ARTE DEL SIGLO XVI

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 TEMA 0.
Introducción.

TEMA 0. Introducción. Europa torno

a 1500. Un nuevo mundo
El arte en Europa en los inicios del Clasicismo. Reflexiones sobre
la imagen en otros mundos.

EL arte del siglo XVI se dice que es el periodo clásico

de la Historia del arte, no hay que confundir con el clasicismo
de la antigüedad (griego y Romano), pero se emplea referido
al arte italiano sobre todo ya que el arte del renacimiento se
ve inspirado en el clasicismo Grecoromano. LA palabra
renacimiento proviene de “renacer” ya que es el renacer del
arte griego y romano. Vamos a ver como la imagen en otros
mundos se producen cambios en el arte que ya había sido
anunciado por artistas y lugares en el siglo XV.
Uno de los emblemas del Renacimiento es el
autorretrato que, en el año 1500, se hace el artista Durero,
que desde sus primeras obras se revelo como artista
interesado en lo nuevo de manera que lo nuevo de la
representación del artista, el retrato, el paisaje, el arte
religioso… etc., los temas novedosos no solo la visión
novedosa de la realidad ha de ser atribuida a Leonardo, sino
que los dos artistas son Leonardo en el Norte y Durero en
Alemania. EL Autorretrato, representa a el artista de una
manera frontal hierática, su figura se puede inscribir en un
triangulo que se consideraba una de las figuras perfectas, de
la perfección de Dios, o de lo más sencillo, es decir que nos
(autorretrato Durero, Museo de Munich)
presenta al Durero como un ser perfecto, no solo por esto,
sino también porque lo que está imitando es una iconografía ya consagrada en el siglo anterior
por los pintores flamencos, Eyck como ejemplo de ello. EL retrato roza la herejía, pero lo mas
probable es que esa no fuese la intención del artista.
El artista crea a través del pensamiento, y por eso da la importancia al rostro, a la
frente ( pensamiento) y a la mirada. EN la creación artista tiene que verse también la habilidad
manual, por esto aparece la mano perfectamente realizada, mano que se deleita en acariciar la
piel de la ropa de Durero. U equilibrio entre lo intelectual y lo manual. SI nos acercamos al
retrato veríamos como esta cuidado incluso el cabello, utilizando pinceles de distintos grosores
con cuidado para mostrar aquello que el quería, el carácter divino de la creación del artista.
El orgullo del artista, uno de los ejes esenciales del arte del siglo XVI, aparece en la
firma incluso, Durero, hombre universal se fijo en la imprenta, uno de los renovadores del
imprenta. Colocando la rúbrica a la altura de los ojos, y poniendo la fecha emblemática en la
cual está pintado el cuadro, y a nuestra derecha una inscripción para la cual se da una
importancia enorme todo este retrato está indicando el carácter por un lado divino y por el
otro manual.
En los cuatro libros del cuerpo humano Durero se dedica ha estudiar las proporciones
del cuerpo humano. Una realidad geometrizada y reducida a esquemas geométricos, critica
profunda al gótico final.
Lo mismo sucede en otros mundos, realmente estas representaciones de emperadores
y grandes señores del periodo Momoyama en Japón, también la figura geométrica triangular

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Introducción.
tiene gran importancia, un interés por las representaciones hieráticas, a
través de la ausencia de movimiento y de la majestad representada sedente
y entronizada, como en el arte Europeo.
Leonardo lo representa de forma emblemática con el famoso dibujo
del Hombre vitruviano, proyectado en el circulo y el cuadrado.
Bramante, una figura fundamental
en la historia de la arquitectura, sobre todo
por el primer proyecto de basílica del Hombre de Vitruvio, Leonardo
vaticano y por una especie de experimento
en pequeño de un edificio de planta central con cúpula, Sam
Pietro in Montorio en Roma. UN dibujo del taller de Bramante
con el dibujo de la arquitectura, en la que se obsesiona por
las plantas centrales con cúpula, obsesión por el Panteón.
Pórtico con orden Dórico cubierta por cúpula semiesférica
señala el lugar del martirio de San Pedro, simbolismo claro de
lugar sagrado, une lo que es la iglesia con el mundo clásico es
decir revive el mundo de los romanos a través de una
imitación creativa de su arquitectura.
En la corte de
Suleiman aparece Sinan, es el
arquitecto de palacios y
mezquitas, entre ellas la
mezquita Azul, esta también
realizando a una escala
Sam Pietro in Montorio en Roma, Bramante grandiosa un espacio sagrado
con arquitecturas clásicas. Una planta central a escala del
Vaticano con cúpula, las ideas de grandeza religiosa
desarrolladas a través del arte también pueden ser puestas en Mezquita azul, Sinan
paralelo con la preocupación de las plantas centrales y las
cupulas de otros lugares.

