UNIDAD II

LAS ARTES PLÁSTICAS

INTRODUCCIÓN

El ser humano necesita expresar ideas, emociones, sentimientos y pensamientos en

otras formas además del habla o la escritura, como lo es a través de las artes
plásticas, uno de los recursos más antiguos de hacerlo, mediante la manipulación
de materiales moldeables, al dibujar o graficar; es decir, a través de la plástica.

Esto es muy importante para nuestra vida: facilita el entendimiento entre miembros
de diversas comunidades en diferentes lugares y épocas, contribuyendo así al
desarrollo de la conciencia humana y al mejoramiento de la comunicación en
sociedad.

Por ello, durante la presente Unidad, abordaremos la clasificación de las artes

plásticas, importancia y características, así como las principales corrientes en cada
uno de los diferentes géneros a nivel mundial, pero sin soslayar la importancia de la
plástica en nuestro país.

Temas:

2.1. Clasificación de las artes plásticas

2.2. Pintura
2.3. Arquitectura
2.4. Escultura
2.5. Artes menores

Autodiagnóstico

La finalidad del Autodiagnóstico es identificar los conocimientos previos que posee el estudiante
respecto a la temática de cada Unidad, sin considerar respuestas correctas o incorrectas, lo
trascendente es destacar la aplicación de la experiencia y preparación individual, así como valorar
en qué aspectos requerimos profundizar y cuáles implicarán un mayor esfuerzo.

Propósito:
Reflexionar sobre algunos de los rasgos distintivos de las artes plásticas: su clasificación, relación
con el entorno y géneros que contemplan.

Instrucciones:

1. Lea con atención las afirmaciones que aparecen en el formulario y, de acuerdo con su
desarrollo académico y experiencia profesional, conteste si considera el juicio como
Verdadero o Falso. A fin de registrar su opinión, coloque el cursor sobre la opción elegida
y dé clic, inmediatamente quedará marcada.

2. Al concluir, revise todas sus respuestas y, si desea modificar alguna, puede hacerlo
mediante el mismo procedimiento.
3. Una vez satisfecho con sus respuestas al formulario revise que sus datos personales sean
correctos y oprima el botón Enviar para remitir su actividad al asesor. Enseguida,
aparecerá una pantalla con sus respuestas y los botones Guardar e Imprimir; realice la
acción que más le convenga para conservar un respaldo de su actividad.

Verdadero Falso

Las artes plásticas han estado siempre presentes en la vida del

hombre.

Se les denomina artes plásticas porque implican trazar , moldear

o manipular diferentes materiales.

La plástica, como todo arte, es para sentirse, no para estudiarse

o apreciarse.

Toda obra plástica contiene una dimensión comunicativa

emblemática, es decir símbolos que aluden a realidades
implícitas.

El arte renacentista se distingue por ser esencialmente religioso,

aun cuando se reconozcan obras maestras de carácter profano.

El periodo barroco se caracteriza por su suntuosidad.

El periodo renacentista se denomina así porque vuelve la vista

sobre el hombre, después de haber estado subsumido a las
creencias religiosas.

La Torre Eiffel no constituye una obra arquitectónica sino una

escultura.

El cubismo se denomina de esta manera por el predominio de las

formas geométricas.

El dadaísmo es una corriente artística de principios del Siglo XX,

inscrita en el periodo de lo que denominamos las vanguardias.

Los surrealistas pretendían suscitar una nueva sensibilidad en el

mundo, regida por la lógica de los sueños.

En México, se puede considerar a José Luis Cuevas dentro de la

corriente de los muralistas.

La escultura destaca de las demás artes plásticas por su carácter

práctico utilitario.

La arquitectura se utiliza exclusivamente para la construcción de

obras habitacionales.

En el arte existe siempre la belleza formal de acuerdo a cada

cultura y tiempo.

La pintura se destaca por ser un arte que tiene volumen.

 La escultura es de vital importancia en los testimonios de la
antigüedad por haber resistido las inclemencias y desarrollo del
tiempo.

Las creaciones populares tales como la alfarería, los textiles y el

tallado de madera representan manifestaciones artísticas.

2.1. Clasificación de las artes plásticas

a) Clasificación conceptual

La plástica influye en nosotros sin importar la edad, educación o condición social. Se dirigen a
todos los individuos y pueden ser gozados y comprendidos por ellos, pues todos tenemos
sensibilidad, llevamos dentro algo de artistas, y sin ser necesariamente expertos, podemos
disfrutarlas. Por supuesto que algunos conocimientos nos ayudarán a apreciar mejor una obra de
arte y poder sentir mayor o menor placer al observarla.

 ¿Qué son las artes plásticas?

El término artes plásticas denomina este arte que implica un saber hacer, sobre la materia.
Formar y conformar ideas con distintos materiales mediante acciones como la pintura y el dibujo
(gráficas), y la arquitectura y escultura (plásticas); es decir, las artes plásticas representan un
conjunto de acciones y actividades de tipo gráfico-plástico, en donde interviene la vista y el tacto
para apreciarlas, estimular nuestra imaginación y pensamiento.
  ¿Qué apreciamos con las artes plásticas?

La plástica, como todo arte, es para sentir y apreciarse, para descubrir nuevos aspectos que
permitan tener otras experiencias e identificar componentes para su aplicación, la interpretación y
la crítica o incluso como cultura general. En ocasiones, puede considerarse que un exceso en la
perspectiva analítica, nos limitará la sensibilidad y, aunque ello es un riesgo latente, también es
un apoyo importante para la observación estética.

Aunque no existe una sola perspectiva y método de apreciación, existen algunos aspectos en los
que confluyen diversos autores, los cuales son de utilidad para la apreciación de la plástica y que
describimos en tres apartados: recursos, elementos y dimensión comunicativa.

Entre los recursos consideramos los siguientes:

Los elementos de apreciación artística los dividimos en primarios y secundarios, los cuales se
dividen a su vez de la siguiente manera:

Primarios:
Secundarios:

Dimensión comunicativa:

En la primera Unidad mencionamos cómo el arte comunica ideas y sentimientos, veamos ahora
otros elementos comunicativos particulares de las obras plásticas.
Las diferentes manifestaciones de la plástica (pintura, escultura, arquitectura y artesanías),
además de su forma, espacio, color, luz, sombra, volumen y plano, permiten apreciar el trabajo de
mucha gente, así como el sentir del hombre en algunos momentos de la historia, su pensamiento,
forma de vida, creencias y hasta temores, lo cual se ve reflejado en el contenido y los materiales
de sus obras.

Actualmente, el ritmo de vida tan dinámico y las necesidades sociales exigen constantes cambios
y posibilitan otras alternativas, lo que se ve reflejado en el contenido y materiales de las obras
plásticas. La búsqueda de materiales diversos es evidente: empleo de diferentes metales, arena,
cera, acrílicos, resinas, madera, pastas, estopa, fibras, etc., lo cual enriquece las técnicas puras,
dando nuevas opciones a los problemas de la forma y de la plástica.

Así, en una obra de arte no se puede separar la forma del contenido; los materiales, de lo que
comunica visualmente a quien la observa, al expresar alegría, placer, tristeza, repulsión,
desagrado. Una máscara de Oceanía o un pectoral ceremonial de la cultura zapoteca; alguna
pirámide prehispánica o cualquiera de los templos de Grecia, por mencionar algunos ejemplos,
fueron creados con fines mágico-religioso, y hoy son contemplados como obras de arte que nos
dan idea de lo más representativo de su época, tal y como sucede con las obras plásticas de
nuestros días.

 ¿Qué podemos destacar de una obra de arte?

Entre los varios elementos que conforman una obra de arte, podemos destacar tres:

Al realizar un dibujo, un modelado, o una maqueta, tenemos presentes estos elementos: nuestra
idea de belleza, la forma que toma la materia y lo que queremos expresar.

La obra de arte se halla determinada por el conjunto que resulta del estado general del espíritu,
las costumbres ambientales y la materia.

 Clasificación formal

Las artes plásticas están agrupadas en la pintura, escultura y arquitectura (artes visuales). A estas
tres disciplinas se les ha llamado artes mayores, y a las artesanías, artes menores. Estas últimas
se basan principalmente en las técnicas de modelado, grabado y tallado. Algunas de éstas son:
alfarería, cestería, tejido, orfebrería, cerámica, talabartería, etc., a las cuales identificamos con
algunas actividades artísticas populares originarias de diversas regiones.

