MUJERES ARTISTICA

Hacemos un homenaje a algunas mujeres

artistas que forman parte de la historia gracias
a su esfuerzo, tenacidad y ganas de luchar.
Si hoy en día las mujeres siguen en situación de  desigualdad  respecto a los
hombres en el mundo del arte, nos podemos imaginar por lo que tuvieron
que pasar aquellas mujeres artistas de otras épocas. No solo no se valoraba su
trabajo, sino que en muchos casos ni siquiera estaban autorizadas para realizar
según qué oficios.

Actualmente, todavía vemos que tanto la fama como el valor de las mujeres siguen
permaneciendo en un segundo plano. Prueba de ello, son algunos estudios que
aseguran que los trabajos de las mujeres artistas más cotizadas tienen un
valor hasta 10 veces menor que los de sus compañeros varones.
Con nuestro artículo queremos homenajear a las representantes femeninas que
han hecho historia en el mundo del arte, tanto por su destreza artística como
por su desafío a los convencionalismos de su época, eminentemente machista.
Además, también incluimos a las artistas contemporáneas mejor valoradas, que
incluso a día de hoy siguen luchando, con el talento como arma, para que las
mujeres consigan el hueco que merecen dentro del mundo del arte.

Mujeres artistas que han hecho historia: Frida

Kahlo
Esta pintora mexicana combina en su obra, eminentemente personal,  los estilos
surrealista, naïf y folclórico. La vida de Frida Kahlo  (1907-1954) estuvo
marcada por una enfermedad infantil y por un accidente en su juventud que le
llevó a pasar por quirófano hasta en 32 ocasiones. Estuvo casada con el muralista
mexicano Diego Rivera, en una relación que fue tan intensa como tormentosa. Su
obra pictórica gira entorno a su vida y sufrimiento además de estar muy
influenciada artísticamente por su marido. Aunque su obra fue admirada por
varios artistas de la época fue después de su muerte cuando sus trabajos lograron
una mayor trascendencia.

Yayoi Kusama
Nació en una familia de clase media alta y desde pequeña ya apuntaba maneras.
Estudió en Nihonga (pinturas de estilo japonés) en Kyoto pero este estilo le
frustraba así que decidió probar con el avant-garde americano y europeo. En 1957
se instaló en Nueva York donde realizó una serie de pinturas influenciadas por
el expresionismo abstracto.

Pero pronto Kusama se pasa a la escultura y la instalación y comienza a

adentrarse en el estilo Arte Pop con sus trabajos expuestos al lado de figuras tan
representativas de este movimiento artístico como Andy Warhol o George Segal.
Su trabajo está basado en el arte conceptual mostrando atributos del feminismo,
el minimalismo, el surrealismo, el arte marginal, arte pop  todo ello fusionado
en una obra autobiográfica, psicológica y sexual.

Las obras de la artista japonesa son de las más cotizadas a nivel mundial y

siendo mujer, se encuentra en un buen puesto del ránking de artistas mejor
valorados en el mundo del arte ostentando el número 34. En 2008, la casa de
apuestas Christie'svendió en Nueva York, una obra de la artista por 5,1 millones
de dólares, un récord para ser una artista femenina viva.

MUJERES MÁS INFLUYENTES EN EL ARTE

Es el Día Internacional de la Mujer es un día dedicado a valorar a las mujeres y sus
contribuciones a la sociedad. ¿Qué mejor manera de celebrar aquí que con una lista
de las 10 artistas más influyentes? La siguiente lista, sin orden de importancia,
conmemora algunas artistas extraordinarias que rompieron fronteras, sobresalieron
como figuras influyentes y contribuyeron en gran medida al mundo del arte a lo largo
de la historia y en la actualidad.