Occidente y oriente no son ambientes tan lejanos, no tenemos que maginar esto como
compartimentos estancos.
El tema de la esferidad lo invade todo, se ha descubierto que
la tierra es esférica, que es un planeta, se discute si los otros planetas
giran alrededor de la tierra o la tierra alrededor del sol, esto tiene
que ver con la historia del arte, la tierra no se puede representar de
la misma forma. EL tríptico del Jardín de las delicias del Bosco
representa el mundo como una esfera en el cuarto día de la creación,
y arriba representado Dios, con la capacidad de ver lo que está
creando pero esta capacidad que se le concede a Dios, aunque nos
coloca a nosotros en la posición divina, igual que dios ve la globalidad
nosotros también, y cuando se abre el tríptico aparece l gran jardín,
con la creación, el mundo y el infierno.

El jardín de las delicias, tríptico cerrado, EL Bosco.

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 TEMA 0.
Introducción.
Un mundo en el que la relación entre cielo y tierra es muy
importante, Dios Padre y le mundo de la Tierra, la idea de relación es
algo que obsesiona a los artistas del siglo XVI, a través de la idea de las
proporciones, que tiene que ver con la música, la arquitectura… EN un
cuadro de Ticiano se representa las tres edades del hombre a través de
la lectura de una partitura musical, la vida desarrollada a través de la
música, como medida. Por eso todos los artistas sabían composición,
canto… porque la música era un elemento esencial en la educación del
hombre del siglo XVI.
La fealdad y lo horrible también esta representado, es un siglo de
guerra y lucha. LA idealización de la Piedad frente a la muerte de Cristo.
También se logran las primeras representaciones el ser humano.

Tres Edades, Tiziano.

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 TEMA 1.
Un mundo nuevo.

TEMA 1. Un mundo nuevo

imágenes del mundo a principios del siglo XVI

El arte manuelino, la idea de nuevo mundo, de descubrimiento tiene

bastantes reflejos en elementos decorativos, como por ejemplo pequeños
elefantes, esculpidos en motivos decorativos. La fascinación que el mundo no
occidental produce en los occidentales, como la ventana del Convento de
Tomar en Portugal. No tiene formas góticas pero tampoco las Renacentistas.
Todo ello coronado por una cruz, ya que los viajes se justificaban con una
finalidad de extender la religión cristiana por todo el mundo, en realidad
responde a motivos de expansión política, social, económica, pero la principal
es la religiosa, debajo aparece el escudo de el rey de Portugal, Manuel el
Afortunado, los signos habían sido extremadamente importantes para
demostrar pertenencia y riqueza. Se le da importancia a las esferas armilares,
un símbolo de orden, concebido como un mundo circular, la bola del mundo.
Puede que el elemento más espectacular de la la aportación de las cuerdas
como símbolo de la navegación. Se ve la ventana como muy “barroca”,
la exuberancia que fascina a los descubridores, porque esos mundos Ventana del convento de Tomar, Portugal.
descubiertos son también muy barrocos.

Descubrir el nuevo paraíso, venia por un

Esfera arbilar palacio del escorial
esfera arbilar del palacio del escorial, en la biblioteca del monasterio del escorial.
interés previo por la ciencia de la antigüedad, el
descubrimiento de los textos de los clásicos.
Ptolomeo es el gran geógrafo de la antigüedad, se
convierte en un personaje mítico porque es el que
empezó a realizar mapas, el primero que tiene una
concepción total. Ptolomeo pensaba que el mundo
era un cosmos geocéntrico. Pero todo esto no es algo
propio del accidente renacentista. Las esferas
arbilares se convierten en objetos estéticos y de
colección y exposición. La esfera armilar con un
sistema de galileo, en le museo de Florencia, o la

Hay una obsesión por el tema, sobre todo en los mundos portugeuses y españoles, que
son los mas interesados en este aspecto, Los tapices portugueses en los que se pueden ver a
Atlas, o la imagen del mundo como una esfera en la cual gira el sol y la luna.
La casa de Austria, los Habsburgo, es lógico que se interesaran por la representación
del mundo y de sus dominios, para eso recurrieron a astrónomos y geógrafos, y
fundamentalmente a geógrafos flamencos. Fue en Flandes donde se desarrolló el tema de la
geografía.
El mundo representado en un atlas islámico es completamente diferente al que
estamos acostumbrados.

