casos hierba, pintura de
sensaciones visuales, lumínicas y otras producidas
por el paisaje.

Dentro de esto aquí vemos algo que se diferencia del impresionismo, los motivos están
definidos, linealidad, geometría, solidez va ganado presencia en la pintura del autor,
cambiando con esa pintura luminosa característica del impresionismo. Estructura nuestra
visión del cuadro. De hecho, esos edificios laterales con esa línea potencia la solidez y
linealidad del edificio de detrás. Aquí tenemos esta tensión y dualidad, aparente
contradicción característica de Cezanne, precedente directo del cubismo. Esta dualidad
de la soltura, dinamismo y ese encajonamiento de la visión responde el deseo de volver
la solidez, esto lo comparte con el siguiente pinto.

29
Algo característico de estos pintores es el deseo
de volver a una cierta solidez en la pintura, pero
desde el impresionismo. Otra característica es la
tendencia de aplanar la imagen, de maneras muy
disentías, en este caso, ese efecto se produce
porque al estar nuestra visión encajonada por
esos edificios laterales que conectan con el de
atrás, los dos edificios de atrás conectan con los
dos de delante, lo que aplana la mirada e impide
que la mirada se vaya al fondo. Este venirse
hacia delante los vemos en otros cuadros de
distintos motivos.

Montaña de Sanite-Victorie visto en distintos momentos y ligares (3), enlazado con la

serie pero con una visión distinta, no hay búsqueda de la captación inmediata, no es
respuesta inmediata de la fugacidad de la visión, esa fugacidad se ha dilatado y congelado
en el tiempo, también da la sensación que el propio paisaje se ha ido solidificando,
sensación de cambio, pero a un ritmo mucho más lento. Juegos con la profundidad de una
manera bastante característica, elementos muy cercanos a muy lejanos, vista panorámica
en donde tenemos la visión marcada por los árboles, izquierda vemos el tronco, y derecha
ramas.

Esta vegetación nos está localizando, estamos en una colina donde vemos ese valle de
pinceladas cortas impresionistas, esta visión panorámica es como un muelle, va hacia al
fondo y vuelve ya que hay toda una serie de elementos que conectan los planos lejanos
con los cercanos, por ejemplo, las ramas del árbol que se junta con la montaña y las de
arriba. Misma densidad de las hojas con el cielo, se funden como si estuviera en el mismo
plano.

30
 En el segundo cuadro, el de la vista
desde Bellevue, aquí vemos esa
pincelada impresionista pero mucho
más definida, los arbustos adquieren
cierta solidez dentro de una
simplificación geométrica. Pincelada
corta que se ha solidificado, vemos esa
perdida de diferencia, todo genera
ambigüedad en la visión, sensación de
solidez, pero ambigua que también vemos el cuadro de cesto de manzanas y el azucarero.
Cafetera y plato de fruta. En el primero las manzanas están puestas extrañamente,
sensación de casi como si estuviera moviendo. En el azucarero sensación más ambigua,
esto se produce porque conviven en dos perspectivas distintas, estaría mal hecho desde el
punto de vista de renacimiento, vista frontal y otra aérea, un lado visto de frente y otro
desde arriba. El cesto perspectiva aérea muy marcada, los pliegues de las telas tienen una
consistencia extraña.

Cuatro bañistas, tres bañistas y las grandes bañistas: obras en las que él está trabajando
mucho tiempo, de forma casi obsesiva por lo que no responde a la inmediatez del
impresionismo. Conecta con la larga tradición de figuras desnudas, bañistas en el tiempo.
Vinculada a la temática mitológica como ninfas bañándose del contemporáneo
Bouguerau, escenas de un estilo académico que estos artistas se están enfrentado, a lo
erótico, posturas exhibicionistas,
vínculos aceptables que retorna a
las posturas de la suntuaria clásica,
venus grecorromana, de hecho, la
piel recuerda al material de la
estatuaria. Aquí hay una excusa
mitológica, el mundo de la
fantasía.

