Técnicas y Medios Artísticos

TÉCNICAS Y MEDIOS ARTÍSTICOS

TEMA 3. FASES DEL PROCESO ARQUITECTÓNICO Y SISTEMAS DE

REPRESENTACIÓN DE LA ARQUITECTURA

Esquema de contenidos

1. El proyecto arquitectónico

2. El dibujo arquitectónico

2.1. Proyecciones arquitectónicas

2.2. El dibujo de arquitecturas

3. La composición arquitectónica y sus principios ordenadores

3.1. Proporción

3.2. Simetría
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1. El proyecto arquitectónico

El proyecto es el proceso de diseño de una obra arquitectónica. La idea de proyecto a lo

largo de la historia de la arquitectura está íntimamente ligada a la perspectiva que se tiene sobre el
arquitecto y sobre su trabajo que ha sido cambiante en las diferentes etapas históricas. Podemos
decir que la idea de responsable intelectual y civil de un proyecto, es decir del diseño
arquitectónico, se fija en el s.XIX con la fundación de las escuelas de arquitectura como lugares de
formación de arquitectos.

Realmente, la primera información específica se aporta en el tratado del romano Vitrubio,

para quien el aprendizaje del arquitecto se funda en saberes prácticos y artesanales, lo que denomina
fábrica y saberes teóricos, ratiocinatio. El proyecto arquitectónico que para Vitrubio requiere que el
arquitecto ponga en práctica múltiples saberes teóricos: dibujo, geometría, aritmética, óptica,
historia, filosofía… El proyecto es una elaboración intelectual.

En la Edad Media, en la noción del proyecto, el arquitecto medieval era un maestro de obras
cuya profesión tiene lugar en el contexto artesanal de los gremios. De esta época conservamos un
testimonio fascinante, el libro de los dibujos de Villard de Honnecour, a través del cual podemos
vislumbrar como el dibujo permitió, entre otras cosas la transmisión de ideas, formas y modelos
arquitectónicos gracias a su representación.

En el Renacimiento, la idea de proyecto era entendida como la facultad intelectual y

científica de imaginar y proyectar un edificio u obra de arquitectura en sus aspectos técnicos y en su
configuración formal, se impone. La recuperación del tratado de Vitrubio ayuda a redefinir la labor
del arquitecto, alejándola de los aspectos artesanales. A lo largo de la Edad Moderna, el arquitecto
es aquel que da la traza del edificio. Se insiste en el carácter intelectual de la práctica arquitectónica
entendida como arte y se otorga un papel secundario a la ejecución mecánica. León Batista Alberti,
escritor y tratadista italiano, pero también arquitecto, es quien realmente separa los dos momentos,
el del proyecto y el de la ejecución, y con él el proceso arquitectónico se transforma en un elemento
independiente, se empieza a entender como el diseño acabado de la obra, sea cual sea su fase de
ejecución. De hecho, muchas de las arquitecturas de Alberti, el tiempo Malatesiano de Rímini o la
iglesia de San Andrés de Mantua, no fueron ejecutadas por él, sino gracias al proyecto
arquitectónico que él elaboró. Esta forma habitual de trabajo la heredan los arquitectos de la Edad
Moderna.

En el s.XVIII, nacientes Academias de Bellas Artes generalizan la expresión de las Bellas

Artes y la arquitectura se reconoce como la más noble de ellas. Las academias son las encargadas de
la sistematización de este conjunto normativo y de sus enseñanzas.
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La revolución industrial, la aparición de nuevos materiales así como el hierro, cristal u

hormigón, y de nuevas técnicas constructivas introducen un cambio en la percepción del proyecto,
en el que se vuelve a considerar definitivo su aspecto técnico. Actualmente, la separación entre
proyecto arquitectónico y de su ejecución es total.