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 TEMA 1.
Un mundo nuevo.
LA idea del mundo va a influir
muchísimo en las representaciones
artísticas. La batalla de Alejandro de el
pintor Altdorfer, un pintor del sur de
Alemania para los duques, es uno de sus
palacios añadió Alberto V una sala de
batallas. Como gran artista hace una de las
imágenes mas importantes del siglo XVI. Se
muestra como una enorme confusión, se
produce la persecución de Alejandro y
Darío en el que ambos están entre la
confusión de elementos bélicos, pero lo
que le interesa al autor es mostrarlo como
una dimensión cósmica, el horizonte no es
un horizonte recto, sino curvo que muestra
la visión del paisaje con una luz que ilumina
la parte de atrás. Todo esto hubiera sido
imposible sin la preocupación del
antigeocentrismo.

Batalla de Alejandro Magno, Altdofer

En Flandes, Carlos V, aparece Patinir, pintaba

en Flandes y después en círculos cercanos a la corte
que será una de las pinturas favoritas de Felipe II.
Paisaje ocn San Jeronimo. LA idea de que Patinir es
el descubridor del paisaje casi como un género, lo
que importa en el cuadro es la idea de paisaje. Hay
un interés por la naturaleza y el paisaje que se esta
descubriendo, deja de ser un paisaje convencional,
como parecía en las miniaturas, por un paisaje real.
Altdorfer, principal representante de la pintura del Sur Paisaje con San Jeronimo, Patimir
realiza el pequeño cuadro “paisaje alrededores del
Danubio”.
El genero de pintura mas noble es la pintura de Historia, el
siguiente genero e importancia es el retrato. Luego hay otros géneros
considerados géneros menores, como el bodegón o el paisaje. Esto se va a
Paisaje alrededores del Danubio, Altdofer imponer a lo largo del XVI, hasta principios del siglo XX.

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 TEMA 2.
Alberto Durero. El hombre y artista.

TEMA 2.
Alberto Durero. El hombre y artista.
Es un representante que mira ha Italia siendo íntegramente del centro de Europa.
Alberto Durero tenia tanto intereses en su representación que tiene un autorretrato con 14
años, que el mismo conservo, es una persona continuamente autointeresa, el artista e interesa
por si mismo de una manera muy profunda, en un acto de autorreflexión.
Durero es un dibujante excepcional, el arte gráfico dan un
salto de gigante con la figura de Durero, uno de los inventores del
grabado artístico en Alemania. En uno de sus dibujos encontramos el
rostro de Alberto Durero, el interés por su representación el tocado
y los cabellos, y la mirada. Durero pensaba que el arte y la actividad
artística tenia el ojo como órgano sensual mas intelectual, como
elemento clave para ver si uno es un artista o no es una artista. Al
lado de la visión la mano la habilidad y la técnica manual es también
muy importante. Durero era hijo de artesano en una ciudad en la
que los oficios artesanos era la base económica. En este dibujo
vemos el equilibrio entre lo manual y lo intelectual, el arte y la
necesidad, el ojo y la mano con un absoluto equilibrio, para
representar una idea, Durero es un artista naturalista, pero el
representar la naturaleza quiere decir interpretarla, no representarla
tal cual, es mas importante la representación del artista, Durero se
interesaba por los paisajes y por jugar por las formas. La interesante
representación de telas y almohadas, que adquieren formas
caprichosas, un juego formal era de vital importancia para el artista,
obsesionado por este tipo de cosas, por lo que no es casual que
representado junto a el este un almohada, algo realista y abstracto al mimo tiempo.
En el Museo del Louvre conservamos un autorretrato del artista, con una obsesión por
el cabello y los gorros.
El autorretrato mas importante, de principios del XVI,
exagera aun mas su gusto por su melena, por los gorros que se
colocaba por la elegancia absoluta. Por influencia de la pintura
flamenca, se añade la ventana para ver un paisaje, le sirve para un
juego de perspectiva en el que el brazo y la mano que esta
haciendo un ejercicio de habilidad, no solo pinta las manos sino que
también las pinta enguantadas, y estas están delante de una
especie de poyete dándonos a entender este primer plano que
quiere resaltar el artista, en el segundo plano esta el cuerpo y
rostro de Durero y detrás no solo lo oscuro para resaltar la parte
clara, también un paisaje que hace alusión al primer viaje del artista
a Italia.