En este complejo total existe un común denominador que es el dibujo, el medio de expresión que
tiene una función parcial pero muy importante en las artes plásticas: nos servimos de éste para
delimitar las formas y darle estructura al plano cuando preparamos un lienzo para óleo o un papel
para la acuarela, cuando se boceta una idea para modelar, cuando se hace un proyecto para una
escultura, o el de una construcción manual o arquitectónica y para todas las demás artes
plásticas, sin soslayar la importancia que reviste por sí mismo.

b) Clasificación histórica

Sin pretender hacer un análisis exhaustivo de las etapas de la plástica, que rebasaría las
posibilidades y propósitos de esta materia en línea, debido a las diversas corrientes y autores
implicados a lo largo del tiempo y las civilizaciones, a continuación describiremos las principales
características y representantes de la plástica, retomando básicamente el modelo planteado por
William Fleming (1999), dividida en 5 grandes etapas:
  Arte antiguo

Contempla desde la era de la prehistoria hasta el Siglo V de nuestra era, e incluye la génesis de
las artes, el estilo helénico, helenístico y romano. En este sentido, es el período más amplio dentro
de la presente clasificación y del que menos información se posee.

En la génesis ubicamos principalmente dibujos en cuevas; el estilo helénico tiene un sentido

general, que señala todo lo referente a la antigua Grecia; el estilo helenístico se utiliza para definir
el fenómeno de la extensión de la herencia cultural griega, más allá de los límites del mar Egeo,
que el arte romano acepta y consagra manteniendo los valores y arte griegos.
En el arte antiguo aludimos tanto a obras de la prehistoria, como a las derivadas del arte griego y
romano, caracterizados por la exaltación del hombre y el cuerpo humano. Ya en la época
helenísta, la escultura adquiere caracteres de monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo
grotesco, lo episódico y el retrato pasa a primer plano. No obstante que muchos de los artistas de
esta época son anónimos, podemos mencionar a pintores y escultores como Escopas, Apeles y
Boeto.

Aunque el arte romano se apropió de las columnas dóricas, jónicas y corintias de Grecia, su
mayor interés consistió no tanto en imitar la perfección de las proporciones griegas, sino en lograr
grandes obras de ingeniería como acueductos, puentes, carreteras y gigantescas cúpulas que
pretendieron construirse para durar eternamente.

 Periodo Medieval

Comprende desde el Siglo V al Siglo XIV y se caracteriza por ser esencialmente religioso, aun
cuando se reconozcan obras maestras de carácter profano. Se reconoce dentro de este período los
estilos: paleocristiano romano y bizantino, románico monástico, feudal románico y gótico.

El arte bizantino nace cuando Constantino hace de Bizancio la capital del imperio romano de
oriente. Esta expresión mantuvo importantes rasgos de la cultura greco-latina, pudiendo
considerarse un arte puente entre la antigüedad y el futuro renacimiento. En esta época se
produce el culto a las imágenes en que se centra toda la vida bizantina, de ahí que el término
bizantino se utilice como sinónimo de superficial. Los artistas realizaban excelentes mosaicos
centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras
poseen un hieratismo bastante acentuado, distinguido por su colocación de frente.

Por último, aparece el arte o estilo Gótico en Europa, llamado así un tanto despectivamente en el
sentido de bárbaro, por suponerse que sus creadores habían sido los pueblos germánicos que
ocupaban el centro de Europa, a los que se denominaba Godos. También se conoce este arte como
Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de
lanza de filos curvos.
Conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase
burguesa, el desarrollo comercial y la industrialización; el arte gótico fue expresivo y realista,
manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad
pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. La pintura casi
desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios.

 Renacimiento

Se denomina al periodo entre los siglos XIV y XVI de la historia europea, cuya característica
primordial es el renovado interés por el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte.
Inició en Italia, particularmente en Florencia, bajo el signo del humanismo.

Desde el punto de vista ético y estético constituye la liberalización de los vínculos con el concepto
de vida cristiano, el arte ya no constituye un servicio anónimo, ofrecido a Dios y la iglesia, sino un
producto personal en honor a la belleza, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la
pintura.

Como apunta Mónica Diez de la Cortina (s/f) el término deriva de la expresión italiana rinascita,
usado por primera vez por Petrarca y revalorada por el arquitecto Giorgio Vasari, para referirse a
un movimiento que hace resucitar en el arte y la cultura los valores espirituales de la antigüedad
clásica. El término empieza a utilizarse hasta el Siglo XVI, pero no será consagrado en sentido
histórico, social y cultural sino hasta mediados del Siglo XIX.

Se considera que entre algunas de las razones por las que surge el renacimiento se encuentran: la
conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos grecorromanos,
los cuales buscaron recuperar otros sectores de la sociedad, así como el uso del latín como lengua
culta, que facilitaba la lectura de las obras clásicas.

El manierismo, es el puente entre el renacimiento y el barroco, y se distingue por ser un estilo

donde los personajes involucrados sufren tremendas distorsiones en sus anatomías, con la idea de
llevar al extremo las reglas fijadas durante el renacimiento. Esta corriente fue patrocinada por
círculos independientes como las cortes de ciertos príncipes y núcleos de intelectuales, siendo apto
sólo para iniciados y gustos exquisitos, capaces de apreciar los significados ocultos de la violación
y retorcimiento de las reglas pictóricas, como la Corte de Rodolfo II en Praga, los círculos papales,
la república veneciana y El Greco, nombre con el que se conoce popularmente a Doménikos
Theotokópoulos, uno de los artistas que mejor supo entender y desarrollar el Manierismo.
Diez de la Cortina (s/f) señala que “El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la
historia universal que marcó el paso de mundo Medieval al mundo Moderno. Es un fenómeno muy
complejo que impregnó todos los ámbitos yendo por tanto, más allá de lo puramente artístico
como ha querido verse”.

 Barroco

Comprende una etapa entre los siglos XVI y XVIII, en el que se distinguen estilos como el barroco
en Venecia, el de la contrarreforma, aristocrático, burgués, la síntesis barroca y los estilos del
Siglo XVIII como el rococó. Si bien el término se asocia en ocasiones con el francés baroque,
extravagante, y en otras con el significado portugués de perla irregular, constituye en esencia la
suntuosidad en oposición a la reforma luterana que pretendía establecer la austeridad en la
Iglesia.

Si bien inicia en Italia, rápidamente se extiende por diversos países, ámbitos y sectores sociales
desarrollando características propias, entre las que predomina una marcada predilección por el
naturalismo, el dinamismo, el manejo de luces y sombras, así como la intensidad dramática,
efectos ópticos y esquemas asimétricos. Las vestimentas en retratos de la clase social alta son
más adornadas y en Italia se reconocen dos corrientes pictóricas predominantes: ecléctica y
clasicista.

Como diría Carolina Guerra (s/f):

El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos [.]. Frente a la tendencia
protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración, la iglesia
católica usó para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la complejidad barrocas. El papado
reaccionó contra la división que provocó la reforma iniciada por Lutero generando el movimiento
que se conoció como la Contrarreforma. La arquitectura, la escultura y la pintura fueron utilizadas
para el prestigio de la autoridad papal e ilustrar las verdades de la fe. En este sentido se puede
afirmar que el barroco es la expresión estética de la Contrarreforma. La monarquía utilizó la
magnificencia de este arte para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o
en la sociedad. La burguesía de la época, que había logrado obtener un papel muy notable, utilizó
el Barroco para expresar sus ideas y trascender más allá de su época.

El rococó que sucedió al barroco y precedió al neoclásico, proviene de los vocablos franceses
rocaille (piedritas) y coquille (concha), así como de rocaille que designaba en el Siglo XVII la
decoración de grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El rococó es al barroco lo que el
manierismo fue al renacimiento: enfatiza sus características y se integra a los paisajes, aprovecha
los reflejos en agua y espejos, favorece la ilusión que no permite definir límites claros entre las
partes o entre el sueño y la realidad.
  Periodo moderno

La revolución francesa, las guerras napoleónicas, así como las dos guerras mundiales, enlistan una
serie de revueltas que pernearon durante este período aun cuando, conviene precisarlo, no
estamos hablando de un común denominador, los estilos que se manejan frecuentemente en esta
etapa son los de: estilo neoclásico, romántico, realista e impresionista, y contemporáneos. Estos
últimos los abordaremos posteriormente.

Estilo neoclásico

El estilo neoclásico fue un movimiento iniciado en Europa en el Siglo XVIII -consecuentemente al

desgaste de las culturas barrocas- que aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo
característicos de la Grecia y Roma antiguas e influenciado por descubrimientos arqueológicos
como los de Pompeya y Herculano. El color pasa a un segundo plano y adquiere especial
relevancia el dibujo.

Romanticismo

Aparece en Francia a principios del Siglo XIX como una reacción violenta contra la frialdad del
neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era imaginación,
pasión e infinito. El artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas,
no hay reglas fijas, sino que cada artista puede manifestarse según su gusto y según las
exigencias de la propia obra.

Lo importante es lo que el artista expresa y no cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y

debe estar determinada por la naturaleza del contenido. En este período se nombran arquitectos
como Ricardo Upjohn, Eugenio Viollet-le-Duc, y Juan Nash; escultores como Francisco Rude, Juan
Pedro Cortot; y pintores como Eugenio Delacroix y Jean François Millet.