Louise Élisabeth Vigée Le Brun

Nacida en París,
Francia, a Vigée Le
Brun (1755- 1842) se le
conoce
mayormente como una
retratista del totalmente
decadente período Rococó. Ella era la retratista personal de María Antonieta y pintó a
la reina (y a veces a su familia) más de 30 veces. El propio legado de Vigée Le Brun
incluye cientos de pinturas con alrededor de más de 600 retratos y 200 paisajes.

Al día de hoy, el legado artístico de Vigée Le Brun no es simplemente un recuerdo.

Ella, a diferencia de la mayoría de las artistas mujeres de su época, era muy conocida
y famosa. Cuando ella y su hija huyeron de Francia al inicio de la Revolución francesa,
viajaron por toda Europa, donde los aristócratas la conocían y le daban la bienvenida,
lo que le permitió seguir pintando en su estilo característico. Recorrieron todo el
camino hasta Rusia, donde pintó hermosos retratos de la reina Catalina y sus hijas.

Mujeres artistas en la actualidad

 ¿Dónde están las mujeres artistas?
Jemima Kirke ('Girls') colabora con las Guerrilla Girls y la
Tate Modern en un video que demuestra cómo los museos
y los libros de Historia han olvidado (y arrinconado) la
aportación femenina artística.
NOELIA RAMÍREZ | 11 FEB 2014 08:00
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FOTO: SCOSHA JEWELLRY

"En el arte siempre ha habido mujeres, pero han sido los hombres los que han escrito
los libros de Historia". La que habla es Jemima Kirke, a la que muchos conocerán por
interpretar a Jessa Johansson en Girls. Ella, en realidad, no se cansa de repetir que no
es una actriz profesional. Kirke se dedica a la pintura desde hace años y aparece en la
serie de la HBO (emitida en España en Canal+) porque es amiga íntima de Lena
Dunham desde que eran pequeñas. Conocemos a Jessa porque, básicamente,
Dunham un día le dijo "No tienes por qué pintar, también puedes ser actriz". Listo. Ya
podíamos visualizar a Jessa, esa rubia con acentro británico y "la cara de Brigitte
Bardot con el culo de Rihanna".

Kirke se ha aliado ahora con las Guerrilla Girls y la Tate Modern para poner rostro a un
video ilustrativo y documentado sobre cómo el arte ha arrinconado a las féminas
durante toda su historia. El clip está disponible en el canal de YouTube de la galería
londinense

Aunque seis minutos no dan para un tratado sobre este déficit de atención a las
artistas, estos son algunos hechos que aprendemos de su visionado:

–El misterioso caso de Judith Leyster. Su pintura, muy similar a la del sí reconocido
Frans Hals, no tuvo el mismo reconocimiento que la del pintor de la escuela barroca.
Tan parecidos eran que hasta los libros de Historia atribuyeron cuatro de sus obras al
neerlandés y en el Louvre se llegó a colgar uno de los cuadros de Leyster (Happy
couple) asegurando que estaba pintado por Hals.

-Masculinizar mi nombre para entrar en el circuito: Tal y como relata Kirke, existen

pintoras que solo usaban sus iniciales u otras que optaban directamente por
cambiarse el nombre. Como el caso de la pintora expresionista Grace Hartigan (1922-
2008), que firmaba al principio de su carrera como George Hartigan, por, tal y como
ella mismo defendió "el miedo a que no se tomasen su trabajo demasiado en serio".
ARTISTAS COMTEMPORANEOS

Este artista disidente recibió apenas el año pasado un pasaporte para regresar a
China después de cuatro años. Su valentía es, tal vez, lo que lo haga ser uno de los
artistas más populares de nuestros días, con trabajos que exploran temáticas
desafiantes como la censura, la sociedad y los derechos humanos con total libertad.
Con el paso de los años su trabajo se hace cada vez más crítico y utiliza las redes
sociales para informar a su público cómo va su vida de resistencia política. 

Ha exhibido en numerosos museos con diferentes propuestas que intenta globalizar.

Su trabajo incluye instalaciones, esculturas, música y arquitectura.

