Tema: Investigación sobre el Teatro

Estudiante: Emilio Ordóñez

Curso: 3ro BGU

Paralelo: Isidro Ayora (IA)

Fecha de Entrega: 18 de junio de 2022

Docente: Lic. Danny Torres

Asignatura: Teatro (ECA)

2021-2022
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Teatro griego e inicios del teatro

El teatro griego comenzó en el siglo VI a. C. en Atenas y fue pionero en representaciones

teatrales de convocatoria masiva. Las primeras puestas en escena se basaban en las
ceremonias religiosas representadas a través de la tragedia y, con el tiempo, se fueron
incorporando otros géneros como la comedia y la sátira.
El teatro griego se caracterizó por sus obras vinculadas a las ceremonias religiosas de culto al
dios Dioniso. Los rituales consistían en el sacrificio de cabras, canciones llamadas trag-dia y
danzas con máscaras, entre otros.

Las tramas de la tragedia estuvieron siempre inspiradas en episodios de la mitología griega,

que solían formar parte de la religión griega. Sólo podían actuar los hombres y, las primeras
obras, constaban de un solo actor que se mostraba disfrazado con un traje y una máscara, para
representar a los dioses.

Las grandes máscaras con rasgos exagerados fueron un ícono importante del teatro griego.
Eran utilizadas porque formaban parte de los rituales religiosos, adaptados para recrear las
obras teatrales y también porque permitían que un mismo actor pudiera representar a
diferentes personajes.

El coro era una de las características más importantes del teatro griego. Estaba conformado
por un grupo solo de hombres cuyo desempeño interactuaba durante todo el desarrollo de la
obra, generando un clima particular en cada instancia. Además, cumplía el rol de entretener y
divertir al público al acompañar la danza de los actores.

El público era masivo y estaba conformado por personas de diversos estratos sociales. Por
eso, existían ubicaciones preferenciales destinadas solo para los magistrados, sacerdotes y
ciudadanos ilustres que, además, tenían una mejor vista del escenario.

Análisis.

Me parece interesante ya que desde un inicio, el teatro ya adquirió muchos factores que a día
de hoy se siguen utilizando como puede ser el coro, que hoy en día se ha transformado en
efectos visuales o musicales. También se puede observar que la gente en ese entonces vivía
en estatus sociales también, pero esto no les impedía poder celebrar y disfrutar de estas obras
de teatro que, a la final, era una manera recreativa de poder pasar el tiempo para todos y me
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parece increíble el hecho de que no se necesite dinero o un estatus social mayor para poder
disfrutar de los orígenes del teatro en sí.

Comedia del Arte

La comedia del arte fue una forma teatral italiana que floreció a lo largo de toda Europa
desde el siglo XVI hasta el siglo XVIII. Fuera de Italia, este tipo de arte tuvo su mayor éxito
en Francia, donde se convirtió en lo que se conoció con el nombre de Comédie-Italienne. En
Inglaterra, los elementos parte de la comedia del arte se naturalizaron principalmente en el
arlequinaje y en el mimo. Los artistas profesionales que se especializaron en este tipo de arte
lograron desarrollar una técnica de actuación cómica inigualable, que logró darle más
popularidad a las compañías itinerantes de comedia que viajaron por toda Europa.

Características

Las principales características de la comedia del arte son las siguientes:

● Las obras se dividían en tres diferentes actos.

● Las actuaciones u obras tenían una trama definida y sus personajes eran todos
arquetípicos.
● Se trataban temas relacionados con enredos amorosos, amor y celos.
● Todos los personajes que participaban de la obra usaban máscara, excepto los
personajes que representaban enamorados.
● Era un teatro de media máscara y permitía al comediante poder hablar.
● Los disfraces, el travestismo, los malabares, el humor satírico y mordaz sobresalían
todo el tiempo en la comedia del arte.

Análisis.

Este fue un arte a mi opinión un poco más allá de lo teatral y serio, ya que, si bien se puede
usar elementos externos a la obra para poder darle un mayor impacto y significado, también
se puede realizar muy fácil sin necesidad de luces o efectos de sonido, simplemente con ser
creativo basta.

