LABORATORIO DE VOLUMEN

PARCIAL

Isabel de Unamuno Espuela

MOTHER RUPTURE.

Mother rupture, 2023. Metal con spray.

Mi obra llamada “Mother rupture” quiere expresar la idea de que con el paso
del tiempo la necesidad de los humanos de utilizar la naturaleza, ya sea por
alimento o para sostenerse, ha hecho que creáramos una idea de posesión
sobre esta naturaleza, la idea de que por que necesitemos algo para sobrevivir
es nuestro, y no que tenemos que mantenerlo y cuidarlo si no que tenemos el
derecho de explotarlo y destruirlo.

La obra en sí es la representación de la cabeza y busto de una mujer,

representando a la madre tierra, de ahí el nombre, la mujer está saliendo del
tronco como es mucha veces representada la diosa de la naturaleza, pero en
vez de estar hecha de plantas y rodeada de animales, está hecha de hierro en
un tronco muerto, para que se vea esta destrucción y alejamiento de nuestra
ideas de cuidar.

Está pintando de blanco para que llame más la atención, ya que el metal suele
desaparecer en la naturaleza, también podría haber utilizado amarillo y rojo,
pero el color blanco me parecía el más industrial y el que mejor representaba
la idea.

El proceso de la creación de la escultura fueron pruebas, con diferentes tipos

de metal para ver cuál se veía mejor, decidí elegir uno más gordo para que se
viera mejor, intente hacer la forma de la cabeza desde cero, pero no quedaba
tan simétrica como quería, intente utilizar mi cara, pero era complicado hacerlo
con un espejo, así que mi tía se ofreció voluntaria para que la utilizara a ella
como referencia.

Mi primer plan era que la cabeza tuviera mucho más metal y que no se viera
casi a través, pero me costó más de lo que pensaba y no tuve tiempo de
hacerlo, intente añadirle más cuerdas en clase pero al no estar pintadas se
pierden mucho.
En el caso de que decidiera mejorarlo, intentaría añadir más cuerdas pintadas,
y más importante crear un busto de mujer, algo que me recomendó una de
mis compañeras, y más tiras de metal clavadas en el tronco para que de
verdad parecía que está saliendo de la naturaleza muerta.

REFLEXIÓN TEÓRICA.

“Objeto específico” es considerado una obra de arte sin significado, estas

estructuras geométricas causo que estos escultores minimalistas fueran
herederos de la tradición cubista, neoplasticista y constructivista. El
minimalismo rechaza cualquier principio de equilibrio compositivo y es
considerado la última expresión del formalismo. Los minimalistas consideraban
lo mismo a la innovador con lo extravagante y buscaban cosas estéticamente
extrañas.
Las situaciones ambientales llevadas a cabo por los minimalistas se podrían
considerar las primeras experiencias del arte “environment”.
La abstracción excéntrica era un arte de esculturas primarias partiendo de lo
minimal, reivindicaba la reconciliación de efectos formales diferentes y
pretendía una ausencia de interferencias emocionales.
Los artistas a mediados de los años sesenta iban más allá del arte minimal
mezclando el exotismo y surrealidad. Se adentraban en el mundo de la
experimentación buscando las formas en lo recóndito y lo interior.

Eva Hesse era una artista cuyas obras variaban entre el expresionismo
abstracto y las enseñanzas de su maestro. La artista inició una tensión con el
minimalismo emergente que solucionó implicándose en un arte más cercano a
la experiencia, una materialización del gesto, esta artista estuvo muy presente
en la mi obra sobre el minimalismo “industrialización”, en donde seguí su idea
de lo geométrico no genera el orden y la mezcla entre estable e inestable,
creando una serie de cubos geométricos repartidos de forma no ordenada
sobre el espacio.
El artista Robert Morris se fijaba más en la capacidad del material utilizado que
en la obra en sí, algo que se podría unir con mi obra de la caja de los
corazones “sin título” centrándome más en la capacidad de el metal que en la
obra en sí.
FOTOS
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