Artemisia Gentileschi

Alumna: Naomi Kumal Caamal
Materia: Historia del Arte I

Diseño Gráfico 1°A
,
Tarea 1
Recreación de la pintura
La escuela de Atenas
Tarea 2
Recreación de Maria y Jesus
Tarea 3
Artistas y sus obras
Artemisia Gentileschi
Artemisia Gentileschi nació el 8 de julio de 1593 en Roma, Italia.

Familia
Hija de Prudentia di Ottaviani Monotone y del pintor toscano Orazio Gentileschi
(1563-1639), uno de los grandes exponentes de la escuela romana de
Caravaggio. Tuvo tres hermanos entre ellos el pintor Francesco Gentileschi.
A los dieciséis años comenzó como aprendiz en el estudio de su padre.
En 1610, firmó su primera obra, Susana y los viejos (atribuida durante mucho
tiempo a su padre). Un año después y ante la imposibilidad de acceder a las
academias profesionales de Bellas Artes, que solamente admitían hombres, su
progenitor contrato a un preceptor privado, Agostino Tassi, con el que se
encontraba trabajando en la decoración de las bóvedas de Casino della Rose en
Roma.
Durante 1612 Orazio acusó a Tassi de abusar de su hija y de romper el
compromiso matrimonial, ya que estaba casado. En el juicio por violación que se
llevó a cabo más tarde, Artemisia fue torturada durante los interrogatorios.
Finalmente, Tassi fue condenado a un año de prisión y al exilio de los Estados
Pontificios.
El 19 de julio de 1616 se convirtió en la primera mujer en ser admitida en la
Academia de las Artes del Dibujo, fundada por Giorgio Vasari en 1562.
Artemisia continuó su carrera pintando en Roma, Florencia y Nápoles. Entre 1638
y 1640 vivió en Inglaterra con su padre, ayudándole en sus proyectos y realizando
encargos propios con los que consiguió fama como retratista. Su obra se
caracterizó por el hábil manejo del claroscuro (contraste de luces y sombras) y la
dramática interpretación del tema narrativo.
Uno de sus temas favoritos fue el de la historia bíblica de Judit, la viuda virtuosa
que seduce y asesina al general asirioHolofernes con su propia espada, como por
ejemplo en la pintura Judith Slaying Holofernes (1612-1613 Galería de los Uffizi,
Florencia).
Entre sus pinturas destacan: El nacimiento de san Juan Bautista (1635, Museo del
Prado, Madrid), María Magdalena (Palacio Pitti, Florencia) o Judit y su doncella
(Galleria Palatina, Palacio Pitti, Florencia), entre otras.
Obras que me llamaron la atención
Lucrecia
Otra mujer fuerte de Gentileschi.
Año: 1620
Lucrecia era una mujer virtuosa y bella de la que se enamoró Sexto Tarquino (hijo
del rey romano Lucio Tarquino El Soberbio). Con el fin de saciar su deseo, entró
en su habitación para abusar de ella. Pero Lucrecia se opuso: prefería morir antes
que perder su honor. Sexto Tarquino la amenazó con matarla y colocar a su lado
el cadáver de uno de sus criados para acusarla de adulterio. De esta forma, se
salió con la suya vilmente. Al día siguiente, Lucrecia se reunió con su padre y
esposo para contarles lo sucedido y luego se clavó un puñal.
Me gusta esta obra por que en su rostro podemos ver la determinación, el pensar
que morir por su propia mano, era mas digno que vivir con aquella sensación y
recuerdos, se puede ver reflejado también en su mano izquierda con la que agarra