Realismo

El realismo surge en oposición al idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una realidad

objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su ambiente habitual,
y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El término realismo fue
adoptado por un movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y
que tuvo como principal representante a Gustave Courbet, cuya pintura representa inquietudes
sociales de Europa a mediados del Siglo XIX.

Entre los temas sacados de la vida real, destacan los de la población humilde y trabajadora,
expuestos con sentido de crítica social. Presentan lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos. El
dibujo es vigoroso, aunque no sea correcto; el colorido es sobrio y se refleja el interés por los
contrastes del claroscuro. La técnica proporciona la más completa identificación entre lo pintado y
la naturaleza. Entre sus representantes se encuentran: Courbet, Daumier y Rousseau.

Impresionismo

El nombre de impresionismo, deriva de la primera exposición presentada en 1874 y el nombre les

fue aplicado por los críticos con intención de ridiculizarlos. El impresionismo nace como evolución
del realismo y de la escuela paisajística francesa de finales del Siglo XIX. El preludio de este estilo
se encuentra en 1863, con la creación del Salon des Refusés, a modo de contestación de los
Salones Oficiales de Otoño, que mantenían un arte estancado y carente de originalidad.

La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura fue resultado del nuevo análisis científico
de los colores. El fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre la base de que a nivel
cerebral las manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da por
resultado un color verde si se miran desde cierta distancia. La combinación de colores puros ya no
se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro del espectador el que los una para
formar así las figuras.

En el plano social y filosófico florece la burguesía y el positivismo. Es el tiempo de la revolución

industrial que implica el desplazamiento de grandes sectores de la población en el campo, el
crecimiento de las urbes, con lo que grandes zonas agrícolas dejan su lugar de trabajo para
convertirse en espacio de ocio, de ahí las excursiones campestres dibujadas por Monet y Renoir.
De acuerdo con Artehistoria (2001).

La ciudad […], se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los flanneurs,
paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los boulevards y los jardines de París.
También cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes
de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias. Es un mundo fascinante, del cual los impresionistas
extraen sus temas: en especial Degas o Toulouse-Lautrec. Porque para ellos se han terminado los
temas grandiosos del pasado. El positivismo acarrea una concepción de objetividad de la
percepción, de un criterio científico que resta valor a todo lo que no sea clasificable según las
leyes del color y de la óptica.

Se consideran iniciadores del Impresionismo a los artistas Claude Monet, Pedro Augusto Renoir,
Edouard Manet y Camille Pizarro. A la par de los grupos impresionistas, nace un nuevo grupo de
pintores que logran perfeccionar las técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por este
movimiento, estos son llamados neoimpresionistas o postimpresionistas, entre los que destacan
Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri Toulouse Lautrec. Entre los escultores
arquitectos podemos mencionar a Gustavo Eiffel y Jorge Eugenio Asuman; mientras que entre los
escultores destacan Juan Bautista Carpeaux y Auguste Rodin.

La plástica contemporánea será abordada más adelante en los temas 2.2., 2.3. y 2.4.,
correspondientes a la arquitectura, el arte pictórico y escultórico. Por lo pronto, como enlace entre
este tema y los subsecuentes adelantaremos que el expresionismo fue un movimiento artístico
plástico emparentado con la literatura, nacido a fines del Siglo XIX en Alemania y en los países del
norte de Europa, que se extiende hasta bien entrado el Siglo XX. Destacan en artistas como:
Edward Munch, Gustav Kimt, Basilio Kandinsky, Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges Rouault.
Su objetivo principal fue provocar impetuosas reacciones del espectador, a través de ingeniosas
formas y rígido colorido.

2.2. Pintura

A continuación expondremos diversas corrientes pictóricas del Siglo XX, varias de las cuales
influyeron en otras artes pero es más evidente su registro en la pintura.

Los reyes y nobles de los siglos XVII y XVIII invirtieron largas horas posando para que el artista
del momento los inmortalizara en una retrato. Las costumbres, vestuarios, escenarios de vida,
prioridades de épocas, escenas cotidianas, problemas y luchas sociales, han sido atrapadas y
recreadas por el artista, lo que hace de la pintura un elemento de goce estético y un documento
que invita al estudio y al análisis de las épocas en las que se produjo. Bajo esta perspectiva, la
plástica del Siglo XX se presenta como una gama de posibilidades expresivas que representan la
evolución de las ideas a lo largo del siglo.

Como dijera María de Lourdes López Gutiérrez (2005) el estudio de los movimientos artísticos en
la pintura corre el riesgo de caer en una lista interminable de obras y autores, por lo que
seguiremos el propio esquema propuesto por la autora para la obra pictórica del Siglo XX, a partir
de tres grandes bloques: Vanguardia, Posguerra y Posmodernidad.

a) Vanguardia

Comprende las tres primeras décadas del Siglo XX, estableciendo las bases de la modernidad en
movimientos artísticos como el fauvismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo y surrealismo.

El entorno en que surgen estas corrientes está marcado por el predominio de la modernidad como
el gran proyecto, sustentado en la urbanización, la ciencia y la técnica. En París, capital cultural de
occidente, el metro aceleraba la vida de la gente, el uso del teléfono se masificaba, apareció el
modelo “T” de la Ford e iniciaban los primeros vuelos en avión; por tanto, es un concepto aplicable
no sólo a las artes sino a otras ramas del quehacer humano.

A los movimientos que se presentaron en esta época se les conoce como “las vanguardias”, lo que
no supone que movimientos posteriores no tuvieran el carácter vanguardista. Este período
comprende:

 Fauvismo

Esta corriente como toda innovación artística, surge como reacción a los convencionalismos,
principalmente en el manejo del ritmo y del color. El término proviene de fauve, fiera, y fue
bautizado así para establecer un símil con lo feroz de sus formas y colores, como se aprecia en la
pintura de Henry Mattisse, una de las figuras más relevante de esta corriente.

Además, es marcada en esta corriente la exploración de una libertad total ante la naturaleza,
aunque sin caer en la tentación de destruirla, como ocurrirá a partir del cubismo. Esta libertad se
manifiesta en la primacía del color en detrimento, muchas veces de la forma, obligando a ésta a
ser más expresiva que fiel a la realidad.

Según Mattise, el color no debe concordar obligatoriamente con los tonos reales del objeto, sino
que debe utilizarse como valor propio, exaltando las formas de la naturaleza.

 Cubismo

Esta corriente encuentra sus orígenes en los trazos geométricos que empezaron a aparecer en las
obras de Paul Cezzanne, que redujo las formas básicas de la naturaleza y de los objetos,
componiendo sus cuadros con base en líneas, triángulos, rectángulos.

En el mundo del arte, un crítico se refirió a la obra de George Braque, otro iniciador del cubismo,
como “esquemas geométricos y cubos”, de ahí el nombre de esta corriente.
El término cubismo, implica un riguroso sistema plástico presente no sólo en la pintura, sino en la
escultura, arquitectura y otras artes.

El cubismo es un movimiento dinámico y analítico: analiza la naturaleza de las formas que

componen el objeto, creando nuevos espacios pictóricos. Los pintores cubistas muestran un gusto
especial por el orden y la pureza de las formas, pero sobre todo preocupado por el tratamiento de
uno de los problemas desde el renacimiento: la relación de un objeto con el espacio en que es
visto.

Tres de los pintores cubistas más relevantes son: G. Braque, Paul Cezanne y Pablo Picasso.

De los cuadros cubistas de Picasso hay que recordar Las señoritas de Avignon, Guitarra, El
Guernica. Otro ejemplo de la pintura cubista es La torre Eiffel de Delanuy.

El cubismo, deriva en el estilo futurista, que da la impresión de proyectar el futuro utilizando la

perspectiva y la síntesis de las formas. El futurismo sería una visión adoptada por artistas de
vanguardia: arquitectos, poetas, pintores y cineastas, que muestran su preocupación y visión de
un porvenir deshumanizado y gobernado por la tecnología. Ejemplo de esto es el Manifiesto
futurista de 1912 del poeta y dramaturgo soviético Vladimir Mayakovskt.

 Expresionismo y arte abstracto

El expresionismo, más que un corriente o escuela formada por un grupo determinado de artistas,
puede considerarse una tendencia en la que convergen pintores, cineastas y artistas plásticos con
un fuerte contenido psicológico y agresivo en sus obras, como reacción al carácter sensitivo y
superficial del impresionismo.

Los expresionistas buscaron despertar, sacudir y asustar a su público, no adormecerlo con las
utopías imposibles del romanticismo. Alemania, cuna del expresionismo, ha dado al mundo las
principales corrientes filosóficas de los siglos XIX y XX, sus artistas has aludido siempre a fuertes
contenidos sociales y psicológicos, reflejados en la música, la literatura, la pintura y el cine.
 Según sus raíces, en alemán, expresar significa también “exprimir” o “retorcer”, con lo que se
puede aludir a un arte basado en la exasperación de la expresión.

