Historia del cine

Tema 6. El cine de la Unión Soviética. Revolución y utopía cinematográfica

30 marzo 2022

Hablamos de cine zarista/sovietico y ruso producciones históricas. El Cine ruso se llama así
hasta 19117 con la revolución bolchevique. El cine se configura con una vanguardia
sólidamente destinada hasta 1925 gracias a series de obras y directores, que se pueden situar a
nivel de películas alemanas, italianas e, incluso, norteamericanas. Repertorio del cine clásico
a pesar de las reticencias del cine. Este cine estuvo prohibido en muchos países durante
muchos tiempo

Cine en época zarista

Desde 1896, cuando los Lumiere se fueron allí para la demostración. El desarrollo fue lento.
No será hasta 1907 hasta cuandose abran los primeros estudios en Moscú que permitirán una
producción nacional sin depender de las exportaciones extranjeras. Estas primeras películas
serán leyendas populares, melodramas o adaptaciones de las grandes obras de la literatura
universal y rusa.

La primera guerra mundial, que supuso una ruptura en muchas cinematografías europeas, no
afectó a Rusia, incluso la benefició aumentando la producción nacional. La Producción del
cine ruso, no vino con la I Guerra Mundial, sino que la facturación del cine Ruso llegará con
el 1917 con el estallido de la revolución bolchevique.

La cinematografía anterior a 1917 era una cinematografía mediocre. Hay que hacer historia
para recordar, brevemente, algunos acontecimientos porque son causantes del cine de esos
años. No se puede entender ese cine sin hacer alusión a ese contexto. no se puede entender el
cine de estos años sin ese contexto será cine controlado por el estado, al servicio del estado.
Esto es lo que diferencia al cine soviético al de los demás.

Esos acontecimientos son:

- 1905 se plantaron las semillas de la revolución estaría en 1917. Rusia, al principio del
siglo XX, era un país en pleno desarrollo económico, con millones de campesinos y
una burguesía creciente. Tolstoi llamaba la atención. Como contraste, los campesinos
vivían en la isla.
- En 1904 estalló la guerra ruso - japonesa, siendo derrumbada la flota del zar,
ocasionado un gran descontento. Uno de los barcos era el acorazado potemkin.
domingo sangriento cuando 1000 personas se maniataron frente al palacio del zar,
ocasionado arrestos y muchos muertos.El eco de la tragedia llega a muchos sitios
dando lugar a manifestaciones. Nicolás II tomó una serie de medidas, aunque tenía
control absoluto. Esta medida no satisface y en 1917 se ve obligado a abdicar,
tomando la presidencia Zelensky introduciendo algunas medidas de corte democratico
que no van a gradar a los bolcheviques que toma el control en 1917.

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 - entre 1917 y 1921 a una guerra que toma el poder de los bolcheviques.

A partir de aquí hay una red de repúblicas conformando la unión soviética. A partir de aquí,
una serie de acontecimientos, como Lenin, la llegada de Verner e incluso la separación de la
URSS

La revolución supuso un cambio en todos los aspectos en el cambios artísticos. La revolución

tuvo gran peso en los movimiento artísticos de vanguardia dano nuevos conceptos estético
separándose e o tradicional

El arte se pone al servicio de la revolución dando propaganda política y agrupación de las

masas. Se transmiten mediante el arte los mensajes revolucionarios. Se encontraban sectores
más conservadores.

El cine, en este contexto, va a jugar un papel importante. Cuando Lenin firmó el decreto de
nacionalización del cine en agosto de 1929, declarando que de todas las artes, el cine es la
más importante. El cine era el arma más eficaz para la propaganda, educación y la agitación.
Gracias al cine transmiten el mensaje revolucionario. En ese momento, la Unión Soviética
tenía mucha gente analfabeta que hablaba muchas lenguas.

El cine era visual para que la gente analfabeta lo vieran y lo entenderán. El cine como canal
para transmitir los contenidos revolucionarios. Las películas se usan como “trenes de
agitación”, que entre 1918 y 1021 recorriendo el país agitando y realizando propaganda En
estos trenes se veían videos agitation, cortos directos que ejercen influencia en el nivel los
directores soviéticos se formaron en estos trenes de agitación. Estos trenes tenían salas de
montajes, laboratorios, salas de proyección dando el apoyo al ejército rojo. Estos trenes
hacían documentales de la guerra y la proyectaban.

