Historia de la música

Antigüedad Grecia y Roma

Introducción

Nos vamos a centrar en una parte de la Antigüedad que es conocida como la

época Clásica, un periodo muy extenso que abarca desde el S. VIII A.C. 
hasta la Caída del Imperio Romano en el año 476 D.C. En esta etapa
destacan sobre todo dos
civilizaciones, la griega y la
romana.

    No significa que antes del

mundo clásico no haya existido
la música, ya que la música es
tan antigua como el propio
hombre y hay manifestaciones
que datan de tiempos remotos y
de civilizaciones muy diversas
como la egipcia, la china y la japonesa.

    Sin embargo, en la época griega es donde se comienza a tener una

información de la música más relevante. Así, en este periodo encontraremos
los primeros documentos musicales conservados. No obstante, tampoco
vamos a encontrar demasiadas fuentes de música como tal, pero si acudimos
a las pinturas, a las esculturas y a determinados restos artísticos que se
han conservado, podemos hacernos una idea de cómo era la música griega.

    Pues bien, los griegos de la época clásica desarrollaron en gran medida
muchos campos de estudio, como las matemáticas, la filosofía,....y también la
música. Para ellos la música era muy especial y por ello la tendrán muy
presente en sus vidas: cantaban en bodas, funerales, nacimientos y demás
ceremonias religiosas. La encontraremos siempre ligada a la poesía y a la
danza.

    Los griegos, como veremos más adelante, creen en el potencial pedagógico
de la música, por lo que estará muy presente en la formación de los jóvenes.

1
    Los romanos en su Imperio, acogieron todas las novedades que habían
desarrollado los griegos, pero no dedicaron demasiado esfuerzo a la cultura
musical, por lo que nos centraremos sobre todo en la música griega.

El origen divino de la música

Los griegos de la Antigüedad atribuyen a la música facultades mágicas. Para

ellos la música puede ser capaz de curar enfermedades, modificar la
conducta de las personas, obrar todo tipo
de prodigios, de catástrofes, de
adversidades climatológicas. Por ello, la
elección de la música para cada ocasión
es muy importante. Habrá músicas que
estén prohibidas ya que se relacionan con
algún hecho negativo ocurrido y piensan
que se debe al castigo a alguno de sus
dioses.

    La música va a estar muy relacionada con sus dioses. Cada dios griego va a
estar relacionado con un instrumento que él mismo inventó. Así por ejemplo,
al Dios Hermes se le atribuye la invención de la lira, que según cuenta la
leyenda, construyó cuando era muy pequeño con un caparazón de tortuga. Su
hermano Apolo que era muy envidioso le cambió la lira por un rebaño de
vacas, por eso en todas las imágenes aparece Apolo con la lira.

    Otra leyenda griega cuenta la historia del Dios Pan, al que se representa
con  la cabeza y el tronco de hombre y las extremidades inferiores de
macho cabrío. Pues bien, a este Dios se le atribuye la Flauta de pan. Cuenta
la leyenda que su bella amada Siringe murió y se convirtió en caña. Con esta
caña, Pan hizo una flauta de varios tubos. Este instrumento aún se utiliza en
la actualidad en algunas regiones de Latinoamérica y se conoce con el
nombre de flauta de pan o siringa, debido a la mitología griega.

    Existen otros muchas historias y leyendas sobre los dioses griegos y los
instrumentos, como la de Marsias y Atenea o la de Orfeo y Eurídice.

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Características de la música griega

La música griega, estaba sometida generalmente a la transmisión oral. La

poesía y la danza (es decir la palabra y los gestos) van a ir siempre unidas a
la música y le van a servir de apoyo para garantizar su difusión.

    Son muy pocos los fragmentos de trascripción musical griega que nos han
quedado (podríamos hablar de unos 40), extraídos de inscripciones en
piedra, de papiros y otros restos arqueológicos, pero hay que tener en
cuenta que cualquier reconstrucción es una mera aproximación a su música.

Aún así, podemos  hacernos una idea de las principales características de la

música griega:

     La música griega es monódica, esto no quiere decir que canten a

una sola voz, sino que todas las voces cantan la misma melodía. Incluso
los instrumentos acompañaban imitando la misma voz melodía que el
cantante. Estos instrumentos, en ocasiones realizaban pequeños
adornos a modo de improvisación y a esta técnica se le conoce con el
nombre de "heterofonía".
     La forma de notación griega era alfabética, las alturas del sonido
se representan mediante letras del alfabeto griego. El ritmo lo
reflejan mediante los pies métricos, utilizados en la poesía, que son
unos signos (rayas, puntos o semicírculos), colocados sobre las letras,
que indican combinaciones de valores cortos y largos.
     El sistema musical griego se basa en los modos. Parten de las
cuatro cuerdas de la lira, que ellos denominan tetracordo. Uniendo
dos tertacordos obtienen una sucesión de ocho notas descendentes
que se denominan modos (podríamos decir que son el origen de las
actuales escalas). Cada modo comienza con una nota distinta y
dependiendo de ésta, variaba la distribución de los tonos y semitonos.
Podemos destacar cuatro modos principales.

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    Una de las primeras fuentes de música griega que  nos encontramos es
"El epitafio de Seikilos" que se trata de una canción inscrita en una columna
funeraria que data del siglo I D.C. En esta inscripción podemos ver cómo era
esa notación musical alfabética de la Antigua Grecia. Aquí puedes ver la
columna con el epitafio y una trascripción con los sonidos el ritmo y la letra.

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Teoría musical griega

Sabemos que la música cumplía un papel fundamental en la vida de los

griegos, por ello está presente en todas las celebraciones y acontecimientos
de la vida cotidiana.

      La música es muy

importante para la educación
de los jóvenes, ya que los
filósofos griegos se basan en
la Teoría del Ethos. Según
esta teoría, la música es
capaz de modificar las
conductas de las personas;
esto quiere decir que según las melodías que escuches, tu forma de
comportamiento variará de una u otra manera. Las personas más influyentes
de Grecia pronto se dieron cuenta de esta facultad de la música y
decidieron dedicar grandes esfuerzos a la hora de educar a los jóvenes
según su conveniencia.

    Así, elaboraron una lista en la que enumeraban los diferentes modos
griegos y la conducta que desarrollaba cada persona. Por ejemplo, el modo
frigio es el adecuado para desarrollar conductas apacibles, el modo lidio
sirve para expresar el llanto y el dolor...De esta manera, educando a los
niños desde muy pequeños en unos determinados modos, eran capaces de
crear estereotipos de personas que luego desarrollarían cierta actividad
(los soldados serían agresivos, las mujeres serían dóciles,...), y así se
garantizaban la sociedad que ellos deseaban.

    En la Teoría del Ethos destacan personajes muy importantes, como

Aristóteles o Platón. Y este pensamiento se extendió hasta la Edad Media.
Hoy en día, está de moda la musicoterapia, ciencia que se encarga de curar
enfermedades de carácter psicológico mediante la música, es decir,
modificar ciertos comportamientos (agresividad, hiperactividad,...), por lo
que podemos afirmar que de alguna forma la Teoría griega del Ethos sigue
estando vigente.

    Otro de los fundamentos de la música griega es el de la Teoría de las

Esferas, en la que podemos destacar al matemático Pitágoras. En esta
teoría los griegos equiparan la música al Universo. Los sonidos son los
diferentes cuerpos celestes, que se mueven con un ritmo determinado;
Pitágoras afirma que los cuerpos del cosmos con su movimiento producen

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sonidos y esos sonidos forman las armonías más perfectas, las cuales el
hombre no puede escuchar ya que es un ser imperfecto que se ha
acostumbrado al sonido terrenal.

    Pitágoras, además, es uno de los más importantes teóricos de la música

griega. A él se le atribuye la creación del monocordio, que se trata de un
experimento con el cual este matemático logró obtener todas las notas de la
escala. Pues bien, el monocordio es una cuerda tensada sobre dos ejes, que
al tocarla emitía un sonido; si colocabas el dedo en la mitad de la cuerda y
volvías a pulsarla obtenías el mismo sonido a distancia de octava, si pisabas
dos terceras partes y emitías un sonido éste estaba a distancia de  quinta
del primero. Y así, dependiendo de la longitud de la cuerda, Pitágoras crea
las proporciones que dan lugar a todas las notas. Crea por la tanto una gran
relación entre la música y las matemáticas.          

Instrumentos griegos

Hoy en día no existe ningún instrumento de la Antigüedad que haya llegado

hasta nosotros, por ello, para conocer estos instrumentos tenemos que
fijarnos en los dibujos sobre cerámica y sobre grabados en piedra o en
otros materiales o bien recurrir a dibujos que nos recreen cómo debían ser
estos instrumentos.

    La función principal de los instrumentos en la Antigüedad era la de

acompañar a la danza, al canto y a la poesía. Hasta el siglo V D.C. es muy
raro encontrar a los instrumentos como solistas.

    Los griegos, no obstante, conocían instrumentos de las tres familias.

Luego los romanos los adoptaron. A continuación se citan los más
importantes; pincha sobre la imagen en miniatura para verlo en grande.

VIENTO

 AULÓS: Especie de flauta doble. Cada mano se encargaba de uno de

los tubos. los romanos llamaron a este instrumento TIBIA.
 SIRINGA: También conocida como flauta de Pan en honor a su dios
creador. Se trata de un conjunto de tubos de caña unidos entre sí.
Los romanos lo llamaron Fistula Panis.
 CORNU: Es una especie de trompeta con el tubo en forma circular
usada sobre todo para fines militares.

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CUERDA

 LIRA: Especie de arpa primitiva. Las primeras liras estaban hechas

con el caparazón de una tortuga como caja de resonancia. También se
hacían con cuernos de cabra sobre los que se tensaban las cuerdas
(que eran tripas de animal secas). Al principio la lira tenía 4 cuerdas y
poco a poco se le fueron sumando más. Existieron instrumentos
desarrollados a partir de la lira como el Barbitón o la cítara.

PERCUSIÓN

 CRÓTALOS: Pequeños platillos que se entrechocaban. En principio

eran dos piezas cóncavas de madera y más tarde de metal.
 TYMPANUM: Era una membrana de piel de animal tensada sobre un
marco de madera. Se golpeaba con la mano.

La danza

    La danza formaba parte importante de la vida de los griegos, que bailaban
en sus celebraciones al son de instrumentos como el aulós y el tympanum. No
nos han quedado documentos materiales que nos hablen de cómo eran las
danzas griegas, pero existen grabados que
representan, a menudo, figuras bailando, por lo
que nos podemos hacer una idea de la
importancia del baile para los griegos de la
Antigüedad. Los griegos distinguen entre las
nueve musas a Terspsícope, musa de la danza.

    En el periodo griego, la danza va

indiscutiblemente unida al canto y al
acompañamiento instrumental. La danza es
elevada a una categoría superior por Platón,
quien la considera como una parte de la
educación en la infancia. La "musike", arte de
las musas, se entendía como el arte que une la palabra, la melodía y el baile y
se consideraba la más eficaz de las artes para educar al ser humano.