la daga. Al mismo tiempo se puede notar la rabia de lo que estaba pasando, el
como se aprieta el pecho. Me gusta ver reflejado la valentía y la pena de la
decisión que tomo por haber sido victima de un acto tan horrible e indigno ante los
ojos de la sociedad en su tiempo. Las sombras y la oscuridad que dan un toque
lúgubre son características que me cautivan.
Danae
Año: 1612
La temática que escoge Gentileschi puede ser un reflejo del terrible episodio por el
que tuvo que pasar a los 19 años, cuando fue violada por su instructor de pintura,
Agostino Tassi y el posterior proceso inquisitorial por el que tuvo que pasar a
continuación.
La pintura refleja la escena más famosa del mito de Dánae: su fecundación por el
dios Zeus. Según la mitología griega Dánae era hija de Acrisio, rey de Argos, y
Eurídice, hija de Lacedemón. Decepcionado por no tener herederos varones,
Acrisio consultó un oráculo para saber si esto cambiaría. El oráculo le dijo que
fuese al fin de la Tierra donde sería asesinado por el hijo de su hija. Para que esta
no tuviese hijos, Acrisio la encerró en una torre de bronce o en una cueva (según
las versiones de Apolodoro y de Pausanias). Pero Zeus logró tener relaciones con
ella transformado en ducha o lluvia de oro y la dejó embarazada. Poco después
nació su hijo Perseo, que con el tiempo cumpliría la profecía sin quererlo.
Me encanta la textura que hay en las sábanas y en las ropas del maestro, me
causa enojo por el contexto de la historia, su rostro que de alguna forma se ve
aliviado por que se ha terminado el acto, pero se puede ver la impotencia mientras
aprieta el puño y en la forma en la que cruza las piernas, las sombras en su rostro
que la hacen ver cansada y destrozada, me gusta como se ve la piel y la pose que
tiene, sinceramente es la que mas me llama la atención, me gustan los colores y
contrastes.
Susana y los viejos
Año:1610
En esos tiempos era cosa de hombres y vedado a las mujeres, asistir a
las accademias di nudo, donde los artistas se reunían por las noches para copiar
del natural bajo la iluminación de las velas, que marcaban mejor la anatomía de
los modelos.
Es esta se puede ver la interacción de la chica con los otros personajes, la manos
de ella reflejan el rechazo, la intención de aquellos hombres se puede ver
claramente, es horrible pero el acoso siempre a estado presente, los detalles en el
muro y en las escaleras el realismo resalta, me gusta el cielo que parece se está
nublado, pues hay una capa gris, otra cosa que me gusta de estas pinturas son los
cuerpos que se ven tan naturales y delicados, las texturas en la piel, cabellos y en
las ropas es increíble a pesar de ser una simple pintura, los sentimientos de
rechazo incomodidad y deseo es lo que más llama la atención, al menos para mí.
Anna Marinova
Pintora rusa, natural de San Petersburgo, inspirada en muchos de los grandes
maestros. Pintora de sensibles figuras femeninas donde la belleza y la inocencia
son fascinantes, acentuadas por su perfección en el realismo.
Anna Marinova nació en San Petersburgo, Rusia en el año 1983.
Comenzó a exponer en el 2005 y ya para 2008 fue galardonada con la medalla

