PINK FLOYD / DAVID BOWIE / VAN DER GRAAF GENERATOR / PENDRAGON / LIQUID TENSION EXPERIMENT

9/8
magazine del club oyentes de rock progresivo / Año XXII / Julio de 2021

nueve/octavos
NAD SYLVAN
‘SPIRITUS MUNDI’
Nuevo Álbum de Estudio

‘LA BIBLIA’
según VOX DEI
..a 50 años del Primer
Álbum Conceptual
de Rock en Argentina

THE WHO
‘QUADROPHENIA’
Mods, Rockers &
Brighton 1964

50 Años de
Aqualung
la Obra Maestra de
la Obra Maestra de
Inc
luye Prog
ra
Jethro Tull
m
aR
adial

LA BUHARDILLA
DEL BOHEMIO
107.5 FM RADIO ENLACE, MADRID
www.radioenlace.org
Un Disco Imprescindible
para comprender el Rock Teatral
4nueve/octavos magazine - Edición Audible

nueve/octavos magazine
& La Buhardilla del Bohemio
proponen la Edición Audible..
El Programa Radial ‘La Buhardilla del Bohemio’ (España) &
la Revista ‘nueve/octavos magazine’ (Argentina),
invitan a sus oyentes y lectores a participar de una interesante
y única propuesta.. Se trata de la ‘Revista Audible’.
Una Revista Interactiva acompañada de
una Serie de Programas Radiales Especiales
que seguro les envolverá..!!
Más de 12 horas de grabaciones especialmente
creadas para que puedan disfrutar de este trabajo
sin precedentes, agradeciendo a
Club Oyentes de Rock Progresivo, Argentina &
Radio Enlace, Madrid, España, hacer posible
esta propuesta que une dos continentes
desde una música universal..
9/8 Edición Audible

9/8 Edición Portable

 6
Órgano de Difusión del Club Oyentes de Rock Progresivo
9/8
Es una publicación independiente
realizada por los Socios para los Socios del C.O.R.P.
Sin fin Comercial / Prohibida su Venta.
Socios Fundadores:
Fernando Lázaro / Norberto Uriz
Socios Honorarios:
Loy Pescio / Gustavo Ceaglio / Bernie Bojko /
Patricio Villanueva.
Editor:
LAMIA ediciones
Colaboradores:
Héctor ‘insecto’ Shimmizu / Fernando Méndez /
Alexis Toigo / Gabriel González / Héctor González /
Néstor Lázaro / Luychy / Ion O’Ionard / Gabriel Rosone /
Manuel Perera Dominguez / Abél Hernández /
Phil Taylor / John O’Connell /
Marco Aurelio Beviá.
Agradecimientos:
a IN.FER.NO Records / a InsHector Records /
a Viajero Inmovil Records /
a Purple People Magazine / a Ciao Magazine /
a mellotronweb.com.ar / a Radio Enlace, Madrid /
a La Buhardilla del Bohemio / a Cuarto Trastero /
a Disquería Fenix / a Disquería Discover /
a La Disquería Almacén de Discos /
a Jennifer Turner / a Andrés Valle /
a Felipe Abel Surkan / a Gustavo Bolasini /
y a todos los Socios por su compromiso,
aportes y permanencia.
Corresponsal en México:
Daniel Martinez Bañuelos
Diagramación y Armado:
DobleClic
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. Sinfónico & Progresivo, que creemos po-
El contenido de la Revista es material de difusión cultural,
puede reproducirse citando la fuente y remitiendo una copia
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copyright y/o propiedad intelectual de los autores.
Las notas y fotos publicadas son propiedad intelectual
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son responsabilidad de los autores.
Año XXII / Julio de 2021
Seguinos en
@corp9.8
La eclosión sonora generada por ‘In The Court Of The Crimson King’ el álbum fundacio-
nal de King Crimson que se convertiría en el disco más influyente del Rock Progresivo
aún no se detuvo. En algo más de cincuenta años, el Rock Sinfónico & Progresivo ha
entregado obras esenciales a la música de la segunda mitad del Siglo XX y el presente.
Se dice que ocho de cada diez hogares británicos tienen un ejemplar de ‘The Dark Side
Of The Moon’ el revolucionario y sofisticado álbum que Pink Floyd entregó en 1973. .
Podría decirse también que no se trata de un privilegio exclusivamente británico, ya que
el disco trascendió fronteras y fue universal. ¿Por qué una obra tan compleja se volvió
tan popular..? ..Podría tratarse de un dilema a resolver por especialistas. Lo concreto es
que esa pieza del Siglo pasado que permaneció 736 semanas consecutivas en el chart
y que a partir de su ingeniería tecnológica estableció un nuevo estándar de trabajo en el
estudio de grabación, hoy, sigue cautivando por su carácter innovador y atemporal. .
Tal vez, ese carácter innovador y atemporal, sea lo que convierte al Rock Progresivo en
una música tan presente.. .
Es sabido que el Club Oyentes de Rock Progresivo es un espacio de reunión y expre-
sión de un grupo de personas con un gusto común y un objetivo común: Escuchar Rock
Sinfónico & Progresivo e interactuar dentro de ese maravilloso mundo musical. Transi-
tando el 20º Aniversario del Club Oyentes de Rock Progresivo consideramos necesario
producir un cambio en pos de lograr una comunicación más dinámica y fuida con todos
los asociados y ampliar el universo de lectores. Fue así que decidimos convertir nuestra
publicación impresa nueve/octavos magazine a formato digital y denominarla ‘Edición
Portable’. .
Con grato esfuerzo editamos este segundo ejemplar de la revista en su nuevo formato y
vale recordar que nueve/octavos magazine (tanto su Edición Impresa como Portable)
es una expresión independiente en la que convive material histórico-revisionista con no-
tas de actualidad, comentarios de discos clásicos del género y lanzamientos recientes
en un espacio que intenta difundir la obra de agrupaciones forjadoras del Rock Sinfónico
& Progresivo y de sumar a las nuevas bandas y músicos que aportan su talento en favor
de materializar el espíritu de este género y mantenerlo vigente. De este modo, abrimos
los oídos a Liquid Tension Experiment el supergrupo instrumental que regresa a la acti-
vidad luego de 22 años de su anterior trabajo, para lanzar ‘LTE3’ su tercer álbum de es-
tudio / Escuchamos ‘Spiritus Mundi’ el nuevo y notable álbum grabado por Nad Sylvan
con importantes colaboradores / Visitamos el formidable presente del mítico vocalista
de Van der Graaf Generator, Peter Hammill, a través de ‘In Translation’, su primer ál-
bum de versiones / Desde México, Alfonso Vidales presenta ‘Vigesimus’ el reciente
lanzamiento de la agrupación Cast / Viajamos a los orígenes del Rock Progresivo para
reencontrarnos con ‘Foxtrot’ de Genesis, un disco imprescindible para comprender el
Rock Teatral / Nos internamos en la cultura mod, rocker y el episodio Brighton 1964 a
través de la Ópera Rock ‘Quadrophenia’ de la agrupación The Who / Celebramos el 50º
Aniversario de ‘La Biblia’ según Vox Dei, considerado el primer álbum conceptual de
Rock en Argentina y de ‘Aqualung’ la Obra Maestra de Jethro Tull / De nuestro Catálogo
Discográfico seleccionamos los álbumes: ‘A Nod And A Wink’, que continúa siendo uno
de nuestros favoritos de Camel; ‘Animals’ de Pink Floyd y redescubrimos la particular
belleza de la agrupación japonesa Shingetsu, entre otros. .
Contarles también, que hemos iniciado un interesante trabajo conjunto entre la Revista
nueve/octavos magazine y el Programa Radial ‘La Buhardilla del Bohemio’ emitido por
Radio Enlace, Madrid, con la intención de que puedan leer, escuchar y disfrutar de un
Ciclo de Programas Radiales que seguro les envolverá.!! ‘La Buhardilla del Bohemio’
lleva desarrollados 180 Programas dedicados a difundir los mejores momentos de la
Música Rock de los años 60’s, 70’s, 80’s
y algo más.. .
Queremos invitar a seguirnos en Instagram
@corp9.8 para poder seguirlos #uds..!! .
Los que participamos, intentamos hacer de
nueve/octavos magazine una publicación
atemporal, que merezca ser leída, releída,
sugerida de ser leída, ahora también sea
escuchada y conservada como colección.
Sabemos que es pretenciosa la idea, pero
estamos tan comprometidos con el Rock
der lograrlo. .
Por último, invitamos a todos los Soci@s
a renovar el vínculo con el Rock Progresivo,
a participar en nuestra Revista, en nuestro
Club de Oyentes y transitar juntos las cinco
primeras décadas de vida de la más hermo-
sa de todas las músicas..!!
nueve/octavos 4 Página/3
4En el Oído de la Tormenta..
6 KING CRIMSON: ‘THE ELEMENTS / BOX SET 2021’
Preparada para la gira denominada ‘Music Is Our Friend’ con la que King Crimson volverá a los

LANZA23MI ENTO escenarios este 2021, la tradicional Serie Tour Box: ‘The Elements Of King Crimson’, lanzará su
Octava Edición. .
/Julio/2021 Este lanzamiento estará integrado por 2 CD’s con extractos de ensayos, grabaciones en vivo, de
estudio y tomas alternativas. .
En esta ocasión, la caja incluye 29 temas de los cuales 22 son inéditos. Entre estos temas se in-
cluye material en vivo de la actual formación. Para la compilación de este año, y quizás de mane-
ra muy oportuna para una banda que luce una formación integrada por tres bateristas, el primer
CD presenta pistas que muestran los diversos bateristas que integraron King Crimson a lo largo
de los años. El segundo CD apunta a las composiciones propiamente dichas. Además, ambos
CD’s contarán con una pista anticipatoria de la próxima y muy esperada colección de discos de-
nominada ‘Exposures’ de Robert Fripp. .
Acompañará este lanzamiento un libro de 28 páginas con notas a cargo de Robert Fripp y un
ensayo escrito por el historiador Sid Smith. .
Finalmente, luego de varias re-programaciones, la gira de King Crimson iniciará en los Estados
Unidos y contará con The California Guitar Trio, como banda soporte para el primer tramo.

Todos los lanzamientos de la Serie se encuentran Este interesante material será lanzado el 23 de Julio de 2021. Consultas sobre disponibilidad del
disponibles en el sitio burningshed.com mismo en Disquería Discover, Av. Florida 537 1er Piso Local 441, Galería Jardín, Capital Federal,
Buenos Aires, Argentina. www.mellotronweb.com.ar

4 PINK FLOYD: ‘ATOM HEART MOTHER’

50º ANIVERSARIO DE LA PRIMER GIRA DE PINK FLOYD EN JAPÓN
Sony Music Japón publicará una Edición Especial 50º Aniversario del
álbum ‘Atom Heart Mother’ de Pink Floyd con dos conciertos ofrecidos
los días 6 y 7 de Agosto de 1971 en Japón.
El trasfondo de este lanzamiento es que recientemente se descubrió una
película original de 16 mm de ‘Atom Heart Mother’ de los shows en Ha-
kone Aphrodite.
Se dedicó mucho tiempo en restaurar, digitalizar y remezclar para lanzar-
la con motivo de Conmemorar el 50º Aniversario de los primeros con-
ciertos ofrecidos por Pink Floyd en Japón.
El lanzamiento estará integrado por el álbum original de ‘Atom Heart Mo-
ther’ (1970) y este concierto de Hakone Aphrodite. Se publicará una Edi-
ción Especial integrada por Dos Discos Compactos y Un Blu-Ray con el
metraje restaurado de los shows de ‘Atom Heart Mhoter’ y un film adicio-
nal con imágenes de la banda durante su gira por Japón, ensayos, imáge-
nes del equipo de apoyo de Pink Floyd lidiando con un sin fín de inconve-
nientes y otras instancias de la histórica gira; todas estas imágenes inédi-
tas hasta el momento.
. IEN20T2O1
LANZA4/AgMosto/
.
La Edición será acompañada por un libro de 60 páginas con fotografías
inéditas, Réplicas del Programa Original del Tour, Dos Pósters, Un Mapa
. del lugar y Tickets. .
La fecha de publicación será el Miércoles 4 de Agosto de 2021, con lan-
zamiento únicamente en Japón. Se desconoce aún si este interesante
producto se extenderá a Europa y el resto del mundo a futuro. .
Este lanzamiento es de Sony Music Japan y puede pre-ordenarse a un
precio de 65 Euros, con gastos de envío y aduana.
https://sonymusicjapan.lnk.to/PF_gjbAW
9/8 Edición Portable

nueve/octavos 4 Página/4
4En el Oído de la Tormenta..
6 LANZA25MI ENTO
/Junio/2021
4 REMIX 2021

GENTLE GIANT
‘FREE HAND’
Steven Wilson Remezcla el Clásico
‘Free Hand’ de Gentle Giant.
ACION
PRESE6/NJTunio/ La nueva edición del gran disco de Gentle Giant de 1975 será lan-
zada el 25 de Junio.
2021 El séptimo álbum del grupo fue el sucesor de impactantes obras
como ‘In A Glass House’ y ‘The Power And The Glory’, momen-
NUEVO DOCUMENTAL to en que comenzaron a ser reconocidos mundialmente como
uno de los mejores grupos de la por entonces muy popular esce-

‘THE BEATLES
na progresiva.
Steven Wilson ha realizado una nueva mezcla de ‘Free Hand’ en
Dolby Atmos y 5.1 Surround; el BluRay con esta versión ofrecerá
videos animados especialmente creados para el relanzamiento.
La mezcla original, la cuadrafónica de 1975, y una versión instru-
mental también serán parte del contenido del BluRay que vendrá

EN LA INDIA’
La producción audiovisual retrata la estadía de los Fab Four en la India en
junto al CD en una Edición Especial Digipack.
También se lanzará una opción Doble Vinilo con la mezcla orifinal
y la nueva remezcla de Wilson.
Este interesante material será lanzado en Junio y estará disponible
en Disquería Discover, Av. Florida 537 1er Piso Local 441, Galería
Jardín, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina.
1968 cuando participaron de un seminario de meditación con el gurú Ma-
harishi Mahesh Yogi. Fue presentada el día 6 de Junio durante el cierre www.mellotronweb.com.ar
de la 23º Edición del ‘UK Asian Film Festival de Londres’. .
Con el título ‘The Beatles And India’ el documental retrata los días que el
cuarteto de Liverpool pasó en la India en 1968 para participar de un se-
minario de meditación con el gurú Maharishi Mehesh Yogi y cerró el ‘UK
Aian Film Festival’, un encuentro que se realizó en Londres desde el 26
de Mayo a 6 de Junio de 2021. .
El film fue dirigido por Ajay Bose y Peter Compton y su lanzamiento será
acompañado por una banda sonora en la que artistas del país asiático re-
interpretan temas clásicos del conjunto británico. .
Según la reseña publicada por la página oficial del festival, el film cuenta
con imágenes inéditas de la estadía del grupo en un Ashram en Rishikesh,
a orillas del Ganges y a los pies del Himalaya, en una búsqueda espiritual.
Además de los cuatro Beatles, también fueron de la partida Mick Love, in-
integrante de The Beach Boys; el cantante Donovan y la actriz Mia Farrow,
entre otros.
Además de los cuatro Beatles, fueron también de la partida Mick Love, in-
tegrante de The Beach Boys; el cantante Donovan y la actriz Mia Farrow, La primer prensada del álbum incluirá una Edición Limitada en
entre otros. . Vinilo Color Rojo Transparente. .
La relación entre Los Beatles y el gurú no terminó de la mejor manera, lue- El título del disco es una referencia a la situación de la banda que
go de que aumentaran los rumores sobre los avances sexuales del supues- acababa de cambiar de discográfica y de manager, por lo tanto se
to guía espiritual sobre la joven actriz. . sentía libre de las obligaciones contractuales anteriores. Tras la pu-
Sin embargo, el paso del grupo por tal experiencia dejó una decena de can- blicación del álbum en 1975, Gentle Giant se embarcó en una ex-
ciones que conformaron el disco doble que llevó el nombre del grupo y se tensa gira por Estados Unidos y Europa; además de un breve tour
conoció popularmente como el ‘Álbum Blanco’ por las características de por Reino Unido, para promocionar el álbum. .
su portada. . ‘Free Hand’ es una manifestación heterogénea y genial de la mú-
Tras la proyección del film en el festival, se prevé que el documental ‘The sica de Gentle Giant. Desde el intrincado “On Reflection” a la de-
Beatles And India’ llegue a plataformas digitales antes de ser lanzado en licadeza medieval de “Talybont”, pasando por un rock con influen-
formato físico, aunque todavía no se dieron a conocer precisiones al res- cias de música celta en “Time To Kill” hasta los ritmos irregulares
pecto. de “Just The Same”. Todos estos diversos elementos hicieron que
la música desarrollada por Gentle Giant, un conjunto de multiins-
9/8 Edición Portable

www.asianfilmfestivals.com trumentistas, fuese tan sorprendente como genial.

nueve/octavos
.
4 Página/5
4nueve/octavos magazine: Contenidos para la Edición Impresa
Qué es nueve/octavos..?
nueve/octavos magazine es una publicación
independiente realizada por los Socios para
los Socios del Club Oyentes de Rock Progre-
sivo.
Se trata de una revista que tiene como finali-
dad difundir la obra de agrupaciones de Rock
Sinfónico y Música Progresiva, como así tam-
bién las actividades desarrolladas en el Club
Oyentes de Rock Progresivo.
A instancias de haber ingresado al 20º Ani-
versario del Club Oyentes de Rock Progre-
sivo, consideramos necesario digitalizar los
archivos y difundirlos. Dentro de ese Plan de
Digitalización de Archivos, entendimos apro-
piado adaptar la revista nueve/octavos ma-
gazine - Edición Impresa a formato digital
y denominarla nueve/octavos magazine -
Edición Portable.
Esta adaptación permitirá generar un canal
de comunicación dinámico y efectivo con
todos los Asociados, reduciendo costos,
facilitando su distribución y abarcando un
universo más amplio de lectores.
Con grato esfuerzo y la pasión de siempre
hacia el Rock Sinfónico & Progresivo, edita-
mos este segundo ejemplar de la revista en
su nuevo formato, y vale recordar que
nueve/octavos magazine es una expresión
independiente en la que conviven material
histórico-revisionista con notas de actualidad
y lanzamientos recientes.
Los que participamos, intentamos hacer una
publicación atemporal, que merezca ser leída,
releída, sugerida de ser leída y conservada
como colección.. Sabemos que es pretencio-
sa la idea, pero estamos tan comprometidos
con el Rock Sinfónico & la Música Progresiva,
que creemos poder lograrlo, e invitamos de
esta manera a participar y formar parte de
nuestra revista y nuestro Club de Oyentes..
Edición
6 Impresa
Contenidos para la Edición Impresa..
4 Origen del Rock Progresivo
‘Foxtrot’ de Genesis, Un Disco Imprescindible Para Comprender el Rock Teatral..
Paul Whitehead Revela los Secretos Tras la Portada de ‘Foxtrot’
Por Paul Whitehead
‘Foxtrot’ era la secuela de ‘Nursery Cryme’ y el objetivo era continuar
utilizando portadas que se burlaran de la alta sociedad británica,
irónicamente, de la que provenían Peter, Mike y Tony. La portada de
‘Nursery Cryme’ mostraba un retrato aterrador del juego de croquet,
la pieza central de la diversión aristocrática. Por lo tanto, elegimos
otra de las actividades predilectas de las clases altas británicas para
la portda de ‘Foxtrot’: ‘La caza del zorro’. Busqué darle continuidad..
“Supper’s Ready” y la belleza insolente en las letras de la canción..
de Peter Gabriel
Sería injusto hablar de ‘Rock Teatral’ sin evocar la larga tradición del
‘Music Hall’, esa invención inglesa, londinense, de más de siglo y medio
(Charles Morton abrió su primer sala, dedicada a ese tipo de show en
1848) y consagrada 70 años después en Broadway por los hermanos
Minsky (entre otros) los Procters & Gamble del espectáculo popular.
Fue ahí donde los corderos (’lambs’) de Seigneur se alimentaron de lo
que Henry Miller llamó el ‘Teatro de Burlesque’. Peter Gabriel se
nutrió de las viejas raíces del Music Hall..
4 Entrevista
Entrevista a Alfonso Vidales, fundador de la agrupación mexicana
Cast, presentando su Nuevo Álbum de Estudio ‘Vigesimus’..
Por Noemí Coronel
4 Festivales de Música
Recordamos uno de los Mejores Conciertos de la Historia..
‘50º Aniversario del Concierto Para Bangladesh’, el Primer
Concierto Benéfico de la Historia..
‘The Concert For Bangladesh’ fue el resultado de una iniciativa del
ex Beatle, George Harrison y de Ravi Shankar.
Fue el primer Concierto Benéfico y modelo para lo que años más tarde
serían conciertos multitudinarios como ‘Live Aid’.
Incluye: Enlace de Radio
4 Ópera Rock
El Relato Completo de Pete Townshend para ‘Quadrophenia’..
Por: Pete Townshend
9/8 Edición Portable
nueve/octavos 4 Página/6
4nueve/octavos magazine / Julio de 2021
6

Sumario
4 Origen del Rock Progresivo
‘Foxtrot’ de Genesis, Un Disco Imprescindible Para Comprender el Rock Teatral

4 Festivales de Música
‘Summer Jam Festival, Watkins Glen 1973’, Una Multitud Jamás Antes Reunida

4 Reediciones
‘Animal’ de Pink Floyd, Remezcla 2018 por James Guthrie

4 Bootlegs
‘Animal Instinct’ Disco Pirata de Pink Floyd

4 Apuntes de Rock Progresivo

Pendragon el Rock Progresivo en los Años 80

4 50º Aniversario
‘Aqualung’ la Obra Maestra de Jethro Tull

4 Escenarios
‘El Gran Rex’ Austero, Elegante y Preciso

4 Enlace De Radio
Radio Enlace + Ciclo de Programas Radiales en La Buhardilla del Bohemio
Página/8

Página/12

Página/16

Página/20

Página/21

Página/28

Página/35

Página/36
Sumario

4 Música & Libros

David Bowie y los 100 libros más Influyentes en su Carrera Página/38
4 Instrumentos
Órgano Hammond, Parte 1 Página/40
4 Selecciones de Catálogo
Ópera Rock: Quadrophenia, Mod’s, Rocker’s & Brighton 1964 Página/42

4 The British Invasion

Invasión Cultural Británica a los Estados Unidos, Parte 1 Página/48
4 Discos
Discos Censurados: Autores, Canciones y Portadas Prohibidas.. Página/50
4 Comentarios de Catálogo
Shingetsu: ‘Fragmentos de la Aurora’ Página/53
4 Música & Tecnología
Delia Derbyshire, Grabando el Futuro.. Página/54
4 Nuevo Box Set
Van der Graaf Generator, ’The Charisma Years’ Página/56
4 Música Progresiva en Argentina
‘La Biblia’ según Vox Dei, 50º Aniversario del Primer Álbum Conceptual Argentino Página/58
4 Documental
El Reloj, ‘Alguien Más en quien Confiar’, Cronología Documental de la agrupación Página/62
4 Nuevo Álbum
Jatti, lanza su Primer Disco Solista titulado ‘FaSes’ Página/63
4 Disco Blanco
Steve Hackett, lanzará un Nuevo Álbum titulado ‘Surrender Of Silence’ Página/64
4 Supergrupos
Liquid Tension Experiment, Regresa luego de 22 Años con ‘LTE 3’ Página/65
4 Nuevo Álbum
Nad Sylvan, lanza ‘Spiritus Mundi’ su Nuevo trabajo de Concepto Página/66
4 Nuevo Álbum
Cast, lanza ‘Vigesimus’ su Nuevo e Interesante Álbum de Estudio Página/67
4 Nuevo Álbum
Fabiola Simac, anticipa su Primer Álbum Solista ‘Immersion’ Página/69
4 Nuevo Álbum
‘In Translation’ primer álbum de versiones de Peter Hammill Página/70
4 En El Oído de la Tormenta
9/8 Edición Portable

Noticias y Lanzamientos Discográficos Página/4-71

nueve/octavos 4 Página/7
4Enlaces de Radio: Programa ‘La Buhardilla del Bohemio’ emitido por Radio Enlace, Madrid.
6
Puedes Escuchar los Programas en
Enlaces de Radio
Enlaces de Radio
siguiendo los enlaces

PODCAST

La Buhardilla Del Bohemio

Por Luychy Crimson Floyd
www.labuhardilladelbohemio.org
nueve/octavos magazine & el Programa Radial ‘La Buhardilla del Bohemio’ invitan a sus oyentes y lectores a participar de una interesante
propuesta. Se trata de un Ciclo de Programas Radiales acompañados por su correspondiente relato desarrollado en la Revista.
El Ciclo inaugura con Cuatro Programas dedicados durante el mes de Abril al Summer Jam Festival, Watkins Glen, New York, 1973 donde
actuaron tres de las más grandes bandas de todos los tiempos y continúa con Cuatro Programas más durante el mes de Mayo. Dos de estos
Programas fueron dedicados a Celebrar el 50º Aniversario del Álbum ‘Aqualung’ de la agrupación Jethro Tull. Un Programa fue dedicado a la
Ópera Rock ‘Quadrophenia’ de la agrupación The Who a través de una de sus mejores presentaciones en vivo. Cierra esta ‘Primera Etapa del
Ciclo’ el memorable Programa dedicado a Celebrar el Cumpleaños Número 80 del mítico artista Bob Dylan.

14Summer Jam Festival, Watkins Glen 28-07-1973

1 ( Presiona ‘Click’ sobre el título para escuchar el Programa )
Duración: 1:02’:32”
Primer Programa de Cuatro dedicados durante el mes de Abril al gran festival ‘Summer Jam Festival, Watkins Glen, NY, USA, 1973’
donde convivieron tres de las más grandes bandas de todos los tiempos: Grateful Dead, The Band y The Allman Brothers Band, las
tres posiblemente en su mayor apogeo. En este Primer Programa, su productor y realizador Luychy, desarrolla la idiosincracia del
festival con temas de las tres bandas y su contexto histórico.

24Grateful Dead en La Buhardilla del Bohemio - Summer Jam Festival, Watkins Glen, NY, USA,
2 28-07-1973
( Presiona ‘Click’ sobre el título para escuchar el Programa )
Duración: 1:03’:49”
Segundo Programa de Cuatro dedicados durante el mes de Abril al gran festival ‘Summer Jam Festival, Watkins Glen, NY, USA, 1973’.
Este Programa está dedicado a la primer banda que inauguró el festival: Grateful Dead, aires hippies y escuela de varias generaciones
para el comienzo del festival.

34The Band - Summer Jam Festival, Watkins Glen, NY, USA,

3 28-07-1973
( Presiona ‘Click’ sobre el título para escuchar el Programa )
Duración: 1:05’:45”

Tercer Programa de Cuatro dedicados durante el mes de Abril al gran festival ‘Summer Jam Festival, Watkins Glen, NY, USA, 1973’
Este Programa está dedicado a la segunda banda que siguió a Grateful Dead, en la serie de actuaciones del gran festival, los
canadienses The Band, con aires folk-rock & country-rock sobre todo, fueron escuela de varias generaciones con una forma particular
de entender la música con su personal estilo.

44The Allman Brothers Band - Summer Jam Festival, Watkins Glen, NY, USA,
4 28-07-1973
( Presiona ‘Click’ sobre el título para escuchar el Programa )
Duración: 1:12’:05”
Cuarto Programa de Cuatro dedicados durante el mes de Abril al gran festival ‘Summer Jam Festival, Watkins Glen, NY, USA, 1973’
Este Programa está dedicado a la actuación de The Allman Brothers Band, cerrando esta Serie de Programas radiales dedicados por
9/8 Edición Portable

‘La Buhardilla del Bohemio’ al Summer Jam Festival, Watkins Glen, New York, 1973, donde convivieron tres de las más grandes
bandas de todos los tiempos.

nueve/octavos
.
4 Enlaces de Radio..
4Enlaces de Radio: Programa ‘La Buhardilla del Bohemio’ emitido por Radio Enlace, Madrid.
6
Puedes Escuchar los Programas en
Enlaces de Radio
Enlaces de Radio
siguiendo los enlaces

54Jethro Tull en Vivo en La Buhardilla del Bohemio:

5 ‘Aqualung’ 50º Aniversario
( Presiona ‘Click’ sobre el título para escuchar el Programa )
Duración: 1:08’:49”

Primero de Dos Programas dedicados a rendir homenaje a Jethro Tull en el 50º Aniversario del lanzamiento de una de sus Obras
Maestras, ‘Aqualung’ publicado el 19 de Marzo de 1971, siendo el cuarto álbum de la banda. El Programa recoge una interpretación
en directo del clásico álbum ofrecida el 19 de Septiembre de 2005 ante una audiencia de 40 invitados especiales en los XM Studios
de Washington DC, con una particularidad muy especial que pueden descubrir a través del enlace a ‘La Buhardilla del Bohemio’.

64Jethro Tull en Studio en La Buhardilla del Bohemio:

6 ‘Aqualung’ 50º Aniversario
( Presiona ‘Click’ sobre el título para escuchar el Programa )
Duración: 1:38’:43”
Segundo Programa de ‘Edición Especial’ dedicado a rendir homenaje a Jethro Tull en el 50º Aniversario del lanzamiento de una de
sus Obras Maestras ‘Aqualung’ publicado el 19 de Marzo de 1971. En este Programa, su productor y conductor Luychy, realiza una
exhaustiva reseña del disco y las sesiones en el estudio, desmenuzando canción por canción las 11 que lo integran e interpretando
la amplitud histórica del álbum. Además, su realizador se ocupa de presentarnos 11 temas de las sesiones para el disco que por un
motivo u otro no fueron publicadas..

74The Who en La Buhardilla del Bohemio - ‘Quadrophenia’

7 Live In London 2014
( Presiona ‘Click’ sobre el título para escuchar el Programa )
Duración: 2:43’:05”

Super Programa de dos horas con cuarenta y tres minutos de duración dedicado a The Who a través de uno de sus álbumes más
emblemáticos: La Ópera Rock ‘Quadrophenia’. En esta obra Pete Townshend nos cuenta la historia de Jimmy, un joven ‘mod’ de
personalidad alterada y retrata con realismo las vivencias de la juventud de los años ‘60 en Inglaterra. Luychy nos presenta en su
programa ‘La Buhardilla del Bohemio’: ‘Quadrophenia Live In London 2014’ que documenta el concierto del 8 de Julio de 2013
en el Wembley Arena de Londres, el último espectáculo de la gira 2013..

84Bob Dylan en La Buhardilla del Bohemio - Cumpleaños 80 Años

8 24-05-2021
( Presiona ‘Click’ sobre el título para escuchar el Programa )
Duración: 1:16’:05”
Programa Muy Especial dedicado a festejar los 80 años del maestro Bob Dylan. El pasado 24 de mayo se cumplieron 80 años de
la llegada del mítico y legendario Dylan. Luychy con un sentido homenaje nos cuenta la historia musical de Bob Dylan desde sus
comienzos en el plano profesional que nos remontan al Greenwich Village de 1961, testigo principal de su llegada a Nueva York.
De ahí parte la andaduría iniciática cuando merodea por el Village en pos de su destino. ‘La Buhardilla del Bohemio’ nos propone
escuchar unos temazos y unas versiones menos conocidas, pero igual de importantes o más que las que todos conocemos y que
os hará las delicias de este Premio Nobel. Os aconsejo que no os perdais..

‘La Buhardilla Del Bohemio’ en Radio Enlace, Madrid, España.

‘La Buhardilla del Bohemio’ lleva desarrollados más de 180 Programas Radiales dedicados a difundir los ‘Mejores Momentos de la Historia
del Rock’ con canciones de las bandas más famosas en las décadas de los 60’s, 70’s, 80’s y algo más.. Su realizador Luychy, es apasionado
por la música y eso se manifiesta en la calidad formativa de sus programas.

Escucha ‘La Buhardilla del Bohemio’ todos los Miércoles a las 11:30 a.m. (España) / 7:30 a.m. (Argentina); por la
antena de Radio Enlace, Madrid, 107. 5 FM
9/8 Edición Portable

También puedes escucharlo en Ivoox donde están guardados todos los Programas o por www.radioenlace.org en directo.

nueve/octavos 4 Enlaces de Radio..

4Origen del Rock Progresivo

‘Foxtrot’ de Genesis
un Disco Imprescindible
para comprender el Rock Teatral

Peter Gabriel interpretando El Guardián de los Cielos.

EN 1972, GENESIS LANZÓ SU CUARTO ÁLBUM DE ESTUDIO

TITULADO ‘FOXTROT’, UN SORPRENDENTE TRABAJO QUE
PRONTAMENTE SE CONVERTIRÍA EN UNA EXPRESIÓN
DEFINITORIA DE ROCK TEATRAL.
9/8 Edición Portable

nueve/octavos 4 Página/8
4Origen del Rock Progresivo
4 trascendente
Un Gran Disco de 1972, ‘Foxtrot’ de Genesis: Padre del Rock Teatral. ‘Foxtrot’ se convertiría en un disco
e influyente sobre generaciones futuras. La formación clásica de Genesis estaba consolida-
da con Peter Gabriel en primera voz, flauta, pandereta y oboe; Michael Rutherford en bajo, guitarra de
12 cuerdas, cello y voces; Anthony Banks en teclados, piano, guitarra de 12 cuerdas y voces; más los
nuevos ingresos del baterista Phil Collins y el guitarrista Steve Hackett, para su anterior trabajo de estu-
dio titulado ‘Nursery Cryme’ (1971). .
La agrupación necesitaba confianza en sí misma y el éxito obtenido por ‘Nursery Cryme’ en algunos paí-
ses como Bélgica, Francia e Italia, decide al productor Tony Stratton Smith a promover una gira por Eu-
ropa Continental, en la que Genesis pudiera recibir la veneración del público y sirviera como golpe aními-
co y de confianza para sus integrantes. Tres shows en Bélgica los días 14, 15 y la memorable presenta-
ción del 16 de Enero en ‘Charleroi Festival’, Bruselas, abren el camino para que el éxito alcanzado por
dichas actuaciones les permita hacer algunas presentaciones en TV como las del 20 de Marzo en ‘Rock
Of The 70’s’ o la del día 21 en ‘TV Studios Pop Shop’. .
La respuesta a la estrategia de Stratton Smith no pudo haber sido mejor: Genesis compone material pa-
ra su cuarto trabajo de estudio titulado ‘Foxtrot’ que será grabado en los Island Studios de Londres, du-
GENESIS
rante los meses de Agosto-Septiembre, producido por David Hitchcock y John Burns (aunque este últi-
mo figure solamente como ingeniero en los créditos) y publicado con etiqueta del sello Charisma en Oc-
‘FOXTROT’
CHARISMA RECORDS, 1972 / Tiempo Total: 51’:08”
tubre de 1972. .
El paisaje Napolitano inspiró al tecladista Tony Banks y al bajista Mike Rutherford para componer la letra 4 #Cat. CORP: 1 GE01004 1 LP
de “Watcher Of The Skies” (“Guardián de los Cielos”) tema que abre la placa con toda la fuerza del me- Lado A:
llotrón creando una atmósfera imponente y describiendo la llegada de un ser extraterrestre y su encuentro Watcher Of The Skies (7’:23”)
con un mundo devastado: ‘Guardián de los Cielos, Guardián de todo. Su mundo es solitario, ningún mun- Time Table (4’:46”)
do es suyo. Él, a quien la vida no desea sorprender, alza sus ojos contemplando un planeta desconocido. Get’Em Out By Friday (8’:38”)
Las criaturas formaron el suelo de este planeta. Ahora su reino toca su fin. ¿Ha destruido la vida una vez Can-Utility And The Coastliners (5’:46”)
más a la vida..? ¿Juegan en otro lugar, conocen algo más que sus juegos infantiles.? Quizás el lagarto se
Lado B:
haya desprendido de su cola. Este es el fin de la larga unión entre el Hombre y la Tierra’. Un paisaje deso- Horizons (1’:40”)
lado era observado, en él se hallaban pautas de vida, pero ni un sólo ser humano se encontraba. La letra Supper’s Ready (22’:58”)
de la canción está basada en el relato de ficción ‘Rescue Party’ del escritor británico Arthur C. Clarke. . a) Lover’s Leap
La temática tratada por Genesis en las letras de sus canciones lo convierte en uno de los grupos intelec- b) The Guaranteed Eternal Sanctuary Man
tuales en la escena de rock sinfónico & progresivo. Mitología, historia y ciencia ficción eran la filosofía c) Ikhnaton And Itsacond And Their Band
musical que el grupo estaba exteriorizando. Los relatos que Peter Gabriel acostumbraba a desarrollar Of Merry Men
entre tema y tema durante los shows eran su marca registrada, así también los atuendos, maquillajes y d) How Dare I Be So Beautiful?
e) Willow Farm
personificaciones que el cantante elaboraba para sus performances. Los intrincados pasajes instrumen-
f) Apocalypse In 9/8
tales y la influencia de música clásica hacían de Genesis una banda reveladora. . (Co-Starring The Delicious Talents Of
La palabra de Keith Emerson publicada en la Revista Fusion en Julio de 1972 daba el espaldarazo a la Gabble Ratchet)
agrupación: g) As Sure As Eggs Is Eggs
(Aching Men’s Feet)
“¿Qué es esto, una banda pesada completamente derivada..?
Genesis es un grupo brillante.. Tomaron todo lo mejor de aquellas bandas pesadas Álbum de Estudio / Long Play
y lo unieron de una manera que los hace sonar frescos, excitantes y diferentes Sonido Estéreo.
hasta el punto de la originalidad total. Por supuesto que ayuda el hecho
Grabado en Island Studios, Londres
de que son músicos increíbles..” entre Agosto y Septiembre de 1972.
“Time Table” (“Tabla del Tiempo”), segundo tema de la placa, describe de manera casi barroca, una Lanzado el 6 de Octubre de 1972.
época romántica de reyes, caballeros y héroes perdidos: ‘Una tabla de roble grabada cuenta la historia
de tiempos cuando reyes y reinas bebían vino en copas de oro y los valientes conducían a las damas Producción: David Hitchcock.
desde las habitaciones a las glorietas. Una época de valor y leyendas nacidas. Una época en la que el Ingeniero: John Burns.
honor importaba a un hombre mucho más que su vida, y los días solo conocían la lucha por discernir el Arte del Álbum: Paul Whitehead.
bien del mal con lanza y espada’. Le sigue “Get’Em Out By Friday” (“Échalos Antes del Viernes”) un te-
ma que desde el reclamo de su título narra una historia de ciencia ficción futurista en la que el control y Personal:
Anthony Banks; órgano, mellotrón, piano,
la manipulación genética determinan la reducción en el tamaño de la especie humana con la inescrupulo-
piano eléctrico, guitarra 12 cuerdas, voces.
sa finalidad de alojar mayor cantidad de inquilinos en los condominios. “Get’Em Out By Friday” es una Michael Rutherford; bajo, guitarra 12 cuerdas,
reflexiva y brillante forma de denuncia social provocada desde el arte, en la que diferentes personajes y cello, voces.
situaciones son magistralmente interpretados por Peter Gabriel que convierte a la canción en un tema Peter Gabriel; voz principal, flauta, pandereta,
absolutamente visual: Una obra teatral de algo más de 8 minutos de duración, podría decirse. . oboe.
“Can-Utility And The Coastliners” (“Can-Utility y Los Guardacostas”) es una particular y metafórica vi- Philip Collins; batería, percusión, voces.
sión de King Canute (el Rey Canuto) que lleva en sí, el juego de palabras tan propio de las creaciones de Stephen Hackett; guitarra eléctrica,
Peter Gabriel. Gabriel toma la leyenda del soberano que reinó durante 1016-1035 Inglaterra y Dinamar- guitarra acústica, guitarra 12 cuerdas,
guitarra 6 cuerdas solista.
ca, juega inteligentemente con la ambigüedad propuesta por dicha leyenda: La de un Rey a quien se le
atribuyó ser amo del furioso Mar del Norte que separaba sus dos tronos y poseedor de un extraordinario
poder para dominar las olas, ó, la del gobernante justo que emplazó su trono en la playa y se dejó devo-
rar por las aguas en un intento por demostrar que no era el amo de los mares, como afirmaban sus adu- Posteriores transferencias a CD: En el año 1994,
Virgin Records lanzó en Europa una Versión Remas-
ladores. La canción es una curiosa mezcla de relato histórico y ficción. Hace referencia, pero no mencio- terizada Digitalmente que reproduce en miniatura el
na a King Canute: ‘Hablaban de alguien que cansado de todos los cantos de alabanza, gritó: No necesi- arte del Vinilo Original.
tamos aduladores..’ e inmediatamente contrapone el concepto: ‘A la orden, las aguas se retiraron. Mostré En 2008, una Edición Remasterizada SACD/DvD 5.1
mi poder, se detuvieron a mis pies..’ . Dolby Surround fue lanzada en un Pack Disco Doble
Como muchas de las composiciones de Genesis, “Can-Utility And The Coastliners” emerge de ideas que incluye entrevistas realizadas a los integrantes
previas que la banda fue elaborando durante algún tiempo y es posible reconocer en el tema “Bye Bye de la agrupación, quienes revisionan el álbum e in-
9/8 Edición Portable

Johnny” la simiente que concluiría siendo “Can-Utility And The Coastliners”, tema que cierra la Cara A cluye clips del año 1972 de presentaciones en Bél-
del vinilo original. gica e Italia.

