Vincent Van Gogh

Vincent van Gogh
pintor neerlandés (1853-1890)
Vincent Willem van Gogh (pronunciado

[ˈvɪnsɛnt fɑŋ'ɣɔx] ⓘ; Zundert, 30 de
marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, 29 de julio
de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de
los principales exponentes del
postimpresionismo.[1]
Pintó unos 800 cuadros (entre ellos 43

autorretratos y 148 acuarelas) y realizó
más de 1600 dibujos. Una figura central en
su vida fue su
Vincent van Gogh
hermano menor
Theo, marchante de
arte en París, quien
le prestó apoyo
financiero de
manera continua y Autorretrato (1887)
desinteresada. La Información
gran amistad entre personal
ellos está Nombre Vincent

de Willem
documentada en las Van
nacimie
numerosas cartas nto Gogh
que se Nacimie 30 de
intercambiaron nto marzo
de 1853
desde agosto de Zundert
1872. De las 800
cartas que se (Países
Bajos)
conservan del
Fallecimi 29 de
pintor, unas 650 julio de
ento
fueron para Theo; 1890 (37
años)
las otras son
Auvers-
correspondencia sur-Oise
con amigos y (Francia)
familiares.[2] Causa Herida

de por arma
muerte de fuego
Desde joven tuvo
Sepult Cementerio
inclinación hacia el
ura de Auvers-
dibujo. Su primer sur-Oise
trabajo fue en una Nacio Neerlandesa
galería de arte. Más nalida
d
tarde se convirtió en
Características
pastor protestante y
físicas
en 1879, a la edad Cabello Pelirrojo
de veintiséis años, Familia
se marchó como Padres Theodorus

van Gogh
misionero a una
Anna
región minera de Cornelia
Bélgica, donde Carbentus
comenzó a dibujar a Pareja Sien

Margot
la gente de la
Begemann
comunidad local. En
Educación
1885 pintó su
Educa Academia
primera gran obra,el do en Real de
retrato de Ale Raya y Bellas
Artes de
Lucas, Los Bruselas
comedores de Real
patatas. En ese Academia
de Bellas
momento su paleta
se componía Artes de
Amberes
principalmente de
Alumno Anton
tonos sombríos y Mauve
de
terrosos. La luz y la
Información
preferencia por los profesional
colores vivos por la Ocupa Pintor,
que es conocido ción ilustrador
botánico,
surgió dibujante,
posteriormente, grabador,
dibujante
cuando se trasladó
arquitectónic
al sur de Francia, aguafuertista
consiguiendo su litógrafo y
artista gráfic
plenitud durante su
Área Pintura
estancia en Arlés en
Emplea Goupil &
1888. dor Cie (1869-
1873)
La calidad de su Movim Posimpresio
iento
obra fue reconocida
solo después de su Géner Pintura del
os paisaje,
muerte, en una bodegón,
exposición retrato,
paisaje
retrospectiva en urbano,
1890, vista
interior,
considerándose en
autorretrato
la actualidad uno de y arte
los grandes cristiano
maestros de la Artistas Anton

relacion Mauve,
historia de la Paul
ados
pintura. Influyó Gauguin
grandemente en el Firma
arte del siglo xx,

especialmente entre los expresionistas
alemanes y los fauvistas como Matisse,
Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.[3] [4]

Falleció a los treinta y siete años de edad
por una herida de bala; aún no se sabe con
seguridad si fue un suicidio o un homicidio
involuntario. A pesar de que existe una
tendencia general a especular que su
enfermedad mental influyese en su
pintura, el crítico de arte Robert Hughes
cree que las obras del artista están
ejecutadas bajo un completo control; de
hecho, el pintor nunca trabajó en los
periodos en los que estaba enfermo.[5]
Biografía
La familia de Vincent van Gogh:

Arriba: sus padres Theodorus y Anna
Cornelia.
Abajo, de izquierda a derecha: Vincent
Willem, Anna Cornelia, Theo,
Elisabetha Huberta, Wilhelmina
Jacoba y Cornelius Vincent.
Nació el 30 de marzo de 1853. Hijo de un

austero y humilde pastor protestante
neerlandés llamado Theodorus y de su
mujer Anna Cornelia, Vincent recibió el
mismo nombre que le habían puesto a un
hermano que nació muerto exactamente
un año antes. El 1 de mayo de 1857 nació
su hermano Theo y ambos tuvieron cuatro
hermanos más: Cornelius Vincent,
Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y
Wilhelmina Jacoba.
Durante la infancia acudió a la escuela de

manera discontinua e irregular, pues sus
padres le enviaron a diferentes internados.
El primero de ellos en Zevenbergen en
1864, donde estudió francés y alemán.[6]
Dos años después se matriculó en la
escuela secundaria HBS Koning Willem II
(Tilburg) viviendo con la familia Hannik en
la calle Sint Annaplein 18-19 y permaneció
allí hasta que dejó los estudios de manera
definitiva a los quince años.[7] Por
entonces comenzó su afición por la
pintura.
Sobre su infancia, Vincent van Gogh
comentó: «Mi juventud fue triste, fría y
estéril».[8]
Primeros trabajos
Marchante de arte
El hermano de Vincent van Gogh,

Theo, hasta hace poco asociada al
primero,[9] en 1866.
Acequia (1872-73), dibujo juvenil de
Van Gogh (La Haya).
Desde muy joven mostró un carácter difícil

y un temperamento fuerte. Tras abandonar
los estudios y después de un año en
Zundert, van Gogh empezó a trabajar en
1869, a la edad de 16 años, como aprendiz
en Goupil & Co. (más tarde Boussod &
Valadon), una importante compañía
internacional de comercio de arte de La
Haya de la que su tío Vincent fue socio.[10]
Se adaptó bastante bien a esta nueva vida,
llegando a escribir:
Es un negocio
maravilloso. Cuanto
más tiempo se trabaja
en él más ambicioso se
vuelve uno.
Cuatro años después fue trasladado a

Londres para suministrar obras de arte a
los comercios del lugar y fue allí donde
tuvo un primer contacto con Eugenia, hija
de Úrsula Loyer, patrona de la pensión
donde se hospedó. Se enamoró de ella,
pero la chica estaba comprometida y lo
rechazó.[11] En 1874, un año después de
su estancia en Londres, pasó las
vacaciones en familia en Helvoirt y
confesó su malestar por Eugenia. Vivió
aislado, leyendo libros religiosos y
perdiendo el interés por su trabajo.[6]
En mayo de 1875 fue destinado a París,

donde creció su amor por el arte. En una
exposición de dibujos de Jean-François
Millet comentó:
Cuando entré en la sala

del hotel Drouot, donde
estaban expuestos, sentí
alguna cosa como:
descálzate porque el
suelo que pisas es
sagrado.[12]
El 10 de enero de 1878, en una carta

dirigida a su hermano Theo, comunicó que
había sido despedido de la galería de arte
y que tendría que irse el 1 de abril.[13] El
despido fue debido a que interponía sus
gustos personales sobre las ventas que
debía hacer. Sin embargo, en Boussod &
Valadon se quedó su hermano Theo,
cuatro años menor que él, que trabajaría
allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya
abnegación nunca hubiera sido posible la
corta e intensa carrera artística de su
hermano mayor. Su familia le propuso que
abriera él mismo una galería, donde podría
ofrecer la clase de pintura que él
escogiera. Rechazó la idea y más tarde
insistió a su hermano, también marchante
de arte, para que dejase su trabajo ya que
«el comercio de arte era una farsa».[14]
Religión
A finales de marzo de 1876 regresó a

Inglaterra, donde permaneció dos años.
Por aquel tiempo, Van Gogh aumentó su
fanatismo religioso. Le entusiasmaba la
lectura de la Biblia, y La imitación de Cristo
de Tomás de Kempis. Después de estar un
tiempo como maestro auxiliar en
Ramsgate, empezó a trabajar en Isleworth
como ayudante del predicador metodista
Jones, donde llegó a subir al púlpito de la
iglesia y leer un sermón que se había
preparado escrupulosamente. Sobre este
primer sermón existe una copia que envió
a su hermano Theo con frases como:
Cuando me encontraba
en el púlpito, me sentía
como quien desde una
oscura cueva
subterránea vuelve a
salir a la plena luz, y es
maravilloso pensar que,
desde ahora, predicaré
el Evangelio por todo el
mundo.
Pasó unos seis meses en Dordrecht como

empleado de una librería, y en mayo de
1877 se trasladó a Ámsterdam donde
quiso hacerse teólogo. Tuvo que desistir y
también abandonar sus deseos de entrar
en una escuela metodista. Fue rechazado
por no saber ni latín, ni griego, y su
dificultad para hablar en público, aunque
realmente el motivo era su falta de
subordinación. Cada vez le era más difícil
adaptarse a un cierto orden y someterse a
alguien que le dirigiese.[15]
En 1879, quizás por su profundo fervor, fue
enviado como misionero a la región de
Mons, a las minas de Borinage, en Bélgica,
donde en condiciones extremadamente
duras realizó durante veintidós meses un
trabajo evangelizador entre los mineros de
la zona. Pero con su fanatismo lo que
conseguía era que le llegaran a temer.
Dormía en una pequeña barraca y su
estado se degradaba cada día más.
Además, repartía entre los pobres lo poco
que tenía. Decía que estaba obligado a
creer en Dios para poder soportar tantas
desgracias. Sus superiores decidieron
entonces enviarle a Cuesmes,
permaneciendo un año completo en una
absoluta pobreza y en contacto con los
mineros, por los que sentía una gran
simpatía:
Los carboneros y los

tejedores siguen
constituyendo una raza
aparte de los demás
trabajadores y
artesanos y siento por
ellos una gran simpatía
y me sentiría feliz si un
día pudiera dibujarlos,
de modo que estos tipos
todavía inéditos o casi
inéditos fuesen sacados
a luz.[16]
Después se le suprimió el pequeño sueldo
que recibía. Ante todo esto, siguió los
consejos de su hermano Theo, del que ya
estaba recibiendo ayuda económica, y
decidió dar un cambio a su vida y
dedicarse a la pintura.[17]
Pintura: aprendizaje
Dibujo El sembrador (1881),