    Hasta los más duros guerreros espartanos usaban la danza como medio de
entrenamiento para la guerra. Sócrates, importante filósofo de la época,
señala que "el que mejor baila es el mejor guerrero".

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Edad Media
La Edad Media es un periodo muy largo que se extiende desde el siglo V
hasta el siglo XV. Esta etapa está encuadrada entre La Antigüedad y El
Renacimiento. Hay dos hechos que los historiadores marcan como el inicio y
el fin de la Edad Media, que son la Caída del Imperio Romano en el año 476 y
el Descubrimiento de América en 1492.

    Es un período muy largo que se divide en dos etapas:

 La Alta Edad Media: (siglos V a X). Es una época de pobreza, llena de

guerras y enfermedades, en la
que la sociedad sufre
constantes epidemias como la
de la peste negra que asolarán
toda Europa.
 La Baja Edad Media: (siglos XI
al XV). Época de gran
prosperidad económica, política
y también cultural. Es la época
del feudalismo, en la que el rey concede poder a algunos nobles que se
convierten en terratenientes y que en ocasiones llegarán a tener más
poder que el propio monarca. Aquí se desarrollarán los estilos
artísticos más importantes de este periodo, que son el Románico (S.
XI) y el Gótico (S. XIII) con los que llegaremos a la gran revolución
musical de la época: El nacimiento de la polifonía.

    En la Edad Media, la Iglesia Católica se

convierte en el eje fundamental de la
sociedad. El canto Gregoriano, será
durante gran parte de este período la
música que gobernará todos los
territorios, ya que en esta época, el poder
y la cultura van a estar en manos de los
monjes y religiosos, que se harán con el
poder de una sociedad casi analfabeta.

    No obstante, la música profana siempre va a tener un sitio, sobre todo en

la Baja Edad Media con el nacimiento de los juglares y los trovadores que
actuarán en castillos, palacios, plazas o calles de cualquier lugar.

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La música religiosa: introducción

En el año 313, el emperador Constantino se convierte al cristianismo y se

redacta el Edicto de Milán, que reconoce la libertad de culto para los
cristianos, que hasta ahora habían realizado sus ceremonias religiosas
escondidos. A partir de este momento la música religiosa va a comenzar a
desarrollarse y extenderse.

     La Iglesia pronto contará con un gran poder político y cultural, por lo que
todas las artes de esta época harán referencia a temas religiosos. Hay que
tener en cuenta que tanto la música, como la pintura y las demás artes del 
medievo tienen como únicas finalidades la  alabanza a Dios y la transmisión
de la doctrina religiosa.

    La música religiosa de la Edad Media será eminentemente vocal, ya que

cualquier elemento que distraiga a los fieles del culto a la doctrina cristiana
puede ser desechado. Por ello, la música instrumental es tratada como algo
vacío y que sólo sirve para adornar y distraer a los creyentes, por lo que es
apartada de los oficios litúrgicos.

    Dentro del desarrollo que va a tener la música religiosa a lo largo de la

Edad Media, podemos distinguir dos grandes grupos que estudiaremos a
continuación:

 EL CANTO GREGORIANO: que ocupará buena parte de la Alta Edad

Media.
 EL DESARROLLO DE LA POLIFONÍA: que surgirá a finales del siglo
IX y se desarrollará durante el resto de la Edad Media.

El Canto gregoriano

En la Iglesia del antiguo Imperio Romano, en cada lugar se realizaba una

liturgia con cantos diferentes. De esto tomó buena nota el Papa Gregorio
Magno (Gregorio I) y realizó una unificación de los cantos que se daban en
las diferentes liturgias de toda Europa, razón por la cual este tipo de canto
recibirá el nombre de CANTO GREGORIANO. Esta recopilación tuvo lugar
hacia finales del S. V y principios del VI. A partir de este momento, este
tipo de música será el protagonista en todos los centros religiosos hasta
finales del siglo IX, a partir de entonces, será relegado poco a poco por el
surgimiento de la polifonía.

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    CARACTERÍSTICAS DEL CANTO GREGORIANO:

 Es el canto oficial de la Iglesia Católica.

 Es música vocal sin acompañamiento instrumental.

 Es canto monódico, ya que aunque lo interprete un coro de monjes, todos cantan la

misma melodía.

 Es canto en latín, ya que ese es el idioma oficial de la Iglesia Católica.

 Tiene ritmo libre, que viene marcado por el propio texto.

    TIPOS DE CANTO GREGORIANO:

     Según las formaciones de los cantores:

 ANTIFONAL: dos coros de monjes alternaban el canto.

 RESPONSORIAL: coro y solista alternan el canto.

 DIRECTA: No hay alternancia. Siempre canta un coro o un solista.

    Según la relación de texto y notas: 

 SILÁBICO: a cada nota le corresponde generalmente una sílaba del texto.

 NEUMÁTICO: dos a tres notas por cada sílaba de texto.

 MELISMÁTICO (adornado): muchas notas para una sílaba de texto.

   En cuanto al sistema musical del Gregoriano, se basa en ocho modos (escalas) derivadas
de los modos griegos que veíamos en el tema anterior. Estos ocho modos surgen de cuatro
modos marcados por una nota final (RE, MI, FA, SOL). Cada uno de los mismos se subdivide
a su vez en un modo auténtico y otro plagal, en función de la nota de recitado, que es la que
más se repite (también conocida como dominante salmódica o tenor).

Tabla de los modos gregorianos

NOTA NOTA DE
NÚMERO MODO DENOMINACIÓN
FINAL RECITADO
PROTUS
I LA
PROTUS RE AUTÉNTICO
II FA PROTUS PLAGAL
DEUTERUS
III DO
AUTÉNTICO
DEUTERUS MI
DEUTERUS
IV LA
PLAGAL
TRITUS
V DO
TRITUS FA AUTÉNTICO
VI LA TRITUS PLAGAL

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 TETRARDUS
VII RE
AUTÉNTICO
TETRARDUS SOL
TETRARDUS
VIII DO
PLAGAL

Análisis del canto gregoriano

    Analizaremos ahora esta

pieza de canto gregoriano:

    Lo primero que nos llama

la atención es que está
escrito con notación
cuadrada y en un
tetragrama. Los símbolos y
signos que hay por encima y
por debajo de la partitura
hacen referencia a los
antiguos neumas con los que
primitivamente se escribía
el canto gregoriano.
También podemos observar
la letra del canto en latín.

    Si nos fijamos en el

comienzo de cada línea,
vemos que hay un signo parecido a una C en la tercera línea, ese signo es la
clave de Do, es decir, la tercera línea es do y las demás siguen el mismo
orden que en el pentagrama actual.

    Si nos fijamos en la última nota vemos que es un Sol, por lo tanto si
miramos la tabla de modos sabemos que el modo en el que está escrita esta
obra es un tetrardus. Ahora nos fijamos en la nota de recitado que es la que
más se repite durante toda la obra. Claramente observamos que es la nota
Do, por lo que ya sabemos que está escrito en un tetrardus plagal.

    Algunas otras curiosidades:

    Fíjate en el final de cada línea de tetragrama, verás que hay una pequeña
marca, pues bien, eso sirve para indicarles cual va a ser la próxima nota de

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la siguiente línea. Esto se debe a que el canto gregoriano está escrito en
libros muy grandes llamados cantorales y los cantores tenían que girar la
cabeza cada vez que acababan una línea musical y no les daba tiempo a girar,
por lo que ponían esta indicación como ayuda para seguir a tiempo.

    La letra de esta obra comienza diciendo "PUER NATUS EST" que
significa "El niño ha nacido". Podemos deducir que se trata por tanto de una
obra que se cantaba en la misa de Navidad. Se cantaba en la entrada, ya que
si nos fijamos en el título de la obra dice ANTIPHONA AD INTROITUM,
es decir que se interpretaba en la entrada (al comenzar la misa) y se debía
cantar de forma antifonal (dos coros alternados).

    El tipo de notación que se usa es silábico, aunque hay algunos melismas o
adornos (varias notas sobre una sílaba).

El nacimiento de la polifonía

 A finales del siglo XI aparece en la música occidental la polifonía (varias

voces que suenan a la vez realizando melodías distintas). Este hecho
marcará el desarrollo de la música a partir de ese momento. En el desarrollo
de la polifonía se distinguen
tres periodos que vamos a ver a
continuación:

POLIFONÍA PRIMITIVA

ARS ANTIQUA

ARS NOVA

Polifonía primitiva

  Aunque ya se tienen noticias de prácticas polifónicas en la Antigüedad, los

primeros ejemplos escritos que nos quedaron de canto a varias voces se
remontan a finales del siglo IX. Las dos formas más importantes de este
periodo son las siguientes:

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      ORGANUM: Es la más primitiva y rudimentaria forma polifónica.
Consiste en añadir una voz paralela al canto gregoriano. Esta segunda
voz debe estar a distancia de 4ª o de 5ª por debajo de la principal y
se le llama "vox organalis", mientras que el antiguo gregoriano recibe
el nombre de "vox principalis". Poco a poco el organum se irá
complicando y se añadirán nuevas voces.

     DISCANTUS: Surge en el siglo XI. Las dos voces, ya no se mueven

de forma paralela como en el organum, sino en movimiento contrario,
es decir, mientras la melodía principal asciende la organal desciende o
viceversa.

Ars antiqua

Es así como se denomina al periodo que comienza hacia la mitad del siglo XII
y se extiende hasta finales del siglo XIII. Durante esta época, Europa vive
tiempos de extraordinaria prosperidad cultural. París se convierte en la

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capital cultural del continente. Se construye la Catedral de Notre Dame, en
la que se creará una escuela musical que acogerá a los mejores músicos del
momento. En este centro se desarrollarán todas la evoluciones de la
polifonía de esta época, como LEONIN y PEROTIN.

    En este periodo van a evolucionar tanto la notación como la técnica

musical, lo que facilitará el desarrollo de la polifonía.

    Las dos formas de composición más importantes de la época son:

 ORGANUM: que aunque había existido en el periodo anterior se va a

desarrollar en gran medida hasta crearse "organum triplum" (a tres
voces) y "organum cuadruplum" (a cuatro voces). Las voces ahora ya
van a ser mucho más libres, sin tener que respetarse el paralelismo
del organum primitivo. El organum melismático es aquel en el que la
voz principal (del antiguo gregoriano) se mueve con notas muy largas
mientras que las otras voces van haciendo melismas (adornos). Esto
se puede ver en la obra de Perotin: "Sederunt Principes".
 MOTETE: Es una forma polifónica que consta de dos o tres voces,
cada una de la cuales canta un texto distinto y tiene también un ritmo
diferente.

Ars nova

Es el último periodo de la música religiosa en la Edad Media. Ocupa el siglo

XIV. La polifonía  va a seguir su desarrollo y se van a crear una serie de
nuevas teorías musicales que irán concediendo cada vez más libertad al
compositor.

    El nombre de Ars Nova viene dado por un compositor llamado Philippe de
Vitry, quien tituló así un tratado musical en el que se establecían las nuevas
pautas para escribir música. A partir de este tratado, a esta época se le
conoce con este nombre.