El Clown en el teatro
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En la formación actoral el clown representa una técnica de base para los alumnos/as de
Interpretación teatral, tanto para aquellos/as que quieren formarse profesionalmente como
actores/actrices como para aquellos/as otros/as que sencillamente quieren investigar sobre sí
mismos/as y volver a conectar con ese/a niño/a interior que todos/as llevamos dentro y que
raras veces mostramos a los demás. A continuación compartimos con vosotr@s algunas de
las características básicas del clown descritas en La Poética del Clown del blog Jesús Jara:

El clown representa nuestro mejor otro yo, y la posibilidad por tanto de practicar la
esquizofrenia sana. Percibir, sentir, accionar y relacionarse desde un estado payaso, que
consiste en estar contigo mismo, tendiendo un puente hacia los demás a través de la mirada.

El clown es un ser libre, y desde esa libertad se relaciona con el espacio, el tiempo, los
objetos y las personas. Es apasionado, todo lo siente y lo hace al 100% de intensidad.

El clown es la esencia de nuestro niño interior filtrada por las experiencias. Es creativo y la
creatividad se manifiesta en su estado más puro ante las limitaciones.

Sienta la emoción que sienta, es imprescindible que el clown termita siempre ternura.

El clown juega constantemente. Es su manera de explorar, de aprender, de conocer, es su

forma de vivir. No pretende divertir sino divertirse. No buscar hacer reír sino el cariño del
público.

El clown puede ser blando o duro, fuerte o débil. Todo depende de su estado anímico, sus
motivaciones y su soledad o compañía.

En la manera de expresar del clown, una imagen vale más que mil palabras, aunque una
frase corta a tiempo explica más que mil gestos excesivos.

El clown no transmite violencia…ni cuando agrede.

En la manera de comportarse del clown no existen tonterías. Todo lo que hace tiene
coherencia; la suya. Eso convierte cualquiera de sus actos, incluso el más absurdo, en
normal.

Análisis.
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Desde mi punto de vista, esta técnica o forma de representar de cierta forma el teatro es
impresionante y muy interesante ya que yo lo veo más como una forma de expresar la
libertad que tenemos en nuestros corazones y alentarnos hacia todos nuestros deseos y
fantasías que teníamos cuando niños y que aún seguimos teniendo, simplemente que ahora
que estamos en una etapa más adulta lo reprimimos ya que vivimos en una sociedad que ve
ese tipo de cosas como infantiles o inmaduras, pero yo creo que representarlo como una
técnica teatral es la mejor forma de poder sacar a la luz todo ese niño interior que todos
llevamos dentro sin que nos juzguen.

Teatro Físico

El teatro físico es todo aquel teatro cuyo principal medio de creación y expresión es el cuerpo
como la danza, el mimo, la acrobacia o las artes marciales, en lugar de los aspectos
psicológicos en la creación del personaje.

Al ser una forma de teatro menos literal, potencia la imaginación y capacidad de sugestión
del espectador. El teatro físico suele considerarse un teatro experimental, opuesto al
naturalismo y el realismo, que busca generar experiencias más visuales, sensoriales y
viscerales en el espectador. El teatro físico no corresponde a un único estilo que pueda
caracterizarse, sino a una diversidad de trabajos, que comúnmente comparten ciertos puntos
en común:

● El énfasis en el actor como creador, en lugar del actor como intérprete.

● El proceso de creación es un trabajo colaborativo.
● El proceso de práctica es somático.
● La relación escenario-espectador es abierta.
● La vivencia del medio teatral es primordial.

Análisis.