Museo Van Gogh.
Establecido en 1880 en Bruselas hizo

amistad con el pintor neerlandés Anthon
van Rappard. Se inscribió en la Academia
de Bellas Artes donde estudió dibujo y
perspectiva. En esta época realizó
esbozos y dibujos basados en las pinturas
de Jean-François Millet, representando
campesinos y mineros, modelos de la vida
cotidiana, y pintándolos muy realistas y
con tonalidades oscuras.[18]
Etten
El 12 de abril de 1881 Vincent llegó a Etten

a visitar a su hermano. Durante este
período va a casa de su primo, el pintor
Anton Mauve, y donde vuelve a
enamorarse, esta vez de una de sus
primas Cornelia Adriana Vos-Stricker
(Kee), que acababa de enviudar, a la que
propuso rápidamente matrimonio, la
respuesta de Kee fue: «No, jamás,
jamás».[19] A pesar de esta negativa,
insistió mediante cartas que la viuda no
contestaba, además de negarse a verlo.
Vincent insistió con los padres de ella, fue
a su casa a intentar verla de nuevo, los
familiares le llegaron a decir que su
insistencia era «asquerosa». En diciembre
de 1881, escribió a su hermano, le contó la
historia y las disputas con su padre:[20]
Pero como puedes ver,

estoy nuevamente en La
Haya; por Navidad tuve
una disputa bastante
grave con nuestro
padre, que llegó al
extremo de decirme que
sería mejor que
abandonase la casa. Lo
dijo tan enérgico que me
fui aquel mismo día.
La Haya
Dibujos en La Haya
Niña
Pena (1882). de
Posiblemente rodillas
la modelo fue delante
Clasina María de una
"Sien". cuna
(1883).
En La Haya, su primo Antón, pintor de
acuarelas, le aconsejó e insistió en la
importancia de que aprendiese
perspectiva y dibujo. Vincent hizo
entonces sus primeras acuarelas y
naturalezas muertas, utilizando tonos
apagados, como se ve en las acuarelas:
Los pobres y el dinero (1882) y Naturaleza
muerta con col y zuecos (1881).
Mientras, su vida amorosa tomó un nuevo

rumbo. Desesperado tras el rechazo de su
prima Kee, o quizá por compasión, Vincent
recogió de la calle a Clasina María Hoornik
(Sien), una prostituta alcohólica,
embarazada y con una hija, con la que
vivió durante un año; tanto la madre como
la hija le sirvieron de modelo. En el dibujo
Dolor, en el margen inferior, citó las
palabras de Jules Michelet del tratado La
Femme (1860): «¿Cómo es que hay en la
tierra una sola mujer?» Sien, por la falta de
recursos económicos, había vuelto a
ejercer la prostitución y esto, unido a la
gran presión que padecía Van Gogh por
parte de su padre, de su hermano Theo y
su primo Mauve (con quien llegaría a
discutir y romper su amistad), hizo que
este intento de vida familiar también
fracasara.[21]
Concluida esta relación con Sien, se
trasladó a Drente, al norte de los Países
Bajos, donde permaneció durante tres
meses y pintó temas paisajistas en pintura
al óleo, en los que se puede apreciar la
diferencia con los dibujos realizados
anteriormente. Como quería plasmar
todos los detalles, realizó los óleos con
trazos gruesos y pinceladas espesas. Esta
temporada sintió más que nunca la
soledad; en las cartas dirigidas a su
hermano, le insistía en que abandonara su
trabajo de marchante y siguiese el camino
de la pintura. En diciembre de 1883
regresó nuevamente a la casa paterna,
esta vez en Nuenen, donde el padre había
sido trasladado.[22]
Nuenen
El tejedor en el telar (1884), 70 × 85

cm.
En Nuenen fue bien recibido por su familia,

que le acondicionó una habitación como
taller, donde realizó obras como Jardín
rectoral en Nuenen en primavera. En este
periodo se dedicó a dibujar y pintar el
trabajo en los telares. Coincidió con un
amigo suyo, Anthon van Rappard, al que
había conocido en Bruselas y que había
venido a pasar unos días en Nuenen. Los
dos juntos estudiaron y pintaron a los
tejedores rurales. En estas obras, Van
Gogh no consiguió la misma técnica que
su amigo, pero este le sirvió de
ejemplo.[23]
La pintura El tejedor en el telar, de mayo de

1884, expresa la dureza y el esfuerzo de
este oficio, pero también la dignidad del
personaje. Aquí Van Gogh demuestra la
solidaridad y su identificación con el
protagonista, intentando representar el
ideal de una sociedad libre de la
industrialización y hace una alabanza al
trabajo artesanal. La composición de esta
pintura consigue el efecto de enmarcar al
tejedor en el mecanismo del telar, dentro
de un enrejado horizontal y vertical que
parece integrar al personaje hasta
conseguir que llegue a formar parte de la
máquina. La claridad del fondo de la
pintura hace resaltar todo el dibujo.[24]
En el otoño de 1884, se enamoró de nuevo,

ahora de la hija de un vecino, Margot
Begemann, diez años mayor que Vincent,
que le acompañaba en sus salidas
pictóricas por el campo. Pensaron en
contraer matrimonio, pero se encontraron
con la firme oposición de la familia de
Margot, quien llegó a intentar suicidarse.
Poco después, el 26 de marzo de 1885,
muere repentinamente el padre de
Vincent. Las disputas por la herencia entre
su madre y sus hermanas hicieron que se
marchase de su casa para irse a vivir a un
lugar más amplio que le ofreció un
sacristán de la Iglesia católica; en su
familia, que eran protestantes, este hecho
fue considerado como una ofensa.[25]
Los comedores de patatas (1885),

pintura al óleo, 82 × 114 cm. Museo
van Gogh, Ámsterdam.
Durante la primavera de 1885 pintó la que
se considera una de sus grandes obras
tempranas: Los comedores de patatas.
Hasta entonces sus esfuerzos se habían
centrado siempre en la representación de
una figura, pero en esta obra se encontró
con la dificultad de tener que coordinar
cinco personajes y conseguir
relacionarlos. Para realizar esta pintura
contrató modelos, y realizó diversos
esbozos de dibujos de las figuras y
estudios sobre detalles, con las manos
sujetando el tenedor, la taza o la tetera.
Los colores empleados de tonos terrosos
no contribuyeron a una fusión armoniosa
con el fondo.[26]
En una de sus cartas[27] expresó:
(...) He querido
dedicarme
conscientemente a
expresar la idea de que
esa gente que, bajo la
lámpara, come sus
patatas con las manos
que meten en el plato,
ha trabajado también la
tierra, y que mi cuadro
exalta, pues, el trabajo
manual y el alimento
que ellos mismos se han
ganado tan
honestamente (...).
Con ayuda de Theo se imprimieron veinte
litografías de Los comedores de patatas,
que la gente de los alrededores pudo
comprar a precios asequibles.[28]
En un solo día trasladó directamente en la

piedra, de memoria y sin dibujos previos,
la imagen de Los campesinos comiendo
patatas (obviamente, en la impresión en
papel las figuras están invertidas). De las
veinte litografías, Juliana Montford ha
logrado localizar ocho, entre las que se
encuentra la del Museo Thyssen-
Bornemisza.
Campesinos comiendo patatas (1885).
Litografía sobre papel Japón; museo
Thyssen-Bornemisza.
Esta pintura provocó la ruptura con su

amigo Rappard, ya que el hipersensible y
vulnerable Van Gogh no aceptó sus
comentarios. Rappard le hizo esta crítica
basada en una de las 20 litografías:
Estarás de acuerdo
conmigo en que este
trabajo no se puede
tomar seriamente. Por
fortuna eres capaz de
mucho más. Pero, ¿por
qué todo lo observas y
lo tratas
superficialmente, de la
misma manera? ¿por
qué no estudias
minuciosamente los
movimientos? En este
cuadro los personajes
posan. La mano de la
mujer del fondo...¡qué
poco real! ¿Y qué
relación hay entre la
cafetera, la mesa y la
mano que toca el asa?
¿Qué función hace esta
cafetera? No se
mantiene, tampoco la
sujetan, entonces, ¿qué?
¿Y por qué el hombre de
la derecha no tiene
rodillas, ni vientre, ni
pulmones? ¿O quizá los
tiene en la espalda?
¿Por qué a su brazo le
falta un metro de largo,
por qué le falta la mitad
de la nariz? ¿Por qué la
mujer de la izquierda
tiene por nariz un
mango de pipa acabada
en un dado? ¿Y aún te
atreves, con esta forma
de trabajar, citar a
Millet y a Breton? El
arte es demasiado
elevado para poderlo
tratar con tanta
negligencia.[29]
Hay que aclarar que la dureza de la crítica

por parte de van Rappard se debía
también al propio enfado que este tenía
con Van Gogh, por el hecho de no haber
tenido noticia directa de la muerte
repentina del padre de Vincent. Al principio
de esta misma carta se quejaba Rappard,
ofendido de haber recibido una simple
nota a pesar de su amistad: «¿Pensaste
que tenía tan poco interés en tu padre y tu
familia?»[30] A la vista de esta pintura en
París, Camille Pissarro quedó
profundamente impresionado por la fuerza
expresiva del cuadro. También Émile
Bernard escribió en un artículo:
Me quedé
desconcertado, en esta
confusión, por la
comida de los pobres en
una barraca inquietante
bajo una mísera luz. Era
grandioso en su fealdad
y estaba lleno de una
vida inquietante.
Naturaleza muerta con Biblia (1885),
65 × 78 cm.
Seguramente cuando Bernard hablaba de

la grandiosa fealdad, se refería a los
colores, puesto que él tenía un sentido del
color mucho más luminoso.[31]
Durante estos dos años en Nuenen

completó numerosos dibujos y acuarelas,
y cerca de doscientas pinturas al óleo. Los
colores usados continuaban siendo
oscuros. Su hermano Theo se quejaba, en
una de sus cartas, de que eran demasiado
apagados y no estaban en la línea del
estilo del momento, donde destacaban las
pinturas brillantes de los impresionistas.
Vincent escribió al respecto:
He leído con mucho

placer Los maestros de
antaño, de Fomentin. He
encontrado «tratadas»
en este libro, en diversos
sitios, las mismas
cuestiones que me
preocupaban mucho
estos últimos tiempos
(...) tratar de dar un
valor claro por medio
de tonos relativamente
oscuros. En una
palabra, expresar la luz
por oposición a la
oscuridad. Ya sé todo lo
que piensas del
"demasiado negro",
pero, sin embargo, no
estoy aún
absolutamente
convencido (...).[32]
El cuadro Naturaleza muerta con Biblia fue

pintado en octubre de 1885, antes de su
partida hacia Amberes, en memoria de su
padre fallecido el 26 de marzo de ese
año.[33] Se aprecia la biblia como símbolo
de la casa paterna y de toda una
educación religiosa. Como contraste
aparece La joie de vivre de Zola, el libro del
naturalismo y, en opinión de su padre, una
de las obras más nefastas. En la
composición, Van Gogh coloca la vela, un
símbolo religioso, con la idea de situar
ambos símbolos al mismo nivel.[34]
Amberes y París
Cráneo fumando un cigarrillo (1885).