de oro de la Academia Rusa de las Artes a la excelencia académica.
Sus obra ha sido inspirada en la de muchos de los grandes maestros como, Diego
Velázquez, Rembrandt, Pedro Pablo Rubens, Hans Holbein, Jad Ingres, François
Boucher, Jean Honoré Fragonard, Anders Zorn y John Singer Sargent, así como
en los grandes maestros de la escuela realista rusa, Dmitri Levitski, Alexey
Venetsianov, Karl Bryullov, Valentín Seróv y Nicolai Fechin.
Las obras de Anna Marinova se publican en una edición maestro cursos de Pre-
estudio de Repin, Instituto Académico del Estado. Muchas de sus obras se
encuentran en colecciones privadas en Rusia, Estados Unidos, Gran
Bretaña y Japón.
The Wood Fairy
Año: 2022
Las obras de esta mujer son demasiado realistas y en esta predominan los colores
cálidos, me gusta que en esta pintura es tan realista como fantaseosa, es mágica.
Es como un deseo; creo que todas o casi todas las niñas o todos hemos soñado
con el poder de volar, el tener alas o conocer un ser que protege el bosque como
lo son las hadas, parece como si ese sueño se hiciera realidad a través de la
pintura, este ser me mira como si la hubiera atrapado de infraganti.
La ligereza en la falda y la transparencia, el cabello que se levanta suavemente
por culpa del viento. Las pequeñas mariposas que revolotean a su alrededor, las
luces del sol al atardecer, bueno me da esa sensación; me da un sentimiento de
inocencia y nostalgia.
No logre encontrar el por qué o la razón de haber hecho esta pintura.
Al menos a mi parecer es tan mágica tan real e irreal al mismo tiempo.
Expectativa
Año: 2020
En esta pintura lo que mas llama mi atención es la ropa de encaje, la
transparencia de la misma es impresionante, la complejidad que hay en tener que
replicar tal tela de tal forma que se vea tan natural sobre el cuerpo y tan realista a
los ojos del espectador.
Se puede ver a una mujer embarazada, teniendo la idea o imaginando como será
su vida cuando tenga a su bebé en sus brazos, o si será buena mamá, o a lo
mejor que el tiempo pasa tan rápido que no nos damos cuenta de los cambios a lo
mejor fueron buenos o fueron mucho mejor, o mucho peor.
Ciertamente me encanta mirar los rostros, los rasgos faciales que realmente
transmiten emociones, puedo ver esperanza, alivio y tranquilidad. La forma en que
su mirada está completamente perdida, el realismo en sus pinturas es realmente
impactante, los colores y matices son tan reales.
Hay delicadeza en toda la pintura principalmente en sus manos al tocar su vientre,
me da la sensación de que lo acaricia, mientras imagina.
Romance de verano
Año:2020
Soy amante de las películas de romance, es quizá, de cierta forma una escena tan
cotidiana, como lo es ver a dos personas besándose.
El amor que muchas veces construimos sin querer, pero al final ya no lo
queremos soltar, al ver la pintura y el titulo me imagino la situación de dos chicos
de diferentes ciudades, que se conocen en vacaciones, todo llega a su fin y
cuando es momento de decir a dios es cuando más se aferran a aquello que no
podemos tener.
Hay de seo, hay amor, es tan real, es como si estuviera viendo la fotografía, como
si tuviera movimiento; el mar choca contra el barco el movimiento de las olas, los
colores y las luces y sobras de nuevo creo que estamos en un atardecer. La forma
en que ella lo toma es bonita.
Zinaída Serebriakova
Zinaída Serebriakova fue quizás la pintora más importante de la Rusia pre-
revolucionaria. Perteneció al movimiento «Mir Iskusstva», sobresaliendo
claramente de los demás miembros del grupo. Son sus cuadros pequeñas obras
maestras que rezuman armonía y plasticidad, y sus escenas de género son
asombrosamente exquisitas: la vida rural de Rusia (el campo ruso con sus
campesinos trabajando), escenas domésticas con sus hijos jugando o comiendo…
Es la belleza de lo cotidiano.
vivió y murió en Francia.
Nunca pintó modelos profesionales. Siempre utiliza a amigos, familia y a sí misma

