ÓPERA

siglo XVII y XVIII

APRECIACIÓN HISTÓRICO MUSICAL

Juan Jhonny Navarro Huamán

Alumnos
Clarita Jimena Quispe Poma
Caleb Ismael Pilco Escalante
Adrian Elias Párraga Champi

“Año del Fortalecimiento de la Soberanía Nacional”

2022 - II
La palabra "ópera" significa "trabajo" u "obra" en idioma italiano (del plural del
latín opus, que significa "trabajo" o "labor"), sugiriendo que combina el arte del
canto solista y coral, declamación, actuación y danza en un montaje de
espectáculo. Esta forma surgió en Italia desde un contexto de variadas formas de
entretenimiento cortesano, y aunque las primeras óperas fueron modestamente
montadas en comparación con otras formas contemporáneas de drama cantado,
la ópera las superó, y actuó como transición entre la corte y el teatro público.
La ópera (del italiano òpera, 'obras musicales') designa un género de música teatral
en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento
instrumental por una orquesta o una agrupación musical menor.

Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia griega,

a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la mascerata italiana) y a los
intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las
representaciones teatrales).

A diferencia del oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada. Algunos
géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son
la zarzuela española, el singspiel alemán, la opereta vienesa, la opéra-comique francesa
y el musical inglés y estadounidense.

La ópera es una de las manifestaciones artísticas más completas que existen. Se

desarrolla como una obra de teatro, en la que la acción transcurre en los recitativos
(momentos en los que los cantantes narran la historia) y en las arias los personajes
expresan sus sentimientos y pensamientos.

La poesía, música, canto y decoración en la ópera, se unen entre si tan íntimamente,

que no puede considerarse una sin que se consideren las otras. La opera es una
imitación o representación teatral de una acción, con la finalidad de deleitar no solo al
ánimo, sino también a la imaginación y al oído. La acción pude ser vulgar y común
como la Comedia, o ilustre y grande como en la Tragedia.

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Antecedentes:
La ópera tiene sus antecedentes en las diversas formas de teatro cantado o musicalizado
que se han producido a lo largo de la historia en todo el mundo. Tanto la representación
dramática como el canto, la música, el baile y otras manifestaciones artísticas son formas
de expresión consustanciales al ser humano, practicadas desde la prehistoria. En la Antigua
Grecia, el teatro era uno de los espectáculos favoritos de la sociedad. Allí nacieron los
principales géneros dramáticos (comedia y tragedia) y se sentaron las bases de la
escenografía y la interpretación. Por diversos testimonios, se sabe que las representaciones
dramáticas eran cantadas y acompañadas de música, aunque actualmente apenas se
conservan vestigios de música griega. Los principales dramaturgos de la
época, Esquilo, Sófocles y Eurípides, sentaron las bases del arte dramático, cuya influencia
sigue vigente hoy día.

Durante la Edad Media, la música y el teatro estuvieron también íntimamente relacionados.