Modelo de yeso de un hombre
arrodillado (1886).
A la izquierda, grabado de Hiroshige

representando El puente Ohashi y
Atake bajo una lluvia repentina; a la
derecha, copia de Van Gogh de este
grabado japonés: Japonaiserie:
Puente bajo la lluvia, 1887, óleo sobre
lienzo, 73 × 54 cm, Rijksmuseum,
Fundación Van Gogh, Ámsterdam.
En noviembre de 1885 Van Gogh llegó a

Amberes, donde ocupó un pequeño taller
encima de una tienda de pinturas; el
alquiler lo pagaba su hermano. Compró en
unos anticuarios algunas xilografías
japonesas, y se dedicó a copiar modelos
de yeso de esculturas antiguas, expuestas
en la entonces Real Academia de
Amberes, a pesar de su desacuerdo con la
enseñanza académica. Descubrió las
pinturas de Rubens, que con su colorido y
sus formas femeninas le abrieron la
alternativa del uso de colores como el
carmín y el verde esmeralda. En esta
época contrajo sífilis, que aunque fue
tratada médicamente, le hizo perder casi
todos los dientes. En febrero de 1886,
comentó en cartas dirigidas a Theo que
solo se había podido permitir seis o siete
comidas calientes desde el mes de mayo
anterior.[35]
El año 1886 se mudó a París, a vivir junto a

su hermano menor Theo, a quien avisó
con esta simple nota: «Estaré en el Louvre
desde el mediodía, o antes, si lo deseas».
Theo, que trabaja en Boussod & Valadon,
le descubrió a Vincent los trabajos del
impresionismo; lo que produjo una paleta
mucho más luminosa, donde el color
jugaría un rol fundamental en el resto de
su obra. Durante los dos años siguientes,
los dos hermanos tuvieron múltiples
fricciones y siempre tuvo que ser Theo el
que cediese y perdonase.
Se instalaron en Montmartre y empezó a
codearse con los artistas de la época que
allí se reunían. Conoció a Émile Bernard y
a Henri de Toulouse-Lautrec, haciéndose
gran amigo de ellos, así como a Paul
Gauguin, Georges Pierre Seurat, Paul
Signac, Armand Guillaumin, Camille
Pissarro y Paul Cézanne. Van Gogh, como
muchos pintores de la época, admiraba el
arte japonés de Hokusai, Hiroshige y
Utamaro. Prueba de ello son las réplicas
que realizó de grabados japoneses y
algunas pinturas suyas que reproducen
ese país de modo escenográfico. A las
reproducciones procedentes del Japón se
las llamaba japonaiserie. Dos de estas
obras realizadas por Van Gogh fueron
Ciruelo en flor y Puente bajo la lluvia,
copias de obras de Hiroshige.[36] De ellas,
Van Gogh dejó escrito el siguiente
comentario:
Envidio a los japoneses

por la increíble claridad
de la que están
impregnados todos sus
trabajos. Nunca
resultan aburridos ni
hacen el efecto de
haberlos realizado
deprisa... Su estilo es tan
sencillo como respirar.
Son capaces de hacer
una figura con solo unos
pocos trazos seguros,
que hace que parezca
tan fácil como
abrocharse el
chaleco.[37]
Agostina Segatori sentada en el Café

du Tambourin (1887).
Comenzó a utilizar los colores

complementarios y todo esto le hizo
abrirse a una expresión en su arte que no
había sospechado en los Países Bajos.
Pissarro también le explicó las nuevas
teorías sobre la luz y el tratamiento
divisionista de los tonos. El artista
consiguió ir añadiendo colores más ricos y
luminosos a su paleta, gracias a Signac,
con quien trabajó en 1887. Practicó
pintando paisajes urbanos del barrio de
Montmartre y naturalezas muertas ya con
colores más vivos; los rojos, amarillos y
azules con sus complementarios ya se
pueden apreciar casi en todas sus
pinturas de este periodo.[38]
Exaltado por la intensidad del clima

artístico de París, Van Gogh consiguió, con
la ayuda de Toulouse-Lautrec, la
renovación de su pintura en lo que atañe a
la investigación psicológica en los
retratos. Pudo apreciar las pinturas
exóticas realizadas por Gauguin en la
Martinica. El retrato de Mujer en el Café de
Tambourin es del mes de febrero de 1887.
No representa una bebedora en una
taberna cualquiera sino que es la imagen
concreta de Agostina Segatori, una
antigua modelo de los pintores Degas y
Corot, y que en ese momento era la
propietaria del café. El cuadro respira un
cierto atractivo exótico, desde el peinado
de la mujer pasando por su vestido hasta
el fondo de la pintura, donde en su
decoración se observan láminas
japonesas. Una de las cosas más
importantes que aprendió en esta época
fue la aplicación del contraste
complementario, el contraponer los tres
colores básicos (amarillo, rojo y azul) a la
mezcla formada por los otros dos, como
combinación rojo-verde, amarillo-violeta y
azul-naranja, que refuerzan su tono o se
neutralizan al mezclarse en un gris
deslucido. Se observa la aplicación de
esta técnica en los Cuatro girasoles, donde
claramente existe el contraste
complementario entre el amarillo y el azul
vivo del fondo.[39]
Poco antes de acabar su etapa parisina,
Van Gogh realizó tres retratos de Julien
Tanguy, llamado por todos los artistas
«Père Tanguy», en cuya trastienda de su
establecimiento habían expuesto sus
obras Van Gogh, Gauguin, Cézanne y
Seurat. Este retrato se considera la obra
representativa de su etapa parisina. Con
una presentación frontal, es una imagen
de una estructura simple, que contrasta
con el fondo decorado con estampas
japonesas. El artista neerlandés estaba
dispuesto a realizar su sueño
mediterráneo en busca de la luz cegadora
de la Provenza, con la explosión de la
naturaleza y los colores puros, colores que
había estudiado en su colección de
estampas japonesas. Fue un periodo muy
fértil en el que su arte se inclinó hacia el
impresionismo, pero por otro lado, la
absenta y la fatiga mental agravaron su
condición física.[40]
Últimos tiempos: Arlés
Melocotonero en flor (1888).
El 21 de febrero de 1888 Van Gogh llega a

Arlés, en el sur de Francia. Primero se
instaló en una habitación situada en el
Hotel-Restaurante Carrel, por la que
pagaba cinco francos diarios; esto
sobrepasaba sus posibilidades
económicas y además el espacio era muy
reducido para tener su taller. Pintaba todo
lo que veía (como Huerto en flor con vistas
de Arlés) y ya no necesitaba estampas
japonesas, como él mismo reconoció en
una carta dirigida a su hermano: «Aquí no
me hace falta para nada el arte japonés,
porque me imagino estar en el Japón y
nada más necesito abrir los ojos y ver lo
que tengo delante». Sus primeros cuadros
en Arlés fueron típicamente japoneses; la
pintura Melocotonero en flor fue realizada
en marzo de 1888.
Los descargadores en Arlés (1888),

Museo Thyssen-Bornemisza.
Pintó la naturaleza de los alrededores, los

campos de trigo, los pantanos del delta
del Ródano y el canal del sur de Arlés, el
cual reflejó en diversas obras, como El
puente de Langlois. Durante este periodo
empezó a utilizar las pinceladas
ondulantes y los amarillos, verdes y azules
intensos que caracterizan su obra
pictórica de los últimos tiempos.[41]
El 24 de mayo de cada año, gitanos de
toda Europa acuden en peregrinaje a
Saintes-Maries-de-la-Mer para venerar a su
patrona Sara la Negra. Van Gogh acudió a
observarlo y aprovechó para realizar
pinturas durante ese tiempo. Entre estos
cuadros está la obra Barcas (barcos de
pesca) en Saintes-Maries:[42]
He pasado una semana

en Saintes-Maries. En la
playa de arena había
pequeñas barcas verdes,
rojas y azules, de
formas y colores tan
bellos que hacían
pensar en flores. Son tan
pequeñas que casi
nunca van a alta mar.
Salen cuando no hace
viento y vuelven a tierra
cuando sopla con
demasiada fuerza.
Vincent van Gogh, junio
1888.
Puesta del sol en Montmajour (1888),

Museo Van Gogh.
El Museo Van Gogh anunció el 9 de

septiembre de 2013 el hallazgo de una
nueva obra confirmada como pintura de
Van Gogh: Puesta del sol en Montmajour,
realizada en Arlés.[43] Entre las evidencias
que han hecho detectar su autenticidad se
encuentran dos cartas de Van Gogh
dirigidas a su hermano Theo fechadas en
julio de 1888 en las que describe el cuadro
realizado:[44] [45]

Ayer, al atardecer, yo
estaba en un brezal
pedregoso donde crecen
muy pequeños y
retorcidos robles, en el
fondo de una ruina en la
colina, y campos de
trigo en el valle. Era
romántico, no podía ser
más a la Monticelli, el
sol se derramaba, sus
rayos amarillos muy
por encima de los
arbustos y el suelo,
absolutamente una
lluvia de oro.
Vincent van Gogh, Arlés
5 de julio de 1888 (Carta
636).
Retratos
Al principio de su estancia en Arlés se

dedicó a la realización de retratos. Sin
embargo, tenía dificultades para conseguir
que alguien posase para él, sobre todo si
eran mujeres; la primera que pudo retratar
fue una mujer joven a finales del mes de
julio, y le puso el nombre de La Mousmé,
nombre japonés que le inspiró la lectura
del libro Madame Chisanthème, de Pierre
Loti. Con los hombres le fue más fácil
convencerlos, ya que a cambio les invitaba
a una copa en la taberna. Podía retratarlos
sin ningún problema, y así realizó las
obras de El campesino, retrato de Patience
Escalier, El zuau, El lugarteniente Millet y El
cartero Roulin.
Tuvo una buena amistad con Joseph

Roulin, un cartero[46] [47]
casado con la
señora Augustine Roulin y con la cual tenía
tres hijos: Marcelle, Armand y Camille
Roulin. Vincent hizo un gran número de
pinturas de esta familia; el retrato
conocido como "La Berceuse" muestra a la
señora de Joseph Roulin; también están el
Retrato de Armand Rouliny el Retrato de
Camille Roulin. Al cartero le pintó hasta en
seis retratos.
El Retrato de Eugène Boch fue realizado en

ocasión de una visita que le hizo este
poeta belga en el mes de julio, según
explicó a su hermano. En este retrato
quería captar las ideas románticas del
personaje:
He exagerado el rubio
del cabello, he utilizado
también tonos naranjas
y amarillo pálido.
Detrás de la cabeza, en
lugar de pintar la pared
ordinaria de la
habitación, he pintado
el infinito, un fondo
plano del azul más rico
e intenso que he podido
conseguir y con esta
sencilla combinación de
la cabeza brillante sobre
el fondo intensamente
azul he conseguido un
efecto misterioso, como
si fuera una estrella en
la profundidad de un
cielo azul.
Vincent van Gogh, julio
de 1888
La El El zuavo, Retrato
Mousmé, Campesin Colección de
National o, retrato Lasker Eugène
Gallery de de (Nueva Boch,
Washingt Patience York). Museo
on. Escalier, de Orsay
Colección (París).
de
Stavros
Niarchos
(Atenas).
Estancia de Gauguin en Arlés
Sembrador a la puesta de sol (1888).
Van Gogh pasó todo el verano pintando

paisajes al aire libre. Para realizar la
composición colocaba en el fondo del
cuadro toda la parte arquitectónica, con
torres de iglesia, chimeneas, casas,
pueblos, en una fina franja a la altura del
horizonte, mientras que el primer plano lo
reservaba para los campos y la
vegetación. Esto lo hizo con el cuadro
Vista de Arlés con lirios en primer plano,
Los segadores con Arlés al fondo, La
cosecha, Campos labrados, La viña verde y
una de sus obras paisajistas más
conocidas, El sembrador, realizada en el
mes de junio, cuando la cosecha estaba
casi a punto, como se puede apreciar en el
campo de trigo maduro que hay detrás del
sembrador. Con los colores azul y púrpura
y los amarillos relucientes del sol y el cielo
consiguió un contraste cromático.[48]
La Casa Amarilla (1888).