como protagonista de sus cuadros, incluidos sus magníficos desnudos.
Desde muy joven demostró su talento para mostrar la belleza. Su forma natural de
pintar junto a su audacia hacía de su obra muy superior al resto de artistas de la
época (por no hablar del realismo socialista soviético). Además, nadie dominó
como ella en toda Rusia el calor y la emoción en la pincelada.
Es evidente la sensualidad que perfumaba sus lienzos. Mujeres hermosas

cargadas de sutileza y erotismo, y siempre expresando la felicidad en sus rostros.
Falleció el 19 de septiembre de 1967, París, Francia.
Chicas al piano
Año: 1922
Junto al piano se encuentra Katya, dueña de un cabello dorado y rizado y un
rostro amable. Al piano se sienta Tata. La niña tiene el pelo castaño y unos ojos
oscuros y brillantes que se parecen a los de su madre. La pintura está realizada
en tonos dorados y azules. Las chicas van vestidas de azul y el piano parece
acompañar el color y desprender un brillo azul.
Los dedos de Tata tocan ligeramente las teclas. Parece que la chica está a punto
de tocar el instrumento. La mirada de ambas niñas sobre el espectador es
incidental: la madre que las pinta parece haber distraído a las niñas del proceso, y
ellas deciden mirar en su dirección por un momento.
Resalta la inocencia y la sorpresa al darse cuenta que son observadas, me gusta
mucho los tonos oscuros, suele ser un poco mas melancólico, me ha gustado esta
pintura por la sencillez y la inocencia de un acto tan cotidiano.
Me gusta la delicadeza que hay en sus manos al detenerse por haber sido
sorprendida.
Lago de Ginebra
Año:1954
Me gusta esta porque es muy relajante, me gusta mucho la luz que se refleja en el
mar los detalles den las rocas que se ven de cerca y aunque los árboles no están
bien definidos, justamente el mar es lo que lo hace verse realista.
Me gustan los colores, dan un efecto de melancolía y tristeza. No se cual sea la
intención de pintar el paisaje, pero al menos yo creo que es el querer inmortalizar
un momento, un recuerdo, el que a pesar de los años puedas recordar aquella
acción o situación.
A lo mejor pasaba por un momento triste o a lo mejor fue feliz, y la razón es solo
querer recordar lo que vivió en ese preciso momento.
Autorretrato con bufanda
Año:1911
Me gusta porque parece una pintura divertida por los colores de lo que parece ser
la bufanda en la cabeza de la chica. La misma modelo se ve feliz, me gusta que
pareciera que es una pintura que no se terminó, pero quiero creer que esa es la
intención de la pintora, se pueden notar los pincelazos.
Los toques rosas en la mejilla y en la nariz se ven muy lindos, me gusta mucho
como se ven los labios tan naturales.
Remedios Varo
María de los Remedios Varo Uranga nace el 16 de diciembre de 1908 en Anglés
(Gerona), España. Es hija de padre andaluz, Rodrigo Varo y Zejalvo, y de madre
vasca Ignacia Uranga y Bergareche. La profesión del padre, ingeniero hidráulico,
hace viajar a la familia a través de toda España e incluso a Marruecos. Remedios
nace en Anglés durante uno de estos viajes. Desde luego, estos desplazamientos
dejaron profunda huella en Remedios.
Participa exitosamente en la Segunda Bienal Interamericana de México. Su

pintura adquiría más y más un contenido místico;a mi me encanto desde el primer
momento, y me admiraba su técnica y la habilidad con que procedía. Pero yo no
tenía (y sigo sin tener) la suficiente capacidad y la apertura para adentrarme en
profundidades de ella. Mi educación demasiado «científica» y tradicionalista me lo
impedía. Esto me privaba de participar en las preocupaciones y reflexiones que
compartía, detrás de puertas cerradas, con Leonora Carrigton: La Cábala, la
alquimia, el tarot, la magia, las ideas esotéricas en general, deben de haber
estado a la orden del día. Sin duda, Remedios era un pionero espiritual; trataba
sin tregua de ensanchar sus conocimientos, pero no se trataba el tema de la
pintura, según me dijo la misma Remedios.
Segunda y ultima exposición individual, esta vez en la Galería Juan Martín, en

