La Revolución Industrial (1760-1840)

Fecha: 01/01/1970
Lugar: Gran Bretaña.

Llamamos Revolución Industrial al cambio fundamental que se produce en una sociedad cuando su economía deja de basarse
en la agricultura y la artesanía para depender de la industria. Localización: La Revolución Industrial nace en Gran Bretaña y se
extiende luego al resto de Europa. Antecedentes: La economía existente antes de la revolución industrial estaba basada en el
mundo agrario y artesanal; tres cuartas partes de la población subsistían con trabajos agropecuarios. Principalmente estaba
basada en el autoconsumo y no en la comercialización de los productos obtenidos, puesto que además la productividad era
muy baja. Las ciudades eran pocas, pequeñas y poco desarrolladas. Hay que recordar que el régimen de gobierno de estas
sociedades eran las monarquías absolutistas, en las que todo, incluyendo las personas, se consideraban una propiedad del rey.

Origen y nacimiento de la Revolución Industrial: Nace en Gran Bretaña a mediados del siglo XVIII. Fue posible por la existencia
de una monarquía liberal y no absolutista, que consiguió evitar el panorama de revoluciones que se estaban extendiendo en
otros países. Gran Bretaña quedó libre de guerras, ya que aunque estuvo involucrada en algunas, no se desarrollaron en su
territorio. A esto se unió una moneda estable y un sistema bancario bien organizado. El Banco de Inglaterra se fundó en 1694.

Principales características: Se produce un cambio rápido y en profundidad que afecta a todas las estructuras de la sociedad.
Los cambios serán tecnológicos, socioeconómicos y culturales. Los tecnológicos irán desde el uso de nuevos materiales como
el acero a fuentes energéticas como el carbón y máquinas motrices como la máquina de vapor, considerada como el motor
inicial de la Revolución Industrial. Aparecen las máquinas de hilar y tejer, que consiguen aumentar rápidamente la producción
con poco personal. Surgen técnicas para el desarrollo del trabajo y la especialización de la mano de obra. El transporte se
desarrolla tanto por trenes como por barcos, lo que junto con otros inventos harán crecer el papel de la industria y el comercio.

Los cambios culturales se plasmarán en un impresionante aumento de los conocimientos en todas las ramas, tanto científicas
como técnicas y sanitarias. Los cambios sociales más notables derivan del crecimiento de las ciudades y el consiguiente éxodo
en zonas rurales. Al mismo tiempo se produce un fuerte aumento demográfico, como consecuencia de la elevada natalidad y el
descenso de la mortalidad catastrófica (gracias a avances sanitarios, como las vacunas, y a una mejor alimentación de la
población). Esto provocará que la población europea se multiplique en pocos años.

Al tiempo que se desarrolla una clase burguesa, el éxodo de población rural hacia las ciudades (la revolución agrícola
disminuyó las necesidades de mano de obra en el campo) da lugar a la aparición de una nueva clase trabajadora que se
agrupa en suburbios cercanos a las fábricas, a partir de los barracones en los que viven los obreros. Las condiciones de vida
de estos empleados son penosas, tanto en las fábricas donde trabajan como en los suburbios en los que habitan. En las
fábricas encontrarán humedad, poca ventilación, ninguna seguridad laboral y jornadas que superan las doce horas diarias, siete
días a la semana. En los suburbios superpoblados y sucios son víctimas de epidemias de fácil propagación. La cantidad de
personas afectadas por estas condiciones les lleva a organizarse para la defensa de sus intereses y aparecen los movimientos
obreros de protesta.

Consecuencias de la Revolución Industrial: En principio la Revolución industrial produjo un cambio radical en todos los ámbitos
de la sociedad inglesa y, más tarde, del resto de las sociedades europeas, creando un nuevo modelo de vida. El desarrollo
industrial y minero, el aumento de la productividad, el crecimiento de las ciudades y la mejora del comercio nacional e
internacional contribuiran a un gran crecimiento demográfico debido al aumento de la natalidad y de la esperanza de vida. La
revolución industrial en España fue mucho más tardía que en el resto de Europa. España seguía inmersa en un mundo rural en
el que los cambios fueron mínimos. Las malas comunicaciones, tanto interiores como con Europa, acentuaron el retraso. Los
talleres seguían siendo artesanales y la producción se especializaba por zonas dependiendo de los recursos disponibles.