31
Frente a ello, en este dialogo nos encontramos con una resonancia de estas tradiciones,
escenas que tienen un contenido dramático, figura señala una dirección, la otra mira a la
espalda, aquí está pasando algo, pero no es una narración que podemos construir. No hay
elementos característicos de esta tradición con símbolos que nos ayuden a identificar este
personaje. Ese mundo de la tradición esta presenta y ausente.

En cuanto a la manera de representar, pincelada partida y corta del impresionismo que

aquí no responde a la inmediatez, sino que da lugar a escenas que parecen congeladas,
por otro lado, estas pinceladas tienen una función constructiva. En todos ellos parecen
esos árboles que ya hemos visto, que enlaza con la arquitectura de la primera obra, cuadra
la composición para centrarla y a través de esos troncos, recoger lo que está al fondo hacia
delante, sensación de que se nos viene encima.

En las grandes bañistas, la pincelada es menos rota y que esa construcción triangular se
ha potenciado todavía más, se crea un espacio triangular en esa tendencia de geometrizar
las composiciones. La anatomía de las figuras, las formas se han simplificado y
esquematizado. De nuevo ese juego entre las figuras y el fondo, los llenos y vacíos que
se unen y se cofunden como la parte superior derecha e izquierda, todo con la misma
cualidad pictórica, como si estuviera en el mismo cuadro. Esto es fundamental para
entender el cubismo.

3.2 Seurat (1859-1891)

Va a crear escuela como el puntillismo y sobretodo el divisionismo. Enlazando con la

búsqueda de Seurat, algo sólido y verdadero a la pintura, deseo de crear solidez a ese
sentido fugaz del impresionismo.

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Granjeras trabajando obra inicial donde no ha
desarrollado su estilo, pero vemos la manera de
apuntar. Para empezar, nos recuerda a las
espigadoras, influencia de Millet. Con respecto
a las espigadoras, es llamativo el componente
de la pobreza en la de Seurat no es relevante,
pero si en Van Gogh, esquematización de las
espigadoras.

Dos figuras que repiten la misma postura, casi como si fuera robots, generando ese ritmo
visual, esa curva de las espaldas, fundiéndose con los paisajes, también sometido a esa
geometrizacion a través de esas liena horizontales, que crea una composición
perfectamente ordenada. Las pinceladas son impresionistas, pero son mucho más
regulares que pintores como Morisot o Monet, no responden a esa inmediatez, sino que
están mucho más calculadas y medidas, nos da la pista de lo que va a ser su estilo llamado
divisionismo o puntillismo como Tarde de domingo en la Grande-Jatt. Esa pincelada se
ha convertido en puntos extremadamente regulares que racionaliza es amanera de pintar
impresionista. En su deseo de dar solidez lo que hace es una sistematización racional y
científica de estas maneras de pintar, la cuestión no es hacer puntos, sino porque, sirve
para dividir colores y luz en las representaciones de manera analítica, descomponer el
color y la perfección visual, calculando que cantidad de cada color poner en el cuadro.
Intenta introducir una previsibilidad, responde a esa fe en la ciencia y método racional de
la época. Trabajo mucho en estos tratados y creo sus tratados y métodos sistemáticos,
manera de pintar calculada y cronologías amplias.

Cuadros como el baño o incluso el anterior, son obras de gran tamaño, vuelve a esos
lienzos grandes para intentar reconectar a la tradición de David, Ingres, cuadros grandes
basado en los criterios de composición. Composición de cuadro a través de un estudio
cuidado de proporciones, con bocetos.

En el cuadro tenemos tema característico de esta pintura, relacionado con el ocio

moderno, baño de personas de la clase trabajadora en el Sena, al fondo trabajas
humeantes, vinculado con el tema de trabajo. El planteamiento que le da es muy clasicista
e hizo que un contemporáneo dijo que era un falso de Puvis de Chavannes como Cmassila.
Colonia griega, cuadro que enlaza con ese mundo de visiones del mundo clásico y arcaico,
edad de oro en donde había un equilibro entre humano y naturaleza, comparación
33
interesante ya que en el cuadro también hay esa búsqueda de armonía y equilibrio,
evocación de la edad de oro presente en el otro cuadro que veremos más adelante. Enlaza
con la visión de ese lugar y creencia de que el avance tecnológico y método racional
permite llegar a ese mundo ideal.