Van Gogh tenía la intención de crear un
taller de artistas, y para esto alquiló en
mayo la «casa amarilla» (llamada así por
tener las paredes exteriores pintadas de
ese color) en Place Lamartine, situada al
norte de la ciudad de Arlés.[49] Theo le
envió trescientos francos para poder
acondicionar y amueblar modestamente la
casa. El único que atendió a su petición
del taller fue Paul Gauguin, con el que
mantuvo diversas cartas sobre el tema del
Atelier du Midi que juntos habrían de
fundar y que pedirían la participación de
Seurat, Signac y Bernard.[50]
También Theo insistió a Gauguin para que
hiciera el viaje a Arlés. Gauguin vivía en
aquel tiempo en Pont-Aven, en Bretaña.
Estaba lleno de deudas, se sentía
incomprendido y soñaba con la fundación
de un círculo de pintores, pero
seguramente no había pensado en Van
Gogh como componente del mismo. Su
meta era viajar a Martinica, pero la
cuestión económica era un
impedimento.[51] Theo van Gogh era el
galerista y el marchante de Gauguin y este
pensaba que detrás del carácter extraño
de Vincent y las intenciones de Theo se
ocultaba alguna estratagema comercial,
por lo que no se decidía a viajar hacia
Arlés. Así se lo hizo saber en una carta
dirigida a Émile Bernard, en octubre de
1888:
Por más que me aprecie,

no creo que Theo se
preste a mantenerme en
el Midi solamente por
mi cara bonita. Con su
carácter frío holandés
ha estudiado el terreno
y proyecta alguna
cosa...
Jarro con doce girasoles (1888).
Autorretrato como un bonzo, dedicado

a Gauguin.
Retrasó el viaje, disculpándose por carta,

hasta que Theo acabó pagando todas las
deudas que tenía Gauguin. Entonces, este
viajó a Arlés el 23 de octubre.[52] Mientras,
Vincent había realizado diversas series de
pinturas para decorar la casa,
especialmente la habitación destinada a
Gauguin.[53]
La ideología del simbolismo surgió a

finales del siglo xix. Según escribió en el
año 1886 Edouard Dujardin, uno de los
grandes teóricos de esta técnica:
El objetivo de la pintura
y la literatura es
reproducir el
sentimiento provocado
por las cosas con los
medios propios de las
citadas artes. Lo que se
debería expresar no es
la imagen sino su
carácter.
En la pintura Jarro con doce girasoles,

pintado en agosto de 1888, Van Gogh
buscaba el espíritu del simbolismo. La
meticulosidad de las flores contrasta con
la caótica situación de las hojas así como
la pastosa aplicación del color que,
delante del fondo azul claro, consigue que
el cuadro tenga un significado que va más
allá que la simple reproducción de las
flores. Expone la imaginación del artista y
su gran fuerza expresiva, la cual exigía un
gran delirio de sentimientos.[54]
Durante ese mes de agosto realizó cuatro
pinturas sobre girasoles: primero con tres
flores, después con cinco, hasta llegar a la
de los doce girasoles sobre un fondo azul,
y otro con quince girasoles sobre fondo
amarillo.
Antes de la llegada a Arlés de Gauguin, le

envió un autorretrato, con el título de
Autorretrato como un bonzo, cuadro en el
que es evidente su identificación con el
japonismo, ya que se retrató con la cabeza
rapada al estilo bonzo.[55]
Gauguin fue el que impulsó a Van Gogh

para que pintase lugares históricos de
Arlés y así trabajaron juntos y pintaron la
serie de vistas de Alyscamps. Escogieron
diferentes motivos, Gauguin pintó un
paisaje con un encanto pintoresco y más
bien refinado, mientras que Van Gogh
escogió un paseo enmarcado por altos
álamos que tenían un color amarillo puro
que contrastaba con el verde-azul del
cielo. En cambio el color empleado por
Gauguin era mucho más tímido. Se
pintaron mutuamente, Gauguin pintó de
perfil a Van Gogh y este pintó a Gauguin
de espaldas.[56]
Diferentes puntos de
vista entre Gauguin y
Van Gogh
La avenida
Los
de los
Alyscamps
Alyscamps
(1888),
(1888),
por Paul
por Van
Gauguin.
Gogh.
Corte de la oreja
Con el paso de las semanas, la

convivencia de los dos artistas fue
empeorando, debido a sus diferencias
personales, acentuadas por el carácter
muy temperamental de ambos. Pasados
menos de dos meses, en la tarde del 23 de
diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin
tuvieron un altercado que dio origen a una
de las explicaciones que se han dado
acerca de la pérdida de la oreja izquierda
del primero. Gauguin en sus memorias[57]
señala que Van Gogh le amenazó y
persiguió con una navaja barbera y que
por la noche el neerlandés se automutiló.
A continuación, Van Gogh habría envuelto
la oreja en un paño y se habría dirigido a
un burdel de Arlés que frecuentaba con
Gauguin, donde presentó este «regalo» a
una prostituta llamada Rachel.
Posteriormente regresó a la «casa
amarilla». A la mañana siguiente la policía
lo encontró inconsciente, y fue trasladado
al hospital Hôtel-Dieu de Arlés.[58] Se
avisó a Theo, y Vincent, que no recordaba
el suceso, quedó ingresado durante
catorce días. Gauguin dejó Arlés con
rumbo a París y no volvió a tener contacto
con Vincent, exceptuando algunas cartas
posteriores.[59]
Autorretrato con oreja vendada (1889).
Gauguin declaró a la policía que la pérdida

del apéndice auditivo se habría debido a
una autolesión. Se ha expuesto la teoría
de que el corte en la oreja fue una
automutilación del artista como resultado
del disgusto que le provocó la noticia de
que su hermano Theo se iba a casar.[60]
Nunca hubo unanimidad entre los

estudiosos de los hechos, debido a las
pocas fuentes existentes y a que la
versión generalmente admitida se basa en
las memorias de Gauguin, publicadas en
1903. En 2009 Hans Kaufmann y Rita
Wildegans, en su ensayo Van Goghs Ohr,
Paul Gauguin und der Pakt des Schweigens
(La oreja de Van Gogh, Paul Gauguin y el
pacto del silencio), revisaron el incidente
estudiando el informe policial, las noticias
publicadas en los periódicos de la época,
la correspondencia de los dos pintores y
los pocos testimonios existentes, muy
posteriores a los hechos. Llegaron a la
conclusión de que fue Gauguin quien hirió
a Van Gogh con su sable en la disputa (era
maestro de esgrima), y que una vez solo
Van Gogh habría terminado de recortar la
oreja. No se encontraron ninguna de las
armas. Van Gogh no habría dicho nada
para proteger a su amigo, y Gauguin
habría regresado precipitadamente a París
debido a su mala conciencia.[61] [62]
Leo
Jansen, conservador del Museo van Gogh
de Ámsterdam, rechaza tal conclusión,
afirmando que la evidencia presentada ha
sido en su mayor parte sacada de
contexto.
Durante mucho tiempo se creyó que el

artista se había cortado solo parte del
lóbulo de la oreja, no el apéndice
completo. Sin embargo, un estudio de
2016 presentó, entre otras cosas, una
carta a Theo van Gogh del doctor Félix
Rey, que le atendió durante el incidente,
donde describe la lesión y acompaña un
dibujo que demuestra que se cortó la oreja
casi por completo, conservando tan solo
un trocito inferior del lóbulo.[63]
Al regresar a su casa Van Gogh pintó el

Autorretrato con oreja vendada, del que
existen dos versiones. Ambos cuadros
muestran un vendaje en la parte derecha
de la cabeza, y debieron ser pintados
delante de un espejo, ya que la oreja
seccionada fue la izquierda.[64] En uno
Van Gogh se representa fumando en pipa
para transmitir una sensación de sosiego,
en una composición en la que predomina
tanto el equilibrio cromático como el
equilibrio de los elementos
iconográficos.[64] Pasadas cuatro
semanas volvió a ser ingresado en el
hospital ya que presentaba síntomas de
manía persecutoria y se imaginaba que le
querían envenenar. Durante unos diez días
estuvo bajo tratamiento del doctor Félix
Rey. En marzo, atendiendo una petición de
los vecinos de Arlés que avisaron a la
policía, fue ingresado una vez más,
permaneciendo seis semanas en el
Hospital Hôtel-Dieu de Arlés. El 17 de abril,
Theo contrajo matrimonio con Johanna
Bonger en Ámsterdam. Poco después,
Vincent decidió internarse
voluntariamente en el hospital mental de
Saint-Paul-de-Mausole, un exmonasterio
en Saint-Rémy-de-Provence, a unos treinta
y dos kilómetros de Arlés.[65]
Sanatorio de Saint-Rémy-de-
Provence
La noche estrellada.
La noche estrellada (detalle).