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4Origen del Rock Progresivo
Genesis reveló al mundo la enorme teatralidad que el rock progresivo podía ofrecer. Inteligentemente,
supo disociar el arte conciso de la pomposidad obsesiva. Con una visión algo nostálgica sobre la tra-
dición británica, la agrupación expuso observaciones humorísticas, reflexiones agudas y críticas so-
ciales a través de obras pasionales. Forjó un nuevo movimiento de ‘Rock Teatral’ en el que, adornado
por audaces máscaras y disfraces, Peter Gabriel captó el centro de atención de la escena. Ese efec-
to logró su punto cumbre en 1972, año en el que la banda editó ‘Foxtrot’, una pieza maestra que aún
hoy continúa asombrando por las estructuras adelantadas a su tiempo. .
La pieza introspectiva titulada “Horizons” (“Horizontes”) (breve instrumental inspirado por la Suite#1
de Johann Sebastian Bach e influenciado por “Canción de Cuna” del compositor cubano Leo Brou-
wer) es tocada en guitarra acústica por Steve Hackett y funciona como preludio de la suite de casi
23 minutos de duración titulada “Supper’s Ready” en la Cara B del vinilo original. .
Acerca de “Horizons”, Steve Hackett recuerda su trabajo junto a Bob Potter (quien estuvo al frente
de la producción del disco durante apenas una semana, previo a la llegada de Hitchcock y Burns) y
reconoce el buen trabajo realizado por Potter: “Creo haber sido el único que se llevó bien con Bob
durante su trabajo en ‘Foxtrot’. Toqué “Horizons” en una acústica Yamaha y no nos llevó más de
cuatro tomas grabarla, a pesar de tratarse de una guitarra para hacer rasguidos más que para tocar-
la como clásica, creo que hizo un interesante trabajo de producción en ella.” .
Integrado por siete partes “Supper’s Ready” (“La Cena Está Lista”) es el más ambicioso tema de la
banda inglesa. Acerca de la temática de su letra se han conjeturado varias interpretaciones. El propio
Peter Gabriel la definió como la eterna lucha entre el bien y el mal desde la visión de dos amantes.
La idea neurálgica de esta suite, nace tras una particular experiencia vivida junto a su esposa Jill, y
se sabe que Peter concluyó en la lectura del libro bíblico del Apocalipsis como inspiración final. .
Musicalmente, “Supper’s Ready” nació de la combinación de muchas ideas diferentes, según lo
contó Tony Banks, y principalmente de la unión de “Willow Farm” con “How Dare I Be So Beauti-
ful?”, piezas que sirvieron de base para componer el resto de la suite. La sección de “Apocalypse
in 9/8” nace tras una improvisación entre Tony, Mike y Phil a la que Peter agregaría voces y sobre-
grabaciones (sin el consenso del resto de la banda) en solitario, en el estudio de grabación: “Sentí
haber logrado una gran performance de mi voz, sentí que estaba cantando desde mi alma, sentí que
estaba cantando por mi vida” reflexionaba en su momento el cantante; mientras Tony Banks recono-
cería: “En un principio me molestó que Peter cantara sobre el teclado, pero no me llevó demasiado
tiempo darme cuenta que su trabajo era muy bueno, le agregaba dramatismo a una pieza increíble
y sentí que el resultado era excelente, pienso que “Supper’s Ready” es la mejor canción que hemos
hecho.” .
La portada del álbum fue realizada por Paul Whitehead (quien ya había trabajado con la banda para
los álbumes ‘Trespass’ y ‘Nursery Cryme’) y su arte refleja gran parte de las letras de las cancio-
nes. Paul Whitehead ha discutido su pintura en el libro de Armando Gallo (principal fotógrafo y re-
tratista de la obra de Genesis): ‘La pintura que desarrollé para el álbum es básicamente una escena
surrealista y algo aristocrática sobre la caza deportiva del zorro. Cobró un significado mayor cuando
escuché “Supper’s Ready”. Los témpanos de hielo flotando sobre el agua son la metáfora del alma
flotando sobre el cuerpo que escapa de sus perseguidores. La zorra es pasional, ha utilizado su as-
tucia y adoptó un disfraz para escapar de la violencia. El escenario está partido en dos: Una mitad
es tierra y la otra es mar. En el mar hay vida y sobre la tierra sobrevuela un sentimiento de muerte.
Pero en el mar también está ese sentimiento de muerte que se avecina, expresado por el palo de cro-
quet de Cynthia, y el submarino nuclear. El ciclista alude a la figura de Peter, quien en una ocasión
llegó a una reunión montado en bicicleta y, aparentemente, no tenía demasiada destreza para condu-
cirla. El hotel de fondo es representativo de todos los hoteles en los que la banda se alojada durante
las giras’. También se observa una procesión de figuras blancas encapuchadas que referencia .
a una visión que Peter Gabriel cuenta haber experimentado. Insertando la cancha de .
croquet, Whitehead logra una continuidad entre las ilustraciones desarrolladas .
para ‘Nursery Cryme’ y ‘Foxtrot’.
Peter Gabriel haría suya la imagen de la mujer-zorra de la portada y la lleva-
ría a escena, expresando el concepto de ‘Rock Theatre’ con el que la ban-
da sería identificada y provocando un acto de enorme impacto visual
sobre la prensa y el público que inmediatamente hicieron eco de ello.
Genesis aportó a la escena del rock, un surrealismo de una magni-
tud nunca antes expresada. Peter Gabriel salió al escenario lucien-
do un vestido rojo y la cabeza de zorro en el National Stadium Du-
blin, Irlanda, el día 28 de Septiembre de 1972 y este acto lo con-
dujo inmediatamente hasta la portada del periódico musical Me-
lody Maker y de otras publicaciones musicales de la época.
Con el álbum ‘Foxtrot’, Genesis logró el ansiado reconocimiento
en el Reino Unido y a pesar de concebir un disco ambicioso que
podría haber sido considerado un proyecto ‘anticomercial’,
ingresó al puesto #12 del ranking y marcó un punto
de partida para la exitosa carrera de la agrupación.

Autor: Fernado Gabriel Lázaro.

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Peter Gabriel interpretando al personaje

mujer-zorra del álbum ‘Foxtrot’.

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4Origen del Rock Progresivo
4:30 pm : El subterráneo se detuvo. No hay ninguna Estación a la vista.
Los pasajeros ansiosos comienzan a mirarse unos a otros como lanzándose
dardos con la vista y percatándose por primera vez de sus presencias.
Al final del tren, una joven dama vistiendo un traje con pantalones verde,
se para en el centro del vagón y comienza a desabrocharse su chaleco,
quitándoselo y dejandolo caer sobre el piso de madera..
También se quita sus zapatos, sus pantalones, su blusa, su sutién y sus
medias floreadas de nylon, dejando caer cada prenda una tras otra formando
una prolija pila de ropas.
Quedó totalmente desnuda.. Luego, comenzó a mover sus manos acariciando
sus muslos y jugando nerviosamente con su entrepierna.
Súbitamente, tuvo contacto con algo frío y metálico que muy lentamente
empezó a abrirle como una cremallera su cuerpo; avanzando en linea recta
por su estómago, entre sus pechos, pasando por su cuello y directamente por
el centro de su rostro hasta su frente. Sus dedos se deslizaron hacia arriba
y hacia abajo por la rajadura.. finalmente.. cayó hacia ambos lados de su
GENESIS LIVE
CHARISMA RECORDS, 1973 / Tiempo Total: 46’:46”
ombligo. Ella hizo una breve pausa antes de que sus partes sean separadas 4 #Cat. CORP: 5 GE01005 2 CD
meticulosamente. Introduciendo su mano derecha dentro de la incisión 1. Watcher Of The Skies (8’:37”)
abierta, penetró hasta su garganta, que estaba cerrada como con un cerrojo 2. Get’em Out By Friday (9’:14”)
firme y tomó algo sólido que se encontraba en la parte superior de su espina. 3. The Return Of The Giant Hogweed (8’:14”)
Haciendo un terrible esfuerzo, ella logró soltarlo y sacó esa vara delgada 4. Musical Box (10’:55”)
y dorada. Sus dedos ya no pueden sostenerla y su cuerpo contraído
5. The Knife (9’:46”)
se deslizó suavemente sobre la superficie mojada de la vara hasta el piso.
El 20 de Julio de 1973, Genesis editaba su pri-
SPLAT !
mer álbum en vivo titulado ‘Genesis Live’. Fue
grabado los días 24 y 25 de Febrero de 1973
La vara aún permanece rodando por el suelo como un mástil sin bandera.
Los otros pasajeros quedaron enmudecidos, pero al sonido del cuerpo en The De Montfort Hall, Leicester & The Free
cayendo al piso, se sumó una dama mayor luciendo un traje rosa y un Trade Hall, Manchester. Tras la consola estuvo
saco a tono, que se puso de pie y empezó a gritar: Alan Perkins para ofrecer esta experiencia de
“¡Paren esto, que es vomitivo..!” sorprendente fidelidad que registra canciones
La vara dorada desapareció. El pantalón verde quedó colgado de una percha, de los álbumes ‘Trespass’ (1970); ‘Nursery
con un ticket de tintorería pinchado en su pierna izquierda. En el ticket Cryme’ (1971) y ‘Foxtrot’ (1972). La Tapa del
estaba escrito: Nombre:................................... Dirección:..................................... álbum es una fotografía tomada por Bob Gruen
en el programa estadounidense The King Bis-
Este relato macabro pertenece a una de las tantas historias contadas por Peter cuit Flower Hour y retrata un momento en la
Gabriel en los conciertos, entre tema y tema, mientras el resto de la banda afi- ejecución de la suite “Supper’s Ready”, que
naba los instrumentos musicales para la siguiente entrada. Tan memorable y no fue incluida en este disco. .
representativo resultó ser este cuento, que fue incluido en el reverso de la por- ‘Genesis Live’ fue el único registro oficial en vi-
tada del álbum ‘Genesis Live’ de 1973. Grabado en The De Montfort Hall, Lei- vo con Peter Gabriel como vocalista, hasta la
cester & The Free Trade Hall, Manchester, en el mes de Febrero de dicho año. publicación del BoxSet ‘Genesis Archive 1967-
75’ veinticinco años después. .
Personal: Peter Gabriel, Tony Banks, Mike .
Rutherford, Steve Hackett y Phil Collins.

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4Festivales de Música : Summer Jam, Watkins Glen, NY 1973

SUMMER JAM FESTIVAL 1973,

Una Multitud Jamás Antes Reunida..

Grateful
Grateful Dead
Dead en
en Summer
Summer Jam
Jam Festival,
Festival, 1973
1973

LA MULTITUD MÁS GRANDE JAMÁS REUNIDA EN UN FESTIVAL

DE ROCK SE PRODUJO EN WATKINS GLEN, NUEVA YORK, EN EL
VERANO DE 1973 DUPLICANDO EL ARRIBO DE JÓVENES QUE SE
HABÍA DADO EN WOODSTOCK, CUATRO AÑOS ANTES.
Por Robert Santelli
La multitud más grande jamás reunida en un festival de mú-
sica rock se produjo en Watkins Glen, Nueva York, en el mes
de Julio de 1973, cuatro años después del mítico Festival de
Woodstock. . actos establecidos (los dos últimos eran veteranos de Wood-
Una multitud de más de 600.000 jóvenes se reunieron en el
Grand Prix Raceway de Watkins Glen para un Festival de un
día conocido como Summer Jam. Los grupos que actuaron
fueron Grateful Dead, The Band y The Allman Brothers. .
Muchos historiadores afirmaron que Watkins Glen, incluso
fue la mayor reunión de personas en la historia de los Esta-
dos Unidos. En esencia, eso significaba que el día 28 de Julio,
una de cada 350 personas que vivían en América en ese mo-
mento estaba escuchando los sonidos de rock en el Circuito
de Carreras del Estado de Nueva York. Teniendo en cuenta
que la mayoría de los que asistieron provenían del noreste,
y que la edad promedio de los presentes era de entre dieci-
siete a veinticuatro años, cerca de uno de cada tres jóvenes
de Boston a Nueva York estaban en el festival. . había tenido un cambio continuo de formaciones y estilos
Y, sin embargo, aparte de las estupendas cifras de asistencia,
la importancia musical y social era mínima en comparación,
digamos, con Woodstock. Watkins Glen fue más importante
por lo que ‘no’ era.
No fue un evento de creación de historia en un estricto sen-
tido musical. A diferencia de Woodstock, donde la alinea-
ción consistía en cerca de treinta actos, la facturación ofre-
cida por Watkins Glen estaba compuesta de sólo tres super-
grupos. .
The Allman Brothers, The Band y Grateful Dead fueron los
stock); todos habían estado en el circuito de giras y en los
estudios de grabación durante al menos tres años. Los faná-
ticos de los grupos, quizás los más dedicados en 1973, pro-
bablemente los hayan visto tocar en vivo al menos una o dos
veces antes de Watkins Glen. Habían llegado a esperar cier-
tas cosas de los músicos. En resumen, no hubo una carrera
demasiado emocionada hacia el escenario generada por su
mera presencia en Watkins Glen. .
Cada uno de los tres grupos en Watkins Glen tocó sets inu-
sualmente largos. Grateful Dead actuó durante cinco horas,
The Allman Brothers actuaron durante cuatro horas y The
Band cerca de tres, incluido un descanso de treinta minutos
debido a una tormenta eléctrica. Woodstock, a diferencia,
musicales. Cada vez que un nuevo artista se presentaba fren-
te a la masiva multitud, se producía una revitalización, cre-
ando una renovación de la fe en el evento y en el poder de la
música. La energía se veía obligada a fluir.

Presiona PLAY para Escuchar los Sonidos de esta Nota en ‘La Buhardilla del Bohemio’
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En Watkins Glen, un senti- Todo esto se sumaba al he-
miento de monotonía desa- cho de que las protestas,
fió el interés de los especta- los carteles, el desafío y el
dores en la música y los pro- verdadero celo revoluciona-
cedimientos en el escenario. rio de los jóvenes había dis-
Los solos de instrumentos, minuido. Se ingresaba a la
largos y sinuosos eran fre- década del “Yo”. La década
cuentes. El calor, la falta de de 1970 finalmente había
confort y las condiciones llegado. .
de hacinamiento opacaron Pero Watkins Glen señaló
los momentos emocionan- que la música rock estaba
tes. Muchos de los 600.000 viva y bien, y que todavía
asistentes apenas podían quedaba dentro de la cultu-
ver el escenario, y mucho ra juvenil un deseo aparen-
menos a los músicos. . temente inextinguible de a-
Y algo más, seguramente Una multitud se congregó en Summer Jam Festival y la gente comenzó a llegar una semana antes sistir a festivales de rock. .
del evento abarrotando las carreteras como muestra esta fotografía de la época.
importante, los asistentes al Los jóvenes todavía se ma-
festival solo tuvieron un día ravillaban ante el poder de
para empaparse del aura del festival de rock. Muchos de los tales reuniones. Los jóvenes querían estar allí, tenían que es-
asistentes a menudo estaban demasiado ocupados haciendo tar allí. .
y viendo otras cosas como para molestarse en escuchar con Shelly Finkel y Jim Koplik, los dos promotores de Summer
seriedad la música durante largos períodos de tiempo. . Jam, habían estado produciendo conciertos de rock en Con-
Woodstock también había tenido lanzamientos en LP y una necticut y habían establecido una audiencia regular. En 1972
película para continuar su significado. Ninguna de esas pro- organizaron una serie de espectáculos en Hartford, uno de
piedades perdurables surgió en Watkins Glen. . los cuales fue un concierto de Grateful Dead. Durante su ac-
Aunque Grateful Dead y The Allman Brothers Band tenían tuación, los miembros de Allman Brothers Band que esta-
su propio sonido, y a pesar de haber grabado los sets, los ban detrás del escenario fueron invitados a salir para una
Grateful Dead no dieron su consentimiento para realizar un reunión informal. La recepción que recibieron de la multitud
álbum de Watkins Glen. Su participación fue crucial, ya que convocada por los Dead fue sorprendente.
representaban más de un tercio de la música y el tiempo rea- A Finkel y Koplik les encantó lo que vieron y escucharon.
lizado en el escenario. CBS filmó algunas imágenes del even- Los promotores hablaron con los miembros de Grateful De-
to, pero los Dead se negaron a permitir el lanzaramiento co- ad y de Allman Brothers para saber si estaban interesados
mercial de ninguna otra película. Su posición inquebrantable en un gran concierto al aire libre que presentara a las dos
sobre el asunto se remonta a Monterrey, cuando la banda se bandas actuando por separado y luego, al final, fusionándo-
había negado a participar en la película de DA Pennebaker se para una espectacular y memorable jam. Los promotores
sobre el evento, ‘Monterrey Pop’. Grateful Dead siempre ha- agregaron que las ganancias podrían llegar a ser astronómi-
bía exigido un control editorial completo de su música y ac- cas para todos los involucrados si se eligiera un sitio de con-
tuaciones en vivo. Cuando se les negó tal poder, simplemen- ciertos lo suficientemente grande. Ambas bandas estuvieron
te se negaron a ser parte del proyecto. . Muy interesadas. Finkel y Koplik buscaron alto y bajo para
Watkins Glen no inscribió en la parte política de la cultura hallar un sitio apropiado. Se consideró el Pocono Internatio-
juvenil como lo habían hecho algunos festivales en el pasa- nal Raceway, pero cuando los promotores se enteraron de
do. Tener 600.000 jóvenes al mismo tiempo en un lugar ha- la disponibilidad del Watkins Glen Grand Prix Raceway, in-
bría sido el sueño supremo para cualquier radical de los fer- mediatamente hicieron planes para hablar con los oficiales
vorosos años sesenta. Pero eso era todo: los años sesenta ha- de la pista de carreras de allí. Tanto la ciudad de Watkins
bían terminado. La Guerra de Vietnam había terminado; el a- Glen como la gerencia de la pista de carreras estaban acos-
cuerdo de paz se firmó en Enero de ese año. . tumbradas a manejar grandes multitudes, y dado que el e-
No es que haya una falta de problemas. Watkins Glen podría vento iba a ser una aventura de un día, pocos obstáculos im-
haber sido una respuesta inmensamente poderosa a Nixon pidieron la firma de un contrato. .
y al escándalo Watergate. Pero la juventud de la nación se Finkel y Koplik prometieron limitar la venta a 150.000 bole-
había cansado de ser políticamente activa. Muchos habían sa- tos. En privado, los oficiales de Raceway dudaron si los pro-
boreado la delicia parcial de ver algo de paz en el sudeste a- motores de rock podrían vender incluso 100.000 boletos. Pe-
siático y sintieron que era suficiente. La palabra más común- ro más poder para ellos. Ciertamente pagaron una suma con-
mente asociada con el Watkins Glen Festival, según los re- siderable para alquilar las instalaciones durante el día. .
porteros que cubrieron el evento, fue “fiesta”. . Para completar el resto de la factura, Koplik y Finkel sugirie-
Para algunos jóvenes, Watkins Glen fue una oportunidad de ron que se agregue al show otra banda o músico, tal vez Le-
experimentar un festival de rock en forma abreviada, y dis- on Russell. Los Dead y Allman Brothers estuvieron de acuer-
frutaron de cada minuto. do con el concepto, pero sintieron que The Band sería más

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4Festivales de Música : Summer Jam, Watkins Glen, NY 1973
apropiada que Russell. Además, eran mucha- La multitud creció. El Miércoles, la policía del
chos locales que residían en el estado de New Estado de Nueva York estimó que cincuenta
York, en el área de Woodstock, y tenían un mil personas estaban en Watkins Glen. El Jue-
grupo de seguidores del noreste más concen- ves, la aproximación aumentó a más del do-
trado que Leon Russell. The Band fue contac- ble. El Viernes por la tarde estaban seguros
tada con la idea y rápidamente firmó un con- que un cuarto de millón de jóvenes habían a-
trato. . campado en el recinto del festival o cerca de
Dos semanas antes del festival se vendieron él. Los agentes recordaron Woodstock y la pe-
más de 100.000 boletos a 10 U$S cada uno. sadilla provocada por los problemas de tráfi-
Los promotores obtuvieron permiso para po- co. Esto era peor. La fila de automóviles se ex-
ner a la venta 25.000 boletos adicionales el tendía a casi cincuenta millas, mientras que
día del espectáculo, ya que era obvio que apa- el impacto se podía sentir a cien millas de dis-
recerían muchas más personas de las que ori- tancia. Comenzaron a rechazar a jóvenes con
ginalmente se anticiparon. . o sin boleto. No había dudas al respecto, Sum-
Watkins Glen iba a ser el primer gran evento mer Jam iba a ser más grande que Woodstock.
de música rock en Nueva York que se produ- Los periódicos de la época reflejaron en sus portadas
lo multitudinario que resultó el festival, comparándolo
Mucho más grande. Se programó un control de
ciría desde que el Estado aprobara el Código con Woodstock. sonido para el día Viernes. La FM Productions
Mass Gathering luego de Woodstock. de Bill Graham había sido contratada para em-
Koplik y Finkel se adhirieron a las estrictas reglas de una plear el Sistema Digital Audio Delay Line, un sistema de so-
manera precisa, casi religiosa. Se alquilaron más de mil ba- nido computarizado diseñado para que las personas que se
ños portátiles y se excavaron doce pozos para aumentar el encontrasen en el frente y cerca de las torres de altavoces no
suministro de agua del circuito, además de ubicar estratégi- fueran voladas al universo. También permitió a las personas
camente más de mil galones de agua de manantial en todo ubicadas en la parte trasera escuchar la música con la misma
el terreno. También se construyó un helipuerto improvisado. claridad que las personas más cercanas al escenario. Con tal
Henry Valent, presidente de Watkins Glen Grand Prix Cor- sistema, los conjuntos de altavoces se configuraban a cien
poration, quedó impresionado. Jim Koplik y Shelly Finkel yardas de distancia. El primer conjunto de altavoces recibe
parecían ser verdaderos profesionales. . el sonido del escenario y lo retransmite al segundo conjunto.
Watkins Glen no sería como esos otros festivales de rock so- Este conjunto rebota el sonido al tercer conjunto. Todo esto
bre los que había leído. Sería diferente, pensó. Sería una ope- ocurre con gran precisión. No es discernible para el oído hu-
ración de primera clase. . mano que haya un microlapso en el sonido. Tanto para el
La gente comenzó a llegar una semana completa antes del control de sonido como para el concierto real, el sistema fun-
festival. Muchos pulgaron en la carretera para ser llevados, cionaba como un hechizo. .
otros condujeron en caravanas o camionetas tempranamen- Cuando los Grateful Dead fueron a hacer su prueba de soni-
te para seleccionar un buen lugar para acampar. El Martes do, más de 100.000 de las 250.000 personas presentes en
anterior al espectáculo, se abrieron las primeras treinta en- Watkins Glen ya estaban reunidas frente al escenario. Gra-
tradas. En lugar de hacer que los jóvenes se muevan por la ham sugirió que bien podría comenzar el concierto un tanto
ciudad, los promotores y Valent acordaron abrir un poco an- más temprano. Los Dead dieron su consentimiento, enton-
tes. Pero había motivos para la consternación. Summer Jam, ces, la prueba de sonido se convirtió en un concierto de dos
como se llamaba, se suponía que era un asunto de un día. horas con algunas interrupciones para equilibrar el muro de
Los Promotores y los oficiales de la pista sabían que muchos sonido. .
aparecerían temprano. Por ello habían preparado campamen- The Band y The Allman Brothers se sintieron obligados a
to de gran tamaño. Pero no pensaron que ‘tan’ temprano. Ni hacer lo mismo. Entregaron pruebas de una y dos horas, res-
tampoco que iban a ser ‘tantos’. pectivamente. En total, actuaciones de cinco horas antes del

The Allman Brothers en Summer Jam, 1973 The Band en Summer Jam, 1973

Shelly Finkel y Jim Koplik

nueve/octavos 4 Página/14
4Festivales de Música : Summer Jam, Watkins Glen, NY 1973
festival disfrazado de una prue- El set de The Band perdió gran
ba de sonido. Tras la prueba, parte de su impacto luego de la
Jim Koplik se sentó en una silla interrupción por la tormenta. .
en el remolque detrás del esce- Muchas personas regresaron al
nario y comentó a Finkel: “Estoy campamento a preparar la cena
abatido. Siento que todo terminó y ponerse ropa seca. Otros em-
y realmente lo logramos”. Finkel prendieron el viaje de regreso a
asintió con una sonrisa cansada. casa. Pero The Band ofreció un
“No puedo creerlo, sin embargo, excelente show de country-rock.
eso no fue real. Mañana será la La instrumentación fue definida
realidad. Mañana es el concierto y exacta, su música auténtica..!!
y tendremos que hacerlo todo de Ellos no permitían que las fór-
nuevo, por lo menos el doble y mulas de las compañías disco-
probablemente para el doble de gráficas alteraran su propuesta.
personas”. Jim Koplik miró a su Robbie Robertson, Garth Hud-
compañero. Shelly Finkel había son, Levon Helm, Rick Danko y
caído en un sueño profundo. . Richard Manuel ofrecieron lo
The Grateful Dead regresó poco Publicación de época que relata algunos incidentes ocurridos y un Afiche Promocional que las almibaradas bandas no
antes del mediodía del día Sába- podían dar: música sin adulterar.
do para inaugurar oficialmente Summer Jam Festival frente Finalmente llegó el turno de The Allman Brothers. Los her-
a 600.000 personas tendidas sobre cada pulgada disponible manos contaban con la reputación de no tener una actuación
del circuito de carreras. Estaba la amenaza habitual de lluvia, deslumbrante. Las composiciones de calidad y la excitante in-
pero no había nubes oscuras a la vista. En cambio, el sol bri- terpretación artística de la banda resistieron las críticas me-
llaba intensamente a medida que el calor alcanzaba propor- diocres. Dickey Betts había asumido el papel dejado vacante
ciones perceptibles pero aún tolerables. Extendida sobre la por la muerte de Duane Allman. Era un gran vacío por llenar,
hierba de noventa acres frente al escenario había un mar de pero Dickey lo estaba haciendo. Tenía confianza y por sobre
jóvenes de exuberante humanidad. Fue una vista impresio- todo, agresividad. Él y Greg Allman fueron los líderes encar-
nante y emocional. Y fue aterrador.. ¿Qué pasaría si..? Pero gados de marcar la dirección del grupo. En términos de com-
los pensamientos negativos fueron dejados de lado. paración, ni los Dead ni The Band midieron la ebullición ge-
neral despertada por los Allman con la canción “In Memory
Of Elizabeth Reed”. Todo salió muy bien. Eran las dos de la
The Grateful Dead tocó, tocó y tocó durante cinco horas.. mañana, la multitud se había encogido considerablemente,
Jerry García lanzó suavemente solos de guitarra pero como se había prometido, el evento concluiría con un
como solo Jerry García podía hacerlo. gran alboroto. .
Bob Weir lo respaldó con la guitarra rítmica No todos los miembros de The Grateful Dead y The Band
equilibrando un sonido generalmente tierno. salieron al escenario, y en realidad, había demasiados músi-
Phil Lesh en el bajo y Bill Kreutzman en la batería cos cansados para que algo realmente memorable ocurriera.
le dieron a García pistas de despegue y aterrizaje. Sí algunos blues. La última canción tocada fue una versión
Donna Godchaux cantó y su esposo Keith, tocó teclados. enérgica, sinó excesivamente efectiva, de “Johnny B. Goode”
de Chuck Berry. .
Watkins Glen había robado los titulares de la misma manera
El set incluyó “Uncle John’s Band”, “Cassey Jones”, “Friend que Woodstock cuatro años antes, pero con mucha menos
Of The Devil”, “Ripple”, “Sugar Magnolia”, “Truckin”, “Not intensidad, dramatismo y durante un período de tiempo mu-
Fade Away”, “Me & Bobby McGee” entre otros. Los asisten- cho más corto. En el New York Times, Grace Lichtenstein
tes del escenario tardaron un poco más de una hora en des- describió a Watkins Glen tal como lo había visto:
montar el equipo de los Dead y preparar el área para el set
de The Band. . “..En ocasiones, la escena en la oscuridad húmeda
Las cosas iban bien teniendo en cuenta la cantidad multitu- parecía una pintura de Bosch: cuerpos semidesnudos
dinaria de personas. Hubo una marcada disminución en el
uso de drogas duras y alucinógenos en Watkins Glen, aun-
cubiertos de baba marrón, moviéndose rítmicamente
que había muchos distribuidores. El suelo estaba lleno de en medio de figuras acurrucadas a sus pies,
botellas de Jack Daniel’s y Southern Comfort, signos del au- que dormían por el estupor inducido
mento en el consumo de licor fuerte. Había abundante comi- con el alcohol o los barbitúricos”.
da y agua disponible, la mayoría de los inodoros portátiles
parecían estar funcionando bien, pero la demora para usar En una era en la que los festivales de rock fueron mastodon-
las instalaciones y las caminatas para llegar a ellos eran los tes, el Summer Jam Festival, Watkins Glen, New York 1973
verdaderos problemas. Un viaje de ida y vuelta, que incluía dejó su huella. .
una breve estadía dentro, podía demorar alrededor de tres Invitamos a descubrir los episodios musicales de Summer
horas. . Jam Festival, Watkins Glen, en ‘La Buhardilla del Bohemio’
El sol había superado una serie de nubarrones oscuros y si- y su Ciclo de Cuatro Programas Radiales dedicados a dicho
niestros para cuando The Band subió al escenario. No había evento. Esta propuesta en conjunto de ‘nueve/octavos maga-
transcurrido aún una hora de su set cuando la lluvia, true- zine’ y ‘La Buhardilla del Bohemio’ ofrece la posibilidad de
nos y rayos cayeron con un poder alarmante. The Band fue poder leer, escuchar y disfrutar de un festival que seguro les
forzada a esperar. Treinta minutos después la tormenta pa- envolverá. .
só, dejando 600.000 cuerpos mojados y por debajo, barro. ‘La Buhardilla del Bohemio’ lleva desarrollados 180 progra-
Antes de la tormenta, sin embargo, cuatro paracaidistas ha- mas dedicados a los mejores momentos en la historia de la
bían saltado desde un Cessna con la intención de aterrizar música rock de los años 1960’s, 70’s y 80’s, su realizador,
en los terrenos del festival. Todos llevaban vengalas de colo- Luychy, es apasionado por la música y eso se manifiesta en
res para marcar tanto su trayectoria descendente como el la calidad formativa de sus programas.
éxito del evento. La multitud los animó al percibir sus for-
mas en el cielo, pero algo iba mal para uno de ellos. Una de
las vengalas estalló prematuramente y encendió sus prenda. Escucha los Programas en siguiendo los
9/8 Edición Portable

Las llamas envolvieron su traje y su cuerpo. Fue una forma enlaces.

terrible de morir.

nueve/octavos 4 Página/15
4REEDICIONES: PINK FLOYD, ‘Animals’.

EL DISTÓPICO ÁLBUM DE PINK FLOYD, ‘ANIMALS’ DE 1977, PROPONE

REVALIDAR SU MÚSICA A TRAVÉS DE NUEVAS MEZCLAS ESTÉREO 5.1
9/8 Edición Portable

nueve/octavos 4 Página/16
4Reediciones: PINK FLOYD, ‘Animals’.
El distópico álbum ‘Animals’ editado por Pink Floyd en 1977, propone revalidar su mú-
sica a través de nuevas mezclas estéreo 5.1 que también reaniman la lucha de egos que
existió durante su gestación.
Finalmente, las remezclas que James Guthrie realizó en 2018 del álbum ‘Animals’ sal-
drán a la venta. El lanzamiento estuvo demorado debido a unas notas escritas para el li-
bro interno del disco por el biógrafo de la agrupación Mark Blake, con las que David
Gilmour no estuvo de acuerdo en que sean publicadas. Estas notas serían relevantes
respecto a aspectos que tendrían que ver con la creación del álbum. Si bien no acompa-
ñarán esta edición, algunas de esas notas ya adquirieron carácter público y Roger Wa-
ters aseguró que las publicará completas en sus memorias.
Mark Blake describe: “A pesar de haber sido grabado en Londres durante la ola de calor
del verano de 1976, ‘Animals’ de Pink Floyd continúa siendo un álbum oscuro. Su críti-
ca del Capitalismo y la codicia captó el estado de ánimo predominante en Gran Bretaña
en una época de luchas industriales, turbulencias económicas, los disturbios en Irlanda
del Norte y las disputas raciales de Notting Hill”, inicia el texto que también menciona
“Las raíces del décimo álbum de estudio de Pink Floyd se remontan a principios de esa
década”.
Recordemos que luego del álbum ‘Wish You Were Here’, Pink Floyd concluyó su con-
trato comercial con el sello discográfico EMI y montó su propio estudio de grabación.
Allí dieron vida a su décimo álbum de estudio titulado ‘Animals’, un alegato contra el Sis-
tema Capitalista establecido y una metáfora sobre la conflictiva relación entre la banda
y la etiqueta discográfica que editaba sus discos.
‘Animals’ nació en la cumbre, tanto creativa como comercial de Pink Floyd, quienes du-
rante los años ‘70 fueron capaces de lograr que cada uno de sus nuevos discos se eri-
giera como una obra artística sumamente esperada. Pink Floyd, un conjunto de raíces
psicodélicas y conceptuales, que en ese momento colmaba con audiencias los estadios
en los que se presentaba, facturaba su álbum más políticamente abrasivo, justamente,
en el momento en que el punk-rock explotaba y tomaba el mundo por asalto.
Luego de grabar el álbum ‘Wish You Were Here’ (1975) Pink Floyd montó su propio es-
tudio de grabación en un edificio de tres pisos que la banda adquirió en Islington, Lon-
dres, y que estrenaron en 1976 con la grabación de ‘Animals’, que sería lanzado al si-
guiente año.
Si bien ‘Animals’ no significa una evolución trascendente en el sonido Pink Floyd, (al
menos en la medida que lo significaron sus predecesores: El aclamado ‘The Dark Side
Of The Moon’ y el mítico ‘Wish You Were Here’, grabado en el no menos mítico Estu-
dio Abbey Road), lo significa desde el contenido de sus letras y se sitúa en el epicentro
de la denominada ‘Época Dorada’ de la agrupación, en un momento político, económico
y social convulsionado para el Reino Unido.
Con ‘Animals’, Pink Floyd toma distancia de aquellas letras subjetivas para reflotar in-
quietudes políticas y sociales con un mensaje concreto e inconformista. Roger Waters,
responsable de las letras, concibe un álbum conceptual inspirado en la novela satírica
de George Orwell titulada ‘Animal Farms’ (‘Rebelión en la Granja’) para hacer una fuer-
te crítica al Sistema Capitalista establecido. Si bien no se trata de una adaptación directa
de la novela de Orwell, encuentra cierta similitud ya que Roger Waters divide a la raza
humana y utiliza la figura de animales para representar distintas clases sociales. Waters
presenta a los cerdos como líderes moralistas, tiránicos, autoritarios y estúpidos, al fin
de cuentas. Otorga a los perros un rol de rebeldía; mientras plantea que las ovejas son
seres conformistas, carentes de ambición y subordinados, en parte, ya que sobre el fi-
nal las ovejas se rebelan.
Con estas figuras, Pink Floyd concibe una estructura de álbum en la que los tres temas
principales del disco se encuentran en medio de dos breves canciones semi-acústicas
que dan respuesta con un mensaje de amor, comprensión y resistencia.
“Si a ti no te importase lo que a mi me sucediera. Y yo no me preocupase
por ti. Nos encontraríamos zigzagueando a través del aburrimiento y el dolor.
Elevando ocasionalmente nuestras miradas a través de la lluvia.
Preguntándonos a quién culpar y esperando ver cerdos sobre el ala..”
(letra de “Pigs On The Wing” Part One)
nueve/octavos 4 Página/17
.
PINK FLOYD
.
‘ANIMALS’
2018, Remix by James Guthrie
4 Discos:
CD / LP Vinilo / Blu-Ray / DvD
BLU-RAY STEREO (24 -bit / 192 KHz, dts MA),
5.1 (24-bit / 96 KHz, dts MA)
DvD Stereo (LPCM 24-bit / 96 KHz, dts),
5.1 (dys, Dolby Digital)
.
“Pigs On The Wing” es un tema que aparece en el
álbum ‘Animals’ de Pink Floyd, dividivo en dos par-
. tes. La Primera Parte del tema abre el álbum siendo
el primer tema del Lado A y la Segunda Parte cierra
el álbum al final del Lado B. .
Se pueden encontrar muchas opiniones sobre el te-
. ma, incluso hay quienes sostienen que es un tema
de amor que Roger Waters compuso para su pare-
ja. Se apoyan para decir esto, en una entrevista en
la que Waters mencionó brevemente que el tema
era un tema de amor para su mujer. .
Más allá del breve comentario de Waters (que pue-
de ser interpretado de muchas formas, tal como es
.
el propio Waters: un individuo polifacético) el tema
no es exactamente un tema de amor hacia una mu-
jer. Podría ser tomado como un tema de amor en el
más amplio sentido de la palabra, ya que se refiere
al ‘encuentro’ y ‘desencuentro’ entre los seres hu-
manos. .
La expresión “Pigs On The Wing” era utilizada por
los pilotos aviadores de la Real Fuerza Aérea Bri-
tánica (RAF, por sus siglas en Inglés) y se refería
a que tenían un avión enemigo en un punto ciego
de su avión. .
. Los puntos ciegos de un avión de combate son los
lugares donde el piloto no puede ver porque está ta-
pado por algún elemento de su propio avión. .
El ejemplo típico es debajo de las alas, ya que las
alas de su propio avión tapan la visibilidad del pilo-
to. Cuando un piloto aviador lanzaba por radio: Ten-
go “Pigs On The Wing”, estaba pidiendo ayuda a
sus compañeros de escuadrón, indicándoles que
tenía un enemigo en un punto ciego de su avión y
no podía ver si se acercaba a atacarlo. .
La Primera Parte del tema habla del desencuentro
entre las personas. Como contrapartida, la Segun-
9/8 Edición Portable
da Parte del tema habla del encuentro entre las per-
sonas. .
JHS
4Reediciones: PINK FLOYD, ‘Animals’.
. .
‘Animals’ fue grabado durante los meses de Abril - Noviembre de 1976 en los Britania
Row Studios, el ingeniero de grabación fue Brian Humphries y la producción corrió por
cuenta del propio Pink Floyd. El álbum fue publicado el día 23 de Enero de 1977 por el se-
llo Harvest/EMI en Reino Unido y Columbia Records en Estados Unidos, alcanzando inme-
diatamente muy buenas ventas, logrando 4 Discos Platino y ubicándose en el puesto #3
entre los 200 de Billboard. .
La portada del álbum presenta uno de los elementos visuales más reconocidos de la agru-
pación británica: El icónico cerdo sobrevolando el edificio de Battersea Power Station fue
pensado por Roger Waters y llevado a cabo por Storm Thorgerson y el plantel de trabajo
del Estudio Hipgnosis, responsable de las más representativas portadas de los discos de
Pink Floyd. Como en tantos otros de sus trabajos, la leyenda se hace presente para ali-
mentar la imaginación y cuenta, que durante las sesiones fotográficas en las que un cerdo
inflable de 40 pies de longitud (diseñado por Jeffrey Shaw y encargada su construcción
a la compañía alemana Ballon Fabrik) debía ser fotografiado volando entre las cuatro chi-
meneas de la Estación Battersea, una imprevista ráfaga de viento lo elevó sin rumbo. El
inanimado animal atravesó las pistas del aeropuerto de Heathrow, siendo avistado por un
piloto de jet que dio aviso a las autoridades de Aviación Civil, quienes alertaron que un PINK FLOYD
globo con forma de cerdo rosado sobrevolaba la Capital en dirección hacia Alemania. Fi-
nalmente, el puerco descendió sobre una granja de Kent, de donde fue recogido por per-
sonal de Pink Floyd. .
‘ANIMALS’
PINK FLOYD MUSIC, 1977 / Tiempo Total: 41’:41”
La gira presentación del disco inició en Dortmund, el mismo día del lanzamiento del álbum,
4 #Cat. CORP: 1 PF01010 1 LP
fue llamada ‘In The Flesh Tour’ y Pink Floyd mostró su visión desilucionada del mundo.
Como acto central, pudo verse un cerdo de enormes dimensiones que sobrevolaba el es- PIGS ON THE WING (Part One) (1’:25”)
pectáculo y era envuelto en llamas, convirtiéndose en una de las puestas en escena más DOGS (17’:03”)
impactantes y recordadas del denominado Rock Teatral de Estadios. . PIGS (Three Different Ones) (11’:25”)
‘Animals’ no fue, no es, ni intentó ser, un disco ameno. Es más bien un compendio de vi- SHEEP (10’:25”)
cios sociales que hoy en día siguen vigentes. La alegoría que Waters construye en torno PIGS ON THE WING ( Part Two) (1’:23”)
al libro de Orwell le confiere un alto grado de coherencia a las cinco composiciones del
disco, cuyas letras transmiten una marcada acidez. Mark Blake señala en sus notas para Personal:
el disco que Roger Waters adapta su crítica a “los sistemas económicos e ideológicos David Gilmour: guitarra, voz y sintetizador.
de las democracias liberales de finales de Siglo XX”. . Nick Mason: batería y percusión.
Mucho se ha dicho acerca del dominio compositivo ejercido por el bajista en esta etapa Roger Waters: bajo, voz, guitarra acústica.
de la banda, pero David Gilmour se encargó, oportunamente, de desmitificar parte de Richard Wright; órgano, piano y sintetizador.
ello: “La manía de Roger es dominar, pero estoy feliz de mantenerme en pie por mí mis-
mo, defenderé mis méritos en diferentes composiciones, que es lo que hice en ‘Animals”.
No me sentí ni remotamente fuera de ese álbum. El noventa porciento de “Dogs” es mío,
y esa canción ocupa prácticamente una Cara completa del disco, lo que significa: La mi-
tad del álbum”. .
¿A qué se refiere Mark Blake cuando menciona que las raíces de ‘Animals’ se remontan
a principios de década..? Blake menciona una jam session posterior al álbum ‘The Dark
Side Of The Moon’ y dice: “A partir de estas sesiones, la banda desarrolló “Shine On You
Crazy Diamond” (que se convirtió en la pieza central del siguiente álbum ‘Wish You Were
Here’), “Raving And Drooling” (compuesto por Roger Waters) y “You Gotta Be Crazy”
(escrita por Waters & Gilmour). “Raving And Drooling” era una historia de desorden so-
cial violento, mientras que “You Gotta Be Crazy” contaba la historia de un inescrupuloso
hombre de negocios. Ambas se tocaron en vivo por primera vez en la gira de invierno de
1974. Ambas fueron consideradas para el álbum ‘Wish You Were Here’, pero Roger in-
sistió en que ninguna de las canciones eran acordes para la idea general del álbum que
esencialmente trataba sobre la ausencia, por lo tanto, como ninguna encajaba en el tema
general del disco no debían incluirse. Ese material quedó afuera de ‘Wish You Were Here’
y fue retomado para ‘Animals’. Pasaron dos años y Roger tuvo una idea para el nuevo ál- ‘Animal Farm’ (‘Rebelión en la Granja’)
bum de Pink Floyd. Tomó prestada la historia alegórica de George Orwell, ‘Rebelión en es una novela satírica del escritor británi-
la Granja’, en la que los cerdos y otros animales del corral se reinventan antropológica- co George Orwell, publicada en 1945.
mente”. Más adelante precisa: “Siguiendo el instinto de Roger, ya que las nuevas cancio- La novela es contada desde la perspecti-
nes tenían un toque agresivo muy alejado de los exhuberantes paisajes sonoros de ‘Whish va de los animales de una granja que se
You Were Here’, valdría la pena incluirlas. Fue un cambio de dirección oportuno. Ya en los colectivizan, organizan y se rebelan con-
estudios Britania Row, “Raving And Drooling” pasó a llamarse “Sheep” y “You Gotta Be tra el agricultor humano. La rebelión es
Crazy” se convirtió en “Dogs”. La narrativa se completó con la adición de dos nuevas finalmente traicionada y se establece una
canciones de Waters: “Pigs (Three Different One)” y “Pigs On The Wing”” Acerca de la dictadura debajo de un cerdo, en una cla-
portada del álbum el biógrafo menciona: “La idea del cerdo volador también fue de Roger. ra crítica alegórica a la degradación de la
El primer día de la sesión fotográfica el cerdo no se infló. El segundo día se liberó de sus Revolución Rusa de 1917 por parte del
amarres y desapareció en un cielo hermosamente inquietante, lo que provocó una llama- Régimen de Iósif Stalin. El colectivo de
da frenética a la policía y la detención de todos los vuelos en Heathrow. Al día siguiente el animales que constituye la base de la ale-
rodaje se llevó a cabo sin problemas, excelentes tomas del cerdo in-situ pero sin el cielo goría, finalmente se categoriza en una so-
inquietante. Así que Storm & Co montaron el cerdo del día tres sobre el cielo del día dos ciedad jerárquica de clases sociales, se-
y bingo!. El cerdo de Pink Floyd, Algie, hizo su debut en vivo en la siguiente gira, ‘In The gún el tipo de animal. .
Flesh’, en 1977”, señala el biógrafo. . Roger Waters utilizó la premisa de Geor-
Otra de las particularidades del álbum es que se trata del primero en que Rick Wright no ge Orwell paa criticar de manera prácti-
figura en los créditos de ninguna canción. El ego, esa condición tan humana y uno de los ca, tanto al Régimen Stalinista como al
9/8 Edición Portable

principales elementos que llevó a Pink Foyd a convertirse en una banda colosal, comen- Capitalismo tardío y sus condiciones de
zaba a ser motivo de distanciamiento entre sus integrantes.. enorme pobreza y opresión.

nueve/octavos 4 Página/18
4Escenarios: Battersea Power Station.