La revolución industrial fuera de Europa: En Estados Unidos comenzó al terminar la guerra civil, a finales del siglo XIX. Estados
Unidos había alcanzado a Gran Bretaña en potencial industrial y tenía un mercado interior muy dinámico en un extenso
territorio. La construcción de la red de ferrocarriles permitió la colonización del Oeste, y la industrialización se basó en la
aplicación temprana de las innovaciones tecnológicas y una fuerte concentración empresarial. En Japón la industrialización
comenzó por la actividad textil. Las características principales fueron el patrocinio del Estado en la construcción de ferrocarriles
y bancos, la existencia de una mano de obra barata y disciplinada, fácil adaptación a la tecnología occidental y grandes grupos
industriales muy competitivos orientados a la exportación. Este periodo fue denominado como Era Meiji o Era de la Luz: Japón
se había convertido en una gran potencia.

https://www.finanzasparatodos.es/gepeese/es/inicio/laEconomiaEn/laHistoria/revolucion_industrial.html

a primera revolución industrial

La primera revolución industrial abrió un período de crecimiento sin precedentes y una transformación profunda de los
sistemas de trabajo y de la estructura de la sociedad. El origen de la revolución industrial hay que buscarlo en la
coincidencia de muchos factores interrelacionados y de signo diferente (económicos, técnicos, ideológicos y
demográficos) que se dieron en la Inglaterra de mediados del siglo XVIII. Este país se convirtió durante mucho tiempo en
el primer productor de bienes industriales del mundo.

Los cambios más significativos son:

aumento de la población:

superación epidemias

avances en la medicina

mejoras en la alimentación

mejoras en la higiene (red de alcantarillado).

sistemas de agua potable

mantenimiento de la natalidad

Este aumento de la población trajo como consecuencia una emigración del campo a la ciudad porque disminuyó la
ocupación en las labores agrícolas mientras crecía la demanda de mano de obra en las ciudades. Así las antiguas
comunidades rurales se transformaron en conglomerados urbanos.

aumento de la productividad
en la agricultura posibilitó la comercialización de los excedentes que se podían comercializar a otros mercados, y redujo
las necesidades de mano de obra agrícola estimulando la emigración del campo a la ciudad.

movimientos de población

del campo a la ciudad: La urbanización

de Europa a otros continentes: Canadá - Estados Unidos

Todos estos avances que acabamos de señalar trajeron consigo un importante crecimiento de la demanda que hizo
necesario utilizar nuevas técnicas a fin de aumentar la producción. Este hecho se produjo tanto por el crecimiento de la
población, al lograr superar las epidemias y enfermedades gracias a una serie de mejoras en la alimentación, la higiene
y los avances en la medicina. También la actividad comercial desarrollada por Gran Bretaña durante el siglo XVIII
aumentó de una forma muy considerable el número de consumidores extranjeros.

La primera revolución industrial se inició en Inglaterra en la segunda mitad del siglo XVIII y después durante la primera
mitad del siglo XIX se iría extendiendo, aunque no de forma homogénea ni simultánea, al resto de los países europeos,
especialmente a Bélgica, Francia y Alemania.

En Inglaterra concurrían una serie de factores que posibilitaron su despegue económico y su desarrollo industrial antes
que en otros países europeos. Entre ellos cabe destacar:

Disponía de capitales acumulados, como consecuencia de su expansión colonial, para poder invertirlos en la creación de
industrias.

Contaba con una gran red de vías fluviales que facilitaban el transporte de mercancías por el interior de su territorio.

Tenía una importante fuerza naval debido a su expansión comercial.

Mantenía una red comercial internacional que le proveía de materias primas y de mercados a los que exportar sus
productos.

Se consolidó una mentalidad burguesa dominada por el espíritu de empresa y la búsqueda de beneficios.