Sensación de luz, característico del

impresionismo, y armonía que enlaza con esa edad de oro, búsqueda de clasicismo y la
creación temas vinculados con el mundo transitorio, llegar a esa visión más estable y
armoniosa en la compositivo y en la técnica, sensación de estabilidad. Clara perspectiva
von la línea del agua, figuras que se van disminuyendo de tamaño conforme se aleja y al
fondo incluso un sfumato, manera extraña ya que junto a esta espacialidad hay toda una
serie de recursos que genera sensación de aplanamiento y al fondo aparecen todo ese
velero blanco, nubes, torres barcas fuerte superficies luminosas de blanco que se conectan
con las de los primeros cuadros, dualidad que está presente, ese juego con el espacio.
Armonías visuales bien calculadas, la figura que llama la atención de alguna manera
conecta la superficie del agua con la orilla, su forma en la espalda se repite, formas curvas
que hemos visto en el primer cuadro.

El niño de la derecha parece que está emitiendo un sonido, que se va expandiendo en el

cuadro. Señor tumbado que se repite en otras figuras. Es un cuadro donde todo está
calculado para generar esa sensación armónica, arcaica casi que apreciamos en el cuadro
de la tarde de domingo.

Tarde de domingo en la Grande-Jatt: Es otra parte del Sena donde pasea las clases más
alta, burgueses que salen a pasear el domingo que, en una evolución del anterior, hacemos
escena más rígida, parecen maniquíes, influencia de estos maniquíes que influye a otros
artistas. En este caso, las figuras se han convertido en estos figurines, esquematizadas y
rígidas que van vestidas a las modas de la época. Todas esas formas curvilíneas que se

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repiten por todo el cuadro, aquí estas más presentes que en el otro c cuadro y lo construye,
lo que potencia la sensación de una escena como si viéramos robots.

Esa rigidez de las figuras geometrizadas hay que relacionarlo con esa pintura mecanicista
que nos puede recordar la escalera de Leger, dos figuras autómatas construidas por
módulos que salvando las distancia enlaza con ese mundo. Aquí vemos como los puntos,
esa tensión de los colores y la luz se han extremado, mas
divisionistas y analíticos, casi pinta como una máquina,
calculando la cantidad de puntos, cuanta proporción de
color, etc. Crea dibujos cuidados para estudiar cómo
debe colocarlo todo. Aquí además de esa técnica, esos
supuestos geometrizantes están todavía más
sistematizados, más rígidos, formas simplificadas
geométricas con toda una serie de aspectos que le lleva
a trabajar como propuesto.

Líneas verticales contrastan con las horizontales de la sombra, solo los animales y la línea
como movimiento. Figuras organizadas, toda la composición precisa, que no habla de esa
sensación de congelación.

La parade: salimos de este mundo luminoso para centrarnos en la noche, iluminada por
luz artificial. Este cuadro cuya temática es la parade, algo característico del circo de la
época, pequeña representación al exterior del circo para que publico, con la intención que
entren luego. Escena de ocio característica de la época congelada. Figura central y todas
las demás con una reducción geométrica donde las distintas partes se han convertido
conos, cilindros que resultan planos.

35
Toda la composición compuesta por líneas horizontales y verticales. Ritmo cuidado y
calculado que producen esa
sensación de congelación
absoluta salvo las figuras de la
parte inferior, de espaldas o
lateral con perfiles definidos que
presentan cierto movimiento, se
giran para hablar entre ellas,
figuras inspiradas en las
ilustraciones de prensa de la
época, que enlaza con el tema de
ocio cutral.

Planeamientos más evidentes en el circo o le chahut, relacionado con el cientifismo que

intenta aplicar a su pintura y el tratado de una estética científica. Tratado donde explica
los recursos pictóricos donde determinadas formas de trabajar consiguen esos proyectos,
la alegría, seguridad y tristeza se puede transmitir a través de recursos pictóricos que aquí
se sistematiza hasta el extremo, amarillo y naranja produje alegría, así como las líneas
verticales. Todo hecho a base de líneas, el cuadro trasmite dinamismo de la danza a través
de líneas diagonales, no solo las líneas de las bailarinas, sino todo el cuadro, líneas del
contrabajo, etc.