Eran obras de carácter religioso, de dos tipos: dramas litúrgicos para ser representados en
las iglesias, celebrados en latín; y los llamados «misterios», unas piezas teatrales de carácter
popular que se representaban en los pórticos de las iglesias, en lengua vernácula. Estas
obras alternaban partes habladas y cantadas, generalmente a coro, y se acompañaban de
música instrumental y, en ocasiones, bailes y danzas populares.7
En Japón, surgió en época medieval el teatro nō, un tipo de drama lírico-musical en prosa
o verso, de tema histórico o mitológico. La narración era recitada por un coro, mientras los
actores principales se desenvolvían de forma gestual, en movimientos rítmicos. La
representación corría a cargo de tres actores, junto a un coro de ocho cantores, un flautista
y tres tamborileros.8 En China se desarrolló la denominada ópera china, un tipo de teatro
cantado, de carácter ritual, donde la música no acompaña el texto, sino que sirve
únicamente para crear ambiente.9
En el Renacimiento, surgieron diversos géneros músico-vocales, como el madrigal,
el oratorio, el intermedio y el ballet de cour, que fueron preparando el camino para el
nacimiento de la ópera. El más inmediato fue el intermedio (en italiano, intermezzo), unos
interludios que se intercalaban entre los diversos actos de una obra teatral, que aglutinaban
canto, danza, música instrumental y efectos escenográficos, con argumentos basados en
la mitología grecorromana, alegorías o escenas pastorales. Su principal centro productor
fue la Florencia medicea, donde poco después nacería la ópera.
Origenes
A finales del siglo XVI, en Florencia, un círculo de eruditos patrocinados por el conde Giovanni
Bardi crearon una sociedad denominada Camerata Fiorentina, encaminada al estudio y
discusión crítica de las artes, especialmente el drama y la música.11 Uno de sus eruditos
era Vincenzo Galilei —padre del científico Galileo—, un célebre helenista y musicólogo, autor
de un método de tablatura para laúd y compositor de madrigales y recitativos.12 En el
transcurso de sus estudios sobre el teatro de la Antigua Grecia comprobaron que en las
representaciones teatrales griegas el texto era cantado a voces individuales. Esta idea les
impactó, ya que en su día no existía nada igual, en una época donde casi toda la música
cantada era coral (polifonía) y, en casos de voces individuales, se daban solamente en el
ámbito religioso. Tuvieron entonces la idea de musicalizar textos dramáticos de carácter
profano, lo que germinó en la ópera (opera in musica fue el nombre que le dio la Camerata).13
nota 1
Galilei fue el principal defensor de una única línea melódica —la monodia— frente a la
polifonía, que consideraba generadora de un discurso musical incoherente, teoría que expuso
en Dialogo della musica antica et della moderna (1581). Otro de los eruditos de la
Camerata, Girolamo Mei, que fue quien investigó principalmente el teatro griego, señaló el
afecto emocional que el canto individual generaba en el público en las representaciones
teatrales griegas (De modis musicis antiquorum, 1573).15
Así, uno de los miembros de la Camerata, el compositor Jacopo Peri, creó La Dafne (1597),16
con libreto de Ottavio Rinuccini, basada en el mito de Apolo y Dafne, con un prólogo y seis
escenas; de esta obra solo se conserva el libreto y pequeños fragmentos de la música. Peri,
que también era cantante, representó a Apolo. A esta siguió, en 1600, Euridice, de los
mismos autores, la primera ópera que se conserva completa, sobre el mito de Orfeo y Eurídice.
Fue compuesta con motivo de la boda entre Enrique IV de Francia y María de Médici,
celebrada en Florencia en 1600. Peri interpretó a Orfeo.
LA OPERA FLORENTINA
Una institución académica formada según el modelo de la antigüedad. En Florencia hacía el 1580
se reunieron nobles como Galilei (padre del astrónomo y descubridor de unos himnos griegos
de Mesómedes, hoy ya perdidos) Este Galilei fue creador igualmente de una adaptación musical
de las Lametaciones de Jeremías (texto litúrgico del Viernes Santo) Para la interpretación de
estos cantos se acompañó de la cítara como realizaran los antiguos griegos. Escribió el tratado
de la Música antigua y la moderna donde se combatía el uso de la antigua polifonía de los
flamencos. Otros compositores serían Caccini o Cavallieri. La primera ópera conservada es Dafne
(1598) texto de Rinuccini y música de Peri. Euridice (1600) Música de Peri dedicada a la boda
de los Medicis, importantes Mecenas que fueron de la Italia del momento. Estas obras se
caracterizaban por el stille recitativo. Método de composición por el que la música se guiaba por
el texto y el resultado estaba a medio cantar, medio narrar. También aparecen coros según el
esquema de la tragedia griega. Los temas proceden de los dramas pastoriles El 1607 Orfeo de
Monetverdi compuesta para el cumpleaños de Francesco Gonzaga en Mantua. El texto de
Striggio. Se trata de la partitura de ópera más antigua conservada, y donde aparece un rico
instrumental. El nuevo estilo recitativo va cambiando poco a poco a lo que se cocnocerá como
stillo representativo con el Orfeo de Monteverdi que permite un trabajo mayor en el empleo de
las disonancias y de la tonalidad como vehículo expresivo de la trama.

LA OPERA VENECIANA
En las décadas centrales del siglo XVII el mayor centro productor de ópera fue Venecia, el primer
lugar donde la música se desligó de la protección religiosa o aristocrática para ser representada
en lugares públicos: en 1637 se fundó el Teatro San Cassiano, el teatro fue fundado por
Domenico Mazzocchi, que tras perder el favor papal se trasladó de Roma a la ciudad véneta. Al
convertirse en un negocio, la ópera empezó a depender cada vez más de los gustos del público.
Una de las primeras consecuencias fue que el público mostró cada vez más su gusto por las
voces agudas, las de tenores, sopranos y castrati, mientras que decayó el uso de los coros y las
orquestas grandes, ya que se prefería un acompañamiento de pocos instrumentos, entre diez y
quince, generalmente. Al popularizarse el género, se fueron introduciendo más elementos
cómicos y los textos se fueron simplificando, hasta llegar al punto en que, sobre todo en las
arias, importaba más la interpretación que las palabras que se expresaban. Tras el San Cassiano,
floreció la apertura de 13 nuevos teatros en Venecia. Fue en estos teatros donde comenzó la
disposición en forma de plaza rodeada de palcos, típica de los teatros de ópera.
En la ópera veneciana tuvo una especial influencia el teatro español del llamado Siglo de Oro,
perceptible en la confluencia argumental entre fantasía y realidad, el abandono de las unidades
aristotélicas, la convivencia de personajes cómicos y trágicos, las relaciones entre señores y
siervos, el gusto por el enredo y por los disfraces y los personajes travestidos.
LA OPERA NAPOLITANA
En la segunda mitad del siglo XVII, la escuela napolitana introdujo un estilo más purista, más
clasicista, con argumentos simplificados y óperas más cultas y sofisticadas. Por entonces,
Nápoles era una posesión española, y la ópera contó con el patrocinio de los virreyes españoles,
Entre las principales novedades se diferenció entre dos tipos de recitativo: secco
y accompagnato. En las arias se dejaba espacio para las improvisaciones vocales de los
cantantes. Se eliminaron los personajes cómicos, lo que dio como contrapartida la inclusión
de intermezzi cómicos que, ya en el siglo XVIII, dieron origen a la ópera bufa.