2. El dibujo arquitectónico

2.1. Proyecciones arquitectónicas

El dibujo de arquitectura presenta habitualmente una estructura tridimensional. Su ejecución

suele ofrecer representaciones perfectas. Y se recorta sobre un fondo neutro, vacío. Los dibujos
realizados con vistas a un proyecto están trazados con regla y compás e indican el valor de la escala,
estudios analíticos, secciones y alzados, plantas que forman parte de la elaboración definitiva del
proyecto. El arquitecto no tiene que ser el autor material del dibujo, ya que estos se realizan con una
herramienta precisa, el dibujo técnico.

Las representaciones arquitectónicas por excelencia son: planta, alzado y sección:

La planta: Es la representación a escala de un corte horizontal imaginario de un edificio y

objeto arquitectónico. De forma convencional se establece que dicho corte se realice a la altura de
un metro sobre el terreno habitable. Sirve para mostrar la distribución de las distintas partes del
edificio, sus espacios, muros, soportes, etc. Existe una gran variedad en cuanto a la tipología de las
plantas.

- La planta basilical tiene un desarrollo longitudinal, un gran rectángulo dividido en una, tres
o cinco naves, separadas por columnas, la nave central más alta que las laterales. Realizada en la
basílica romana, es característica de la arquitectura paleocristiana, aunque ha sido utilizada a lo
largo de toda la historia de la arquitectura.

- La planta central de gran simbología, todos los elementos tienden a un centro, más o
menos circular (circular o poligonal), remarcado normalmente por estar cubierto por una gran
cúpula. El modelo lo establece el Panteón de Roma. El edificio religioso debe ajustarse a las
proporciones precisas, a ser posible debe adaptarse a una planta centralizada y manifestar la
armonía de la arquitectura mediante la proporción, la simetría y la belleza ideal. Pese a este deseo,
los edificios construidos de planta centralizada son escasos, haciéndose más habituales en el
Barroco.
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La planta más habitual en los templos cristianos es la de planta de cruz, en la que las naves
se cruzan y cortan por un transepto. Presenta dos posibles variantes: la planta de cruz griega y la
planta de cruz latina:

- Planta de cruz griega: Se produce cuando la nave y el transepto tienen la misma longitud y
se cruzan justo en el centro, el espacio que forman se denomina crucero y normalmente se cubre
con una cúpula. Este tipo de estructuras se consideran de planta centralizada.

- Planta de cruz latina: Se produce cuando la nave o las naves longitudinales son más largas
que el transepto. Este tipo de plantas fue la más utilizadas en el Romanticismo y el Gótico.

El alzado: es la proyección ortogonal de cada una de sus fachadas exteriores y muestra la

disposición de macizos y vanos y elementos decorativos sobre la misma.

La sección: es la proyección de un corte transversal o longitudinal a partir de un eje definido

por dos puntos dados. Representa la disposición vertical de los distintos componentes de un
edificio.

2.2. El dibujo de arquitecturas

Definir los elementos arquitectónicos es una herramienta de conocimiento que pertenece al

campo de la imaginación, lo fantástico y lo irracional. En el siglo XVI se utilizó con profusión para
los proyectos para las fiestas y entradas triunfales, es decir, se dibujó insistentemente la arquitectura
efímera.

En el siglo XVII los juegos de perspectivas caracterizan uno de los aspecto de la arquitectura
barroca. Las decoraciones de teatros y fiestas dieron lugar a una producción de dibujos
considerable: en Italia los dibujos de Bibiena, Juvarra, constituyeron uno de los mayores logros de
esa forma de expresión con juegos de perspectivas infinitas. Desde la segunda mitad del siglo XVII,
aparece un nuevo sentimiento emotivo del dibujo de arquitectura fantásticas y visionarias.

3. La composición arquitectónica y sus principios ordenadores

Espacio y masa son los principios que conforman la arquitectura, con ellos el arquitecto
concibe una idea que consigue plasmar mediante el proceso de la composición. La composición es
la organización, la estructuración de un conjunto mediante todos sus componentes, la concepción de
cada uno de los elementos, la interrelación de estos y cómo cada uno de ellos se relaciona con el
conjunto, la forma total.
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El espacio es ese ámbito inmaterial, sugerido por el pintor y el escultor, que el arquitecto
realiza, creando un dominio enteramente humano y finito dentro del ambiente infinito de la
naturaleza. Cuando se entra en un edificio, el suelo, las paredes, el techo, todo está pensado y
estudiado, mientras que el espacio, en el sentido en el que suele pensar en él, está vacío.