El cine se pone al servicio de la producción, ejerciendo una labor propagandística. Los

directores se implican en el cine revolucionario. Exploran las posibilidades persuasivas y
formativas del cine. Los rótulos mandan mensajes haciendo eco de lo que esperaba la
sociedad. Había una gran cantidad de rótulos de cine soviético. Esa necesidad de adoctrinar
son como panfletos. Esto explicaría la fundición didáctica.

Con el estallido de la guerra en 1918 el cine sufre una crisis porque muchos empleados se
habían exiliado y con él, se llevaron capital y dinero y también experiencia. Salas y
laboratorios fueron destruidos. Actores y actrices también exiliados y se negaban a colaborar.
Cuando la revolución soviética estalló se usó un cordón sanitario para que la resolución no
llegase a esas fronteras. Se impone un ¿embargo? que implica material cinematográfico. En
este contexto es cuando se crea el decreto de nacionalización del cine el 27 de agosto de
1927. Este decreto implica requisas, empresas y productos cinematográficos, crear una
oficina de cines, realizar un plan temático anual, seleccionar a directores más adecuados para
distintos temas crear un comité de control que se produce en las películas que se proyectaban,
ese decreto contemplaba la creación de una escuela estatal de cine, siendo la primera escuela
de cine del mundo con el objetivo de educar a los directores, naciendo los hallazgos más
interesantes del momento. Gardin era el comité

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20 abril 2022

Aunque surge tarde, y sobre unas ruinas, el cine sovitivo se impondrá notablemente gracias a
una serie de obras y directores que formarán parte de la historia del cine, a pesar de las
dificultades que esta cinematografía tiene en Europa y en el resto del mundo. Cine que se
sitúa al mismo nivel que el cine alemán, francés e incluso al estadounidense.

Dependerá de la importación de películas francesas. A diferencia de lo que ocurre en los

países europeos donde el cine irá con la primera guerra mundial, en el caso de la Unión
Soviética la I Guerra Mundial no la perjudica, sino que provoca un lanzamiento del cine
sovietico. Con los bolcheviques ocurre una guerra civil. Las repercusiones de la Unión
Soviética, incluso en el artístico, abría la puerta a unas concesiones estéticas que romperán
con los convencionalismos tradicionales dando lugar a otros frutos. Propagación de los
ideales revolucionarios, en este sentido cine juega un papel independiente. Lennin decía que
era una parte importante, puesto que se convertiría en el instrumento de la propaganda y la
educación.

Trenes de agitación que recorrían el frente. En 1919 se pública el decreto de la

nacionalización del cine. Creación De la Escuela Estatal de cine con la creación de este
decreto.

Hay que señalar que el cine sovietico, se explica con ideas políticas e ideales así como
económicas. Una vez que la guerra civil termina la victoria de los bolcheviques, se
reconstruye el papel, pero tendrán que hacer un repliegue estratégico con economía socialista,
pero en un primer momento las sociedades se dan cuenta de que no pueden vivir sin una
economía de mercado. Por lo que eran la NEP donde se permitía iniciativa de empresa
privada, pero el estado se reservaba el control del mercado. Lo que provoca la reparación
provocando que muchas empresas de cine regresen a Moscú. El propio estado crea una serie
de productoras estatales, van a crear unos organismos que controlen y dirijan el cine. Estas
sociedades serán:

- la Goskino (cine de estado) que se hace cargo de estudios etc, que produce el cine por
todo el territorio. Aumentar la producción. Se crearon 118 películas, así como Ucrania
o Georgia producen el mismo esquema.
- En 1925, la goskino se transforma en la Sovkino que centraliza el proceso producción,
distribución, etc, quieren hacer películas o menos crímenes y sangre, hay más que
expresen el trabajo productivo. Señalar la orientación político que tendrá el cine
sovietio.