Los últimos años de Van Gogh estuvieron
marcados por sus permanentes
problemas psiquiátricos, que lo llevaron a
ser recluido en sanatorios mentales de
forma voluntaria, entre los que se
encontraba el manicomio de Saint Paul-
de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence,
donde ingresó el 8 de mayo de 1889. En el
sanatorio tenía dos habitaciones
disponibles, una de ellas habilitada para
servirle de taller.[66] Cuando no quería
pasear, por temor a sufrir una crisis,
pintaba cuadros de interior, como Jarrón
con lirios. Uno de sus primeros cuadros allí
fue Iris, donde muestra una gran vitalidad
rítmica y una gran conjunción de colores.
En esta época su pintura se caracteriza
por la presencia de remolinos, como se
puede observar en una de sus pinturas
más conocidas, La noche estrellada.[67]
La Piedad (según Delacroix), versión

de Van Gogh.
Cuando empezó a salir a dar paseos por

los alrededores de la clínica, creó obras
donde los temas eran pinos, cipreses y
olivos. Fue durante el mes de junio cuando
desarrolló los efectos pictóricos
ondulantes en los árboles. De los olivos
con sus troncos sinuosos, hizo varios
cuadros: Alpilles con olivos en primer
plano, Olivo y Recolección de la oliva. Los
pinos los tenía como modelos en el
mismo jardín del hospital. Uno de los
primeros cuadros fue Maleza, donde solo
se aprecian en la parte inferior de los
troncos con tonos constituidos por azules
fríos. Más tarde pintó los pinos que se
aprecian en los cuadros: El jardín del
hospital de Saint Paul y Pinos en el cielo de
la tarde. Pero fueron los cipreses, con su
forma triangular, los que le sirvieron para
crear una magnífica serie de paisajes.
Incorporaba la mancha oscura del ciprés
en muchas de sus grandes
composiciones, como en La noche
estrellada y, entre otras, en Campo de trigo
con ciprés, Cipreses con dos mujeres y
Ciprés en el cielo estelar.[68]
Muestra de una pintura y la anterior

subyacente
Mancha de hierba (1887), La cara de una mujer pintada

Museo de Kröller-Müller, anteriormente.
Países Bajos.
En Saint-Rémy, volvió a tener la necesidad

de copiar a pintores que admiraba, por lo
que pidió a su hermano Theo que le
enviase láminas de reproducciones, a
partir de las que él interpretaba el color a
su manera. De esta forma exploró temas
religiosos como La Piedad (Delacroix),
donde pintó a Cristo con el cabello y la
barba de color rojo y La resurrección de
Lázaro (Rembrandt). También volvió a
copiar algunas de sus pinturas favoritas,
las de Millet: la Campesina batiendo el lino
y La Noche (a partir de La Veillée de Millet).
Todas se conservan en el Museo Van
Gogh de Ámsterdam.[69]
Exposiciones en vida
El viñedo rojo, una de las tres pinturas

vendidas en vida de Van Gogh.[33]
La primera exposición de la obra de Van

Gogh fue en París en 1889, en el Salón de
los Independientes, organizada más tarde
(entre mayo y octubre) que en otros años,
para que pudiera coincidir con la
Exposición Universal de aquel mismo año.
La elección de obras las hacían los
mismos artistas pero los nuevos socios
solo podían presentar dos, y Van Gogh
indicó a su hermano las dos pinturas que
quería enviar: La noche estrellada (1888) e
Iris (1889).[70]
En enero de 1890 recibió la invitación para

participar en una exposición en Bruselas
con el grupo Les XX, a la que envió seis
obras: dos de la serie de Los girasoles y
cuatro sobre paisajes. Dos de las que
había pintado en Arlés, La viña roja y Vista
de Arlés, y dos más en Saint-Rémy.
Durante la inauguración, Henri de Groux
criticó los cuadros de Van Gogh, pero
salieron en su defensa Toulouse-Lautrec y
Paul Signac. En esta misma exposición
vendió la obra El viñedo rojo, adquirida por
la pintora perteneciente al grupo Los XX
Anna Boch,[71] hermana de su amigo
Eugène Boch.[72] [73]

Finalmente fue en el Salón de los

Independientes de París, en febrero de
1890, donde expuso la cuota completa de
diez pinturas.[74]
Volvió a tener nuevos colapsos, que le

duraban más que en las veces anteriores;
padecía angustia, terror y alucinaciones
con accesos de ira muy intensos. Cuando
volvió a escribir a Theo, le explicó que
había decidido abandonar la clínica.
Después de una breve estancia en París
con su hermano, decidió establecerse en
Auvers-sur-Oise.[75]
Auvers-sur-Oise
La iglesia de Auvers-sur-Oise.
Trasladado a Auvers-sur-Oise, localidad

cercana a París, se instaló en una
habitación de la posada Ravoux. Allí
conoció a un amigo de Theo, el Dr. Paul
Gachet, pintor aficionado, que se ofreció a
cuidarle y visitarle. Bajo la atención del Dr.
Gachet la actividad artística de Van Gogh
fue intensa: en dos meses pintó más de
setenta cuadros. Frecuentaba la casa del
doctor, y pintó el jardín, a su hija Margarita
rodeada de flores y en el piano, y al mismo
doctor. Van Gogh volvió a refugiarse en la
pintura con gran entusiasmo, le gustaban
los paisajes de Auvers, como antes habían
maravillado a tantos otros pintores como
Corot, Pissarro, Armand Guillaumin y
Cézanne.[76]
Escribió a su madre estas reflexiones:

Estoy plenamente
absorbido por estas
llanuras inmensas de
campos de trigo sobre
un fondo de colinas,
vastos como el mar, de
un amarillo muy tierno,
un verde muy pálido, de
un malva muy dulce,
con una parte de tierra
labrada, todo junto con
plantaciones de patatas
en flor; todo bajo un
cielo azul con tonos
blancos, rosas y
violetas. Me siento muy
tranquilo, casi
demasiado calmado, me
siento capaz de pintar
todo esto.[77]
En esta población es donde empezó a

utilizar el formato horizontal alargado de
doble cuadrado, que precisamente en el
valle de Oise había sido utilizado por el
pintor Charles-François Daubigny de la
escuela de Barbizon. Van Gogh había
pintado algunas veces el jardín de la casa
de Daubigny.
Su cuadro sobre La iglesia de Auvers-sur-

Oise está construido sobre líneas fuertes y
definidas, que producen el efecto de una
escultura recortada sobre el azul intenso
del cielo, lo que da una sensación de
oscuridad. La profundidad la consigue con
los dos caminos en forma de /v/ en un
primer plano; estos caminos aparecen
colocados de manera similar en una obra
posterior, Campo de trigo con cuervos. Van
Gogh señala en sus cartas la soledad y la
melancolía que tienen estos últimos
paisajes de trigales bajo cielos
tempestuosos y amenazantes. Se ha
dicho que los símbolos de los cuervos
planeando sobre el trigo sugieren la
premonición de la muerte.[78] Las dos
bandas de color, con el contraste del azul
y el amarillo, anulan el espacio de la
perspectiva. La composición de la
perspectiva en el campo abierto tiene un
sentido inverso, sale del horizonte en
dirección hacia la parte delantera. El azul
del cielo está en un solo plano y consigue
crear una unidad, mientras que el amarillo
del trigo está dividido en dos planos, el
rojo de los caminos en tres y el verde
complementario de las franjas del camino
en cinco. Este cuadro está considerado
como una de las mejores obras del
artista.[79]
Campo de trigo con cuervos (julio de 1890). Pintura al óleo, 50 × 100 cm;
Museo Van Gogh, Ámsterdam.
Antonin Artaud, con un extenso poema en

prosa, da la noción de la calidad de Van
Gogh; basta leer algunos fragmentos de
tal poema ("Van Gogh, el suicidado por la
sociedad"):
(...) Regreso al cuadro

de los cuervos; ¿quién
ha visto cómo, en ese
cuadro, equivale la
tierra al mar? (...) el
mar es azul, pero no de
un azul de agua, sino de
pintura líquida(...) Van
Gogh ha retornado los
colores a la Naturaleza,
pero, a él, ¿quién se los
devolverá? (...) aquel
que supo pintar tantos
soles embriagados
sobre tantas parvas
sublevadas, el Café de
Arlés, la recolección de
las olivas, los
Alyscamps; (...) 'El
puente', sobre un agua
en donde se tiene el
irrefrenable deseo de
hundir el dedo en un
movimiento de
regresión violenta a la
infancia (...).
Muerte
Van Gogh en su lecho de muerte,

dibujado por su médico y pintor
aficionado Dr. Paul Gachet.
Las tumbas de Vincent y Theo van
Gogh en el cementerio de Auvers-sur-
Oise.
Durante los últimos treinta meses de vida

llegó a realizar 500 obras y en sus últimos
69 días firmó hasta 79 cuadros. El 22 de
febrero de 1890, Van Gogh sufrió una
nueva crisis que fue «el punto de partida
de uno de los episodios más tristes en una
vida ya plagada de tristes
acontecimientos». Este período duró hasta
finales de abril, tiempo durante el cual fue
incapaz de decidirse a escribir; sin
embargo, siguió dibujando y pintando.[80]
Hughes escribe que entre mayo de 1889 y
mayo de 1890, «tuvo arrebatos de
desesperación y alucinación que le
impedían trabajar, y entre ellos, meses en
los que pudo hacerlo y lo hizo marcado
por el éxtasis de extremo visionario».[81]
Sin embargo, su depresión empeoró y el
27 de julio de 1890, a la edad de treinta y
siete años, mientras paseaba por el
campo, murió. «Yo arriesgué mi vida por
mi obra, y mi razón destruida a medias»;
estas son las palabras de Vincent en la
última carta encontrada en su lecho de
muerte el 29 de julio de 1890.[82] Vincent
fue enterrado en el cementerio de Auvers-
sur-Oise.[83] Se considera que sus
padecimientos mentales eran
consecuencia de los trastornos mentales
que le generaba una insuficiencia renal,[84]
probablemente por piedras en el riñón,[85]
aunque según otros autores su
enfermedad mental se la producía la
sífilis.[86] [87]
Poco después de la muerte
de Vincent, su hermano Theo ingresó en
una clínica de Utrecht, donde falleció el 25
de enero de 1891, a los seis meses del
fallecimiento de su hermano. En 1914 el
cuerpo de Theo fue exhumado y enterrado
junto al de Vincent.
En 2011 surgió una teoría que postulaba

que Van Gogh no murió naturalmente, sino
que murió por un disparo accidental
efectuado por dos muchachos que
jugaban con una pistola. En una biografía
sobre el artista, Van Gogh: la vida, Steven
Naifeh y Gregory White Smith mantienen
que el disparo provino de René y Gaston
Secrétan, dos hermanos adolescentes que
veraneaban en Auvers, y que eran
conocidos del pintor, por lo que no habría
querido incriminarlos y se habría
autoinculpado. Según los autores, René
era un chico problemático al que gustaba
vestirse de «cowboy», y se entretenía
disparando a animales con una vieja
pistola calibre 38. Así, el 27 de julio de
1890 Van Gogh habría salido como
siempre a pintar, recibiendo de forma
accidental el disparo del menor de los
hermanos. Según Naifeh, historiador del
arte titulado en Princeton, «revisamos los
testimonios iniciales que dieron lugar a la
versión del suicidio, y vimos que no eran
nada sólidos». Este autor afirma que en la
entrevista que René Secrétan dio en 1956,
el año de estreno de la película que
Vincente Minnelli realizó sobre el pintor
neerlandés, su testimonio «está lleno de
culpabilidad». Esta teoría no está
confirmada con otras pruebas ni aceptada
por la mayoría de la comunidad
académica, y el Museo Van Gogh de
Ámsterdam considera prematuro valorar
las conclusiones a las que han llegado
estos autores.[88]
Obra
El dormitorio en Arlés (1888).
Retrato El doctor Paul Gachet (1890).