Evidentemente dentro de esta sistematización de la pintura finalmente nos da ese efecto

contrario y consigue congelar el movimiento. Además, aquí hay otra cuestión, estudio del
movimiento que enlaza con los estudios movimiento, con la cronofotografía, algo que
influirá en gran medida al futurismo, destinada a estudiar científicamente el movimiento,

36
influyo en que se supo como era el movimiento de un caballo al galope. Estos estudios
sirven para estudiar el movimiento desde un punto de vista científico.

Este autor murió muy joven pero creo escuela, uno de sus seguidores fue Signac, en el
retrato de M.Felix Feneon crítico de arte que bautizo de la pintura del pintor como neo
impresionista. El puerto en la puesta de sol o el pino de bertaud saint tropez, paisaje
luminoso con estilo distinto, pero siempre la descomposición de la pincelada en puntismo,
sirve para entender para que sirven descomponer los colores, como en las velas.

En el retrato de M. Félix el subtítulo esconde

cierta burla a los intentos de sistematizar todos los
recursos pictóricos, incluso de su propio maestro.
Vemos a este personaje, defensor de este tipo de
pinturas representado casi como mago, sobre un
fondo abstracto, espiral de formas y colores que
remiten a un mundo de simbología que más lleva
a la visión de pinturas simbolistas.

En este deseo de sistematizar, conecta con la poesía y pintura simbolista que veo los
distintos formas y colores esa simbología, enlaza con religiones y creencias ocultistas.
Figura realista y reconocible sobre un fondo abstracto, tensión hacia la abstracción, en el
momento en el que sistematizas estas ideas, lo que generas es una abstracción en la
composición, plasmadas en las figuras reconocibles que nos lleva al borde de
representaciones abstractas.

37
3.3 Van Gogh

Pintor holandés, de todos estos grandes artistas postimpresionistas es el más mítico, por
razones relacionadas con la tragedia de su vida. Responde a esa figura genio ignorado por
sus contemporáneos. Después de suicidarse despierta interés e influye en los artistas de
vanguardia, en parte porque su pintura es increíble y por su componente trágico. Proviene
de familia protestante, relevante para su obra.

Dos campesinos recolectando patatas: cierta espiritual y sentido evangélico que nunca va
a desaparecer, tuvo la propia vocación de ser pastor, este cuadro estos pintados como los
comedores de patadas este pintado en Bélgica, región minera a la que se fue para cumplir
misión evangélica. Sentido evangélico que le lleva a interesarse a esos temas de pobreza.
Las dos campesinas conectan con las espigadoras, pero de manera diferente, no es
luminosa, no hay esquematización, hay una pintura oscura y más dramática y más intensa.

Para que entendamos esta intensidad característica, tenemos el cuadro de los vendedores
de yeso de Frederic, aristócrata preocupado por la pobreza desde unos ideales de fe que
lleva a una representación distinta, por ejemplo, es un tríptico que enlaza con la tradición
cristiana, lleva a un calvario moderno de gente pobre que en el panel de la izquierda salen

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por la mañana, en el del medio comen poco y mal y en la derecha al final del día vuelven
a sus casas descalzas, depuse de trabajar. Evidentemente aquí hay un dramatismo de un
carácter narrativo que además está representado con esas figuras muy marcadas en ese
primer plano, perspectiva angustiosa para generar compasión, de una manera en que
convierte la miseria en un relato épico.

EN el caso de Van Gogh no hay literatura, sin embargo, esa preocupación y ese
sentimiento cristianos se transmite a través de los recursos expresivo s de la pintura,
pinceladas suyas brillantes, casi toscas, una forma muy rudimentaria que contribuyen a
ensalzar esa sensación de trabajo y esfuerzo físico que son mucho más angulosas,
sensación de trabajo. Esto se mantiene en el cuadro de los peladores de patatas pintado
cerca de esta temática de pobreza y miseria, escena de interior, espacio que parece mina
por lo oscuro, pequeña luz en el centro. Rostros angulosos donde los largos y bocas. En
la propia actitud de las figuras, centrales pendientes de las otras, en gesto de repartir la
comida, laterales absortos, la cuestión aquí es de nuevo vemos esa combinación entre
representación de la pobreza y esos ideales cristianos, cuadro que a los contemporáneos
se está hablando de un sacramento, además.