El día que el cerdo voló nuevamente

sobre la Central Eléctrica de Battersea..
La Central Termoelectrica de Battersea (Ba-
ttersea Power Station) se había mantenido
inactiva desde 1983 hasta un frío fin de se-
mana del mes de Septiembre, cuando un gru-
po nostálgico de admiradores de una de las
carátulas más emblemáticas de la música de
rock progresivo, la invadió por sorpresa.
Battersea es un barrio ubicado en el Munici-
pio de Wandswort, al Sur de Londres.
Su Planta representó un patrimonio industrial
para Gran Bretaña y significó una imagen em-
blemática en la carrera de la agrupación Pink
Floyd, cuando la utilizó como motivo de desa-
rrollo para la carátula de su álbum ‘Animals’
en 1977.
Situada sobre la ribera del Río Támesis, la
Central fue encargada de proveer de energía
a la Ciudad durante medio siglo. Si bien no
representa un sitio de convocatoria para el tu-
rismo, gracias al evento anual llamado ‘Open
House’, en el cual diversos edificios londinen-
ses de acceso restringido abrieron sus puer-
tas por única ocasión, tuvo su día colmado
de visitantes. Con su imponente frente de la-
drillos, la Central es una estampa muda que
puede ser vista desde el tren que conecta las
Estaciones de Vauxhall y Clapham Junction,
rumbo al Centro, pero su interior perduraba
siendo todo un misterio.
Era la oportunidad para explorar ese monstruo-
so edificio, el más grande de Europa construi-
do en ladrillo, con su imponente fachada y sus
cuatro enormes chimeneas blancas.
La Battersea Power Station fue diseñada por
Sir Giles Gilbert Scott, miembro de una presti-
. giosa familia de arquitectos que también cons-
truyó el Puente de Waterloo, la famosa Cabi-
. na Telefónica Roja (otro icono londinense) y
la Catedral Anglicana de Liverpool.
Proveniente de una familia católica, Giles Gil-
bert Scott concursó para construir esta iglesia
en 1902, cuando sólo tenía 22 años, lo que lo
condujo a adquirir notoriedad. A comienzos de
. 1930, la London Power Company le asignó el
Proyecto del Esbozo del Frente del Edificio. .
Originalmente, el Ingeniero Leonard Pearce se
había encargado de los cimientos.
Giles Gilbert Scott eligió el ladrillo como mate-
rial dominante, mármol italiano, pisos de ma-
dera y hierro forjado para las escaleras. Batter-
sea Power Station se mantuvo activa desde
1934 a 1983.
Muchos años después, se le rindió homenaje
y los visitantes no se fastidiaron por aguardar
cerca de cinco horas de espera en las filas pa-
ra ingresar. Incluso, algunos decidieron acam-
par desde la noche anterior para asegurarse el
acceso.
¿Qué es lo que despierta tanta curiosidad por
esta mole de ladrillo..? .
Battersea Power Station se vio rejuvenecida
. con el impulso dado por la cultura pop..!! .
The Beatles la mostró en el film ‘Help!’ (1965)
aunque quizás su imagen más pregnante haya
surgido de la mente de Roger Waters al sus-
pender un cerdo inflable color rosa entre sus
chimeneas. .
. La reunión de fans de tal imagen, ocurrió en
Septiembre de 2011, cuando se conmemoró
el 35º Aniversario del lanzamiento de ‘Animals’
con un nuevo cerdo hecho en PVC. En un prin-
cipio se pensó en reutilizar a Algie, el cerdo
original, que se encuentra guardado en un de-
pósito de Suffolk, pero la idea fue descartada.
Más allá del desgaste de sus materiales, temie-
ron que el cerdo rosa de espíritu rebelde, vol-
viese a romper amarras y escapara nuevamen-
te por los cielos de Londres..
Battersea Power Station, la Central Eléctrica
. de Battersea, es el edificio más grande cons-
truido en ladrillo de Europa. Se hizo mundial-
mente conocida en el año 1965 por su apari-
ción en la película ‘Help!’, protagonizada por
The Beatles. En 1977 fue utilizada por Pink
Floyd para realizar la portada del álbum ‘Ani-
mals’.

9/8 Edición Portable

nueve/octavos 4 Página/19
4Bootlegs: PINK FLOYD, ‘Animal Instinct’
Qué es el Club Oyentes
de Rock Progresivo..?
El Club Oyentes de Rock Progresivo es una
asociación formada en Octubre de 1999 por
un grupo de personas con un gusto en co-
mún y un objetivo común: ‘Escuchar Rock
Sinfónico & Música Progresiva e Interactuar
dentro de ese maravilloso mundo musical’.
La pila bautismal del Club Oyentes de Rock
Progresivo nace a partir de la necesidad de
compartir y difundir la obra de agrupaciones
forjadoras del Rock Sinfónico & la Música
Progresiva, y de sumar a las nuevas bandas
y músicos que aportan su talento en pos de
materializar e espíritu de este género y man-
tenerlo vigente.
Como canales de difusión el Club Oyentes
de Rock Progresivo cuenta con una publi-
cación oficial denominada nueve/octavos
magazine; la Sede On.line en Blogspot:
Club Oyentes de Rock Progresivo; la pági-
na facebook Club Oyentes de Rock Pro-
gresivo y la cuenta Instagram @corp9.8
En ellos publicamos material de carácter
histórico-revisionista, notas de actualidad,
comentarios de discos clásicos del genero,
lanzamientos recientes y el acontecer del

Bootleg
Club.
Entendemos dichos espacios como impor-
tantes herramientas de comunicación e in-

‘ANIMAL INSTINCT’ tentamos hacer de ellos, sitios que merez-

can ser visitados y re-visitados, que capten
la atención, informen e inviten a participar.
ALAMEDA COLISEUM, OAKLAND Sabemos que es pretenciosa la idea, pero
CALIFORNIA, USA 9.5.1977 estamos tan vinculados y comprometidos
con el Rock Progresivo que creemos poder
Se estima que giran alrededor de 350 discos pirata de Pink Floyd de los años ‘70.
lograrlo e invitamos de esta manera a ser
Algunos de ellos, incluso, en varias versiones. Hacer una clasificación de discos
partícipes y recorrer juntos las cinco pri-
pirata es una empresa inagotable, y a su vez, un universo deslumbrante para los
meras décadas de vida de la más hermosa
fanáticos y coleccionistas.
de todas las músicas..
De los tantos ‘Bootleg’ que existen de Pink Floyd, vamos a centrarnos en uno muy
particular: ‘Animal Instinct’, grabado el 9 de Mayo de 1977 en Alameda Coliseum,
Oakland, California, USA durante la gira ‘In The Flesh’, en la que Pink Floyd promo-
cionaba su álbum ‘Animals’ inspirado por la novela distópica ‘Animal Farm’ escrita
por George Orwell y publicada en 1945.
En 1977 Pink Floyd había alcanzado su apogeo y el éxito de la gira fue insuficiente
para apaciguar las tensiones existentes dentro del grupo. Esta complicada gira le
sirvió a Roger Waters de inspiración para arribar a su obra cumbre: The Wall.
Este registro del concierto de Oakland, California, es buscado por su calidad sonora
y por el set interpretado. Pink Floyd toca completo el álbum ‘Animals’ aunque irres-
petuosamente del orden asignado a las canciones en el disco. Emula los sonidos lo-
grados en el estudio y le agrega una agresividad punzante. Luego toca completo el
álbum ‘Wish You Were Here’ pero en este caso tal cual fue concebido. Al momento
de “Have A Cigar” llega uno de los tantos detalles interesantes de este directo,
cuando se escucha la voz de Roger Waters cantar (recordemos que en el estudio la
interpretó Roy Harper). Sobre el final tocan dos temas de ‘The Dark Side Of The Mo-
on’: “Money” y “Us And Them”.
Lo notorio es el cierre, cuando reviven un tema que solían tocar tiempo atrás: “Care-
ful With That Axe, Eugene”. Durante la gira de ‘Animals’ sólo fue tocado en una oca-
sión, precisamente, aquel 9 de Mayo de 1977 del que estamos hablando. Dicen que
9/8 Edición Portable

aquella noche, el guitarrista de apoyo para la gira Snowy White desconocía la can-
ción, ya que no la habían tocado antes, y debió improvisarla.. Portada 9/8 magazine - Diciembre de 2017

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4Apuntes de Rock Progresivo

El Rock Progresivo
en los años 80

PENDRAGON ES, INDUDABLEMENTE, UNA DE LAS AGRUPACIONES MÁS PRODUCTIVAS Y RESPETADAS.

SU APORTE MUSICAL LE HA OTORGADO AL GENERO UN SINFONISMO POCAS VECES ANTES APRECIADO.
DURANTE LOS AÑOS 80, JUNTO A MARILLION E IQ, CONFORMARON LA MÁS IMPORTANTE TRILOGÍA
DEL NUEVO ROCK PROGRESIVO O NEOPROGRESIVO. EN ESTE ESPACIO REPASAREMOS SU ORIGEN EN
LA TRANQUILA CIUDAD DE STROUD, GLOUCESTERSHIRE Y SU CARRERA TOTALMENTE EVOLUTIVA.
9/8 Edición Portable

nueve/octavos
.
4 Página/21
4Apuntes de Rock Progresivo
‘THE FIRST 40 YEARS’
Álbum en Vivo y de Estudio, 2019
TOFF Records / 5 CD’s
Pendragon celebró sus 40 Años
con el lanzamiento de un impactante
Box-Set integrado por 5 Discos
que contiene material en vivo
y en el estudio.
‘The First 40 Years’ editado por Toff Records
en 2019 propone recorrer las cuatro décadas
de vida de Pendragon desde este notable
lanzamiento integrado por 5 Discos Compactos.
Este Box-Set conmemorativo incluye 3 CD’s en
Vivo de la presentación celebratoria de las
cuatro décadas de actividad de la agrupación,
realizada en Londres, con una actuación de tres
horas de duración, que contó con las presencias,
junto a los miembros habituales Nick Barrett,
Clive Nolan y Pete Gee, la del regreso del bate-
rista Nigel Harris para interpretar algunas de las
primeras canciones de la banda y la del saxofo-
nista y co-fundador de Pendragon, Julian Baker.
Los otros 2 Discos son versiones remezcladas
y remasterizadas de su icónico álbum de 1991
titulado ‘The World’ y de su celebrado álbum
‘Men Who Climb Mountains’, de 2014.
Acompaña este interesante lanzamiento un
libro de 32 páginas con textos y fotografías que
retratan la historia de la agrupación desde sus
orígenes a la actualidad.
‘THE FIRST 40 YEARS’
Live In London, 2018
Desde su surgimiento a finales de los años 60 y durante su apogeo
en la primer mitad de la década del 70, el Rock Sinfónico & Progresivo
se convirtió, probablemente, en la vertiente del Rock con mayor nivel
de virtuosismo. Cuando las compañías discográficas miraron en otra
dirección y mientras la crítica que lo había enaltecido comenzaba a
menospreciarlo o simplemente ignorarlo, un puñado de bandas
enarbolaron los principios del Rock Sinfónico & Progresivo para impedir
su crepúsculo. En ese puñado de bandas se encontraba Pendragon,
una agrupación de origen británico que captó la atención a partir de
la nobleza de su música..
El origen de Pendragon puede hallarse en la tranquila Ciudad de Stroud, Glou-
cestershire, Reino Unido, en el año 1978; cuando Nick Barrett (guitarra rítmica
y voz), Julian Baker (primera guitarra y voz), Nigel Harris (batería) y Stan Cox
(bajo) fundan la agrupación bajo el nombre de Zeus Pendragon. Julian y Nick
serían los responsables de escribir las primeras canciones. .
El primer concierto ofrecido por Zeus Pendragon fue en el sórdido reducto de
la Ciudad de Stroud, el Marshall Rooms, irónicamente coincidiendo con el día
en que Nick Barrett decide quemar sus libros de matemáticas y abandonar los
estudios. .
A sugerencia de Julian Baker, la agrupación decide acotar su nombre, conside-
rando, con bastante humor, que ‘esa ridícula polinización inicial que cruzaba
mitología artúrica y griega había dado como resultado un nombre demasiado
extenso como para ser escrito dentro de una camiseta’.
Prontamente, Pendragon fue contactado por el promotor local Greg Linares,
.
quien había promovido algunos conciertos en el área. Incluso, cuentan que se
había relacionado con U2, y que la banda irlandesa se alojó en su piso luego
del concierto que ofrecieron en Stroud. Con Greg Linares como mánager, Pen-
dragon firma su primer contrato con Elusive Records, lo que les permitirá ini-
ciar un tour para promocionarse. .
Al conocer la extensa agenda de la gira, Stan Cox decide alejarse de la agrupa-
ción. Tras su partida, dos músicos provenientes de una agrupación llamada
Cygnus se sumarían: Robert Dalby fue su reemplazante en el bajo, mientras
John Barnfield sería incorporado como tecladísta, con la intención de llevar el
sonido de la banda hacia una orientación más sinfónica & progresiva. .
Esta nueva orientación hacia los teclados impulsa a Julian Baker a renunciar a
su puesto, al observar que el sonido sinfónico se hacía cada vez más prominen-
te en la propuesta de Pendragon. .
Tras la partida de Baker; Nick Barrett & John Barnfield pasarían a conformar
la dupla compositiva que forjaría el sonido distintivo de Pendragon manifesta-
do en esta primer etapa con los temas “Excalibur” y “Oh, Divineo”. .
En un principio fue incorporado Peter Gee, un amigo del hermano de Nick, co-
mo sustituto de Baker. Pero los cambios en la alineación no culminarían toda-
vía, ya que debido a su falta de compromiso, Robert Dalby fue ‘amablemente
invitado’ a retirarse de la banda, tras lo cual Peter Gee se ocuparía, en adelan-
te, del puesto de bajista. .
Ya con el nombre definitivo de Pendragon y una formación estable, la agrupa-
ción comienza a despertar el interés de público y crítica a través de la nobleza
de su música y sus actuaciones en directo.
3
Pendragon propone una música sutilmente elaborada, atmosférica,
con marcado respeto por la melodía y la creación de climas,
una música cautivante..
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4Apuntes de Rock Progresivo

‘FLY HIGH, FALL FAR’ ‘9:15 LIVE’ ‘KOWTOW’

Mini-Álbum de Estudio, 1984 Álbum en Vivo, 1986 Álbum de Estudio, 1988
En 1982, Greg Linares contrató a una nueva banda llamada Marillion que, apa-
rentemente estaba ganando una enorme reputación con su propuesta de rock
progresivo con reminiscencia de los años ‘70, para tocar en Gloucester, propo-
niendo, inteligentemente, a Pendragon como banda de apoyo.
A partir de este concierto, nacería una buena relación entre ambas agrupacio-
nes y sería el mismísimo Mick Pointer (baterísta de Marillion) quien invitara a
los miembros de Pendragon a tocar como acto soporte en los conciertos que
estaban ofreciendo en el mítico reducto Club Marquee de Londres. Esta unión
entre ambas agrupaciones, será clave para generar la escena que permitió el
resurgimiento del rock progresivo, o dicho de mejor forma, el nacimiento del
neo-progresivo.
Tocar con continuidad en el Club Marquee de Londres como base de Marillion
fue una experiencia edificante en la que Pendragon supo captar sus propios y
fuertes seguidores.
Las actuaciones reiteradas en la escena under londinense durante 1982 y la im-
portante convocatoria de público, captan la atención de la prensa y las compa-
ñías discograficas. En Septiembre, Marillion firma contrato con la etiqueta EMI
para grabar su primer álbum e iniciar una gira europea. Esta gira impulsará la
visibilidad de otras bandas integrantes del movimiento neo-progresivo, entre
las que se encontraba Pendragon.
En 1983, Pendragon se presentó ante 30.000 personas en Reading Rock Festi-
val y Europa Continental conoció su nombre. Iniciaron una extensa gira por
Francia, Alemania, España, Suiza, Holanda, Polonia e Italia, recibiendo buenas
críticas por parte de la prensa especializada en publicaciones como Q Magazi-
ne de Reino Unido, Rock & Folk Magazine de Francia y Rock Hard de Alema-
nia; entre otras.
Pendragon graba una impresionante sesión en vivo en la BBC Radio 1, Reino
Unido, para el Tommy Vance Friday Rock Show y el tema “The Black Knight”
se convierte en el primer ‘himno’ de la banda de Gloucestershire.
La dupla compositiva Barrett & Barnfield funcionaba bien, guardando una es-
trecha relación de amistad y funcionando como motor impulsor del distintivo
sonido de Pendragon, no obstante ello, el tecladísta decide alejarse en plena
gira. En su reemplazo ingresará Rick Carter de Southend.
En 1984, con ayuda de John Arnison, mánager de Marillion, Pendragon ingre-
sa al estudio de grabación para registrar el EP integrado por cuatro pistas y ti-
tulado ‘Fly High, Fall Far’ y poco tiempo después el álbum debut de estudio.
El primer álbum de Pendragon se titula ‘The Jewel’, fue grabado en Soundmill
Studios durante los meses de Marzo / Abril de 1985 y presenta la formación
integrada por Nick Barrett en guitarra y voz principal; Peter Gee en bajo y gui-
tarra; Rick Carter en teclados y Nigel Harris en batería y percusión.
‘The Jewel’ es el embrión musical que la banda irá desarrollando
ininterrumpidamente hasta la actualidad..
.
THE JEWEL
Álbum de Estudio, 1985
ELUSIVE Records / Tiempo Total: 46’:25”
. ‘The Jewel’ es el primer álbum
.
de estudio grabado por Pendragon
con la etiqueta Elusive Records,
el Long Play fue lanzado en 1985.
.
En este primer Long Play, Pendragon comienza
a desarrollar la esencia de su sonido.
El disco está integrado por 7 temas. “Higher
Circles” (3’:29”) es la canción presentación con
la que abre el álbum. Las piezas “The Pleasure
. Of Hope” (3’:43”); “Oh Divineo” (6’:51”); “The
Black Knight” (9’:57”); “Circus” (6’:34”); “Le-
viathan” (6’:13”) y la suite “Alaska” (8’:39”)
. integrada por dos partes, plantan las bases so-
noras que la banda irá desarrollando progresiva-
mente.
El álbum fue reeditado en 1991 con 2 Bonus
. Track: “Fly High, Fall Far” (4’:56”) y “Victims
Of Life” piezas que originalmente integraron el
mini-álbum debut titulado ‘Fly High, Fall Far’.
En 2005 el álbum fue relanzado con 4 Bonus
Track, rediseño de portada y de arte interno.
Entre los bonus se incluyeron los dos temas
extra de la reedición 1991 y dos temas graba-
dos posteriormente: “Armageddon” (6’:15”)
e “Insomnia” (4’:19”) con Clive Nolan tocando
3 teclados y Fudge Smith ejecutando batería.

Personal:
Nick Barret: guitarra y voz.
Rick Carter: teclados.

‘PAST AND PRESENCE’ Peter Gee: bajo y guitarra.

Nigel Harris: batería y percusión.
DvD, 2006 Producido por: Pendragon,
Con motivo de cumplirse el ‘20º Aniversario Robin Prior, Pete Hinton & Will Reid Dick.
del lanzamiento de The Jewel’, Pendragon
reunió antiguos con actuales integrantes de la Grabado en:
agrupación y ofreció un sensacional concierto Soundmill Studios, Marzo / Abril, 1985.
el día 31 de Octubre de 2006 en el Teatro Slaski,
9/8 Edición Portable

Katowice, Polonia; que fue lanzado en formato Arte del Álbum:

DvD bajo el título ‘Past And Presence’. Dave Hancock.

nueve/octavos 4 Página/23
4Apuntes de Rock Progresivo
‘THE WORLD’
Álbum de Estudio, 1991
TOFF Records / Tiempo Total: 58’:59”
‘The World’ es el disco
consagratorio para el sonido
de Pendragon y con el que inicia
una maravillosa trilogía
de álbumes sinfónicos.
En este tercer álbum de estudio, Pendragon
muestra en plenitud su sonido sinfónico.
El disco está integrado por 6 temas. “Back In
The Spotlight” (7’:39”) es la canción apertura
de un álbum que demuestra tendencia hacia
composiciones extensas. La segunda pieza
se convertiría en un clásico de Pendragon,
“The Voyager” (12’:15”) es uno de sus temas
más climáticos y mejor logrados. “Queen Of
Hearts” (21’:46”); es una extensa suite integra-
da por tres movimientos.
Con este disco Pendragon alcanza la madurez,
con su ‘formación clásica’ consolidada y con
una música melódica, hermosa y sentimental.
El álbum fue reeditado en 2009 y 2013 con
el tema “Sister Bluebird” (7’:48”) como Bonus
Track. ‘The World’ fue el primer álbum de Pen-
dragon en presentar en su portada una hermosa
pintura de Simon Williams.
Con este disco, Pendragon inicia la interesante
trilogía de álbumes sinfónicos que completaría
con ‘The Window Of Life’ y ‘The Masquerade
Overture’.
Personal:
Nick Barret: guitarra y voz.
Clive Nolan: teclados.
Peter Gee: bajo.
Fudge Smith: batería y percusión.
Producido por: Pendragon, & Tony Taverner.
Grabado en:
Protocol Studios, Londres, Agosto de 1991.
Arte del Álbum:
Simon Williams.
‘LIVE IN LILLE’ ‘FALLEN DREAMS ANGELS’ ‘UTRECHT..’
Bootleg en Vivo, 1993 EP, 1994 Álbum en Vivo, 1995
Nueva gira y cambios se producirían tras el lanzamiento de su primer álbum.
A pesar de las notables y constantes presentaciones que realizaría la banda,
no llegarían señales para la firma de un contrato importante. En ese aspecto,
fueron tiempos frustrantes para Pendragon. Nigel Harris se alejaría y durante
un breve lapso sería reemplazado por Matt Anderson, un amigo de Rick Car-
ter. Tanto Anderson como Carter serían los siguientes miembros en partir,
obligando estas decisiones a ‘refundar’ Pendragon por parte de Nick Barrett
& Peter Gee. .
Las primeras convocatorias fueron al gran baterísta Fudge Smith de la agrupa-
ción La Host, y al tecladísta de sesión James Colah, que si bien pertenecía al
ámbito de la música disco & soul, se unió a Pendragon sumando sonido de te-
clado Mini Moog. Esta formación quedó registrada en ‘9:15’; un álbum en vivo
grabado los días 24, 25 y 26 de Julio de 1986 en el legendario Marquee de Lon-
dres con motivo de la presentación de ‘The Jewel’. El título del disco en vivo
refleja el horario de comienzo de los shows.
Durante este tiempo, Nick Barrett, Peter Gee y Greg Lines estaban viajando
.
en busca de ese elusivo contrato discográfico. Entonces, Nick llamó a su viejo
amigo Clive Nolan, que estaba residiendo en Egham, Surrey, para consultarle
si podrían hospedarse en su casa mientras recorrían las discográficas. Clive
Nolan & Nick Barrett eran amigos de la infancia, desde que habían cursado la
escuela juntos. Aunque Nick sabía que Clive tocaba teclados, pensó que esta-
ría demasiado ocupado con su banda The Cast y sus proyectos clásicos, por lo
tanto, nunca le habría sugerido que se uniera a Pendragon. En uno de esos via-
jes a Londres, durante una conversación, Nick le consultó a Clive si conocía
algún tecladísta adecuado.. la respuesta de Clive Nolan no se hizo esperar y
dijo en ése preciso instante: ‘Lo Haré Yo..!!’ desde entonces, sigue siendo parte
de la institución y aportando su distintivo sonido de teclados.
3
Pendragon es una de las agrupaciones más respetadas
y cuenta con gran cantidad de seguidores en todo el mundo.
Su obra refinada supo perdurar en el tiempo y continúa
captando la atención con una lograda propuesta melodramática
capaz de transportar al oyente hasta un mundo de imágenes,
ensueño y fantasías. Así es el mundo generado por la música
de Pendragon, con letras profundas y de marcado
contenido humano y espiritual..
David Munns, de la discográfica EMI, consiguió que Pendragon presentara un
demo para grabar su segundo álbum de estudio. Las cosas parecían ciertamen-
te encaminarse. Sin embargo, David Munns abandonó repentinamente EMI y la
demostración no fue bien recibida por su reemplazo proveniente de A+R, Nick
Gatfield. La frustración parecía aflorar nuevamente en la senda de Pendragon,
pero es una sabia decisión por parte de Nick Barrett la que torcería el rumbo:
Continuar con la banda y fundar Toff Records, su propia discográfica, en 1987.
El demo presentado a EMI más dos canciones adicionales compondrían el pri-
mer lanzamiento de Toff Records, el álbum ‘Kowtow’. .
En 1988, ya con su formación clásica consolidada Barrett, Gee, Smith & Nolan,
y bajo su propia etiqueta, Pendragon graba su segundo álbum de estudio titu-
lado ‘Kowtow’. En el álbum encontramos, casi como rareza, la inclusión de un
solo de saxo en el tema “2 AM”, mientras “Total Recall” y “Kowtow” se conver-
tirían en canciones clásicas de la agrupación. .
En 1990 editan un recopilatorio de singles, temas inéditos y registros del tour
de ‘The Jewel’ titulado ‘The Rest Of Pendragon’. .
Hasta ese momento, la banda no tenía una imagen lo suficientemente distinti-
va ni de alto impacto visual y sus integrantes lo supieron descifrar. En una pa-
rada en la autopista, durante un viaje, Nick Barrett descubrió una obra de arte
muy impresionante de un autor galés llamado Simon Williams, quien pasaría
9/8 Edición Portable
a ser en adelante, el ilustrador de las portadas de los siguientes álbumes de
Pendragon.
nueve/octavos
.
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4Apuntes de Rock Progresivo

‘AS GOD AS GOLD’ ‘LIVE IN KRAKOW’ ‘THE ROUND TABLE’

EP, 1995 Álbum en Vivo, 1997 Compilado Fan Club, 1998
En los albores de la década de 1990, llegaría la obra cumbre de Pendragon. En
1991 graban el álbum ‘The World’ con maravillosas composiciones como “The
Voyager” y la suite de 23 minutos de duración titulada “Queen Of Hearts”. .
‘The World’ fue el álbum concebido con el sonido menos comercial hasta en-
tonces y, sin embargo, fue el disco más vendido hasta ese momento. Además,
‘THE WINDOW OF LIFE’
fue recibido con muchos elogios por parte de la crítica especializada que traje-
ron una avalancha de nuevos fans. Incluso, la prensa comenzaba a darse cuen- Álbum de Estudio, 1993
ta de que Pendragon era una banda en constante crecimiento. TOFF Records / Tiempo Total: 54’:09”
‘The World’ fue producido por Tony Taverner (quien había trabajado con el
trío Emerson, Lake & Palmer y con Jeff Beck, entre otros) y compuesto, en
gran parte, en el estudio de Andy Latimer, líder de la agrupación Camel y liga- ‘The Window Of Life’ es el disco
do afectiva y musicalmente a Pendragon. La maravillosa carátula del álbum
pertenece al artista Simon Williams, quien también se encargaría de ilustrar con el que Pendragon confirma
las portadas de otras de sus obras fundamentales: ‘The Window Of Life’ y
‘The Masquerade Overture’. La gira presentación de ‘The World’ arrojaría a su dirección sonora y adquiere
las bateas de las disquerías su primer pirata oficial ‘Live In Lille: The Very,
Very Bootleg’ (1993), grabado en Francia y sin retocar en estudios, este docu-
mento en directo fue lanzado como CD Oficial del fan-club. .
una nueva dimensión.
El día 8 de Noviembre de 1993 Pendragon lanza su cuarto trabajo de estudio, En este cuarto álbum de estudio, Pendragon
el deslumbrante álbum titulado ‘The Window Of Life’ con destacadas compo- confirma su dirección sonora y adquiere una
siciones, como el climático tema “Ghosts”, “The Wall Of Babilon” y el sublime nueva dimensión a partir del trabajo de Karl
“Am I Really Losing You?”. ‘The Window Of Life’ es, indudablemente, otro Groom como ingeniero de sonido.
de los momentos inspirados y recurrentes de la magia sonora de una banda a El disco está integrado por 6 temas. “The Walls
la que supieron definir como ‘el pequeño Pink Floyd’. . Of Babylon” (10’:44”) es la canción apertura
En 1994, Pendragon edita el EP de cuatro temas titulado ‘Fallen Dreams An- de un álbum que aborda un sonido resuelto y
gels’; tres de esos temas pertenecen a las sesiones de ‘The Window Of Life’ y refinado. Piezas como “Ghosts” (7’:58”); “Brea-
el restante nace de las sesiones de ‘The World’. ‘Fallen Dreams Angels’ contie- king The Spell” (9’:18”); “The Last Man On He-
ne “The Third World In The UK” considerado uno de los más interesantes te- arts” (14’:40”); “Nostradamus (Stargazing)”
mas en la historia de Pendragon. De las presentaciones del álbum ‘The Win- (6’:19”) y “Am I Really Losing You” (4’:47”)
dow Of Life’ en el prestigioso Utrecht’s Muziek Centrum, Vreedenburg nacería expresan el sentimiento puro de la música de
su mejor álbum en vivo ‘Utrecht.. The Final Frontier’ (1995). El Catálogo Pony Pendragon, una música absolutamente visual
Canyon ofrece la totalidad de su música en Japón a finales de 1994 y U.S.A. re-
que transporta al oyente hacia pasajes plácidos,
cibe a Pendragon el 12 de Noviembre de 1995 en el Festival de Música Progre-
cargados de imaginación, melancolía y espiri-
siva ‘ProgFest 95’ realizado en Variety Arts Theater, Los Angeles, California. .
tualidad.
El 25 de Marzo de 1996, Pendragon lanza su quinto álbum de estudio titulado
El álbum fue remasterizado y reeditado en 2006
‘The Masquerade Overture’, una obra imponente que inicia rememorando a la
y en 2012 con 4 Bonus Track que son los temas
Ópera ‘Don Giovanni’ de Wolfgang Amadeus Mozart y contiene temas super-
lativos como “Guardian Of My Soul”, “The Shadow” y “Master Of Illusion”. . que integraron el EP de 1994 titulado ‘Fallen
Toff Records todavía era un negocio pequeño y el éxito obtenido por ‘The Mas- Dreams Angels’. La portada del álbum muestra
querade Overture’ desbordó las expectativas. De pronto, Nick Barrett vió su otra hermosa pintura realizada por el artista
pequeña cabaña repleta de 35.000 CD’s listos para ser exportados al mundo. . de concepto Simon Williams.
La banda fue absorbida por un hermoso caos de entrevistas y trabajo de pro-
moción. ‘The Masquerade Overture’ vendió 60.000 copias, una hazaña increí- Personal:
ble. La asociación de Pendragon, Simon Williams y ‘el quinto miembro de la Nick Barret: guitarra y voz.
banda’ Karl Groom, quien diseñó el magnífico sonido clásico de Pendragon, Clive Nolan: teclados.
sirvió para convertir a la banda, en una de las bandas de rock progresivo con Peter Gee: bajo.
mejores ventas sin haber firmado con un sello importante. .
Fudge Smith: batería y percusión.
‘As Good As Gold’ sería su tercer EP y mantiene una relación conceptual entre
sus tres temas, nacidos justamente de las sesiones de ‘The Masquerade Over- Participa:
ture’. En Diciembre de 1996, Pendragon inicia su gira más extensa, tocando en Simon Foster: armónica.
Francia, España, Polonia, Alemania, Italia, Holanda y reino Unido. Uno de sus
conciertos fue registrado en video bajo el título ‘Live.. At Last’ y reeditado en Producido por: Nick Barrett, Karl Groom
formato DvD por el sello Metal Mind en 2002 con el título ‘Live.. At Last And & Gavin Greenaway.
More’ incluyendo material extra y como rareza un video del tema “Red Shoes”.
De esta extensa gira presentación de ‘The Masquerade Overture’ editarían el
Grabado en:
directo ‘Live In Krakow’ (1997), un registro espectacular de sus mejores can-
ciones en escena. En Abril de 1998, Pendragon inicia el ‘South America Tour’ Halfway Houses, Agosto/Octubre 1993.
tocando en Rio y Macae (Brasil); Santiago (Chile) y Buenos Aires (Argentina). El
9/8 Edición Portable

fan-club argentino de Pendragon edita un compilado de grandes éxitos titula- Arte del Álbum:
do ‘The Round Table’; ‘Pendragon Overture 1984-96’ en el resto del mundo. Simon Williams.

nueve/octavos
.
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4Apuntes de Rock Progresivo
‘THE MASQUERADE
OVERTURE’
Álbum de Estudio, 1996
TOFF Records / Tiempo Total: 57’:02”
‘The Masquerade Overture’ significó
la cumbre creativa de Pendragon
y su trabajo más ambicioso.
‘The Masquerade Overture’ es el quinto álbum
de estudio de Pendragon. El disco está integrado
por 7 temas. Comienza rememorando la Ópera
‘Don Giovanni’ de W. A. Mozart y contiene piezas
elaboradas que se convertirían en clásicos de la
agrupación como “Paintbox” (8’:39”); la oscura,
drámatica y tris- te “The Shadow” (9’:55”) y
“Master Of Illusion” (12’:51”).
El álbum fue reeditado en 1999 conteniendo el
tema “The Last Man On The Earth (Live In Kra-
kow)”. En el año 2013 se lanzó una Edición Es-
pecial Doble Vinilo conteniendo 3 Bonus Track:
“Bird Of Paradise” (6’:55”); “Midnight Running”
(7’:44”) y “A Million Miles Away” (3’:22”). Una
‘Edición Limitada’ ofrece dos CD’s conteniendo
en el primero el álbum propiamente dicho, mien-
tras el segundo incluye dos radio edits de “Master
Of Illusion” y “Schizo And The King Of The Castle
(The Shadow, Part Two)”.
Al momento de su lanzamiento, ‘The Masquera-
de Overture’ vendió 60.000 copias, convirtiendo
a Pendragon en la banda neo-progresiva con
mejores ventas sin haber firmado con un sello
importante.
Personal:
Nick Barret: guitarra y voz.
Clive Nolan: teclados.
Peter Gee: bajo y guitarra.
Fudge Smith: batería y percusión.
Voces Adicionales:
Anthony Plowman / Gwen Ross /
Simon Clew / Tina Riley / Tracy Hitchings.
.
Producido por: Nick Barrett & Karl Groom.
.
Grabado en:
Halfway Houses; Julio 1995 / Enero 1996.
. entre sus mejores álbumes, resultando ser un
Arte del Álbum:
Simon Williams.
‘BELIEVE’ ‘PURE’ ‘PASSION’
Álbum de Estudio, 2005 Álbum de Estudio, 2008 Álbum de Estudio, 2011
Sin embargo, una vorágine de eventos iba a llegar, tanto personales para Nick
Barrett como para Pendragon. Barrett lo sintetizó de esta manera: “Fue extra-
ño. Porque mientras estaba escribiendo el tema “The Shadow” para ‘ The Mas-
querade Overture’, había una línea que comenzaba diciendo: ‘Hay alguien per-
siguiéndome toda la vida, siendo lo que no puedo ser, le llamaré inseguridad’.
Recuerdo muy claramente haber escrito esto y había una atmósfera un tanto
extraña en el estudio ese día, poco sabía cuán proféticas se volverían esas le-
tras”.
Habría una brecha de cinco años entre ‘The Masquerade Overture’ y el próxi-
.
mo álbum de estudio de Pendragon. Durante ese tiempo, Nick Barrett pasaría
por un divorcio doloroso y complicado. .
En 2001, Pendragon regresa con un notable nuevo disco titulado ‘Not Of This
World’, una obra de concepto en el que la banda adopta pasajes de inusitada
potencia que marcan una nueva tendencia en su música. Un trabajo catártico,
emocional y personal, que se posiciona entre sus mejores discos. El álbum re-
sume un viaje espiritual en la búsqueda del significado del ser humano y su
existencia; en tanto el tema “A Man Of Nomadic Traits” se ubica entre sus me-
jores canciones. La carátula del disco responde a otro imaginativo trabajo de
Simon Williams. .
En 2005, Pendragon vuelve a escena editando su séptimo álbum de estudio ti-
tulado ‘Believe’. La agrupación muestra un nuevo enfoque musical. También
renueva su estética y sus influencias. ‘Believe’ es el álbum en el que Nick Ba-
rrett ‘repensó’ el sonido de la banda dándole un giro notorio, pero sin abando-
nar sus raíces sinfónicas, e iniciando una trilogía musical que halla cierta con-
tinuidad en los álbumes ‘Pure’ (2008) y ‘Passion’ (2011). ‘Believe’ es el último
de los discos de Pendragon grabados por su ‘formación clásica’. Un álbum de
concepto en el que la idea central gira en torno a ‘creer.. o dudar’, acerca de to-
do, y principalmente de los mensajes emitidos desde los medios de comunica-
ción. Nick Barrett lo definió de manera breve a través de su visión del mundo
contemporáneo: ‘Cuestionen todo, no crean en nada..!’. Durante la gira presen-
tación de ‘Believe’ fue grabado ‘And Now Everybody To The Stage’, un regis-
tro en DvD Doble de su presentación en Polonia durante el Tour de 2006. .
En este concierto puede verse junto a Nick, Pete & Clive, al baterista Joe Cab-
tree, durante su breve paso por la agrupación tras la partida de Fudge Smith,
una partida que fue anunciada con una hermética nota publicada en la página
web oficial de la agrupación. Tras 20 años, la ‘formación clásica’ de Pendragon
se rompía..
En 2001, Pendragon regresó tras una brecha de cinco años
con el disco ‘Not Of This World’,
un trabajo catártico, emocional y personal que se posiciona
3
entre sus mejores álbumes..
‘NOT OF THIS WORLD’
Álbum de Estudio, 2001
TOFF Record / Tiempo Total: 00’:00”
‘Not Of This World’ significó el regreso musical
de Pendragon luego de cinco años de su anterior
trabajo. Una obra conceptual que se posicionó
9/8 Edición Portable
disco rupturista en relación a lo que Pendragon
produciría a posteriori.
nueve/octavos 4 Página/26
4Apuntes de Rock Progresivo
‘CONCERTO MAXIMO’ ‘OUT OF ORDER COMES..’ ‘MEN WHO CLIMB MOUNTAINS’
DvD en Vivo, 2009 BluRay en Vivo, 2012 Álbum de Estudio, 2014
Al momento de ingresar a estudios para la grabación de ‘Pure’, su octavo ál-
bum e iniciar la gira presentación, Pendragon había incorporado al nuevo ba-
terista Scott Higham.
‘Pure’ fue lanzado en 2008. Es un álbum de concepto que propone un giro so-
noro hacia pasajes algo más duros. “Indigo”, una canción de algo más de trece
.
minutos de duración y la suite “Comatose” son ejemplos de ello.
En 2009, Pendragon lanza a través del sello Metal Mind un DvD titulado ‘Con-
certo Máximo’, un espectáculo de tres horas de duración que registra la pre-
sentación del álbum ‘Pure’ en el Teatro Slaski de Polonia, participa en el reco-
nocido Loreley Festival de Alemania, de la ‘Convención’ de Fish celebrada en
el Reino Unido y como acto soporte de la banda americana Dream Theater en
Lisboa en un concierto ante 5.000 personas. Classic Rock Society eligió a ‘Pure’
como ‘Álbum del Año’.
En 2010, Pendragon emprende una gira global con muy buena recepción, to-
.
cando en RoSFest-USA, en el nuevo Festival Hig Voltage de Londres junto a ZZ
TOP y en Sweden Rock Festival junto a Guns And Roses y Aerosmith. Classic
Rock Society premió a Nick Barrett como ‘Mejor Guitarrista’, a Scott Higham
como ‘Mejor Baterista’, a Clive Nolan como ‘Mejor Tecladista’ y a la banda con
el premio ‘Mejor Concierto’. . dragon lanzó en 2020 el que hasta hoy es su
En 2011, Pendragon lanza su noveno álbum de estudio titulado ‘Passion’ reci-
biendo excelentes críticas. El álbum fue presentado en una mega-gira a través
de Europa y Reino Unido. En ‘Passion’, Pendragon explora nuevas sonoridades
pero sin alejarse demasiado de su sonido clásico, de sus melodías característi-
cas ni de sus emotivas letras. El álbum alcanzó el puesto #29 en Reino Unido
y recibió críticas asombrosas. En 2012, producto de la gira de ‘Passion’ lanza-
ron el primer Blu-Ray de la banda titulado ‘Out Of Order Comes Chaos’ en el
que tocan su repertorio clásico y mucho material de los álbumes ‘Pure’ y ‘Pa-
ssion’.
En 2014, Pendragon lanza su décimo álbum de estudio, el aclamado ‘Men Who
Climb Mountains’. Se trata de un álbum conceptual basado en el libro ‘Explora-
dores de lo Infinito’ de Maria Coffey. En este álbum, la batería estuvo a cargo
de Craig Blundell. El arte de portada fue diseñado por Bjorn del estudio Killus-
tation, una dura escena sobre el esfuerzo de superación del ser humano.
En 2020, Pendragon lanza su undécimo álbum de estudio titulado ‘Love Over
Fear’, con su nuevo baterista Jean-Vincent Velazco y las participaciones de
Zoe Devenish tocando violín y Julian Baker tocando saxofón.
Gracias a sus trabajos, esfuerzo, perseverancia y coherencia,
Pendragon se ha convertido en uno de los referentes indiscutidos
nacidos del rock neo-progresivo de los años ‘80..
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LOVE OVER FEAR
Álbum de Estudio, 2020
TOFF Records / Tiempo Total: 65’:02”
El último álbum de estudio de Pendragon,
‘Love Over Fear’ es una muestra fehaciente
de la constante evolución desarrollada
por la banda de Gloucestershire.
Luego de cinco años de su anterior trabajo, el
aclamado ‘Men Who Climb Mountains’, Pen-
último álbum de estudio titulado ‘Love Over
Fear’. Un álbum fuertemente influenciado por
el entorno marino, ya que Nick Barrett se ha
mudado a Cornwall, al suroeste de Inglaterra.
El disco fue grabado en Twin Ice Studios, Su-
rrey y Sharlands Barns, Cornwall.
El álbum incluye mandolina y guitarra de doce
cuerdas. El tema “360 Degrees” incluye un pa-
saje festivo en violín a cargo de Zoe Devenish.
‘Love Over Fear’ presenta a Jean-Vincent
Velazco ocupando el más fluctuante de los pues-
tos en Pendragon, el de baterista, y a Julian Ba-
. ker, quien ha acompañado a la banda en diver-
sas oportunidades, tocando saxofón.
El maravilloso arte del álbum fue realizado por
la artista Liz Saddington.
‘Love Over Fear’ ha tenido una excelente recep-
ción, ya que contiene piezas musicales hermo-
3
sas, intimistas, épicas y extrovertidas. Piezas
que muestran la esencia de la música de Pen-
dragon que, liderado por Nick Barrett y con los
roles funadamentales desarrollados por el nota-
ble tecladista Clive Nolan y el bajista Peter Gee,
supieron establecerse como una de las bandas
imprescindibles para el surgimiento y evolución
del movimiento neo-progresivo y que a cuarenta
años de su fundación continúan ofreciendo dis-
cos que los muestran en constante evolución.
Personal:
Nick Barrett: guitarras y voz principal.
Clive Nolan: teclados y voz.
Peter Gee: bajo, teclado y voz.
Jean-Vincent Velazco: batería y percusión.
Participan:
9/8 Edición Portable
Zoe Devenish: violín y coros.
Julian Baker: saxofón.
450º Aniversario: ‘AQUALUNG’ de JETHRO TULL
50 años de la Obra Maestra
50 Maestra

Aqualung
Aqualung
Jethro Tull
Jethro Tull

EN 1971, LA AGRUPACIÓN JETHRO TULL PRESENTÓ SU ÁLBUM TITULADO

‘AQUALUNG’, UNO DE LOS MÁS SENSIBLES RELATOS ELECTROACÚSTICOS
DEL ROCK PROGRESIVO DE TODOS LOS TIEMPOS.
Presiona PLAY para Escuchar los Sonidos de esta Nota en ‘La Buhardilla del Bohemio’
9/8 Edición Portable

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450º Aniversario: ‘AQUALUNG’ de JETHRO TULL

E
E n el Comienzo, el Hombre creó a Dios a su imagen y semejanza.
Le dio diversidad de nombres para llamarlo ‘Señor de todo
sobre lo que en la Tierra hay’ y el Hombre vio que era bueno
tener un Dios..
Por Fernando Lázaro & Luychy

De esta manera irreverente, Ian Anderson reinterpreta el relato bíblico para intro-
ducirnos en ‘Aqualung’ el álbum más exitoso en la carrera de Jethro Tull. .
‘Aqualung’ es el cuarto trabajo de estudio grabado por la agrupación británica de
rock progresivo Jethro Tull, que fue lanzado el día 19 de Marzo de 1971 a través
del sello Chrysalis Records y se convirtió prontamente en su disco más valorado
hasta ese momento. . JETHRO TULL
Fue grabado entre Diciembre de 1970 y Febrero de 1971 en los Island Studios de
Island Records, Londres; producido por Ian Anderson & Terry Ellis, tiene una du-
ración de 42’:55” y alcanzó el puesto#4 en las listas de Reino Unido y el puesto#7
‘AQUALUNG’
CHRYSALIS RECORDS, 1971
en los Estados Unidos. . Tiempo Total: 42’:55”
El éxito obtenido por su anterior trabajo de estudio titulado ‘Benefit’ (1970) man-
tuvo a Jethro Tull de gira por Reino Unido, Europa Continental y Estados Unidos. 4 #Cat. CORP: 1 JT01004 1 LP
Dicho tour ayudó a Jethro Tull a ganar una buena reputación como banda en vivo CARA A:
de la floreciente escena del rock progresivo. Su memorable presentación en el Fes- 1. Aqualung (6:34)
tival de la Isla de Wight en Agosto de 1970 marcó un hito en la agenda de la agru- 2. Cross-Eyed Mary (4:06)
pación. . 3. Cheap Day Return (1:21)
El siguiente paso debería ser muy ambicioso y, Ian Anderson vislumbró la posibi- 4. Mother Goose (3:51)
lidad de plasmar un documento de contenido social. Anderson pretendía dejar 5. Wond’ring Aloud (1:53)
una huella profunda como cantautor comprometido y con ese enfoque impulsó 6. Up To Me (3:15)
a la agrupación a dar vida al que se convertiría en su disco más aclamado. .
En el preciso momento en que la banda necesitaba recuperar aliento tras la agota- CARA B:
7. My God (7:08)
dora gira, Jethro Tull se dirigió al estudio para grabar su histórico cuarto álbum.
8. Hymn 43 (3:14)
En Diciembre de 1970, ingresaron a los nuevos estudios de Island Records en Ba- 9. Slipstream (1:13)
sing Street, en el área de Notting Hill, Londres. . 10. Locomotive Breath (4:23)
Las instalaciones estaban lejos de ser las ideales para una banda que pretendía 11. Wind Up (6:01)
concretar su trabajo más ambicioso. “Estábamos en esa sala, en el piso de arriba
que no era un lugar cómodo para trabajar en términos de sesiones de grabación” Álbum de Estudio / Long Play
contó Ian Anderson, “..en el pequeño y acogedor estudio del piso de abajo, se en- Sonido Estéreo.
contraba Led Zeppelin grabando el que se convertiría en su cuarto álbum.” Enton-
ces nació la anécdota: Jimmy Page ingresó al estudio en el momento preciso en Grabado en: Island Studios, Londres;
que Martin Barre estaba grabando el famoso solo de guitarra de “Aqualung”. . entre Diciembre de 1970 y Febrero de 1971.
“Jimmy Page nos brindó su apoyo aunque eso resultó ser un tanto intimidante,
ya que todos admirábamos a Led Zeppelin y veíamos en ellos una raza superior Lanzamiento: 19 de Marzo de 1971.
en términos de habilidad musical, estábamos en cierto sentido, tratando de emu-
Producción:
lar o acercarnos a ese tipo de estándar” relató Anderson en su momento. Cuen- Ian Anderson & Terry Ellis.
tan que Jimmy Page, desde la sala de control, saludó con su mano a Martin Barre
mientras este tocaba, tras lo cual Barre dejó de tocar durante apenas un segundo Personal:
y, con su mano derecha respondió el saludo mientras mantenía el sonido con su Ian Anderson: voz, guitarra acústica y flauta.
mano izquierda. El solo de guitarra definitivo fue, precisamente, esta primera to- Martin Barre: guitarra eléctrica.
ma. De hecho, hay una breve interrupción con una respuesta inmediata durante Jeffrey Hammond-Hammond: bajo y coros.
dicho solo. Ian Anderson ha bromeado acerca de este episodio en una entrevista Clive Bunker: batería y percusión.
diciendo: “Si subes lo suficiente el volumen del disco, puedes incluso oír la voz John Evan: piano, órgano y mellotrón.
de Martin saludando”. Más allá de la anécdota, el mencionado solo y el riff de gui-
tarra con que abre la placa son de los más representativos de Jethro Tull y de la Arreglos y Conducción Orquestal:
música rock en general. Martin Barre es un guitarrista excepcional que ha marca- Dave ‘Dee’ Palmer.
do con su impronta el sonido de Jethro Tull durante casi cinco décadas. Debe va-
Arte del Álbum: Burton Silverman.
lorarse que Martin Barre haya anunciado que durante 2021 realizará un tour ce-
lebratorio del 50º Aniversario del álbum ‘Aqualung’ junto a su agrupación Martin
Barre Band que incluye a Clive Bunker & Dee Palmer: Otro motivo verdadero pa-
ra celebrar..!!!