La revolución industrial consistió básicamente en la sustitución de las viejas herramientas artesanales por máquinas más
productivas, y la energía animal y humana por la máquina de vapor. Estas invenciones se aplican a la industria.

http://ocw.innova.uned.es/epica/his_contempo/contenidos/html/unidad2/unidad001_1.html

.. https://economipedia.com/definiciones/primera-revolucion-industrial.html
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Movimiento de Arte Moderno – Historia, Artistas y

Obras de Arte
Movimientos Artísticos / Por Artlex
¿Qué es el Arte Moderno?
El arte moderno es un período de la historia del arte entre finales del siglo XIX y mediados del siglo XX que
abarcó muchos estilos diferentes, en pintura, escultura, artes decorativas y arquitectura. Se cree que el arte
moderno comenzó con el impresionismo en 1870 y continuó a través de varios estilos, incluidos el
posimpresionismo, el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo, el
expresionismo abstracto y terminó con el arte pop en la década de 1960.

Obras famosas del arte occidental moderno

La estación de Saint-Lazare. 1877. Claude Monet. Museo de Orsay, París, Francia.

Almuerzo de la Boating Party. 1881. Pierre-Auguste Renoir Colección Phillips, Washington D.C.
 La clase de baile. (1874). Edgar Degas.
Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

Un domingo
en La Grande Jatte -1884 (1884-1886) George Seurat. El Instituto de Arte de Chicago.
 

Girasoles (1889) Vincent van Gogh. Museo Van

Gogh, Ámsterdam (Fundación Vincent van Gogh).
La noche estrellada. 1889. Vincent Van Gogh. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
 Los jugadores de cartas.
(1890-1892) Paul Cezanne. El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

Los Grandes Bañistas. (1900-1906)

Paul Cezanne. Museo de Arte de Filadelfia.
 ¿De dónde venimos? ¿Que
somos? ¿A dónde vamos? (1897-1898) Paul Gauguin. El Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts.

Calle, Berlín. 1913. Ernst Ludwig Kirchner. Museo de Arte

Moderno, Nueva York.
 Mujer con sombrero. 1905. Enrique Matisse. Museo de

Arte Moderno de San Francisco. Les

Demoiselles d’Avignon. 1907. Pablo Picasso, Museo de Arte Moderno, Nueva York.
El estilo del arte moderno
Los historiadores del arte están de acuerdo en que el arte moderno comienza con los impresionistas y
termina con el arte pop. Entre estos dos estilos de arte hubo muchos movimientos de arte moderno
diferentes y abarcaron nuevos medios visuales más allá de las artes tradicionales, que incluyen:

 Impresionismo (1870- 1880)
 Postimpresionismo (1886-1904)
 Fauvismo (1905 – 1907)
 Expresionismo (1905-1907)
 Cubismo (1908-1914)
 Cubismo Analítico
 Cubismo Sintético
 Futurismo (1909-1944)
 Dadaísmo (1916-1924)
 Surrealismo (1924-1950)
 Expresionismo abstracto (1940-1950)
 Arte pop (1950-1960)
El comienzo del arte moderno
El arte moderno comienza con la Revolución Industrial a mediados del siglo XIX. El ferrocarril, la máquina de
vapor y el metro cambiaron el curso de traer aún más puestos de trabajo a la ciudad. Los habitantes de los
suburbios tomaron trenes que se movían rápidamente al trabajo, mientras que los habitantes de la ciudad
disfrutaron la tarde del domingo en el campo.

Las poblaciones en las ciudades comenzaron a crecer, especialmente en ciudades como París. En 1853, el
emperador Napoleón III encargó al arquitecto y urbanista Georges-Eugène Haussmann la creación de
nuevos edificios, la ampliación de las aceras y la creación de parques para el disfrute de la gente. Los
pintores estaban allí capturando la vida cotidiana del mundo moderno en lienzo, con ideas frescas.

Arte Moderno Guerra y Comercio

El arte moderno fue influenciado por la guerra con la Primera Guerra Mundial de Europa (1914-1918) y la
Guerra Civil Española (1936-1939). Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) muchos artistas
europeos se fueron a Nueva York, que se convirtió en el centro del arte.

Las caídas económicas con el Lunes Negro y la caída del mercado de valores de 1929 llevaron a la Gran
Depresión (1929-1939).
El arte y los pintores reflejaron la nueva realidad moderna de la vida y los artistas exploraron
pensamientos y tendencias socialmente liberales en el arte modernista y los nuevos movimientos
artísticos.