Campos en Cordeville, en Auvers-sur-
Oise (1890).
La italiana (1887), Museo de Orsay.
Lirios (1889); Getty Center, Los

Ángeles.
Detalle de autorretrato (1889).
Vincent van Gogh produjo toda su obra

(unas 900 pinturas y 1600 dibujos) durante
un período de solamente 10 años (etapa
de 1880 a 1890) hasta que sucumbió a la
enfermedad mental (posiblemente un
trastorno bipolar o una epilepsia).[89]
Decidió ser pintor cuando tenía veintisiete
años y siempre quiso reflejar la vida en
sus obras. Su carrera pictórica está
marcada por los lugares donde vivió y
trabajó. Así se aprecia en la primera etapa
de los Países Bajos (1880-1886), donde la
pintura tradicional y popular de este país,
exclusivamente en colores terrosos,
fueron lo que más influyó en obras como
Los comedores de patatas y las pinturas
sobre los tejedores. Realizó numerosos
dibujos de mineros, de figuras campesinas
y copió obras de su pintor favorito, Jean-
François Millet.[90]
Impresionismo
La siguiente etapa, en París (1886-1887),

es la que le pone en contacto con los
impresionistas que pretendían romper con
el academicismo de la época, con el
traslado a la pintura de las impresiones de
sus sentidos mediante la observación de
la naturaleza. En París, conoció a pintores
como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul
Signac, descubrió una nueva percepción
de la luz y el color, aprendió la división de
las gamas claras y los tonos y mostró una
simplificación a la vez que una mayor
intensidad en el tratamiento de los
colores. En esta época empezó a copiar
láminas japonesas, siendo uno de los
pintores europeos a los que más influyó
este tipo de pintura.[90]
Postimpresionismo
Quizá Van Gogh representó mejor el

postimpresionismo, estilo que sucedió
aproximadamente en el periodo entre
1885 y 1915. Representó una vía
divergente del impresionismo, donde los
pintores hacen de la vida cotidiana su
tema principal. Este término fue utilizado
por primera vez en 1910 por Roger Eliot
Fry; surge del título que dio a la exposición
de la Grafton Gallery en Londres: «Manet y
los postimpresionistas». Fue utilizado por
artistas como Cézanne, Van Gogh y Seurat
pero a veces también por otros artistas de
la gran década impresionista (1870-1880)
como Matisse y Pierre Bonnard.[91]
Mujeres Bretonas (1888). Acuarela,

Cívica de Arte Moderno, Milán, Italia.
Expresionismo y fauvismo
Su obra destaca por el uso del color y una

técnica frenética que contiene algunos
trazos del expresionismo. Van Gogh y
Gauguin tenían técnicas diferentes:
Gauguin acostumbraba a pintar
normalmente en el taller de memoria y
Van Gogh necesitaba siempre copiar in
situ, fuesen paisajes o un modelo. Su
temperamento exaltado quiso demostrarlo
por la vía del color.[92]
Los inicios del expresionismo aparecen

durante las dos últimas décadas del
siglo xix, en la obra de Van Gogh, La
italiana de finales de 1887, y en la de
Edvard Munch (autor de El Grito) y, en otro
nivel, en la del belga James Ensor (autor
de La entrada de Cristo a Bruselas). Una
tendencia a la que contribuiría Van Gogh
después de su llegada en 1888 a Arlés,
donde el choque con la luz del sur le
empuja a la conquista del color, con obras
como La noche estrellada y Los olivos de
Saint-Rémy (1889). Las pinturas del
periodo de Saint-Rémy de Provence se
caracterizan en general por remolinos y
espirales. El pintor transita desde la
dramatización de las escenas de sus
primeros trabajos a la simplificación que
caracterizó sus últimas obras, en las que
Van Gogh ya anuncia el comienzo del
expresionismo. Desarrolló un estilo de
fuerte dramatismo y prospección interior, y
para ello se sirvió de pinceladas sinuosas
y densas, de intenso colorido y estridente
luminosidad, que deformaban la realidad
hasta otorgarles un aire onírico.[93] Sin
embargo, habría que esperar a agosto de
1911, cuando el crítico de arte Wilhelm
Worringer fue el primero en hablar de
expresionismo.[94]
En Alemania y Austria expresionistas

como Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel,
Paul Klee y Oskar Kokoschka aprenderán
de la técnica de Van Gogh, del
nerviosismo, la exageración de las líneas y
colores, que hacen que surja mejor la
expresión de los sentimientos y las
emociones. El color y el empaste en la
proyección de la pintura de Van Gogh se
formalizó quince años más tarde con el
surgimiento del fovismo. Según Van Gogh:
«En lugar de reproducir con exactitud lo
que tengo delante de los ojos, prefiero
servirme del color para expresarme con
más fuerza».[95]
Reconocimientos
Octavi Mirbeau, historiador de arte, uno de

los primeros en admirar a Van Gogh, para
rendirle homenaje en el Salón de los
Independientes, en la exposición realizada
en 1891, escribió:
Aquí me encuentro en
presencia de alguien
grande, gran maestro,
una persona que me
perturba, me emociona,
llama mi atención (...)
Van Gogh poseía, de una
manera poco frecuente,
algo que diferencia un
hombre de otro: estilo
(...) es decir, afirmación
de la personalidad.
Desde el siglo xxi, el análisis del mensaje

que se desprende de sus pinturas es
positivo y alegre. Durante su breve
dedicación artística, Van Gogh consiguió
el dominio técnico y una productividad que
pocos artistas han conseguido. En sus
obras consiguió fusionar las cualidades de
sus predecesores neerlandeses, como la
devoción a la naturaleza, con el uso del
color y la técnica de la pintura
francesa.[96]
Su fama creció rápidamente después de

su muerte, gracias a la promoción de la
esposa de Theo que, aunque no tuvo una
buena relación con Vincent, resultó ser la
única heredera de toda su obra tras el
fallecimiento de su esposo, ocurrido poco
después de la del pintor. Ha de señalarse
que a ella se debe una de las pocas ventas
de Van Gogh en vida del artista. El mayor
impulso de su obra vino especialmente
después de una exposición de 71 de sus
pinturas realizada en París el 17 de marzo
de 1901 (once años después de su
muerte) a la que siguieron otras
exposiciones, como la de 1905 en
Ámsterdam, o la de Colonia en 1912,
Nueva York en 1913 y Berlín de 1914.[97]
Todas ellas tuvieron un gran impacto
sobre las generaciones artísticas
posteriores.[98] Desde mediados del
siglo xx, Van Gogh fue reconocido como
uno de los mayores pintores de la
historia.[99] [100]
En el año 2007, un grupo
de historiadores holandeses realizó el The
Canon of the Netherlands para su
enseñanza en las escuelas e incluyó a Van
Gogh como uno de los cincuenta temas
del canon, junto con otros iconos
nacionales como Rembrandt y De Stijl.[101]
Se limitaron a solo tres las obras vendidas
en vida del pintor: La viña roja, comprada
por Anna Boch por la suma de 400
francos; Puente de Clichy, adquirido por
250 francos según el libro de ventas de la
Casa Boussod y Valadon; y, finalmente, un
Autorretrato a los marchantes Sulley y Lori
de Londres. Las tres obras curiosamente
fueron compradas el mismo año de
1888.[102]
Varias de las pinturas de Van Gogh están

entre las pinturas por las que se ha
pagado más en todo el mundo. El 30 de
marzo de 1987 la pintura Lirios de Van
Gogh fue vendida por un valor récord de
53,9 millones de dólares en el local
Sotheby's de Nueva York.[103] Pero su
comprador, el magnate Alan Bond, no
pudo terminar de pagarla y tuvo que
revenderla (por una suma no revelada) al
Getty Center de Los Ángeles. El 15 de
mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet
fue vendido por 82,5 millones de dólares
en el local Christie's, estableciendo así un
nuevo precio récord.[104] La exhibición
Imagine Van Gogh supone una serie de
pantallas que en forma simultánea
permiten sumergir al espectador en una
selección de obras del autor en tamaño
grande proyectadas desde distintos
ángulos.
Procedimientos de trabajo
La técnica que empleaba era diferente

según el efecto que quería conseguir,
cubría los planos con colores claros,
mientras que en otros cuadros ponía
pinceladas amplias y a veces perfilaba
todo el dibujo con trazos gruesos. En otras
ocasiones, trabajaba con un pincel duro
rayando todas las formas, y según le
interesara, acentuaba las líneas o el color.
El trazo con movimiento rítmico lo repetía
tanto en los dibujos como en las
pinturas.[105]
Se cree que Van Gogh hizo un
reaprovechamiento de lienzos ya usados
en más de un tercio de su producción
durante sus primeros trabajos.[106] En
2008, un equipo de la Universidad
Tecnológica de Delft y la Universidad de
Amberes utilizó avanzadas técnicas de
rayos X para descubrir una imagen de la
cara de una mujer pintada anteriormente e
incluso conseguir su coloración, que se
encontraba por debajo de la obra Mancha
de hierba.[107]
Obras
Joven cortando hierba con una hoz

(1881), papel verjurado, carboncillo y
color al agua, Museo Kröller-Müller,
Otterlo
Autorretrato (1887), óleo sobre lienzo,
Instituto de Arte de Chicago
Autorretrato (1888), óleo sobre lienzo
dedicado a Paul Gauguin, Museo Fogg
de Cambridge, Estados Unidos
Autorretrato (1889), óleo sobre lienzo,
Galería Nacional de Arte de Washington
Autorretrato con la oreja vendada y
caballete (1889), óleo sobre lienzo,
Galería de la Somerset House
Almendro en flor (1890), óleo sobre
lienzo, Museo van Gogh, Ámsterdam
Robos de sus cuadros