Aqualung, my friend..
Aqualung, friend..
A finales de 1970, el bajista Glenn Cornick se alejó de Jethro Tull e ingresó Jef-
frey Hammond-Hammond, un entrañable amigo de Ian Anderson, para sustitu-
irlo. De esta manera la agrupación quedó integrada por Martin Barre en guitarra
eléctrica; John Evan en piano, órgano y mellotrón; Clive Bunker en batería y per-
cusión; Ian Anderson en voz, guitarra acústica y flauta; y el nombrado Hammond- ‘Aqualung’ fue uno de los dos discos
de Jethro Tull que fueron publicados
Hammond a cargo del bajo. Dave ‘Dee’ Palmer quien venía interactuando con la
en sonido cuadrafónico.
banda para más tarde ingresar como miembro estable de la agrupación, se encar- El primer sencillo del álbum fue
gó de realizar los arreglos y la conducción orquestal. . publicado el día 14 de Agosto de 1971
El abanico estilístico de la música de Jethro Tull abarca desde el blues & folk ru-
9/8 Edición Portable

conteniendo “Hymn 43 / Mother

ral hasta jazz, atravesando psicodelia, hard-rock & arreglos orquestales; en defi- Goose”. El segundo sencillo fue
nitiva: Auténtico Rock Progresivo..!!! “Locomotive Breath / Wind Up”.

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450º Aniversario: ‘AQUALUNG’ de JETHRO TULL

Un Amigo que
El álbum ‘Aqualung’ está estructurado en dos partes: La Cara A del Long Play ori-
ginal fue subtitulada igual que el disco, mientras la Cara B fue denominada ‘My
God’. .
La obra se desarrolla a partir de tres temas centrales: Dios, Religión y Pobreza.
Esta serie de temas controversiales hacen de ‘Aqualung’ un disco nada ortodoxo,
valorado y cuestionado, incluso censurado, pero por sobre todo lo convierten en
una denuncia social. Un disparador temprano de hacia dónde se dirigía el rock
se convirtió en canción
progresivo de los años ‘70. .
Inteligentemente, el grupo ordenó las 11 canciones que integran el disco de una
manera cohesiva, con la primera mitad ofreciendo viñetas que vinculan persona-
jes e historias y una segunda presentando sus críticas a la religión organizada.

‘Aqualung’ es un álbum melodramático y esencial dentro

de la discografía de Jethro Tull que significó la transición
hacia una atapa netamente conceptual. Uno de los más
sensibles trabajos electroacústicos del rock progresivo
de todos los tiempos..
Tal vez deba ampliamente considerarse a ‘Aqualung’ como un álbum más que
conceptual, que presenta un tema central como ‘la distinción entre la religión y
Dios’ siendo definido como ‘uno de los álbumes más cerebrales que jamás haya
llegado a millones de oyentes de rock’. Su temática explora la lucha diaria de los
sectores más desprotegidos de la sociedad. Fue el álbum que definió el estilo de
Jethro Tull con canciones que cambian en su intensidad y pasan desde lo acústi-
co hacia lo eléctrico, convirtiéndose en una de sus características más peculiares.
El éxito obtenido por ‘Aqualung’ marcó un punto de inflexión en la carrera de la
banda.
La idea central del álbum nace de la imaginación de Ian Anderson inspirado por
el trabajo fotográfico de su por entonces esposa Jennie Franks, quien se encon-
traba retratando vagabundos y marginados en las calles de Londres y la rivera
del Río Támesis.
La icónica portada del disco retrata al personaje principal a través de una acuare-
la realizada por Burton Silverman, un pintor realista considerado uno de los más
destacados de su tiempo. Se han vendido más de siete millones de copias de
‘Aqualung’ en las últimas cinco décadas, por lo tanto, su obra de arte rodó por
todo el mundo y se ha convertido en una de las carátulas más reconocidas en la
historia de la música rock, migrando de álbumes de vinilo a cassette y luego a CD.
El diseño incluye tipografía de estilo gótico antiguo que referencia al aspecto reli-
gioso abordado por la obra.
El álbum ‘Aqualung’ abre con la canción homónima. “Aqualung” (6’:34”) es un
sensible análisis de la deriva de la sociedad. La temática de un desheredado trans-
formada en una soberbia canción. Comienza con el magnífico riff de guitarra eje-
cutado por Martin Barre y va creciendo a medida que nos describe al vagabundo.
En la primera estrofa, Ian Anderson nos cuenta que Aqualung se encuentra sen-
tado en un banco en el parque mirando a las niñas con malas intenciones, descu-
briendo el perfil pedófilo del protagonista. El personaje es un mendigo de abri-
gos rotos y sin hogar. Un hombre anciano y rengo, cuyo pulmón herido resopla
con sonido acuático al respirar. Con acordes de guitarra acústica y piano, comien-
za entonces una parte delicada. La canción sigue de un modo más animado hasta
desembocar en el superpotente solo de guitarra eléctrica de Martin Barre. El bri-
llo y la delicadeza musical generados por las manos de John Evan sobre las teclas
le otorgan una belleza singular. La batería de Clive Bunker es precisa como un
reloj. El bajo ejecutado por Jeffrey Hammond-Hammond no le pierde ritmo ni
pulso. Entonces, vuelve el motivo principal de la canción “Aqualung, my friend..”
evoca Ian Anderson y luego reaparece el riff con que abrió la pieza para cerrarla
a modo de epílogo. Con la particularidad de no tener los típicos pasajes de flauta,
la canción “Aqualung” se convirtió en un ‘himno’ dentro de la carrera musical de
Jethro Tull. Su ingeniosa letra teatral resaltada por la risa sarcástica y el memora-
ble ‘ti ri ri ri’ interpretados por Ian Anderson, son momentos sublimes. Podría
decirse que esta canción ofrece un magnífico viaje por sí misma.
A través de historias sencillas la obra aborda problemáticas complejas. A veces lo
hace de forma directa, otras de manera subrepticia, como en el segundo tema de
la placa titulado “Cross-Eyed Mary” (4’:06”) donde la frase ‘..and the jack-knife
barber drops her off at school” aludiría a la práctica del aborto. Mary está bizca
y es una prostituta precoz. Ian Anderson vuelve a explorar la lucha diaria de los
menos afortunados de nuestra sociedad. Lo hace de manera pensante, alejado de
términos vulgares. Le otorga algo de ‘heroísmo’ a la protagonista de la canción y
también se las ingenia para añadir una dosis de humor en clave de solfa. Esta can-
ción comienza con una genial melodía de Ian Anderson a la flauta, a la que se
van uniendo el resto de los instrumentos gradualmente. En ella se menciona nue-
.
Jeffrey Hammond-Hammond nació el 30 de Julio
. de 1946 y fue bajista de Jethro Tull entre 1970 y
1975. Amigo personal de Ian Anderson, Jeffrey
Hammond-Hammond sustituyó al virtuoso Glenn
Cornick cuando este se alejó de la formación. .
Curiosamente, Jeffrey Hammond-Hammond era
principiante en la ejecución del bajo y fue el propio
Ian Anderson quien se ocupó de enseñarle. .
. Además, Anderson le dedicó tres canciones a su
amigo: “A Song For Jeffrey” (3’:23”) del álbum
‘This Was’ (1968); “Jeffrey Goes To Leicester
Square” (2’:12”) del álbum ‘Stand Up’ (1969) y
“For Michael Collins, Jeffrey and Me” (3’:47”)
del álbum ‘Benefit’ (1970). .
Jeffrey adoptó el nombre artístico Hammond-Ha-
mmond como una broma coincidente, ya que tan-
to el apellido de su padre como el de soltera de su
madre era el mismo. .
A Jeffrey Hammond-Hammond se le atribuye la
creación del Claghorm, un instrumento híbrido. To-
mó la boquilla y la campana de un saxofón de ju-
guete y las unió al cuerpo de una flauta. El resulta-
do se puede escuchar en el tema ‘Dharma For
One” (4’:16”) del álbum ‘This Was’. .
Durante la época de los dramáticos trajes escéni-
cos de Jethro Tull, Hammond-Hammond comen-
zó a usar uno a rayas blancas y negras combinado
con el color de su bajo. Esto se convirtió en una de
sus marcas personales y una característica escéni-
.
ca del grupo. .
Jeffrey Hammond-Hammond narró la pieza surre-
alista “The Story Of The Hare Who Lost His Spec-
tacles”(”La Historia de la Liebre que perdió sus ga-
fas”) en el álbum ‘A Passion Play’ (1973) y el cor-
tometraje relacionado. También es autor de la pieza
junto a Ian Anderson & John Evan. .
Jeffrey Hammond-Hammond quemó su traje a ra-
yas en Diciembre de 1975 tras su salida de la ban-
da. Según palabras de su gran amigo Ian Ander-
9/8 Edición Portable

vamente al personaje Aqualung, lo que puede interpretarse como un puente mu- son: “Jeffrey volvió a su primer amor, la pintura, y
sical entre la apertura del disco y la pista que le sigue. dejó el bajo para no volver a tocarlo.”

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450º Aniversario: ‘AQUALUNG’ de JETHRO TULL
“Cheap Day Return” (1’:21”) es una breve y bella canción acústica que resume de
modo casi autobiográfico, un viaje a Blackpool que Ian Anderson realizó con mo-
tivo de visitar a su padre que se encontraba internado en el hospital. El título se
refiere a una tarifa diferenciada de los ferrocarriles británicos que rige en relación
con los tiempos de viaje en este medio de transporte.
“Mother Goose” (3’:51”) otra canción acústica con cierto aire folk que narra situa-
ciones surrealistas que suceden en el parque Hampstead Fair. Menciona persona-
jes delirantes nacidos de la prodigiosa mente de Ian Anderson o tomados de la
literatura universal. La obra alude reiteradamente a geografías típicas del lugar,
como el ‘Piccadilly Circus’ (la mayor intersección de tráfico y calles en el corazón
del West End), que encarnan ese espíritu urbano o de ‘sin techo’ que representa
Aqualung y que Anderson quiso expresar en este trabajo. Además, su mención
no debe ser casual, ya que justamente allí se encuentra la estatua conocida como
‘Eros’ (llamada en ocasiones ‘El Ángel de la Caridad Cristiana’). En esencia, “Mo-
ther Goose” expresa el gran problema de la juventud de entonces: la educación
y la falta de empleo. Tal vez, Ian Anderson quiso enfatizarlo al utilizar la figura
retórica de ‘cien colegialas llorando juntas en la fuente como si fuesen una’.
“Mother Goose” es la composición acústica más larga del disco que sin dudas ya
hace pensar en algunos de sus trabajos posteriores. Transmite un buen ritmo
brindando sensación de alegría y bienestar. En una entrevista previa al lanzamien-
to del álbum, el tecladista John Evan comentaba: “Musicalmente, los arreglos se-
rán más complejos, al igual que las canciones.”
“Wond’ring Aloud” (1’:53”) acerca de esta breve canción acústica y orquestada,
Ian Anderson ha dicho “Es una tontería personal: Una canción de amor. Es difícil
escribir canciones de amor si has escuchado muchas canciones. El amor es algo
tan propio. Creo que está bien interpretada y bien cantada. Es una bonita can-
ción”. Si Anderson lo dice, qué más agregar.
“Up To Me” (3’:14”) Sus versos tratan el tema del egoísmo y con cierta ironía com-
paran el estilo de vida del hombre rico con la vida del mendigo. Musicalmente,
una canción que comienza con una flauta a la que van uniéndose piano, batería y
una guitarra con cortos fraseos en lo que parece ser una breve y caótica conversa-
ción de los instrumentos. Entonces llega Ian Anderson y una guitarra acústica pa-
ra poner orden y empezar a cantar una bella melodía apoyado por la flauta que
enseguida vuelve al motivo del principio, esta vez con más fuerza, si cabe. Hacia
la mitad, llega un trayecto más relajado y tranquilo que desemboca nuevamente
en el motivo que abre la canción. Con ciertos aires de travesura, esta canción cie-
rra de una forma magnífica la Cara A del vinilo.
My God..!!
My God..!!
La Cara B del álbum fue subtitulada My God. Contiene tres canciones “My God”,
“Hymn 43” y “Wind Up” centradas en una mirada particular e irreverente sobre
la religión, mientras “Slipstream” y “Locomotive Breath” tratan sobre la finitud
de la vida, un tema recurrente en las composiciones de Ian Anderson. . Empezaba así: “El Hombre creó a Dios a su ima-
Tras décadas de especulaciones acerca del contenido de las letras escritas para
‘Aqualung’, Ian Anderson realizó una transmisión en vivo con motivo del 50º
Aniversario del álbum en la que explicó qué hay detrás de cada canción. El disco
contiene letras extraordinarias y comprometidas. Pero hay una que se destaca: .
“My God” (7’:08”) en su momento fue tildada de sacrílega y ocasionó la quema de
varias copias de esta magnífica obra. Anderson explica que la canción no se trata
de una crítica hacia Dios, sino a la religión. Pero no necesariamente a la religión
como tal, sino a quienes hacen uso de ella para empoderarse, abusar de otros y
ejercer su control.
nueve/octavos 4 Página/31
EN ESPAÑA FUE CENSURADO
‘AQUALUNG’ EL DISCO
QUE IRRITÓ A LA IGLESIA
Jethro Tull, una de las grandes bandas del rock de
siempre, padeció, como tantos, ridículas y varia-
das prohibiciones de la censura franquista. ‘Mins-
trel In The Gallery’, ‘Thick As A Brick’ y, sobre to-
do ‘Aqualung’ se toparon con ella. En concreto,
‘Aqualung’ fue, primero prohibido y luego mutilado
por supuestas ofensas a la Iglesia. .
Para la cuarta obra del grupo, su líder el escocés
Ian Anderson elaboró una visión crítica, irónica e
inteligente de la Iglesia, continuando la senda de
los discos conceptuales. .
Corría el año 1971 y, como algunos recordarán,
los vinilos tenían dos Caras. La Cara A de este ál-
bum llevaba el subtítulo Aqualung, tema con el
.
que empieza y que cuenta la vida de un vagabun-
do anciano y rijoso, obsesionado con el Ejército
de Salvación.
PROSTITUTAS Y MUTILACIONES
Le sigue la prostituta “Cross-Eyed Mary”, peca-
dora como el personaje de ‘La Isla del Tesoro’,
Long John Silver, del que habla la canción “Mo-
ther Goose”. .
. La Cara B fue más polémica. Están “My God” y
“Locomotive Breath” que dice: “El ganador de
los tiempos te tiene cogido por los huevos”. .
El disco estuvo prohibido cuatro años. Luego se
permitió, pero mutilado, al sustituirse la canción
. por “Glory Road”, lo que convirtió a la Edición
Española en joya para coleccionistas. .
La paradoja es que “Locomotive Breath” llevaba
editada en España tres años en el álbum de los
Tull, “Living In The Past”. Ridículo ¿No..? .
. Pero pasa a la historia por sus inmensas cancio-
nes. Por ejemplo, la que le da título. Un gran riff
rockero la anuncia, cambia de ritmo con aires folk
y con piano leve para subir de golpe, a una noria
donde batería y guitarra acústica aceleran hasta
llegar a un solo desbordante. Luego Anderson
emite un “ti ri ri ri” ya mítico, antes de que el riff
heavy del comienzo ponga el punto final. Magis-
tral. Como todo el álbum.
CURIOSIDADES
Además de cambiar una canción por otra, en las
primeras ediciones de ‘Aqualung’ la censura espa-
ñola suprimió una especie de decálogo que Ian
Anderson había escrito en la carátula del álbum.
gen y semejanza..” En España, debido a la censu-
ra imperante durante la dictadura del franquismo,
las ideas expresadas en estas palabras hicieron
que el disco retrase su salida al mercado que, por
otra parte, quedó mutilado en algunos de sus te-
mas. La letra de esta canción critica la religión ins-
titucionalizada, en particular a la Iglesia de Inglate-
9/8 Edición Portable
rra, a la que califica de ‘bloody’ (’sangrienta’ o
‘maldita’).
450º Aniversario: ‘AQUALUNG’ de JETHRO TULL

Qué dice Aqualung..?

La letra de la canción “Aqualung” es toda una
declaración de principios. Una viñeta descriptiva
de un desheredado. Un relato sensible que
Jethro Tull transmitió en cada escenario que pisó.
Una canción que debía ser, y fue escuchada..

Sentado en un banco del parque

viendo a las niñas con mala intención.
Con los mocos cayendo de su nariz
y sus dedos grasosos embarrando
la ropa andrajosa.
Secándose en el frío Sol,
viendo como se corren las ropas íntimas.
Sintiéndose como un pato muerto,
escupiendo pedazos de su mala suerte.
El Sol golpea fríamente. Un viejo vagando solo.
Pasando el tiempo, de la única manera que
conoce.
Con su pierna que le duele bastante,
se agacha para recoger una colilla de cigarrillo,
mientras elige un baño para orinarse los pies.

Sintiendo que cabalga sólo hacia el Ejército

de Salvación a buscar ropa y una taza de té.
Aqualung, mi amigo, no te sientas incómodo,
ves que soy sólo yo.
Aún puedes recordar que Diciembre es
nublado y frío, cuando el hielo que cuelga
de tu barba grita su agonía.
Y arrebatas tus ruidosos últimos alientos
con sonidos de buceo en lo más profundo
del mar, mientras las flores crecen
con locura en la primavera.

Clive Bunker, Martin Barre, Jeffrey Hammond, Ian Anderson & John Evan, en 1971 fotografiados por Chris Walter

En la canción propiamente dicha, la garganta de Ian Anderson arremete contra la

religión institucionalizada con la furia típica de la generación a la que Ian Ander-
son & Jethro Tull representan para denunciar en sus estrofas ‘..The Bloody Chur-
El Sucesor de ‘Aqualung’
ch of England’ (‘..La Sangrienta Iglesia de Inglaterra’). “My God” es quizás, el nudo
gordiano. Tiene más circunferencias con el ateísmo, pero nada más. No es la pos-
tura de un ateo odioso. Es la canción más larga del disco, con su escalofriante so-
lo de flauta, la tensión generada por la guitarra eléctrica y un curioso coro de vo-
ces que parodian un canto sacro, “My God” es una de las creaciones más atracti-
vas e ingeniosas del álbum. .
“Hymn 43” (3’:14”) es una canción intensa, eléctrica y con poderosos riff de guita-
rra por parte de Martin Barre. Anderson la definió como “un blues para redimir
a Jesús de los hipócritas buscadores de gloria que usan su nombre”. Puede inter-
pretarse como un parafraseo de la oración, o en cierta forma, de un himno de ala-
banza a Dios frecuentemente cantado en las misas protestantes. .
“Hymn 43” junto a “Mother Goose” como Cara B fue publicado como primer sen-
cillo el día 14 de Agosto de 1971. .
“Slipstream” (1’:13”) es un breve corte donde predomina la guitarra acústica y los
arreglos orquestales de Palmer. Parece hablar de la estructura piramidal de la Igle-
sia. Una Iglesia que se apropia de los pobres para postergarlos. Expone la manio- Si bien para su mentor principal, Ian Anderson, no
bra de aquellos que utilizan el dinero para ganar rango dentro de la estructura e-
se trata de un álbum estrictamente conceptual, la
clesiástica en lugar de destinarlo a quienes lo necesitan. Anderson asocia la idea
presencia de temas que se hilvanan y de personajes
de la postergación a la creencia de una vida después de la muerte. También es el
recurrentes, hizo que en muchas ocasiones el álbum
puente musical que conduce a través de su final psicodélico y, por qué no, un tan-
‘Aqualung’ sea considerado como tal.
to onírico, a otra pieza maestra: “Locomotive Breath” (4’:23”) es la verdadera lo-
comotora del disco. Con una bella introducción en piano a modo de jazz al que se Ante tal insistencia, Ian Anderson elaboró como
suma la guitarra, inicia el viaje. Un viaje enérgico y poderoso. Una verdadera me- respuesta el sucesor de ‘Aqualung’ un año después:
táfora. La letra habla de la vida de un hombre que se desmorona y se dirige hacia El imponente disco titulado ‘Thick As A Brick’ (1972)
la muerte como una locomotora sin frenos.. . fue concebido como un verdadero álbum conceptual.
Ian Anderson también le añade otra interpretación a su temática. Le atribuye ser Una placa integrada por una única canción a modo
el tren descontrolado de la vida manejado por el Capitalismo: “Se basaba en este de suite, de algo más de cuarenta y tres minutos de
9/8 Edición Portable

tipo de ideas imparables” dice “Si subes a ese tren loco es probable que ya no pue- duración, que el propio Ian Anderson definió como
das bajar de él.. ¿Hacia dónde va..? Es un interesante interrogante por responder.. ‘la génesis de todos los álbumes de concepto’.

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450º Aniversario: ‘AQUALUNG’ de JETHRO TULL
Uno podría pensar que el crecimiento de la población habría traído prosperidad,
EDICIONES PARA COLECCIONISTAS
felicidad, comida y una distribución de la riqueza razonable, pero ha sucedido to-
do lo contrario..”. La canción también presenta un motivo al que Anderson acude
asiduamente y respecto a ello ha dicho: “Las canciones de trenes han estado con
nosotros desde el comienzo del blues y yo he escrito una buena parte de ellas.. .
Sigo retomando el tema, porque el transporte público es parte de mi vida. No con-
duzco, así que confié en autobuses, trenes y similares a lo largo de mi historia”. .
El proceso de grabación de “Locomotive Breath” también se anticipó a su época
y se grabó de una manera inusual para el momento. .
La pista se ensambló a partir de sobregrabaciones, ya que la mayoría de las partes
de la canción fueron grabadas por separado. La canción fue diseñada para que re-
plique el traqueteo del ritmo de un tren, y al parecer, los músicos no lograban re-
plicarlo al tocar juntos. Es uno de los temas más presentes en los conciertos de
Jethro Tull. “Locomotive Breath” junto a “Wind Up” como Cara B fue el segundo
simple del álbum. .
“Wind Up” (6’:01”) significa el cierre del disco. El truco final. Ian Anderson intro-
duce en la canción una risa irónica y concluye el trabajo con otra de sus frases:
“No soy yo, a quien tienes que engañar los Domingos..”.
La obra maestra de Jethro Tull había sido consumada. A 50 años de su lanzamien-
. ‘LIVE AT THE WILDEY’
to, el álbum ‘Aqualung’ continúa siendo un álbum actual que retrata una proble-
mática actual. Un trabajo vigente. Duro, pero sensible. ‘All Music Guide To Rock’
NUEVO DvD EN VIVO DE LA RECIENTE
se refiere específicamente a ‘Aqualung’ y su examen de la Religión y Dios como
entidades separadas cuando señala que el álbum probablemente hizo que muchos
GIRA REALIZADA POR MARTIN BARRE
adolescente lucharan con esas ideas por primera vez en sus vidas.
Tal vez, una gran definición de ‘Aqualung’ haya salido del propio Ian Anderson
. JUNTO A SU AGRUPACIÓN.
cuando plantea la escena en la que el personaje principal de la historia se planta Este ‘DvD Doble de Edición Limitada’ captura
ante la imagen de Cristo en la Cruz y le dice: “Disculpame, pero yo no soy como
la actuación en vivo de Martin Barre con su
uno de esos que vienen los Domingos a rezar a tu Iglesia” ..a lo que Jesús respon-
aclamado espectáculo ‘50 Years Of Jethro Tull’
de: “Despreocúpate. Yo tampoco soy uno de esos..” .
en The Wildey Theatre, Illinois 2019.
Serio e inteligente, el álbum es una declaración audaz de Jethro Tull. Una banda
El concierto presenta a la agrupación de Martin
formada unos años antes en el noroeste de Inglaterra, en Blackpool, que desafia-
ba cierta hegemonía con su propuesta. En primera instancia, que un grupo pro- Barre con invitados especiales y miembros
gresivo británico se expresara sobre la falta de vivienda y criticara a la religión originales de Jethro Tull como Clive Bunker en
organizada, podría llegar a verse con algo de pesimismo en la intención de cual- la batería y Dee Palmer en los teclados.
quier artista que buscara contactarse con la audiencia estadounidense. Pero Jetho Dos horas del clásico repertorio de Jethro Tull
Tull lo logró. Escogió su camino y, delante de muchos de sus contemporáneos, se que incluye éxitos atemporales y canciones
ubicó en la senda que Led Zeppelin había abierto. Ian Anderson lo rememora de icónicas como “Aqualung”, “Thick As A Brick”,
esta manera: “El aventurero Led Zeppelin irrumpió en Estados Unidos abriendo el “Locomotive Breath” y “Songs From The Wood”.
camino para bandas como Jethro Tull. A ellos no les preocupaba si te gustarían o El lanzamiento consta de 2 Discos que pueden
no, simplemente, salieron y se abrieron camino a través de los Estados Unidos de ser encargados a través de la tienda MB Shop.
la forma en la que Cream lo había hecho uno o dos años antes.” .
Tal vez, su actitud auténtica haya sido la clave. visite: www.martinbarre.com

UNA LOCOMOTORA EN VIVO..!!

El Tour 1971 inició el 7 de Enero en Dinamarca y concluyó el 18 de Noviembre en el
Madison Square Garden, New York. Podría decirse que Jethro Tull no tuvo respiro,
ofreciendo incluso dos conciertos en un mismo día en varias oportunidades.
Dinamarca, Suecia, Noruega, Alemania, Suiza, Austria, Italia y Reino Unido; fueron
los escenarios previos al lanzamiento del álbum. El tramo europeo de la gira.
El 19 de Marzo, día del lanzamiento oficial de ‘Aqualung’, Jethro Tull hacía su pre-
sentación en The Empire Theatre de Edimburgo, Escocia. Al día siguiente, ofrecie-
ron dos shows en Sunderland, Reino Unido como trampolín hacia Estados Unidos.
La gira americana inició el 1º de Abril con dos shows en Minneapolis.
En esta etapa de la gira el set ya incluía los nuevos temas “Aqualung”, “Hymn 43”,
“My God”, “Cross Eyed Mary”, “Wind Up” y “Locomotive Breath”.
Para Mayo, ingresaría Barriemore Barlow en reemplazo de Clive Bunker en el pues-
to de baterista; entonces Jethro Tull quedaría integrado con Ian Anderson, Martin
Barre, John Evan y Jeffrey Hammond-Hammond, formación que perduraría hasta
Diciembre de 1975.
Durante el tramo americano de la gira, Jethro Tull tocó 85 conciertos en Estados
Unidos y 2 en Canadá, los días 24 de Junio en Edmonton y el 25 en Vancouver.
El total del año fueron 130 presentaciones, una verdadera locomotora en vivo..!!
La fuerza arrolladora de Jethro Tull sobre el escenario los convertiría en una de las
9/8 Edición Portable

bandas predilectas de ser vistas.

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450º Aniversario: ‘AQUALUNG’ de JETHRO TULL

B
Burton Silverman
el retratista de ‘Aqualung’
Burton Silverman es uno de los pintores realistas más destacados
de su tiempo. Entre todas las obras de arte que ha creado, elogios
y premios, se encuentra el arte del álbum más conocido y vendido
de Jethro Tull, ‘Aqualung’.

Se han vendido más de siete millones de copias de ‘Aqualung’ Tres semanas después y justo antes de Navidad, Burton Sil-
en las últimas cinco décadas, además de una incalculable can- verman y su esposa subieron al avión que los conduciría a
tidad de mercancía relacionada. La figura demacrada que Bur- Londres para ver a Jethro Tull ensayando en Island Studios.
ton Silverman creó para un indigente envuelto en harapos y Silverman observó a la banda mientras tocaba, tomó algunas
acurrucado en una esquina oscura de la calle se convirtió en fotografías y elaboró algunos bocetos. Cuenta su hijo Robert
una de las más icónicas portadas de discos de rock de todos Silverman, que del viaje sobrevivió un retrato en acuarela de
los tiempos. . Ian Anderson que su padre Burton terminó mucho tiempo
El Estudio de Burton Silverman ubicado en el último piso de después de los hechos y fue reproducido en su libro ‘Rom-
una casa rojiza en Upper West Side es un lío glorioso. Las pin- piendo las Reglas de la Acuarela’. .
turas cubren las paredes desde el suelo hasta el techo. Otras La letra de la canción principal del disco puso en marcha la
han sido apiñadas en contenedores de almacenamiento espe- inspiración de Burton Silverman. Aqualung: Un personaje
cialmente construidos. Luego están los bocetos y demás ma- descripto como un anciano de dedos grasientos manchando
teriales que llenan fila tras fila gabinetes industriales. . su ropa raída y esperando al Ejercito de Salvación. .
Centrarse en una sola de ellas, como la utilizada para la por- Silverman vislumbró la figura de un mal nacido de la calle,
tada del álbum ‘Aqualung’, podría llegar a interpretarse un un hombre en guerra con un mundo injusto. Un ser encorba-
ejercicio un tanto egoísta. . do en un escenario sucio. .
En el invierno de 1970, Terry Ellis, co-fundador del sello dis- El pliegue interior es una juerga derivada de la amplia teatra-
cográfico Chrysalis Records, estaba buscando un artista para lidad en el escenario de Jethro Tull, mientras la contraporta-
crear la portada de un próximo álbum de Jethro Tull. Ellis da no fue entregada hasta su regreso a Nueva York. Es una
estaba entonces al comienzo de su carrera, pero continuaría imagen relativamente simple de Aqualung sentado en la ace-
produciendo, administrando o promoviendo una alineación ra con un amistoso perro blando posando a su lado que fue
de estrellas del rock de los años 70 y 80, incluidos Led Zep- entregada en la Oficina de Ellis en Midtown. .
pelin, David Bowie, Rod Steward y Pat Benatar. . Entonces, Terry Ellis le pagó a Burton Silverman una tarifa
En las Davies Galleries en East 60th Street de Manhatan, vió fija de 1.500 dólares por las tres pinturas que comprendían
algunas obras de Burton Silverman que le gustaron. Luego el arte del álbum. El trato fue consumado nada más que con
de una primera reunión en el entonces Estudio de Silverman un apretón de manos. No se redactó ningún acuerdo contrac-
en calle 113 y una segunda en las Oficinas de Chrysalis, Ellis tual por escrito y tampoco se tomó ninguna determinación
y Silverman llegaron a un acuerdo por tres cuadros. . sobre su futuro uso.
Ellis invitó a Silverman a viajar a Londres para conocer a los
9/8 Edición Portable

Burton Silverman nació en Brooklyn, Nueva York en 1928 y se desarrolló

inte- grantes de Jethro Tull durante un ensayo, familiarizarse como artista dentro del movimiento de Realismo Clásico. Pueden visitar
con ellos y obtener algunas ideas. el sitio: www.burtonsilverman.com

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4Escenarios: Cine Teatro Gran Rex

EL GRAN REX
Austero, Elegante y Preciso
Modulación, regularidad y despojo ornamental son
los rasgos fundamentales del Cine Teatro Gran Rex
Arquitecto Néstor A. Lázaro

Luego de la construcción del Obelisco, el Gran Rex construido en apenas siete meses, durante el año
1937 se levantó sobre la Calle Corrientes ensanchada en el marco de la modernización del Centro de
Buenos Aires. .
Acorde con la modernidad blanca del nuevo centro y en franco contraste con el decorativismo alegórico
de los cinematógrafos vecinos, el arquitecto tucumano Alberto Prebisch ofreció una de sus piezas más
depuradas y este teatro se constituyó en un paradigma de la arquitectura moderna en Argentina. .
El programa era complicado, pues se trataba de un complejo que asociaba una sala de espectáculos que
requería camarines, escenarios y montacargas para el movimiento de decorados, dos playas de estacio- CINE TEATRO GRAN REX
namientos en el subsuelo y un bar dentro de un lote de 46 metros de frente. .
Ya desde joven, Prebisch había estado en contacto con las nuevas tendencias. Entre 1933 y 1934, gra- OBRA: SALA DE ESPECTÁCULOS,
cias a una beca otorgada por la Embajada de Estados Unidos, realizó un viaje a ese país para analizar la BAR Y PLAYA DE ESTACIONAMIENTO
arquitectura de museos y salas de conciertos. Allí se familiarizó con el enfoque norteamericano de las SUBTERRÁNEA.
grandes dimensiones, el pragmatismo y el desprecio estético de la arquitectura moderna estadounidense.
El cine teatro Rex fue un hijo directo de esa experiencia. “Un cine es una sala, una pantalla y un hall” afir- AUTOR: ALBERTO PREBISCH
maba Prebisch varios años después. Y, es en torno a estos tres elementos que organizó la resolución del ADOLFO MORET.
conjunto. Para resolver la irregularidad de la parcela desvió los ejes de la sala y el hall, en una sutil disi-
AÑO DEL PROYECTO: 1937
metría. La fachada valoriza la triple altura del hall mediante una enorme vidriera transparente. A través de
su ventanal la fachada refleja la estructura interna del vestíbulo y el hall: desde la calle puede observarse Avenida Corrientes 857,
el movimiento del público en las escaleras, las galerías y los balcones. Gracias a estas transparencias se Ciudad de Buenos Aires.
produce un doble juego entre el interior y el exterior, que además valoriza el contexto urbano de la Aveni-
da Corrientes. . Superficie del Terreno: 2116 m2.
La sala compuesta de tres niveles, combina grandes bandejas de hormigón armado para las plateas y Comitentes: Cordero, Cavallo y Lautaret
arcos de estructura metálica en el cielorraso, emulando el interior del Radio City Music Hall de Nueva (Empresarios Cinematográficos).
York. En las bandejas del pullman, grandes estructuras de hormigón en voladizo sustentan las butacas
en pendiente. Los espectadores se ubican en 3.500 butacas sobre los tres niveles. Vale destacar el papel
expresivo de las escaleras y barandas, resueltas con un nivel de detalle y perfección en el que la abstrac-
ción moderna manifiesta la voluntad de plantear un austero y antirretórico lenguaje de los elementos de
la arquitectura. .
A nivel de diseño, el cine Gran Rex resuelve la fluidez espacial, la incorporación de nuevos materiales y
tecnología, la supresión total de elementos decorativos en tanto los grandes ejes estructurales organizan
la totalidad de los espacios. .
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El cine, como nuevo lenguaje expresivo del Siglo XX, dio lugar a una de las más notables proposiciones
de una vanguardia clásica y dejó en el Gran Rex una impronta única en el paisaje de Buenos Aires.

nueve/octavos
.
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4Enlace de Radio..
..Historias del Rock en Vivo
DAVID BOWIE
..y su peculiar manera de tocar
“Heroes”en Bridge Benefit
Concert, 1996.
La icónica canción de David Bowie “Heroes” ha
tenido algunas actuaciones increíbles a lo largo
de los años. Una canción que cada vez que se in-
terpreta deja una marca indeleble en la audiencia.
Esta actuación acústica cargada de emociones es
una de las más peculiares. Bowie llegó al escena-
rio con un conjunto sencillo, pero con una fuerte
dosis de conexión, ya que ofrece una interpreta-
ción impecable de la canción que creó con Brian
Eno en 1977. Ejecutando varios de sus éxitos, en
un momento en el que evitaba hacerlo en las giras,
la actuación se encuentra entre las mejores de su
carrera, teniendo lugar en Mountain View, Califor-
nia. . cación formal.
David Bowie llegó al Anfiteatro Shoreline para
actuar en Bridge School Benefit el 19 de Octubre
de 1996. Creado por Neil Young y su esposa Pegi,
el evento anual de caridad, es una recaudación de
fondos para los estudiantes de la escuela que se
especializa en el cuidado de alumnos con discapa-
cidades físicas y comunicativas. Actuando desde
1986, han participado algunas de las estrellas más
brillantes del universo del rock. . por la banda entre Octubre y Noviembre de 2005 en Estados Unidos. Los beneficios de la Edición Eu-
Los artistas para la edición de 1996 del concierto
incluyeron a Neil Young & Crazy Horse, Bonnie
Raitt, Pearl Jam, Billy Idol, Pete Townshend, Pa-
tti Smith y, por supuesto, David Bowie entre otros.
Junto a Reeves Gabrels a la guitarra eléctrica y
Gail Ann Dorsey al bajo, David Bowie con la gui-
tarra acústica en mano, aplica toda su imaginación
para hacer percusión marcando tempos que acom-
pañen esta delicia acústica: Se ata un tapón de bo-
tella a su zapato y el grupo interpreta a los incon-
dicionales de Bowie temas como “Heroes”, “Chi-
na Girl” y “Let’s Dance”. Es un momento mágico,
histórico, auténtico y único del ‘duque blanco’ que
se resume en la impresionante interpretación de su
clásica canción “Heroes”.
Puedes escuchar esta y otras ‘Historias del Rock en
Vivo’ en el Ciclo Radial ‘La Buhardilla del Bohemio’
al cual puedes conectarte a través del siguiente
enlace: www.radioenlace.org o por Ivoxx donde
están colgados todos los programas para que pue-
das disfrutarlos a cualquier hora..
ivoox.com/jimi-hendrix-eric-clapton-steve-winwood-y-
audios-mp3_rf_65001608_1.html
4Club Oyentes de Rock Progresivo & Radio Enlace, Madrid.
nueve/octavos magazine
&La Buhardilla del Bohemio
El Ciclo Radial ‘La Buhardilla del Bohemio’ y ‘nueve/octavos magazine’
invitan a sus oyentes y lectores a disfrutar de una propuesta única.
Un trabajo conjunto entre la radio y la revista que les permitirá leer
y escuchar los contenidos desarrollados.
La Revista ‘nueve/octavos magazine’ & el Programa Radial ‘La Buhardilla del Bohemio’ invitan a
sus oyentes y lectores a participar de una interesante propuesta. Se trata de un Ciclo de Programas
Radiales acompañados por su correspondiente relato desarrollado en la Revista.
El Ciclo Inaugura con Cuatro Programas dedicados durante el mes de Abril al Summer Jam Festival,
.
Watkins Glen, New York 1973 y continúa con Cuatro Programas más durante el mes de Mayo.
Dos de estos Programas fueron dedicados a Celebrar el 50º Aniversario del álbum ‘Aqualung’ de la
.
agrupación británica de rock progresivo Jethro Tull. Un Programa fue dedicado a la ópera rock ‘Qua-
drophenia’ de la agrupación británica The Who, a través de una de sus mejores presentaciones en
vivo y cierra esta ‘Primer Etapa del Ciclo’ el memorable Programa dedicado a Celebrar el Cumpleaños
Número 80 del mítico artista Bob Dylan.
Recordemos que en Julio de 1973, se llevó a cabo el multitudinario Summer Jam Festival, Watkins
.
Glen, New York, donde convivieron tres de las más grandes bandas de todos los tiempos: Grateful
Dead, The Band y The Allman Brothers Band. Las tres posiblemente en su mayor apogeo. Un intere-
sante revival de dicho Festival puede encontrarse en las páginas de ‘nueve/octavos magazine’ y en
el Ciclo de Cuatro Programas Radiales dedicados por ‘La Buhardilla del Bohemio’. .
El Primero de estos Cuatro Programas desarrolla la idiosincrasia del Festival con temas de las tres
bandas y su contexto histórico, mientras los Tres restantes Programas fueron dedicados al Concierto
que ofreció cada una de ellas en particular: Recibe el título “Summer Jam Festival, Watkins Glen
28-07-1973 en La Buhardilla del Bohemio”. .
Recordemos también que en Marzo de 1971, la agrupación Jethro Tull lanzó su cuarto álbum de es-
tudio titulado ‘Aqualung’ ampliamente considerado como un álbum más que conceptual que presenta
como tema central ‘la distinción entre Religión y Dios’ siendo considerado uno de los álbumes más
cerebrales que jamás haya llegado a millones de oyentes de rock. Su temática explora la lucha diaria
de los sectores más desprotejidos de la sociedad, la angustia adolescente y los problemas de la edu-
.
Fue el álbum que definió el estilo de Jethro Tull con canciones que cambian en su intensidad y pasan
desde lo eléctrico hacia lo acústico, convirtiéndose en una de sus características más peculiares. El
éxito obtenido por ‘Aqualung’ marcó un punto de inflexión en la carrera de la banda. .
El Primero de los Dos Programas dedicados a tamaño álbum recibe el título: “Jethro Tull en Vivo en
La Buhardilla del Bohemio: ‘Aqualung’ 50º Aniversario.” .
El Programa recoge una interpretación en directo del clásico álbum ‘Aqualung’ ofrecida el día 19 de
Septiembre de 2005 ante una audiencia de 40 invitados especiales en los XM Studios de Washington
DC. El álbum fue regalado a todos los que tuvieran alguna de las entradas de los conciertos ofrecidos
ropea se destinaron a diversas organizaciones de caridad para mendigos sin hogar. .
El Segundo de los Programas dedicados a esta ‘Edición Especial Jethro Tull’ se centra en el álbum
de estudio, recibe el título: “Jethro Tull en Studio en La Buhardilla del Bohemio: ‘Aqualung’ 50º Ani-
versario.” .
En este Programa descubrirán una exhaustiva reseña del disco y las sesiones en el estudio, desmenu-
zando canción por canción las 11 que lo integran e interpretando la amplitud del alcance histórico del
álbum. Además, su conductor se ocupa de presentarnos 11 temas de las sesiones para el disco que
por un motivo u otro no fueron publicados. Este programa sin precedentes ofrece la posibilidad de es-
cuchar versiones alternativas, nuevas mezclas de canciones, versiones primigenias que luego serían
desarrolladas para conocidas canciones y versiones previamente no publicadas como “Wond’ring
Aloud, Again”; “Wond’ring Again”; “Lick Your Fingers Clean”; “Just Trying To Be”; “Up The Pool”;
“Nursie” y una primeriza e interesante versión de “Wind Up”, entre otras. Un programa ampliamente
recomendado que seguramente agradará a todo aquel oyente de rock progresivo que se precie de tal.
La idea es que puedan leer, escuchar y disfrutar de este trabajo en conjunto entre la Radio & la Revis-
ta que seguro les envolverá. Aconsejamos que no os lo perdais..!! .
‘La Buhardilla del Bohemio’ lleva desarrollados más de 170 programas radiales dedicados a difundir
los ‘Mejores Momentos de la Historia del Rock. Con canciones de las bandas más famosas en las dé-
cadas de los 60’s, 70’s, 80’s y algo más..’ .
El Programa es emitido todos los días Miércoles por FM 107.5 Radio Enlace, Madrid, España a las
11:30 am (7:30 am hora de Argentina). Puede ser escuchado a través de www.radioenlace.org .
o tras el siguiente enlace en Ivoox: .
9/8 Edición Portable
https://www.ivoox.com/podcast-buhardilla-del-bohemio_sq_f1491959_1.html .
donde están colgados todos los programas para que puedan escucharlos a cualquier hora.
nueve/octavos 4 Página/36