Los teóricos del arte, han definido como común denominador del arte expresionista “Las
deformaciones emocionales de las formas naturales con que el hombre trata de expresar el
desasosiego y la angustia que siente frente a una naturaleza fundamentalmente hostil e
inhumana”.

El expresionismo se manifiesta fundamentalmente en dos tendencias:

De Kandinsky es la primera obra pictórica abstracta, denominada Primera acuarela abstracta, es

decir, que no representa ningún objeto ni forma de la naturaleza. Según sus propias palabras, se
puede definir el arte abstracto con las siguientes impresiones: “me vi de pronto ante un cuadro de
belleza indescriptible. El cuadro carecía de todo tema: no describía objeto alguno identificable, y
estaba totalmente compuesto de brillantes manchas de color. Finalmente, me acerqué y reconocí
lo que era realmente: mi propio cuadro puesto de perfil sobre el caballete… Una cosa se me hizo
manifiesta: la objetividad, la descripción de los objetos no era necesaria en mis pinturas, y,
realmente las perjudicaba” (Kandinsky).

Se planteaba un nuevo problema en el arte: ¿se podría estructurar un lenguaje con el color y la
forma, sin representación de objetos? Kandinsky se convierte así en una de las figuras más
importantes del arte del Siglo XX, al mostrar las posibilidades expresivas de las formas plásticas.
  Dadá o Dadaísmo

López Gutiérrez (2005) nos dice que el movimiento dadá nació en un lugar denominado Cabaret
Voltaire, de Hugo Ball, quien fomentó las manifestaciones pictóricas, literarias, de canto y danza
en forma integral, como parte del arte total en el que Ball creía, de modo que los asistentes
recitaban poemas, ready mades (objetos hechos en el momento y para el momento).

Era un espacio artístico en el que confluían muchos intelectuales en búsqueda de un refugio ante
la guerra. Dadá no es nada, decían los dadaístas, pero se constituyeron como movimiento irónico,
sarcástico y de alta provocación intelectual. Un objeto dadá ideal es “un cuchillo sin hoja cuyo
mango se ha perdido”.

Los personajes dadaístas son poéticos, sorprendentes, rompen el orden y las formas
convencionales, provocando el enojo o la turbación de la gente, considerado como “masa
soñolienta”. Dadá, fundamenta su producción artística en la exploración del azar y la creación
irracional y espontánea: “tómese un texto cualquiera, recorte las palabras y revuélvalas en una
bolsa, sáquelas al azar y obtendrá usted un poema dadá”.

Dadá es también un ansioso anhelo de libertad, de escapar a los cánones académicos del arte y su
sofisticado sistema de cotización.

Para el dadá, un objeto cualquiera se convierte en obra de arte, al momento de ser declarado
como tal.

A Marcel Duchamp le debe el mundo su famoso Porta botellas, que consiste en el objeto volteado
de cabeza y expuesto como obra artística.

Estas obras causaron indignación y fueron consideradas como tomaduras de pelo, sin embargo,
acabaron no sólo siendo aceptadas, sino desacralizado los valores del arte, su concepción, y
abrieron paso a la explosión plástica del siglo. Muchos artistas del dadá simpatizaron
posteriormente con las tesis surrealistas.

 Surrealismo

Entre 1921 y 1924 se gestó el movimiento surrealista, precedido por el dadá, con el cual comparte
la desacralización de los valores morales. El término proviene de los vocablos franceses sur
(sobre) y realism (realista).

Los surrealistas, a diferencia del dadaísmo, estaban preocupados en cambiar la concepción de la

vida y suscitar una nueva sensibilidad en el mundo, regida por la lógica de los sueños.
Incursionaron en la poesía, concebida como la expresión más adecuada, a través de la cual se
dieron a conocer en varias publicaciones. Los escritos surrealistas provenían de la escritura
automática, no consciente.

Para ellos el sueño es una “segunda vida”, que ayuda a liberar el espíritu de todo freno impuesto
por la razón.
Nombres importantes del surrealismo son Antonin Artaud, escritor, guionista y teórico del teatro, y
el poeta Paul Eluard. Muchos dadaístas fueron entusiastas seguidores del surrealismo, como
Picabia y Duchamp.

El surrealismo habría de tener una influencia enorme en el arte del siglo. No sólo existió como
corriente, sino que se ha convertido en un estilo, presente en la pintura, el diseño gráfico y, en
general, en las artes visuales contemporáneas, incluso en México.

 Escuela de París

Aunque tiene su surgimiento a principios del Siglo XX, logra mantenerse hasta el periodo de
entreguerras. Iturburu, Córdova (s/f) nos dice que “fue una corriente o tendencia de carácter
internacional formada por personalidades estéticamente independientes y de los orígenes
nacionales más diversos sobre quienes gravitó, esencialmente, la gran lección de libertad creadora
impartida por los movimientos de vanguardia”.

Esta corriente se conforma en esencia con pintores extranjeros en París, cuyo objetivo es:
“reafirmar la imagen de París como capital de las artes y anclar las innovaciones iniciadas desde
1941 en la prolongación de las vanguardias de principio de siglo. […] A partir de 1946, esta
federación de pintores, que había podido unir bajo la ocupación una solidaridad de combate,
encubre muy profundas divergencias estéticas, y después engloba, en los años cincuenta, a la casi
totalidad de la creación artística en Francia” en este grupo participaron importantes artistas como:
Modigliani, Chagall, Soutine, Kisling y Pascin. (Escuela de París s/f).

Uno de los artistas más representativos es Marc Chagal, nacido en Rusia, quien enriqueció su obra
“con los atrevimientos resonantes de los fauves y su dibujo alcanzó una expresividad poderosa a
través de las deformaciones aprendidas de los expresionistas en tanto que de los cubistas y de los
futuristas recibió no pocas sugestiones relacionadas con la equilibrada construcción del cuadro o la
atrevida materialización del movimiento”. Iturburu, Córdova (s/f)
  Muralismo en México

De las corrientes de vanguardia, algunas tuvieron influencia en México, especialmente en el

muralismo, aunque adaptado al propio proceso histórico. En nuestro país, con el movimiento
revolucionario de principios de siglo existe un sentimiento de recuperación de la identidad nacional
que permea en el arte, particularmente a partir de la cultura indígena, como a través de la
tradicional Catrina de Guadalupe Posada que rescata la relación miedo-burla, tan arraigada a la
cultura popular mexicana.

En esta filosofía de nacionalismo surge el movimiento muralista y se consolida el arte pictórico

mexicano, con proyección internacional.

Este arte sobre muros adquiere cierta influencia europea, sobre todo porque algunos pintores
mexicanos realizaron estudios en el viejo continente, donde predominaban las vanguardias.

Entre sus exponentes destacan Gerardo Murillo, conocido como el Dr. Atl, primer pintor en
conseguir como miembro de la academia de San Carlos, pintar un edificio público.

Los representantes fundamentales del muralismo en México son: Diego Rivera, José Clemente
Orozco y David Alfaro Siqueiros, quienes fundaron el renacimiento mural. Cuando Bretón viajó a
México logró fuerte relación con los muralistas y de ahí derivó una exposición surrealista en
México, en la que se incluyeron obras de Rivera, Siqueiros, Frida Kahlo, Carlos Mérida, Manuel
Álvarez Bravo y Guillermo Meza. Después de esta exposición algunos pintores evidencian la
influencia surrealista como: Juan O’ Gorman, María Izquierdo, Francisco Toledo o Raúl Anguiano.

El muralismo también tuvo influencia en la pintura de caballete, sobre todo plasmada en la obra
de Rufino Tamayo, que sintetizan la visión de un mundo prehispánico, en una pintura llena de
humor, ironía y ambigüedad.

b) Tendencias de la postguerra

Los conflictos bélicos impactaron fuertemente en el ánimo y la cultura de los pueblos, así como en
la instauración de una geopolítica diferente. En este marco destacan las siguientes corrientes:

 Art Informel

Los exponentes de este género prescinden de la forma y experimentan con diversos materiales
como madera, polvo de mármol, y barro, reflejándose en sus obras diferentes texturas y formas
libres.

Entre sus representantes se encuentar Antonio Tapies y Alberto Burri, en sus obras hay una
mezcla de graffiti y abstracción. También se encuentra el grup COBRA, nombre retomado de las
ciudades de origen de sus representantes: Copenhague, Bruselas y Ámsterdam.

 Expresionismo abstracto

Después de la guerra, Estados Unidos empieza a convertirse en importante centro artístico, como
lo había sido Europa en la primera mitad del siglo. Ello como resultado de que artistas europeos:
pintores, cineastas, escritores, músicos, viajan a este país, en donde encuentran un campo más
adecuado que la Europa en reconstrucción para su producción artística. Son muchas las corrientes
y estilos que surgen en este periodo.

El expresionismo abstracto, tomaría del expresionismo la fuerza y el tono agresivo de la pintura,

sin representación de objetos – de ahí lo abstracto- y del surrealismo la fluidez no consciente o no
razonada de la expresión.