Los cuadros de van Gogh han sido objeto
de robo desde la Segunda Guerra Mundial.
Algunas de sus obras no han sido
recuperadas. En 2002 ladrones robaron 2
de los cuadros del Museo Van Gogh, La
playa de Scheveningen durante una
tormenta (1882) y Congregación saliendo
de la Iglesia Reformada en Nuenen (1884-
1885), que fueron hallados en Italia en
2016.[108]
Cartas
Theo van Gogh a la edad de veintiún

años. Theo fue un defensor
permanente y amigo de su hermano
mayor.
Una gran parte del conocimiento que se

tiene sobre Van Gogh deriva de sus cartas,
la mayor parte dirigidas a su hermano,
Theo van Gogh.[109] Se conservan más de
seiscientas cartas de Vincent a Theo y
cuarenta cartas de Theo a Vincent, y
aunque la mayoría de ellas no están
fechadas, los historiadores de arte han
sido capaces de ordenar esta
correspondencia, en gran parte, de manera
cronológica. La recopilación de estas
fuentes textuales ha sido muy valiosa para
establecer las bases de lo que se conoce
sobre los hermanos Van Gogh. Es
interesante hacer constar que el periodo
en el que la vida de Van Gogh es más
oscura, es el de su etapa de París, ya que
Theo y Vincent vivían juntos sin necesidad
de escribirse y por lo tanto hay menos
información.[110]
Van Gogh mantuvo correspondencia y se
conservan unas doscientas cartas
dirigidas a amigos y familiares
especialmente con su hermana
Wilhelmina.[111] Las cartas salieron a luz
en 1913, a través de la viuda de su
hermano Theo, Johanna van Gogh-Bonger,
quien explicó la «inquietud» que sentía al
mostrar el drama de la vida del pintor y su
preocupación para que no fuera motivo de
eclipsar su obra artística. El mismo Van
Gogh había sido un ávido lector de
biografías de otros artistas para
comprobar la consonancia del carácter
con el arte de estos.[112]
Véase también
Cuadros de Vincent van Gogh
(4457) van Gogh
Van Gogh: Painted with Words
Referencias
1. Rewald, John. Post-Impressionism:
From van Gogh to Gauguin, edición
revisada, Secker & Warburg, 1978.
ISBN 0-436-41151-2
2. Pomerans, Arnold. The Letters of

Vincent van Gogh. Londres: Penguin
Books. 1996. i-xxvi.
3. Walther, Ingo 2000, p. 7.

4. Historia del Arte Espasa 2004, p. 1153
5. Hughes, Robert 1990, p. 144.
6. Lecaldano, p. 83
7. Frank, Herbert 1988, pp. 20-22.
8. «Carta de Vincent van Gogh a Theo
van Gogh - Nuenen, 18 de diciembre
de 1883» (http://webexhibits.org/vang
ogh/letter/14/347.htm) . Consultado
el 3 de septiembre de 2011.
9. «Un estudio revela que solo existe una

fotografía auténtica de Van Gogh» (htt
ps://www.abc.es/cultura/arte/abci-est
udio-revela-solo-existe-fotografia-aute
ntica-gogh-201811291939_noticia.htm
l) . abc. 29 de noviembre de 2018.
Consultado el 25 de enero de 2020.
10. Thomson, Belinda 2007, p. 14.)

11. Frank, Herbert 1988, p. 25
12. Frank, Herbert 1988, p. 26.
13. «Vincent van Gogh. Carta a Theo van
Gogh. Escrita el 10 de enero de 1876 a
París. Traducción al inglés de Mrs.
Johanna van Gogh-Bonger» (http://ww
w.webexhibits.org/vangogh/letter/3/0
50.htm) . Robert Harrison, num.050.
Consultado el 3 de septiembre de
2011.

16. «Carta de Vincent Van Gogh a Theo
Van Gogh - Cuesmes, 24 de
septiembre de 1880» (http://www.vgga
llery.com/letters/152_V-T_136.pdf) .
17. López / Rebull 1995, p. 3.

18. Thomson, Belinda 2007, p. 16.
19. Carta 153 (http://webexhibits.org/van
gogh/letter/10/153.htm) a Teo con
fecha del 3 de noviembre de 1881.

21. Thomson, Belinda 2007, pp. 17-18.
Van Gogh - Nuenen, 30 de abril de
1885» (http://www.vggallery.com/lette
rs/486_V-T_404.pdf) .

30. Leprohon 20040, p. 202.
Van Gogh - Nuenen, principios de junio
de 1884» (http://www.webexhibits.or
g/vangogh/letter/14/371.htm) .
33. Joan Sured (coord.) (2004). Summa
pictorica. IX. La época de las
revoluciones. España: Planeta.
ISBN 84-08-36137-6. p. 312.

35. Frank, Herbert 1988, p. 50.
36. Trabault, Marc Edo 1981, p. 216
38. López / Rebull 1995, pp. 7-10.
39. Walther, Ingo 2000, pp. 20-25.
41. Walther, Ingo 2000, pp. 31-36.
42. López / Rebull 1995, p. 22.
43. «New Vincent Van Gogh painting
identified» (https://www.bbc.co.uk/ne
ws/entertainment-arts-24014186) .
BBC News. Consultado el 11 de
septiembre de 2013.
44. Van Gogh Museum (ed.). «Letter 636:

To Theo van Gogh. Arles, Thursday, 5
July 1888.» (http://vangoghletters.org/
vg/letters/let636/letter.html) . Vincent
van Gogh: The Letters. Consultado el
11 de septiembre de 2013.
45. «Museo Van Gogh anuncia el hallazgo

de una obra inédita del artista» (http
s://www.bbc.co.uk/news/entertainme
nt-arts-24014186) . Canal Patrimonio.
10 de septiembre de 2013. Consultado
el 11 de septiembre de 2013.

van Gogh - Arlés, 3 de agosto 1888» (h
ttp://www.webexhibits.org/vangogh/le
tter/18/517.htm) .

van Gogh - Arlés, 6 de agosto 1888» (h
ttp://www.webexhibits.org/vangogh/le
tter/18/518.htm) .

van Gogh - Arlés, 13 de agosto 1888»
(http://www.webexhibits.org/vangogh/
letter/18/522.htm) .
52. Walther, Ingo 2000, pp. 53-55.
53. «Carta de Vincent van Gogh a Paul
Gauguin - Arlés, 17 de octubre 1888»
(http://www.webexhibits.org/vangogh/
letter/18/B22.htm) .

55. Thomson, Belinda 2007, p.125
57. Gauguin P. Escritos de un salvaje. 2ª
ed. Barcelona, Barral, 1989: págs. 225-
27.
58. Forum Républicain Chronique locale,
Arlés, 30 diciembre de 1888

60. Cf. «Found: the clue to van Gogh’s ear»
(http://entertainment.timesonline.co.u
k/tol/arts_and_entertainment/visual_a
rts/article6968527.ece) , en
entertainment.timesonline.co.uk,
consultado el 27-12-09.
61. Révélations sur l'oreille coupée de Van

Gogh (http://www.lefigaro.fr/culture/2
009/05/04/03004-20090504ARTFIG00
328-revelations-sur-l-oreille-coupee-de-
van-gogh-.php) . Éric Biétry-Rivierre, Le
Figaro, 4 de mayo de 2009.
Consultado el 7 de junio de 2014. (en
francés)
62. Gauguin "le cortó la oreja a Van Gogh"

(https://www.bbc.co.uk/mundo/cultur
a_sociedad/2009/05/090505_1500_va
ngogh_oreja_wbm.shtml) . BBC
Mundo, 5 de mayo de 2014.
Consultado el 7 de junio de 2014.
63. «Vincent van Gogh sneed heel zijn oor

af» (http://kunstvensters.com/2016/0
7/12/vincent-van-gogh-sneed-heel-zijn
-oor-af/) (en holandés). 12 de julio de
2016.
64. L'autoportrait de Van Gogh à l'oreille

bandée (https://web.archive.org/web/
20131104023708/http://imagesanalys
es.univ-paris1.fr/v2/autoportrait-gogh-
oreille-29.html) . Georges Roque,
Images Analyses, Universidad París I.
Consultado el 7 de junio de 2014. (en
francés).
65. Walther, Ingo 2000, pp. 58-60.

71. Anna Boch.com (http://www.annaboc
h.com)
73. Eugene Boch.com (http://www.eugene
boch.com)

76. Mathey, François 1957, p. 3.
77. Mathey, François 1957, p. 4.
79. Walther, Ingo 2000, pp. 84-86
80. Hulsker, 1990, p. 440.
81. Hughes, 2002, p. 8.
82. Letter 652, con una nota adicional de
Theo: "carta que llevaba consigo el 29
de julio".
83. «Vincent van Gogh study guide» (htt
p://www.sparknotes.com/biography/v
angogh/section9.rhtml) .
sparknotes.com. 2006. Consultado el
25 de marzo de 2007.
84. Certificado de defunción de Theo. En:

Leprohon P. Van Gogh. Biografía.
Salvat; 1991. pág. 247.
85. Doiteau V. París. Esculape 1940:30,76,

86. Mirbeau, Octave (2003). Dans le ciel (h
ttp://books.google.fr/books?id=2Nd1n
LAzMh0C&pg=PA148&dq=%2225+janv
ier+1891%22+Th%C3%A9o#v=onepag
e&q=%2225%20janvier%201891%22%
20Th%C3%A9o&f=false) (en francés).
Éditions du Boucher. p. 148.
ISBN 9782848240442.
87. Mathias, Arnold (1993). Vincent van

Gogh: Biographie. Ed. Kindler. p. 1023.
ISBN 3-463-40205-X.
88. Borja Bergareche (20 de octubre de

2011). «Van Gogh no se suicidó» (htt
p://www.abc.es/20111017/cultura-art
e/abci-gogh-suicido-201110171231.ht
ml) . ABC. Consultado el 21 de
octubre de 2011.
89. «L'épilepsie de Vincent van Gogh» (htt

ps://web.archive.org/web/201105150
20358/http://home.scarlet.be/cep/CA
HIERS/lepile1.htm) . Dietrich Blumer.
Archivado desde el original (http://ho
me.scarlet.be/cep/CAHIERS/lepile1.ht
m) el 15 de mayo de 2011.
2011.
90. Historia del Arte Espasa 2004, p. 1093.

91. Monneret, Sophie 1991, p. 360.
92. Historia del Arte Espasa 2004, p. 1094
93. La fastuosidad de lo Barroco. Summa
Pictórica VI. Barcelona: Planeta. 1999.
p. 59. ISBN 84-08-36134-1.
94. Monneret, Sophie 1991, p. 258.