Habrá otro elemento que favorecerá el aumento de la productividad que será el fin del
embargo de las potencias europeas en el 22 y permitirá la entrada de cine y películas. La
tercera cuestión que favorece la producción que será un plan que ponen en marcha
Lunacharski y Lenin, que se ocupa de la cultura y el cine, pone un plan para importa
cinextrajero y los beneficios de las taquillas, se invierten en producciones nacionales. Es
decir, el entretenimiento iba a pagar la propaganda de estas películas extranjeras, era
obligatorio que se proyectarán con cortometrajes propagandísticos de la unión soviética.

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Con la llegada de Lennin al poder, él no había sido muy productivo, pero con Lenin surge un
cambio.

Los directores tenían un margen de libertad, todas las experiencias tuvieron cabida. Sé
propicio a experimentar en el cine, el teatro, la literatura, la música, etc. Se permitió que
llegasen al espectador sin ningún tipo de censura. Esto seduce a los artistas que contribuyeron
a ampliar la revolución. Con Lennin en el poder, esto cambia, puesto que se aniquila
cualquier tentativa, al margen de la oficial. Los signos distintivos de los directores que
tendrán su personalidad, que serán rechazados porque se consideraban como un
individualismo no tolerado por el poder. Control absoluto, desde el punto de vista temático y
formal de todas las actividades artísticas de la unión soviética bajo el dominio de Lenin aquel
que se sale de la senda acaba en la deportación, a los campos de concentración o incluso, en
el peor de los casos, en el fusilamiento.

Parece que en este momento, la Unión Soviética, había una vanguardia queda tolerada por el
estado. El arte se funde con la política, pero se vio que era un espejo de la propaganda del
estado.

Este es el contexto del cine, que tiene una peculiaridad que es el cine al servicio del estado.

Podemos señalar una serie de características generales para todo el cine sovietico (aunque
cada director tiene su firma):

1. la posición en cámara en ángulos que enfatizan las diagonales.

2. uso objetivos angulares que distorsionan los primeros términos
3. Abundancia de planos detalle,es decir, primeros planos. Abundancia de primeros
planos
4. Rechazo al cine comercial y al star system, los actores no son profesiones
5. trasgresión del movimiento a través de la aceleración o ralentización de imágenes
6. Tendencia de rodar frontalmente el cuero, los ojos y la cara
7. El protagonista es el pueblo sovietivo. Para ello se renuncia a actores profesionales y
se recurre a personas anónimas.
8. Los argumentos no evolucionan con una voluntad inicial sino que la responsabilidad
recae en la masa
9. El cine al servicio de la revolución, cine persuasivo y didáctico. Cuyo objetivo es
subrayar las bondades del nuevo régimen, para que el petador saque conclusion sobre
el alcance beneficioso de esos cambios.
10. Labor teórica y práctica combinada por los directores.
11. Nueva concepción del montaje. El cine sovieticopara a la historia con la práctica del
montaje.

Principales representantes

Lev Kulechov, director, pedagogo y teórico. Entró a dar clases en la escuela estatal de cine,
donde fundaría el laboratorio experimental de la escuela e hizo interesantes experiencias con
alumnos con las “películas sin películas”. Las dificultades no fueron inconvenientes, sino

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que sirvieron para la experimentación. Enseñaron las películas son películas que eran
escenificar con recursos cinematográficos, pero sin filmar por la escasez que había,
Experimentos sobre el montaje sobre películas ya grabadas. No podían grabar de nuevo, lo
que hacen para experimentar y trabajar con películas que ya estaban grabadas. Durante la
estancia en la escuela, desarrolla la idea de que la superioridad del cine con respecto al teatro
reside en el montaje. Le sugirieron la idea de que cada plano tiene un significado
dependiendo del plano que le sigue y le precede. Alterando el contexto, se altea els
significado Esto será importante para el cine soviético

Kulechov, rodó varias veces el rostro inexpresivo de un actor. Le antepuso el plano el plano
de un plato de sopa, le puso el plano de una niña con una muñeca, y la escena de un funeral.
Todo lo monta y lo proyecta. El resultado fue asombroso porque la mente del espectador se
presenta la sensación de que el acto reacciona ante cada situación, es decir, cara de hambre en
la escena del plato de sopa, cara de ternura con la escena de la niña y cara triste con la del
funeral. Esto es lo que se conoce como el Efecto Kulechov. Esto pone de manifiesto el poder
de manipulación que tiene el cine sobre la mente del espectador

Kulechov se coló en los trenes de agitación, rodando documentales, entre sus películas está
“Las aventuras de Mr. Western en el país de los Bolcheviques”, es una comedia con mensaje
político Un senador americano que van a Rusia y al ir vestido con baquero, lo secuestran, un
comnista le van guiando por Muscu enseñando los beneficios que ha traído la revolución.