“The Who en La Buhardilla del Bohemio - ‘Quadro-
phenia’, Live In London 2014” es el título del Progra-
ma que con una longitud de 2 horas y 43 minutos fue
dedicado a uno de los álbumes míticos en la carrera
de la agrupación The Who: ‘Quadrophenia’. En esta
obra, Pete Townshend nos cuenta la historia de Jim-
my, un joven ‘mod’ que vive en un mundo idealizado
en el que sus compañeros de la escena y las peleas
con los ‘rockers’ en Brighton, lo son todo. Cuando
Jimmy descubre la irrealidad de su existencia sufre
un shock. Un gran trabajo de los Who que retrata con
realismo las vivencias de la juventud de los años ‘60
en Inglaterra. ‘Quadrophenia Live In London 2014’
documenta el concierto del 8 de Julio de 2013 en el
Wembley Arena de Londres, el último espectáculo de
la gira 2013. .
Puedes escuchar el Programa tras el siguiente enlace:
ivoox.com/the-who-la-buhardilla-del-bohemio-audios-
mp3_rf_70061428_1.html . Contribuir al desarrollo cultural y social de nuestro entorno en áreas tales como el fomento de
Cierra esta ‘Primer Etapa del Ciclo’ el memorable Pro-
grama dedicado a Celebrar el Cumpleaños Número 80
del mítico artista Bob Dylan. Con el título “Bob Dylan
en La Buhardilla del Bohemio Cumpleaños 80 Años
24-05-2021’ podrán disfrutar de una hora muy espe-
cial que transita desde sus comienzos en el plano pro-
fesional que nos remontan a su llegada al Greenwich
Village de 1961, testigo principal de su arribo a Nueva
York en pos de su destino. De ahí parte la andadura
iniciática. Robert Allen Zimmerman nació el 24 de
Mayo de 1941 en la ciudad de Duluth, Minnesota, Es-
tados Unidos y adoptó el nombre artístico Bob Dylan.
Multiinstrumentista, cantante, compositor y poeta, se
encuentra activo hasta el presente. Es creador de álbu-
mes memorables como ‘Blonde On Blonde’ y ‘Blood
On The Tracks’. Es mentor de clásicos populares co-
mo “Blowin’in The Wind”, “The Times They Are A-
Changin”, “Like A Rolling Stone”, “Forever Young”
y “Knockin’ On Heaven’s Door” entre otros. Dylan es
autosuficiente, prolífico e influyente. Sale solo al esce-
nario y regresa solo de él. Escribe solo las canciones.
Tiene el talento para convertirlas en himnos universa-
les. Bob Dylan con sus canciones de protesta marcó
a toda una generación y supo llevar la poesía a cada
una de sus composiciones. En 2016 recibió el Premio
Nobel de Literatura.
Puedes escuchar el Programa tras el siguiente enlace:
ivox.com/bob-dylan-la-buhardilla-del-bohemio-audios-
mp3_rf_70332528_1html
4Radio Enlace, Madrid.
Qué es Radio Enlace..?
La Asociación Cultural Taller de Comunicación Radio Enlace nace formalmente el 7 de Marzo
de 1989 impulsada por la entonces existente Plataforma de Colectivos Juveniles de Hortaleza.
El objetivo de la plataforma era coordinar las actividades que hacían los jóvenes del distrito, por
lo que enseguida se propuso la idea de poner en marcha un medio de comunicación propio.
Inicialmente se elaboró la Revista Enlace que de manera mensual estuvo apareciendo durante
un año. Durante ese período se maduró la posibilidad de cambiar la revista por una radio.
Fue el momento clave, unos meses más tarde se legalizaba la Asociación Taller de Comunica-
ción Radio Enlace.
¿Qué Pretendemos..?
Facilitar el acceso de la ciudadanía al medio radiofónico.
Realizar un servicio a la comunidad tanto a través de la participación de las y los ciudadanos
como por la emisión de una programación equilibrada, útil y que refleje la realidad que vivimos.
la participación y el asociacionismo, la prevención y el fomento de las actividades culturales
que tienen lugar en nuestro entorno (teatros, grupos de música, etc.)
¿Cómo lo hacemos..?
Emisión Radiofónica: Radio Enlace emite las 24 horas del día. Recogiendo los datos de un
estudio de audiencia realizado por la empresa Panel Sur, nuestros 48.000 oyentes disponen de
una amplia oferta cultural, musical, informativa, educativa, etc.
Talleres de Radio: Radio Enlace es una emisora comunitaria cuya función esencial es la radio-
difusión mediante el uso social y popular de los medios de comunicación, en particular la radio.
Radio Enlace organiza cursos de iniciación radiofónica de forma mensual con una duración de
30 horas. Estos cursos se destinan a todas aquellas personas que quieran incorporarse a Radio
Enlace o que, simplemente, quieran conocer más de cerca el funcionamiento de una emisora
de radio social.
Los cursos o talleres de radio que realizamos son un espacio de aprendizaje radiofónico y un
primer paso práctico en nuestra emisora, bien en la realización de programas o en la colabora-
ción con cualquiera de nuestras comisiones de trabajo.
Trabajamos con todas las edades y perfiles. Contamos con experiencia en el campo de la Edu-
cación Infantil, Primaria, ESO y todos los Niveles Educativos.
Además trabajamos con asociaciones y entidades. Los contenidos que trabajamos son:
Historia de la Radio / Características del Medio / Radio Comunitaria: Definición de Radio Partici-
pativa / Proyectar un Programa / El Lenguaje Radiofónico / El Guión en Radio / Recursos Infor-
mativos / La Entrevista / Baja Frecuencia / El Locutor / El Universo de las Noticias: Recursos
Informativos / Programación en Radio.
Prácticas: Grabación de Cuñas / Grabación de Programas / Ejercicios de Locución / Manejo de
la Mesa de Mezclas.
.
Metodología: Original, Creativa, Lúdica y Participativa.
Ademas de nuestra Programación y Cursos de Radio, Colaboramos en las siguientes actividades:
Formamos parte de la Unión de Radios Libres y Comunitarias de Madrid (UCRM); de la Red
Estatal de Medios Comunitarios (ReMC) y de la Asociación Mundial de Radios Comunitarias
(AMARC). El Área de la Mujer de Radio Enlace forma parte de la Red Internacional de Mujeres
de AMARC, de la Red Nosotras en el Mundo, y coordina el Grupo de Mujeres de la Red Estatal
de Medios Comunitarios.
Trabajamos con más de quince entidades (Asociaciones, Fundaciones y Centros
Públicos) para propiciar la integración de todos los colectivos y personas.
Formamos parte de la Coordinadora de Entidades Ciudadanas de Hortaleza.
Participamos, desde el año 1994, en la Promoción y Organización de la Liga
de Cross de Hortaleza.
Organización de Conciertos y del Concurso de Músicos de Hortaleza.
Participamos en la Organización de las Fiestas del Distrito de Hortaleza,
así como en distintas Fiestas de Barrios del Noreste de Madrid.
Ponentes en Ciclos de Conferencias sobre la Comunicación Alternativa,
Comunicación y Democracia, Radio y Educación para la Salud.
Participamos en la plataforma Mesa de la Prevención de Hortaleza,
que trabaja con menores en el campo de la prevención del alcohol y
otras drogas.
9/8 Edición Portable
107.5 FM RADIO ENLACE, MADRID www.radioenlace.org
nueve/octavos 4 Página/37
4Música & Libros
DAVID BOWIE
& LOS 100 LIBROS
MÁS INFLUYENTES EN SU CARRERA
EL VOLUMEN DE JOHN O’CONNELL REPASA LA LISTA
QUE EL MÚSICO BRITÁNICO REVELÓ TRES AÑOS ANTES
DE SU MUERTE.
Por John O’Connell
En Julio de 1975, David Bowie llegaba a Nuevo México para rodar ‘The Man
Who Fell To Earth’. Tenía 28 años y había adquirido el papel protagónico del
emisario alienígena Thomas Jerome Newton luego de que Nicolas Roeg, di-
rector de la película, quedara impresionado con su participación en el docu-
mental ‘Cracked Actor’ de la BBC e impactado con su arte etéreo. Bowie lle-
vaba consigo también una gravísima adicción a la cocaína.
En el plató, David Bowie impresionó a todo el equipo con su actitud expediti-
va. De buen humor y compenetrado en repasar el guión con su compañera
de reparto Candy Clark; Bowie se había comprometido a mantenerse alejado
de las drogas durante la filmación. Por tal motivo, cuando su presencia no era
esencial en el rodaje, se retiraba a su rodante y se sumergía en otro de sus
pasatiempos predilectos: leer libros.
Cuenta un reporte de la época publicada en el Sunday Times ‘Como David
Bowie detesta volar, suele viajar por los Estados Unidos en tren, acompañado
por una biblioteca rodante transportada en baúles especiales que al abrirse,
revelan sus libros perfectamente ordenados. Los temas que ha traído a Nue-
vo México constan principalmente sobre temática de ocultismo, que es su pa-
sión actual’. Esta biblioteca rodante almacenaba alrededor de 1500 títulos. .
En Marzo de 2013 inauguró la Exposición ‘David Bowie Is’ en el Victoria &
Albert Museum de Londres con éxito de taquilla y críticas entusiastas. Esta
retrospectiva de su carrera contó con alrededor de 5000 objetos de la colec-
ción personal del artista, estuvo integrada por trajes, retratos, letras manus-
critas de sus canciones, story-boards de videoclips y recorrió gran parte del
mundo antes de despedirse cinco años después en el Brooklyn Museum de
Nueva York.
Coincidiendo con el estreno en Ontario (la primera escala de la Exposición
después de Londres) el Museo publicó la lista de las ‘100 lecturas que David
Bowie consideraba más influyentes’ (no de sus ‘libros favoritos’ como tal) de
las miles que había leído a lo largo de su vida.
Muchos de esos libros ya habían sido parte de la Exposición Original en Lon-
dres, donde algunos estuvieron expuestos suspendidos del techo. Pero fue
tras la Exposición de Ontario que la lista se viralizó.
David Bowie llevaba años haciendo gala de su amor por los libros, no sola-
mente mencionándolo en entrevistas, sino también en toda su obra. La anéc-
dota de la biblioteca rodante demuestra que la lectura se había convertido en
una verdadera obsesión para David Bowie en la época en la que ya había al-
canzado su objetivo de ser mundialmente conocido. Se entregaba a la lectura
con el mismo fervor que se entregó a su carrera. Sin embargo ese hábito de
leer debe haber sido forjado como costumbre en su cuarto del Número 4 de
Plaistow Grove, calle del barrio londinense de Bromley donde estaba ubicada
la pequeña casa en la que pasó los años definitorios de su infancia y adoles-
cencia.
nueve/octavos
Allen Lane no inventó el libro de bolsillo en 1935 cuando creó Penguin Books,
pero utilizó sus dotes publicitarios y empresariales para democratizar la lectu-
ra y ofrecer a la venta las mejores obras literarias del mundo por valor similar
al de un atado de cigarrillos. La generación de posguerra, a la que pertenecía
David Bowie, fue la primera en dar por sentada esa democratización, de mo-
. do que en 1966 cuando la canción “Paperback Writer” de los Beatles llegó
al número uno, el término ya había sido apropiado por las clases trabajadoras.
Bowie no fue un estudiante destacado y salió de la escuela en 1963 habién-
dose graduado en una asignatura: Arte. Teniendo en cuenta la amplitud de in-
tereses que posteriormente cultivara, este hecho no denota pereza o incapa-
cidad para la retención de información, sino impaciencia ante la educación
. académica. Como muchos autodidactas, David Bowie se dio cuenta de ma-
nera temprana que disfrutaba más teniéndose a sí mismo como profesor que
teniendo a otros. Además, le gustaba manifestarse y enseñar a los demás lo
que había aprendido para sí mismo. Dicen, que cuando descubría un libro lo
promocionaba con gran fervor. .
Puede ser que esa haya sido la razón por la cual, en 1998, comenzara a es-
cribir reseñas de libros para la cadena de librerías Barnes & Noble. ‘Observa-
ron que había escrito muchas reseñas de libros en mi página bowie.net y pen-
saron que sería buena idea que también redactara alguna para ellos’, dijo el
músico en Time Out. “Les dí las cinco categorías que me gustaría reseñar, de
arte a ficción, pasando por música. La primera que hice fue la de ‘Glam!’ de
Barney Hoskyns. ¿Qué tal está..? Muy bien, es excelente..!!”. .
El método creativo de David Bowie era muy particular y, hasta que fue copia-
. do por sus imitadores, insólito en un músico pop, porque implicaba abrirse
por completo a cualquier influencia posible. No solo a otra música, sino (y es-
to es lo que lo distinguía de los demás) a cualquier elemento de otro medio
que pudiera contribuir a enfatizar su visión. Su canción, su estilo, sus video-
. clips o las portadas de sus discos remiten inevitablemente a ciertas fuentes,
pero lo hacen de una manera tan personal que cuesta distinguir con facilidad
cuáles son esas fuentes.
.
“A Bowie le gustaba tanto leer,
que los libros participaban naturalmente
de su proceso creativo..”
A Bowie también le gustaba jugar y la lista en cuestión tal vez forme parte de
ese juego que tán bien supo jugar: Crear su propio mito. La lista de David Bo-
wie es ecléctica, sugerente y sorprendente. Libros que trazan un recorrido por
9/8 Edición Portable
sus laberintos artísticos y personales. Libros que forjaron al hombre, al artista
y el mito.
.4
Página/38
4Música & Libros
RICHARD WRIGHT / ‘CHICO NEGRO’ (1945)
‘Black Boy’ es una autobiografía escrita por
Richard Wright. Cuenta su niñez en el Sur de
los Estados Unidos, donde quema la casa de
su abuela. Narra su repentino cambio de con-
ducta. Su interés por los libros. Su etapa ado-
lescente. Su juventud, su mudanza a Chicago
y su afiliación al Parido Comunista.
ANN PETRY / ‘LA CALLE’ (1946)
‘The Street’ narra las peripecias de una mujer
negra en Nueva York a mitad del siglo pasado
y su relación con un acosador que le renta un
departamento.
GEORGE ORWELL / ‘1984’ (1949)
‘1984’ es una novela distópica y futurista que
plantea un mundo en el que las mentes de las
personas y las acciones de la sociedad son
regidas por un sistema de control denominado
‘El Gran Hermano’. Es un libro que, debajo de
su historia, arrastra un mar de críticas.
VLADIMIR NABOKOW / ‘LOLITA’ (1957) DOUGLAS HARDING / ‘VIVIR SIN CABEZA’ (1961)
ANTHONY BURGESS / ‘LA NARANJA MECÁNICA’ (1962) JAMES BALDWIN / ‘LA PRÓXIMA VEZ EL FUEGO’ (1963)
ALBERT CAMUS / ‘EL EXTRANJERO’ (1942) FRAN LEBOWITZ / ‘VIDA METROPOLITANA’ (1978)
YUKIO MISHIMA / ‘EL MARINERO QUE PERDIÓ LA GRACIA DEL MAR’ (1963)
En el apartamento de Berlin, dónde vivía mientras grababa “Heroes”, David
Bowie dormía bajo el retrato que él mismo había pintado de Yukio Mishima,
el bello y polifacético autor, dramaturgo, cantante y terrorista que se suicidó
haciéndose el harakiri en Noviembre de 1970, después de que él y los cuatro
miembros de su milicia privada Tatenokai fracasaran en su intento de llevar a
cabo un golpe de estado para restaurar el poder del Emperador de Japón. .
¿Qué le parecía tan admirable del machismo guerrero de Mishima a Bowie..?
Puede haber sido el hecho de que estuviera tan claro que se trataba de una
actuación.
El historiador de cine Donald Richie, que conoció a Mishima, aseguró que
era un presumido cuyo talento estaba ligado al convencimiento de que, si te
comportas como la persona que quieres ser, acabas convirtiéndote en ella.
De niño, Kimitake Hiraoka (Yukio Mishima era su pseudónimo) fue criado
en un clima de aislamiento total por su abuela, que no lo dejaba jugar con
otros niños ni que le diera la luz del sol. Animado por ella, leyó todo lo que le
llegaba a sus manos y emergió de aquella experiencia como modelo de ele-
gancia serena y precoz. Para exorcizar la vergüenza de que lo rechazara el e-
jercito por motivos de salud, un suceso que narra en su primer novela semi-
autobiográfica titulada ‘Confesiones de Una Máscara’, transformó su debilu-
cho cuerpo en una mole de músculo. Aprendió las costumbre de los samu-
ráis y logró gran destreza con el arte de la espada. A pesar de tener esposa e
hijos, Mishima no ocultaba que era gay (y no bisexual) una paradoja que de-
sarrollaría en su obra ‘El Sol y El Acero’ como modo de aceptar la contradic-
ción y la colisión. ‘El Marinero que Perdió la Gracia del Mar’ es una alego-
ría de la humillación sufrida por Japón luego de la guerra y no suele ser cita-
do entre las obras más valoradas de Mishima.
A todo aquel que se le hayan pasado inadvertidos los temas tratados por Mi-
shima, presentes también en el melodrama sobre la Segunda Guerra Mundial
de Nagisa Oshima titulado ‘Feliz Navidad, Mr Lawrence’, en el que David Bo-
wie interpreta al Comandante británico prisionero Jack Celliers, hallará una
aclaración en el título del tema principal de David Sylvian & Ryuichi Sakamo-
to titulado “Forbidden Colours”, que se llama así por la novela de Yukio Mi-
shima titulada ‘El Color Prohibido’. El propio Bowie volvió a Mishima en su
álbum de 2013 ‘The Nex Day’ tomando prestada de ‘Nieve de Primavera’ la
siniestra imagen de un perro muerto que obstaculiza el paso del agua en una
cascada para la letra de la sombría canción titulada “Heat”.
nueve/octavos
BOWIE’S BOOKSHELF
John O’Connell
Bloomsbury Publishing, 2019
240 páginas
John O’Connell ha trabajado durante
años como Editor Senior en la revista
londinense Time Out, ha sido
columnista musical en The Face.
Trabaja como freelance y colaborador
en The Times, New Statesman,
The National y The Guardian.
Es autor del libro ‘I Told You I Was I’ll:
Adventures In Hypochondria’
(Short Books, 2005).
Tiene 37 años, vive en el Sur de Londres
con su esposa y sus dos hijos.
Entrevistó a David Bowie en Nueva York,
en el año 2002.
ELIPHAS LÉVI / ‘DOGMA Y RITUAL DE LA ALTA MAGIA’ (1856)
SARAH WATERS / ‘FALSA IDENTIDAD’ (2002)
ARTHUR DANTO / ‘MÁS ALLÁ DE LA CAJA BRILLO’ (1992)
JACK KEROUAC / ‘EN EL CAMINO’ (1957)
Gracias a su hermano mayor llamado Terry, David Bowie conoció todo lo que
estaba en boga en ese momento: John Coltrane, Eric Dolphy, Tony Bennet..
‘En El Camino’ de Jack Kerouac. .
Dándole a conocer el ‘clásico beat’ de Kerouac a los doce años para que lo le-
yera, Terry transformó la percepción que David tenía del mundo hasta ese mo-
mento. Cuando terminó de leerlo, David Bowie comenzó a pintar y le pidió per-
miso a su padre para aprender a tocar el saxofón. .
‘En El Camino’ trata temas como la libertad, la espontaneidad, los viajes, la
. creatividad, las drogas, el sexo, las oportunidades ofrecidas por una américa
idealizada y variopinta. El eje central de ‘En El Camino’ es la relación entre Sal
Paradise (alter ego del propio Kerouac) y Dean Moriarty (personaje inspirado
en Neal Cassady). Ambos escritores fueron figuras fundamentales del movi-
miento beat. Seguramente, el David Bowie adolescente no debe haber imagina-
do que diez años después acabaría relacionándose con la ‘realeza beat’ encar-
nada en Allen Ginsberg y William Burroughs, en quienes se inspiran algunos
de los personajes de ‘En El Camino’. .
El tremendo impacto que tuvo la novela en David Bowie tiene, al menos, tres
vertientes: En primer lugar, como explicó a la Revista Q en 1999, le hizo ver
otro horizonte: “Yo también quería recorrer américa en coche. Ya no quería ir a
la Estación de Bromley South, esperar el tren que iba a la Estación de Victoria
y trabajar en una agencia de publicidad”. En segundo lugar, cambió su modo
de entender la concepción artística. La ‘prosa espontánea’ de Jack Kerouac
era el equivalente literario del ímpetu de improvisación del bebop de músicos
como Charlie Parker y Thelonious Monk. Eso le enseñó a Bowie que de una
misma fuente podían brotar distintas vertientes artísticas y, aún así, comple-
. mentarse. También puso en su conocimiento otros métodos creativos como la
técnica del cut-up (utilizar recortes al azar) empleada por William Burroughs
y Brion Gysin, o los mecanismos aleatorios de John Cage. En tercer lugar, ‘En
el Camino’ situaba el proceso creativo dentro del marco de la búsqueda espi-
ritual. El beat y el budismo zen, eran compañeros naturales. Ambos tenían co-
mo objetivo de estudio la pureza del momento trascendente. En el método cre-
ativo de Jack Kerouac desempeñaba un papel central la máxima zen ‘la prime-
ra idea es la mejor’. La revisión y la elaboración matan el sentimiento y matan
el momento espontáneo. La pasión por la inmediatez que sintió Bowie provie-
9/8 Edición Portable
ne directamente de Jack Kerouac y explica por qué, cuando grababa un tema
nunca hacía más de dos tomas vocales, si podía evitarlo.
.
4 Página/39
4Instrumentos: Órgano Hammond

That
That Hammond
That Hammond
Hammond Sound.. Sound..
Sound..
Historia del Órgano Hammond, Parte 1
El viejo y pesado Órgano Hammond, convertido en todo un ícono de la cultura popular norteamericana,
es protagonista de un ‘movimiento retro’ de insospechada amplitud. El denominado ‘Sonido Hammond’
vuelve a gozar del favor del público y es muy común encontrarnos con su electrificante, sensual, bella
y poco intelectual sonoridad de digna herencia religiosa. Aunque haya perdido buena parte de su papel
como instrumento solista y se viera un tanto postergado a labores de acompañamiento y fondo musical,
una nueva generación de organistas conserva dignamente a este rejuvenecido instrumento.

Por Manuel Perera Dominguez c En 1933, Hammond inicia el desarrollo de un órgano elec-
Este admirable artículo es fruto de años de investigación y
coleccionismo discográfico desarrollados por su autor:
Manuel Perera Dominguez . Trata de aspectos tanto musi-
cales como relacionados con el instrumento propiamente
dicho, su desarrollo, tecnología, historia y también habla
de su compañero inseparable.. El Leslie.
LAURENS HAMMOND:
HAMMOND: EL HOMBRE Y LA EMPRESA
LAURENS
LAURENS HAMMOND: EL
EL HOMBRE
HOMBRE YYLA
LAEMPRESA
EMPRESA
Laurens Hammond nació en Evanston, Illinois, en 1895.
Su familia se estableció en Europa en 1898 tras la tempra-
na muerte de su padre. Su talento técnico se manifiesta
pronto, a los 14 años crea una transmisión automática pa-
ra automóviles y poco después un novedoso barómetro.
Regresa a los Estados Unidos para estudiar ingeniería me-
cánica y eléctrica, graduándose en 1916. Entra a trabajar
en la industria del motor de Detroit por un breve tiempo
hasta establecerse con su propio laboratorio. . órganos resistentes, duraderos y que necesitasen escaso
En 1922 desarrolla un sistema de visión tridimensional
para el cine que, simplificado, quedaría en ser las conoci-
das gafas de cristales rojo y verde. En 1926 comercializa
un convertidor de corriente alterna a corriente continua
para radios. Su más fructífero desarrollo en esta época es
su motor síncrono a 60 ciclos (aunque ya en 1895 se ha-
bía inventado en Alemania un motor de esta clase que ha-
cía que un reloj de pared se mantuviera en hora, funcio-
nando en fase con la corriente alterna de la red eléctrica).
En 1928 funda la Hammond Clock Company dedicada a
la fabricación de relojes de pared y sobremesa. En 1932
la empresa amplía su gama de productos con un curioso
artilugio barajador automático de cartas. Puede observar-
trico basándose en su anterior motor síncrono. Los obje-
tivos eran claros: Conseguir un órgano eléctrico económi-
co, pequeño y que imitase fielmente el sonido de los órga-
nos de tubos. Los trámites de concesión de patente se ini-
ciaron en Enero de 1934 y la patente fue concedida en el
mes de Abril del mismo año. .
Estados Unidos atravesaba una fuerte depresión económi-
ca y la promesa de creación de empleo al empezar inme-
diatamente la producción del órgano, aceleró los lentos
trámites de la aptente. El gran inventor Henry Ford se in-
teresó por el novedoso invento de Hammond y encarga
varios aparatos, incluso, antes de iniciarse la producción.
En 1935, se produjo el primer Órgano Hammond, el Mo-
delo A. Como medida de promoción se realizaron demos-
traciones en directo del Órgano Hammond a músicos y
organistas clásicos. George Gershwin adquirió uno de
los primeros aparatos fabricados. También fueron invita-
dos a la exhibición emisoras de radio, iglesias, restauran-
tes, salas de patinaje y otros usuarios. .
Desde el principio, se hizo hincapié en la fabricación de
mantenimiento. En este sentido, el Órgano Hammond es
todo un ejemplo de lo que se conoce como ‘sobreingenie-
ría’ (overengineering). .
La publicidad inicial se basó en la faceta de imitación de
los Órganos de Tubos. De este modo se afirmaba que: .
‘El Órgano Hammond requiere una técnica de Órgano de
Tubos y permite tocar todo el repertorio musical de Órga-
no Clásico’. Lo que resultó ser muy llamativo fue: ‘Permi-
te escuchar tonos nunca oídos antes en un instrumento
musical’. .
En 1937, habría problemas jurídicos: Los fabricantes de
Órganos de Tubo, un sector en crisis debido a la introduc-
ción del cine sonoro que amenazaba de muerte a los Órga-
9/8 Edición Portable

se hasta aquí que, Laurens Hammond no demostraba una nos de Teatro, demandan a Hammond acusándolo de pu-
habilidad musical destacable. blicidad engañosa.

nueve/octavos
.
4 Página/40
4Instrumentos: Órgano Hammond
Los fabricantes de Órganos de Tubo desean que el nuevo
invento no pueda comercializarse bajo la denominación
‘órgano’.
Una audición ante expertos comparando un gran Órgano
de Tubos con un Órgano Hammond establece que no es
fácil diferenciar entre los sonidos producidos por ambos
aparatos. En 1938, el dictado de la Federal Trade Com-
mission es concluyente: Hammond puede llamar a su in-
vento ‘órgano’ pero debe moderar la agresividad de su
publicidad. El negocio de los órganos tiene éxito y salva
de una problemática situación económica a la compañía
que, en 1937, adoptará el nuevo nombre Hammond Ins-
trument.
En la Segunda Guerra Mundial la Marina USA adquiere un
elevado número de Órganos Hammond para su uso en
barcos y capillas de bases navales en todo el mundo. Du-
rante esos años la Compañía participa en el esfuerzo bé-
lico diseñando sistemas de control de vuelo.
En 1953, vuelve a cambiar de nombre, esta vez al definiti-
vo, Hammond Organ. Dos años más tarde Laurens Ham-
mond abandonará la presidencia de la Compañía, si bien
su retiro definitivo no se producirá hasta 1960. Su muer-
te se produjo en 1973, lo que le evitó contemplar como
pocos años más tarde su Compañía entraría a ser parte
de una industria corporativa llamada: The Marmon Gro-
up Of Companies.
En plena vorágine de los sintetizadores, Hammond desa-
parece prácticamente del mercado. En 1985, la Compañía
es vendida a Noel Crabble, el distribuidor australiano de
Hammond, quien tres años más tarde la venderá a la em-
presa japonesa Suzuki.
Importantes inversiones permiten relanzar la marca apo-
yándose de nuevos modelos que incorporan nuevas tec-
nologías, aunque manteniendo en todo momento el po-
pular ‘Sonido Hammond’, como queda claramente defini-
do en el lema publicitario utilizado:
‘El Sonido a menudo imitado, pero nunca duplicado’.
nueve/octavos
LALALAPOLÍTICA COMERCIAL
POLÍTICA COMERCIAL DE HAMMOND
DEHAMMOND
POLÍTICA COMERCIAL DE HAMMOND
.
Laurens Hammond desarrolló su invento como un sustituto
económico de los Órganos Tubo con el objetivo comercial de
vender órganos a las numerosas iglesias en todo el país que
no podían hacer frente a la adquisición de un costoso Órga-
no de Tubos. Sin embargo, tampoco desdeñó la utilización
del órgano como amenizador de programas radiofónicos, ce-
remonias deportivas en campos de beisbol, salas de patinaje
y demás, aunque nunca se mostró muy conforme con el uso
que empezó a darse a su invención en la música popular. .
. Hay que decir que, como imitador de Órganos de Tubos, a
futuro el Órgano Hammond se reveló como un fracaso. .
Tras la Segunda Guerra Mundial, Hammond se introdujo en
el mercado doméstico para lo que diseñó una completa ga-
ma de modelos más pequeños y limitados (Spinets ó Espine-
. tas) con altavoz incorporado (Self Contained). .
La idea era ofrecer modelos para públicos con diferente po-
der adquisitivo y habilidad musical. La orientación hacia el
emergente mercado hogareño se completó con formación bá-
sica gratuita a los compradores, clubes de usuarios, comer-
cialización de partituras con adaptaciones de temas popula-
res, demostraciones en centros comerciales y demás. .
En lo que respecta al mercado profesional, Hammond ignoró
. totalmente el rock, el jazz, el soul y el rhythm & blues a pe-
sar de la popularidad del instrumento en estos estilos musi-
cales. .
La publicidad es especialmente anodina: Se muestra familias
felices, personas de tez blanca y elegantes, dispuestas alrede-
. dor del órgano en sus hogares, en la iglesia o en un auditorio.
Nunca menciona clubes de jazz o grupos de rock. Como pru-
eba este fragmento referido al Clásico Modelo B-3 proceden-
te de un Catálogo Hammond de 1969: ‘Aparte del hogar, es
ampliamente usado en escuelas, restaurantes, emisoras de
. radio y televisión, y en orquestas’. .
Aunque tímidamente, en la segunda mitad de la década de
los ‘60 se impone la realidad comercial y Hammond empie-
za a dirigirse al mercado específico de los teclistas de jazz
y rock, el cual dominaba prácticamente en exclusividad sin
que hubiera hecho nada de su parte.
ELLESLIE
EL LESLIE ORGAN SPEAKER
EL LESLIE ORGAN SPEAKER
ORGAN SPEAKER
Componente fundamental del sonido Hammond y responsa-
ble de buena parte de su belleza tonal y poder emocional es
el denominado ‘Altavoz Rotatorio Leslie’ o Leslie, a secas.
Leslie era un técnico de Los Angeles, California, que en 1937
adquirió uno de los primeros Órganos Hammond esperando
que sonara como un Órgano de Tubos y experimentó una
gran desilusión cuando comprobó la pobreza del sonido en
habitaciones pequeñas y de no muy buena acústica. .
Pensó que esto se debía, en gran parte, a la ausencia de un
cambio constante en la posición de la fuente sonora para
crear movimiento (característica intrínseca de los Órganos
de Tubos) y eliminar así, el efecto de posición rígida y fija. .
La solución satisfactoria ideada consistió en disponer altavo-
ces estáticos, pero cuyo sonido fuera dirigido por elementos
rotatorios. .
Tras varios años de experimentación y desarrollos prelimina-
res, el primer prototipo estuvo finalizado en 1940. Leslie se
lo ofreció a la propia empresa Hammond, la cual desdeñó la
oferta. .
A finales de 1940, Leslie creó su propia Compañía a la que
llamó Electro Music y comenzó a vender su invento bajo el
nombre Vibratone; a los pocos años adoptaría como denomi-
nación su propio apellido: Había nacido el Leslie.. .
El Leslie gozó de una entusiasta aceptación por parte de los
organistas y el éxito fue imparable..
Agradecemos a la revista Purple People Magazine #12 por este artículo.
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En una Segunda Parte del mismo continuaremos desarrollando la historia,
evolución, elementos que lo componen y modelos de Órganos Hammond;
como así también la evolución de su compañero inseparable, el Leslie.
.
4 Página/40
4Selecciones de Catálogo: Opera Rock, ‘Quadrophenia’
THE WHO
QUADROPHENIA
TRACK RECORD, 1973 / Tiempo Total: 81’:33”
4 #Cat. CORP: 1 TW01006 1 2LP
Álbum de Estudio / 2 Long Play Sonido Estéreo.
DISCO 1
LADO A:
1. I Am The Sea (2’:08”)
2. The Real Me (3’:20”)
3. Quadrophenia (6’:13”)
4. Cut My Hair (3’:44”)
5. The Punk And The Godfather (5’:10”)
LADO B:
6. I’m One (2’:37”)
7. The Dirty Jobs (4’:28”)
8. Helpless Dancer (Roger’s Theme) (2’:33”)
9. Is It In My Head? (3’:43”)
10. I’ve Had Enough (6’:14”)
DISCO 2
LADO C:
11. 5.15 (5’:00”)
12. Sea And Sand (5’:01”)
13. Drowned (5’:26”)
14. Bell Boy (Keith’s Theme) (4’:55”)
LADO D:
15. Doctor Jimmy (John’s Theme) (8’:36”)
16. The Rock (6’:37”)
17. Love, Reign O’er Me (Pete’s Theme) (5’:48”)
Personal:
Roger Daltrey: voz principal.
John Entwistle: bajo, cuerno y coros.
Keith Moon: batería, percusión y voz.
Pete Townshend: voz, guitarra, sintetizador,
piano, banjo, efectos sonoros y coros.
Producción Ejecutiva:
Chris Stamp; Pete Kameron; Kit Lambert.
Ingeniero de Sonido y Efectos Especiales:
Ron Nevison.
Diseño de Portada y Fotografía:
Graham Hughes.
Lector de Noticias:
John Curle.
Grabado en: Ramport Studios, Battersea /
Ronnie Lane’s Mobile Sound /
Olympic Studios, Londres.
Lanzamiento: 1 de Noviembre de 1973.
Mods, Rockers
&Brighton 1964
QUADROPHENIA, la Ópera Rock definitiva,
de THE WHO..
De nuestro Catálogo Discográfico hemos seleccionado una de las más interesantes Ópera Rock
para transitar su historia: ‘Quadrophenia’ de The Who (1973). .
El álbum ‘Quadrophenia’ de la agrupación británica The Who es un amplio trabajo que explora
el género de manera ambiciosa, logrando una de las obras más emblemáticas. Se trata de la se-
gunda Opera Rock compuesta por Pete Townshend para el grupo y relata una serie de sucesos
sociales desarrollados en Londres con epicentro en la ciudad balnearia de Brighton que tienen
como protagonista principal a un joven ‘mod’ de personalidad alterada. .
El término Opera Rock fue acuñado por primera vez el día 4 de Julio de 1966 en RPM Magazine
de Toronto, donde se menciona “Bruce Cockburn & Mr [William] Hawkins estan trabajando en
una Opera Rock..”. Al parecer, el proyecto no se completó. Otro indicio temprano puede hallarse
en la ‘Opera Beat’ sobre la cultura hippie de los años 60 titulada ‘Hair’ y subtitulada “The Ame-
rican Tribal Love/Rock Musical” la cual fue estrenada en Octubre de 1967 y de la que han sur-
gido canciones muy conocidas como “Aquarius” y “Let The Sunshine In”. Siguiendo el orden
cronológico, podría hallarse el origen de la primer Ópera Rock propiamente dicha, en la publica-
da en Diciembre de 1968 por la agrupación The Pretty Things titulada ‘S.F. Sorrow’. Este traba-
jo está basado en una historia creada por el cantante Phil May que cuenta la vida de Sebastian
F. Sorrow desde su nacimiento, el amor, la tragedia y la vejez. .
El primer elemento que caracteriza a una Ópera Rock es su carácter unitario. Normalmente, en
un disco convencional de rock, sus canciones no tienen una narrativa o un tema en común. Por
el contrario, una Ópera Rock presenta una historia contada con un hilo narrativo que une sus
múltiples canciones, secciones o partes. La Ópera Rock demuestra énfasis en la creación de un
desarrollo dramático. En tanto sea representada en forma teatral e incluya una acción escénica,
puede decirse que la Ópera Rock presenta su contenido de manera similar al Género Operístico.
Si consideramos que existen dos tipos de álbumes conceptuales: Aquellos que tienen un ciclo
de canciones unidas por un tema en común y aquellos que presentan una trama o historia; po-
dríamos llegar a englobar a la Ópera Rock como un subgrupo dentro de este segundo tipo. .
La primer Ópera Rock que alcanzó popularidad fue la obra ‘Tommy’ (1969) de The Who, la Ópe-
ra Rock por excelencia de la agrupación, que además fue un disco doble vinilo (algo no tan co-
mún por esa época). The Who ya había tenido un indicio temprano de sus intenciones ‘operísti-
cas’ en la composición del tema “A Quick One, While He’s Away” en 1966. .
En Septiembre de 1969, la agrupación The Kinks lanzó su Ópera Rock titulada ‘Arthur (Or The
Decline And Fall Of The British Empire)’. En 1970 se publicó ‘Jesus Christ Superstar’ una
Ópera Rock escrita por Tim Rise y musicalizada por Andrew Lloyd Weber, una adaptación libre
de los Evangelios con un argumento que se centra en los últimos siete días de la vida de Jesús
de Nazaret. Antes de su estreno en Broadway, ‘Jesus Christ Superstar’ fue grabado en forma
de álbum conceptual con Ian Gillan interpretando a Jesús, Murray Head como Judas, Yvonne
Ellman como María Magdalena y Mike D’abo como Herodes; resultando ser una obra muy in-
fluyente. Durante la década de 1970 se desarrollaron diversas e interesantes Óperas Rock, que
seguramente iremos repasando en este espacio dedicado a ellas, pero vale destacar el último
trabajo de la década, que es considerado la Ópera Rock por excelencia de todos los tiempos:
‘The Wall’ de Pink Floyd. En Diciembre de 1979 la agrupación Pink Floyd lanzó su Ópera Rock
titulada ‘The Wall’, que retrata la vida de una estrella de rock llamada Pink y los traumas de su
existencia. Pink decide aíslarse del mundo que lo rodea construyendo un muro metafórico a su
alrededor. Este álbum doble tuvo su versión cinematográfica producida por la Metro-Goldwyn-
Mayer y realizada por el director Alan Parker en 1982 bajo el título ‘Pink Floyd The Wall’. El per-
sonaje principal fue protagonizado por Bob Geldof. La película sigue la estructura del álbum y
contiene icónicas animaciones creadas por el ilustrador Gerald Scarfe. .
La historia que The Who cuenta en ‘Quadrophenia’ es la de Jimmy Cooper, un joven londinen-
se de clase trabajadora que se rebela contra su vida vacía y sin futuro. El relato se sitúa en el
año 1964, en pleno auge del ‘movimiento mod’ al que Jimmy se aferra como su único horizon-
te. El título ‘Quadrophenia’ deriva de la unión del término ‘esquizofrenia’ y la cuádruple perso-
nalidad otorgada al protagonista principal. ‘Quadrophenia’ es una Ópera Rock compleja y fasci-
nante que se desarrolla a través de 17 canciones. El álbum tuvo su versión cinematográfica en
1979 que fue rodada por el director Franc Roddam. El papel de Jimmy Cooper fue protagoniza-
do por el actor Phil Daniels. Leslie Hash protagonizó a Steph, Philip Davis encarnó a Chalky,
Mark Wingett a Dave, Ray Winstone a Kevin y Gordon Matthew Thomas Sumner ‘Sting’ inter-
pretó a ‘El Az de Oro’. .
La película refleja las costumbres de la juventud británica de la década de 1960, centrada en los
9/8 Edición Portable
enfrentamientos entre dos bandos antagónicos: ‘los mods & los rockers’ y el episodio ocurrido
en la ciudad costera de Brighton en 1964.
nueve/octavos
.
4 Página/42
4Opera Rock: THE WHO, ‘Quadrophenia’
THE WHO
QUADROPHENIA