El papel de Édouard Manet en el comienzo del arte moderno

Édouard Manet (1832-1883) fue el puente entre el Realismo y el Impresionismo. Su impactante

cuadro Almuerzo sobre la hierba causó escándalo en el Salón de París, cuando fue expuesto en 1863.

La obra de arte ilustra a dos hombres completamente vestidos haciendo un picnic en el césped, con dos
mujeres, una completamente desnuda. Tanto el contenido como la composición fueron tomados de la
pintura renacentista Concierto pastoral de Giorgione (1510). Mientras que el trabajo anterior hace una
referencia clásica a la literatura antigua, el trabajo de Manet trata claramente sobre la sociedad francesa
moderna.

Almuerzo sobre la
hierba (1863) Édouard Manet.
Édouard Manet era miembro de la clase media alta (burguesía) de París. El artista fue el único de sus
contemporáneos que no tuvo que vender sus cuadros para ganarse la vida. Aunque su padre quería que
estudiara derecho, Manet todavía prefería el arte. Manet amaba el trabajo de los artistas Courbet,
Velázquez y Goya.
“Todo es mera apariencia, los placeres de una hora que pasa, el sueño de una noche de verano.
Sólo la pintura, el reflejo de un reflejo -pero también el reflejo de la eternidad- puede registrar algo
del brillo de este espejismo.» – Édouard Manet

Impresionismo (1870- 1880)

Los historiadores del arte consideran que el impresionismo es el comienzo de cuando comienza el arte
moderno. Con origen en Francia en la década de 1860, el impresionismo continuó hasta finales de la
década de 1880. Los impresionistas trabajaron para capturar las escenas de la vida cotidiana de la clase
media, centrándose en un solo momento en el tiempo. Los artistas impresionistas descartaron las pinturas
en tonos tierra y las pinceladas planas del realismo. Estos pintores optaron por utilizar una paleta más
viva, aplicada con toques cortos de color.

Fascinados con la luz natural y el color, estos artistas modernos experimentaron pintando al aire libre, sin
el uso de sombras negras o de claroscuro. Las pinturas a menudo se recortaban influenciadas por la
fotografía y la era moderna.

Rechazados por el Salón de París, los pintores franceses Édouard Manet, Claude Monet (1840-1926),
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas
(1834-1917) ), junto con otras dos docenas organizaron su propia exposición en 1874. Fue el primero de
ocho en total que duró hasta 1886. Esto fue impresionante considerando que la «Nueva Pintura», como se
la llamó inicialmente, se consideró un fracaso artístico en el mundo del arte durante las primeras décadas.

Impresión de Monet, Amanecer (1872) El Musee Marmottan Monet de París captura el sol naciente
anaranjado sobre las aguas grises del puerto de Le Havre, mientras los barcos pasan flotando. Los colores
contrastantes crean una iluminación del sol sobre el agua. El nombre de la pintura proporcionó a los
críticos la fuente que necesitaban para definir las pinturas que vieron.

En La estación de Saint-Lazare de Monet, ahora en el Musée d’Orsay, en París, el tren, símbolo de la
modernidad, se ve empañado por el humo a medida que avanza hacia la estación. La gente espera en la
plataforma al aire libre con la arquitectura de Hausmann creando un telón de fondo para la era moderna.

Renoir disfrutó pintando parisinos en su tiempo libre. Luncheon on the Boating Party (1881) es una obra
que pintó de sus amigos disfrutando de una comida juntos en un restaurante con vista al agua.

Degas es más famoso por su trabajo artístico al capturar los movimientos de las bailarinas en el Ballet de
la Ópera de París, en obras como The Dance Class (1874) con el maestro de ballet Jules Perrot y bailarinas
ensayando.

Postimpresionismo (1886-1904)
El posimpresionismo comenzó en 1886, en Francia, luego se trasladó a toda Europa, reflejando el arte en
una diversidad de formas. Existía una comunidad en la creación de obras de arte con ideas frescas, en
reacción al impresionismo. Postimpresionistas como Vincent Van Gogh (1853 – 1890), Paul Cézanne
(1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903) y Georges Seurat (1859-1891) utilizaron un estilo poco
convencional, incluida la aplicación plana y rápida de pintura, y el uso del color para crear un efecto
psicológico. Sin embargo, el trabajo de cada uno de los postimpresionistas fue muy diferente.