    En el Ars Nova, la polifonía medieval alcanza su

máxima perfección. Algunos compositores,
además de Vitry, destacados de esta época son
Guillaume de Machaut o Francesco Landini.

    Entre las formas más importantes de la época

está el Motete, que sigue desarrollándose hasta
llegar al punto en que cada voz puede tener un texto distinto; o el Canon,

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composición contrapuntística en la que todas las voces cantan la misma
melodía pero realizan su entrada de forma progresiva.

    Contra las nuevas teorías musicales expuestas por Vitry en su tratado,
reaccionaron violentamente los músicos más conservadores, por lo que en
esta época podemos hablar de una contienda entre los músicos más
tradicionalistas que veían los últimos adelantos como fuera de lugar y los
modernistas que seguían desarrollando la polifonía.

Evolución de la notación musical

Como ya sabemos, la Edad Media es un período muy largo, y los cambios en la

forma de escribir la música van a ser notables. Vamos a ver esta evolución
con una serie de ejemplos comentados.

    

    Esta primera partitura vemos que es

muy primitiva. Está escrita con neumas,
que eran esos signos que se mueven hacia
arriba y hacia abajo indicando los
movimientos que el cantor debe hacer con
su voz.

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Resumen del desarrollo de la música medieval

POLIFONÍA ARS
PERIODO MONODÍA ARS NOVA
PRIMITIVA ANTIQUA
S XII a
S. V a VIII S IX a XII S XIV
SIGLOS XIII
Desarrollo
del
Desarrollo
de la música
TIPO DE Canto Organum y  organum y
profana
MÚSICA gregoriano Discantus nuevas
formas
 
 
PERSONAJES P de Vitry y
Leonin y Perotin (Escuela
Monjes G de
de Notre Dame)
RELEVANTES Machaut

Música profana: introducción

Aunque la música religiosa es la que más importancia va a tener

durante la Edad Media, bien es cierto que existió otro tipo de música que no
tenía ninguna relación con el culto o la religión. Estamos hablando de la
música profana.

    Este tipo de música se desarrolla de manera paralela a la religiosa y será

interpretada por dos tipos de personajes diferentes: los trovadores y los
juglares, que recibían distintas denominaciones dependiendo del territorio
en el que se encontraban.

Los Trovadores

Los trovadores fueron poetas-músicos que normalmente pertenecían a la

nobleza. Tuvieron una gran importancia durante la Edad Media, sobre todo
en Francia y en España. Su nacimiento se sitúa en una zona del sur de
Francia denominada Provenza a finales del siglo XI. Estos personajes
utilizaban la lengua provenzal en sus composiciones, y el tema principal de

16
sus poemas es el tema del
amor platónico. También
cantaban y recitaban sobre
temas caballerescos.

    Los troveros también

surgieron en Francia, pero
en el  norte (en las
regiones de Artois y
Champagne). Surgen en el
siglo XII y sus obras están
escritas en la lengua d'Oil
(que más tarde dio origen al francés actual). La temática de los cantos es
similar a la de los trovadores. También contaron con gran prestigio entre las
clases sociales actuando en diferentes palacios y castillos del norte de
Francia.

    El movimiento trovadoresco se irá extendiendo por toda Europa y

adquiriendo diferentes denominaciones en cada lugar. Así, por ejemplo, en
Alemania eran denominados Minnesinger y escribían en su lengua vernácula
(el alemán). En España,  los trovadores alcanzaron gran importancia sobre
todo en la zona de Galicia donde las canciones se denominan Cántigas.

    Entre los trovadores más importantes podemos nombrar a personajes

como Adam de la Halle, Jaufre Rudel, Ricardo Corazón de León o Guillebert
de Berneville, además de los españoles, el gallego Martín Codax, el catalán
Rimbaut de Vaqueiras o el mismísimo Alfonso X el Sabio, al que se le
atribuyen (de manera más o menos acertada) las Cántigas de Santa María.

    En cuanto a la composición trovadoresca, podemos decir que se trata de 

una música de textura monódica con acompañamiento instrumental. Se basan
en los modos gregorianos pero con un ritmo más marcado, ya que son obras
más rápidas y alegres.

Los juglares

Los juglares eran músicos ambulantes que no sólo tocaban instrumentos y

cantaban canciones, sino que además realizaban todo tipo de actividades
para divertir al pueblo (chistes, magia, acrobacias,...) Eran de clase baja y
no eran compositores, ya que se limitaban a copiar y plagiar las canciones de

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los trovadores. Desde el principio fueron muy criticados tanto por la
nobleza como por la iglesia, ya que en sus canciones utilizaban un lenguaje
vulgar. No actuaban en castillos ni palacios, sino que lo hacían en las plazas
de los pueblos. eran personajes itinerantes que viajaban de pueblo en pueblo
sin un lugar de residencia fijo. Eran en definitiva una especie de
saltimbanquis con bastante mala reputación.

    Sin embargo, algunos de estos juglares, con el tiempo llegaron a

convertirse en artistas importantes, se asentaron en las ciudades y
refinaron su estilo dejando atrás el espíritu jocoso y perfeccionando su
interpretación musical.

La danza

Con la llegada del cristianismo se vigila de cerca la danza, ya que al formar

parte de la música profana, era vista por la Iglesia como un acto impuro que
alejaba a los fieles del mensaje del Evangelio. Por ello, hubo épocas en las
que se llegó a prohibir.

    Las únicas referencias que tenemos sobre las danzas medievales están
fechadas hacia 1420 y nos han llegado gracias a la pintura y a las obras
literarias. Por ello sabemos que la danza existió durante la Edad Media, sin
embargo no podemos saber cuales eran los pasos concretos de cada danza.

    En cambio, sí podemos saber que existían dos formas básicas de bailar,
por parejas o en grupo, que unas veces se colocaba formando una línea recta
y otras formando un círculo cerrado.

    En la Edad media los cantos populares generalmente eran danzados.

Instrumentos, danza y voz se fundían, por lo tanto, en un sólo arte.

Instrumentos medievales

En la Edad Media encontramos gran cantidad de instrumentos, algunos

provendrán de la Antigüedad y otros vendrán de Oriente, introducidos a
raíz de las cruzadas. Vamos a citar algunos de los más importantes. Pincha
en las miniaturas para ver el instrumento a mayor tamaño.

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    CORDÓFONOS:

 LAÚD: Instrumento de cuerda con clavijero hacia atrás y caja de

resonancia en forma abombada. Se tocaba con los dedos. Es de origen
árabe.
 LA VIELA: Instrumento de arco. Será el prototipo del violín moderno.

 ORGANISTRUM: También denominado Zampoña. Es un instrumento

de tres cuerdas que se toca girando una manivela.

 EL ARPA:  De forma triangular y pequeño tamaño. Se toca con las dos

manos, una pulsa las cuerdas y la otra acorta su longitud.

             

    VIENTO:

 PLATERSPIEL: Es una especie de gaita con forma de cuerno. Está

hecho de madera y tiene seis agujeros.
 CHIRIMíA: Especie de oboe de mayores dimensiones muy usado en
los desfiles y actos relevantes.

 CORNAMUSA: Parecido a las gaitas actuales.

                  

 
 
 
    PERCUSIÓN:
 PANDERO: Compuesto por un arco de madera y una o dos membranas
tensas. Se percutía con la mano.
 TEJOLETAS: Rudimentarias castañuelas hechas con trozos de teja
que se entrechocan.
 DARBUKA: Tambor con forma de copa y una membrana tensa en la
parte superior. Normalmente está hecho de cerámica y se golpea con
la manos.

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Renacimiento

Situación

Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca

los siglos XV y XVI, cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el
Barroco. Es una etapa corta, pero de las más importantes dentro del mundo
cultural y artístico. En esta época se van a dar cita personajes de la talla de
Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes,
Shakespeare,...; que desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes
había ocurrido.

CONTEXTO HISTÓRICO:

    Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías

absolutas, terminando con el feudalismo medieval (excepto en Italia, donde
surgirán ciudades estado). Los grandes nobles y aristócratas van a ser los
mecenas de los artistas, que trabajarán en sus cortes a costa de un salario.
Es una etapa de gran desarrollo económico, mejorarán los medios de
comunicación y los transportes, lo cual facilitará la movilidad de los músicos
y el intercambio y propagación de ideas musicales.  

Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de Lutero y la

Contrarreforma Católica serán importantes para la evolución de la música.

CONTEXTO CULTURAL:

    En el ámbito cultural uno de los ideales que van a triunfar en este periodo
es el del Humanismo, que considera al hombre como el centro de todas las
cosas, dejando atrás las ideas teocentristas del medievo.

    Algunas de las características culturales de esta etapa se resumen a

continuación:

20
  Progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de concebirse
como alabanzas a Dios, los artistas buscan como fin la belleza y el
placer de los sentidos en sus obras.
 El nacimiento de la imprenta, que permitirá un
mayor desarrollo de la cultura en todos sus
ámbitos.

 El concepto de autor: dejamos atrás al artesano

anónimo de la Edad Media para hablar a partir
de ahora de artistas que firman sus obras.

 Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la

Edad Media es visto por los renacentistas como
una época oscura y sin interés artístico, por lo
tanto, van a despreciar el arte de ese periodo
para tomar como referencia el arte clásico
sobretodo de Grecia y Roma.

CONTEXTO MUSICAL:
    Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características:
     Incremento de la cultura musical, que
viene establecido por las ideas humanistas
sobre la importancia de la cultura, además
de por la invención de la imprenta, ya que
ahora se empiezan a imprimir las primeras
partituras.

     Desarrollo de la música profana e

instrumental, también influidos por el
espíritu humanista. Cada vez se crea más
música de carácter no religioso y en
detrimento de la música sacra. Recordemos
que la iglesia había menospreciado la música
instrumental, y ésta ahora experimentará un
gran desarrollo.

     Profesionalización de los músicos: la

música sigue creciendo en complejidad, como
ya lo había hecho en los últimos siglos de la
Edad Media. Esto obliga a los músicos a
especializarse y a dedicar su vida a este
arte.

21
 Características musicales

La música del Renacimiento suena distinta a la música

medieval. Esto se debe a que se van a producir una
serie de cambios, de los cuales destacamos los
siguientes:

 Desarrollo de la técnica polifónica: ya en el Ars Nova la polifonía

había alcanzado una gran complejidad; ahora en el Renacimiento el uso
de grupos de voces con diferentes timbres y tesituras se generaliza.
En este periodo podemos hablar ya de las cuatro voces que llegarán
hasta nuestros días (soprano, contralto, tenor y bajo). Dentro del
ámbito polifónico destacan dos técnicas de composición, una
contrapuntística (en la que las voces se mueven de manera
independiente) y otra homofónica (en la que las voces se mueven de
manera homogénea).
 Sustitución del ritmo irregular: debido a la complejidad que ha
alcanzado la polifonía, los sistemas de notación tienen que
desarrollarse en cuanto a la métrica, por ello se abandona totalmente
el ritmo libre del gregoriano para establecer una música con medidas
fijas, en la que las duraciones de los sonidos son absolutas.