No solo nos tenemos que quedar con la imagen bella de Durero, es autor de dibujos
que, de manera fragmentaria hasta las rodillas, en las que no se pintan zonas, en las que ocn
un punto alto se representa a si mismo, con el verdadero cuerpo del artista, que no es bello,
que no representa a un joven petulante, sino a un hombre de cierta edad, y haciendo énfasis
en el rostro y el sexo.

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 TEMA 2.
Alberto Durero. El hombre y artista.

Uno de sus cuadros mas importantes, de la Santísima trinidad, en la parte

inferior se autorretrata de cuerpo entero a un tamaño menor con las características con
las que acostumbra.
Siempre va a reconocer a sus contemporáneos, va tener una reflexión del rostro
humano, no solo en los cuadros sino en los dibujos. Retrato de Miguel Wolgemut, un
pintor que fue maestro de Durero en Nuremberg. Muy importante para Durero fue su
madre, cuando muere a la edad de 63 años, realiza de un dibujo de ella.
Lo mas impórtate de autorretrato son tres grabados de 1513 que se conocen
como las tres estampas maestras de Alberto Durero, que son grabados en metal de unos
30cm. EL primero el caballero la muerte y el diablo, el segundo, es San Gerónimo en su
celda, y el tercero Melancolía I la alegoría de la melancolía de Durero. Panofki pensó que
las tres imágenes eran una reflexión de Durero sobre si mismo, integrado en las corrientes
culturales de Europa, sobre todo durante el comienzo del siglo XVI.
El caballero, la muerte y el diablo, un caballero montado
encima de un caballo, con una gran perfección anatómica, y un
riguroso perfil, caminando por una especie de barranco, en un
momento en el cual es asaltado por dos personajes monstruosos,
uno es la muerte representada a una manera medieval, y que
indica el paso del tiempo a través del reloj de arena, el caballero
va abstraído y no ve que es perseguido por la muerte, detrás
aparece un ser monstruoso que tiene mucho que ver con el arte
tardomedieval. El caballero está acompañado por un perro, y la
muerte cabalga en un burro que contrasta con la belleza del
caballo. Un monte en el fondo en el que aparecen dos torres de
Iglesia. LA vida como peregrinaje, con un cumulo de dificultades
con un cumulo de elementos peligrosos, pero que si sabemos
superarlo tendremos la recompensa en el cielo, la vida es algo que
esta abajo, per as arriba de la vida esta la salvación, esta imagen
es la imagen del caballero cristiano que sabe que si no hace caso a
las tentaciones alcanzara su cometido. Esta idea es muy importante a comienzos del siglo XVI,
el llamado Miles Christi. EL estudio de la armadura del caballero es muy importante, juega con
la perfección de la figura humana y la perfección de la figura del caballo, uno de los símbolos
del movimiento, del poder, de la furia, el caballo perfecto.
San Gerónimo en su celda, es la representación del Santo Intelectual por excelencia, un
anacoreta, se convierte en uno de los santos mas representados en el renacimiento sobre todo
en le renacimiento de los países bajos y en el renacimiento Almen,
un santo que se retira a una celda o una roca para hacer penitencia
y traducir la biblia del griego al Latín, convirtiéndose en la imagen
del intelectual cristiano por excelencia. EL santo aparece
concentrado en su trabajo, la iluminación viene del propio interior
de San Gerónimo y viene del exterior, una maravilla en la
representación de la luz, el cuidado de la celda, la iluminación de las
distintas partes de la ventana. Durero esta haciendo un juego de
perspectiva hábil, la celda como un interior, con elementos como la
calabaza que cuelga, colocados como elementos de la perspectiva,
la meditación sobre la muerte en la calavera y juega con el tema de
las almohadas y cojines, que le sirven para hacer juegos de luce y
sombras, los animales, tienen un sentido, el León es el símbolo de
San Jerónimo, y los perros son fundamentales para el artista.

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 TEMA 2.
Alberto Durero. El hombre y artista.