Seurat quería añadir ciencia al impresionismo utilizando el color para crear luminosidad, lo que se
denominó neoimpresionismo . En A Sunday on La Grande Jatte—1884 , (1884-1886) el artista crea esto
usando una mezcla óptica, o colocando dos colores uno al lado del otro, usando pequeños toques de
color o puntillismo , para dar la ilusión de un color mezclado.

Para el pintor holandés Vincent Van Gogh, el posimpresionismo tenía que ver con el color, tal como lo
retrata en sus obras de lirios, flores y paisajes llenos de trigo. También era un simbolista que quería
agregar un significado más profundo a su trabajo.

De todas las flores, amaba los girasoles, que comenzó a pintar cuando se mudó a París. De hecho, los
girasoles aparecen en algunas de sus obras más famosas. Pintó una colección de cinco obras de girasoles
en un jarrón, mientras vivía en el sur de Francia entre 1888 y 1889. En estas obras, el amarillo se incorpora
en muchos tonos diferentes. Van Gogh sintió que los girasoles representaban gratitud.
Girasoles. 1887. Vincent Van Gogh. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

En La noche estrellada (1889) Van Gogh eligió representar el cielo nocturno. En una carta a Willemien van
Gogh, en septiembre de 1888, el artista escribía: «Amenudo me parece que la noche es aún más rica en
colores que el día, coloreada con los violetas, azules y verdes más intensos. Si te fijas bien, verás que algunas
estrellas son de color limón, otras tienen un brillo rosa, verde, azul nomeolvides… Está claro que para pintar
un cielo estrellado no basta con poner manchas blancas sobre azul. -negro.»

Vincent Van Gogh pinta un paisaje nocturno con trazos arremolinados de colores vivos. El cielo, con la
luna amarilla brillante y las estrellas, se convierte en el punto focal debido al horizonte bajo. Aunque vive
en Francia en ese momento, el pueblo, con su campanario, es más característico de Holanda, quizás en
alusión a su desplazamiento. Obras como ésta tendrían un fuerte impacto en el expresionismo .

Las obras del pintor francés Paul Cézanne cambian según la posición del espectador. De cerca, sus
pinturas parecen planas, pero cuando se ven desde más lejos parecen tridimensionales. Los logró usando
sombras, o incluso delineando objetos en negro.
 Naturaleza
muerta con cortina. 1895. Paul Cezanne. Museo del Hermitage. San Petersburgo, Rusia.

En The Card Player s (1890-1892), una serie de cinco obras, Cézanne hizo bocetos de hombres individuales
y luego transformó los sujetos en una composición. Mientras que las personas parecen estáticas, la
decoración y la ropa que visten parecen estar cambiando.

En su obra artística Las grandes bañistas (1898-1906) Cézanne le da un giro de arte moderno al tema del
desnudo femenino clásico. Aquí las mujeres no son diosas de la mitología, sino formas femeninas que han
sido alargadas, aplanadas y deconstruidas para formar parte de la composición que imaginó el artista.

¿De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos? (1897-1898) es una obra maestra de la obra maestra
de Paul Gauguin. La pintura representa el ciclo de niña a mujer, visto a través de la perspectiva femenina
de la vida tahitiana. Paul Gauguin había dejado Francia para vivir entre el pueblo tahitiano, de donde se
derivó el tema de muchas de sus obras.

Fauvismo (1905-1907)
El fauvismo , un término dado por los críticos de arte franceses, se derivó del término francés fauves, que
significa bestia salvaje. Artistas nacidos en Francia como Henri Matisse (1869 -1954) y André Derain (1880-
1954) favorecieron los colores primarios brillantes, los colores secundarios y las pinceladas distintivas,
produciendo pinturas de paisajes y figuras. Estos artistas encontraron influencias en la exploración de
culturas africanas y no occidentales.