El arte del cine, es una producción teórica y pedagógica. Va a propulsar una forma de
producción naturalista cinematográfica que se aparta de los convencionalismos de las
reparaciones teatrales tradicionales.

Fábrica del actor Excéntrico (FEKS). Es un grupo de trato experimental compuesto por un
grupo de jóvenes provenientes del circo, la pintura. Se empiezan a interesar por el cine.
Permeabilidad entre cine y teatro. Usan cosas del teatro y del cine. Publican un manifiesto del
excentricismo donde defienden la importancia del grupo en __ pretenden sustituir la
interpretación realista por lo excéntrico. Todo esto con un marcado sentido del humor. Se
muestra esto en influencias del cine americano, de los espectáculos del Musical Hall del
futurismo y la influencia del resto de los directores.

Sitúan a personas y objetos en contextos no familiares. Sientan la base de los conflictos

visuales, es decir, perturbar los objetos, alterando la lógica. Este planteamiento aparece en
todas sus obras entre las que cabe destacar, entre 10 películas, “las aventuras Optobina”,
donde cuenta la historia de un empresario que va a San Petersburgo que va a cobrar una
deuda en época de los zares, y Optobina interviene para que eso no ocurra. Evolucionará
hacia el realismo socialista que se pondrá como estética.

11 de mayo de 2022

Dziga Vertov. En su caso la propuesta que hace es denunciar el cine de ficción. Decía Vertov
que el drama cinematográfico es el opio del pueblo. Escribía que la cámara cinematográfica

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se inventó en los países capitalistas, y que era un invento de los burgueses para distraer al
pueblo de su objetivo que era la lucha contra la explotación.

Esto le llevará a escribir en 1919 un manifiesto titulado Por un cine no interpretativo que
luego desarrollaría mucho más ampliamente en un segundo documento para dar lugar a la
llamada teoría del cine-verdad que prohibía todo aquello que pudiera falsear la verdad pura
como guión, actores, maquillaje…Algo que como planteamiento teórico era aceptable y que
Vertov llevó a práctica, pero en el fondo solo era utopía ya que el solo hecho de coger un
lugar donde poner la cámara y después el montaje ya suponía una alteración de la realidad.

El cine de ojo se basa en el rechazo del cine de ficción, dice que el drama es el opio del
pueblo. El Cine Creado para distraer a los trabajadores para apartarlos de la revolución del
proletariado. Establece la superioridad del reportaje. Elimina todo aquello que pueda falsear
la búsqueda de la culta, rechaza actores, eliminación, composición, maquillaje, etc, todo lo
que pueda falsear la realidad lo rechaza. El planteamiento era rodar, buscando la objetividad
pura. Va a comenzar trabajando en trenes de agitación, protagonizando noticiarios. Uno de
ellos es la reacción que tuvo la muerte de Lennin. Cine de oreja es el cine de montaje de
ruidos. Su obra más destacada es “El hombre de la cámara”, son unas películas de
vanguardias. Tendrá una gran influencia en los documentales del siglo 20. En los 60, surgió
un grupo que cogió su nombre. Tuvo Influencia en otro momento francés con el nombre de El
cine de verdad en los 70. Con planteamientos más vanguardistas, se vincula al futurismo.