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Jeff Koons

Se ha convertido en uno de los artistas vivos más importantes y costosos. Con

61 años, rompió su récord de ventas en una subasta de Christie en mayo del
año pasado y en 2014 se realizó una retrospectiva de su trabajo en el Centre
Pompidou. Koons tiene una extraordinaria capacidad para convertir lo mundano
en trabajos aclamados de arte. Con obras que retoman a Michael Jackson con
su famoso chimpancé Bubbles, ese famoso perro de globo o la bola metálica
azul que se situaba en medio de copias de grandes obras de arte como la
Mona Lisa, convierten a este artista en uno que ha logrado marcar un
parteaguas en el arte, entre los kitsch y lo magnífico.

ARTE COMTEMPORANEOS
El arte contemporáneo es el arte de nuestro tiempo, que refleja o guarda relación con la
sociedad actual.12 El arte contemporáneo suele referirse a obras originadas a partir de la
mitad del siglo XX.3 La palabra 'contemporáneo' engloba un conjunto muy heterogéneo de
prácticas cuya asignación a la contemporaneidad es caduca por definición. Diversos
autores han abordado esta problemática, ahondando a menudo en la diferencia con el Arte
moderno y su acotación histórica.456

Museo Guggenheim Bilbao, una institución dedicada a exponer arte contemporáneo y un icono de la
arquitectura actual (Frank Gehry, 1997).

En otras disciplinas, esta adjetivación es singular: literatura moderna y literatura

contemporánea denotan significados diferentes. De manera mucho más clara, el concepto
de música moderna suele reservarse para la música popular moderna (de la industria
musical de consumo masivo); mientras que el de música contemporánea se hace para el
de la música académica del siglo XX —aunque también es común encontrar publicaciones
e instituciones que asimilan ambas denominaciones y que hablan de 'arte moderno y
contemporáneo'.7
Además de la práctica artística propiamente dicha, el arte contemporáneo incluye ámbitos
tales como la crítica y teoría del arte, la educación artística con sus instituciones
educativas y escuelas de arte, la curadoría, las publicaciones sobre arte contemporáneo,
los medios de difusión y mediación, el coleccionismo público y privado, las galerías y
las ferias que constituyen el mercado del arte contemporáneo, la industria de producción
del arte contemporáneo y los lugares en los que se exhiben,
se conservan y documentan las obras de arte contemporáneo.

SIN LIMITACIONES AL MOMENTO DE CREAR

Es, además, el sueño de cualquier artista. Poder crear sabiendo que las posibilidades
son infinitas, que no hay límites.
Pero, ¿qué pasa con la educación artística que se suele recibir? En las carreras
artísticas no nos centramos en la programación. Tenemos muchas otras materias para
poder asentar bien la base de nuestros conocimientos, de aquello a lo que nos vamos
a dedicar. Aprendemos sobre artistas, sobre sus emociones, intenciones y técnicas.
Aprendemos a diseñar y a utilizar numerosas herramientas. Pero siempre nos falta
algo. De ahí nuestra constante necesidad por conocer aún más herramientas. Por
encontrar nuevas formas de plasmar una idea. Por saber qué niveles puede alcanzar
el arte y su representación.
La sociedad tiene muy desarrollada la visión. El ojo domina nuestra percepción, es el
que decide qué capta nuestra atención. Por tanto, cuando tenemos una idea,
queremos poder hacerla visible fácilmente. Pues bien, processing es la herramienta
perfecta para conseguir esto. Es la herramienta que va a aunar arte y diseño con la
programación. Cómo, a través de un código, vamos a representar todo aquello que se
nos esté pasando por la mente. Y lo va a hacer de forma inmediata.
NOSOTRAS
Pues esto es lo que vivimos la semana pasada. Aunque solo fue el inicio, pudimos
explorar esta inexistencia de límites y la visualización de una idea fácilmente a través
de Processing y gracias a Marta Verde. Pudimos, partiendo del desconocimiento de la
programación, adentrarnos en la creación con código. Y como era de esperar,
teniendo en cuenta el transcurso del máster, hicimos nuestros primeros ejemplos de
animaciones. Y cómo no, ¡quedaron fenomenal!
Es que algo tan complejo como lo que queremos transmitir visualmente, esa idea, esa
representación que quieres contar, queda plasmado en ese código. Un código (y todos
los errores y ; que conlleva hasta que conseguimos hacerlo fucionar) que nos da un
resultado visual inmediato.
Como el post siguiente recogerá el trabajo que vamos a ser capaces de generar
durante la semana, sólo dejo un ejemplo. Una pequeña base de lo que, en unos pocos
minutos cualquiera que tenga ganas, puede hacer. Porque processing es una
herramienta para todos. Para todo aquel que quiera indagar en formas de
representación. Para seguir avanzando en el diseño digital. Y para descubrir todas las
posibilidades que este mundo ofrece. Que, según lo que hemos podido experimentar
nosotras hasta ahora ¡son muchas y maravillosas!
Así que, estad atentos a lo que os presentaremos en el próximo post para que podáis
ver cómo aprendemos de rápido en Máster Efímeras, y disfrutéis de nuestros trabajos.