‘QUADROPHENIA’ ES EL SEXTO ÁLBUM DE ESTUDIO DE LA AGRUPACIÓN

BRITÁNICA THE WHO. FUE LANZADO EN OCTUBRE DE 1973. SE TRATA DE
LA SEGUNDA ÓPERA ROCK DEL GRUPO, TRAS LA ACLAMADA ‘TOMMY’
(1969), Y DESCRIBE UN DÍA EN LA VIDA DE UN JOVEN ‘MOD’ BRITÁNICO 4 #Cat. CORP: 1 TW01006 1 2LP
EN EL QUE TODO SALE PARTICULARMENTE MAL.
Presiona PLAY para Escuchar los Sonidos de esta Nota en ‘La Buhardilla del Bohemio’
9/8 Edición Portable

nueve/octavos 4 Página/43
4Ópera Rock: THE WHO, ‘Quadrophenia’
THE WHO: ‘QUADROPHENIA’,
..y la transición de Tommy a Jimmy
Pete Townshend en el Estudio de Ronnie Lane
El álbum ‘Quadrophenia’ se caracteriza por el uso de numerosas pistas de sintetizadores y efectos sonoros.
Para la grabación de ‘Quadrophenia’, The Who había decidido construir su propio
estudio en Battersea. Las obras se vieron demoradas y Ronnie Lane, un amigo de
Pete Townshend, les facilitó su Estudio Movil para las sesiones.
Por Luychy & Fernando Lázaro
The Who es una de las agrupaciones más icónicas e influ-
yentes de rock británico. Fue formada en el año 1962 ba-
jo el nombre The Detours, que pronto cambiarían por el
definitivo The Who. . su mente estaba absorvida por completo en el próximo
La formación integrada por el cantante Roger Daltrey, el
bajista John Entwistle, el baterista Keith Moon y el guita-
rrista y tecladista Pete Townshend se caracterizó por su
estética, su particular modo y ambición compositiva, sus
enérgicas presentaciones en vivo que incluían la destruc-
cion de los instrumentos y sus memorables actuaciones
en Monterrey International Pop Music Festival, Woods-
tock e Isle Of Wight Festival. . los había auditado por malgastar los fondos de la banda,
The Who colocó más de cien millones de discos en venta
en todo el mundo, obteniendo 18 Discos de Oro, 12 Plati-
no y 5 Multi-Platino con sus ventas en Estados Unidos. .
Alcanzó su fama en Reino Unido con una serie de discos
simple impulsados por emisoras pirata de radio. Su reco-
nocimiento lo consiguieron en Enero de 1965 con el lan-
zamiento del sencillo “I Can’t Explain” al que le siguieron
los álbumes ‘My Generation’ (1965); ‘A Quick One’ (1966);
‘The Who Sell Out’ (1967). En 1969 lanzan su primer Ópera
Rock titulada ‘Tommy’; en 1970 lanzan su primer álbum
en vivo titulado ‘Live At Leeds’. En 1971 lanzan el álbum
‘Who’s Next’ y en 1973 su segunda Ópera Rock ‘Quadro-
phenia’. Luego editarían los álbumes ‘The Who By Num-
bers’ (1975); ‘Who Are You’ (1978) y ‘The Kids Are Alright’
(1979). Tempranamente, a la edad de 32 años, el baterista
Keith Moon murió en 1978. Tras su muerte, The Who lan-
zó dos álbumes de estudio ‘Faces Dances’ (1981) y ‘It’s
Hard’ (1982). En 1983 la banda se separó y cerró su primer
etapa. The Who volvió a reagruparse al momento de cum-
plir su 25º Aniversario, participar del Concierto Live Aid
y realizar el ‘Tour Quadrophenia 1996/97’.
nueve/octavos
.
4 Página/44
En 1972, The Who ya era toda una institución. Junto a
The Beatles y The Rolling Stones, encarnaba la trilogía
de rock británico de exportación. En Octubre, Pete Town-
shend anunció su primer álbum en solitario que sería ti-
tulado ‘Who Came First’, un LP poco convencional, pero
proyecto para The Who: ‘Quadrophenia’. .
Abandonando la espiritualidad de ‘Tommy’ y superando
el malogrado proyecto ‘Lifehouse’, Pete Townshend asu-
mió ‘Quadrophenia’ como su Ópera Rock definitiva. .
Cuando The Who se reunió con sus representantes, Kit
Lambert y Chris Stamp para delinear la grabación del ál-
bum ‘Quadrophenia’, estalló el conflicto. Roger Daltrey
en tanto, Pete Townshend intentó minimizar el problema
y pidió concentrarse estrictamente en lo musical. .
En ese momento, Roger Daltrey se encontraba abocado a
concretar su primer álbum solista titulado ‘Daltrey’, que
fue grabado en los Barn Studios y mezclado en Apple Stu-
dios, propiedad de The Beatles. En ese trabajo participa
Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, y lleva la parti-
cularidad de que la voz del tema “One Man Band” fue
grabada en la azotea de los Estudios Apple, justamente,
donde The Beatles ofrecieron su último concierto en Ene-
ro de 1969. .
El talentoso bajista John Entwistle también se encontra-
ba con el ojo puesto sobre su carrera solista con la trilo-
gía ‘Smash Your Head Against The Wall’ (1971), ‘Whistle
Rymes (1972) y el polémico ‘Rigor Mortis Sets In’ (1973).
Para la grabación de ‘Quadrophenia’, The Who había de-
cidido construir su propio estudio en Battersea, los Ram-
port Studios. La construcción inició en el mes de Noviem-
bre de 1972 pero se vio demorada, entonces Ronnie Lane,
9/8 Edición Portable
un amigo de Pete Townshend les facilitó su estudio mo-
vil para las sesiones del álbum.
4Ópera Rock: THE WHO, ‘Quadrophenia’
“Pueden Decirme Cuál es Mi Verdadero Yo..!?”
Can You See The Real Me..!?
Can You See The Real Me, Doctor..!?
Can You See The Real Me, Mother..!?
Can You See, The Real Me..
Can You See, Can You See..
Can You See, The Real Me..
Can You, Can You..?
“Pueden decirme cuál es mi verdadero Yo.!?” Ese grito deses-
perado parece resumir la esencia de Jimmy Cooper y del ál-
bum ‘Quadrophenia’.. Es la pregunta que Jimmy se hace a sí
mismo, pero también es el interrogante de toda una genera-
ción.. La Ópera Rock ‘Quadrophenia’ desarrolla una historia
enmarcada en la realidad con la que la audiencia se identificó
inmediatamente.
‘Quadrophenia’ es el sexto álbum de estudio grabado por la
agrupación The Who. Se trata de la segunda Ópera Rock es-
crita por Pete Townshend para el grupo. Fue grabada entre
Mayo y Junio de 1973 en Olympic Studios, Londres; Ramport
Studios, Battersea; Ronnie Lane’s Mobile Studio y mezclada
en Eel Pie Sound. Ron Nevison fue el ingeniero de sonido y
fue publicada por el sello Track Record.
El álbum se caracteriza por la inclusión de instrumentos de
viento arreglados por John Entwistle y por el uso de pistas
de sintetizador y efectos sonoros grabados por Pete Town-
shend, quien quiso que sea registrado con sonido cuadrafó-
nico, un sistema que aún no estaba perfeccionado.
‘Quadrophenia’ es una obra compleja y fascinante que se de-
sarrolla a través de 17 canciones alojadas en Dos Discos de
Vinilo. El 26 de Octubre de 1973, cuando se publicó en Reino
Unido, solo un número limitado de copias llegaron a las bate-
as de las disquerías antes de que se detuviera la producción
debido a la escasez de materias primas causada por el embar-
go de petróleo de la OPEP. La mayoría de los fans británicos
no pudieron comprar su copia hasta después de la gira que
The Who realizó por Reino Unido.
Pete Townshend sería el responsable de desarrollar la trama
para contar la historia de Jimmy Cooper. La Edición Original
incluyó un fascinante relato escrito por Pete que narra, a mo-
do de sinopsis, un día en la vida de Jimmy en el que todo sa-
le particularmente mal..
‘Dave, el amigo de Keith, decía que las anguilas
vivían de las cloacas. El viejo debía estar lleno de eso
porque se tragaba como cinco porciones por día.
Él con sus anguilas y Keith con sus estimulantes,
cada cual con su propia cloaca..’
(Extracto del relato escrito por Pete Townshend incluido
en el Vinilo Original de ‘Quadrophenia’)
‘Quadrophenia’ fue publicado originalmente como Disco Do-
ble Vinilo Formato Gatefold con un libro interno que incluía
las letras de las canciones, un texto con la sinopsis y fotogra-
fías tomadas por Etham Russell. Esto se debió a que la ban-
da quiso darle al disco entidad de film, ya que no había podi-
do llevar a cabo su proyecto anterior ‘Lifehouse’. .
. MCA Records reeditó el álbum como Doble Disco Compacto
en 1985 e incluyó las letras y la sinopsis, pero no las fotogra-
fías de la Edición Original. Recién en 1996, el álbum volvió a
ser reeditado con la reproducción del diseño artístico origi-
nal pero en formato CD. .
En 2011, Universal Records publicó una Edición de Lujo del
álbum titulada ‘Quadrophenia: The Director’s Cut’ que in-
. cluyó Cuatro Discos Compactos; dos con el material original
del álbum y otros dos con 25 demos del archivo personal de
Pete Townshend, además de un DvD con 8 temas del álbum
con sonido DvD-A. La colección incluyó también un libro de
100 páginas, un ensayo escrito por Pete Townshend, un pós-
. ter y un Simple con las canciones “5:15” y “Drowned”. .
LA HISTORIA DE QUADROPHENIA
Cuando apenas contaba con los primeros bocetos sobre el
proyecto, Pete Townshend se encontró con Jack Lyon, uno
de los primeros fans del grupo, y tuvieron una charla. De la
conversación surgió la idea medular que Pete Townshend
. desarrollaría para el álbum: ‘Quadrophenia’ giraría en torno
a una serie de sucesos sociales ocurridos en Londres con epi-
centro en la ciudad balnearia de Brighton, que tendrían co-
mo protagonista principal a un joven ‘mod’ de personalidad
alterada. .
La historia que The Who cuenta en ‘Quadrophenia’ es la de
Jimmy Cooper, un joven londinense de clase trabajadora
que se rebela contra su vida vacía y sin futuro. El relato se
desarrolla en el año 1964, en pleno auge del ‘movimiento
mod’ al que Jimmy se aferra como su único horizonte. El tí-
tulo ‘Quadrophenia’ deriva de la unión del término ‘esquizo-
frenia’ y la cuádruple personalidad otorgada al protagonista
principal. .
El álbum abre con el tema “I Am The Sea” (”Soy el Mar”), un
experimento sonoro que presenta las cuatro personalidades
de Jimmy Cooper. Estas cuatro personalidades atribuidas al
protagonista de la historia están inspiradas por el carácter
de cada uno de los cuatro integrantes de The Who.
Pete Townshend se propuso que
‘Quadrophenia’ fuese el mejor disco
grabado en un estudio por The Who..
Utilizó cantidad de efectos y mezclas
en las canciones. Buscó, el disco perfecto
para su proyecto más ambicioso..
Quiso que se registre con sonido
cuadrafónico, un sistema que
todavía no estaba
perfeccionado.
Pete Townshend
9/8 Edición Portable
en el estudio
fotografiado por
Chris Morphet.
nueve/octavos
.
4 Página/45
4Ópera Rock: THE WHO, ‘Quadrophenia’
LAS 4 PERSONALIDADES DE UN ‘MOD’
El álbum inicia en un ambiente marino. Transcurridos 57 se-
gundos, puede escucharse el sonido del corno y tras la melo-
LOS SONIDOS
día, quedará expresada la personalidad firme y decidida que
representa al cantante Roger Daltrey. Continúa con un inte-
DE ‘QUADROPHENIA’
rrogante ‘Is It Me..? For A Moment..?’ que representa la per-
sonalidad insegura y curiosa, inspirada en el bajista John
Entwistle. Luego llega el motivo que referencia a la persona-
lidad despreocupada y hedonista del baterista Keith Moon,
una repetición de la frase ‘Bell Boy, Bell Boy’ (traducido sería
el empleado de hotel que se ocupa de cargar el equipaje, lla-
llamado ‘botones’, comunmente). .
Por último se escucha la frase ‘Love Reig’n Over Me’ que re-
presenta una la personalidad excéptica y cruel, basada en el
guitarrista Pete Townshend. .
El propio guitarrista y compositor lo explicó en una entrevis-
ta de 1973: ‘Jimmy es un personaje que tiene cuatro facetas.
Una de ellas es violenta y agresiva. La segunda tiene algo de
ternura y romanticismo. La tercera es alocada y despreocu-
pada; mientras que la cuarta es la más inquieta, la de un jo-
ven que se cuestiona y busca respuestas. Cada una de estas
facetas representa a un miembro del grupo.’ . Para plasmar la cuádruple personalidad de Jimmy,
Esas cuatro facetas también fueron plasmadas en la portada Pete Townshend escribió cuatro canciones que
del álbum por el autor Graham Hughes que se basó en una describen las personalidades de los cuatro miembros
idea aportada por Roger Daltrey. La fotografía de la carátula del grupo. “Bell Boy” (Keith Moon); “Is It Me..?”
del disco muestra a un joven ‘mod’ de espaldas vestido con (John Entwistle); “Helpless Dancer” (Roger Daltrey)
la típica parka y montado en un scooter. El scooter tiene cua- y “Love, Reign O’er Me” (Pete Townshend).
tro espejos retrovisores que representan las cuatro persona- El grupo grabó dos largas piezas instrumentales,
lidades de Jimmy y, a su vez, en cada uno de los espejos se “Quadrophenia” y “The Rock” que fueron diseñadas
ven reflejados los rostros de los cuatro integrantes de The en el estudio de grabación. En la mayoría de las
Who. . canciones cada miembro del grupo grabó sus
El uso de varios espejos en el scooter fue una particularidad instrumentos por separado. Pete Townshend utilizó
adoptada por los jovenes ‘mod’ luego que se instituyera la el Sintetizador ARP-2500 en su propio estudio Eel Pie
ley exigiendo, al menos, un espejo retrovisor en cada moto. y realizó grabaciones ambientales como sonidos de
Los ‘mod’ añadieron cantidades exageradas de espejos a ca- tren, viento y olas en la playa de Cornish, con una
da moto, a modo de burla hacia la autoridad. . grabadora portátil.
El personaje de Jimmy Cooper, reniega de su trabajo, consu- El único tema arreglado por el grupo en el estudio fue
me drogas de manera excesiva, la relación con sus padres es “5:15” que lanzaron como Sencillo el día 5 de Octubre
insostenible, su consulta con un psiquiatra resulta ser otra de 1973.
mala experiencia, su novia se marcha con su mejor amigo y John Entwistle, además de tocar bajo, se involucró
encima, Jimmy tiene un accidente en el que destroza su sco- con instrumentos de viento. Keith Moon aportó su
oter. Piensa en suicidarse.. . voz en el tema “Bell Boy”. Chris Stainton tocó piano
El álbum tuvo su versión cinematográfica en 1979 que fue ro- y las noticias sobre los incidentes ocurridos en
dada por el director Franc Roddam. La escena final de la pe- Brighton fueron leídas por John Curle.
lícula es memorable. Jimmy roba un scooter y conduce has-
ta un acantilado, bordea peligrosamente el precipicio mien-
tras el riff de “Love, Reign O’er Me” interrumpe el estribillo
Durante la producción del álbum,
de “I’ve Had Enough” en una metáfora perfecta en la que se
Pete Townshend hizo muchas grabaciones
debate entre la vida y la muerte. Un instante que resume to-
de campo con una grabadora de carrete a carrete.
da la vida de Jimmy y condensa el espíritu narrativo de ‘Qua-
Algunos de los sonidos locales que llegaron
drophenia’. Jimmy, frente al precipicio acelera el scooter.. .
Nuevamente, como en el comienzo, el sonido del mar marca al disco fueron las olas y las aves de la playa.
el final. El silbato de un tren diesel grabado en las cercanías
de la casa de Pete en Goring-On-Thames.
El final de “The Dirty Jobs” incluye un extracto
musical de “The Thunderer”, una marcha de John
Philip Sousa que Ron Nevison grabó mientras
escuchaba a una banda tocar en Regents Park.

Pete Townshend pretendió darle al disco

carácter fílmico. En lugar de crear un guión
de película que, probablemente nunca se haría,
Pete planeó ‘Quadrophenia’ como un álbum
que sería la banda sonora de una película
nunca hecha, con música, efectos de sonido
y un álbum de fotografías para proporcionar
las imágenes emulando a un film.
9/8 Edición Portable

nueve/octavos
.
4 Página/46
4Ópera Rock: THE WHO, ‘Quadrophenia Live’

THE WHO
QUADROPHENIA ‘QUADROPHENIA, LIVE IN LONDON’
LIVE
‘Quadrophenia’ de The Who, se centra en un joven que lucha con cuatro personalida-
UNIVERSAL MUSIC, 2014 / Tiempo Total: 2:07’:22”

‘Quadrophenia Live In London’ documenta

el concierto ofrecido el día 8 de Julio de 2013
en el Wembley Arena de Londres, el último
espectáculo de la Gira 2013.
des, cada una representada en la actuación por un miembro de la banda. . 40 años después de su lanzamiento original,
La segunda Ópera Rock de Pete Townshend para The Who se presentó por primera The Who volvió a recrear sobre el escenario
vez en 1973. En 2012, para la última gira de la banda, Roger Daltrey la volvió a imagi- su emblemática Ópera Rock.
nar como la historia de la banda y de aquellos que han formado parte durante el último El concierto incluye grabaciones en video con
medio siglo. “Este espectáculo es una mirada fabulosa e íntima a The Who” dice el di- la proyección de John Entwistle en el solo de
señador de producción de la banda, Tom Kenny, quien también ha trabajado con gente bajo del tema “5:15”, originalmente registrado
como George Harrison, David Bowie, Jimmy Page, Robert Plant, Eric Clapton, David en la presentación en vivo del 27 de Noviembre
Byrne y en una amplia variedad de producciones para TV en los Estados Unidos y en de 2000 en The Royal Albert Hall;
y la proyección de Keith Moon aportando su
todo el mundo. .
voz en el tema “Bell Boy”, originalmente
Las imágenes fueron creadas por Daltrey; el productor y director de contenido Colin registrado en la presentación en vivo del 18 de
Payne, de The Media Machine, un equipo que incluye a Dan Hardiker y Neil Hethe- Mayo de 1974 en Charlton; ambos músicos
rington, de Zeroh, además de Chris Rule y Des Murphy. “En general, Roger sacó dos fallecidos.
conclusiones; En primer lugar, la necesidad de alejarse del narrador y los invitados en Este concierto fue lanzado en un Box Set
el escenario (que suelen aparecer en las producciones de ‘Quadrophenia’). En segun- Edición de Lujo conteniendo el concierto en
do lugar, el deseo de centrarse no solamente en las personalidades de los miembros Blu-Ray; en DvD; en Audio Doble CD;
originales de la banda, sino añadir un nuevo giro, la dimensión de tiempo: “The Who Una mezcla 5.1 Surround Sound del álbum
ahora en el escenario, y The Who antes en las pantallas”, explica Payne. . original ‘Quadrophenia’ de 1973.
Un libro de 32 páginas con fotografías y notas
La mezcla del pasado y el presente se expresa de forma dual a través de material de
y miniaturas referidas al ‘movimiento mod’.
archivo de la banda y de material histórico. “Hicimos referencia a todas las imágenes El lanzamiento debutó en el puesto #1
de pos-guerra reunidas por el diseñador gráfico y productor de videos Aubrey Powell en la lista de ventas de videos musicales
para los programas anteriores, pero lo más importante es que nos dio acceso a todo de Billboard.
el archivo de The Who” dice. Lo que significa que la historia de The Who y ‘Quadro-
phenia’ está notablemente impactada en este sensacional e imperdible concierto. Personal:
Roger Daltrey; voz principal, armónica
y guitarra acústica.
Pete Townshend; guitarra y voz.

Músicos Adicionales:
Simon Townshend; guitarra y voz.
Frank Simes; teclados, voz y dirección musical.
Pino Palladino; bajo.
Scott Deyours; batería y percusión.
John Corey; piano, teclados y voz.
Loren Gold; teclados y voz.
Dilan Harts; corno.
Reggie Grisham; corno.
9/8 Edición Portable

Lanzamiento: 9 de Junio de 2014

nueve/octavos
.
4 Página/47
4Invasión Británica, Parte 1

The Beatles arribando a Estados Unidos

MÁS ALLÁ DE LA MÚSICA OTROS ASPECTOS DE SUS ARTES

SE HICIERON POPULARES EN ESTADOS UNIDOS
DURANTE LOS AÑOS ‘60
ESTO CONDUJO A LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN
A PROCLAMAR AL REINO UNIDO COMO EL CENTRO DE LA MODA
LA INVASIÓN CULTURAL BRITÁNICA DABA OTRO DE SUS PASOS
Por Luychy & Fernando Lázaro

Más allá de la música, otros aspectos de las artes de donde presentaría una falda muy corta que las piernas con la consecuente polémica de las
británicas se hicieron populares en Estados Unidos pronto se daría a conocer con el nombre de posturas más conservadoras. La diseñadora ma-
durante los años ‘60. Esto condujo a los medios de minifalda y causaría un gran furor. Las jóvenes nifestaría que la había creado como oposición a
comunicación estadounidenses a proclamar al Rei- británicas empezarían a utilizarla, ya fuera por los aburridos vestidos de las mujeres maduras.
no Unido como el centro de la moda. . moda, ya fuera como provocación, enseñando El nuevo patrón de belleza lo exhibirían las prime-
La imagen distinguió a The Beatles de sus anterio- ras supermodelos Twiggy y Jean Shrimpton. .
res homólogos del Rock & Roll de Estados Unidos, Twiggy la haría conocer masivamente y se con-
su particular estilo distintivo y uniforme desafiaron vertiría en la nueva musa de las jóvenes con su
el ‘modo de vestir de los hombres estadounidenses extrema delgadez, su corte de pelo a lo garçon
convencionales’, tanto, como su música desafió a y llevando el cigarrillo encendido durante los des-
las convenciones previas del género Rock & Roll. files. .
Este fue uno de los factores que hicieron que Gran La minifalda sería el gran reto de la juventud con-
Bretaña se convirtiera en el país europeo más influ- tra la sociedad adulta. Era mucho más que una
yente entre los jovenes. . provocación, era un símbolo de identificación que
Dos ciudades, sobre todo, contribuirían a hacerlo la sociedad adulta no podía asumir ni tan sólo tra-
posible: Liverpool, por el influjo de la música, y tar de adaptar. Aunque quisieran, en aquellos mo-
Londres por el nacimiento de las estéticas juveniles mentos, muchas mujeres adultas no la podían lle-
más rupturistas. . var, excepto en un gesto claro de mal gusto. .
En el barrio londinense de Chelsea se conocería la Mary Quant, con su creación, no sería la única en
ruptura generacional más vistosa de los años ‘60. provocar una ruptura con la sociedad adulta a par-
En 1964, la gran revolución estaba gestándose de tir de una nueva moda juvenil. También lo provo-
manera inesperada en ese barrio que en el pasado caría el acceso al mercado de jóvenes de origen
había sido refugio de artistas y poetas. El motivo de proletario, animados por las revueltas de dos tri-
ese inesperado quiebre fue que el día 10 de Julio, bus urbanas llamadas ‘mods’ y ‘rockers’, que de-
9/8 Edición Portable

Mary Quant, una insignificante costurera de Chel- cretarían una revolución en la moda con repercu-
sea, inauguraba un comercio en King’s Road, des- siones inpensadas.
The Who

nueve/octavos
.
4 Página/48
4Invasión Británica, Parte 1

Tendencias en la moda británica de la década de 1960 Mary Quant diseñando en su estudio de Chelsea.

Se dice que tanto los ‘mods’ como los ‘rockers’ Este posicionamiento de las bandas juveniles se
La supermodelo Twiggy
surgieron de los ‘teddy boys’, una subcultura que inscribiría en la opulencia económica que había co-
floreció en Inglaterra en la década de 1950. . nocido Gran Bretaña en el período de post-guerra,
Los ‘teddy boys’ recibieron su fuerte influencia del y que se había traducido en el crecimiento de la
rock & roll estadounidense. Vestían al etilo ‘eduar- Los nuevos rebeldes se inclinarían por el eclecti- capacidad adquisitiva de los jóvenes, la consoli-
diano’ y lucían peinados de estilo tupé, en ocasio- cismo y la vistosidad. Esta mezcla podía dar re- dación del estado de bienestar, el surgimiento de
nes con ‘cola de pato’. . sultados contradictorios, especialmente, cuando la sociedad de consumo, el apogeo de la música
Originalmente, el término ‘mod’ describía a los se- estos nuevos rebeldes pretendían usurpar los mo- rock (de los Beatles a los Rolling Stones) y del
guidores del ‘modern jazz’, como contraposición delos de las clases elegantes combinando el tra- swinging london. .
a ‘trad’, empleado para calificar a los seguidores je tradicional con estridentes pañuelos o corbatas Otro de los factores relevantes sería el fin del Im-
del ‘jazz tradicional’. . chillonas. Era más que una revolución de la moda, perio Británico con el consiguiente arribo a la me-
Finalmente, la definición se extendió más allá del era un grito de protesta que se alzaba desde las trópoli de grandes contingentes de inmigrantes
ámbito de la música para incluir otros elementos clases inferiores, animadas sin duda, al ver a mu- provenientes de las antiguas colonias que traerían
de la moda y el estilo de vida, como la indumenta- chos de sus hijos que se posicionaban en la cate- consigo sus pautas estéticas y culturales; agru-
ria europea, el gusto por las motocicletas tipo sco- goría del reconocimiento público. . pándose en barrios pluriétnicos. Estos factores
oters, el pop-art, el cine de la nouvelle-vague fran- La película ‘Quadrophenia’ de Franc Roddam rea- harían que un barrio como el de Chelsea viajara
cesa y la filosofía existencialista. . lizada en 1979, evocaría unos años más tarde, al- a mayor velocidad que el resto. .
La novela de 1959 titulada ‘Absolute Beginners’, gunos elementos centrales del movimiento ‘mod’. Los cimientos de Chelsea serían sacudidos por
escrita por Colin McInnes es citada frecuentemen- fiebres extrañas. Los ‘hippies’ exportarían allende
te como un espejo de la cultura juvenil londinense el Atlántico yerbas y ácidos de variada luz para
durante finales de los años 50, que anticipa la es- que los jóvenes europeos vieran la realidad con
cena ‘mod’ de la década siguiente. . muchos más colores. .
Los ‘mod’ frecuentaban Twisted Wheel Club, don- La década y Chelsea se entrecruzarían para reu-
de podían escuchar su música, lucir su indumen- nir en un solo instante todas las innovaciones. .
taria y mostrar sus nuevos pasos de baile, ante o- Pocas veces sería la estética tan mistificada e in-
tros ‘mod’. Durante el día eran empleados en pues- cluso la nostalgia tomaría aspectos provocadores,
tos de trabajo y para mantener el ritmo de vida fre- ya que también hubo una buena predisposición
nético, generalmente, recurrían al consumo de an- para recuperar algo de la vieja Europa. Chelsea
fetaminas. Esto fue muy bien descrito en el relato también fomentaría una pasión por el pasado exhi-
‘Underground de Mediodía’ incluido en el libro de bida en todas sus tiendas y mercados regidos por
Tom Wolfe publicado en 1968. esa nueva juventud.
El film ‘Quadrophenia’ de Franc Roddam ambientado en 1964
plasma el estilo de vida ‘mod’.

INVASIÓN BRITÁNICA EN ‘CUARTO TRASTERO’

CUARTO TRASTERO, Todos los Lunes a las 14 Hs
Radio Enlace, Madrid, 107.5 FM
El Programa Radial aborda desde la música, más de 10 capítulos
dedicados a la Invasión Cultural Británica en los Estados Unidos
de los años ‘60.
Cuarto Trastero nació con la finalidad revivir su música y plasmarlo en un
de contar historias de momentos deter- Programa de Radio.
minados, sobre todo ocurridos durante En el Cuarto Trastero se alojan mú-
las décadas de los 50’s y los 60’s, que sicas de raíces americanas, inglesas,
son la base fundamental del Programa. francesas, italianas y españolas. Ca-
Dos décadas increíbles que sirvieron de da proyecto puede llegar a alcanzar
plataforma para la música posterior, a varios Programas, según la informa-
partir de los años 70’s. . ción y música de que se trate.
Al proyectar cada Programa de Cuarto Su realizador, Luychy, es un apasio-
Trastero, su productor ejecutivo se su- nado de la música que sabe plasmar
merge en las dos décadas, tanto histó- con rigor histórico cada entrega de
9/8 Edición Portable

www.radioenlace.org / Puedes escucharlo en Ivox: rica como musicalmente, para dar con un Ciclo que lleva emitidos 174 Pro-
ivoox.com/podcast-cuarto-trastero_sq_f1562929_1.html sus raíces, encontrarse con los hechos, gramas en la antena de Radio Enlace.

nueve/octavos
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4 Página/49
4Discos: Censurados..
¿Quiénes Se Creen Que Son..?
Discos
CENSURADOS
Desde sus inicios la música rock, como expresión moderna,
ha provocado controversias. Autores, canciones y portadas
supieron escandalizar y sacudir lo establecido. La censura,
anduvo tras sus surcos.
Como expresión moderna, el rock siente la necesidad de sacudir lo establecido. A menudo la provo-
cación es la vía más directa. Artistas, canciones y portadas le han generado más de una jaqueca al
establishment. Hoy en día, existe un variopinto mercado de artistas que, se sabe de antemano, van
a provocar en un sentido u otro. Cada uno en su terreno (político, religioso, sexual) procurará llegar
más lejos que el anterior. Pero cuando nació el mercado de los discos, las portadas no eran asunto
de los autores del disco y, por consiguiente, rara vez reflejaban los gustos o intereses de este. A ex-

‘Señora Censura’ cepción del mercado del jazz (distinguido desde sus orígenes por el esmero hacia sus portadas) el
resto de las producciones, generalmente, se sometía a desfasados equipos de diseño al servicio de
reaccionarios sellos discográficos. Estos, a su vez, trataban con cierta indiferencia al diseño gracias
El disco ‘Who Do We Think We Are?’ a un público desmotivado y mal acostumbrado, al que todavía le parecía normal comprar discos en
de Deep Puple desnuda la Censura fundas de papel marrón. .
Habrían de pasar años, para que rodando el rock y puesto en marcha el mercado que hasta finales
de la época.. de los setenta funcionó (Singles, EP’s, LP’s..) naciera una conciencia concreta para con el diseño de
En 1973, el Mk2 de Deep Purple estaba integrado portadas. Y esto llegó en los albores de los ‘60, precisamente, cuando se estaba forjando el concep-
por Ian Gillan a la voz, Ritchie Blackmore a la gui- to de álbum, considerándolo algo más que una mera recopilación de canciones. .
tarra, Jon Lord al órgano, Ian Paice a la batería y En cuanto los artistas descubrieron el potencial creativo que un LP posee, no tardaron en involucrar-
Roger Glover al bajo. La alineación pronto cambia- se procurando tener el mayor control posible de la obra, incluido el diseño de la carpeta. De ahí al
ría con las inminentes salidas de Gillan & Glover primer escándalo, tan sólo un minuto.. .
y la fuga de Ritchie Blackmore, al año siguiente. . Es sabido que, en el terreno del pop, los primeros en explorar el álbum como una plataforma creati-
Luego del revolucionario álbum ‘In Rock’ (1970), va fueron The Beatles. También ellos provocaron el primer revuelo. Su propuesta para la portada del
‘Fireball’ (1971) y ‘Machine Head’ (1972) llegaba disco recopilatorio ‘Yesterday And Today’ (1966) espantó a los directivos de la Capitol que ordena-
el séptimo álbum de estudio de Deep Purple titula- ron cambiarla de inmediato. Para su sorpresa, los encargados del tiraje de la nueva portada se limi-
do ‘Who Do We Thing We Are?’ (1973). . taron, en muchos casos, a pegar la nueva sobre la vieja, por lo que muchos fans que compraron el
El segundo tema de esta placa lleva como título disco, han descubierto un verdadero tesoro oculto debajo de la pegatina.
“Mary Long”, una canción a ritmo de blues muy
bien llevado que sorprende por el hecho de que el
teclado y la guitarra se relegan al discreto papel de
soporte de la melodía vocal desarrollada por Ian
Gillan, como dando espacio a entender que lo pri-
mordial está siendo expresado con la letra.. .
Es que la letra de la canción está dirigida a Mary
Whitehouse y Lord Longford, dos figuras de ideo-
logía conservadora, destacadas por su férrea opo-
sición al liberalismo social vivido en la Gran Breta-
ña de los años ‘60. Whitehouse fue una activista
social, fundadora y primera presidenta de ‘National
Viewer’s And Listener’s Association’ (‘Asociación
Nacional de Espectadores y Oyentes’), una asocia-
ción que luchó contra la publicación y difusión de
contenidos considerados perjudiciales y ofensivos
a la moral pública, acusándolos de favorecer a la
creación de una sociedad demasiado permisiva.
En 1964, Whitehouse dirigió la campaña denomi-
nada ‘Clean Up TV’, un grupo de presión destinado
a llevar adelante acciones contra la Cadena BBC.
Acerca de la canción, Ian Gillan dijo: ‘Mary White-
house y Lord Longford eran personalidades des-
tacadas en ese momento por su actitud censora.
Representaban el standard de la generación ante-
rior con su marco moral y su vandalismo intelec-
tual.. Noté que Mary Whitehouse y Lord Longford
se habían fusionado en una sola persona para re-
presentar la hipocresía de ese momento. .
El libro ‘Ban This Filth!’ (‘Prohibir Esta Inmundicia!’)
de Ben Thompson, publicado por Faber & Faber
9/8 Edición Portable

en 2012 es una colección de cartas y escritos de

Mary Whitehouse contra la BBC.

nueve/octavos 4 Página/50
4Discos: Censurados..

Dos décadas condensan algunas de las mejores incursiones, censuradas, de la provocación: 1960
y 1970. Una de las portadas más nombradas continúa siendo la de Blind Fait (1969) con su inocen-
cia descuidada: Una niña desnuda de doce años sosteniendo un juguete aerofálico fue un bofetón en
la cara para la Inglaterra de entonces, y la de ahora, dura en cuanto al uso de niños para materia eró-
tica. Aunque en su momento se cambió la portada, posteriores reediciones hicieron posible la mítica
imagen. Y esto vale para la mayoría de las carátulas que revisitaremos. .
No menos escándalo provocaron John Lennon & Yoko Ono con ‘Two Virgins’ (1968). John y Yoko,
simplemente, posaron desnudos de frente y espalda. Cubierta y contracubierta del disco. Para poder
ser vendido, el vinilo original fue ‘vestido’ con una funda opaca que solo dejaba ver sus cabezas. .
Tampoco dejaron a David Bowie ‘hacerse la loca’ para su portada del álbum ‘The Man Who Sold
The World’ (1970) su tercer disco de estudio: En la cubierta original aparecía vestido de señorita de
fin de siglo, las ‘tijeras del corte modelaron su estilo’ y debió ‘transformarse en un dibujo en plan de
comic’. En otra ocasión, Bowie fue censurado a golpe de tachón: En su portada de ‘Diamond Dogs’
(1974) David Bowie aparecía con cuerpo de perro, pero ‘sus partes caninas’ fueron ocultadas en
un ‘acto de castración animal’. .
ROGER WATERS Los Roxi Music sufrieron una censura aún más divertida en su cuarto álbum titulado ‘Country Life’
(1974) que tuvo una advertencia muy seria por parte de las autoridades americanas: “Con esas dos
‘THE PROS AND CONS OF chicas, esta portada no saldrá a la calle en nuestro país”. El propio Brian Ferry que diseñó la cubier-
ta, se dedicó, literalmente, a quitarlas de en medio.. y.. el álbum salió a la calle..!! .

HITCH HIKING’ Otra anécdota ha hecho que los coleccionistas de todo el mundo se cuelguen por un ejemplar espa-
ñol de ‘Sticky Fingers’ (1971) de The Rolling Stones. La cubierta, obra de Andy Warhol, presenta-
ba la famosa bragueta con cremallera real incluida en su Edición Original. Autoridades españolas,
El 30 de Abril de 1984, Roger Waters lanzaba su
considerándolo inapropiado, seleccionaron otra imagen que con el paso del tiempo, ha demostrado
álbum conceptual titulado ‘The Pros And Cons Of
ser más perversa y dura: Los dedos cortados asomando de una lata abierta. Por cierto, la bragueta
Hitch Hiking’ (‘Los Pros y los Contras de Hacer
del disco no es de Morritos Mick, sino de Joe Ballesandro, el actor fetiche de Warhol y Morrisey..
Dedo’), su primer álbum solista publicado mientras
Otras portadas censuradas de The Rolling Stones incluyen a ‘Beggars Banquet’ (1968), ‘Black
aún integraba Pink Floyd. El concepto de esta obra
And Blue’ (1976) y ‘Some Girls’ (1978). ‘Beggars Banquet’ (’El Banquete de los Mendigos’) no fue
fue diseñado por Roger Waters en paralelo a otro
aceptada porque presentaba unos ‘graffitis obsenos en un baño público’ y ‘Some Girls’ (’Algunas
de sus proyectos ‘Bricks In The Wall’ que termina-
Chicas’) tuvo problemas legales porque presentaba a personajes públicos con pelucas. Comenzaron
ría siendo renombrado ‘The Wall’ y convirtiéndose por retirar las fotos de famosos tapándolas con carteles que indicaban ‘Portada En Construcción’ y
en el álbum de Pink Floyd publicado en 1979. . finalmente dejaron de publicar la ‘Portada Troquelada’ que permitía combinar caras y pelucas. .
El álbum ‘The Pros And Cons Of Hitch Hiking’ fue The Residents, para sus álbumes recopilatorios titulados ‘Heaven’ & ‘Hell”, respectivamente, crea-
grabado entre Febrero y Diciembre de 1983, en tres ron dos curiosas portadas que acopladas una con otra tienen un fuerte significado. Más allá de su
estudios diferentes de Londres: Olympic Studios, irreverencia, expresan a modo de síntesis las antiguas tradiciones místicas en las que el ‘Ser Supre-
Eel Pie Studios y en Billiar Roon, el estudio propio mo’ es toda una globalidad compuesta por el bien y el mal. Una portada muestra la parte mental, la
de Roger Waters. . otra es explícitamente sexual.
Participaron el director de orquesta Michael Ka-
men; el actor y cantante Jack Palance; el saxofo-
nista David Sanborn; el baterista Andy Newmark;
el guitarrista Eric Clapton; las coristas Madeline
Bell, Katie Kissoon & Doreen Chanter; The Natio-
nal Philharmonic Orchestra y el propio Roger Wa-
ters ejecutando bajo, guitarra acústica y voz. .
El concepto de ‘The Pros And Cons Of Hitch Hi-
king’ gira en torno a los pensamientos de un hom-
bre de mediana edad que se encuentra viajando a
través de una carretera en algún lugar de Europa
Central y sus deseos de cometer adulterio con una
señorita que recoge en la ruta. El álbum está enmar-
cado, en tiempo real, como si se tratase de un sue-
ño de 42’:07” transcurrido entre las 4:30’ y las 5:12’
de un día no especificado. .
El arte del álbum fue realizado por Gerald Scarfe,
responsable también de las ilustraciones y anima-
ciones para el álbum y el film ‘The Wall’. .
La portada de ‘The Pros And Cons Of Hitch Hiking’
fue controversial, ya que muestra a una joven mujer
desnuda, de espaldas, en la típica pose de la prác-
tica del autostop. La modelo de la fotografía es la
actriz de pornografía Linzi Drew. La imágen fue
considerada sexista, condenada por grupos femi-
nistas e incluso acusada de promover actos de vio-
lación. Carteles que anunciaban el lanzamiento del
álbum fueron destruidos por manifestantes. Poste-
riores ediciones distribuidas por Columbia Records
fueron publicadas con un sticker color negro que
oculta las nalgas de la modelo, aunque visualizando
9/8 Edición Portable

la obra de arte con el tipo de luz adecuada, puede

seguir viendose la desnudez.

nueve/octavos 4 Página/51
4Discos: Censurados..
‘gniksamkcaB’
‘The Beatles, Frank Zappa..
y el Backmasking’
El ‘backmasking’ o el ‘retroenmascaramiento’,
comunmente conocido como ‘mensaje al revés’,
es una técnica sonora en la cual, los sonidos son
grabados a la inversa sobre una pista musical pla-
neada para ser tocada hacia adelante. .
El ‘backmasking’ es un proceso premeditado, sien-
do de este modo, causa de debates controvertidos,
especialmente cuando deja de entenderselo como
una expresión artística y comienza a relacionárselo
con mensajes subliminales, hecho que principal-
mente ha ocurrido en el ámbito de la música rock
y la música pop. . en calificar a la música rock como una moda pasajera y muchos padres les prohibieron a sus hijos
Esta práctica de manipular música grabada comen-
zó a finales de la década de 1950, con la llegada de
la música concreta. Esta forma vanguardista de mú-
sica electrónica combina la edición conjunta de frag-
mentos de sonidos naturales y sonidos generados
automáticamente. . años ‘40 y ‘50 fue impedir que los negros accedieran al gran público. El sentido común, junto al oído
The Beatles, quienes incorporaron las técnicas de
la música concreta dentro de sus grabaciones, fue-
ron quienes popularizaron el concepto de ‘backmas-
king’. John Lennon experimentó con la cinta en la
canción “Tomorrow Neves Knows” del álbum ‘Re-
volver’. A Lennon le agradó el sonido de la canción
al rebobinar las cintas y compartió el resultado con
los demás integrantes de la banda. Luego compuso
“Rain” con la intención de que la pieza fuese graba-
da completamente a la inversa; pero el ingeniero de
sonido George Martin (quien aseguró haber sido él
quién descubrió el efecto invertido) rechazó la pro-
puesta de Lennon, y solamente el verso final de la
canción quedó grabado al revés. . Multitud de pitidos censores aparecieron en ‘Live At San Quentin’ el segundo disco en vivo del can-
Un LP en particular de The Beatles es señalado de
contener este tipo de grabaciones invertidas en las
que la banda, supuestamente, habría grabado men-
sajes ocultos tras las pistas del disco: ‘The White
Album’ (1969). . el más relevante es el que suena en la canción “A Boy Name Sue” (“Un Chico llamado Susana”):
El músico estadounidense Frank Zappa utilizó la
técnica del ‘backmasking’ en sus primeros álbumes
para evadir la censura. El disco ‘We’re Only In It
For The Money’ (1968), en el que parodia la portada
de ‘Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ utiliza
esta técnica al final del Lado A, en la canción “Mo-
ther People”. Frank Zappa decidió insertar mediante
‘backmasking’ algunos versos que eran censurados
por los editores musicales.
Si bien la portada del disco es la puerta de ingreso al escándalo, una vez dentro están las letras de
las canciones. En el comienzo, los medios de comunicación de los Estados Unidos se empeñaron
comprar discos y escuchar ese nuevo ritmo. Lo cierto, es que ese nuevo ritmo se extendió de costa
a costa, cruzando el Atlántico e invadiendo la Europa al Oeste del Muro de Berlín. Rápidamente, se
le encontraron al rock implicaciones amoralmente sexuales. El bailarlo despertaba el líbido y el liber-
tinaje.. pero, lo peor de todo, lo que realmente molestaba era su origen negro, su inspiración en la
música de color afroamericana. No podemos obviar que una práctica habitual en los U.S.A. de los
musical, terminaron por menguar esa horripilante práctica. Y además, resultó ser que el primer blan-
co con voz negra, en sus primeros años, parecía indomable. Elvis Presley era pura agitación sexual.
En su primera aparición televisiva en Milton Berle Show, NBC TV, 3 de Abril de 1956, el realizador
muestra solamente planos de la cintura hacia arriba. América aún no estaba preparada para verle agi-
tar sus caderas. Para colmo de males, Elvis les cantó en 1959 su maravilloso “One Night Of Sin”
(”Una Noche de Pecado”): “Una noche de pecado es todo lo que ruego, las cosas que he visto y he-
cho, dejarían duro al mundo entero”. .
The Beatles, por su parte, atropellaron en 1967 con la suspicacia al respetable público gracias a su
canción “Lucy In The Sky With Diamonds” (¿Respondía aquel surreal título a un iluminado encubri-
miento de las siglas LSD..?) De hecho, todo el álbum ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ es
un viaje alucinado. Como lo es la frase grabada al revés, al final de la Cara B del disco: “We will fuck
you like supermen” (“Te cogeremos como superhombres”). Sorprendentemente, la canción no subió
en los rankings hasta que Elton John la grabó siete años más tarde y la puso #1 en U.S.A. .
tante country Johnny Cash grabado el 24 de Febrero en la Prisión Estatal de San Quentin, que fue te-
levisado por Granada TV. En el disco original, muchas de las canciones fueron quitadas o cortadas.
Cada ‘palabrota’ fue sustituida por un ‘impertinente pitido’. Los más graciosos son los de sus char-
las con los presidiarios: “Eh, chicos ¿Qué piiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii están bebiendo en esos vasos..?”. Aunque,
“Está bien hijo, tienes derecho a matarme, porque soy yo el piiiiiiiiiiiiiiiiiiiii que te bautizó Susana”. .
De 1969, es el famoso “Je T’aime.. Moi non Plus” de Jane Birkin & Serges Gainsboroug que la
BBC se negó a emitir. Los suspiros y gemidos de Jane, sólo han sido igualados por los de Donna
Summer en su “Love To Love You Babe” (1975) y superados por Yoko Ono desde su segundo dis-
co en solitario titulado ‘It’s Allright’ (1982). El escándalo lo puso ella misma. Cuentan que Yoko se
tumbó en el estudio y se masturbó para grabar auténticos gemidos. .
En contrapartida, para ‘poner orden’ a todo esto, surgirían los defensores de la moral pública orga-
9/8 Edición Portable
nizados por Mary Withehouse y Lord Longford, entonces, volvió a ser lícita la conducta reacciona-
ria para detener el denominado erotismo que invadió los medios de comunicación.
nueve/octavos 4 Página/52
4Comentarios de Catálogo: SHINGETSU, “Fragmentos de la Aurora”..
ÁLBUM RECOMENDADO

SHINGETSU
SHINGETSU / “Fragments Of The Dawn”
BELLE ANTIQUE RECORDS, 1979 / Tiempo Total: 43’:28”
4 #Cat. CORP: 9 SH01001 1 AD

MÚSICA PARA DISFRUTAR Y DEJARSE LLEVAR

HASTA DONDE LOS HILOS DEL SONIDO TEJEN
TELAS DE COLORES..
Shingetsu emergió en el Japón de los años ‘70, íntimamente in-
fluenciada por la escena de rock progresivo que en aquel enton-
ces sonaba en la lejana Europa Occidental. .
Es así que, prontamente, las comparaciones con Genesis o Yes
resultarían inevitables. .
La esencia ‘gabrieliana’ aparece en la voz de Makoto Kitayama,
quien transmite sus melodías en forma profunda y ondulante, con
tintes de tristeza. Es acompañado por Haruhiko Tsuda en guitarra,
quien da vuelo y libertad a su música, Akira Hanamoto en tecla-
dos, aporta la suavidad necesaria de un terciopelo, mientras Shi-
zuo Suzuki en bajo y Naoya Takahashi en batería se encargan de
unir el cielo y la tierra. .
Como un Tsunami, la energía de Shingetsu se disipó rápidamente
y solo duró lo suficiente como para producir un solo álbum en es-
tudio, que dejó huellas tras de sí, siendo considerado una obra
emblemática del progresivo sinfónico, sumando dos álbumes en
vivo que reafirman su indudable mística. .
De esta forma, Shingetsu nos plantéa un mundo de bellas melo-
días, letras y sonidos que nos invitan a una contemplación medi-
tativa. De su álbum compartiré el tema “Fragments Of The Dawn”
(”Fragmentos de la Aurora”), una pieza musical diseñada para ser
escuchada con una taza de café, viendo caer las hojas de los ár-
boles con la llegada del otoño. .
Espero que las diferencias idiomáticas no sean una barrera para
ser cautivados por su música y dejarse llevar a una reflexión casi
oriental.