Sergéi M. Eisenstein. Estuvo en San Petersburgo en la escuela de ingeniería. Estuvo también

en la academia de bellas artes, donde estuvo estudiando el renacimiento italiano, interesado
por Da Vinci. Se acercó en estos años al teatro de Ibsen, a la filosofía de Schopenhauer, y a la
literatura naturalista del siglo 19. En 1918, con el estallido de la guerra civil fue al frente
militar, teniendo contacto con el lenguaje japonés, y primeras experiencias teatrales. Cuando
es desmovilizado en 1922, protagoniza el estudio del japonés y el estudio pintor gráfico
orientale ambien se acerca a otros movimientos artísticos de la época. Vitalidad artística y
cultural que tiene la Unión Soviética. Desmilitarizado en 1920, estudia el teatro japonés, los
principios del lenguaje pictográfico y las tendencias artísticas de aquel momentos en Rusia:
Maiakovski y su Frente de Izquierdas de las Artes, el Proletkult, Meyerhold, Kulechov o
FEKS...Asimila eclécticamente estas y otras influencias y se van formando los principios
rectores de su actividad, interesándose también por el efecto bio-mecánico con el movimiento
del cuerpo. Empezó a trabajar en el Proletkult (teatro obrero) donde montaría obras muy
innovadoras.

Hizo una obra de teatro llamada “Cámara de Gas” rodada en una fábrica real esto es lo que
le acerca al cine. Lef es una revista de cine donde publica un reportaje llamado El montaje de
atracciones donde establece los postulados de su obra cinematográfica. Repudia el montaje
clásico, y deriva su derivas del montajes de los pictogramas orientales.Es un tipo de lenguaje
que se usa en la parte orientada a ae de dibujos y lo que que puede presentar. El montaje para
él, no será la unión de planos con una finalidad narrativa y descriptiva sino la unión de planos
para crear una emoción al espectador, y llegar a un concepto. Esto será el mecanismo nuclear
de su cine, lo que genera una narración peculiar basada en:

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 - abundancia de planos fijos, con pocos movimientos de cámara
- la ausencia de relación de planos. no tienen relación entre un plano y otro
- La técnica del doble golpe, que significa que un plano adquiere sentido al chocar con
el siguiente
- el montaje a posteriori, es decir, los planos tienen sentido cuando se monta.

en 1924 pone en prácticas esto. La Huelga, será el primer capítulo de una serie orientado a la
huelga del proletariado, que recogía en las huelgas que habían tenido lugar en Rusia desde
1905 hasta 1918. Esta serie va a recoger una serie de manifestaciones que tuvieron lugar en el
país en esos años. Esta película ejemplifica algunas de las características del cine soviético,
como que el protagonismo lo tenga el pueblo. El argumento del primer capítulo es que en
1905 hubo una huelga y termina con la masacre de los obreros y sus familias por parte de la
filosofía. Se lleva a cabo una estereotipación de los personajes, porque no se quiere que el
público fije en una persona en concreto, sino en el pueblo en general, por eso los personajes
del pueblo están mal vestidos, los esquiroles están vestidos como el HAMPA y después los u
tienen dinero que están vestis bien. El iracismo está presente. introduce la reflexión. La
película termina con mensaje que dice “proletarios, recordad”. El montaje está presente, un
montaje paralelo, con una personalidad didáctica. Hay una escena en la que hay un hombre
exprimiendo una naranja mientras que los trabajadores están trabajando. Esto lo que quiere
reflejar es la exportación. Crear situaciones que afecten al espectador, pero una vez que
supere ese sentimiento, el espectador llega a una conclusión. Se presentan imágenes con los
obreros y sus familias siendo maltratadas por la política, siendo esta escena completada por
una imagen de una vaca llevada al matadero. Se trata de crear ese paralelismo, creando una
sensación en el espectador. Tuvo grandes problemas, fue una película prohibida en muchos
países.

Publicará una serie de textos donde cerca del cine de ojo del anterior director, porque se
consideraba que era un cine complentativo. Propone la teoría del cine puño (saludo que se
hacía) que para él significaba que el director, no solo tiene que representar la realidad, sino
que tenía que dar un juicio ideológico de esa sociedad.