En sus pinturas va de la impresión a la expresión. Latente en

cuadro como zapatos viejos (etapa previa al impresionismo,
motivo que consigue transmitir la sensación de pobreza, cansancio
y caminos recorridos), esto es atravesó de las pinceladas.

En el año 86 se fue a París y permaneció allí hasta el 87. Es relevante esta etapa ya que
en este momento Seurat presenta, en la última exposición impresionista, el cuadro de la
Grande-Jatte. Durante este tiempo, Van Gogh observa las tendencias pictóricas del
momento, absorbiendo la información y la técnica. En Interior de un restaurante imitará
a los artistas del momento en la pincelada fluida impresionista, pero a su vez y por
influencia de Seurat, una pincelada organizada y regular. Es una obra en perspectiva y
luminosa, donde no se ve al característico Van Gogh de su etapa madura, sino que se trata
de un cuadro de aprendizaje. Lo mismo ocurre con Huerto de Montmartre, un cuadro de
aprendizaje divisionista, pero con la peculiaridad de que ya introduce un elemento propio
de su obra: se simula que hay un imán al fondo que atrae al resto de elementos de la
composición.

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En El sembrador (1888), pintado con una técnica impresionista, combina la fractura suelta
y estudiada con el análisis de los colores. Así, el azul invade al sembrador y el sol es casi
de carácter simbólico. En esta obra Van Gogh busca la expresión a través de los recursos
pictóricos. Está presente también el juego espacial, pero es una espacialidad que se corta
de forma abrupta. De hecho, el camino y la disposición de los cultivos de fondo dan una
sensación de verticalidad. pintura tradicional, escenas de la vida del campo, temática que
los artistas visitaban continuamente.

Intensidad visual muy marcada, sol amarillo y campos azules, pincelada suelte
impresionista. Color complementario, que llevan las cosas una nota más allá donde ese
color azul más intenso que invade la figura del sembrador y ese amarillo, el sol, con esos
rayos y pinceladas que se convierte en un sol simbólico, situado en el centro que hace
parecer que fuera un cuadro religioso

En este año Van Gogh había abandonado París para trasladarse a la Provenza, un paisaje
que le servirá de inspiración para muchas de sus obras y que le recuerda a Japón, pues
una de sus inspiraciones es la estampa japonesa.

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La estampa japonesa es llamada ukiyo-e, es decir, “estampas del mundo flotante”,
intrascendente, con temática de lugares emblemáticos, geishas, samurais… Influyen
grandemente a Van Gogh en: colores planos, fondos neutros y abstractos, utilizar el
blanco de la hoja como fondo, construcción de perspectiva mediante la superposición de
planos cromáticos (en contraposición al estudio de perspectiva renacentista anterior),
sentido fragmentario y abstracto de sus obras.

Muestra de ello es el Retrato de Père Tanguy, una obra

en la que vemos elementos típicos japoneses: Monte
Fuji, flores… Van Gogh crea un fondo plano,
decorativo, mediante un “collage” de estampas
japonesas que reproducen obras del propio Van Gogh
(Ciruelo en flor, Flor de Almendro) (obras que no tienen
tampoco coherencia en la tradición japonesa, puesto que
son reinterpretaciones de Van Gogh, no copias de las
estampas).

Primero que puso a la venta cuadros de Van Gogh y donde vemos la pincelada
característica, vemos algo más, referencia a Japón, tenemos el monte fungi, una geisah o
un samurái, esto es interesante como documento de presencia de las estampas japonesas.
Aprenden a ese fondo plano, decorativo, parecido al
cuadro del crítico de arte. Representación de la
cortesana que no tiene coherencia de los típicos
europeos, tenemos varias visitas del monte fuji de
Katsushika, de serie del monte de distintos puntos de
vista.