Sus principales representantes son Willem de Kooning y Jackson Pollock, de trascendencia

internacional, creador del “drip” o “dripping”, técnica que consistía en chorrear la pintura sobre el
lienzo. Su influencia deriva en el Action Painting, basado en la violencia y en la acción liberadora
de arrojar la pintura al lienzo, lo que obligó a utilizar formatos enormes.
  México y la ruptura

En el ámbito de la plástica mexicana, en la década del cincuenta, el nacionalismo y muralismo

habían perdido influencia y artistas como Tamayo y Carlos Mérida habían planteado desde el
principio una posición individual con respecto a los valores estéticos de la pintura mural.

En este marco, surge la ruptura con el muralismo y la búsqueda de nuevos conceptos, lo cual se
hizo evidente en la obra de pintoras como Frida Kahlo y María Izquierdo. Otros precursores serían
Pedro Coronel y Gunter Gerzo, pioneros del arte abstracto en México.

c) La posmodernidad

Las promesas del industrialismo y la modernidad parecían haberse puesto en tela de juicio
después de los conflictos armados, la masificación como producto de crecimiento y urbanización,
pero también del consumo masivo y patrones culturales que parecen orientar el pensamiento, crea
animadversiones en las que surgen las nuevas corrientes artísticas como las siguientes:

 El Arte Pop

Paris Review. Al Pop le anteceden los combine-paintings de Rauschenbeg, la obra de Jasper Johns
y el ready- made, con influencia del dadá, que consiste en un objeto creado en el momento y para
el momento.

Desde los 50's, la producción en serie, el crecimiento de la población potencialmente consumidora

y el vertiginoso desarrollo de los medios de comunicación fortalecen la llamada cultura de masas,
fundamentada en el consumo no sólo de productos puramente mercantiles, sino de elementos
culturales.

Los grandes representantes del pop son, sin duda, Andy Warhol, con sus famosos cuadros de sopa
Campblell's o las reproducciones en serie de Elvis, y Roy Lichtenstain, quien pintó enormes
comics, ridiculizando esta popular expresión y poniendo en evidencia la violencia que transmiten.
El arte pop genera la estética pop, que sintetiza valores pictóricos y publicitarios. Abundan carteles
llenos de color, formas de la naturaleza como flores, arcoiris, nubes y también elementos
religiosos. Invaden el terreno de la moda las telas estampadas, las minifaldas, las mallas de
colores.

Los sesenta fueron también escenario del fenómeno de la psicodelia, que tiene sus orígenes en la
experimentación con drogas que distorsionan la percepción humana, como el LSD (dietilamida del
ácido lisérgico). La psicodelia tuvo gran influencia en la música y en la plástica, no sólo en el arte,
sino en el diseño de portadas o el cartel entre otras manifestaciones.

 Op-Art

La corriente más importante en el ámbito del “juego” con la percepción humana es el Op-art u
optical-art, que con base en las teorías de la Gestalt y de otros estudios y experimentos de la
percepción, genera obras que permiten percibir figuras en diferentes perspectivas. Abundan las
composiciones geométricas, los caleidoscopios, el uso de la luz y los espejos como parte de la obra
plástica.
En forma paralela al optical-art surge el arte cinético, es decir, de formas en movimiento. Esto
trae consigo, además, una concepción nueva del arte, que conjuga así la pintura, la escultura, la
música y la técnica. El espacialismo utiliza estructuras, espacios y conceptos tridimensionales.

La inserción de la fotografía y el uso de diversos objetos como componentes dan origen a nuevas
formas plásticas, como el arte del desperdicio. Las formas tradicionales son, así, cuestionadas
constantemente, como los postulados del arte conceptual: ¿es una obra de arte un atardecer, con
el hecho de ser declarada como tal?

 México a partir de los años sesenta

En los inicios de la década del sesenta aparece el grupo denominado Los Interioristas, cuya
propuesta intenta equilibrar el realismo social y el abstraccionismo, defendiendo sus ideas contra
el academisismo.

En este grupo también participó José Luis Cuevas, uno de los detractores más enérgicos contra la
Cortina del Nopal, nombre con el que se denominaba de manera peyorativa al muralismo, por
considerar que estaba cerrado a temas y expresiones distintas.

López Gutiérrez (2005) nos dice que a partir del movimiento estudiantil de 1968, hay un fuerte
viraje de la población hacia las demandas y condiciones de la sociedad, con lo que el arte
mexicano se vincula a la cultura mundial de la denuncia. Más tarde hay un resurgimiento de
figuración y abstracción así como un proceso de “deconstrucción de la realidad, para recomponerla
a partir de valores y símbolos propios de los movimientos de vanguardia, representados en la
modernidad”.
 Actividad de Aprendizaje 2.1.

Propósito:

Identificar diversos aspectos que intervienen en la obra pictórica, elementos de composición e

interpretaciones.

Instrucciones:

Esta actividad consta de dos partes: en la primera se abordan los aspectos que componen una
pintura, mientras que la segunda consiste en retomar los elementos vistos en la presente
Asignatura para elaborar un comentario creativo hacia una obra plástica.

Etapa 1

1. Acuda al Centro de Documentación Virtual y lea el contenido de la lectura denominada Las

Bellas Artes, en la que podrá distinguir diversos elementos de la pintura como: línea,
contorno, tono, composición, ritmo, espacio, equilibrio de pesos y división del cuadro.

2. Posteriormente, encontrará tres imágenes, describa los aspectos que se solicitan de

acuerdo a la lectura propuesta. Cuenta con un formulario dispuesto para tal fin.
3. Después de completar el formulario encontrará una pregunta respecto a la obra que le
agradó más. Responda dicha pregunta.
4. Finalmente, deberá oprimir el botón de Enviar para hacer llegar su actividad al asesor,
enseguida se desplegarán los botones de Guardar e Imprimir, elija alguno para conservar
un respaldo de su información.
Etapa 2

1. En este momento de la actividad encontrará algunas representaciones pictóricas y su

ficha, de las cuales usted deberá investigar los datos generales de la obra, del artista
plástico y la temática, acorde con los requerimientos solicitados en el formulario dispuesto
para tal fin.
2. Finalmente, deberá oprimir el botón de Enviar para hacer llegar su actividad al asesor,
enseguida se desplegarán los botones de Guardar e Imprimir, elija alguno para conservar
un respaldo de su información.

Referencia
 Anguiano, Raúl (1966). La espina.
Tópico Comentario

1) Técnica aplicada.

2) Datos biográficos del autor. (fechas de

nacimiento y en caso dado de
fallecimiento, país, obras principales).

3) En el contexto de la obra ¿cuál es el

concepto de belleza con el que se
identifica?

4) Idea principal de acuerdo con el

contenido o temática.

5) Identifique tendencia o corriente a la

Muralismo, Surrealismo
que pertenece el autor.

Referencia

Cuevas, José Luis (1974). El secreto de Walter Raleigh.

Tópico Comentario

1) Técnica aplicada.

2) Datos biográficos del autor. (fechas de

nacimiento y en caso dado de
fallecimiento, país, obras principales).

3) En el contexto de la obra ¿cuál es el

concepto de belleza con el que se
identifica?

4) Idea principal de acuerdo con el

contenido o temática.

5) Identifique tendencia o corriente a la

que pertenece el autor.

Referencia

Siqueiros, David Alfaro (1945). El Coronelazo

Tópico Comentario

1) Técnica aplicada.

2) Datos biográficos del autor. (fechas de

nacimiento y en caso dado de
fallecimiento, país, obras principales).

3) En el contexto de la obra ¿cuál es el

concepto de belleza con el que se
identifica?
 4) Idea principal de acuerdo con el
contenido o temática.

5) Identifique tendencia o corriente a la

que pertenece el autor.

2.3. Arquitectura

Entre las artes plásticas, la arquitectura es la que muestra mayores diferencias con las demás. Sus
obras contienen espacios habitables o institucionales. Esto quiere decir que tienen funciones
práctico-utilitarias.
a) Función práctica

Las funciones práctico-utilitarias más conocidas de la arquitectura son:

Los Templos
Las construcciones destinadas a los ritos mágicos, mágico-religiosos y religiosos –sucesivamente-
varían en su estilo según la cultura y la época. Algunas veces, los templos albergaban reliquias de
adoración o de rituales. Los ritos podían celebrarse en el interior de los templos o en el exterior,
que era una plaza ceremonial, como en las culturas mesoamericanas. Con el cristianismo, los ritos
pasaron del exterior al interior de los edificios.

Las construcciones civiles y militares

En los aspectos social y cultural se encuentran los edificios que servían o sirven para la
administración pública, así como los palacios de los soberanos y de los altos funcionarios y las
fortalezas.

b) Función estética

En el arte de la arquitectura existe siempre la belleza formal y, algunas veces, la grandiosidad y la

novedad de acuerdo a cada cultura y tiempo. Resulta difícil establecer cuándo el hombre toma
conciencia de la belleza formal de los edificios. Para nosotros, muchos edificios de la antigüedad
son bellos en sus formas, pero no eran para sus autores, sucedía que estos no la llamaban belleza
en un comienzo.