95. López / Rebull 1995, p. 2.
97. Dorn, Roland; Leeman, Fred (1990).
Vincent van Gogh and Early Modern
Art, 1890-1914 (Catálogo agotado) (en
inglés). Essen & Amsterdam. ISBN 3-
923641-33-8.
98. Rewald, John 1986, p. 248

99. Life Magazine,, ed. (10 de octubre de
1949). Vincent van Gogh The Dutch
Master of Modern Art has his Greatest
American Show (http://books.google.c
om/books?id=GVIEAAAAMBAJ&pg=P
A82&dq=is+Vincent+van+Gogh+the+g
reatest+painter&hl=en&ei=c9AtTNSM
NsL38AbzgpT7Ag&sa=X&oi=book_res
ult&ct=result&resnum=2&ved=0CDoQ6
AEwAQ#v=onepage&q=is%20Vincent%
20van%20Gogh%20the%20greatest%2
0painter&f=false) (en inglés). pp. pp.
82-87. Consultado el 4 de septiembre
de 2011.
100. National Gallery of Art (ed.). «Van

Gogh» (https://web.archive.org/web/2
0110812020749/http://www.nga.gov/
education/classroom/self_portraits/bi
o_van_gogh.shtm) (en inglés).
Washington DC. Archivado desde el
original (http://www.nga.gov/educatio
n/classroom/self_portraits/bio_van_g
ogh.shtm) el 12 de agosto de 2011.
2011.
101. Foundation entoen.nu, ed. (2007).

«The Canon of the Netherlands» (http
s://web.archive.org/web/2009061222
5030/http://www.entoen.nu/default.as
px?lan=e) . De Canon van Nederland
(en inglés). Archivado desde el original
(http://entoen.nu/default.aspx?lan=e)
el 12 de junio de 2009. Consultado el 4
de septiembre de 2011.
102. Leprohon 2004, p. 366.

103. «Sotheby's anuncia en Manhattan que
"Los lirios" de Vincent van Gogh,
vuelve a estar en venta» (http://www.el
pais.com/articulo/cultura/GOGH/_VIN
CENT_VAN_/PINTURA/SOTHEBY/26a
pos/S/Sotheby/s/anuncia/Manhattan/
lirios/Vincent/van/Gogh/vuelve/estar/
venta/elpepicul/19900112elpepicul_6/
Tes) . El País. 12 de enero de 1990.
2011.
104. Fernández, G. theartwolf.com, ed. «Las

pinturas más caras jamás vendidas»
(https://theartwolf.com/es/mercado-d
el-arte/pinturas-mas-caras/) .
2011.
105. Frank, Herbert 1988, p. 120.

106. Elmundo.es Cultura y ocio (31 de julio
de 2008). «Una nueva técnica de rayos
X desvela claramente una pintura
oculta de Van Gogh» (http://www.elmu
ndo.es/elmundo/2008/07/30/cultura/
1217436918.html) . Consultado el 3
de noviembre de 2009.
107. Delft University of Technology (30 de

julio de 2008.). «Hidden' Van Gogh
painting revealed» (https://web.archiv
e.org/web/20110514152232/http://w
ww.tudelft.nl/live/pagina.jsp?id=6383a
391-d2c6-4341-bcd0-62cba4cff50b&)
(en inglés). Archivado desde el original
(http://www.tudelft.nl/live/pagina.jsp?i
d=6383a391-d2c6-4341-bcd0-62cba4c
ff50b&) el 14 de mayo de 2011.
Consultado el 3 de noviembre de
2009. «Una fotografía en este lugar
muestra la antigua imagen de debajo
del cuadro ».
108. «El crimen artístico más impactante

del siglo XXI: el robo de dos obras de
Van Gogh en 3 minutos y 40
segundos» (https://www.bbc.com/mu
ndo/noticias-60046232) . BBC News.
22 de enero de 2022.
109. Las cartas de Van Gogh en el sitio web

del Museo van Gogh (http://www.vang
oghletters.org/vg/)
110. Pomerans, Arnold 1997, i-xxvi.
111. Hughes, Robert 1990, p. 143.
112. Pomerans, Arnold 1997, i-x.
Bibliografía
DDAA (2004). Historia del Arte Espasa.
Barcelona, Espasa-Calpe. ISBN 84-670-
1323-0.
Frank, Herber. Van Gogh. Barcelona,
Salvat Editors. ISBN 84-345-8702-5.
Hughes, Robert (1990). Nothing If Not
Critical (en inglés). Londres, The Harvill
Press. ISBN 0-14-016524-X.
Hughes, Robert (2002). "Introducción".
The Portable Van Gogh (https://archive.o
rg/details/portablevangogh0000gogh)
(en inglés). Nueva York: Universe.
ISBN 0-7893-0803-7.
Hulsker, Jan (1990). Vincent and Theo
van Gogh; A dual biography (https://archi
ve.org/details/vincenttheovango0000hu
ls) (en inglés). Ann Arbor: Fuller
Publications. ISBN 0-940537-05-2.
Lecaldano, Paolo (1976). Noguer, ed. La
obra pictórica completa de Van Gogh (htt
p://books.google.com/books?id=kJuaA
AAACAAJ) . Vol. 1.
ISBN 9788427987326. Consultado el 23
de abril de 2011.
Leprohon, Pierre (2004). Vincent van
Gogh. Madrid: Folio. ISBN 8441320276.
López Blázquez, Manuel i Rebull Trudell,

Melania (1995). Van Gogh 1853-1890.
Madrid, Globus. ISBN 84-8223-116-2.
Mathey, François (1957). Van Gogh:
Auvers-sur-Oise. Barcelona, Editorial
Gustavo Gili.
Monneret, Sophie (1991).
L'Impressionnisme et son époque. Volum
II. París, Robert Laffont. ISBN
222105413 X ( en francés).
Naifeh, Steven; y White Smith, Gregory
(2012). Van Gogh: La vida. Madrid:
Santillana Ediciones Generales.
ISBN 978-84-306-0091-5.
Pomerans, Arnold (1997). The Letters of
Vincent van Gogh (https://archive.org/de
tails/lettersofvincent0000gogh) (en
inglés). Londres: Penguin Books.
ISBN 0-14-044674-5.
Rewald, John (1986). Studies in Post-
Impressionism, The Posthumous Fate of
Vincent van Gogh 1890-1970 (https://arc
hive.org/details/studiesinpostimp0000r
ewa) (en inglés). Harry N. Abrams.
ISBN 0-8109-1632-0.
Thomson, Belinda (2007). La pintura de
Van Gogh. Editorial Blume. ISBN 978-84-
9801-195-1.
Tralbaut, Marc Edo (1981). Vincent van
Gogh, le mal aimé. Alpine Fine Art
Collections (en inglés). Londres:
Macmillan,. ISBN 0-933516-31-2.
Van Gogh, Vicent (1992). Cartas a Théo.
Barcelona, Editorial Labor. ISBN 84-335-
3505-6.
Walther, Ingo (2000). Vincent van Gogh
1853-1890 (https://archive.org/details/vi
ncentvangogh180000walt_k9o0) .
Germany, Taschen. ISBN 3-8228-6193-6.
Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una
galería multimedia sobre Vincent van
Gogh.
Wikiquote alberga frases célebres de o

sobre Vincent van Gogh.
Museo van Gogh (http://www.vangoghm
useum.nl/) , Ámsterdam.
La Galería de Vincent van Gogh. Sitio
avalado por el Museo van Gogh (http://
www.vggallery.com/international/spanis
h)
Obras De Arte Completas De Vincent
van Gogh (https://www.vincentvangogh.
org) (en inglés)
Datos: Q5582
Multimedia: Vincent van Gogh (http
s://commons.wikimedia.org/wiki/Categ
ory:Vincent_van_Gogh) / Q5582 (http
s://commons.wikimedia.org/wiki/Speci
al:MediaSearch?type=image&search=%
22Q5582%22)
Citas célebres: Vincent van Gogh
Obtenido de
«https://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Vincent_van_Gogh&oldid=155669734»
Esta página se editó por última vez el 28 nov 2023
a las 11:06. •
El contenido está disponible bajo la licencia CC
BY-SA 4.0 , salvo que se indique lo contrario.

Vincent Van Gogh

Cargado por

Información del documento

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

Vincent Van Gogh

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

Vincent van Gogh

pintor neerlandés (1853-1890)

Vincent Willem van Gogh (pronunciado

Pintó unos 800 cuadros (entre ellos 43

ellos está Nombre Vincent

familiares.[2] ​ Causa Herida

se marchó como Padres Theodorus

comenzó a dibujar a Pareja Sien

maestros de la Artistas Anton

arte del siglo xx,

La familia de Vincent van Gogh:

Nació el 30 de marzo de 1853. Hijo de un

Durante la infancia acudió a la escuela de

El hermano de Vincent van Gogh,

Desde muy joven mostró un carácter difícil

Cuatro años después fue trasladado a

En mayo de 1875 fue destinado a París,

Cuando entré en la sala

El 10 de enero de 1878, en una carta

A finales de marzo de 1876 regresó a

Pasó unos seis meses en Dordrecht como

Los carboneros y los

Dibujo El sembrador (1881),

Establecido en 1880 en Bruselas hizo

El 12 de abril de 1881 Vincent llegó a Etten

Pero como puedes ver,

Mientras, su vida amorosa tomó un nuevo

El tejedor en el telar (1884), 70 × 85

En Nuenen fue bien recibido por su familia,

La pintura El tejedor en el telar, de mayo de

En el otoño de 1884, se enamoró de nuevo,

Los comedores de patatas (1885),

En un solo día trasladó directamente en la

Esta pintura provocó la ruptura con su

Hay que aclarar que la dureza de la crítica

Seguramente cuando Bernard hablaba de

Durante estos dos años en Nuenen

He leído con mucho

El cuadro Naturaleza muerta con Biblia fue

Cráneo fumando un cigarrillo (1885).

A la izquierda, grabado de Hiroshige

En noviembre de 1885 Van Gogh llegó a

El año 1886 se mudó a París, a vivir junto a

Envidio a los japoneses

Agostina Segatori sentada en el Café

Comenzó a utilizar los colores

Exaltado por la intensidad del clima

Últimos tiempos: Arlés

Melocotonero en flor (1888).

El 21 de febrero de 1888 Van Gogh llega a

Los descargadores en Arlés (1888),

Pintó la naturaleza de los alrededores, los

He pasado una semana

Puesta del sol en Montmajour (1888),

El Museo Van Gogh anunció el 9 de

Al principio de su estancia en Arlés se

Tuvo una buena amistad con Joseph

El Retrato de Eugène Boch fue realizado en

Sembrador a la puesta de sol (1888).

Van Gogh pasó todo el verano pintando

La Casa Amarilla (1888).

Por más que me aprecie,

Autorretrato como un bonzo, dedicado

Retrasó el viaje, disculpándose por carta,

familiares.[2] Causa Herida