ÓPERA BUFA
A partir de 1630 nos encontramos con escenas cómicas dentro de óperas serias con canciones
burdas y parodias. Los personajes provienen de la comedia dell arte italiana (tipos caracteristicos
del teatro renacentistabarroco italiana como payaso, arlequín y colombina, etc.) La música es
sencilla y popular. No se usa castrati ni bel canto. En su lugar, canciones y parodias de óperas
serias. Destacó en su estreno la Serva Padrona de Pergolessi, obra que sirvió de controversia
ante una crítica mordaz a a clase aristócrata y burguesa. Esta pieza contribuyó al
consolidamiento de la ópera bufa y a su gran éxito ya en el clasicismo

ÓPERA SERIA
Triunfa el aria en este tipo de ópera. El aria generalmente interrumpía la acción y mostraba los
afectos de los personajes. La acción por tanto se consumaba en el recitativo seco. Además había
recitativos acompañados más líricos al introducir más instrumentos. Se incluyen coros y la
sinfonía napolitana de ópera que era una pieza que servía para abrir la representación se pone
de moda y se extiende por los demás paises europeos. Tanta fama alcanzó este tipo de
composición (la sinfonía napolitana)que pronto se separaría de la ópera en sí siendo interpretada
de forma independiente y constituyendo en sí misma el germen para el género que conocemos
como sinfonía en el Clasicismo. Hacía 1700 la ópera italiana se vuelve más sencilla y refinada
por influencia de la música francesa. Destaca en esta época el libretista Metastasio que establece
un canon argumental que tendrá mucho éxito (ver Mozart) Introdujo seis personajes, siendo dos
de ellos una pareja de enamorados. Se establece igualmente un desenlace a través de conflictos
y enredos. El esquema formal que predomina es el de aria. Como compositores destacamos a
Scarlatti, maestro de capilla de la reina Cristina de Suecia, así como maestro de capilla en
Nápoles. Escribiría unas 114 óperas como Griselda.
ELEMENTOS MUSICALES
Observamos distintas formas musicales dentro de la ópera:
• Sinfonías y ritornelli: la primera era una pieza instrumental que abría la obra o algún acto. los
segundos era fragmentos instrumentales presentes a lo largo de la obra. Solían estar escritos en
estructuras de cuatro o cinco voces.
• Recitativo seco: Parte de la ópera donde se desarrolla la acción. Suelen ser fragmentos
musicales donde no hay una melodía definida, antes bien, los personajes recitan a medio cantar
con el acompañamiento del clave.
• Recitativo acompañado: Igual al anterior pero con el acompañamiento de algún instrumento
además del clave. El Recitativo solía caracterizar a los personajes con el uso de uno u otro
instrumento según el personaje en cuestión.
• Arioso: A medio camino entre aria y recitativo.
• Aria: Parte de la ópera donde se exponen los sentimientos de los personajes. Suelen ser
estructuras mas elaboradas instrumentalmente en comparación con los recitativos, y
musicalmente son equivalentes a lo que entendemos por canciones de estructuras más cerradas.
Tenían un acompañamiento con una línea de dos o tres voces cuya plantilla se dejaba en blanco.
Esto sugiere que se podía alterar dicha plantilla de una representación a otra.
• Coros y ballets: En la ópera Veneciana solían estar ausentes por cuestión de gastos.

La orquesta, centrada en la cuerda, solía ser pequeña. Había dos claves, uno para acompañar
los recitativos y otro para el maestro de capilla que dirigía a los cantantes delante del escenario.
El bajo lo hacían las cuerdas graves y fagotes, las voces intermedias las violas, violines y
trombones y las voces agudas violines, cornetas, flautas y chirimías. Los temas solían ser
mitológicos y siempre heroicos. El libreto, tan importante como la música se solía imprimir y
vender el día de la función conjuntamente con velas para poder leerlo.
AUTORES Y OBRAS REPRESENTATIVAS

ORFEO – MONTEVERDI
https://www.youtube.com/watch?v=jUep3sqe35o

LA SERVA PADRONA - PERGOLESSI

https://www.youtube.com/watch?v=-FaHrId3Mk8

LA FLAUTA MÁGICA – W.A. MOZART

https://www.youtube.com/watch?v=cE64eIZi9Lw
BIBLIOGRAFIA

https://www.danzaballet.com/la-historia-de-la-opera/

https://ucm.es/data/cont/media/www/pag-
42396/2%20La%20%C3%B3pera%20desde%20el%20Barroco%20hasta%20el%20siglo%
20XIX_Rodriguez%20Cuervo_Torres%20Clemente.pdf

https://www.filomusica.com/opera.html