Tipos de arte contemporáneo

Arte contemporáneo moderno

En este tipo de arte nos encontramos con grandes maestros de la historia del arte
mundial, como Van Gogh y Manet, a quienes se les ha llamado grandes personalidades
influyentes desde 1880. Estos dos famosos artistas provocaron cambios radicales en el
estilo de expresión artística. Cabe destacar que se hizo hincapié en la representación
subjetiva de individuos que, como Manet y Van Gogh, han hecho hincapié en el flujo
del realismo: el arte contemporáneo tiene un tipo de arte único, transmitiendo a través
de sus obras el mundo interior y, por otro lado, la apariencia del cuerpo humano.

Arte contemporáneo abstracto

El arte abstracto es un tipo de estructura que correspondiente al arte contemporáneo, y

este estilo ofrece una nueva forma de pensar sobre la realidad que es diferente a la que
vemos constantemente.

El arte abstracto utiliza una forma visual compuesta de diferentes colores, dispuestos en
líneas de diferentes significados, para obtener la disposición de elementos y elementos
del arte; cabe destacar que el arte abstracto no sólo ocupaba el campo de la pintura del
arte contemporáneo, sino que también se reflejaba en la música, dando lugar a un
número infinito de composiciones melódicas de pequeños sonidos abstractos, y por
tanto relacionadas con el arte.

Arte abstracto
de gran importancia del arte contemporaneo

Arte contemporáneo cubismo

El estilo del arte de cubismo fue originado entre 1907 y 1914 con los maestros artísticos
Jean Metzinger, Georges Braque y por supuesto Pablo Picasso entre otros grandes
pintores de esa época.

Cabe señalar que este tipo de técnica pintoresca es la que toma el comienzo del origen
otras tantas obras experimentales e innovadoras de esa época que provenian de Europa
en los comienzos del siglo XX, por Se debe mencionar que el cubismo no se cataloga
como un ismo, si no que se hace referencia como una fractura dentro de la pintura
clásica.

Louis Vauxcelles crítico francés la bautizó el nombre de cubismo ya que este estilo
estaba compuesto por pequeños cubos que se relacionarían entre sí con la intencion de
crear una majestuosa obra de arte para la historia de aquella epoca.

Picasso en el arte contemporáneo realiza un aporte mientras estaba finalizando su obra

denominada como «Las Señoritas de Avigno», esta se convierta en la 1ra. pintura
exponente del cubismo durante el nacimiento de esta bella e interesante corriente
artística.

Arte contemporáneo pop art

Traducido al español por el arte popular, este evento artístico ha puesto de relieve las
pinturas del mundo del entretenimiento para traducirlas al arte a través de la pintura
contemporanea.