 Cambios en la armonía: los compositores van a empezar a introducir

en sus obras voces a distancias de terceras superpuestas, que en la
Edad Media no eran utilizadas. Este uso de terceras será el
antecedente de los acordes de nuestro sistema tonal actual.

Periodos musicales

El Renacimiento hemos dicho que abarca los siglos XV y XVI, dentro de este
periodo podemos distinguir tres etapas:

22
  Primer Renacimiento: comprende la primera mitad del siglo XV.
Conocido también como el periodo franco-flamenco, ya que los duques
de Borgoña (que poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte
de Francia y Luxemburgo) actuaron como mecenas de un grupo de
artistas que se convertirán en los más importantes de esta época.
Entre los compositores más destacados de esta etapa podemos
nombrar a Dufay, Ockeghem y Desprès. La mayor parte de la música
de estos autores será religiosa (misas y motetes). Durante este
Primer Renacimiento será muy frecuente la técnica compositiva
denominada contrapunto imitativo, que se basa en proyectar un tema
ó motivo repetidamente entre las distintas voces.
 Alto Renacimiento: comprende la segunda mitad del siglo XV y
primera del XVI. Los músicos franco-flamencos se extienden por
Europa, cada territorio acoge las novedades musicales y las adapta a
su estilo compositivo. Se crean, por lo tanto, los denominados estilos
nacionales. En Italia el género que más se cultivará será el madrigal;
en Alemania se desarrollará el lied (canción) y en Francia destaca la
chanson.

 Bajo Renacimiento: se desarrolla durante

la segunda mitad del siglo XVI. Italia se
convierte en el país más importante
musicalmente hablando, las innovaciones
más interesantes vendrán dentro de la
música profana; sin embargo, las dos
figuras más destacadas en este periodo se
dedicarán a la música religiosa, y son
Giovanni Pierluigi Palestrina y el español
Tomás Luis de Victoria. Los géneros más
importantes siguen siendo el motete y la
misa.  En esta época también tenemos que destacar al italiano Claudio
Monteverdi, maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho
tratados) y figura decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo
de 1607.

La música religiosa

Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que

acabarán con la unidad del catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe
con Roma en el año 1519, ya que no comparte algunas de las formas de

23
comportamiento de la iglesia vaticana; va a crear así el protestantismo, que
se convertirá desde entonces y hasta nuestros días en la religión
mayoritaria de Alemania. A este hecho se le conoce como la Reforma
Protestante, ya que Lutero llevará a cabo una serie de cambios, alguno de
los cuales afectará a la música. Hemos de saber que Lutero era un gran
estudioso de la teoría musical.

    Entre los cambios más importantes destacamos

los siguientes:

 Utilizar el alemán en las

celebraciones religiosas,
ya que para Lutero era
muy importante que la
gente comprendiese lo
que se decía en la liturgia
y que incluso pudiese participar cantando. Esto no
era posible si las celebraciones se seguían
realizando en latín, debido a que era una lengua
que sólo era utilizada por la iglesia, no por el
pueblo.
 Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya
que el gran desarrollo al que había llegado la polifonía hacía que no se
entendiese el texto. Lutero creará una nueva forma musical: EL
CORAL, que será el género más importante de la iglesia protestante.
Esta forma suele ser una composición sencilla, escrita normalmente a
cuatro voces, que se canta en alemán y presenta una textura
homofónica.

    En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de

Roma y crea la iglesia anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario, y
así acapara todo el poder político y religioso de su país. A partir de este
momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva forma musical denominada
ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba durante las
celebraciones litúrgicas.
    La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse
para tratar de arreglar los males en los que está sumergida. Desde 1545
hasta 1563 se celebra "El Concilio de Trento", en el que se tratan de
establecer las directrices de la nueva iglesia católica. Algunas de las
novedades afectarán al terreno musical, de las cuales destacamos las
siguientes:

24
  Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un
signo de unidad cristiana. Esta norma seguirá vigente hasta el Concilio
Vaticano II.
 Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era
posible entender los textos religiosos, y recordemos que la principal
finalidad de la música religiosa era la de transmitir el mensaje
cristiano.

 Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son territorios

sagrados en los que sólo se debe interpretar música religiosa. Esta
norma, en teoría, hoy en día continúa vigente.

    Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el

motete y la misa (forma musical compleja resultado de la unión de todas las
piezas de la liturgia), en los que se evitará la complejidad polifónica. Los
compositores principales de la iglesia católica son los italianos Giovanni
Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso (que también realizó numerosos
madrigales), y los españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.

Música vocal profana

A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya

que en todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música
vocal profana va a tener un estilo propio en cada país; es lo que se denomina
como los "Estilos Nacionales".

    Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como
generales, se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos
de canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio)
y no en latín como sucedía en la música religiosa. A continuación se exponen
los géneros más importantes de algunos
países:

     ITALIA: El género más importante

es el MADRIGAL. Se trata de una
forma de polifonía compleja escrita
para cuatro o cinco voces. Normalmente
es música "a capella", aunque se le
pueden añadir algunos instrumentos. Es música de carácter
descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco frases en las

25
 que se intercala un ritornello (breve estribillo). Entre los
compositores más importantes destacan: Luca Marenzio, Orlando Di
Lasso y Claudio Monteverdi.
     FRANCIA:  La forma más importante de este país es la
CHANSON. Es una forma polifónica normalmente con
acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El compositor
más destacado es Clement Janequin.
     ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es un
género que en su origen no tiene nada que ver con la Navidad. Es una
forma a cuatro voces de textura homofónica con estructura de
estribillo-copla-estribillo. El compositor más representativo de este
tipo de música es Juan Del Enzina y se conservan muchas de estas
piezas en un libro que lleva por título "El cancionero  de Palacio".
Junto con el villancico en España también habrá otros géneros
importantes como el Romance o la Ensalada.

La música instrumental

Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir

de la música instrumental que hasta entonces había estado marginada.
Ahora poco a poco irá ganando prestigio y relevancia debido en gran medida
a la laicización de la música promovida por el pensamiento humanista. Por
primera vez en la historia se va a componer música instrumental pura, sin
ningún otro fin que el deleite del oído. Este tipo de
música evolucionará en campo profano ya que la
Iglesia continúa con su prohibición del uso de
instrumentos en los actos religiosos.

26
    Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a
difundir muchos libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha
gente va a poder acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un
instrumento.

    Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música del
Renacimiento:

 PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS VOCALES: Son obras que

primitivamente estaban escritas para varias voces y que serán
adaptadas para poder interpretarlas con instrumentos polifónicos
como el órgano y otros instrumentos de teclado. Destacan en este
grupo formas como el ricercare o la canzona.
 PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas piezas podían
ser de dos tipos: o bien se improvisaba a partir de una melodía dada o
se improvisaba sin ningún tipo de referencia, inventando todo sobre la
marcha. A este tipo de música corresponden géneros como la fantasía
o la toccata.
 PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: Se trata de que el
intérprete parte de un tema sencillo que va repitiendo sucesivamente
incorporando variaciones de todo tipo. Dentro de este grupo destacan
las diferencias; éste fue el nombre que recibió en España el tema con
variaciones en el cual destacó el compositor español Antonio de
Cabezón.
 PIEZAS CREADAS PARA LA DANZA: Para este tipo de música vamos
a crear una apartado especial titulado la danza renacentista.

Los instrumentos del renacimiento

Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el

Renacimiento, perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de
los compositores. Como hemos visto en el punto anterior, durante el
Renacimiento se compone mucha música instrumental, esto va a hacer que
muchos instrumentos adquieran una gran importancia.

    A continuación citamos algunos de los más importantes:

    AERÓFONOS:

 Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos;
fue uno de los instrumentos más populares de la época. También
existían las flautas traveseras de madera.

27
  Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la
dulzaina) que termina en forma de U.

 Trompetas rectas y enrolladas : Eran fabricadas en metal y se usaban

con fines militares y en desfiles.

 Chirimía:  instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta

doble (parecido a los oboes pero de mayor tamaño).

 Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es

fabricado en metal.

                        

 
 
 
    CORDÓFONOS:

 La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una mezcla

de guitarra y violonchelo. En España recibió el nombre de vihuela de
arco.
 La guitarra: Se estableció en España procedente de los países árabes
y pronto se extendió por toda Europa. Las primitivas tenían cuatro
cuerdas.

 La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la guitarra.

Gozó de gran prestigio en nuestro país de la mano de compositores
como Luis de Narváez o Luis de Milán, los cuales se especializaron en
este instrumento.

 El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el

Renacimiento se convierte en uno de los más importantes.

 El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas punteadas.

Se comenzó a fabricar en Italia en el siglo XVI.

28
                            
 
 
    Para algunos de estos instrumentos de cuerda (la guitarra, la vihuela o el
laúd entre otros) se creó un sistema de notación nuevo que se llamó LA
TABLATURA.

La Tablatura

    Aquí podemos observar un

fragmento de una tablatura
renacentista. Es un sistema
de notación,
aproximadamente del siglo
XV, es propio de los
instrumentos de cuerda pulsada tales como le vihuela o el laúd.

    En él, se representa el mástil del instrumento con sus cuerdas (en este
caso seis). Los números indican el traste que el músico debe tocar sobre la
cuerda en la que está escrito. En la parte de arriba se escribe una figura
que indica el valor que debemos dar a cada una de las notas, y debajo se
escriben anotaciones que muestran la técnica y la articulación con las que se
debe interpretar la obra.

    Es un sistema sencillo que permitía a la gente que no tenía estudios

musicales iniciarse en el aprendizaje de un instrumento.

    Este sistema de notación continúa vigente en la actualidad y muchas

personas aprenden hay en día a tocar instrumentos como la guitarra
ayudándose de la tablatura.

29
La danza renacentista

        La danza, durante el periodo del Renacimiento va a alcanzar una gran
importancia, sobre todo entre las clases más altas, ya que en todas la
celebraciones va a estar presente. Pero además de la danza cortesana, va a
existir otra danza menos refinada y mucho más alegre, que va a ser la del
pueblo llano.

    Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser

bailadas en grandes salones. La danza era bailada por
todos los nobles que participaban en la celebración (el
aprender los bailes era obligatorio para los nobles), que
iban ataviados con sus mejores galas. Los grandes
vestidos eran los que impedían cualquier tipo de
movimiento acelerado y por tanto estos bailes van a ser
siempre muy pausados y elegantes.

    Al desarrollo de este tipo de música en este periodo

influyó mucho la evolución de la música instrumental, ya que buena parte de
esa música era dedicada a este género. Otro de los factores decisivos que
impulsaron las danzas fue la invención de la imprenta, ya que a partir de
este momento se van a editar los primeros libros de coreografías.

    Éstas eran algunas de las principales danzas renacentistas:

 LA GALLARDA: Es una de las principales danzas de la época. Se

interpretaba con paso saltado. Es una danza en compás ternario y
paso alegre. Normalmente se interpretaba después de la pavana.
 LA PAVANA: Era sin duda la danza más importante de la época. Era la
que abría el baile y normalmente sólo la bailaban los organizadores del
evento. Es pausada y refinada; es un paseo de los ricos nobles para
que todo el mundo presente les admire.