Ciruelo en flor, inspirado en esas plantas, cita estos

gravados japonense a veces mucho y otras menos. La
cuestión del grabado japonés, es okillo, un término que
significa mundo flotando, son estampas más económicas
que se producen en grandes cantidades y remiten a esa temática
amena y ligera como pueden ser vistas de lugares pintorescos
como el monte fugi, lugares famosos que a la gente le gusta
coleccionar o escenas de samuráis, teatros, geishas, etc.

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 En algunos momentos también hay escenas sexuales,
pero en general esta va a ser la temática que va a ocurrir.
Llegan a Europa en el siglo XIX e influye en diversas
condiciones. Geisha de Keisai Eisen los colores son
planos, el fondo es neutro o abstracto no es un espacio de
presentación a la occidental. Otra cosa que vamos a ver
es la forma de representa elementos de la naturaleza,
expresiva, estilizada El otro recurso es utilizar el barco en
el fondo de la hoja, estilización de la naturaleza
capacidad de crear sensación espacial que no respe a la
construcción perspectiva occidental. Lo vemos en la estima de cerezo en flor,
superposición de lo que se ve detrás, da sensación de espacialidad. Esas formas de pintar
son las que adopta también van Gogh- lo vemos en los cuadros de sentido fragmentario,
fondo azul, planitud absoluta y en esas construcciones abstractas.

Autorretrato como bonzo (1888), es decir, como monje budista, en un recuerdo de la

estética orientalista. El arte se convierte en una nueva religión, proyectando así esa
religiosidad perdida en el siglo XIX a raíz de los discursos de Nietzsche. Por ese motivo,
Van Gogh intenta crear una comunidad de artistas en torno a su persona, siendo una
comunidad en cierto modo hasta religiosa. Pintado en Arlés.

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En Café de Noche (1888). La temática encaja con la vida moderna, al igual que su otra
obra Interior de un restaurante e incluso nos recuerda a los motivos de Monet o Degas.
Sin embargo, dota la composición de algo diferente: los personajes no aparecen retratados
en un primer plano, sino que aparecen alejados, a los lados.

Tema que enlaza con esta temática de la vida moderna, nocturna iluminada por luz
arterial. Muchas veces enlaza con Degas en la temática de personajes habituales en estos
espacios públicos, carácter diferente, las figuras no están rearada en primer plano,
laterales y el centro es un espacio vacío. Donde esa sensación de abatimiento es la
angustia psíquica del propio Van Gogh que lo proyecta en ese cuadro a través de eso
recursos, aprendidos de otro artista que él hace a su manera. Entorno a esa luz de gas
vemos esas pinceladas sueltas. Evidentemente tiene que ver con la luz, esas pinceladas
sueltas, aquí se va más allá, fuerte carga emocional.

Se potencia con esos colores planos, sombras y matices que generan contrastes y enlazan
con el estudio de los colores del momento, adquieren ese carácter expresivo. Quería
expresar sentimiento desgarrador de la vida contemporánea. Con este cuadro quiere
expresar café idea de volverse loco, con esos rojos y verde expresión de la intensidad
emocional de la humanidad, intensificada con otros recursos. En comparación con otros,
aquí la perspectiva se intensifica con esas tablas, creando sensación de visión marcada
hacia el fondo que genera esa intensidad. Camarero parece funcionario de presiones más
que un camarero. Curios ya que no pierde esa referencia al mundo concreto como el reloj
y los vasos y botellas cuantificables.

Pincelada suelta, luz de gas, fuerte carga emocional que se completa con unos colores
planos, sin sombras ni matices, que generan fuertes contrastes cargados de una fuerte
simbología (rojo-verde=sentimiento desgarrador de la vida contemporánea; quería
expresar con este cuadro que el café es un lugar donde uno puede volverse loco o incluso
matar a alguien). El entarimado del suelo crea esa sensación magnética que atrae al fondo
los elementos. El personaje de blanco, lánguido, recuerda más a un funcionario de
prisiones que a un camarero. Van Gogh conserva esa atención al detalle de las mesas,
cubiertos, etc. que estaba presente en la obra anterior.

Pincelada regular del divisionismo. Un espíritu que da cierta energía que recorre el cuadro
que se va intensificando en su pintura.