Crea una serie de textos que reflejan su favor por el montaje al final. En 1925, recibe el
encargo de hacer una película conmemorativa para celebrar el 20 aniversario de los intentos
revolucionarios en Rusia. La película iba a costar de 8 capítulos, pero se centró en el capítulo
de la rebelión del Acorazado Potemkin en Odessa, porque reflejaba bien el aire el
descontento y revuelta que se respiraba. De ahí surge una de las características de la película
es el simbolismo sintetizador, es decir, representar un ambiente histórico con las luces,
decepciones, ilusiones, etc. Para ello el director no tiene miedo de manipular los hechos de la
historia, como que el final de la película termina con la victoria de los marineros, aunque en
realidad el motín fue un fracaso. Quiere ensalzar la exaltación del pueblo revolucionario. La
película surge de la unión de sus teorías del montaje, la dialéctica marxista y la tragedia
marxista. Episodios que serán en un conjunto al final. En teoría, son 5 capítulos (los actos
serían exposición, drama en el puente, ofrendas fúnebres, escalinata, y zafarrancho de
combate), que funcionan por independientes, pero que forman un conjunto. Estos 5 episodios
se dicen a su vez separados en dos por un elemento en el que se pasa de una escena a otra.

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Tenemos la primera parte compuesta por el episodio 1 y 2 y la segunda compuesta por 4 y 5,
y el 3 sería el capítulo con el que se pasa de la primera parte a la segunda, es decir, sería el
elemento bisagra. La película está compuesta por el hecho de seguir el enfrentamiento directo
entre las gentes, es decir, el choque de las imágenes. Se quería producir un efecto de “éxtasis”
en el espectador, es decir, poner al espectador fuera de sí. Cuando ocurre esto, hay que
encaminar al espectador en la dirección correcta. Es una manipulación del espectador por
medio de la sujeción emocional. La película tiene ese componente didáctico de iracismo, el
elemento vertical de la película es el montaje. La manifestación más clara teorías del montaje,
es la secuencia de la escalinata y que está compuesta por planos generales, planos entre
manifestantes, que se intercalan con primero planos de bocas, de ojos llenos de miedo y cómo
se mezcla también de la huida de los de a huelga, así como la huida de los cosacos. Final de
miedo y terror.

Combinación de planos, siendo el ejemplo supremo de montaje. También contamos

referencias simbólicas, como cuando pisan las gafas del comandante que dice que la carne
está bien, el crucifijo del cura que se pone de parte de los oficiales, un león de piedra que se
despierta, etc. Es una manera de decir que se despierta una evolución, muchos ejes
diagonales. Película prohibida en muchos países.

En 1926, se le encargó la película Octubre, para recordar el 10 aniversario del 17. Película
que tuvo recibimiento hostil, por parte de las autoridades se consideró formal para la
finalidad que tenía Van a perseguir al cine de Eisenstein. Se llega a sus últimas consecuencias
a un lenguaje conceptual a través de las imágenes. Las imágenes no reflejan solo lo que
emiten, sino a un plano superior que es el conflicto.

Crea otra película, ____ peleicuacondrama didactico en el campo de stalin puesto que no
busca la emotividad de las actitudes heroicas. como había hecho en Octubre o en el acorazado
potemkin, sino por medio del nihilismo de la vida cotidiana. Ya no son esos grandes
episodios sino que busca la emotividad por medio de la sencillez de la vida cotidiana. Es una
película donde está el didactismo y el movimiento y montaje para centrarse en la emotividad
de la naturaleza. Da un giro en la obra de Eisenstein.

El siguiente proyecto de Eisenstein iba a ser La Línea General, vigilada muy de cerca por las
autoridades e incluso su título fue cambiado por sugerencia de Stalin por Lo viejo y lo nuevo.
Se realiza un canto a la colectivización y mecanización del campo que habían impulsado los
planes económicos de Stalin. Marca un punto de inflexión en la obra de Einsenstein, ya que
son muy escasas las metáforas conceptuales, rehúye de los artificios de montaje y busca el
sentimentalismo por la vía lírica de lo rural y el descubrimiento de la naturaleza. Está
conformada por un cierto lirismo, basándose en la sencillez, en la naturaleza y la sencillez de
la vida cotidiana.

También se plantea un proyecto que, a priori, puede parecer ilusorio que era adaptar el
Capital de Karl Marx, que se marca dentro de la búsqueda del carácter visual. Este proyecto
no se llevó a cabo.