Pistas:
Oni (9’:37”) / The Other Side Of The Morning (4’:17”) /
Influential Street (4’:28”) / Afternoon (After The Rain) (4’:11”) /
Fragments Of The Dawn (7’:05”) / Freeze (3’:03”) /
Night Collector (5’:09”) / Return Of The Night (5’:38”)

Autor: Rael

Puede ser escuchado en:

9/8 Edición Portable

www.cluboyentesrockprogresivo.blogspot.com

nueve/octavos 4 Página/53
4Música & Tecnología
Pionera de nuestro tiempo en la música abstracta,
experimental y de vanguardia..

Delia Derbyshire
..grabando el futuro

EL DÍA 14 DE NOVIEMBRE DE 1940, ELLA TENÍA TRES AÑOS, SU CIUDAD, COVENTRY,

FUE METÓDICAMENTE DEVASTADA POR LOS CERCA DE QUINIENTOS BOMBARDEROS
DE LA LUFTWAFFE ALEMANA. AL PARECER, FUERON LOS RUIDOS DE LOS IMPACTOS
Y DE LAS ALARMAS QUE ESCUCHÓ ESE DÍA LOS QUE COMENZARON A MARCAR SU
ATENCIÓN HACIA LOS SONIDOS EXTRAÑOS DE NATURALEZA ABSTRACTA.
Por Abel Hernández
La historia de Delia Derbyshire bien podría comenzar así.
Es la historia verdadera de una revolucionaria serena y ale-
gre del arte sonoro y de una de las mentes musicales más
lúcidas de la Inglaterra de los años 60. Clara Rockmore, Be-
be Barron, Daphne Oram o Maddalena Fagandini son mu-
jeres cuyo quehacer en ese campo musical fue precedente o
contemporáneo en el tiempo al de Delia Derbyshire. . de Ron Grainer. La pieza, sonoramente delicada, minuciosa
Otras como Yoko Ono o Pauline Oliveros pueden ser consi-
deradas casi coetáneas. Sin embargo, la compositora de Co-
ventry ha pasado a ser la heroína por antonomasia del mo-
vimiento que hace medio siglo condujo a esas damas hasta
la vanguardia de la innovación musical y tecnológica. . la complejidad de sus timbres y por la sabiduría electrónica
La genial capacidad creativa con el sonido, y la perseveran-
cia de Delia Derbyshire, además de conducirla a ocupar si-
lenciosamente lugares hasta entonces reservados a los hom-
bres, erigió una obra fabulosa que permite considerarla figu-
ra preeminente entre las creadoras de la música concreta,
electrónica y experimental. . Lo vigente del resultado nos permite ver la tremenda origi-
Tras licenciarse en matemáticas y música en 1959, Delia
Derbyshire solicita un puesto de trabajo en los estudios de
grabación del sello discográfico Decca, donde es rechazada
por ser mujer. Por suerte, Delia no se resigna y acude al BBC
Radiophonic Workshop, que había sido creado el año ante-
rior en Londres por un grupo de productores y directores
de la Cadena (entre quienes estaba la mencionada Daphne
las flamantes obras teatrales para radio y producciones tele-
visivas que no conseguían producir las orquestas de la emi-
sora. Allí Delia Derbyshire es aceptada y comenzará a desta-
carse en la llamada Habitación 12. .
Poco después, en 1963 y luego de tres destacados trabajos,
llegaría el respaldo público a su talento gracias al tema de
presentación de la serie de ciencia ficción ‘Doctor Who’, que
Delia Derbyshire produjo a partir de una vaga composición
y rotunda, es considerada la primera de música electrónica
creada para una serie de TV y encenderá la imaginación de
varias generaciones de británicos. .
Aún hoy cuando la escuchamos con atención sorprende por
artesana que guarda. Pensar que está hecho sin grabadoras
multipistas, valiéndose tan sólo de micrófonos, cinta magne-
tofónica cortada y enlazada en bucle y algún efecto sonoro
primitivo, aún produce inusual admiración. Imaginar escu-
charla por primera vez en 1963 pone los pelos de punta. .
nalidad y anticipación. Posiblemente, a ello contribuye la
doble condición de esa pieza: experimental a la vez que ac-
cesible (ruidista y melódica) son dos personalidades presen-
tes en gran parte de la obra de Derbyshire. .
A partir de este momento, las creaciones de Delia Derbyshi-
re para la BBC se disparan e incluso llaman la atención de
Paul McCartney que, antes de decidirse por el cuarteto de
9/8 Edición Portable

Oram). Aquel taller de experimentos sonoros de bajo costo cuerdas definitivo, consideró encargarle un arreglo electró-
tenía su razón de ser en la necesidad de formas nuevas para nico para el tema “Yesterday”. Su actividad se extenderá

nueve/octavos
.
4 Página/54
 4Música & Tecnología
más allá de la Habitación 12 y en 1966 monta, junto con su
colega en BBC Brian Hodgson y el inventor Peter Zinovieff,
la Unit Delta Plus, una organización dedicada a crear músi-
ca electrónica y promover su utilización en radio, televisión,
cine, teatro y publicidad.
Esta UDP suya realizó festivales de música electrónica y lle-
gó a participar en 1967 en el mismo Million Volt Light & So-
und Rave donde se supone que The Beatles interpretaron
por primera y última vez el legendario tema experimental
“Carnival Of Light”. Asimismo, Yoko Ono encargará a Delia
Derbyshire la banda sonora para uno de sus filmes. La cima
de esta progresión vendrá con su participación junto a Hod-
gson en uno de los artefactos musicales más impresionantes
del pop excéntrico de todos los tiempos: ‘An Electric Storm’,
primer y mejor de los discos de The White Noise, el proyec-
to del norteamericano David Vorhaus. Fue publicado por Is-
land Records en 1968 y es una criatura híbrida entre la elec-
troacústica, el easy listening, el free jazz, el ruidismo & rock
psicodélico. Un hito creativo que se anticipa al krautrock, al
rock progresivo y a muchas otras músicas novedosas de los
90 como el shoegazing, el ambient o el post-rock. Un paso
más allá de los recién publicados ‘The Velvet Underground
& Nico’ y ‘The Piper At The Gates Of Dawn’ en la conquista
de nuevos territorios entre el sueño y la pesadilla.
Poco a poco, tras publicarse varios discos con sus piezas en-
tre 1969 y 1973, la estela del cohete Delia Derbyshire se irá
disipando. En 1973, Delia abandona BBC y tras participar en
el score de ‘The Legend Of Hell House’, se marcha de Lon-
dres y va alejándose del ámbito musical.
“Mi pasión es crear sonidos abstractos electrónicos
originales y organizarlos de modo atractivo,
aceptables para cualquier persona inteligente..”
declaraba Delia Derbyshire en una entrevista que le hizo en
el año 2000 para la revista Surface, Peter ‘Sonic Boom’ Kem-
ber (Spacemen 3, Spectrum, E.A.R.), uno de los redescubrido-
res de su legado en los 90. Así, con su característica llaneza
nos revela la clave de su genio. Todas las creaciones de De-
lia Derbyshire parten de un amor incondicional por el soni-
do sin distinción y por la posibilidad de hacerlo sonar musi-
cal para casi cualquier oído. La vibración especial que trans-
miten todas sus músicas procede en igual medida de un mi-
nucioso y extenuante trabajo artesanal con los procesos y
los detalles de sonido y de una pasión desmedida por la al-
quimia.
Música Concreta
Por Phil Taylor
Delia Derbyshire utilizó sonidos electrónicos, tanto reales
como artificiales, en sus composiciones usando un estilo de-
finido como ‘Musique Concrète’. Fue el compositor francés
Pierre Schaeffer, quien acuñó el término durante la década
de 1940 mientras trabajaba en ORTF (Office de Radiodiffu-
sion Television Française) en Radio France, el equivalente de
la BBC Londres, en Francia. .
Musique Concrète encarna la idea de que los sonidos concre-
tos de los objetos encontrados en el mundo real se pueden
usar como piezas de corte para construir una composición
completa. La invención de la cinta magnética, es decir, la cin-
ta de plástico con polvo de óxido de hierro laqueado, hizo
que fuera práctico manipular los sonidos encontrados para
crear composiciones de Musique Concrète.
“Lo que estamos haciendo ahora no es importante por sí mismo,
pero un día alguien podría estar lo suficientemente interesado
9/8 Edición Portable
como para llevar las cosas hacia adelante
y crear algo maravilloso sobre estas bases..”
nueve/octavos
Fuentes de Sonido
En los primeros días, el equipo en el Radiophonic Workshop
(Taller de Radiofonía) era mínimo y estaba integrado por to-
. do tipo de objeto que pudiera generar texturas sonoras. Jun-
to con las fuentes de sonido naturales, Delia utilizaría equi-
pos electrónicos antiguos que el Taller había heredado de o-
tros departamentos de la BBC como osciladores de señal en
los que ella ‘tocó’ la melodía ‘swoopy’ en el tema de “Doctor
Who” ajustando manualmente la perilla de control de frecu-
encia. Ella también usó generadores de ruido blanco con fre-
cuencia, nuevamente estos se pueden escuchar en el mencio-
nado tema “Doctor Who” como siniestros ‘swishes’ y ‘swirls’.
El Taller de Radiofonía también poseía un oscilador de frecu-
encia de golpe tipo 1022 de Brüel & Bjaer, originalmente di-
señado para mediciones eléctricas y electroacústicas e inves-
tigación acústica, pero también era capaz generar ondas se-
noidales trepidantes en frecuencias de 20 Hz a 20 Khz, una
pieza que permitía crear ‘sonidos espaciales’. .
En ese momento, a principios de la década de 1960, no exis-
tían los sintetizadores, los tubos sinusoidales de onda sinu-
soidal y generadores de ruido eran la única fuente del Taller
de sonidos sintetizados electrónicamente. Pero el Taller de
. Radiofonía podía hacer mucho con muy poco. Juntaron un
dispositivo que llamaron Unidad de Manipulación. Este con-
sistió en un estante de generadores de señal calibrados. Ca-
da uno ajustado a una nota en la escala musical y un teclado
musical de octava construido con claves extraídas de un pia-
no canibalizado. Esto fue un sintetizador temprano, y Delia
lo utilizó para interpretar el leit motiv icónico de “Doctor
Who”. .
El Taller de Radiofonía poseía varias máquinas profesionales
de carrete a carrete. La Habitación 12 albergaba tres máqui-
nas Philips EL-3503: Las máquinas en las que Delia grabó y
mezcló “Doctor Who”. Fueron organizadas en una fila para
permitir que la cinta pasara por las cabezas de cada máqui-
na. Una vez que los sonidos fueron capturados en cinta, el
método más obvio para construir una composición fue re-
producirlos a través de un mezclador multicanal de manera
simultánea o secuencial, sin embargo, esto fue solo un pe-
queño paso. Había muchas más posibilidades creativas emo-
cionantes con cinta magnética. Delia tomaría esos sonidos
grabados y los manipularía de manera laboriosa cortando fí-
sicamente y empalmando la cinta para que las piezas pudie-
ran esculpirse con una precisión única. .
Delia Derbyshire falleció el 3 de Julio de 2001. Su música y
su memoria no dejan de inspirar nuevas creaciones. .
El Documental de media hora de duración titulado ‘The De-
lian Mode’ de la realizadora Kara Blake, es una de ellas..
Delia Derbyshire junto
a una de las máquinas
Philips EL-3505
de Taller de Radifonía,
Circa 1965.
( Delia Derbyshire )
.
4 Página/55
4Nuevo Box Set: VDGG, ‘The Charisma Years’
La Clásica formación de VDGG integrada por Guy Evans, Hugh Banton, Peter Hammill & David Jackson
Extraordinario Box Set
Van der Graaf Generator
‘The Charisma Years 1970/1978’
Van der Graaf Generator, anunció el lanzamiento de un
lujoso Box Set integrado por 20 discos denominado ‘The
Charisma Years 1970/78’ que cubre la totalidad de sus
trabajos para el sello Charisma Records, incluidas pistas
inéditas y material original remezclado con sonido esté-
reo y envolvente. . dario sello Charisma. Cada uno fue innovador. Su música
Pioneros musicales, transgresores y visionarios. Van der
Graaf Generator es una banda única. Su propuesta es sal-
vaje, hermosa, experimental y perdurable. Aunque nació
en la vorágine creativa de finales de la década del ‘60 en
Gran Bretaña, la música de Van der Graaf Generator se
ha distinguido, trascendido, inspirado e influenciado a
gran cantidad de músicos de diferentes estilos, desde Jo-
hn Lydon hasta Marc Almond, desde Mark E. Smith has-
ta Bruce Dickinson, desde su compañero de discográfica
Peter Gabriel hasta el amigo personal de la banda Fish.
Su música excede ampliamente el período 1970/78 pro-
puesto por esta caja imprescindible, ya que VDGG ha re-
nacido revitalizado para el Siglo XXI con toda su ingenie-
ría creativa intacta, pero este período propuesto para ‘los
años de Charisma’ es particularmente singular.
nueve/octavos
.
4 Página/56
17 CD’s + 3 BluRay
Por Ion O’Ionard
Van der Graaf Generator grabó 8 álbumes para el legen-
es considerada de culto y su influencia se extendería en
décadas siguientes a diferentes artistas de manera am-
plia, abarcando diversos géneros, pero dentro del progre-
sivo, su marca es indeleble. El extraordinario Box Set ‘The
Charisma Years 1970/1978’ presenta todos sus álbumes
de Charisma recientemente remasterizados a partir de la
cinta maestra de primera generación. También se incluye
en ‘The Charisma Years 1970/1978’ dos CD’s de un con-
cierto completo recientemente descubierto e inédito gra-
bado en París, en Diciembre de 1976 por la Radio France-
sa, y todas las sesiones de la BBC grabadas por la banda.
Además, hay un BluRay con todas las imágenes de Televi-
sión de Van der Graaf Generator de alta calidad y pelícu-
9/8 Edición Portable
las promocionales que se conservan, incluida la de Beat
Club de la Televisión Alemana en 1970, una aparición fil-
4Nuevo Box Set: VDGG, ‘The Charisma Years’
mada en The Bataclan, París en 1972 para el programa de te-
levisión francés ‘Pop Deux’, la presentación en 1972 en ‘Pop
Show’ para RTBF Bélgica, una actuación en directo filmada
por la televisión belga en Charleroi en Septiembre de 1975,
películas promocionales de ‘Wondering’ y ‘Cat’s Eye’, un do-
cumental de 20 minutos con imágenes en directo filmadas
por la televisión austríaca en The Kohfidisch Festival al aire
libre, Austria, en Junio de 1978.
También hay remezclas de los álbumes ‘H To He Who Am
The Only One’ (1970); ‘Pawn Hearts’ (1971); ‘Godbluff’ (1975)
y ‘Still Life’ (1976). Estos han sido remezclados de las cintas
multipista originales tanto en estéreo como en sonido envol-
vente 5.1 por Stephen W. Tayler.
Empaquetados con un libro de 68 páginas y fotografías iné-
ditas, ‘The Charisma Years 1970/1978’ es la colección defi-
nitiva del trabajo para Charisma del legendario Van der Gra-
af Generator.
El Oído del baterista Guy Evans
La Mano del ingeniero Stephen Tayler
Stephen Tayler (ingeniero de remezcla) también dijo:
“Desempolvar las cintas 16 pistas de ‘H To He Who Am
The Only One” y “Pawn Hearts”, grabados en Trident
Studios, fue un verdadero flashback para mí. Comencé
. mi carrera en Trident Studios poco tiempo después de
que se hicieran estos álbumes, eventualmente, me con-
vertí en ingeniero en jefe, fuertemente influenciado por
la actitud y el sonido de Trident. Las ideas y los sonidos
allí eran bastante extremos en comparación con otros
. estudios. Hubo mucha experimentación y ruptura de re-
glas. .
A Hugh Banton se le enviaron las nuevas versiones de
sonido envolvente, como así también a cada miembro
. de la banda. El propio Hugh es un ingeniero de audio
capacitado y tiene un sistema de sonido envolvente 5.1.
Luego esperé sus notas, que eran mínimas y útiles..
¡Todo sonaba maravilloso..! Finalmente, Guy Evans fue
.

Acerca de este notable lanzamiento, el baterista Guy Evans nominado para venir a escuchar las mezclas envolven-
dijo: “Es todo un desafío en la agenda de un ingeniero de re- tes en Real World.. Su respuesta fue bastante emotiva,
mezclas lograr que las pistas suenen lo mejor posible, y algo dijo: ¡Es como escuchar los álbumes por primera vez..!
imposible hacer que nosotros, principalmente yo, toquemos Ese fue un día muy especial que siempre recordaré. .
mejor de lo que lo hicimos. Pero Stephen Tayler nos ha da- Es un privilegio tan increíble haber estado involucrado
do a todos nosotros una nueva y notable perspectiva sonora en la remezcla de estos álbumes icónicos.”
en estas nuevas mezclas. Desde el momento en que comen-
cé a escucharlas me enganché y pude recoger las líneas de Sale el 3 de Septiembre y está disponible para reservar
platillo hasta ahora desapercibidas en “Arrow”. Luego fue-
ron esas extravagantes segundas líneas vocales que no había
es- cuchado desde las sesiones originales en Rockfield, con
una nueva claridad. Las mezclas estéreo son geniales y las
5.1 son toda una revelación..!” .

La Visión del tecladista Hugh Banton

Hugh Banton añade: “Han pasado casi 50 años desde que se
lanzó ‘Pawn Hearts’ en Octubre de 1971, el mismo mes en
que se lanzó al mercado el primer chip microprocesador del
mundo. Incluso, la humilde calculadora de bolsillo aún no
era muy usada y una radio FM en un automóvil solía ser una
extra opcional. Hoy, es bastante difícil pensar un mundo en
el que la tecnología para grabar música consistía, únicamen-
te, en grabadoras. Trident Studios tenía un Hammond C-3
impecable y el que ha sido descrito como ‘el mejor piano de
rock’n’roll de todos los tiempos’, un Bechstein Clásico, un
instrumento que siempre es un placer tocar.. Creo que los
cuatro hemos contribuido con partes de piano en diversos
momentos. Rockfield posiblemente logró superar, incluso Extraordinario Box Set
eso con su Bösendorfer. Usar los pedales en un órgano no
me resultaba desconocido. Habitualmente visualizaba líneas
imaginarias de pedal de bajo desde que toqué por primera
vez un órgano de tubos en la escuela durante los años ‘60.
Van der Graaf Generator
Sin embargo, el cambio de la banda de Nic Potter en el bajo
Fender a mí en los pedales Hammond se llevó a cabo de ma-
‘The Charisma Years 1970/1978’
nera vertiginosa, con apenas seis días entre los dos concier-
tos. Fue una actitud intrépida, de juventud..!” .
17 CD’s + 3 BluRay
La Palabra de Peter Hammill
Peter Hammill agregó: “Esta es una documentación lo más
completa posible de ese momento emocionante de nuestras
vidas. Tuvimos la suerte de que Charisma Records nos dio
una enorme libertad para encontrar nuestro propio camino,
y una audiencia, desde el principio. Esto significó que nos
esforzáramos tanto como pudimos. .
Es maravilloso tener toda la historia grabada de esos años
reunida en un conjunto completo y las nuevas mezclas arro-
jan una claridad bastante diferente sobre muchas de las pie-
zas. Para nuestra sorpresa, hemos tenido una vida posterior
a nuestro álbum de reunión y hemos realizado conciertos. .
Hugh, Guy y Yo, todavía estamos trabajando y tocaremos en
9/8 Edición Portable

vivo nuevamente, tan pronto como las circunstancias nos lo

permitan. Este sigue siendo un trabajo divertido.”

nueve/octavos
.
4 Página/57
4Música Progresiva en Argentina: ‘LA BIBLIA’ según VOX DEI, a 50 Años del Principio..

50º ANIVERSARIO DE ‘LA BIBLIA’

EL PRIMER ÁLBUM CONCEPTUAL DE ROCK EN ARGENTINA

EN 1971, LA AGRUPACIÓN VOX DEI CREÓ UNA DE LAS OBRAS

MÁS AMBICIOSAS Y MEJOR LOGRADAS DEL ROCK A NIVEL
MUNDIAL: UN ÁLBUM CONCEPTUAL SOBRE LA BIBLIA.
LA COMPLEJA, ARDUA Y EXTENSA GRABACIÓN DEL DISCO,
SE TRASLADÓ LUEGO A OTRO DESAFÍO: PRESENTARLO EN VIVO.
En 1970, el grupo Vox Dei ya era uno de los más populares del rock en Argen- Ensayar los temas para tocarlos en vivo. De hecho, la obra se presentó en el
tina. Su ritmo de actuaciones había sido muy intenso en el verano, en el circui- Teatro Presidente Alvear los días Lunes del mes de Julio de 1971, con auspi-
to de shows de Carnavales, y no era para menos: Sus primeros simples ya se cio de la Secretaría de Cultura. Incluso la primera edición del disco traía unos
habían convertido en clásicos, su primer álbum tuvo una buena aceptación, y textos escritos por Monseñor Giacelli, a quien Ricardo Soulé le había acer-
sus recitales en ciclos como Beat Baires o el primer festival B.A. Rock fue- cado las letras, y que opinó: ‘A mí me hubiera costado tres horas explicar
ron considerados antológicos. . qué es Dios, y vos lo conseguiste con apenas un silogismo’. Se refería, claro,
Pero su siguiente paso marcaría a fuego su carrera, ya que crearon una de las a los versos que dicen:
obras más ambiciosas y mejor logradas del rock a nivel mundial: Un disco
conceptual sobre ‘La Biblia’. Willy Quiroga, Rubén Basoalto y Juan Car- ‘Cuando todo era nada, era nada el Principio,
los Godoy apoyaron a fondo la visión de Ricardo Soulé, y se embarcaron en Él era el Principio y de la noche hizo luz.’
una grabación compleja y extensa, que luego se trasladaría a otra tarea ardua:

.
nueve/octavos 4 Página/58
4Música Progresiva en Argentina: ‘LA BIBLIA’ según VOX DEI, a 50 años del Principio..
LOS PRIMEROS PASOS
Vox Dei se había formado a fines de los años sesenta, cuando el rock en Ar-
gentina todavía no tenía fuerza ni ejemplos masivos. El baterista Rubén Baso-
alto se contactó primero con Ricardo Soulé, que había puesto un aviso en
una academia de música, ofreciéndose como músico. Luego fueron a buscar
a Juan Carlos Godoy, que también vivía en el mismo barrio, en Quilmes, y
finalmente sumaron a Willy Quiroga, diez años mayor que el resto, con mu-
cha experiencia como cantante y guitarrista de folklore, pero también un fan
de Los Beatles. Durante los primeros ensayos se dio en forma natural que
Soulé y Godoy quedaran a cargo de las guitarras, y que Quiroga pasara a
tocar el bajo. Era el año 1967. . hecho, en el primer B.A. Rock tocaron en forma instrumental un pasaje del
Sin establecer contacto con otros grupos que estaban tomando forma en la
misma época (como Almendra, Los Gatos, Arco Iris o Manal) Vox Dei,
por entonces llamado Mach 4, compuso sus primeros temas en inglés, que
tocaban junto a canciones de los Rolling Stones, los Beatles y los Hollies.
No concebían cantar en castellano y recién tuvieron un primer impacto al es-
cuchar a Los Gatos y el primer simple de Manal. La leyenda cuenta que una
noche los escuchó Luis Alberto Spinetta, les echó en cara seguir cantando
en inglés ‘habiendo todo un idioma por utilizar’, y en el viaje de regreso a
Quilmes tradujeron un tema hasta convertirlo en “Azucar Amarga”. . ta de cincuenta músicos. Los músicos de Vox Dei, por supuesto, no podían
A partir de ese momento, Vox Dei tuvo un crecimiento y desarrollo meteórico,
ingresando en las filas del sello independiente Mandioca, editando sus prime-
ros simples y también su primer álbum, con varios hits que hoy son auténti-
cos clásicos. En ese contexto, mientras todavía estaban tocando en el Teatro
Alberdi de Mar del Plata y festejando la salida de su álbum debut, su produc-
tor les dijo que al regresar a Buenos Aires tenían que comenzar a grabar un
segundo trabajo.
‘La Biblia Según Vox Dei’ capturó
el espíritu de las Sagradas Escrituras.
Con este trabajo, Vox Dei jerarquizó
al rock nacional, justamente,
cuando estaba dando
sus primeros pasos.
Siento que crezco
y que subo
y que me veo por dentro
y me toco y me reconozco
y a mi lado estoy yo
que me hablo y me entiendo
y que ahora soy sueño
y me acerco y no muero.
El dibujo incluido en el interior del disco
fue realizado por Willy Quiroga y acom-
pañado por un texto de Ricardo Soule.
.
nueve/octavos 4 Página/59
Durante un viaje en colectivo, Ricardo Soulé
le propuso a sus compañeros interpretar
el texto más célebre de todos
los tiempos.
Al intentar reconstruir la historia detrás de ‘La Biblia’, los protagonistas coin-
ciden en los relatos y no hay mayores discrepancias. Willy Quiroga recuerda
un viaje en colectivo donde Ricardo Soulé le anticipó que tenía una idea,
pero que le parecía muy loca. Willy insistió hasta enterarse que se trataba de
cantar ‘La Biblia’, y le pareció una genialidad. Ese mismo día vieron juntos
algunos bocetos de letras que Ricardo había hecho. .
Al intentar buscar el origen de esa inspiración, Soulé mencionó en varios re-
portajes que su interés por los textos sagrados nació al conocer al padre de
su esposa, un polaco cristiano que hablaba de manera fascinante sobre las
historias de ‘La Biblia’. .
En total, todo el trabajo previo a la grabación les demandó un año y medio,
juntándose para tirar ideas y probar variantes musicales para las letras. De
“Genesis”. .
La grabación se realizó en los estudios T.N.T., con total apoyo de sus produc-
tores, sumando más de 150 horas, una cifra totalmente inusual para la época.
Para grabar el tema “Las Guerras” utilizaron unos flamantes Marshall propie-
dad de los músicos de Almendra, que una noche fueron a visitarlos al estu-
dio y terminaron prestándole los equipos. En cuanto al trabajo orquestal, (que
fue grabado en estudios Phonal) estuvo a cargo de Roberto Lar, a quien le
pidieron unos arreglos para “Nacimiento de Cristo” y contrató a una orques-
creer lo que estaba sucediendo y estaban absolutamente fascinados y emo-
cionados por la dimensión que iban tomando sus canciones. .
Durante todo este largo proceso de composición y grabación, el guitarrista
Juan Carlos Godoy iba teniendo una silenciosa crisis interna, que desembo-
có en el anuncio de su partida hacia el final de las sesiones de ‘La Biblia’. .
Se fue cuando estaban registrando “Apocalipsis”, y el grupo tuvo que poner-
se a ensayar con un nuevo guitarrista, Nacho Smilari, para la presentación
en vivo.
PERSPECTIVA HISTÓRICA
La dimensión de ‘La Biblia’ según Vox Dei creció con el tiempo y continuó
siendo un punto ineludible para sus integrantes a lo largo de sus vidas. Todos
admitieron que superó ampliamente su imaginación y expectativas, y es indis-
cutible hablar de un antes y un después de ‘La Biblia’. Ricardo Soulé inclu-
so afirmó que, ‘Su alcance es difícil de valorar y pienso que aún es prematuro
hacerlo de manera definitiva’. Luego fue más allá, y escribió el siguiente texto
para la Reedición Doble CD publicada en 2005: ‘Intentar poner en palabras
sobre el papel los sucesos de la vida, siempre fue tarea de los escritores. Sin
embargo los aprendices, desde tiempos muy antiguos, venimos intentándolo
aún habiendo ya corrido no muy claros destinos. Digo esto a modo de discul-
pas, ya que es difícil para mi escribir sobre ‘La Biblia’ según Vox Dei porque
significó en mi vida algo muy decisivo. .
Durante el proceso de composición, grabación y presentación en vivo, fueron
muchas las anécdotas y episodios que acontecieron... En los días en que tra-
bajaba sobre las letras de los textos bíblicos en el departamento de la calle
Zelaya, una cortada en el barrio del Abasto en la Capital Federal, con Gaciela,
mi flamante esposa que me ayudaba a escribir a máquina las letras que iba
haciendo. Había pasado todo el día leyendo e intentando escribir algo que me
convenciera pero todo lo que conseguía hacer me parecía insuficiente. Nos
fuimos a dormir y a la madrugada me desperté y sin siquiera vestirme ni lavar-
me la cara, me acerqué a la mesa y escribí de corrido y sin corrección alguna
el poema que luego inspiraría a Willy Quiroga para dibujar la figura de hom-
bre-árbol que aparece en el centro de la primera edición de la obra. .
Recuerdo también que habíamos alquilado una quinta en el Gran Buenos Aires
para poder ensayar con el grupo la obra completa y prepararnos para la pre-
sentación oficial que se iba a efectuar en el Teatro Presidente Alvear. .
Como era verano y hacía calor nos fuimos con los equipos y la batería a ensa-
yar al aire libre, en un parque grande y espacioso. Nos pusimos a tocar y cuan-
do llegó el momento de “Libros Sapienciales”, yo me puse a tocar con el
violín, pero luego de unos minutos el instrumento saltó en pedazos por el aire.
Pensé instantáneamente que el calor del sol lo había hecho estallar, pero cuan-
4Música Progresiva en Argentina: ‘LA BIBLIA’ según VOX DEI, a 50 años del Principio..

do lo examiné vi que algo metálico había quedado dentro y pensé que forma- fragmentos de la “Resurrección” que no fueron de esa manera, ya que la ver-
ba parte del violín, de su estructura interna. Pasaron muchos años hasta que sión final es bastante distinta. .
supe que no había ninguna parte metálica que estuviera dentro de los violines, En “Profecías” yo marco la entrada, 1... 2... 3..., porque el que toca la guita-
de donde comprendí que muy probablemente fuera un proyectil el objeto que rra en esa toma no soy yo sino Godoy, que tenía una particular manera de ar-
encontré, en el mejor de los casos perdido y que tuve la suerte de que no me mar algunos acordes usando también el dedo pulgar. Para mí, que venía de
alcanzara. . una formación clásica, eso era una herejía, pero él lo hacía muy bien’. .
Asimismo, en esa misma quinta recibimos la visita de los periodistas del dia- Willy Quiroga contó: ‘Llegamos a los estudios Phonal para ver la grabación
rio Clarín que decían que iban a hacernos un reportaje por el inminente lanza- de la orquesta de cuerdas de Roberto Lar. Cuando escuché ese magnífico tra-
miento del disco de ‘La Biblia’. Nos sacamos fotos y hablamos largamente bajo, que aquí podemos apreciar completo, le dije a Roberto que me recorda-
bajo los arboles. Para nuestra sorpresa, cuando editaron la nota sólo pusieron ba el modo de Maurice Ravel. El se sorprendió gratamente por mi observa-
cinco líneas de todo lo que hablamos y la sumaron a otras diez declaraciones ción. No sabía que hacía años que yo escuchaba música clásica y que me gus-
y otras tantas fotos de otros músicos y la titularon algo así como ‘El Rock en taba mucho Ravel. .
Argentina’. Está de más decir que en la nota no había la más mínima mención También la grabación del coro fue inolvidable. Recuerdo a una cantante que
de nuestra obra conceptual’. estaba embarazada y tejiendo batitas y así nomás cantaba con una voz increi-
ble’. .
‘Hice varios dibujos para el disco. Finalmente se eligió el que quedaría y que
LAS CINTAS todos conocen. .
Ricardo Soulé hizo un desarrollo sobre la frase ‘Conócete a ti mismo’. Ese
Durante el proceso de realización de la Reedición Doble CD publicada en el ser simboliza al hombre reconociéndose como tal y realizando un esfuerzo titá-
año 2005, se rescataron las cintas originales de la grabación de ‘La Biblia’ nico, trata de arrancar las raíces que lo atan a la vida material y cotidiana, para
en 1971. Al escuchar diez de ellas que se conservan en perfecto estado a pe- así elevarse a un plano superior que lo espiritualice y purifique’. .
sar del paso del tiempo, se confirmó que cada tema fue grabado varias veces ‘Yo tenía un viejo equipo Davoli que me sacaba del paso pero que restaba efec-
y que había tomas alternativas de los temas que se conocen, y también frag- tividad a mi bajo Fender Presicion. En la misma época Almendra grababa uno
mentos de otros que luego fueran desechados (por ejemplo “Mandamien- de sus álbumes por lo tanto sus equipos Marshall, recién importados de EEUU
tos” y otro sin título que aquí denominamos “Base”). . estaban apilados contra una pared del estudio y nosotros los mirábamos sin
Un dato importante es que, en la Edición Final, el tema “Cristo” está organi- atrevernos a tocarlos, porque aunque conocíamos a los integrantes de Almen-
zado en tres movimientos (“Nacimiento”, “Muerte” y “Resurrección”), dra, no teníamos suficiente confianza como para usarlos sin permiso explícito.
pero originalmente los nombres de los movimientos eran cinco, con la inclu- Un día se aparece Emilio Del Guercio y cuando me ve con mi equipo me pre-
sión de “Prédica” y “Despedida”. . gunta ‘Por qué no usas el Marshall..?’ Y yo le dije que no tenía autorización, se
Ricardo Soulé escuchó todo el material y luego dijo: ‘Me encantan estas co- hecha a reír y me dice: ‘Usalo cada vez que lo necesites’. Por supuesto que le
sas. Disfruté de los ‘Anthology’ de los Beatles, por ejemplo. . agradecí, lo usé y el resultado es evidente entre el sonido de “Las Guerras”
Para mí, escuchar estas cintas fue revivir toda aquella experiencia, con temas y el resto de los movimientos del álbum grabados con mi viejo Davoli. Conse-
buenísimos que uno no tenía más en cuenta. Me resultó muy grato escuchar guí mejor sonido y aprendí lo que significa ‘camaradería’ entre colegas. Este
lo que por poco quedó afuera y la versión con la voz distinta del “Génesis”. gesto desinteresado y de profunda amistad, no lo olvidé y nunca lo olvidaré’.
Con respecto a la orquesta, hay unas versiones del “Nacimiento de Cristo”
que no tienen la flauta ni la banda de rock, sino sólo las cuerdas. Y hay Autor: Marcelo Fernández Bitar

.
nueve/octavos 4 Página/60
4Institucional: nueve/octavos magazine, Pocket!

CAMEL
‘A Nod And A Wink’
CAMEL PRODUCTION, 2002 / Tiempo Total: 55’:46”

CD 22º ANIVERSARIO 4 #Cat. CORP: 5 CA01014 1 CD

Tras concebir la más importante trilogía de la

década del noventa con ‘Dust And Dreams’
Del Catálogo Discográfico Club Oyentes de Rock Progresivo hemos seleccionado para compartir (1991), ‘Harbour Of Tears’ (1996) y ‘Rajaz’
con nuestros Socios la pieza # 5 CA01014 1 tratándose del álbum titulado ‘A Nod And A Wink’ de (1999); Camel se encontraba ante el gran
la agrupación británica Camel. Lo hemos seleccionado porque es un álbum muy especial. desafío de un nuevo álbum en el nuevo mile-
Un guiño sutil de Andy Latimer a toda su trayectoria y sus gustos musicales con claras referencias nio. La banda se había reformulado y el arribo
a Genesis y Caravan. Cada nota de este álbum está tocada con significado y convicción. Pone en
de Guy LeBlanc le había otorgado una nota-
evidencia a su creador, quien supo dotar a su música de la mayor honestidad artística y convertir
a su guitarra en la más sentimental del Rock Progresivo. ble presencia a los teclados. El álbum fue gra-
Con este gran disco queremos celebrar el 22º Aniversario del Club Oyentes de Rock Progresivo. bado entre Abril y Junio de 2002 en los Estu-
Durante el mes de Octubre de 2021, los Socios Categoría Pleno deberán estar recibiendo el álbum. dios Little Barn de su propiedad y Andy Lati-
Caso contrario, por favor contactarse con el Club a través de la dirección de correo electrónico mer (comparte créditos con Susan Hoover
cluboyentesrockprogresivo@gmail.com y LeBlanc) concibió un disco de canciones,
inspirado en los sueños de un niño.
El tono de ‘A Nod And A Wink’ es, en líneas
Edición Compacta de nueve/octavos magazine generales, nostálgico y melancólico, aunque

Pocket! en particular, Camel recupera el humor de

antaño.
Afortunadamente, tras el lanzamiento de la Edición Portable de nueve/octavos magazine, la revista El álbum fue producido por el propio Andy
obtuvo buena repercusión y algunas demandas: Muchos de los lectores han sugerido una presencia Latimer y abre con el tema que le da título
firme en redes sociales y demandado una menor periodicidad entre publicaciones. ‘A Nod And a Wink’ (11’:16”). Sus aires de
Escuchamos tales demandas y, tratado el tema, hemos resuelto satisfacer ambos pedidos. campiña, el sonido de un tren que parte im-
Como respuesta, generamos dos nuevos canales de comunicación.
pregnándose de la característica voz de Lati-
En primer término, creamos la cuenta Instagram @corp9.8 como sitio dinámico que exprese el
acontecer del Club Oyentes de Rock Progresivo, y en segundo término creamos una Edición
mer y su inconfundible estilo para ejecutar
Compacta de la revista nueve/octavos magazine que denominamos ‘Pocket!’. guitarras y flauta ofician el prometedor inicio.
Con Pocket! dispondran de una publicación en la misma línea editorial de nueve/octavos magazine Con el tic-tac del reloj parece conciliarse el
pero con una periodicidad menor entre publicación y publicación. sueño del niño y sus visiones nocturnas en
Pocket! circulará por redes sociales y también será distribuida mediante la modalidad de Suscripción este tema intimista, melódico y de extenso
Previa. pasaje instrumental colmado de sentimiento.
Pocket! será publicada en Versión Digital y tendrá su Edición Impresa Coleccionable, ya que trazará La batería corre por cuenta de Denis Clement,
una ‘linea de tiempo’ desde los orígenes del Rock Sinfónico & Progresivo hasta la actualidad. Colin Bass toca el bajo y participan Terry Car-
A los músicos que nos han enviado sus trabajos y que aún no hemos podido incluir, vaya una
leton (batería y percusión) y J.R. Johnston
disculpa pública por la demora y el compromiso de trabajar juntos en pos de difundir la buena música
de Rock Sinfónico & Progresivo desde este espacio.
aportando su voz.
A los lectores, sepan que depositaremos esfuerzos para que reciban la mejor publicación posible.
A los Socios y Colaboradores, el agradecimiento de siempre..
‘A Nod And A Wink’ es el maravilloso
Correo de Socios y Lectores disco que hemos seleccionado para
compartir con los Socios..
Para canalizar sus dudas e inquietudes. Hacer sugerencias. Enviar gacetillas de prensa y/o material de
difusión. Asociarse a Club Oyentes de Rock Progresivo. Suscribirse a nueve/octavos magazine.
Enviar correspondencia y/o comunicar algún otro motivo. Pueden contactarse a través de nuestra www.camelproductions.com
cuenta de correo electrónico cluboyentesrockprogresivo@gmail.com o a la dirección del Club: Calle
9/8 Edición Portable

119 Número 160 entre 530 y 531. Código Postal 1906A. Tolosa, La Plata, Provincia de Buenos Aires,
República Argentina.

nueve/octavos 4 Página/61
4Documental: EL RELOJ, ‘Alguien Más en Quien Confiar..’
RECOMENDADO

ÜNDER LINDEN
ESPACIOS INTERMEDIOS
Viajero Inmovil Records, 2013

Nan Madol / Quarks / Tributo /

ALGUIEN MÁS EN QUIEN CONFIAR Regards From The Garlic Sea /

Intertango / Rescatado / Discoprog /
Cronología de El Reloj Empatía / Un Día en la Luna /
Bonus Track: 14/8 de Música
Argentina, 2018 / Guión y Dirección: Gabriel Patrono & Matías Lojo / Duración: 75 minutos
Ünder Linden se formó en el año 2001 en la
El documental de Matias Lojo y Gabriel Patrono retrata de manera cronológica Ciudad de La Plata a partir del desmembra-
miento de Farenheit, una de las agrupacio-
la historia de una banda pionera y autogestionada que creó su propia mística y nes pioneras de rock progresivo. En 2007
publicaron su primer álbum de estudio ‘Ün-
marcó una época en el rock nacional. der Linden’ y en 2013 lanzaron ‘Espacios
Intermedios’, su segundo trabajo instrumen-
El heavy metal argentino surgió en la década del ‘70 de la mano de grupos como Pappo’s tal de estudio.
Blues, Pescado Rabioso, Vox Dei, que fueron algunos de los que trazaron la línea de este Con la incorporación de un tecladista adicio-
género, el cual hoy se conoce de otra manera, pero a El Reloj, con sus contrapuntos pro- nal al grupo, Ünder Linden intensificó los
gresivos, los tonos tensionantes y riff penetrantes, se los consideró como los revoluciona- matices y el diálogo entre sus instrumentos,
rios en este tipo de música. . creando una atmósfera más sinfónica en sus
Poseían una impronta innata de hacer cosas muy elaboradas al extremo, en la época en la melodías. En este segundo trabajo, la agru-
pación buscó variaciones rítmicas en cada
que vivieron. .
composición.
“Es difícil a veces definirse por una línea o por un tipo determinado de música y frente a El álbum es una co-producción Únder Lin-
esta dificultad nos hemos inclinado por abarcar desde la música barroca hasta lo más pe- den / Viajero Inmovil Records. Fue grabado
sado de este tiempo. Esto que nosotros llamamos El Reloj.” . en Noviembre de 2010 en Estudios Hollywo-
‘Alguien más en quien confiar’ es un documental de Matias Lojo y Gabriel Patrono, que od, La Plata. Mezclado por Ünder Linden y
narra de forma cronológica el origen y formación de El Reloj, una banda integrada por Wi- Alfredo Calvelo entre 2010/2011 y masteri-
lly Gardi, Tucata Suarez, Eduardo Frezza, Luis Valenti y Juan Espósito desde 1970 has- zado en 2012.
ta la última formación del 2001. . Todos los temas fueron compuestos y arre-
Cuenta con material de archivo, testimonios de profesionales de la música, además de los glados por Ünder Linden en base a ideas
originales de algunos de sus miembros, ex-
que pertenecieron a la antigua banda. Plasma la identidad del grupo, unos innovadores y
cepto “Regards From The Garlie Sea” y
adelantados a su época. El boca a boca fue el aliado que acrecentó de a poco su populari- “Empatía”, compuestos por Juan Gonzalez
dad, forjando la clave del éxito. . y arreglado por Ünder Linden.
Absolutamente provenientes de una dimensión diferente, al margen de ser un momento en El bonus track “14/8 de Música” fue graba-
que el ‘rock’ era mala palabra, El Reloj logró dejar una huella de gran importancia, inspi- do en vivo en Noviembre de 2011 en la Uni-
rando a varias generaciones de músicos. Su pico de notoriedad llega con la primera actua- versidad de Tucumán, tratándose de un tema
ción en el Teatro Astral y luego en el Luna Park, pero cuando parecía que iban a dar el de Farenheit compuesto en 1981 por Rome-
salto con su primera gira internacional, algo cambió. Los altibajos y las fluctuaciones to- ro, González, Gimeno y Villoldo)
maron más preponderancia dictaminando el rumbo del grupo, que aún hoy prevalece en
Personal:
el sentimiento colectivo de la gente rockera del Oeste de Buenos Aires. El film se centra en
Mario Gimeno: batería y percusión.
lo que fue y en lo que pudo llegar a ser. . Jorge Dal Cin: bajo.
En síntesis, ‘Alguien en quien confiar’ es ese viaje constante que resalta el amor y la pa- Gabriela González: teclados.
sión por la música. A su vez, se centra en la perseverancia de la banda en el camino musi- Roberto Medina: violines.
cal y la evolución de la misma a lo largo de los años. Una linea de tiempo estampada de Ezequiel Flores: teclados y sintetizadores.
forma correcta con detalles de una consecuencia lógica que deriva en este homenaje y re- Juan Cortes: guitarras.
conocimiento más que merecido a una de las bandas pioneras del rock pesado nacional. Participan:
Juan Gonzalez: guitarras.
9/8 Edición Portable

Jati Signorio: guitarras.