 EL BRANLE: Era una danza que se bailaba en círculo. Los bailarines se

agarraban e iban oscilando a derecha y a izquierda sin romper el
círculo.

   
    Además podemos mencionar otras
muchas danzas: el ronde, la tarantela, la
zarabanda, la alemanda, el courante, el
saltarelo, la calada,...
 

30
Compositores destacados

  A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores

más destacados de esta etapa. Pincha sobre el nombre del que quieras
conocer:

 GABRIELI, Andrea y Giovanni

 DI LASSO, Orlando
 PALESTRINA, Giovanni Perluigi da
 DE VICTORIA, Tomás Luis

ANDREA Y GIOVANNI GABRIELI

1510-1586 y 1557-1612 Italia

    Familia de célebres compositores venecianos, tío

y sobrino. El primero fue Chantre de San Marcos de
Venecia y discípulo de Willaert, aunque permaneció
algunos años en Verona como organista de su
Catedral. Durante el resto de su vida fue organista
en San Marcos, como segundo de Claudio Merulo y
después, en sustitución de su sobrino Giovanni.
Entre otras muchas obras, compuso la música con
que su ciudad celebró la victoria de Lepanto en
1571. Escribió especialmente música religiosa,
aunque también madrigales profanos. En sus obras
queda reflejada la particular arquitectura de
simetrías de la iglesia de San Marcos, que se traduciría en coros
enfrentados.

    Su sobrino Giovanni fue su más ferviente admirador y siguió sus pasos,
estudiando con Roland de Lassus. En Venecia desempeñó el cargo de primer
organista de San Marcos y fue profesor de destacados alumnos italianos y
extranjeros, como Grillo, Tadei y especialmente Heinrich Schutz, desde
donde su influencia se extendería hasta Johann Sebastian Bach.

    PRINCIPALES OBRAS:

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  Andrea Gabrieli
 Canciones Sagradas - 1565
 Primer libro de Misas - 1572
 Madrigales a tres - 1575
 Primer libro de Canciones Eclesiásticas - 1576
 Salmos a David - 1583
 Coros de Edipo Rey (para la inauguración del Teatro Olímpico de
Vicenza) - 1585
    Giovanni Gabrieli
 Concerti - 1587
 Sinfonía Sagrada - 1597
 Sinfonías Sagradas - 1615

ORLANDO DI LASSO

1532-1594 Bélgica-Francia

    Llamado originalmente Roland de Lassus, fue el

más importante compositor de la escuela franco-
flamenca del siglo XVI. Se crió en la ciudad de
Hainaut, siendo miembro del coro de la iglesia de
San Nicolás. Siguió al virrey de Sicilia por sus
viajes por Europa, quedando impresionado por el
arte italiano en Milán, Sicilia y Nápoles.

    Después se afincaría en Munich como maestro

de capilla del duque de Baviera, realizando frecuentes viajes a Alemania e
Italia, y relacionándose con los principales personajes de la época, desde el
editor Adrian Le Roy a músicos de las cortes alemanas, recibiendo
condecoraciones y gratificaciones de príncipes extranjeros. Parece que
conoció a Palestrina y tuvo varios discípulos, entre ellos Giovanni Gabrieli. En
su juventud abundan las obras sobre textos profanos, mientras que en la
madurez se vuelca hacia el estilo religioso.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Primer ciclo de motetes - 1556

 Segundo ciclo de motetes - 1562

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  Bicinia - 1577

 Psalmi David i poenitentiales - 1584

 Tricinia - 1588

 Cantiones sacreae sex vocum - 1594

 Lagrime di San Pietro (edición póstuma) - 1595

 Prophetiaes Sybillarum chromatico more (edición póstuma) - 1600

 Magnum opus musicum (edición póstuma) - 1604

GIOVANNI PERLUIGI DA PALESTRINA

1525-1594 Italia

    Compositor italiano de música sacra,

género para el que compuso 102 misas, unos
300 motetes y 133 madrigales con textos
profanos. Fue un brillante organista que
estudió con Mallapert y Lebel y quizás con
Arcadelt, que impresionaría al cardenal
Giovanni María del Monte, luego papa Julio
III, que lo contrata como maestro de coro
y a quien Palestrina dedica su primer libro de misas.

    Aunque trabaja como cantor de la capilla Sixtina, debe renunciar al

puesto cuando se casa por primera vez (lo hace otra vez más y tiene hijos
que serán víctimas de la peste). En 1577 el papa Gregorio XIII le encarga
(junto con Aníbal Zoilo) la corrección del repertorio gregoriano.

    Su estilo es muy característico en el tratamiento de la prosodia de los

textos (acomodación de sílabas a notas), siempre sujeto a su propiedad de
cantable.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Primer libro de madrigales a cuatro voces - 1555

 Missa Papae Marcelli - 1563

 Repleatur os meum - 1570

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  Primera colección de madrigales espirituales - 1581

 Cánticos de Salomón - 1583

 Stabat Mater - 1590

TOMÁS LUIS DE VICTORIA

1548-1611 España

    Compositor español. Fue alumno de Escobedo en

Segovia y luego de Morales. A los veinte años fue
enviado a Roma con una pensión de Felipe II, para
ingresar como cantor en la capilla del Colegio
Germánico que los jesuitas crean para combatir el
protestantismo. En sus trece años en la ciudad trabaja
como capellán cantor y después como maestro de
capilla de San Apolinar.

    La viudedad de la emperatriz hace que retorne y se instale en Madrid a

su servicio, primero como maestro de capilla y luego como organista del
convento de las Descalzas Reales, gozando además de la protección del
cardenal Michele Bonelli. Su estilo sigue fielmente las pautas de la escuela
romana de Palestrina, entre el dramatismo y ascetismo. La independencia de
las voces no sólo responde a planteamientos armónicos de conjunto, sino a la
propia musicalidad de la música melódica.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Missa pro Victoria (escrita para conmemorar la batalla de San

Quintín).
 Alma Redemptoris Mater.

 Missa Ave Regina coelorum.

 Missa Pange Lingua.

 O magnum mysterium.

 O vos omnes (motete).

 Missa Ave María Stella.

 Officium Hebdomadae Sanctae - 1585

34
  Oficium Defunctorum - 1605

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
   

Barroco

Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta

1750. Está encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos
musicales que encuadran esta etapa son la creación de la primera ópera
"Orfeo" del italiano Claudio Monteverdi (1607) y la muerte de Johann
Sebastian Bach(1750), que será el genio indiscutible de esta época.

    CONTEXTO HISTÓRICO

    Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una Europa que
está sumida en un continuo de luchas políticas y guerras. El poder sigue
estando en manos de la aristocracia y de la Iglesia que quieren mostrar su
autoridad organizando grandes espectáculos en los que la música siempre
estará presente. Se convierten, para ello, en mecenas de los mejores
artistas, los cuales trabajarán en sus grandes cortes y palacios.

    CONTEXTO CULTURAL

    El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura,

el arte y la ciencia. En esta época se darán cita personajes importantes en
el mundo de la literatura como Lope de Vega, Calderón, Cornielle o Moliere;
en la pintura contaremos con artistas como Velázquez, Murillo, Rubens o
Rembrant; además de destacar científicos como Galileo Galilei, Torricelli o
Newton.

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    La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado, por lo que
es común encontrar obras de arte en las que no queda ni un espacio que
rellenar. A esto se le conoce con el nombre de "Horror Vacui" (miedo al
vacío).

    El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el

Renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos
opuestos: la RAZÓN y el SENTIMIENTO. La razón en cuanto que intentan
buscar la lógica y el lado científico de todo. El sentimiento del ser humano
que se hará evidente en todos los campos; en el musical sobretodo en la
ópera.

    CONTEXTO MUSICAL

    Este pensamiento  barroco (razón-sentimiento) se va

a hacer muy patente en el panorama musical. Así pues,
en este periodo se busca una codificación de todos los
parámetros musicales (ritmo, tonalidad,...) como forma
de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos
constatar en la siguiente frase de J. P. Rameau
(considerado el fundador de la moderna armonía):

    "...la música es una ciencia que debe disponer de unas

reglas bien establecidas; dichas reglas deben derivar de
un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las
matemáticas...."

    Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la
mejor manera posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes
tímbricos, uso de dinámicas,...). La ópera será el género que más desarrolle
la expresión de los sentimientos.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA

    Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar

una serie de importantes novedades que darán a este
periodo una sonoridad característica indiscutible. A
continuación destacamos las más importantes:

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  LA MONODÍA: Los compositores de Barroco consideraron excesiva
la complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista, ya
que así no se podía expresar ningún tipo de sentimientos. Por ello, una
de las innovaciones que van a crear es el uso de la monodía
acompañada (una sola melodía con acompañamiento instrumental).
Esta técnica les permite comprender el texto y transmitir una mayor
expresividad. En el campo donde más se desarrolló fue en la ópera.
 EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta
de manera ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la canción.
La  melodía principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo,
pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas (manteniendo
su estructura), creando un relleno armónico que va cambiando
durante toda la obra. Normalmente, los instrumentos que se
encargarán del bajo continuo serán instrumentos polifónicos como el
órgano, el clave o el arpa.

 ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el

Barroco se establece el concepto de tonalidad tal y como lo
conocemos hoy. Se formulan tratados de armonía en los que se
establecen unas estrictas normas sobre las tonalidades y la
formación de acordes. Además, a lo largo del siglo XVII se generaliza
la escritura de la música utilizando compases. La música quedaba
medida por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo
libre.

 NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que

nacerá sobretodo para la música orquestal. Se basa en contraponer
distintos planos sonoros y timbres de un grupo de instrumentos
(tutti, concertino, soli,...). Es un recurso para dar mayor

PERIODOS DE LA MÚSICA BARROCA

Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la

música barroca:

 PRIMER BARROCO: Ocuparía la primera mitad del siglo

XVII. Se da un mayor predominio
de la música vocal sobre la
instrumental. Los compositores
realizan experimentos armónicos

37
 que más  tarde darán lugar a la música tonal en cierto
modo producido por el nacimiento de la ópera. En esta
época se produce un rechazo al contrapunto
renacentista. Los compositores más destacados son: en
Italia C. Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en
Alemania M. Praetorius.
 BARROCO MEDIO: La música instrumental gana terreno
y se pone a la altura de la vocal. Se abandona poca a poco
la música modal y hay una vuelta hacia el contrapunto.
Los compositores más relevantes de esta época son: H.
Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia.
 BARROCO TARDÍO: Se da un predominio de la música
instrumental sobre la vocal. La tonalidad queda
totalmente establecida. Las figuras más representativas
son: los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los alemanes
J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman.

 EL DESARROLLO DE LOS TEATROS

    A finales del siglo XVII se va a producir una novedad que tendrá mucho
que ver en el posterior desarrollo de la música; fue la creación de los
primeros teatros públicos. Hasta ese momento, aquel que desease escuchar
música tenía que acudir a la iglesia o bien ser invitado por las altas esferas
sociales a sus celebraciones (posibilidad bastante remota si no pertenecías
a la nobleza). Esto cambió cuando comenzaron a surgir los primeros teatros
y salas de conciertos que se abrían a todo el público bajo el pago de una
entrada. El campo de la música, a partir de este momento se abre a toda la
población, que ávidas de consumo musical acogerán la idea con gran
aceptación.