Con el desarrollo de las técnicas de construcción, se comenzó a ver como belleza el acabado
perfecto que venía íntimamente ligado a la utilidad práctica. Después pudo haber aparecido la
belleza como armonía formal, o sea, contenía ritmos, proporciones, simetrías y direcciones
consideradas placenteras.

Lo más seguro es que el placer estético haya estado ligado a la utilidad de la construcción.
Tampoco hay que descartar la posibilidad de que la belleza haya estado referida al hecho de ver
en el edificio un símbolo de la religión o del país. Es muy posible, asimismo, que a veces la
comodidad de los espacios produzca un placer capaz de ser estético.

Esto quiere decir que la belleza no sólo puede ser visual, con respecto a la fachada, interiores y
volúmenes del edificio, sino también espacial: la arquitectura puede ser apreciada o analizada en
su fachada y volúmenes externos, así como en las edificaciones interiores y sus espacios. En la
comodidad de los espacios se unen la función práctica y la estética formando un todo.

c) Modernismo y posmodernismo

Los requerimientos de una sociedad compleja, moderna, urbanizada y la disponibilidad de nuevos

materiales y métodos estructurales han impactado fuertemente en la arquitectura. Frank Lloyd
Wright, Walter Gropius y Le Corbusier representan los grandes hitos en esta disciplina. El lenguaje
de Wright tuvo giros románticos, en términos de la unión de la naturaleza y el hombre a través de
su arquitectura orgánica. Gropius y Le Corbusier fueron exponentes del estilo internacional, que
concedieron gran relevancia a las construcciones para la convivencia con las máquinas.

Durante los primeros años de la posguerra, Le Corbusier en forma teórica y luego práctica,
desarrolla la unité d´habitation de grandeur (La gran unidad habitacional), definiendo una nueva
forma de relacionar el individuo con la unidad funcional, lo que constituye la célula de organización
de la cual luego deriva el barrio, los servicios y los agregados mayores hasta conformar el
territorio, por lo que su proyecto adquiere este sentido urbano amplio de relación individuo-
entorno.

La aparición de Le Corbusier fue fundamental en el devenir de la arquitectura moderna. Comienza

por estudiar teóricamente al hombre-usuario idealizado, que luego desemboca en el Modulor, y
que a propósito del mismo dijo Einstein en 1946: "Es una gama de dimensiones que facilita el bien
y dificulta el mal".

En la arquitectura, el estilo posmoderno se gesta a fines de los 70's y se consolida durante la

década de los 80's. El término postmodernismo designa generalmente un amplio número de
movimientos artísticos, culturales y filosóficos del Siglo XX, definidos en diverso grado por su
oposición o superación del modernismo, lo cual fue en cierta forma interpretado como un llamado
a la emancipación de la humanidad.

Si bien la acepción más usual se popularizó a partir de la publicación de La Condición Posmoderna

de Jean-François Lyotard en 1976, varios autores habían empleado el término con anterioridad.

Como señala Lea Zeinsteger (2003):

En el marco de la cultura posmoderna, se acentúa el individualismo (rasgo de la posmodernidad)
con las consignas de mantenerse joven, bello, delgado, a la moda, consumiendo constantemente
confort, objetos de lujo, culto a las antigüedades, resurgimientos de las modas de los años
sesenta y setenta, sin las ideologías que acompañaron a esas décadas.

Siguiendo con Lea Zeinsteger (2003) diremos que:

En 1980, la Bienal de Venecia incluyó arquitectos en la muestra. La nota dominante de esa

primera bienal de Arquitectura fue la desilusión. Diría que los que estaban en Venecia formaban
parte de una vanguardia que había invertido sus frentes, sacrificando la tradición de la
modernidad en nombre de un nuevo historicismo. En esa ocasión, el crítico del Frankfurter
Allgemeine Zeitung esbozó una tesis cuya significación superaba el hecho mismo de la bienal para
convertirse en un diagnóstico de nuestro tiempo "La posmodernidad se presenta, sin duda, como
Antimodernidad". Esta afirmación se aplica a una corriente emocional de nuestra época que ha
penetrado todas las esferas de la vida intelectual. Y ha convertido en puntos prioritarios de
reflexión a las teorías sobre el posiluminismo, la posmodernidad e, incluso la poshistoria.

Actividad de Aprendizaje 2.2.

Propósito:

Reconocer aspectos distintivos en cuanto a estructura, forma, espacio, utilidad, estilo y estética de
tres obras arquitectónicas ubicadas en el propio entorno.

Instrucciones:

La actividad está dividida en dos etapas. Atienda en cada caso las instrucciones para saber cómo
proceder.

Etapa 1

1. Seleccione tres edificios relevantes que se encuentren en su entorno, por ejemplo en su

colonia, cerca de la universidad, de su vivienda, o de los sitios que frecuente o transite.
Uno será de carácter histórico, otro moderno y por último uno habitacional.

2. De cada construcción deberá investigar sus características generales como: fecha en que
se construyó o, en su defecto, referencia histórica o periodo en que se ubica, así como el
autor en caso de ser pública esta información.
3. Para obtener estos datos puede consultar en internet, revistas de arquitectura y diseño,
bibliografía especializada, entrevista con arquitectos o habitantes de los inmuebles, etc.
En caso de no disponer de esta información asiéntelo en el propio formulario.
4. Adicionalmente, deberá analizar los siguientes puntos:

. Estructura. Contempla el aspecto de seguridad. No se trata de hacer cálculos y

operaciones matemáticas, sino de emitir un comentario sobre la estabilidad del objeto y
posibles riesgos.

. Forma. Básicamente alude al lenguaje geométrico, a la totalidad del objeto.

 . Espacio. Es el vacío en el que se desenvuelve la persona, dentro y fuera de la
edificación.

. Utilidad. Deberá expresar en qué medida cumple con el objetivo principal propuesto.
Adecuación y eficiencia de servicios.

. Estilo. Selección, asociación y armonía de las partes con el todo.

. Estética. El concepto de belleza que se maneja en un determinado momento y lugar.

Exalta la arquitectura.

. Cultura. Comentar la posible asociación de la estructura con alguna cultura y las

razones.
5.
6. Para contar con mayores elementos de análisis, es indispensable acudir al Centro de
Documentación Virtual y leer el texto intitulado Las claves de la arquitectura.
7. Al completar el formulario con todas sus aportaciones, anote sus datos y presione el botón
Enviar para hacerlo llegar al asesor, enseguida aparecerá una página con los textos que
usted escribió como respuesta. Asimismo encontrará los botones de Guardar e Imprimir ,
procure realizar la acción que mejor convenga a sus procesos de resguardo de
información.

CONSTRUCCIÓN MODERNA

Fecha de edificación
o periodo

Autor

Estructura

Forma

Espacio

Utilidad

Estilo

Estética

Cultura

EDIFICIO HABITACIONAL
 Fecha de edificación
o periodo

Autor

Estructura

Forma

Espacio

Utilidad

Estilo

Estética

Cultura

CONSTRUCCIÓN HISTÓRICA

Fecha de edificación
o periodo

Autor

Estructura

Forma

Espacio

Utilidad

Estilo

Estética

Cultura
Etapa 2

1. Acuda al Foro de Discusión y, conforme a sus conocimientos, experiencia

académica y profesional, así como las sensaciones que le producen las obras
arquitectónicas que ha analizado, responda a las siguientes preguntas:

• ¿Qué relación existe entre la arquitectura analizada y el paisaje urbano, se

identifican o existe un rompimiento?

• ¿Las edificaciones urbanas deben adecuarse al medio ambiente natural?

2. Argumente sus respuestas y consulte frecuentemente el foro para revisar los comentarios
de sus compañeros, identificar los problemas de mayor recurrencia e intercambiar puntos
de vista. Recuerde mantener una actitud de respeto y cordialidad ante las opiniones de los
demás miembros de grupo, el intercambio de ideas enriquecerá su proceso de
aprendizaje.

2.4. Escultura
Las formas tridimensionales son escultura, modelado y arquitectura. La escultura es la manera
de sacar o extraer las figuras de piedra o del material con que se trabaja; su característica es que
tiene volumen, esto es, tiene tres dimensiones: largo, ancho y grueso.

a) Particularidades de la escultura

Cuando la escultura tiene salientes es de bloque abierto y cuando no las tiene es más compacta y
se le llama de bloque cerrado o monolítica, como la monumental cabeza Olmeca de Tabasco y los
Atlantes de Tula.