En la nave de una catedral gótica, las paredes altas confinan al espectador, dejándole libre
para caminar hacia el altar y obligándolo a mirar hacia las bóvedas para percibir los haces de luz
coloreada. El arquitecto gótico organiza una estructura que le permite emplear la luz, una luz
transfigurada que desmaterializa los elementos del edificio consiguiendo sensaciones de elevación e
ingravidez. Frente a ello, la iglesia románica había creado un espacio recogido, aislado del exterior
mediante gruesos muros de gran plasticidad.

El artista del Renacimiento concibe el espacio como un elemento infinito, homogéneo y

unitario, el cual debe cumplir dos requisitos: reflejar fielmente lo que el ojo ve y conformarse
siguiendo el principio general de representación científica, teniendo en cuenta las leyes de las
matemáticas, la óptica, la geometría y la perspectiva. La mayor parte de la arquitectura moderna
crea una secuencia libre del espacio, las nuevas técnicas y los nuevos materiales permiten despojar a
los muros de la función sustentante y en muchos casos, inclusos eliminarlos.

Pero la experiencia espacial no se restringe solo a los interiores de los edificios. La

sensaciones espaciales se pueden crear también en las ciudades, mediante el trazado de sus calles,
sus plazas y las manzanas de sus edificios o en los jardines.

El exterior de un único edificio, si se entiende aislado de cualquier otro elemento

arquitectónico, no crea espacio, simplemente ocupa el propio de la naturaleza, la pirámide egipcia o
la stupa india son arquitecturas que no crean ningún espacio interior significativo. El interior de un
templo griego presenta poco interés si se compara con el juego espacial que forma su columnata
exterior. Frente a ello, la arquitectura cristiana y bizantina invierten este énfasis y crean un
magnífico y místico espacio interior. La composición adquiere un carácter más rico si lo que hay
que ordenar son diversos espacios o masas, interior y exterior, en un mismo conjunto.

En la catedral gótica, la nave, los pasillos junto a ella, el transepto, el coro, el ábside, la
girola, conforman un espacio altamente complejo, pero además se pueden admirar por separado por
su propia calidad en cuanto soluciones espaciales únicas.

3.1. Proporción
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La relación ordenada que guardan entre sí y con el todo las distintas partes de un edificio, es
la proporción. Los arquitectos griegos establecieron un sistema de proporciones basado en el
diámetro más pequeño de la columna del templo, desde el cual el resto de las medidas se derivan
por multiplicación o división de esta misma proporción. La belleza y la armonía se entienden como
la proporción numérica entre las partes. Los arquitectos medievales utilizaron, en principio,
medidas aritméticas basadas en el área de la planta del edificio.

Con el estilo Gótico se cambia al sistema geométrico que emplea fundamentalmente el

triángulo equilátero y el cuadrado, figuras que adquieren un valor simbólico y místico.

En el Renacimiento, las proporciones y la armonía fueron regladas por un sistema de

composición musical, una armonía celestial que dominaba todo. La arquitectura moderna ha
regalado distintos sistemas de proporción, por ejemplo el Modulor de Le Corbusier, pero ninguno
ha sido aceptado ampliamente.

En el juego de las proporciones, el observador y su forma de mirar deben armonizarse con el

resto de los elementos, no ve solo las proporciones de una puerta, sino su relación con las
proporciones de la pared y las asocia con su propia proporción, relación que se denomina escala.

3.2. Simetría

Responde a la idea de disposición idéntica a un lado y otro de un eje, real o imaginario,

estrictamente a la disposición axial de los elementos, que gana o pierde relevancia en la medida que
se acercan o alejan de ese eje.