    De esta manera se empiezan a multiplicar los teatros y las salas de

conciertos de las ciudades más importantes, que se codearán con las salas
de los aristócratas.
Veamos algunos ejemplos:

 FRANCIA: En
París,  durante el
reinado de Luis
XIV, gran
aficionado a la

38
 música, se construye un fascinante palacio en Versalles en los que se
estrenarán las obras del mejor compositor del barroco francés: J. B.
Lully, que destacará sobre todo en el plano del ballet.
 INGLATERRA: Fue
teatros públicos. En 1661 se inaugura uno
dedicado exclusivamente a la ópera. En estos
centros musicales destacará un músico llamado H.
Purcell con óperas como "Dido y Eneas".

 ITALIA: Será
ópera y de los teatros públicos. Por ejemplo, en
Venecia en 1637 (ciudad que contaba con unos
140.000 habitantes) existían 17 teatros además
de otros centros religiosos donde se
interpretaba música.

 ESPAÑA: Durante la primera mitad del siglo XVIII disfruta de un

intenso ambiente musical; en la corte de los reyes españoles se dan
cita algunos músicos italianos de gran renombre como el castrati
Farinelli o  D. Scarlatti. Proliferan teatros y salas de conciertos tales
como el Coliseo del Buen Retiro, el Teatro de la Granja o el de los
Caños del Peral (actual Teatro Real).

MÚSICA RELIGIOSA

    La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo

un gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica
aprovecharán las innovaciones que se dan en la música profana para crear
nuevas formas.

    Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será el
"policoralismo", que se dará sobretodo en la escuela veneciana. Esta técnica
surge en la iglesia de San Marcos (Venecia), cuyo espacio arquitectónico
permitió la colocación de dos coros contrapuestos. En Roma evolucionará
exigiendo varios coros que se colocan en distintos lugares de la iglesia. El
ejemplo más espectacular lo encontramos en "La misa de la catedral de
Salzburgo", compuesta para 53 voces que se colocan en distintas posiciones

39
ocupando todo el perímetro de la iglesia. Esta misa se le atribuye a Orazio
Benevoli.

    La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma más

representativa, y la católica continúa cultivando motetes y misas. Sobre
estos géneros se aplicarán las novedades de la música barroca.

    En este periodo, hay tres géneros nuevos que estudiaremos a

continuación:

 EL ORATORIO
 LA CANTATA

 LA PASIÓN

EL ORATORIO

    Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados
que ésta (arias, coros, interludios, recitativos...). Además, tiene otras
similitudes como la gran extensión y el carácter dramático; sin embargo en
el oratorio encontramos
características propias:

 Los textos son

religiosos,
normalmente
extraídos de la Biblia.
 El oratorio no se

escenifica.

 Se interpreta en un lugar de culto

sagrado.

 Existe la figura de un narrador que

va explicando la acción mediante el
recitativo.

    Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo oratorio
más conocido es "El Mesías" y J.S.Bach, con obras como el "Oratorio de
Navidad".

40
CANTATA

    El término cantata significa etimológicamente "música para cantar" y

surge en contraposición a la sonata (música para sonar). Es un género que
nace dentro de la música vocal profana, destinado a ser interpretado en los
salones de la aristocracia; sin embargo, fueron los músicos de la iglesia
protestante los que lo convirtieron en una forma de música religiosa,
cambiando el texto, que ahora se basará en fragmentos del Evangelio,
salmos y otros temas religiosos.

    La cantata tiene los mismos elementos musicales que el oratorio, pero se
diferencia de éste en que será más breve. Las melodías solían estar
divididas en frases que finalizaban con un calderón (influencia del coral).

    Entre los compositores más destacados podemos nombrar a J.S.Bach y su

cantata 147 (Jesús la alegría de los hombres) y a G.P.Telemann.

LA PASIÓN

    Es un oratorio que trata exclusivamente de la

pasión y la muerte de Jesucristo, inspirándose en los
Evangelios. En cuanto a la forma, la pasión también
tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura
del narrador es el evangelista que relata mediante un
recitativo todos los acontecimientos. Los personajes
importantes del Evangelio son interpretados por los
solistas, mientras que
otros personajes
(discípulos, pueblo...) son
interpretados por el coro.

    El compositor más destacado de este género es

J.S.Bach, con dos obras fundamentales: "La
pasión según San Mateo" y "La pasión según San
Juan".

La ópera

LOS ORÍGENES DE LA ÓPERA

41
    A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e
intelectuales que trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se
le conocerá como "La Camerata Fiorentina". Estos artistas están en contra
del desarrollo polifónico que habían alcanzado las composiciones del
Renacimiento, que por su complejidad, perdían la esencia principal que debe
cumplir la música, que no es otra que la de conmover al oyente y hacer
brotar en él todo tipo de sentimientos.

    Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar las

raíces de la música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia la música
era monódica y con un acompañamiento instrumental; esta música estaba
cargada de una gran expresividad. Basándose en estos principios nacerá la
técnica de la monodía acompañada, que será la base fundamental de la ópera
posterior. Los artistas de la Camerata buscaban un género capaz de abarcar
todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como
"la obra de arte total", ya que va a reunir en una sola forma a las distintas
artes: poesía, música, teatro, danza,...

    La ópera se convirtió en el género más representativo de la época, ya que

lograba una gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y
palabra; se consolidará como uno de las formas con más protagonismo a lo
largo de los posteriores siglos.

EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA

    La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a

comienzos del siglo XVII. El antecedente más
significativo de la ópera lo encontramos en
"entremezzo", que eran pequeñas actuaciones
musicales que se desarrollaban en los intermedios
de los dramas teatrales. Estos intermedios poco a
poco irán tomando importancia y cada vez serán
mas largos, hasta que de manera autónoma se
confirmen como un nuevo género musical.

     La primera ópera de la que tenemos noticia es

"Dafne", de Jacobo Peri, estrenada en 1597; pero
esta obra no se conserva en su totalidad, ya que
algunos fragmentos se han perdido. En 1600 se

42
estrenan dos versiones de "Eurídice", una del mismo J. Peri y otra de G.
Caccini.

    Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará
como la primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los
requisitos tanto técnicos como estructurales de la ópera que se desarrollará
en años posteriores. Esta obra, será tomada como referencia por todos los
compositores que le sucederán.
Además, el propio Monteverdi,
creará otras óperas que alcanzarán
una gran fama como "La coronación
de Popea" y "El retorno de Ulises".

    Este género fue tomando mucha

importancia en toda Italia. Varias
ciudades se convirtieron
sucesivamente en capitales
operísticas (Roma, Venecia, Nápoles,...), añadiendo cada una sus propias
innovaciones. El resto de Europa adoptó el estilo operístico italiano, excepto
Francia que creará su género propio.

PARTES DE LA ÓPERA

    En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:

 OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental.

Normalmente es breve y sirve como introducción al espectáculo. La
música comienza con el telón cerrado, que se abre en el transcurso de
la obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto
con el escenario.
 RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se
desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un
texto casi declamado y sin adornos. Existen dos tipos de recitativo:
Secco ( acompañamiento sólo de bajo continuo) o Acompagnato (con
acompañamiento de orquesta).

 ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera.

Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa
sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz. Es el máximo
exponente de la monodía acompañada.

43
  COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de
personajes.

 INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos

los fragmentos anteriores. También se denominaron "ritornellos".

    Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos,

tríos,...
    En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de la
orquesta, los cantantes del coro, extras que no cantaban,... Entre los
personajes que más sobresalían en las óperas figuran los castrati. Pincha
aquí para conocer algunos datos sobre LOS CASTRATI.

LOS CASTRATI

      El siglo XVIII fue la era del cantante castrato y el

tiempo en el que desarrolló su mayor actividad. Sin
embargo, durante varios siglos se recurrió a la
castración masculina para que el cantante pudiera
conservar la voz clara y aguda (blanca) en su edad
adulta. Esta práctica tiene su origen en la Edad
Media, debido a que a las mujeres les estaba
prohibido cantar en la iglesias. En el siglo XVI el papa
Pablo IV prohibió las voces femeninas en la catedral
de San Pedro y con ello comenzó la hegemonía de los
castrati.

    Algunas características de estos cantantes, en el periodo barroco, son las

siguientes:

 No se dedicaban sólo a la música religiosa, como en su origen, sino que

cantaban óperas y todo tipo de música profana.
 Los castrati ganaban sumas fabulosas. Eran muy famosos y su sueldo
hoy lo podríamos equiparar con lo que cobra un famoso, por ejemplo
un futbolista de élite.

 Trabajaban mucho la técnica de la respiración diafragmática, por lo

que algunos podían aguantar hasta un minuto manteniendo una misma
nota y sin respirar.

 Era frecuente que la gente, al oírlos rompiera a llorar o se desmayara

de la emoción.

44
  El más famoso de todos fue Farinelli, que trabajó en la corte del rey
español Felipe V, al que dicen que curó de su melancolía cantándole
todas las noches, durante 10 años, las mismas cuatro canciones.

TIPOS DE ÓPERA

    Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera:

 ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el

primer tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la
aristocracia debido a su refinamiento. Es muy compleja debido a sus
argumentos y a su gran despliegue técnico. A este tipo pertenece la
primera ópera: "Orfeo".
 ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria. Los argumentos son cotidianos
y fáciles de entender. El despliegue de medios de este género no es
demasiado grande, se convertirá en la ópera preferida del pueblo, ya
que además de ser más asequible económicamente y más fácil de
entender para todo tipo de personas, era bastante típico que el
argumento fuese una crítica social hacia las clases poderosas. La
primera ópera de este tipo fue escrita por un autor italiano llamado
G.B. Pergolesi, titulada "La Serva Padrona" en 1733.

    Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue

adquiriendo la ópera en los distintos territorios en los que se desarrollaba:

 FRANCIA: Se llamará "Tragidie Lyrique". Las características

principales serán la introducción del ballet dentro del espectáculo y
el gran despliegue de medios que utilizarán los franceses en sus
creaciones. El compositor más importante será J. B. Lully.
 INGLATERRA: Sienta sus bases con la obra de H. Purcell "Dido y
Eneas" estrenada en el año 1689.

 ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un

género que parte de la ópera bufa italiana y que alcanzará un gran
desarrollo: el Singspiel.

 ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya

característica más significativa será la sucesión de partes cantadas y
habladas. Pincha aquí para conocer más cosas sobre nuestro género:
LA ZARZUELA

45
EL NACIMIENTO DE LA ZARZUELA

    La zarzuela es nuestro teatro musical más representativo y su historia

comenzó el día 17 de Enero de 1657 en un pabellón de caza construido en
medio de zarzales y denominado La Zarzuela (que se encontraba situado en
una parte de lo que hoy es el Retiro de Madrid).