La escultura, dice Dan Rice, es para caminar a su alrededor, mientras la arquitectura es para
caminar sobre ella (Dan Rice citado por Acha 2003, p. 138). Sin embargo, cabe señalar que
existen obras artísticas que se entrelazan o confunden entre la escultura y la arquitectura, como
las que se citan a continuación:
b) Lo temático, lo estético y lo escultórico

Existen diversos efectos de la escultura, entre los cuales podemos considerar -de acuerdo con
Juan Acha (2003)- lo temático, lo estético y/o escultórico.

 Lo temático

Tradicionalmente la escultura se concibió como un medio para expresar mensajes religiosos y

luego bélicos: primeramente representó a los dioses y aludía a algún hecho glorioso de la religión
o de la vida político militar; posteriormente, fue evolucionando según las necesidades sociales de
cada cultura y de cada época.

La piedra y el mármol labrados, moldeados, son de vital importancia en los testimonios de la

antigüedad por haber resistido las inclemencias y desarrollo del tiempo. En las épocas modernas
vemos en las ciudades, incluidas algunas mexicanas, monumentos que representan a los héroes
convertidos en símbolos patrios. Pero también existen los que ornamentan plazas y avenidas,
buena parte de éstas son abstractas, es decir, geométricas.

A continuación se ofrecen dos esculturas intituladas El beso: 1) La de Auguste Rodin aparece a la

izquierda y es mimética, a través de un corte mínimo en el bloque simboliza el concepto de dos
personas que se convierten en una sola; y 2) El de Constantin Brancusi que escogió la abstracción
geométrica en vez de la belleza sensual naturalista para expresar el amor humano.

 Lo estético

La escultura ornamental acentúa la categoría estética que es la belleza, que puede expresarse de
varias maneras o a través de distintos aspectos, por ejemplo: de manera antropomórfica, o sea la
belleza de los personajes representados, por medio del acabado perfecto, a través de la armonía
de sus formas y por su utilidad como símbolo o señalización de algún lugar, personaje, evento o
conmemoración.

Puede representar la belleza o la fealdad, el dramatismo o la comicidad de un personaje; la

grandiosidad o la trivialidad de un héroe; la tipicidad o la novedad de sus imágenes. Si nos
remitimos a los efectos comunicativos, diremos que muchas esculturas no sólo acentúan lo
ornamental o mimético, sino también lo expresivo, lo emblemático y lo inventado.

 Lo escultórico
Hablar de lo escultórico en la escultura –diría Juan Acha (2003)- es como hablar de lo humano
del hombre, lo que nos refiere a lo propio o específico de la escultura, impulsado por las
necesidades sociales e históricas, resultado de la innovación o novedad que ayuda a
evolucionar a la escultura y refrendar su lugar en el arte. Para referirnos a lo escultórico de la
escultura, tendremos que mencionar parte de lo que es su trayectoria:
Las formas tridimensionales o escultura han desempeñado un papel muy importante en el devenir
histórico, desde la época prehistórica hasta nuestros días. La búsqueda de materiales, el
movimiento y la creación de diferentes espacios, están siempre presentes, reflejando la sociedad
cambiante en la cual vivimos.

En la actualidad, podemos ver numerosos estilos o tendencias tanto abstraccionistas como

figurativas, así como la escultura cinética y lumínica, provistas de movimiento y luz reales,
respectivamente. Tal es el caso de Henry Moore, uno de los escultores de nuestra época que
ha trabajado la estilización de la figura humana.

Podemos concluir que pintura, dibujo y grabado son principalmente formas bidimensionales,
aunque sabemos que pueden representar (de manera simulada) el volumen.

En México, uno de los escultores más representativos y populares es Enrique Carvajal, mejor
conocido como Sebastián, artista nacido en Ciudad Camargo, Chihuahua, cuyas influencias más
cercanas son las de Picasso, Calder y Moore. Tiene gran conocimiento de la plástica y el urbanismo
y es heredero de una vocación monumental pública del mundo prehispánico.

Sobre su obra de el Caballo dice "Todas mis esculturas en el estricto sentido del concepto, son
figurativas porque representan una figuración, pero no todas son realistas, prácticamente
ninguna es realista. El Caballo sería mi escultura más evocativa, está evocando una figuración

realista, a un caballo, pero es evocativa porque no copia a la realidad de un caballo, sino la

realidad profunda, el concepto del significado del caballo: de la fuerza, del brío, de la esencia,
de su fortaleza. Evoca eso, pero no una figuración de que parezca un caballo, a mucha gente
le parece un caballo cuando logra ver la dinámica, la fuerza, la agresividad, los ritmos de un
caballo, pero no los ojos, las orejas, el hocico, los dientes, la cola, las patas, eso no. Entonces
en ese sentido soy evocativo."

c) Espacios escultóricos

Estos espacios son públicos y de dimensiones variables. Generalmente son plazas y se utilizan
para las prácticas rituales o bien para propio deleite o meditación del público u observador.

Se les define también como parte de la arquitectura y se le llama arquitectura paisajista. En otras
obras se les considera parte del arte urbano o bien, les dan un tratamiento separado.
d) Relieve

Es el tipo de escultura en donde prevalece la relación figura-fondo denominada grabados, ya que

la forma o figura no se desprende del plano más que parcialmente. Grabado es una especie de
impresión pero con relieve, en el que el material que puede emplearse es muy diverso.

Existen cuatro tipos de relieve, dependiendo de cuánto salga la figura del fondo:

● Alto relieve. Es cuando más de la mitad de la figura sale del fondo o plano
● Medio relieve. Es cuando la mitad de la figura sale del fondo.
● Bajo relieve. Es cuando menos de la mitad de la figura sale del fondo.
● Hueco relieve. Es cuando la figura, en lugar de salir, se hunde en el plano también se conoce
como relieve rehundido.

En toda cultura podemos registrar una evolución de las imágenes que es paralela a la evolución
sociopolítica y a través de los relieves representaban hazañas de los dioses soberanos.

Las imágenes, primero representaban a los dioses y luego a los monarcas, para después comenzar
a ilustrar hazañas de los dioses y los reyes, o de la vida cotidiana, como las cacerías.
En Egipto, los relieves, las pinturas y los jeroglíficos eran distintos modos de representar
acontecimientos importantes. El escriba, el pintor y el productor de relieves tenían los mismos
fines, practicaban la misma tecnología de producir imágenes y la ponían al servicio de la religión y
del soberano. Lo mismo cabe decir de los relieves, las pinturas y los códices mesoamericanos.

2.5. Artes menores

La artesanía pertenece a un mundo anterior

a la separación entre lo útil y lo hermoso
Octavio Paz.

a) Artesanía y arte

En este apartado abordaremos la artesanía, cuya absorción en el campo del arte puede ser
polémica debido a que de menos existen dos posturas:

El hecho más sobresaliente, en este proceso de institucionalización del arte, es el predominio

ideológico de la Iglesia en el medioevo que llevó a una evidente contraposición entre artes
liberales y serviles con mecánicas. Éstas últimas reservadas para las clases sociales privilegiadas.

La clase baja del pueblo, los campesinos, pequeños comerciantes y todo ciudadano de recursos
limitados, incorporaba a sus hijos de aprendiz en un taller, donde aprendían a leer, escribir, un
oficio y rudimentos de matemáticas y geometría, aplicables al oficio.

A fines de la Edad Media , el desarrollo de la vida urbana irá ocasionando ciertas modificaciones,
que cristalizarán en el renacimiento. Anteriormente los artistas, artesanos medievales, estaban
insertos en las cortes de monarcas y nobles, pero gradualmente en las ciudades se irán
desarrollando nuevas condiciones para el ejercicio y disociación de las habilidades artesanales.
El esfuerzo de las artes plásticas por emanciparse de las artesanías, se consolida con el sistema de
las Bellas Artes, instituciones fundamentales en el proceso de diferenciación de los artistas
plásticos de los artesanos manuales. Si bien las academias le dieron impulso al arte, luego lo
llevaron al estancamiento y academicismo. Las academias darán lugar a los salones de
exposiciones y entre el producto artístico y el público, aparecerá la crítica del arte y los museos.
Todo esto lleva a la autonomía del arte en el mundo moderno.

William Morris fue el primer artista que comprendió, cómo habían perjudicado al arte, los
fundamentos sociales del arte durante los siglos posteriores al renacimiento, especialmente los
años que siguieron a la Revolución Industrial.