Melancolía I, no existe una segunda ni tercera

parte de este cuadro. Un ángel, con rostro de mujer que
esta sentada en una postura con el rostro medio tapado, la
postura tópica de la alegoría de la melancolía, la psicología
clásica clasificaba a los hombres en cuatro humores, y la
melancolía para la filosofía clásica se representaba de esta
manera, cualquiera de la época podría saber que
representación es. Saturno es el último de los planetas el
que hace el movimiento mas lento, como un melancólico,
y los hombres que se dedicaban a la creación eran los
nacidos durante la época de Saturno, como los poetas, los
artistas… Presenta a la melancolía que tiene que ver con
una cierta amanera de creación artística, el ángel de la
melancolía tiene el compás, el ángel que aparece a su lado
repite la idea de la melancolía, con el paso del tiempo. El
perro también es un perro melancólico.
Durero hace una autorreflexión intelectual a su
propia actividad, algo de absoluta modernidad.
Uno de los grabados de Durero representa a un
hombre desesperado, la aparición de un rostro entre
grotesco y monstruoso, nada que ver con la belleza clásica,
una mujer tampoco incidente en los aspectos de belleza, lo problemático es que Durero niega
a finales de su vida la posibilidad de crear la belleza, una conclusión un poco desesperada,
San Jerónimo, señalando la muerte un prodigio de representación perspectiva, la
colocación ambigua donde las haya de Cristo, Cristo preside la celda desde atrás.
Durero es uno de los paradigmas del renacimiento, de la autosatisfacción de la imagen,
pero el paso del tiempo la agota, a la vez el artista es un intelectual, y se presenta como un ser
melancólico, esa complejidad entre lo bello y lo feo es donde juega gran parte del
renacimiento Europeo del siglo XVI.

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 TEMA 3.
Leonardo da Vinci. Hacia un nuevo mundo del espacio y de la geometría.

TEMA 3.
Leonardo da Vinci. Hacia un nuevo
mundo del espacio y de la geometría
Leonardo forma parte de los tres artistas que ya desde el propio siglo XVI van a ser
consagrados por la historiografía, como los tres representantes del renacimiento clásico, el
periodo clásico del renacimiento, la cumbre del periodo, y una de las cumbres de la Historia
del Arte, esos tres artistas son Rafael, Leonardo y Miguel Ángel.
Leonardo da Vinci tiene una gran cantidad de autorretratos, de una
gran significación, los rasgos físicos del artista, fueron muy conocidos por
sus contemporáneos y esa fama de gran artista, de artista por encima de las
posibilidades de otros artistas, el hombre universal.
EL renacimiento italiano, a diferencia de Alemania o los países
bajos, mira de una forma mas directa y cara hacia el pasado antiguo, hacia
la antigüedad, algo que caracterizara las producciones del renacimiento
Italiano, y que no va a pasar de igual manera con otros lugares. El
autorretrato de da Vinci, de dibujo a la sandina fue utilizado pocos años
después en una de las obras mas importantes del renacimiento, obra de
Rafael, que es la estancia de la signatura, esta obra es una
estancia en el vaticano, para el papa Julio II, y es el paradigma
de lo que es el renacimiento clásico, el fresco quizás mas
significativo, es la escuela de Atenas donde el autor colocara a
los sabios de la antigüedad, en un escenario que aunque es un
escenario moderno evoca espacios arquitectónicos de la
antigüedad, en medio de la escuela de Atenas se preside por
dos personajes, Platón y Aristóteles, a la izquierda, Platón esta
tratado con los trazos de Leonardo da Vinci. EN el centro Platón,
y platón retratado bajo los rasgos de Leonardo da Vinci, lo que
significa que el autor era considerado un sabio que se podía
poner en paralelo con uno de los grandes faros de la
antigüedad.
Leonardo efectuara la primera parte de su carrera en Florencia, nacerá en Vinci, y
pronto se moverá al taller de un pintor Andrea Verrochio, es un gran pintor y escultor. Se
piensa que el Bautismo en la galería de los Uffici, es una obra típicamente Quattrocentista,
cuyo ángel puede ser obra de Leonardo, por la búsqueda de la especificación. En esta presunta
primera obra de Leonardo, vemos la cualidad de gracia que va a caracterizar su pintura.
Obra del primer Leonardo, la anunciación en la que tanto el ángel como la
representación de la virgen son del estilo de Leonardo. Da una importancia enorme al tema de
la Antigüedad, no una imagen total de la antigüedad, sino pequeños detalles, una especie de
sarcófago que sirve como reclinatorio para la virgen que
es una recreación de una sarcófago clásico, con los
elementos típicos. La novedad de este cuadro es como
Leonardo resuelve el tema de la perspectiva y la
profundidad. UN fondo donde la degradación de las
formas ya no es solo una idea de contraste, una idea de
linealidad, sino degradación por el aire y la luz
interpuesta.