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En 1927, publica un manifiesto del sonido, cuando se produce la introducción del sonido
donde defienden la introducción del sonido, pero diciendo que no perjudique el montaje, el
sonido tiene que ir independientemente del sonido.

En 1928 entra en la escuela de cinematografía como profesor. Conjunción de práctica y

teoría. La 4 dimensión en el cine de Eisenstein es un libro que se publica.

En 1929, recibe el permiso para viajar en una viaje de estudios que le lleva a Europa y EE
UU. En Europa hay conferencias, participa en Suiza con los mayores representantes de las
vanguardia También había congresos de la homosexal, que fue también Eisenstein al que le
causó problemas.

El contrato de Paramount de 6 meses que no se terminó en muchos proyectos. Tuvo

problemas en EEUU por no adaptarse. Terminado el visado, no pudo hacer nada más.

Qué viva México es una película sobre historia y la cultura de méxico que iba a ser de 4
episodios, y que se interrumpió cuando ya tenía grabado mucho. Hay teorías de esta película
calificada como la más bella hecha. Se rompió. Tuvo que regresar a la Unión Soviética sin
saber qué había rodado, perdió parte de la obra. el material cayó en manos del MOMA
quedando como un testimonio.

Eisenstein cuando regresó a su país de origen, con el sentimiento de filtración, entra en una
crisis personal y creativa, donde todos los proyectos le son rechazados se recluye en su labor
de circo y en la escuela estatal de fotografía. en 1954, hizo una autocrítica de toda su obra,
intentando justificar sus ramas retratando su obra adaptándose al realismo. Con esto recibe el
permiso de rodar de nuevo. Aquí es donde crea La pradera de Bejin, película subjetiva,
poética, que fue cancelada cuando estaba a punto de terminar. lo de ser subjetiva no encajaba
en lo que se quería. También escribe Los errores de la pradera de Bejin, donde se vuelve a
retractar, pidiendo que le dejen rodar de nuevo.

16 mayo 2022

Aleexsander Nevski, está hecho en el pueblo soviético que está lanzado / inmerso en un
momento de nacionalismo exacerbado que el cine se manifiesta a lo largo de una serie de
película que tiene como protagonistas a zares o príncipes que contribuyeron al
fortalecimiento de la nación rusa. Eso explica que hace de Alexander Nevsli, un principe
siglo XII, detuvo a los alemanes en la frontera rusa. En esta película niega /evita la
colectividad como se había hecho en el acorazado Potemkin, el acorazado fue dejado, y
elaboración de un guión previo para evitar cualquier cualquier propuesta como que el director
se saliera del proyecto. Esto fue impuesto por la dirección general de cinematografía.

Frente a este control, lo que sí dominó por completo Eisenstein fue el planteamiento formal
de la película, que va a suponer la búsqueda del cine total, al aspiración a que todos los
resortes formales de la película funcionaran como los instrumentos de una orquesta, la
síntesis perfecta entre música, sonido, color y elementos formales. Es una película que
además quedó condicionada por avatares políticos. Fue utilizada como un arma política sobre
Hitler en las fronteras soviéticas.

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En 1939, la plicula fue retruada por alianza y en 1941, cuando cruzan los alemanes las
fronteras soviécas, se vuelve a estrenar con ese aliento nacionalista que reprsentaba la
película

La última película, tuvo problemas políticos, entrada en una figura: Iván el Terrible, un zar
del siglo XV que contribuyó al nacimiento del estado ruso, y que emprendió muchas
actitudes, pero a mitad de horneado, dio un giro convirtiéndose en una figura autocrática,
psicópata que aterrorizó a la población. La primera parte se titula Iván el Terrible. La segunda
parte se titulaba La conjura de los Boyardos, una película que fue prohibida en 1947 por una
decisión del partido comunista. Se iba a hacer una tercera parte, pero no se hizo. Se vio un
paralelismo entre Iván el terrible y Stalin, Stalin es presentado como un personaje capaz de
sacar al pais de la miseria y convertir a Turia en una nación poderosa y respetada. En la
segunda parte, Eisenstein lleva a cabo un minucioso análisis de ese poder absoluto y presenta
a Stalin como un hombre atormentado y solitario. Pasa de una adulación y colaboración con
la figura del dictador a una crítica sutil y despiadada del mismo, lo que determinó la
prohibición de la segunda película, publicada tras la muerte de Stalin en 1953.