Esta expresión artística es una de las más famosas y notables en la historia del arte en el
mundo, como lo demuestran muchas obras populares como la galería de arte de la
cantante, compositora y actriz estadounidense Madonna.

Pop-Art
coloridos estilos de arte contemporaneo

Por otro lado, el arte popular ha mantenido una estrecha relación con el arte del cómic,
ya que la expresión artística, el uso de colores y curvas en sus figuras de plasma
llevaron a la creación de grandes obras como Flash en 1963 por el historiador Roman
Gubern.

Arte contemporáneo fauvismo

El movimiento fauvista también se conoce como fauvismo, que apareció en el

continente europeo, con especial atención en Francia de 1904 a 1908. Con el
tiempo se ha extendido a los países vecinos.

Este estilo artístico se caracteriza por el uso de una amplia gama de colores
vivos basados en el amarillo,  rojo y azul, mientras que los otros colores son el
resultado de mezclar los colores primarios.
Arte contemporáneo surrealismo

La técnica del surrealismo nació en Francia en 1924 y fue presentada como un

manifiesto surrealista. Este movimiento artístistico se debe a la falta de interferencia, es
decir, una característica importante de este estilo es que el espectador no quiere recibir
el mensaje enviado por el autor.

En el estilo surrealista debe irradiar, a través de personajes imprecisos y significativos,

diferentes ideas sobre la realidad del mundo de los sueños humanos.

Arte contemporáneo romanticismo

El romanticismo es una tendencia cultural que se adaptó a la pintura a principios del

siglo XIX y, por lo tanto, apareció en Gran Bretaña y Alemania.

El origen del Romanticismo se divide en 3 fases principales: la primera es la

prerromántica, que abarca los años 1770-1820, y luego comienza con la expresión
artística del rococó. Las primeras pinturas románticas se pueden ver utilizando
elementos rococó.

Le sigue la segunda fase de la pintura romántica, que muestra que en este período la
manifestación artística alcanzó su punto álgido, es decir, hacia una mayor perfección y
expansión en Europa. En esta segunda fase del Romanticismo encontramos nuevos
cambios, y el tema principal de la pintura es la historia contemporánea.

Finalmente, encontramos una fase de posromanticismo, que abarca el período de 1850 a

1870, período en el que observamos que el flujo del Romanticismo comienza a
permanecer en el pasado y es reemplazado por el manierismo. Los artistas más famosos
de esta época son el el suizo Antoni Verz y el español Eugenio Lucas Velázquez.

Arte contemporáneo expresionismo

El arte conteporanea del expresionismo se basa en la transferencia de sentimientos y

emociones del autor al espectador. A través de este tipo de arte descubrimos que
queremos descubrir el lado pesimista de la historia humana, causado por las grandes
guerras y la destrucción del individuo.

El arte del expresionismo nació en Alemania a principios del siglo XX y se basó no sólo
en las formas expresivas de la pintura, sino también en el expresionismo de otras
culturas, como la música, danza, el teatro y por supuesto la literatura.

La pintura expresionista fue expuesta por 2 grandes grupos de artistas, como Die
Brucke, fundado en Alemania en Dresde, capital del Estado Libre de Sajonia, y el
segundo grupo de artistas expresionistas fue Der Blaue Reiter, un grupo nacido en 1911
en Munich.

Arte contemporáneo hiperrealismo

El hiperrealismo es otra rama de la pintura contemporánea que, como su nombre indica,

se basa en esculpir la pintura de la forma más realista posible, por lo que algunos
artistas de la época se asemejan a la fotografía, cuyo objetivo es conservar y capturar la
pintura. Este estilo artístico nació en los Estados Unidos y en una parte de Europa a
finales de los años sesenta.

El estilo hiperrealista del arte contemporáneo enfatiza la escultura de objetos a través de

la pintura o escultura con características diferentes para darle un toque de realidad, así
como en la iluminación, color y forma del objeto pintado.

El arte en el futuro