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Noche estrellada: el estado psíquico empeoreba. Vemos un poco lo mismo, estrellas y
cielo, reverberación con esa pincelad post impresionista, se crea entorno a las estrellas,
que irradian una energía mágica que da lugar a esas espirales que transmite esa energía
de Van Gogh, como si hibuero un campo magnético al que iba las pinceladas, se ha
intensificado mucho. Pintura muy pastosa, densidad material que nos recuerda a la ola de
Hokusai. También los vemos en el cuadro de los girasoles, la manera de que está pintado,
las pinceladas transmiten ese dramatismo impresionista, aquí nos fijamos que a muchos
se les ha ciado los pétalos, parece que nos habla de sensaciones complicadas de gesticular,
patasola amarillo en algunos pintan contorno, toda una expresividad.

Polilla calavera: capacidad de concentrar todas sus dotes pictóricas y emoción, enlaza con
el mudo de enlaza japonesas.

El retraso del doctor Gachet: últimos años antes de suicidarse, muy del entorno de los
impresionistas, consulta psiquiátrica porque tenía interés por determinados trastornos.
Van Gogh le retrata que al mismo tiempo representa retrato del autor, proyecta emociones
Gesto para la melancolía, ojos con expresión perdida y abatida, detalle de que es pelirrojo
como Van Gogh. Además, esta esa utilización del color, botones para los contornos de
los ojos, reverbera con ese fondo abstracto de líneas donde se reverbera el sentido curvo
de las líneas del cuerpo de él.

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3.4 Paul Gauguin:

Simbolismo termino amplia que no nace aquí, pero

encuentre en el uno de sus máximos exponentes.

Paisaje de la Martinica, represente el tópico del artista

salvaje como bárbaro que decide salirse de su sociedad
para irse a buscar paraísos perdidos sonde encontrar
humanidad más pura y originaria. Plantea problemas que
en el fondo vamos a ver mirada colonial sobre esos lugares
exóticos de la mirad ideal de la edad de oro.

También nos interesa en contraste con Seurat, rechazo a ese mundo tecnologizado que
deja fuera tantas cosas. Rechazo materialismo y progreso, manera que se mantiene en las
primeras vanguardias. Crecimiento entorno a sí mismo, estrategia para vender ese artista
salvaje que busca lugares primitivos y puros, idea que va a aparecer en esta época y en
las vanguardias idea compleja, sociedades premodernas. Unión con se complejo de
superioridad y paternalista a esas colonias. Punto en que decide abandonarlo todo y buscar
esos paraísos. Primero en Britania, región rural donde muchos parisinos se iban, luego al
caribe, Britania y luego a Tahití.

Paisaje Martinica aprendizajes de la pintura impresionista, interés por un paisaje donde

hay una ambigüedad de la visión, cosas características como hacer bloques de color. Y
ese tipo de colores que responde a esa vegetación tropical. Movimiento de sintetismo para
explicar que pretende con el tipo de pintura representación de lo no visible y transmitir
un mundo sintético, con el mundo profundo de emociones mas colectivas primitivas.
Estilo con el que no solo pretenden representar esa sencillez, pintura popular sencilla e
ingenua. Como se representa esa gente de campo.

En Émile Bernard Los cosechadores de alforfón vemos sintetismo. El término sintetismo

será después reemplazado por el de simbolismo. Con el sincretismo pretenden referirse a
un tipo de arte que va más allá de lo visible, y que hace una
síntesis entre lo visible y lo invisible. Se trata de pintar de
una manera simple, como si los cuadros estuvieran pintados
por personas sencillas, simulando el arte popular. Es un arte
donde los contornos de las figuras son muy gruesos, los
colores son planos y no hay sombreado.
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Este tipo de pintura se ve influenciado por el cloisonné bizantino y por las vidrieras. La
influencia la vemos en la planitud de los colores y en el emplomado negro que los separa.

Volviendo a la obra de Gauguin, en La visión después del sermón

(1888) vemos a la perfección este tipo de arte sintético. Arriba a la
derecha vemos la lucha entre Jacobo y el ángel (la visión), de
forma que nos están mostrando lo invisible. Encontramos dos
dimensiones distintas, lo visible y lo invisible.