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 TEMA 3.
Leonardo da Vinci. Hacia un nuevo mundo del espacio y de la geometría.

La virgen de las Rocas en el Museo del Louvre, tenemos un

primer plano detallado, tanto los elementos vegetales, como las
propias figuras y pliegues, además las figuras forman un triangulo
compositivo, buscando el amor por las figuras estéticas, dentro del
propio grupo hay una reflexión sobre las dimensiones dada por la
propia gesticulación de las figuras, la línea paralela a nuestro punto
de vista vine indicada por el gesto del ángel, hay un elemento de
perspectiva oblicua, desde el fondo hacia nuestro planes, a través
de la mano de la Virgen, a partir de este cuadro, la técnica será
repetida. La forma de concebir las rocas mediante una gruta con
contraste entre fondo claro y perfil oscuro y una degradación
lumínica a través de la utilización de la Luz que obsesionaba a
Leonardo.

A final de su estancia en Florencia Leonardo realiza para una Iglesia de esta ciudad una
adoración de los reyes, y que es una de sus obras maestras a pesar de ser una obra inacabada,
no esta coloreada, esta obra nos da uno d elos primeros ejemplos, de la complejidad del
renacimiento clásico, desde un punto de vista mas ideológico, el argumento de la obra es lo
que pasa en el mundo en la creación en la historia, en el momento culminante, cuando Cristo
el salvador es mostrado al mundo, la epifanía. Se presenta la Virgen con el niño con los reyes,
y ese momento de aparición de Dios hecho hombre conmueve a la humanidad con lo que se
entra e una nueva etapa, con lo que el cuadro tiene a la virgen con el niño, elemento central, la
adoración de los sabios del exterior, que están en reposo adorando porque saben que es el
elemento central de la historia, pero la humanidad
todavía no se ha enterado, estamos en un estado inicial
de la era de la gracia, por eso hay figuras que están
como sorprendidas, tan solo hay una figura que sabe
pero no entiendo que es San José.

Los que si comprenden lo que sucede son los

reyes, puesto que es Dios, el resto de humanidad se
presenta mediante una figura que se mira a si mismo, y
la vida activa con un hombre que se revuelve. Los
filósofos y la vida activa. EN un tercer plano
caracterizado por una arquitectura en perspectiva, con
una serie de personajes que son caballos y otras figuras
en completo movimiento, ese mundo aun no tiene la
gracia de Dios.
Los reyes y virgen en un perfecto triangulo, y
todo esto en una especie de montículo que separa al
mundo que aun no conoce a Dios.
Leonardo da Vinci ilustro un tratado de perspectiva de Luca Cacioli.
La música es proporción, la música es algo que tiene que ver con los números, otro
aspecto importante es el tema de las pasiones del hombre, Leonardo es el artista que en Italia
va a introducir el tema de la expresividad y la emoción en las representaciones artísticas, las
pasiones del hombre, uno de los elementos claves de la pintura del XVI, es que de una manera
mas consciente se va a interesar por la expresión de la psicología humana y las pasiones que
reflexionan.

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 TEMA 3.
Leonardo da Vinci. Hacia un nuevo mundo del espacio y de la geometría.

Leonardo va a ser también uno de los primeros en aplicar el movimiento de la pasión

de los acontecimientos dramáticos a la representación de la guerra.
La caricatura es algo que también interesaba mucho al
comienzo del renacimiento donde estudia distintas expresiones,
incluso figuras grotescas, el tema de la caricatura a parece no
solamente en Italia, lo que pasa en el mundo del norte.
Leonardo no solo se interesaba por las expresiones
violentas o de movimiento del rostro humano, también por los
fenómenos de la naturaleza en movimiento.
Leonardo es un autor de retratos de una enorme calidad,
La dama del armiño, y el celebre cuadro de la Gioconda. Leonardo
introduce en la pintura uno de los ideales, pintar aquello que no se
puede pintar, la emoción, la luz, la trasparencia.

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