En sentido opuesto hubo otras iniciativas como la Escuela de Arte de Weimar , en Alemania, que
combinaba una academia de arte y una escuela de artes y oficios. Era una escuela taller y un
laboratorio para el oficio manual. Reunía en un mismo espíritu a arquitectos, técnicos, artesanos,
etc. Sus puertas fueron cerradas por los nazis en 1933, pero la obra y las ideas habían recorrido el
mundo, sembrando semillas que dieron origen a escuelas similares.

b) Productos artesanales en México

Los oficios artesanales son recipientes de saberes y conocimientos; simbolismos, técnicas y

tecnologías se conservan en su elaboración y dan cuenta del conocimiento empírico históricamente
acumulado. Algunas de las artesanías más importantes son: orfebrería, alfarería, textiles, cestería,
talla en madera, talla en piedra, metales, papel maché, juguetes, vidrio, dulces típicos y papel
picado.
También existen diversos trabajos de tejidos para vestido y trajes regionales, títeres y máscaras,
a menudo derivados de otras actividades como son los conmemoraciones y fiestas mexicanas, de
las cuales se puede tener abundante información. A continuación se tratarán algunos de estos
trabajos de poca difusión:

 Papel picado

De acuerdo con Thierry Romera (2001), los pobladores, con su habilidad, creatividad y destreza,
trabajaron el papel de China desde el Siglo XIX, paralelamente a sus labores cotidianas. En
Huixcolotla, Puebla, el papel picado tiene únicamente uso ornamental, específicamente con
motivos religiosos para las festividades del Día de Muertos. Con el tiempo la técnica se fue
refinando, pasando de cortarlo con tijeras al uso de los cinceles de hierro forjado, con lo que se
logró un trabajo más detallado y elegante.

La difusión la hacen los artesanos por medio de las muestras en las casas de artesanías, en fiestas
populares y decoraciones de restaurantes. Hoy los artesanos trabajan para grandes empresas
picando sus logotipos; el papel picado se vuelve un nuevo medio de comunicación.

 Cerámica de Talavera

La cerámica ha conjugado la utilidad y la belleza de los pequeños y grandes elementos que el

hombre emplea en su vida diaria. Se trata de un arte práctico que desarrolla su belleza
precisamente en su utilidad, en virtud de que sus productos son loza y azulejo vidriados y
esmaltados.
Según José Luis Solana (1999), el interés que despierta hoy en día el conocimiento de la cerámica
de Talavera no es sino un reflejo de su prestigio a nivel nacional e internacional apoyado en la
diversidad y en la calidad de sus productos. Junto al más humilde de sus objetos, los hornos de los
alfares de Talavera han cocido piezas de loza y azulejos de la más depurada técnica.

En los últimos veinte años se produce un resurgimiento con la aparición de nuevos talleres –
pocos– con un sentido de empresa moderna. Todavía existen las fábricas de Guevara, de
Padierna, de la Reyna y de Uriarte. Esta última fue adquirida hace diez años por un grupo
inversionista que le ha dado una nueva proyección. En la actualidad da trabajo a 250 empleados y
exporta a Estados Unidos, Canadá, Suramérica y Europa.

 Árboles de la vida

Según José Luis Solana (1999), en la pintoresca población de Izúcar de Matamoros, Puebla, se
elaboran los originales y coloridos “árboles de la vida”. Algunos de ellos llegan a tener un precio de
hasta ocho mil pesos, pues están hechos de barro, de acuerdo con las técnicas prehispánicas, y
pintados con cochinilla, colorante que se elabora a partir de un insecto de ese nombre.

 Origen del sarape

Sirve de abrigo, almohadilla, cobija y cubrecama en las noches frías de montañas y desiertos;
capote improvisado en los jaripeos y gabán protector para la lluvia. Doblado sobre el hombro
adorna al que baila, esconde la palabra amorosa de los enamorados, acompaña en las serenatas;
es presente para las novias y cuna para el niño.

El sarape, equivalente masculino del rebozo en las mujeres mexicanas, encierra en su elaboración,
distribución, comercialización y uso, no sólo aspectos socioeconómicos y tecnológicos particulares,
sino también las vivencias del mundo en que se hallan inmersos los tejedores mexicanos,
reflejadas a través de los diseños y motivos de sus tejidos.

Se elabora en diversas regiones del país, y por ello se le designa con diferentes nombres; los más
usuales son tilma, gabán, chamarro, jorongo, cotón, cobija y frazada. En el siglo pasado fue la
prenda inseparable de peones, jinetes, charros, léperos y gente del pueblo.
Actualmente pueden confeccionarse de manera industrial con maquinaria muy sofisticada, o en
talleres donde los artesanos laboran en telares de madera, y en forma doméstica, en telares de
cintura. Es decir, junto a la producción fabril en serie y alta división del trabajo, coexisten otras
formas artesanales y familiares que aún conservan la antigua manufactura del sarape.

Actividad de Aprendizaje 2.3.

Propósito:

Identificar características de la escultura y las artes menores, así como su capacidad de incidir en
las emociones del observador.

Instrucciones:

La actividad está dividida en dos etapas. Atienda en cada caso las instrucciones para saber cómo
proceder.

Etapa 1

1. Acuda al Foro de Discusión y, conforme a los conocimientos adquiridos hasta el momento,

experiencia académica y profesional, así como las sensaciones que le producen la
escultura y las artes menores, responda a los siguientes cuestionamientos:

• ¿Cuál es la función que cumple la escultura y cómo contribuye a la recreación

dentro de su comunidad?

• ¿Cuál es la función de la artesanía y cómo la identifica en su entorno?

2. Argumente sus respuestas y consulte frecuentemente el foro para revisar las aportaciones
de sus compañeros, identificar los problemas de mayor recurrencia e intercambiar ideas.
Recuerde mantener una actitud de respeto y cordialidad ante la perspectiva de los demás
miembros del grupo, el intercambio de opiniones enriquecerá su proceso de aprendizaje.

Etapa 2

1. Selecciones dos esculturas originales o réplicas que se encuentren en su entorno o

museos cercanos.

2. En la parte inferior observará dos formularios que usted deberá requisitar conforme a las
esculturas seleccionadas.
3. Posteriormente, deberá manifestar su opinión respecto a la pregunta que aparece al final.
4. Al concluir oprima el botón de Enviar para hacer llegar su actividad al asesor. Enseguida
se desplegarán los botones de Guardar e Imprimir, escoja la opción que mejor convenga
para conservar un resguardo de su información.
Escultura 1

Nombre de la obra

Autor de la obra

Tipo de escultura (original/réplica)

Fecha o período histórico al que

pertenece

Descripción (forma, figura)

Ficha técnica (materiales /

dimensiones)

Cultura con la que se asocia

Asociación con otros inmuebles

(fuentes, edificios, etc.)

Función social

Escultura 2

Nombre de la obra

Autor de la obra

Tipo de escultura (original/réplica)

Fecha o período histórico al que

pertenece

Descripción (forma, figura)

Ficha técnica (materiales /

dimensiones)

Cultura con la que se asocia

 Asociación con otros inmuebles
(fuentes, edificios, etc.)

Función social

¿Cómo busca un escultor incidir en las emociones del observador?

Actividad Integradora

Propósito:

Proponer estrategias para incentivar el conocimiento del arte en el ámbito personal, familiar y
comunitario.

Instrucciones:

1. Esta actividad tiene dos fases integradas en una sola: la primera es de reflexión, en la que
deberá exponer su opinión sobre el aprendizaje en el arte y, la segunda, de propuesta
para incentivar este conocimiento.

2. Primeramente, recupere la encuesta de la Actividad Integradora de la Unidad 1, a efecto

de poder asociar y comparar los resultados de su encuesta con la presente actividad, lo
que nos permitirá profundizar en nuestros conocimientos y perspectiva que mantienen
otras personas sobre el arte.
3. Acuda al Centro de Documentación Virtual y lea detenidamente el texto Arte visual. Un
camino para desarrollar inteligencias.
4. Con base en los resultados de su encuesta y la lectura propuesta, genere un breve
documento de Word de aproximadamente 2 páginas, en el que exprese la relevancia de
disponer de conocimientos sobre el arte para contribuir a su formación personal y
profesional.
5. Una vez hecha la reflexión, incluya en este mismo documento una tabla de tres columnas
con los encabezados de: a) Persona, b) Familia y c) Comunidad.
6. En cada columna plantee al menos 3 estrategias distintas para incentivar el conocimiento
y canalizar el interés hacia el arte de acuerdo a cada ámbito (persona, familia,
comunidad).
7. Una vez satisfecho con su documento deberá guardarlo con el nombre de Arte, , seguido
de sus iniciales, por ejemplo: "Arte_GSM.doc".
8. Enseguida utilice el botón Examinar que aparece abajo y vaya a la carpeta o disco donde
lo guardó, selecciónelo y dé clic en Abrir. La ruta y el nombre de archivo aparecerán de
inmediato.
9. Finalmente, verifique sus datos personales y oprima el botón Enviar. Enseguida verá en la
parte superior de esta misma página que su archivo ha sido enviado con éxito.

¿Cuál es la función que cumple la escultura y como contribuye a la recreación

dentro de su comunidad?
Su función es transmitir el conocimiento y el sentir dependiendo de su situación
histórica. Contribuye con mi comunidad en la transmisión de este conocimiento.

¿Cuál es la función de la artesanía y como la identifica su entorno?

Puede ser utilitaria, por ejemplo los rebozos que fueron hechos para cubrir del frío y
después por su belleza son coleccionables y valorados por el valor agregado de que
lleva implícito el trabajo personal del artesano y de su entorno.