Mujeres en la iglesia (Wilhelm Leibl). Nos muestra un mundo de la fe rústica/rural en el

siglo en el que Nietzsche había descrito la muerte de Dios.

Cristo amarillo No son cuadros que no están pintados desde la fe, sino desde una visión
de la fe. Tres mujeres le adoran, y estas son la representación de la fé del mundo rural. Se
le introduce en el cuadro como un elemento pintoresco. La línea del horizonte está muy
elevada, dando una sensación de composición plana.

Eva (1889). Se empiezan a desarrollar trabajos sobre el

subconsciente (trabajo de Freud). En este cuadro vemos el terror y la
culpa de Eva. Tras ella la serpiente, saliendo del árbol. La
expresividad nos recuerda a El grito de Munch. Sin embargo, lo que
le influye sobre todo es una momia peruana del museo de París que
él había visitado y que le sirve para reflejar el terror primigenio.

Retrato de Jean Moréas, Soyez Symboliste. Este hombre sería el escritor

del manifiesto simbolista. Explica la idea del simbolismo: dice que este
no trata de subjetivar lo objetivo (lo que hacían los realistas), sino de
objetivar lo subjetivo.

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Ia Orana Maria (Ave María), 1891. Sincretismo religioso que nace de fundir los distintos
mitos, considerando que tienen un fondo psíquico común. En este cuadro vemos en primer
plano a la derecha a la virgen con el niño, y al fondo, en esa representación entre lo visible
y lo invisible, al ángel fundido entre los elementos de la naturaleza exótica. En primer
plano vemos un bodegón de frutas como símbolo de las ofrendas que se hacían a los
dioses de la Polinesia.

Este sincretismo combina distintas referencias: mezcla el mundo polinésico exótico, con
la tradición cristiana y con una tradición de adoradoras budistas. Esto lo vemos en un
ejemplo de otro artista, Paul Ranson, en su obra Cristo y Buda donde vemos un clarísimo
ejemplo de sincretismo. En la parte superior izquierda hay un cristo amarillo que está
siendo adorado por toda una serie de adoradores budistas. Las flores de loto representan
el hinduismo, y hay también una frase escrita en árabe, en este intento de unificar en una
obra distintas religiones universales.

El espíritu de los muertos 1892. Describe una escena donde muestra el miedo ancestral
de los polinesios a los tupapau. Son los espíritus de la muerte, o de la noche, que salen de
la laguna o del bosque cuando cae la noche para agarrarse a la espalda de los
desprevenidos y llevárselos. Gauguin explica dos sentidos: o ella piensa en el espectro o
el espectro piensa en ella.

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Nafea Faaipoipo ¿Cuándo te casas? Pintado en 1892 durante su primera estancia en
Tahití. Dos figuras centrales absorben la atención sentadas en el suelo sobre un fondo
simplificado con colores planos y vivos. Son dos mujeres tahitianas situadas en diferentes
planos. El fondo es de diferentes planos de colores vivos e intensos que sugieren el
paisaje luminoso tropical. Desde el verde oscuro de la hierba del primer plano, el prado
dorado central y el azul lejano de las montañas. La composición tiene una influencia de
las estampas japonesas.

Dos mujeres tahitianas (1899), Mujeres a la orilla del mar (). Al final de su vida volverá
a un mayor clasicismo (más sombreado, rasgos más occidentales, etc.), Aita tamari vahine
Judith te parar.

Cuentos bárbaros (1902) un cuadro de final de su vida donde vemos ese elemento
inquietante referente a la culpa. Está pintado con la técnica del cloisonismo.

Paul Gauguin fue un pintor con importantes influencias sobre la pintura posterior. De
vocación tardía sus primeras obras eran de un impresionismo «atenuado», que pronto
sintió la necesidad de superar. El personal camino que siguió para dar cauce a su
necesidad de expresión le llevó a elaborar lo que él llamaba «simbolismo sintético»,
caracterizado, desde el punto de vista formal, por:

-La simplificación de formas, combinada con grandes superficies de color plano.

-Un uso no convencional y simbólico del color, que utilizaba en sus tonos más brillantes
y puros

-Uso de la composición influido por un fuerte sentido ornamental.

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