Vsevolod Pudovkin (1893-1953): Inicialmente despreciaba el cine, pero esto cambió al ver la
película de Griffith Intolerancia, la cual le llevó a dedicarse al cine, entrando a formar parte
de un grupo Kuleshov. Primero se dedicaba al cine cómico. Consideraba que el montaje era la
pieza sobre la que se fundaba la película, un montaje contenido ya en el propio guión, lo que
él denominaba guiones de hierro. Ejerció también labores docentes en la Escuela Estatal e
hizo incursiones en el ámbito de la teoría. Defiende el montaje a priori. Guión de hierro,
donde en el guión están contemplados todos los aspectos relacionados con el guión, como la
colocación de la cámara, el lenguaje etc.

Fue profesor en la escuela de cine, cultivó la teoría relacionada con la dirección. De su

filmografía, encontramos que sus inicios fueron con una película de carácter cómico llamada
La fiebre del ajedrez. Realizó también documentales científicos. Pero será en 1926 cuando
inicie su trilogía revolucionaria: La Madre (1926), El fin de San Petersburgo (1927) y
Tempestad sobre Asia (1928). La madre trata sobre un joven obrero que esconde en su casa
unas armas y unos panfletos. Las autoridades se presentan en casa y su madre revela el
escondite de su hijo, que es llevado a la cárcel. La madre de 1926, se da cuenta de su error y
va metiéndose en el mundo revolucionario. Pavel caerá por una bala en el campo
revolucionario y su madre se pone al frente, que también cae por una bala. El último plano de
la película muestra la bandera roja ondeando en el palacio del Kremlin. Esta película se
podría comprar con El acorazado Potemkin, ya que nos mostraría otro aspecto de la
revolución Rusia en la pantalla. Los actores van a representar individuos con emociones y
personalidades propias, buscando en todo momento la emoción del público. Hay una
humanidad que no se hace sentir en la obra de Eisenstein.

En estas películas, lo que hace el director es coger grandes temas en los inserta relatos
individuales tratados con emotividad. Difiere mucho el tratamiento formal, algo más
racionalista, humanidad que no se deja ver en el acorazado potemkin. Temas generales, pero
la historia individual. Esto se refleja en las otras dos películas.

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Es considerado como humanista.

Alexander Dovjenko (1894-1936): Considerado como el poeta del cinesóvietico. Va a

comenzar su actividad artística en el campo de la pintura, lo que va a influir en su cine. La
película más famosa de este director es de 1930, La Tierra, que refleja la idea que los rusos
se hacían del papel social del cine. La idea central de esta película es el ciclo biológico de la
vida. Fue acatada por las autoridades soviéticas ya que la consideraron demasiado poética y
reflexiva para los objetivos que se había fijado. Esta película aún hoy tiene un impacto
extraordinario, ya que es de una belleza poética y plástica extraordinaria. Además, es una de
las películas más singulares de la época porque realiza una síntesis entre la idea de individuo
fundido panteísticamente con la naturaleza y el deseo de transformar desde un punto de vista
materialista la realidad.

la tierra, es una película considerada cosmopolita. Película que llama la atención allá donde
se proyectan las ideas. Influencia de la pintura, hay algo épico en torno a ella, algo que no
gustó a las autoridades. Es como una unión entre una unión marxista de la realidad con una
concepción panteista de la naturaleza.

Ester Shub. Fue profesora en la escuela de filmatográfica. Trabajo para la productorestatal.Se

caracteriza por hacer documentales,pero no originales, sino documentales a partir de
imágenes ya grabadas. Montará una trilogía sobre los Romanov, realizó documentales en una
serie de formaciones de la Guerra civil Española.

Yakov Protazánov. Trabajó en el cine zarista. Se dedicó, durante la etapa zarista, a hacer
adaptaciones cinematográficas.

Aelita es una película de ciencia donde hace una comparación entre la vida en marte con la
vida soviética haciendo una exaltación de la vida soviética.

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