donde los dieciséis cuadros se venden, entre ellos el Tríptico (Hacia la torre,
Bordando el manto terrestre y La huida)
Pinta su ultimo óleo, Naturaleza muerta resucitando, y empieza otro, Musica del
Bosque, muy afirmativo, donde quiere representar la unidad entre el hombre, la
naturaleza y el cosmos, pero no lo puede terminar. El 8 de octubre de 1963 muere
Remedios. En su lecho de muerte, adonde acudí precipitadamente, me describió
con precisión médica y en forma telegráfica, muy calladamente, los síntomas
clásicos de un infarto. Los médicos y la Cruz Roja, llegaron demasiado tarde.
Gitana y arlequín
Año: 1947
Me gusta que toda la pintura esta mayormente construida por figuras geométricas,
pareciera que la gitana tiene una bola de cristal o más bien un ovalo gigante
mientras mira por medio de el a una mujer y un pavo.
También se puede ver una especie de jarrones animados viendo por el agujero de
la pared, al mismo tiempo es como si estuvieran en un laberinto, me gusta los
tonos que son como pasteles, pero también fríos, pareciera que los colores son
algo opacos y el contraste de formas.
Me gusta que el ambiente parece ser tenebroso, con el cielo gris como si estuviera
nublado o a punto de llover.
Hay mucho misterio, al menos es lo que da a entender, mas bien me da esa
sensación.
Harmony
Año:1956
Me gusta la ironía del nombre pues en la pintura no parece haber mucha armonía,
pero se titula armonía. Lo que más llama mi atención es el desorden que hay
dentro me recuerdan a mi cuarto en temporada de finales donde solo yo sé dónde
está cada cosa en resaltan los colores cálidos.
Las grietas en la pared que simulan o parecen ser mujeres elegantes, con vestidos
grandes.
Me gusta la sencillez, pero también me gusta el caos y la complejidad que hay. De

todas las pinturas que e visto de esta pintora este es el que mas me ha gustado
justamente por el caos creo entender un poco lo que veo, pero no puedo
explicarlo.
La batalla
Año: 1947
Me gusta el tema de lo sombrío, la oscuridad, me gusta la figura de los dragones,
lo que me encanta es el cielo oscuro, que aparenta estar a punto de llorar, las
sombras y luces son fascinantes, pues mantienen la oscuridad en el cuadro
claramente vemos una batalla tal como su nombre lo dice, es un reino que trata de
proteger su castillo de los dragones, si tuviera que darle un significado a este
cuadro seria…
El castillo sería una representación de mí, los misiles o las lanzas o flechas que
salen por la ventana serian mis acciones o pensamientos que tratan de proteger
aquello que he construido y levantado en mi, los dragones y monstruos son
aquellos comentarios, miradas y personas que quieren ver mi reino caer.
Quiero decir todos estamos en una constante batalla no necesariamente con otras
personas, a lo mejor puede ser una enfermedad, un sentimiento un problema,
todos pasamos por esas situaciones y lo mejor que podemos hacer es justamente
luchar por sobrevivir y no dejarnos caer.
Margaret Keane
Margaret Keane es una artista estadounidense que pinta principalmente cuadros

