Univeridad de las Americas
Facultad de Arquitectura y Diseño
Dibujo Natural
NRC: 4485
Unbiversisas de las Americas
Francisco Mateo Navcas Paillacho
Museo guggenheim, Nueva York
Dibujo Natural
2021-2022
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NRC: 4485
“El gran acto final de Wright, el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York es un regalo de pura
arquitectura -o más bien de escultura. Es una helicoide espacial continua, una rampa circular que se
expande mientras se enrolla vertiginosamente en torno a un pozo de espacio sin obstrucción, coronado
por una cúpula plana acristalada. Una construcción sin costuras, el edificio evocado por Wright como
“la onda continua”.
El Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York es sin duda uno de los más celebrados y a la vez
más polémicos edificios de la arquitectura moderna. Es, junto a la Casa de la Cascada, la obra más
famosa del maestro norteamericano Frank Lloyd Wright, quien recibió el encargo del museo a sus 76
años. La formas curvas de la propuesta contrastan dramáticamente con el resto de la fábrica urbana
neoyorquina, siendo a la vez un ente provocador e innovador. En su interior se encuentran algunas de
las más importantes del arte moderno, incluyendo a figuras como Vasily Kandisnky, Paul Klee, Pablo
Picasso y Piet Mondrian.
Antecedentes
Solomon R. Guggenheim, un magnate de origen judío y dueño de una mina de oro en Alaska se inició
en la adquisición de arte abstracto en 1929, de la mano de la pintora alemana Hilla Rebay, su amiga y
asesora artística. Este tipo de arte no buscaba representar objetos, paisajes o personas (como hasta ese
momento había sido la tendencia del arte, incluyendo el impresionismo), sino más bien plasmar
sentimientos, ideas y conceptos abstractos.
asociación: el filántropo Solomon Guggenheim y si asesora y amiga (¿amante?) Hilla Rebay
introdujeron el arte abstracto en EEUU e una época en que era perseguido en Europa.
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Guggenheim consiguió acumular una interesante colección de pinturas de artistas europeos, en un
principio decorando sus departamentos pero luego montando exposiciones fuera de Nueva York.En
1937 se creó la fundación Solomon R. Guggenheim y en 1939 abrieron el “Museum of Non-Objective
Painting” dedicado al arte abstracto.
Para 1943, en plena Segunda Guerra Mundial, Guggenheim y Rebay escribieron una carta a Frank
Lloyd Wright para crear un enorme “templo-museo”. La elección de Wright se debió no sólo a la
fama del arquitecto entre los círculos aristócratas de la época (Wright había construido su más famosa
obra, la Casa de la Cascada, para otro empresario judío, Edgar J. Kaufmann) sino para aplacar las
críticas de que la colección Guggenheim era básicamente compuesta de obras de artistas europeos.
Wright era entonces EL arquitecto norteamericano por excelencia.
El proyecto, sin embargo, tomaría 15 años antes de ser ejecutado, y muchas amargas discusiones entre
el arquitecto, la oficina de planeamiento de la ciudad, el fundación e incluso algunos artistas, que
llegaron a mandar una carta de protesta aduciendo que las paredes del museo no serían lo
suficientemente grandes para acomodar sus obras. Wright les respondió “bueno, entonces que las
corten por la mitad”. El museo, sin embargo se culminó en 1959, aunque ninguno de sus grandes
propulsores llegó a verlo culminado (Solomón Gugenheim había muerto hacía 10 años y Frank Lloyd
Wright murió 6 meses antes de la inauguración).
Emplazamiento
A pesar de que se discutieron varias posibles ubicaciones, el edificio se encuentra en la 5ta Avenida,
entre las calles 88 y 89, frente a un extenso estanque en el Parque Central de Nueva York.
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De hecho, Wright no gustaba de esta ciudad, pero le complació que su obra se ubicara frente al mayor
espacio verde neoyorquino. Al caminar por la 5ta avenida el edificio se nos presenta con sus formas
curvas como un elemento extraño, ajeno a esta trama de cajas dispuestas en la retícula de la gran
manzana. Pero esta originalidad en su forma le da un carácter de monumento o escultura
metropolitana.
El proyecto
“Ingresando al espíritu de su interior, descubrirás la mejor atmósfera posible en la cual mostrar bellas
pinturas o escuchar música. Es esta atmósfera la que me parece más ausente en nuestras galerías de
arte, museos, salones de música y teatros.”
La idea motora de Wright era generar una espiral ininterrumpida que permita una contemplación
continua de las obras de arte. En algo me hace recordar el concepto de “museo de crecimiento
ilimitado” que propuso Le Corbusier para su Museo de Arte Occidental en Tokio; sin embargo, y a
diferencia de la espiral corbuseriana (básicamente desarrollada en un nivel), Wright propone una
rampa que va ascendiendo tridimensionalmente, en un ángulo de 3°, en torno a un espacio central
iluminado por una cúpula de cristal. De esta forma los visitantes podían usar el ascensor hasta el
último nivel e ir descendiendo cómodamente mediante la rampa, incluso aquellos que requiriesen silla
de ruedas.