En La mujer con sombrero (1905) de Matisse, el artista pinta a su esposa Amelia con colores brillantes y
expresivos. Esta fue una nueva forma de pintar un retrato a través del arte modernista.

En Goldfish de Henri Matisse, (1912) en el Museo Pushkin de Moscú, el artista crea una naturaleza muerta
en forma abstracta. El pez dorado aplanado y de color naranja vivo se puede ver desde dos lados
simultáneamente. Su uso experto de colores complementarios colocados uno al lado del otro funciona
para saturar los tonos. Goldfish fue influenciado por los viajes de Henry Matisse a Marruecos, y el pescado
que compró para su propia sala de estar después, lo que le dio un elemento intercultural.

The Dance (1910) de André Derain, ahora en una colección privada, combina la influencia de la escultura
románica, el arte popular y las influencias de las máscaras africanas, con la audaz paleta de colores del
fauvismo, ambientada en un lugar exótico.

Matisse también trabajó con la escultura al principio de su carrera, trabajando continuamente en

desnudos femeninos con curvas. En contraste, la escultura de arenisca de Derain Crouching Man, (1907) en
el Museum Moderner Kunst, Viena, Derain reduce al hombre a una forma en forma de bloque.

Lea el artículo completo sobre el fauvismo

Expresionismo (1905-1907)
El expresionismo tenía elementos recurrentes que, si bien eran intensamente personales para los artistas,
podían atraer al espectador al contexto emocional, a través de imágenes distorsionadas y colores
utilizados para provocar reacciones. Los expresionistas no estaban preocupados por la realidad física en el
mundo del arte.

Expresionismo: Die Brücke

Se formaron dos grupos en Alemania que ayudaron a definir el expresionismo. Die Brücke (El puente)
comenzó en 1905 y fue dirigido por Ernst Ludwig Kirchner (1880 -1938) y también incluyó a los miembros
fundadores Fritz Bleyl (1880 -1966), Erich Heckel (1883 -1970) y Karl Schmidt-Rottluff (1884 -1976). ). Al
considerarse un puente entre el arte del pasado y el arte del presente, tenían como objetivo fusionar el
arte gótico alemán y el medieval, y el desnudo femenino con el expresionismo.

El cartel de la primera exposición Die Brücke, una litografía en color , fue diseñado por Bleyl en 1906. El
trabajo que presentaba una forma femenina desnuda parcialmente abstracta, utilizada como expresión de
los pensamientos del grupo sobre la sexualidad abierta, se consideró atrevido para el público.
En Kirchner’s Street, Berlín (1913), dos prostitutas, seguidas por un camino de hombres, se alargan y
aplanan, en un entorno de fondos urbanos de colores poco naturales, con colores realzados de tonos de
piel rosa .

Autorretrato como soldado (1915) Ernst Ludwig Kirchner. Museo

de Arte Conmemorativo Allen, en Ohio

Autorretrato como soldado (1915) que se exhibe en el Museo de Arte Allen Memorial, en Ohio, es el
resultado de la ansiedad que experimentó Kirchner en el ejército. En colores contrastantes de verde,
naranja y amarillo, el trabajo, incluido un desnudo, tiene formas angulares y discordantes.

Lea el artículo completo sobre Die Brucke

Expresionismo: Der Blaue Reiter

Mientras tanto, Der Blaue Reiter (El jinete azul), incluidos los pintores Wassily Kandinsky (1866-1944),
Franz Marc (1880-1916) y Gabriele Münter (1877-1962), exploraron la abstracción. Kandinsky estaba más
conmovido por la música y quería capturar la experiencia auditiva en un lienzo. Vio color en la música en
lo que pudo haber sido sinestesia, una condición neurológica que es rara. Su obra Improvisación
28 (segunda versión), pintada en 1912 y conservada en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York
es un ejemplo de ello.

Cubismo (1908-1914)
Si bien el artista español Pablo Picasso (1881-1973) contribuyó a muchos movimientos artísticos, fue el
fundador del cubismo, junto con el artista francés George Braque (1882-1963). El cubismo se clasifica
como un estilo de arte que incluye formas geométricas y fragmentadas para permitir que los objetos se
vean desde muchos ángulos y puntos de vista.
En Les Demoiselles d’Avignon (Las señoritas de Avignon) de Picasso de 1907, el artista representa
prostitutas en formas abstractas, utilizando líneas irregulares, convirtiendo lo que debería considerarse
deseable en algo agresivo. Influenciados por las máscaras africanas, los rostros tienen una cualidad
primitiva.