    Ese día se estrenaba una obra titulada "El golfo de las sirenas", cuyo
argumento giraba en torno a la aventura de Ulises con las sirenas. Se
trataba de una obra declamada en dos actos en la que se intercalaban
fragmentos musicales. La obra era de Pedro Calderón de
la Barca, por lo que podemos afirmar, que este autor es
uno de los fundadores de nuestro teatro musical.

    A partir de ese momento se fueron haciendo más

obras de este tipo, pero por desgracia la mayor parte de
ellas se ha perdido y se ignora también el nombre de sus
primeros  compositores. Sin embargo, conocemos el
nombre de uno de ellos, llamado Juan Hidalgo, que se
convirtió en el músico oficial de teatro musical para la
corte a mediados del siglo XVII.

MÚSICA INSTRUMENTAL

    La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había

empezado en el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel
decisivo la evolución técnica de los instrumentos y el nacimiento de la
orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se especializan debido a la
complejidad que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la figura del
virtuoso.

    Con este desarrollo, los compositores van a lograr en sus obras la máxima
expresividad.

    Podemos hablar de tres formas

musicales dependiendo de las
agrupaciones instrumentales que los
interpreten:

 MÚSICA PARA
INSTRUMENTOS SOLISTAS:
los compositores empezaron a
escribir pensando

46
 específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus
cualidades técnicas y su timbre. Las piezas para instrumentos solistas
permitían al intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo su
habilidad técnica y su expresividad musical. Uno de los géneros más
importantes de música para solistas será "la fuga" (forma
contrapuntística por excelencia), que será desarrollada por autores
como J.S.Bach. Dentro de los instrumentos solistas destacarán el
órgano, el violín, el clave...

 MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por

dos o más instrumentistas sin llegar a ser un grupo numeroso. Es
música de carácter íntimo destinada a ser interpretada en pequeñas
salas. Será el género preferido por la nobleza. Normalmente, en este
tipo de música, un instrumento realizará los acordes del bajo
continuo, mientras que los otros se encargarán de las distintas
melodías.

 MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de

instrumentos de las tres familias. Hasta este momento no se
indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la
obra, ya que no había normas que regulasen el número y la composición
de la orquesta, y la elección de los instrumentos dependía de las
circunstancias y de las posibilidades del concierto. A partir del siglo
XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura guión
cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada
parte; uno de los primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso
la colocación de los mismos en su obra Orfeo.

       

47
 FORMAS DE LA MÚSICA ORQUESTAL

 FORMAS DE LA MÚSICA ORQUESTAL

      A partir de mediados del siglo XVII

surgirán las grandes formas instrumentales
barrocas, que marcarán no sólo este
periodo sino toda la música posterior.

 LA SUITE: es una forma compleja

compuesta por la sucesión de danzas
de distinto carácter. El número y la
disposición de las danzas es variable.
Aunque existen suites escritas para
un solo instrumento, la forma se
desarrollará más dentro de la música
orquestal, siendo uno de los
principales compositores J.S.Bach.
 LA SONATA: el significado de la palabra sonata es "música para
sonar" (tocada por instrumentos). Es una forma compleja, ya que se
desarrolla en cuatro movimientos que contrastan en cuanto al tempo.
La estructura de ésta fue establecida por Arcángelo Corelli.

 EL CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que

quiere decir contraponer cosas distintas. Es una forma compleja,
normalmente de tres movimientos contrapuestos en cuanto al tempo.
Según como intervengan los instrumentos el concierto puede ser:

 Concerto grosso: en el que se establece un contraste

entre un grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta
(tutti), que van alternándose en la interpretación de la obra.
Destacan los "Seis Concerti Grossi" de Haendel o los "Conciertos de
Brandenburgo" de J.S.Bach.

 Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento

solista que contrasta con la orquesta. Podemos destacar a A.Vivaldi,
al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista, como las
"Cuatro Estaciones", compuesto para violín.

48
LOS INSTRUMENTOS BARROCOS

    En el Barroco hay una serie de instrumentos que van a destacar:

    FAMILIA DE VIENTO:

 El oboe: aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía

renacentista.
 El clarinete: los primeros clarinetes comienzan a construirse a
principios del siglo XVIII.

 El órgano: es el instrumento más espectacular del Barroco. Autores

como J.S. Bach desarrollarán la técnica de este instrumento hasta
límites insospechados.

        
 
 
 
    FAMILIA DE CUERDA:

 El violín: comienza su apogeo en esta época. Los mejores luthiers,

como la familia Stradivarius, van a realizar los mejores violines de la
historia. La familia de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y
contrabajo) será la gran protagonista de la música barroca.

 
 
 
         

49
LOS STRADIVARIUS

    La pequeña ciudad de Cremona ha pasado a la historia por haber dado a

conocer a los mejores constructores de violines del mundo. Todo comenzó
cuando un personaje llamado Andrea Amati fundó un taller en el que
siguieron trabajando sus descendientes. El mítico Antonio Stradivarius
trabajó en ese taller, hasta que, una vez aprendido el oficio, fundó su propio
negocio en la misma ciudad.

    Con Stradivarius, el arte de fabricar violines llega a su máximo esplendor.

Escogía con esmero madera de arce, abeto y ébano; tallando, ahuecando y
dando forma a las aproximadamente
setenta piezas de las que constaba cada
instrumento. Luego las ajustaba, las
pegaba y les aplicaba un barniz rojizo. El
resultado era una obra de arte cuya
sonoridad aún no ha sido superada.

    Hoy en día, la fabricación de los

Stradivarius sigue siendo un secreto, del
que se conocen algunos datos:

 Se piensa que el secreto de su sonoridad residía en su barniz. No se

ha conseguido la forma exacta de su composición, ya que se ha llegado
a la conclusión de que puede tener unas diez capas de barniz
compuesto por varios pigmentos. En esta operación los luthiers
invertían varios meses.
 Se considera que la mejor madera para la construcción de violines es
la de abetos del Tirol, situados entre 1200 y 1500 metros de altitud
y expuestos al oeste. Esta madera necesitaba cinco años de secado.

 De todos los instrumentos que fabricó Stradivaruis (unos 1100) hoy

en día sólo se conservan la mitad. Los últimos los construyó cuando
tenía más de 90 años.

LA DANZA BARROCA

50
    La aristocracia europea sentía pasión por el lujo y las grandes fiestas.
Para celebrar cualquier acontecimiento, organizaban festines en los que la
música y la danza siempre estaban presentes.

    En el año 1700, un importante maestro de baile, llamado Feuillet, creó el

primer sistema de notación de danza de la historia. Gracias a este hecho, se
conservan más de 350  coreografías de salón y teatro. La danza, poco a
poco, fue adquiriendo una reglamentación que dará lugar a la DANZA
CLÁSICA.

    Las danzas que se bailaban en los salones europeos seguían siendo
básicamente las mismas que se habían dado a lo largo del Renacimiento
(pavana, gallarda, branle,...). Pero a partir de 1600 surgirá una nueva danza
que se convertirá en la protagonista del periodo: EL MINUÉ.

Como casi todas las danzas, tiene un origen popular, ya que proviene de un
balie de campesinos de la región francesa de Poitou. Era una danza tranquila
escrita en compás ternario. Se bailaba por parejas que salían al centro del
salón saludándose ceremoniosamente. A medida que evolucionaba la
coreografía las parejas iban intercambiándose. Los movimientos eran muy
sobrios y refinados, manteniendo siempre el cuerpo muy erguido, y los
bailarines se desplazaban de izquierda a derecha y de adelante hacia atrás
creando una trayectoria en forma de Z.

Compositores del Barroco

A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los

compositores más destacados de esta etapa. Pincha sobre el nombre del que
quieras conocer:

 BACH, Johann Sebastian

 CORELLI, Arcangelo

 FRESCOBALDI, Girolamo

 HAENDEL, Georg F.

 LULLY, Jean-Baptiste

 MONTEVERDI, Claudio

 PERGOLESI, Giovanni Battista

51
  PURCELL, Henry

 SCARLATTI, Alessandro y Domenico

 VIVALDI, Antonio

JOHANN SEBASTIAN BACH

(1685-1750) Alemania

    Uno de los mayores genios musicales de

todos los tiempos, la obra de Bach es enorme y
abarca gran cantidad de géneros, aunque
siempre reverente con la fe que lo inspiraba.
Descendiente y progenitor de una amplia
familia de músicos, compuso en un estilo algo
pasado de moda para su época, pero con una
maestría y un lenguaje complejo a la vez que
accesible.

    Durante el periodo clásico cayó en una especie de olvido del que lo
rescataría casi un siglo más tarde Félix Meldelssohn. Fue conocido en su
época como virtuoso organista e improvisador, aunque hoy su figura
trascienda como creador. Desde niño demostró un interés y talento
espectacular para la música, una pasión que le hizo ir a pie a Hamburgo para
oír y conocer las obras que allí se interpretaban. Fue organista en Weimar y
Maestro de Capilla en Leipzig.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Seis conciertos de Brandenburgo - 1721

 El clave bien temperado (libro I) - 1722

 Pasión según San Mateo - 1729

52
  Misa en si menor - 1733 a 1738

 Oratorio de Navidad - 1734

 Variaciones Goldberg - 1742

 El clave bien temperado (libro II) - 1744

ARCANGELO CORELLI

1653-1713  Italia

    Compositor y violinista italiano que contribuyó

a la cristalización del Concerto Grosso. Autor de
numerosas obras instrumentales (Concierto de
Navidad, La Follia, sonatas,...), padre de la
sonata para violín e inspirador de un grupo de
compositores posteriores para este
instrumento. Era hijo de una acaudalada familia
de terratenientes. Estudió en Bolonia donde
tomó lecciones de violín de uno de los discípulos
de Ercola Gaibara. Desarrolló su actividad principalmente en Roma, salvo dos
viajes que realizó a Alemania, donde fue director musical y compositor de
cámara del cardenal Ottoboni (que luego sería nombrado papa como
Alejandro VIII)

    En la sonata antigua fue un continuador de la obra de Legrenzi y Vitali,

entre otros. Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y un bajo
continuo), además de doce para violín y continuo, que hasta la llegada de
Haydn batían récords de publicación y reedición.

   

53
PRINCIPALES OBRAS:

 Doce sonatas en trío Op. 1 - 1681

 Once sonatas de cámara en trío y una chacona Op. 2 - 1685

 Once sonatas en trío Op. 3 - 1689

 Doce sonatas solistas Op 5 - 1700

 Doce Concerti Grossi Op. 6 - 1713

GEORG F. HAENDEL

1685-1759 Alemania-Inglaterra

    Compositor alemán nacionalizado inglés a los 42

años. En su familia no había músicos, pero el
talento de Haendel de niño hizo que estudiara con
Zachow, con quien se convirtió en organista e
intérprete de clave, además de dominar el violín y
el oboe. Emprende varios viajes por toda Europa y
conoce importantes compositores.

    Hacia 1715 su fama es enorme, pero quince años

más tarde cae en el olvido, del que renace al
cumplir los cincuenta años, cambiando su género
favorito de la ópera al oratorio. Más tarde, la
ceguera le impediría seguir componiendo, aunque no
interpretando música en el órgano. Fue un compositor muy prolífico, que en
comparación con J.S.Bach ponía más el acento en la melodía que en el
contrapunto.