Estoy de acuerdo con que se lo denomine experimental ya que siento que si el protagonista
que lo interpreta sabe expresar bien sus emociones y lo que quiere resaltar mediante un baile,
podría expresarlo mucho mejor que con palabras como en las obras de teatro tradicionales,
sin embargo, si es que no logra expresar bien los sentimientos o lo que quiere transmitir ya
que puede ocurrir por muchos factores un movimiento involuntario o algún error, creo que no
se entendería bien el mensaje.
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Historia de Cirque du Soleil

Al comienzo de los 1980, un grupo de artistas fundado por Gilles Ste-Croix llevó su talento a
las calles de Baie-Saint-Paul, una villa encantadora en las costas del río St. Laurent cerca de
la ciudad de Quebec. Conocidos para el público como Les Échassiers de Baie-Saint-Paul (Los
caminantes sobre zancos de Baie-Saint-Paul), este grupo formaría el núcleo que se convertiría
en Cirque du Soleil. Este elenco tenía un espectáculo ecléctico, donde se destacaban
malabaristas, bailarines, tragafuegos y músicos que encantaban a los fanáticos locales con su
número. Estos primeros fanáticos y artistas no sabían que estos serían los comienzos que
llevaría a algo mágico, emocionante y revolucionario a escala global.

Después de años de afinar su arte, Guy Laliberté, miembro de Les Échassiers, decidió que el
espectáculo había evolucionado y estaba listo para deleitar a fanáticos fuera de su ciudad de
origen. En 1984, para marcar el aniversario 450° del descubrimiento de Canadá por parte de
Jacque Cartier, Laliberté decidió llevar el espectáculo de gira por la provincia, mostrándole a
las personas un atisbo del futuro de las artes circenses y reflexionando en torno a la historia
de su nación. Este espectáculo viajero ofrecía una visión única de las artes circenses: Libre de
animales, llamativa, dramática, hermosa y reflexiva. Los artistas callejeros tenían trajes
escandalosos, iluminación mágica y música original. Laliberté apodó a este nuevo elenco
móvil Cirque du Soleil porque, en sus propias palabras, “El sol simboliza la juventud, energía
y fuerza”. Un nombre adecuado; al elevarse el sol de Cirque du Soleil por primera vez,
comenzó un nuevo amanecer en el mundo de las artes circenses.

En 1993, Mystere se convirtió en el primer espectáculo permanente de Cirque du Soleil.

Presentado en un teatro personalizado construido para acomodarse a las complejidades del
espectáculo, Mystere iluminó el strip de Las Vegas y se convirtió en una parada obligatoria
en cualquier viaje a Las Vegas. Mystere todavía se presenta con el teatro lleno después de dos
décadas en Las Vegas, deslumbrando a generaciones con su maestría y belleza. Cirque du
Soleil llegó para quedarse, y en los años siguientes se amplió para conquistar a Asia, Europa
y América del Sur con una serie de nuevos espectáculos que han ido de gira por el mundo,
llenando estadios enormes con fanáticos modernos del circo.

Tras comenzar nuestra cuarta década de entretener a los fanáticos de todo el mundo, Cirque
du Soleil no ha perdido la visión de futuro que provocó la adoración de cualquiera que lo
viera en sus primeros años. Desde el espectáculo para toda la familia Beatles Love, que
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vuelve a poner en contexto la psicodelia y exuberancia del catálogo de música pop de los
cuatro fabulosos para el escenario por medio de un espectáculo visualmente impactante, hasta
el espectáculo erótico para adultos Zumanity, una exploración de la sexualidad en todas sus
manifestaciones, comprometida con el escenario en un espectáculo impactante y escandaloso,
Cirque du Soleil sigue eliminando barreras e impresionando a sus fanáticos, antiguos y
nuevos, en todo el mundo.

Análisis.

Cirque du Soleil me parece algo impresionante y creo que jóvenes como yo y mis
compañeros deberíamos aprender más acerca de este tipo de arte porque en sí nos ayudan de
cierta forma ya que el show expresa temas como la sexualidad, entre otros, y creo que el
hecho de que yo y mis compañeros y nuestra ciudad en general no sepa mucho acerca de este
festival que a mi parecer es algo exuberante en el mundo del arte.
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Bibliografía.
https://www.caracteristicas.co/teatro-griego/
https://www.euston96.com/comedia-del-arte/
https://es.wikipedia.org/wiki/Teatro_f%C3%ADsico
https://www.cirquedusoleil.com/es/sobre-nosotros/historia
http://www.actuastudio.com/es/ser-clown-significa-estar-clown-2/