Violín y candelabro. 1910. Jorge Braque. Museo de Arte de San Francisco.

Las pinturas cubistas Violín y candelabro (1910) de Georges Braque, así como El portugués (1911) , son dos
ejemplos en los que el artista utiliza un tono monocromático para enfatizar la fragmentación.

Leer artículos completos sobre cubismo  ,  cubismo analítico  y  cubismo sintético

Futurismo (1909-1944)
El futurismo tenía como objetivo expresar la velocidad de la nueva tecnología en aviones, trenes y
automóviles. A principios del siglo XX, el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944). Otros
artistas modernos notables incluyeron a Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carrà (1881-1966), Giacomo
Balla (1871 -1958) y Gino Severini (1883-1966).

Severini trabajó para combinar la pintura con la escultura para dar a las obras una calidad tridimensional.
En Bailarín en Pigalle (1912) en el Museo de Arte de Baltimore, en Baltimore, Maryland, el foco es el
bailarín en el centro. Creado con pintura al óleo sobre yeso con forma, sobre lienzo, el resultado le da un
elemento de remolino a la obra de arte futurista.
 Formas únicas de continuidad. (Hecho en
1912 y fundido en 1934) Gino Severini. Museo de Arte Moderno, en Nueva York.
Las magistrales Formas Únicas de Continuidad de Boccioni, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York,
crean una escultura sobrehumana que encarna la fuerza y la estructura de la cabina, mientras parece
azotada por el viento. El original fue creado en yeso. Una producción artística más reciente no fue fundida
en bronce hasta después de la muerte del artista.

Lea el artículo completo sobre el futurismo

Dadaísmo (1916-1924)
El dadaísmo comenzó en Zúrich, Suiza, en 1916. Posteriormente se extendió a Alemania, Francia y Estados
Unidos. La infame “escultura” Fuente de 1917 de Marcel Duchamp (1887-1986) es un verdadero ejemplo
de dadaísmo y objetos confeccionados que bordean el absurdo. Comprar tomando un urinario y
colocándolo sobre su espalda, luego firmándolo, provocó mucho debate sobre lo que podría considerarse
arte.
La artista alemana Hannah Höch, (1889-1978), creó fotomontajes combinando imágenes que al principio
parecían poco halagadoras, pero que narraban narrativas sobre el feminismo en la era moderna.

Otros artistas modernos destacados incluyeron al artista alemán/francés Jean Arp (1886-1966) y al
austriaco Raoul Hausmann (1886-1971).

https://www.artlex.com/es/movimientos-artisticos/arte-moderno/

La arquitectura vanguardista como un escalón para el

estilo contemporáneo
Cuando se habla de arquitectura vanguardista, es posible confundirse debido a que la
palabra "vanguardia" puede considerarse abstracta para definir algo, sin embargo, es importante
mencionar que esta abarca ciertos estilos muy específicos que se describirán a continuación.

Vanguardismo es un término utilizado para lo más adelantado, lo más nuevo y en arquitectura

se utilizó para nombrar a un conjunto de corrientes y movimientos artísticos que surgieron en el
siglo XIX e inicios del XX.

La búsqueda de lo nuevo y el rechazo del pasado

La arquitectura vanguardista se basa en diferentes características, se piensa en la forma antes que en

el aprovechamiento del espacio, es por eso que se planea cuidadosamente el uso de materiales
específicos que ayuden a crear dichos diseños como estructuras de titanio o grandes muros de
cristal.

Uno de los ejemplos más relevantes de este tipo de arquitectura es el inigualable museo de
Guggenheim Bilbao del arquitecto Frank Gehry que se caracteriza por su dinamismo, el cual genera
un gran impacto visual.

¿Qué características predominan en la arquitectura vanguardista?