Para el teórico italiano Bruno Zevi "el espacio de Wright reduce la generatriz, colocándose a sí
mismo, no sólo en términos geométricos si no en aquellos inmediatamente plásticos, pensando en la
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forma como en algo que crece y que, conforme lo hace, el espacio se convierte en su fuerza viviente,
su construcción en una dimensión".
No le falta razón a Zevi, la espiral al interior del museo no sólo moldea el espacio sino que conduce el
movimiento como un torbellino que asciende al cielo.
Exteriormente el volumen principal está compuesto por una cinta continua de concreto que envuelve
esta rampa y que se inclina hacia afuera, fracturando de este modo la masividad de este volumen que
forma una especie de un cono truncado invertido. Complementariamente se ubica otro cilindro menor
ubicado en la otra esquina, y ambos volúmenes se engarzan mediante una gran losa horizontal, un
puente que sirve de marquesina al conjunto. Wright había mostrado predilección por estos volúmenes
horizontales casi flotantes, incluso desde obras tan tempranas como la Casa Robie en Chicago.
detalle interesante que a menudo no se aprecia en las fotos. El museo está hundido respecto al nivel de
la calle, y separado mediante una jardinera. Esto permite dar mayor contundencia a la volumetría,
como si hubiera germinado y crecido desde el fondo de la tierra. Las referencias a la naturaleza,
comunes en la obra de Wright, hicieron que su arquitectura se denominara "orgánica".
Pero no solamente las paredes exteriores se inclinan hacia afuera, sino que el parapeto de 1 m de la
rampa interior se inclina hacia adentro. Es más, la rampa, que desarrolla 6 vueltas, va acercándose
hacia el centro conforme va ascendiendo en altura, lo que resulta que los niveles superiores sean
mucho más anchos que los inferiores. Esto además, acrecienta el efecto de perspectiva al interior, de
manera de que el espacio parece más alto de lo que en realidad es. Se trata pues de un espacio cónico
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dentro de un cono invertido.
La cúpula enfatiza la centralidad del diseño mediante unas vigas radiales que nacen de la pared, a
manera de arquitrabes en forma de arco que convergen hacia el centro de la composición.
Construcción
El diseño sui géneris del museo supuso el desarrollo de nuevas tecnologías constructivas, que serían
utilizadas luego en varios edificios posteriores.
Se utilizaron tres tipos de concreto: concreto reforzado con “Lelite” aligerado para la superestructura,
concreto aligerado para las rampas y los pisos y concreto con piedras fue usado para las paredes
interiores.
Para el desarrollo de la forma curva se requirió un encofrado de madera y metal especial, sobre el que
se espació el concreto.
Las losas llegaban a una luz de 30 metros y en algunos casos presentaban voladizos de hasta 8 metros.
La rampa principal se ancla a una viga de 30 cm. de espesor y vuela 4.4 m hacia el espacio principal.
Ampliación
En 1992 se llevó a cabo una ampliación del museo, que estuvo a cargo de Gwathmey Siegel &
Associates. Este es un encargo que cualquier arquitecto en el mundo habría soñado (o temido) tener,
el saltar a la palestra ampliando una famosa obra. Siegel resistió la tentación de buscar recargar más la
forma escultura del museo y añadió un bloque adusto, un paralelepípedo casi ciego con pequeñas
ranuras a manera de ventanas, que contiene 4700 m2 más de área de exhibiciones y 1400 m2 de área
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de oficinas, lo que permite que el edificio de Wright se dedique exclusivamente a las galerías. El
contacto con el edificio antiguo se hace a través de una pared acristalada.
Restauración
En el 2002 se llevó a cabo una extensiva restauración del Guggenheim, ya que se observaban muchas
rajaduras y daños externos, ya que Wright diseñó la estructura sin juntas de expansión para darle una
apariencia sólida. Alta tecnología como modelado láser demostró, sin embargo, que la estructura es
sólida y estable. Finalizada la restauración surgió la discusión si es que el edificio debería llevar el
color propuesto por Wright (una especie de rosado eléctrico), pero finalmente se decidió por el tono
"Niebla londinense", que es esa especie de gris que lleva ahora.
Contemplando el vacío
En el 2009, con motivo de los 50 años de la inauguración del museo, la Fundación Solomon R
Guggenheim llevó a cabo el concurso "Contemplando el Vacío" (Contemplating the Void), en el que
cientos de artistas, arquitectos y diseñadores de todo el mundo que idearon distintas experiencias y
sensaciones de cómo se podría percibir el espacio central del famoso museo.
Recientemente se viene realizando la competencia Re:Contemplating the Void, donde se invita a los
participantes a ser "verdaderamente creativos... sus intervenciones soñadas diseñadas para capturar el
pleno potencial de la rotonda del Guggenheim... no necesitan estar limitadas por ningún sentido de la
realidad". (Más información en A Daily Dose of Architecture)