Disponible en Nacho Scarsella: composición y arreglos.

nueve/octavos
.
4 Página/62
4Música Progresiva en Argentina: JATTI, ‘FaSes’.
EL GUITARRISTA Y MULTIINSTRUMENTISTA
JATTI, LANZA ‘FASES’ SU PRIMER ÁLBUM
SOLISTA.
Ser guitarrista de Ünder Linden no es tarea fácil, la banda exige.. y mucho..!
Su nivel compositivo, sus interpretaciones y ambiciosa propuesta la sitúan
entre las destacadas y más interesantes de la rica escena progresiva nacio-
nal.
Lanzarse a la aventura de componer y grabar un disco conceptual como
multiinstrumentista, tampoco ha de ser una tarea liviana de llevar adelante..
Jatti se ha plantado ante las dos circunstancias de manera admirable.
En Ünder Linden, Jatti ha ocupado el rol más cambiante y dinámico que la
agrupación supo tener: El puesto de guitarrista. Un puesto que tuvo en las
figuras de Ignacio Scarsella, Juan Gonzales y Juan Cortes, notables expo-
nentes que le precedieron y con quienes Jatti, cerró el círculo.
Con Ünder Linden, Jatti grabó el notable segundo disco de estudio titulado
‘Espacios Intermedios’ (2010) y el film en vivo ‘Ünder Linden en Sala Zi-
tarrosa, Montevideo, Uruguay, 7 de Mayo de 2011’ (2012) del que Jatti
también se ocupó de desarrollar el arte de tapa junto a Ezequiel Flores.
Luego llegaría su trabajo para la agrupación de rock-fusion Terrible Sando-
kan en el disco ‘Guiso Caliente’ (2017), como preludio de su atrapante
nuevo disco solista titulado ‘FaSes’ (2021).
‘FaSes’ el nuevo y reciente álbum de estudio de Jatti, es un trabajo instru-
mental, conceptual y ambicioso para los tiempos que corren. Treinta minu-
tos musicales que retratan la contemplación de las diferentes fases de la
luna y los sentimientos de un músico y compositor comprometido con su
arte. Comprometido en la ejecución de su instrumento principal, la guitarra,
tanto como la multiplicidad de instrumentos y recursos sonoros que el mú-
sico interpreta en pos de un álbum sorprendente de principio a fin.
Batería programada, piano, sintetizador, samples, efectos, y por supuesto,
su abanico de guitarras construyen un disco climático y colorido, por mo-
mentos algo oscuro, siempre fulgurante y sentido. Un disco de gran poder
visual que invita a ser descubierto como si de un film se tratase.
Jatti sabe combinar los sonidos (..y los silencios) de manera reflexiva, co-
mo quien observa la luna.
nueve/octavos
Jatti / ‘FaSes’
. jatti.bandcamp.com/releases
Lanzamiento: 15 de Febrero de 2021
.
Lllegar a ello tiene su razón de ser. A lo largo de los años, Jatti ha desarrolla-
do un conocimiento basado en la experiencia, investigación y estudio de las
diferentes etapas de la producción musical tanto en vivo, como en el estudio
. de grabación. Si bien Jatti lo es en esencia, su disco, no es el disco de un
guitarrista, más bien se trata de un verdadero disco solista en el sentido es-
tricto de la palabra. Un trabajo muy personal en el que compuso la música,
grabó los instrumentos, programó otros y mezcló el material. Un disco de
nueve pistas instrumentales logradas como un todo indivisible. .
Que el álbum dure treinta minutos no es un hecho casual. Jatti toma en tér-
mino de minutos, los días que la luna tarda en atravesar todas sus fases.
. El artista ha presentado, además, un Video Álbum On-line con la música de
‘FaSes’ donde cada minuto corresponde a un día, con la intención de mos-
trar las transiciones de las fases hasta llegar la Luna Llena y pronto, decaer
la Luna Nueva. .
‘FaSes’ fue grabado en la segunda mitad de 2020 y masterizado por Alfredo
Calvelo. Puede ser escuchado en descarga digital, en diferentes plataformas
como Spotify, Apple Music, Tidal, Amazon y la redes sociales de Jatti. .
. En tiempos vertiginosos como los albores de 2021, tomarse un momento
para la reflexión, observar la luna y escuchar un disco de principio a fin, pue-
de ser un momento preciado. Oír el nuevo disco solista de Jatti es, sin duda,
un momento preciado que no debería dejar de tomarse..
.
9/8 Edición Portable
Autor: Fernando Lázaro
4 Página/63
4Disco Blanco: STEVE HACKETT, ‘Surrender Of Silence’
ANTICIPO NUEVO DISCO

STEVE HACKETT LANZARÁ UN NUEVO ÁLBUM

TITULADO ‘SURRENDER OF SILENCE’.
Steve Hackett lanzará un nuevo álbum de estudio titulado ‘Surrender Of Silence’ el día 10
de Septiembre de 2021 a través del sello InsideOut Music. .
El álbum incluye 11 nuevas canciones y será el segundo lanzamiento del año por parte de
Steve Hackett, luego del acústico ‘Under A Mediterranean Sky’ que el prolífico guitarrista
británico publicó en Enero. .
Con ‘Surrender Of Silence’, Steve Hackett explora ritmos étnicos desde una perspectiva
progresiva con la que regresa a un disco eléctrico tras su trabajo acústico anterior. .
STEVE HACKETT
Acompañan a Steve Hackett en este trabajo, sus habituales colaboradores en el estudio y ‘Surrender Of Silence’
en las giras: Roger King (teclados, arreglos orquestales y programación); Rob Townshend Inside Out Music, 2021
(saxo, clarinete y vientos); Jonas Reingold (bajo); Nad Sylvan (voz principal) y Craig Blun-
dell (batería). Fueron invitados a ser parte de este proyecto el legendario Phil Earth y Nick 01. The Obliterati (2’:17”)
D’Virgilio (batería); los talentos vocales de Amanda Lehman, Durga & Loreley McBroom; 02. Natalia (6’:17”)
Christine Townshend (violín y viola); Malik Mansurov (tar) y Sodirkhon Ubaidulloev (du- 03. Relaxation Music For Sharks
(Featuring Feeding Frenzi) (4’:36”)
tar). .
04. Wingbeats (5’:20”)
En el portal oficial www.hackettsong.com el notable guitarrista expresó: “Con ‘Surrender 05. The Devil’s Cathedral (6’:31”)
Of Silence’ hemos iniciado este viaje musical atravesando los océanos que nos traslada 06. Held In The Shadows (6’:20”)
desde las orquestaciones clásicas de Rusia (”Natalia”), pasando por las llanuras de Áfri- 07. Shanghai To Samarkand (8’:27”)
ca (”Wingbeats”), sumergiéndonos en las profundidades de los mares (“Relaxation Mu- 08. Fox’s Tango (4’:21”)
sic For Sharks”), hasta las misteriosas costas orientales (”Shanghai To Samarkand”). . 09. Day Of The Dead (6’:25”)
“The Devil’s Cathedral” reúne los talentos de toda la banda de gira de Hackett comanda- 10. Scorched Earth (6’:03”)
dos por un órgano gótico tocado por Roger King y una poderosa exhibición de ritmos de 11. Esperanza (1’:04”)
Blundell & Reingold. El dueto vocal Hackett-Lehmann le agrega una notoria emoción a
Lanzamiento: 10 de Septiembre de 2021.
“Scorched Earth”, una lamentación por los horrores ambientales que enfrenta nuestro pla-
neta. En el trayecto, la guitarra de Steve Hackett agrega un tapiz colorido y melodías intrin- Puede pre-ordenanarse en la tienda
cadas entrelazándose. www.hackettsong.com
“Es un álbum sin restricciones” agrega Hackett, “Montando las olas, desatando demonios,
sueños y pesadillas, todo junto chocando contra la orilla”. Más información y reservas:
‘Surrender Of Silence’ será lanzado en diversos formatos: www.mellotronweb.com.ar
Edición Limitada CD + BluRay MediaBook en estuche tapa dura.
9/8 Edición Portable

Formato Gatefold 2 LP + CD + Libro. Video Oficial “Wingbeats”

CD Standad y Álbum Digital Disponible en

nueve/octavos
.
4 Página/64
4Supergrupos: LIQUID TENSION EXPERIMENT
LIQUID TENSION EXPERIMENT
Jordan Rudess, Tony Levin, Mike Portnoy y John Petrucci
InsideOut Music, 2021
Liquid Tension Experiment es un supergrupo instrumental de metal pro-
gresivo originario de Estados Unidos. Está integrado por el bajista y stic-
kista Tony Levin; el guitarrista John Petrucci; el baterista Mike Portnoy y
el tecladista Jordan Rudess. . The Odds” fue lanzado como single y muestra la faceta más distendida y
La agrupación se reunió en el año 1996 tras una propuesta del sello Mag-
na Carta para publicar dos álbumes de estudio: ‘Liquid Tension Experi-
ment 1’ (1998) y ‘Liquid Tension Experiment 2’ (1999). . gle liberado, un track lleno de ideas y sentimiento. Luego llega “Chris &
El supergrupo también realizó algunas presentaciones en directo en Nue-
va York, Filadelfia y Los Angeles. . Adventure” del primer álbum. Se trata de una pista experimental y psico-
Tras esta experiencia instrumental, Jordan Rudess se incorporaría como
nuevo tecladista de la banda de metal progresivo Dream Theater al mo-
mento de grabar el quinto álbum de estudio de la agrupación, el recono-
cido ‘Metropolis Pt 2: Scenes From A Memory’, publicado el 26 de Oc-
tubre de 1999. De este modo, con el 75% del plantel de Liquid Tension
Experiment integrando Dream Theater, el proyecto dejó de producir mú-
sica. No obstante ello, en 2007 se editó un nuevo trabajo titulado ‘Liquid
Trio Experiment’. Este disco está conformado por antiguas grabaciones
que Mike Portnoy conservó guardadas. Todos los temas son sesiones
de improvisación realizadas durante la grabación del álbum ‘Liquid Ten-
sion Experiment 2’ pero con una particularidad: Son grabaciones realiza-
das en ausencia de John Petrucci, quien se encontraba en ese momento
pendiente del nacimiento de su hija. De allí el nombre ‘Liquid Trio Expe-
riment’.
nueve/octavos
Durante 2008, editaron un disco en vivo de ‘Liquid Trio Experiment’ lla-
mado “When The Keyboard Breaks” grabado durante un show en Chica-
go, EE.UU., en el cual el teclado de Jordan Rudess sufrió una grave ave-
ría. Los tres músicos restantes iniciaron una jam session de aproximada-
mente una hora, mientras Rudess y los técnicos intentaban reparar el ins-
trumento. El disco es el resultado de esa extensa jam.
En Diciembre de 2020, Liquid Tension Experiment anunció que lanzaría
un tercer disco. Dos décadas después, Liquid Tension Experiment regre-
só al estudio para facturar su tercer álbum. El disco está integrado por 8
piezas de virtuosismo instrumental. Abre con “Hypersonic”, una demos-
tración de notas ejecutadas con precisión, velocidad y destreza. “Beating
melódica de la banda. ‘Liquid Evolution’ es una pieza breve y calma que
funciona a modo de interludio. “The Passage Of Time” fue el primer sin-
Kevin’s Amazing Odyssey”, la secuela de “Chris & Kevin’s Excellent
délica guiada principalmente por Portnoy & Levin.
En la minigira de 2008, realizada con motivo de la Reunión 10º Aniversa-
rio de la banda, interpretaron una versión progresiva de la composición
de George Gershwin, “Rhapsody In Blue” (1924), muy valorada por los
fans y convertida en una de las creaciones favoritas del proyecto musi-
cal. Ahora la banda presenta la versión definitiva de 13 minutos de dura-
ción grabada en estudio. En “Shades Of Hope” el protagonismo pasa
por la guitarra de John Petrucci & Jordan Rudess, una balada sentida y
emotiva. El cierre llega con “Key To Imagination” una pieza épica y con-
tundente de 13 minutos de duración. El lanzamiento propone una Edición
de Luxe que incluye un segundo CD con jams de improvisación. Luego
de algo más de dos décadas Liquid Tension Experiment ha regresado al
9/8 Edición Portable
estudio para entregar el tercero de sus discos instrumentales de buena
factura experimental.
4 Página/65
4Nuevo Álbum: NAD SILVAN, ‘Spiritus Mundi’

NAD SYLVAN LANZA ‘SPIRITUS MUNDI’,

SU SEPTIMO ÁLBUM DE ESTUDIO.
En 2008, Nad Sylvan sacudió el universo del rock progresivo con su proyecto
‘Unifaun’ a punto tal, que Roine Stolt le propuso unirse en Agent Of Mercy y
el propio Steve Hackett lo contactó para que cantase en sus proyectos de Ge-
nesis Revisited. De allí en más, la carrera musical de Nad Sylvan se ha verti-
calizado. .
En su nuevo álbum de estudio titulado ‘Spiritus Mundi’, Nad Sylvan rinde ho-
menaje a la poesía del escritor irlandés galardonado con el Premio Nobel de li-
teratura en 1923, William Butler Yeats (1865-1939), a través de un álbum de NAD SYLVAN
concepto de base progresiva, melancólico, con algo de romanticismo clásico.
Un giro bastante radicalizado respecto a sus anteriores discos.
Si bien engloba dentro de un trabajo solista, es un proyecto compartido con
. ‘Spiritus Mundi’
InsideOut Music, 2021 / Tiempo Total: 56’:55”
Andrew Laitres que, de no mediar obligaciones contractuales, probablemente,
ambos nombres aparecerían estampados sobre la tapa del disco. . 1. The Second Coming (6’:58”)
Nad viene de grabar su trilogía vampírica con los trabajos “Courting The Wi- 2. Sailing To Byzantium (6’:40”)
dow” (2015); “The Bride Said No” (2017) Y “The Regal Bastard” (2019). . 3. Cap And Bells (4’:48”)
La relación con Laitres sienta precedente allí. En ‘Spiritus Mundi’ ambos se 4. The Realists (2’:17”)
comportan como multiinstrumentistas, incluso, comparten duetos vocales. Su- 5. The Stolen Child (4’:58”)
tiles guitarras, teclados y orquestaciones elevan la música a un plano superior. 6. To An Isle In The Water (4’:36”)
Sylvan expresa con libertad su rango barítono y todas sus habilidades artísti- 7. The Hawk (4’:10”)
cas con una encantadora teatralidad. La canción apertura del álbum “The Se- 8. The Witch And The Mermaid (1’:58”)
cond Coming” y “Sailing To Byzantium” son arrolladoras. En la segunda, An- 9. The Fisherman (5’:28”)
drew Laitres asume un primer plano vocal y los efectos de reverberación le o- 10. You’ve Got To Find A Way (5’:53”)
torgan una interesante dimensión. . 11. To A Child Dancing In The Wind (5’:08”)
Algunos de sus invitados para esta placa: Tony Levin en el bajo y Mirkko De
Personal:
Maio en la batería y percusiones. . Nad Sylvan: Voz principal y coros, guitarras,
Hay algo de naturaleza pastoral en el disco, que la magia del clavecín y la gui- batería, teclados, orquestación y producción.
tarra acústica acentúan, principalmente en “The Realist”. La cascada sonora Andrew Laitres: guitarra y voz.
de “Caps And Bell” teje su hechizo para un álbum enigmático. .
Un momento sublime aflora con “To An Isle In The Water” que pasa de lo ín- Invitados:
timo a lo épico en un abrir y cerrar de ojos. “The Hawk” es un tema energica- Steve Hackett: guitarra (11).
mente desbordante y “The Fisherman” trae un magnífico solo de guitarra eje- Tony Levin: bajo (1, 2, 3, 10).
cutado por Neil Whitford. . Jonas Reingold: bajo (7).
Pero la lista de invitados no ha concluido aún: el propio Steve Hackett y Ste- Mirkko De Maio: batería (1, 3, 7, 10).
ve Piggot forman parte del disco ejecutando guitarras, Jonas Reingold tocan- Neil Whitford: guitarra (7,9).
Steve Piggot; guitarra (9).
do bajo y Kiwi Te Kanna en oboe y flauta china para un trabajo que muestra
Kiwi Te Kanna: vientos (6,8).
a Nad Sylvan avanzando en otra de sus mejores facetas. .
Sylvan tiene un viaje musical extenso desde su primer sencillo “Midnatt” de
9/8 Edición Portable

Lanzamiento: 9 de Abril de 2021

1983 cantado en Sueco, (“Midnight” / “Medianoche”), pero su presente y las
asociaciones que está logrando lo muestran, verdaderamente prometedor. www.nadsylvan.com

nueve/octavos
.
4 Página/66
4Nuevo Álbum: CAST, ‘Vigesimus’

CAST LANZA ‘VIGESIMUS’

SU NUEVO E INTERESANTE ÁLBUM DE ESTUDIO
Cuando Cast grabó ‘Landing In A Serious Mind’ en 1994, tenía años en la ruta
musical y material suficiente para grabar, al menos, dos álbumes más. Si la dé-
cada del ‘90 fue tan prolífica para la producción de discos de Cast, se debe a
que la banda fundada por Luis Alfonso Vidales venía desarrollando su música
desde 1978. .
Toda la discografía de Cast es singular y merece el máximo de atención por di-
ferentes motivos, pero este nuevo lanzamiento se ubica entre sus mejores ex-
presiones. ‘Vigesimus’ se trata de, como su nombre lo expresa, el álbum núme-
ro veinte de los grabados en el estudio por Cast. Fue lanzado el día 15 de Mar-
zo de 2021 y responde al segundo trabajo para la etiqueta alemana Progressi-
ve Promotion Records, luego de ‘Power And Outcome’ (2017), su anterior ál-
bum de estudio. .
Actualmente, la agrupación liderada por el compositor, tecladista, gran promo-
tor de la cultura Mexicali y fundador del Festival Baja Prog, Luis Alfonso Vi-
dales, está integrada por José Antonio Bringas (batería y percusión), Claudio
Cordero (guitarra), Bobby Vidales (voz), Roberto Izzo (violín), Carlos Huma-
rán (bajo y coros) y Lupita Acuña (voz). .
Cast significa la presentación del Rock Sinfónico & Progresivo mexicano más
allá de las fronteras de México, con 43 años de existencia, la banda ha partici- CAST
pado de Festivales de Música y Conciertos que la sitúan a la vanguardia del gé-
nero. Cast se ha presentado en Inglaterra, Finlandia, España, Italia, Holanda,
Bélgica, Francia, Canadá, USA, desde luego en México, Costa Rica, Panamá, Chi-
‘Vigesimus’
Progressive Promotion Records, 2021
le, Brasil y Argentina. .
Tiempo Total: 76’:38”
En nuestro país, actuaron por primera vez con motivo de la presentación del
maravilloso álbum ‘Beyond Reality’, en 1996, traídos por la Asociación del
Rock Progresivo de Argentina, ofreciendo dos shows en Capital Federal y un 1. Ortni (5’:31”)
tercer concierto en Mar del Plata como cierre de la mini-gira. Luego volverían a 2. Black Ashes And Black Boxes (6’:18”)
visitar Argentina en otras dos oportunidades. En 2007 se presentarían en nues- 3. The Unknown Wise Advice (9’:43”)
tra querida Ciudad de La Plata para la gira ‘Com.Unión’ con motivo de la pre- 4. Another Light (3’:40”)
sentación del álbum homónimo, un disco que plasmó una nueva faceta del gru- 5. Manley (5’:16”)
po al contar con una alineación que incluía a los antiguos con los nuevos inte- 6. Location And Destination (7’:52”)
grantes de Cast, logrando un disco lleno de contrastes y dinámica, en donde la 7. Crossing (10’:00)
música permitió a sus integrantes mostrar pasajes técnicos e intrincados, lo- 8. The March (7’:21”)
grando un interesante balance entre las bases musicales históricas de Cast y 9. Contacto (10’:44”)
los nuevos integrantes que imprimieron ideas jóvenes y frescas. . !. Primer Acto
De hecho, para describir su presente haciendo hincapié en su pasado, la más II. Profundi
acreditada de las voces, es la de uno de los máximos responsables de que Cast 10. Dredging To The Higher Plane (10’:13”)
se conociera y difundiera en nuestro país, Andrés Valle expresó en su portal
www.mellotronweb.com.ar con motivo del lanzamiento de ‘Vigesimus’: . Personal:
“Nunca olvidaré el impacto que tuvo en mí ver en vivo al grupo Cast en el Pre- Luis Alfonso Vidales: teclados.
ProgFest 1995, en Los Angeles, tocando en la misma jornada que Lands End Claudio Cordero: guitarra.
(un muy buen grupo progresivo de California) y Brand X (la legendaria agrupa- Roberto Izzo: violín.
ción de jazz-rock que alguna vez contó con Phil Collins en batería), me asom- Carlos Humarán: bajo
bró el increíble virtuosismo de los músicos, quienes nunca dejaban que su Jose Antonio Bringas; batería.
gran técnica quitara protagonismo al aspecto melódico y armónico de las com- Bobby Vidales: voz
posiciones, responsabilidad en gran parte de su tecladísta y líder Alfonso Vi- Lupita Acuña: voz.
dales. Ambas virtudes se complementaban y potenciaban maravillosamente,
creando virtuales viajes musicales al mejor estilo narrativo del sinfónico clási-
www.castofficial.com
co de los 70s, movimiento musical que había influenciado enormemente a Al-
9/8 Edición Portable

fonso, estimulándolo a crear Cast en 1978.

nueve/octavos 4 Página/67
4Nuevo Álbum: CAST, ‘Vigesimus’

ENDLESS SIGNS, 1995

Sin embargo recién en 1994 comienzan a aparecer varios discos de Cast en for-
mato físico, como ser ‘Langing On A Serious Mind’, ‘Sound Of Imagination’ o
‘Third Call’ (una de las mejores obras de la primera época) ‘Four Aces’ y ‘End-
less Signs’ los sucederían en 1995, para lanzar en 1996 el maravilloso ‘Beyond
And Reality’, quizás uno de los álbumes más representativos de la estupenda
música de Cast. Justamente ese año visitaron Argentina por primera vez, traí-
dos por la recientemente creada Asociación del Rock Progresivo de Argenti-
na, donde nació la publicación Mellotron. El grupo ofreció dos shows en la Ca-
pital Federal, en el Auditorio Bauen y en LiberArte, para realizar un último y
fantástico concierto en Mar del Plata como despedida de la mini-gira. Luego
nos visitaría en dos oportunidades más, consolidando el enorme afecto que
une a nuestro país con la música de Cast. .
Su prolífica obra discográfica los encuentra ahora con el lanzamiento en estu-
dio número veinte, tal como lo expresa su título. Y no hay dudas de que se tra-
ta de uno de sus discos más espectaculares.
Pese a los numerosos cambios de integrantes en su formación, la esencia de
. BEYOND AND REALITY, 1996
su música es la misma y ahora enriquecida por diversos elementos que Cast
ha incorporado inteligentemente en su sonido. Uno de ellos es el violín, y los
arreglos orquestales de Roberto Izzo. Este notable músico italiano es el direc-
tor orquestal y violinista de New Trolls, y ha participado en discos previos de
Cast como ‘Vida’ (2015), ‘Power And Outcome’ (2017) y los trabajos en vivo
‘Sand Of Time’ (2016) y ‘Cast Sinfónico Live’ (2018). Rizzo creó fantásticos pa-
sajes orquestales escritos por sobre las composiciones de Alfonso Vidales,
responsable de todas las canciones de ‘Vigesimus’, (con letras creadas por Re-
né Vidales, su hermano), interpretados por la Orquesta Filarmónica del Cari-
be, de Mérida, México; y la Orquesta de Baja California, Mexicali, México. .
El resultado es verdaderamente fascinante, desde el instrumental de apertura
“Ortni”, el gran “Manley”, donde la destreza instrumental de los miembros de
Cast se evidencia en gran forma, o en el brillante “Contacto”, pieza en la que
encontramos una notable amalgama de todos los elementos que hacen de
Cast a una de las más importantes agrupaciones de las últimas décadas. .
No casualmente ‘Vigesimus’ se encuentra en los primeros puestos de la lista
de los mejores lanzamientos progresivos de este año en la página de Progar-
chives.
Todo el disco muestra a una banda muy cohesionada, aprovechando en gran
. POWER AND OUTCOME, 2017
forma el tiempo que han tenido para trabajar cada detalle, debido a la poster-
gación del lanzamiento (previsto inicialmente para Mayo de 2020), consecuen-
cia de la tremenda pandemia que asoló al mundo desde el año pasado. El tra-
bajo vocal de Bobby Vidales es verdaderamente estupendo, de enorme expre-
sividad y cierta reminiscencia del queridísimo, talentoso e inolvidable vocalis-
ta y flautista Dino Brassea (quien falleciera recientemente). También encontra-
mos en coros a Lupita Acuña, dirigida por Bobby. La base de Antonio Bringas,
el notable baterista de la banda en los años ‘90, y Carlos Humarán en bajo o-
frece un dinamismo notable, y la tarea del guitarrista chileno Claudio Cordero
aporta arreglos verdaderamente inteligentes y versátiles, cobrando protagonis-
mo en los instantes apropiados, ofreciendo excelentes y explosivos solos cuan-
do el tema lo necesita. .
En realidad, la música de Cast siempre fue el resultado de la unión de notables
músicos desarrollando juntos, como si fueran uno solo, una idea y un mensaje,
claramente definidos por el magnífico creador e instrumentista que es Alfonso
Vidales. Más que una banda es un lenguaje, la expresión del alma de un enor-
9/8 Edición Portable

me músico que alcanza, con este vigésimo álbum, quizás, la cima de su carrera
musical y entrega el que sin dudas seré uno de los mejores álbumes de 2021”. CAST SINFÓNICO, 2018
nueve/octavos 4 Página/68
4Nuevo Rock Progresivo Mexicano

Fabiola Simac
anticipa su primer álbum
Solista
El universo creativo de Fabiola Simac como solista no se
detiene. La artista que protagoniza la vanguardia del Nue-
vo Rock Progresivo Mexicano, lanzó su tercer sencillo
titulado “Aire Sin Alas”. Este anticipo además tiene como
particularidad que se trata de una versión diferente a la
que podrá escucharse en su futuro nuevo disco titulado
‘Immersion’ que la cantante, violinista y multiinstrumen-
tista tiene proyectado publicar en el transcurso del año.
“Aire Sin Alas” es el primero de sus temas cantados en
español y para esta versión Fabiola Simac cuenta con mú-
sicos diferentes logrando así un nuevo mood. .
Fabiola Simac cuenta con tres sencillos para su disco “Im-
mersion”: “Clinging To Nostalgia” (2018), “Solitude” (2020)
y “Aire Sin Alas” (2021), todos con Video Oficial que pue-
de visualizarse en YouTube, además de una serie de tribu-
tos que la artista realizó y pueden encontrarse en todas
las plataformas digitales, tanto como las colaboraciones
que ha tenido con bandas como Humus y Oxomaxoma.
También puede encontrarse una serie de tributos que Fa-
biola Simac interpreta con versatilidad como “Face Of
Yesterday” (ese conmovedor tema que Annie Haslam y
Renaissance inmortalizaron) tanto como una sofisticada
versión de “Song Of The Marching Children” (aquel te-
ma de casi 15 minutos de Earth & Fire) entre otros. .
Es que Fabiola Simac nutre sus raíces musicales, por le-
gado familiar, tanto en el Rock de los años 70’s como en
el mundo de la Ópera. Con tan solo seis años integró co-
ros, pero no fue hasta los catorce que tomó clases forma-
les de violín. “Un año después, a los quince, formé mi pri-
mer banda de Metal Sinfónico llamada Orphen, luego de
eso, a los diecisiete años tomé clases formales de canto y
piano” nos cuenta Fabiola, quien también se encarga de
componer las letras de sus canciones en inglés y español.

“Cuando las personas me preguntan sobre el género

musical de mis canciones encuentro muchas respuestas,
para todos suena el Rock Progresivo, pero además
mi música tiene un tinte gótico muy oscuro.
A mi me fascina que cada persona
descubra algo diferente..”
Fabiola Simac nos habla de sus planes para este año:
“‘Immersion’ ya ha sido grabado y con mucho trabajo
tengo planeado lanzarlo a finales, o quizás mediados de
este año. Desgraciadamente, la situación mundial ha fre-
nado el proceso.” .
Fabiola Simac también habla acerca de sus influencias y
‘Immersion’ de su proceso para componer y crear música “Mi música
tiene muchos pasajes cargados de un ambiente oscuro,
Fabiola Simac no puedo negar influencias como Sopor Arternus, Au-
Discos Péndulo, 2021 tumn Tears, Dead Can Dance, pero también del Prog co-
1. Limerencia 7:16
mo Earth & Fire, Curved Air, King Crimson, Heldon o
2. Aire Sin Alas 6:23 Can. .
3. Malady Of Love 4:24 Para mi fue un proceso largo componer las canciones de
4. Ice Dust 3:08 mi disco ‘Immersion’ y por supuesto de los sencillos
5. Clinging To Nostalgia 6:44 que ya conocen, pues al mismo tiempo formaba parte de
6. Individual Soul 3:31
Chac Mool y Vía Lactea. Pero fue la necesidad de expre-
7. Sinergia 8:29
8. Aether 5:14 sarme yo sola, bajo mi propia libertad, que me llevó a co-
9. Solitude 7:27 menzar y componer por mi cuenta.” .
Fabiola Simac es considerada una de las artistas más in-
9/8 Edición Portable

fluyentes del Rock Prog en México. Quedamos a la espera

del lanzamiento de su disco ‘Immersion’ este año.

nueve/octavos 4 Página/69
4Nuevo Álbum: PETER HAMMILL, ‘In Translation’
versionando a otros artistas
El nuevo e interesante álbum de Peter Hammill,
está basado en canciones de artistas por él admirados,
fue lanzado en formato CD y Digital el pasado mes de Mayo
Utilizando Terra Incognita, Wiltshire, el estudio de
su propiedad, entre Marzo y Diciembre de 2020, el
álbum fue producido, interpretado y grabado por el
propio Peter Hammill como reacción al aislamien-
to obligatorio.
Por Peter Hammill.
Cuando empezó el aislamiento, a principios del año
2020, me encontré, por supuesto, en un estado tan
desequilibrante e incierto que realmente no me sen-
tía capaz de escribir o grabar material nuevo. .
En cambio, para mantenerme ocupado, me puse a
trabajar en varias versiones de canciones. No tenía
un plan específico al principio y solo elegí una serie
de canciones en las que sentí que podía desarrollar
una buena performance. Entonces, fui tomándolo
más seriamente a medida que pasaba el tiempo. .
Finalmente, las piezas presentadas en esta colec-
ción parecen encajar como un todo, ya que la ma-
yoría de ellas tienen que ver con el contexto vivido.
Solo tres canciones estaban originalmente escritas
en inglés y he traducido el resto. . como dice el título, traducciones.
Había acumulado un poco de experiencia en la tra-
ducción de canciones a lo largo de los años, del
italiano, alemán, francés. Mi enfoque ha sido siem-
pre hacer traducciones culturales en lugar de estric-
tamente lingüísticas, de modo que se traduzca el
espíritu de la canción en lugar de su narrativa pre-
cisa y he seguido usando ése método aquí. Fui por
la traducción de las canciones porque, cualesquie-
ra que sean los méritos o fallas de mis interpreta-
ciones vocales en esta grabación, definitivamente
no podría haberme imaginado a mí mismo creando
un trabajo convincente mientras luchaba simultá-
neamente con la entrega de una pronunciación au-
téntica.
Si bien es un álbum de versiones, puede
decirse que algunas de ellas suenan
como canciones de Peter Hammill.
Peter Hammill
lanza su primer álbum
Muchas de estas canciones tenían orquestacio-
nes completamente desarrolladas en sus versio-
Hammil seleccionó canciones de
nes originales y, para llegar a mis propios arre- diversos mundos musicales: clásica,
glos, inicialmente tuve que averiguar como fun- cancionero americano, pop italiano
cionaban, aunque era un territorio desconocido
para mi. A partir de entonces pude elegir qué re-
y tangos de Astor Piazzola.
tener, qué omitir, parafrasear o deformar.
Una vez hecho esto, aunque algo inconsciente-
mente, arribé a una instrumentación uniforme en PETER HAMMILL
todo el proyecto.
Agregar piano y darle un papel estructural cen-
.
‘IN TRANSLATION’
tral, movió las cosas hacia mi paleta de sonido The Folks Who Live On The Hill (Kern / Hammerstein)
habitual. Coloqué también una pizca de guitarra Hotel Supramonte (de André / Bubola)
acústica. Los instrumentos orquestales son, por Oblivion (Piazzola / Tarenzi)
supuesto, samples, a veces intercalando con so- Ciao Amore (Tenco)
nido de sintetizador. También hay guitarras eléc- This Nearly Was Mine (Rodgers / Hammerstein)
tricas, algo de oscuridad y efectos sonoros. . After A Dream (Fauré / Bussine)
A su vez, hice mi mayor esfuerzo por mantener Ballad For My Death (Piazzola / Ferrer)
fielmente el espíritu de las canciones que inter- I Who Have Nothing (Magati / Mogol / Leiber / Stoller)
preto, en lugar de buscar algo extremo por sí Il Vino (Ciampi / Marchetti)
mismo. Estas interpretaciones y arreglos son, Lost To The World (Mahler / Rückert)
.
Las interpretaciones vocales en las versiones
originales siguen siendo incomparables y no in-
tento superarlas de ninguna manera, como
si pudiera. Estoy agradecido de que estas
canciones me hayan motivado y espero
haberlas honrado con este trabajo.
Peter Hammill, Bradford On Avon, 2021.
9/8 Edición Portable
nueve/octavos 4 Página/70
4En el Oído de la Tormenta..
6
YES ANUNCIÓ EL LANZAMIENTO
DE UN NUEVO ÁLBUM DE ESTUDIO
LANZA MIENTO
1/Octubre/2021
Yes lanzará un nuevo álbum de estudio titulado
‘The Quest’ a través del sello InsideOut Music /
Sony el próximo 1 de Octubre de 2021. .
Este trabajo estará integrado por 11 nuevas can-
ciones, 8 de ellas integrarán el Disco Principal,
mientras las 3 pistas adicionales serán presen-
tadas en un Segundo Disco. .
El anuncio fue dado a conocer por el guitarrista
y compositor Steve Howe a través de la página
web de la agrupación www.yesworld.com en
donde el músico publicó: “Es un honor para mi
‘HISTORIAS DE VOX DEI’
tener la oportunidad de reunir a los integrantes Título del Libro: ‘HISTORIAS DE VOX DEI’
de la banda en el desarrollo de un conjunto de Autor/es: Lucas José Fernandez /
canciones refinadas que capturan el verdadero potencial de la banda” dijo Steve Howe, quien tam- Néstor Rodolfo Petruccelli.
bién produjo el álbum, y agregó “Gran parte de la música fue escrita a fines de 2019 y durante 2020. Ediciones Disconario / Colección Potarretratos
Encargamos algunas orquestaciones para dimensionar el sonido general de estas nuevas grabacio- Año de Publicación: 2020
nes, esperando que nuestro énfasis en la melodía, junto a los solos instrumentales expansivos, cap- 200 Páginas
ten la atención de nuestros oyentes.” .
Actualmente, Yes se encuentra integrado por el nombrado Steve Howe en guitara, Alan White en ba- Vox Dei es un grupo fundamental en la
tería, Geoff Downes en teclados, Jon Davison en voz principal y Billy Sherwood en bajo, teclados y historia del Rock Argentino y tiene una obra
guitarra. Se supo que Jay Schellen aportará percusión adicional. La portada del álbum fue realizada extraordinaria a través de muchísimos
por Roger Dean, una paleta identificada con la obra de Yes. . álbumes.
‘The Quest’ podrá pre-ordenarse a partir del 23 de Julio y estará disponible en diversos formatos: Habría que hacer una lista interminable de
discos y son todos increíbles. El aporte que
Box Set de Luxe (Edición Limitada) integrado por 2 LP + 2 CD + BluRay. han hecho y la identidad que le han dado a
Art Book (Edición Limitada) integrado por 2 CD + BluRay. una manera de hacer Rock son significativos.
Gatefold, integrado por 2 LP + 2 CD + Libro Interno. Este libro refleja gran parte de su extensa
Digipack, integrado por 2 CD. trayectoria con comentarios y anécdotas de
Álbum Digital. sus integrantes, además de muchos otros
artistas que compartieron su carrera musical.
Consultas: Disquería Fenix: Calle 49 Nº 662 entre 8 y 9 Galería Malvinas Local 12, La Plata, Buenos
Aires, Argentina. disqueriafenix@hotmail.com facebook.com/disqueria.fenix www.viajeroinmovil.com

4 MAGENTA CELEBRA SUS 20 AÑOS CON UN BOX SET

ENTO
MIyo/20
LANZA28/Ma 21
En Mayo de 2019 Magenta celebraba su 20º Aniversario mediante un show en el Arlington Arts
Centre de Newbury, Inglaterra. Allí realizaron una ambiciosa presentación multimedia, con
proyecciones, actores en vivo y escenografías teatrales. El repertorio ofreció material extraído de
los 7 álbumes de estudio de la banda, incluyendo una sección con 48 minutos de su trabajo de
2006, ‘Home’. El grupo fue acompañado
en esta ocasión por flauta, oboe, percusión orquestal y músicos como Pete Jones (Camel,
Tiger Moth Tales) y David Longon (Big Big Train), con quienes hicieron la hermosa nueva
versión cantada de
‘Spectral Mornings’ de Steve Hackett.
Magenta lanza un Box Set de 2 CD’s y 2 DvD’s con el registro de aquel memorable concierto,
bajo el nombre de ‘Angels & Damned’ con la totalidad del show de 140 minutos.
Cuenta Rob Reed acerca del origen de Magenta: “En 1999 yo estaba en medio de la realización
del cuarto disco de Cyan y Christina Boot (la voz de Magenta) y yo acabábamos de disolver
nuestro proyecto pop Trippa. Probé una sección del nuevo material de Cyan con ella cantando
y supe instantáneamente que teníamos algo especial y que debía ser una nueva banda.
Magenta y el disco ‘Revolutions’ estaban naciendo. El resto, como se dice, es historia..

2 CD + 2 DvD Este interesante material está disponible en Disquería Discover, Av. Florida 537 1er Piso Local 441,
9/8 Edición Portable

Galería Jardín, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina. www.mellotronweb.com.ar

nueve/octavos 4 Página/71
4Institucional

Leer Rock Progresivo: Una práctica actual..

En los orígenes, el acto de leer consistía en pasar la vista y decodi-
ficar lo escrito. En la actualidad, leer significa percibir, comprender
e interpretar lo escrito. Leer es entrar en un diálogo mudo con un
interlocutor ausente. En tanto, dialogar significa, en primer término
‘escuchar’ y en segundo término asentir, disentir, interpretar, am-
pliar, deslindar lo importante de lo secundario. Todo ello, realizado
de una manera consciente, libre y racional.
En su modo esencial, leer significa extraer y comprender el signifi-
cado de un texto. La definición más sucinta es la de Daniel Cassa-
ny: Leer es comprender.
El Oyente de Rock Progresivo se caracteriza y diferencia de otros
oyentes de música, por su anhelo de conocimiento. Abordar todo
lo relacionado al disco que escucha es su modalidad práctica y
consciente. A su lado, las revistas están indisociablemente ligadas
a la práctica de la lectura. Longitudinalmente, las revistas han ejer-
cido un rol fundamental en la difusión de esa música que el Oyente
de Rock Progresivo tanto disfruta escuchar.
Cuando mencionamos el término ‘revista’ nos referimos a una pu-
blicación de edición periódica. A diferencia de los diarios y las re-
des sociales, orientados principalmente a transmitir noticias de ac-
tualidad, las revistas ofrecen un tratamiento exhaustivo de los su-
cesos o temas que desarrollan. La revista agrupa una serie de te-
mas que, al ser asociados adquieren otra connotación. Por su ca-
rácter orgánico, la revista suele estar impresa en papel de mejor
calidad que un diario, con una encuadernación más cuidada y ma-
yor espacio destinado al desarrollo gráfico. A diferencia de otro ti-
po de formatos, en los que la información adquiere carácter efíme-
ro, la revista propone una profundidad temática tal, que invita a ser
conservada como material de consulta y artículo de colección. En
ese aspecto, la revista empatiza con el Oyente de Rock Progresi-
vo, quien suele tener hábito coleccionista. Algunas revistas, defini-
tivamente, son artículos de colección.
Por mencionar una de ellas: La Revista Pelo, fundada en el año
1970 por Daniel Ripoll, fue la primer revista argentina dedicada
enteramente al rock, con especial énfasis en la difusión de las ac-
tividades de los artistas de la escena local.
En el ámbito editorial, se la considera dentro de la ‘Categoría Inter-
nacional de Revistas de Registro’, que son aquellas que durante
su transcurso ‘registran’ y ‘toman nota’ de todo lo ocurrido en su
ámbito de pertenencia. Por esa razón, Revista Pelo es una de las
más consultadas de la hemeroteca de la Biblioteca Nacional. Sus
Ediciones también están en otras Bibliotecas Nacionales de Argen-
tina y en varias Universidades de los Estados Unidos.
Hoy en día, muchas revistas ofrecen una nueva modalidad de lec-
tura: El formato digital, también denominado revista en línea. Esto
permitió acuñar un nuevo término para este tipo de publicaciones:
El término ‘red vista’. Muchas de estas revistas digitales, están ba-
sadas en las ediciones publicadas en papel.
Ya sea impresa en papel o en formato digital, la revista propone esa
experiencia tan personal de adentrarse en la lectura una y otra vez
con un ritmo propio e inherente a una revista.. Una práctica actual,
que no debería perderse..
9/8 Edición Portable

Collage de imágenes de autor desconocido. Se agradecerá si su autor, o un tercero, desea manifestarse sobre la propiedad intelectual de la obra.