al óleo de mujeres, niños y animales domésticos. Su trabajo es reconocido por los
grandes ojos de sus personajes.
Keane nació en 1927 con el nombre Margaret Doris Hawkins en Nashville,
Tennessee. De pequeña era conocida en la iglesia local por sus bocetos de
ángeles con grandes ojos. Tras su primer matrimonio, en 1950 dio a luz a su hija
Jane. En 1955 se casó con Walter Keane y continuó perfeccionando su técnica.
En 1959 pintó su primer cuadro profesional. Su marido Walter Keane cerró su
negocio inmobiliario y se dedicó a vender los dibujos y grabados en grandes
almacenes, libros de cómic y revistas. Estos cuadros, firmados con el apellido de
su marido «Keane», hicieron que el público interpretara que el creador era Walter
y no Margaret, aunque ella no lo supo hasta tiempo después. Margaret, bajo el
nombre de su marido, llegó a ser una de las artistas más populares en la década
de 1960. La timidez de Margaret hizo que durante 12 años el público creyera que
los cuadros fueron pintados por su esposo. En 1965 Margaret se divorció de
Walter y ambos reclamaron los derechos sobre los cuadros. Ella declaraba que
era la verdadera artista, pero Walter no reconocía nada. En 1986 Margaret
demandó a Walter Keane. En el juicio, el jurado pidió a los dos que pintaran un
cuadro con su estilo característico. Margaret Keane pintó un cuadro en 53
minutos. Walter Keane no pintó nada alegando un supuesto dolor de hombro.
Margaret ganó el juicio y esto le permitió firmar sus obras como Keane. Además,
Walter Keane dió una retribución de 4 millones de dólares por daños emocionales
y deterioro a su reputación. Para mi punto de vista, esta mujer fue muy importante
en los años 60, ya que las mujeres eran bastante invisibles, pero ella logró no
serlo.
Margaret falleció el 26 de junio de 2022, Napa, California, Estados Unidos.
Margaret a sido inspiración para grandes personajes como Tim Burton que le
dedicó una película a su creadora.
La llamo Miki
.
Año: no encontrado
Me gusta la pintura por los detalles en color dorado, los grandes ojos, las sombras
debajo de ellos que parecen ser ojeras, hay tristeza, pero también felicidad, lo que
mas me gusta es el gato, me recordó a dos gatos que tuve cuando era pequeña,
pues también eran siameses, me vi reflejada en la pintura. La pose de ambos
personajes abrasados, como si se dijeran el uno al otro, eres mío y yo soy tuyo.
Me gusta mucho el tema de los ojos, creo que se puede saber mucho de una
persona al mirar los ojos. Me gusta mucho los detalles del kimono las flores y las
decoraciones, el contraste que el rojo hace con el morado y principalmente con el
dorado. Es una pintura que grita ternura.
EL EXTRAVIADO
Año: no encontrado
Esta pintura es triste pues el niño llora por haberse perdido, el niño busca refugio
en su gato, como si este realmente pudiera hacer algún tipo de acto para poder
darle consuelo.
Me llama amucho la atención los ojos grandes y las ojeras debajo de ellos, aunque
claramente están tristes Me gusta el aura sombría y el amarillo que contrasta y
resalta, las sombras y las luces, pereciera un dibujo simple a la vista, pero
realmente hay complejidad en él.
Boy and poodle signed.
Año: No encontrado
Me llama la atención la forma en que tanto el niño y el perro están escondidos, me

gusta que a pesar de tener ojos tristes también se puede ver la inocencia en ellos,
lo lindo que es ser niño, tiene ese toque de ternura.
Los colores que utiliza siempre son fríos, lo que nos da una sensación de
melancolía, las texturas en los cabellos y en la madera, se ven finos y le da ese
toque de realismo y de humanidad en la pintura.
Según la respuesta de Margaret estos ojos grandes y tristes reflejaban la opresión,

la tristeza que ella misma sufría por medio de su esposo.

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Alumna: Naomi Kumal Caamal

Materia: Historia del Arte I

Artemisia Gentileschi nació el 8 de julio de 1593 en Roma, Italia.

Obras que me llamaron la atención

Comenzó a exponer en el 2005 y ya para 2008 fue galardonada con la medalla

Nunca pintó modelos profesionales. Siempre utiliza a amigos, familia y a sí misma

Es evidente la sensualidad que perfumaba sus lienzos. Mujeres hermosas

Participa exitosamente en la Segunda Bienal Interamericana de México. Su

Segunda y ultima exposición individual, esta vez en la Galería Juan Martín, en

Me gusta la sencillez, pero también me gusta el caos y la complejidad que hay. De

Margaret Keane es una artista estadounidense que pinta principalmente cuadros

Me llama la atención la forma en que tanto el niño y el perro están escondidos, me

Según la respuesta de Margaret estos ojos grandes y tristes reflejaban la opresión,

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