1. Su forma se caracteriza por tener estructuras que capturan la mirada y son inesperadas en un
desarrollo.
2. Este tipo de arquitectura emplea materiales que están en tendencia, pero son atípicos como el
titanio que tiene un peso más ligero pero gran resistencia.
3. Lo tradicional no se sigue en este movimiento por lo que aquí encontrarás los conceptos más
innovadores.
Así como en la arquitectura, este movimiento tuvo presencia en el arte, la poesía, la escultura y
otras prácticas; por lo cual existen distintas corrientes conocidas como el expresionismo, dadaísmo,
surrealismo, impresionismo, cubismo, futurismo, entre otras.

¿Cómo influyó este tipo de arquitectura en la época actual?

Ahora que sabes más sobre las características de la arquitectura vanguardista, es relevante conocer
que este tipo de movimiento dio paso a una serie de cambios que permitió la combinación de
nuevos materiales y la renuncia a las reglas.

Hoy en día la arquitectura contemporánea mezcla distintas corrientes, debido a que se siguen
tendencias que buscan favorecer el uso del espacio en favor de quiénes lo utilizan.

Al contrario de lo que se hacía en las corrientes vanguardistas de centrarse en la forma antes que en
el aprovechamiento del espacio, actualmente, los arquitectos se concentran en crear un todo
relacionando interior con exterior.

Por ejemplo, en la capital tapatía se desarrolló Latitud Providencia, departamentos en

Guadalajara de 1, 2 y 3 recámaras con hasta  276 m² y espectaculares vistas gracias a que
cuentan con un diseño semicircular que aprovechan su ubicación con amplias terrazas que
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lujo, calidad y atención al detalle lo cual facilita que este equipo tenga la experiencia para hablar de
las distintas corrientes arquitectónicas.

https://blog.abilia.mx/arquitectura-vanguardista#:~:text=La%20arquitectura%20vanguardista%20se%20basa,o
%20grandes%20muros%20de%20cristal.

Estilo internacional
Los pioneros del Estilo Internacional fueron un grupo de brillantes y originales arquitectos de la década de 1920 que
alcanzaron una enorme influencia en su campo:

Walter Gropius (1883-1969) en Alemania

J.J.P. Oud (1890-1963) en Holanda

Le Corbusier (1887-1965) en Francia

Richard Neutra (1892-1970), Ludwig Mies van der Rohe (1886- 1969) y Philip Johnson (1906-2005

Principios del Estilo Internacional

En su catálogo "Arquitectura Moderna: Exposición Internacional" y el libro "The International Style: Architecture Since
1922" escrito para la exposición, Hitchcock y Johnson identificaron los tres principios del estilo:

expresión del volumen en lugar de la masa

regularidad derivada de elementos estandarizados con énfasis en el equilibrio más que en la simetría preconcebida

enfoque en las proporciones y los materiales que excluye el ornamento aplicado arbitrariamente

Las características más comunes de los edificios de Estilo Internacional son: :

Formas rectilíneas

Luz

Superficies lisas y decoradas, sin ornamentación aplicada

Espacios interiores abiertos, incluso fluidos

Estética de la máquina

Aceptación de las técnicas de producción en masa industrializadas

Adopción del vidrio, el acero y el hormigón como materiales preferidos

Uso de la construcción en voladizo.

Transparencia de los edificios y la construcción, denominada expresión honesta de la estructura

El diseño industrial del Estilo Internacional estaba bajo la fuerte influencia de la Bauhaus, le Corbusier y el De Stijl y se
mantuvo fiel a sus elementos honestos, económicos y utilitarios. De hecho, la mayoría de los muebles que aparecían en
la construcción de este estilo durante su época de esplendor fueron creados por maestros de estas escuelas. Poco a
poco, una versión ampliada del estilo internacional del diseño industrial moderno, conocida generalmente como "buen
diseño", ganó una amplia aceptación a finales de la década de 1930 y tras el final de la Segunda Guerra Mundial,
incorporando normas de equilibrio entre la expresión individual, la moderación y la practicidad. Para entonces, el MoMA
abogaba por un nuevo principio de diseño industrial basado en la adecuación a la finalidad, el material y el proceso de
fabricación, todo ello expresado en su Exposición de Arte Mecánico (1934) y plasmado en los productos domésticos
elegidos para una serie de exposiciones itinerantes.

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