54
    Fue un maestro del contraste, especialmente en música coral. Su estilo
maduro, inclinado al oratorio, ha servido de modelo al subgénero del
oratorio inglés.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Almira (ópera) - 1704

 La resurrección (oratorio) - 1708
 Rinaldo (ópera) - 1710
 Música acuática (orquesta) - 1717
 Radamisto (ópera) - 1720
 Julio César (ópera) - 1724
 Orlando (ópera) - 1733
 Seis Concerti Grossi Op. 3 - 1734
 Saúl (oratorio) - 1739
 El Mesías (oratorio) - 1741
 Música para los reales fuegos artificiales (orquesta) - 1749

JEAN-BAPTISTE LULLY

1632-1687 Italia-Francia

    Compositor francés de origen italiano (Giovanni

Batista Lulli). De cuna humilde, consiguió llamar la
atención del caballero de Guise, que lo lleva a París,
donde serviría al rey Luis XIV, que pone a su
disposición una orquesta de violines donde crece su
fama como violinista, como compositor y director. Fue
el encargado de componer muchos ballets de corte, a
los que el rey era muy aficionado.

    También destaca su colaboración con Molière en la

música de varias representaciones. Otro colaborador
habitual suyo fue Quinault, que escribió la mayoría de
los libretos de sus óperas. Consiguió fortuna y poder, llegando a ser
secretario real.

    Su estilo operístico aboga por el abandono del recitativo secco, que
sustituye por otro más elaborado en su acompañamiento. Respetaba mucho

55
la prosodia natural de las palabras musicales. Fue uno de los creadores de la
obertura francesa y ejerció una gran influencia sobre otros contemporáneos
como Purcell.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Ballet de las estaciones - 1661

 Ballet de las artes - 1663

 Música para "El marido forzado" (de Molière) - 1664

 Ballet de las musas - 1666

 Ballet Flora - 1669

 Música para "El burgués gentilhombre" - 1670

 Alceste (ópera) - 1674

 Proserpina (ópera) - 1680

 Faetón (ópera) - 1683

CLAUDIO MONTEVERDI

1567-1643 Italia

    Compositor italiano que revolucionó el

mundo de la música aplicando medios
tradicionales con nuevos fines.
Considerado uno de los padres del
género operístico, fue el responsable de
los drásticos cambios que tendrían lugar en
la música a partir de 1600.

    Sus primeras óperas están llenas de

artificios, mientras que sus madrigales,
motetes y música sacra en general son
más tradicionalistas. Su invención más

56
importante es el denominado "Stile Concitato", es decir, la reproducción
realista de batallas y otros escenarios afectivos, que tendría influencia
sobre Merulo en Italia y Schütz en Alemania.

    Fue un maestro en el uso de las emociones humanas en música. De su

Cremona natal trascendió primero a la corte de Mantua y luego a la capilla
de San Marcos en Venecia. Hacia el año 1600 su reputación había quedado
bien establecida, cuando comienzan a aparecer críticas a su estilo, que pone
a la música al servicio de las palabras.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Sacrae Cantiunculae (motetes) - 1582

 Segundo libro de madrigales - 1590

 Orfeo (ópera) - 1607

 Arianna (ópera perdida) - 1608

 Tirsi e Clori (ballet) - 1616

 Il Combattimento di Tancredi e Clorinda (diálogo dramático) - 1624

 Mercutio y Marte - 1627

 La finta pazza licori (ópera perdida) - 1627

 Scherzi Musicali (piezas para una o dos voces) - 1632

 La coronación de Popea (ópera) - 1642

GIOVANNI BATTISTA PERGOLESI

1710-1736 Italia

    A pesar de la brevedad de su vida, este

compositor italiano tuvo una gran influencia
sobre los posteriores compositores galantes
y clasicistas, especialmente en Mozart.
Aunque trabajó tanto la ópera seria como la
cómica , es en este último subgénero donde

57
destaca su genio, especialmente en el intermedio "La serva padrona", cuya
representación póstuma en París desencadenó la llamada Guerra de los
Bufones, entre los que defendían y se oponían a la italianización de la ópera.

    Su familia se apellidaba Draghi y provenían de la zona de Pergola,

adoptando más tarde el apellido Pergolesi. Tenía una malformación física en
la pierna y era de salud endeble. Después de estudios iniciales en Jesi, se
traslada a Nápoles, donde aprende música con de Matteis, Greco y Durante,
que lo nombra ayudante de maestro. Contó con la protección del príncipe de
Stigliano y los duques Caracciolo.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Questo è il pianto e questo è il riso (cantata) - 1731

 Lo frate 'nnamorato (comedia) - 1732
 La serva padrona (intermedio) - 1733
 Adriano in Siria (ópera con libreto de Metastasio) - 1734
 L'Olinpiade (ópera con libreto de Metastasio) - 1735
 Stabat Mater - 1749
 Livietta e Tracollo - 1753
 Misa en fa mayor - 1805
 Salve Regina - 1845

HENRY PURCELL

1659-1695 Inglaterra

    Compositor y organista inglés, iniciador de una

tradición musical insular. Era hijo de un músico
de la Capilla Real y maestro de coros de la
Abadía de Westminster, por lo que desde niño
aprendió los fundamentos de la música,
trabajando luego al servicio del obispo y del rey.
Con once años, se le atribuye la composición de
una oda en honor de Carlos II. A partir de 1673

58
trabaja con Hingeston en la restauración y conservación de instrumentos
reales y como copista. En 1679 sucede a su maestro Blow como organista,
conservando este puesto hasta su muerte.

    Sus primeras obras combinan elementos tradicionales con otros

innovadores, componiendo músicas para acompañar representaciones
teatrales, aunque sin abordar directamente la ópera hasta "Dido and
Aeneas" 1689. También compuso música instrumental, religiosa y canciones.

    PRINCIPALES OBRAS:

 In nomine (4 pavanas a tres voces) - 1680

 Primera Oda a Santa Cecilia - 1683

 Dido and Aeneas (ópera) - 1689

 Distressed Innocence (música para teatro) - 1690

 King Arthur, or the British Worthy (música para teatro) - 1691

 Música fúnebre para la reina María II - 1692

 The Double Dealer (para teatro) 1693

 Te Deum e Jubilate - 1694

 The Indian Queen (para teatro) - 1695

ALESSANDRO Y DOMENICO SCARLATTI

1660-1725 y 1685-1757 Italia

    Familia de compositores (padre Alessandro, hijo

Domenico) italianos de óperas, música vocal sacra y
profana, así como de obras instrumentales. El padre
llegó a ser uno de los más renombrados compositores

59
napolitanos de su época, mientras que el hijo fue un prolífico autor de 555
sonatas para clave que innovarían la armonía del siglo XVIII con aportes de
ritmos de baile italianos, portugueses y españoles.

    Del padre se ha sostenido, a veces exageradamente, que es el fundador

de la escuela napolitana de ópera del siglo XVIII, así como el inventor del
aria da capo, la obertura italiana y el recitativo acompañado. Domenico fue
maestro de capilla de San Pedro, compositor de música sagrada para la
capilla pontificia, autor de óperas para la reina de Polonia, habiendo residido
en Londres, Lisboa y Madrid, siendo considerado como uno de los
precursores de la sonata clásica.

    PRINCIPALES OBRAS:

    Alessandro Scarlatti

 Gli equivoci nel sembiante (ópera) - 1679

 La Rosaura (ópera) - 1690

 Il Pirro e Demetrio (ópera) - 1694

 La caduta dei Decemviri (ópera) - 1697

 Il trionfo della libertà (ópera) - 1707

 Il trionfo dell'onore (ópera) - 1718

 La Griselda (ópera) - 1721

    Domenico Scarlatti

 Esercizi per gravicembalo - 1738

 Sonata K175 en la menor - 1752

 Sonata K513 en do mayor - 1756

ANTONIO VIVALDI

60
1678-1741   Italia

    Compositor y violinista italiano. Hijo de un

violinista consagrado de la capilla de San Marcos
en Venecia, da sus primeros pasos musicales con
Legrenzi. Una vez ordenado sacerdote, es
nombrado maestro de violín del Orfanato de la
Piedad, cuya orquesta de señoritas se convierte en
uno de los mejores conjuntos instrumentales de la
época, dirigidos por el petre rosso (el cura rojo),
nombre con el que  se conocía a Vivaldi por el color
de su pelo.

    Se le conoce principalmente por sus obras instrumentales, entre las que
destacan varios ciclos de conciertos con violines solistas, pero además
compuso para otros instrumentos conciertos y música de cámara, además de
óperas. Su estilo de forma clara, impulso rítmico y flujo de ideas musicales
influyó en el lenguaje concertístico de J.S. Bach y otros compositores
posteriores. Compuso unas 770 obras, entre ellas destacan 46 óperas y 477
conciertos de los que se conservan 443.

    OBRAS IMPORTANTES:

 L'estro armónico (doce conciertos para 1-4 violines, arcos y bajo

continuo) - 1712
 La Stravaganza (doce conciertos para violín, arcos y bajo continuo)-
1713

 La veritá in cimento  (ópera) - 1720

 Concierto para flauta nº 2 en sol menor - 1724

 Il cimento dell' armonia e dell' invenzione (incluye las cuatro

estaciones) - 1725

 Orlando (ópera) - 1727

 La cetra (doce conciertos para violín ,arcos y bajo continuo) - 1728

 L'Olimpiade (ópera) - 1734

 Il pastor fido (sonatas para flauta) - 1737

61
  Seis sonatas para violonchelo y bajo Op. 14 - 1740

CLASICISMO
INTRODUCCIÓN

    El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el

Romanticismo. Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de
J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que
marca la transición de la Edad Moderna a La Edad Contemporánea.

CONTEXTO HISTÓRICO:

     Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder

político y económico, lo cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura
y de la música. En la 2ª mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de
acontecimientos históricos
importantes y reformas sociales que
darán lugar a violentos movimientos
de masas, destacando entre ellos "La
Revolución Francesa" de 1789, hecho
que romperá con las monarquías
absolutas. El lema revolucionario de
"Libertad, Igualdad y Fraternidad"
será llevado a todos los contextos,
también al de la música.

    CONTEXTO
CULTURAL:

    El Clasicismo es la época de la Ilustración, un

movimiento intelectual promovido por la burguesía y la
pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La
Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que divulgará la
cultura en amplias capas de la población. En Francia, al

62
movimiento de la Ilustración se le denomina Enciclopedismo. Este
movimiento encabezará la Revolución Francesa.

    Los artistas, encontrarán

en la burguesía un nuevo
público que paga por apreciar
sus obras y al que debían
satisfacer con creaciones
entretenidas y naturales; de
esta forma se van liberar
poco a poco de las
obligaciones de trabajar
supeditados al gusto de los
mecenas, obteniendo así una
mayor independencia
creativa pero contando con el reto de tener que depender del público para
rentabilizar sus ingresos.

    CONTEXTO MUSICAL:

    La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para

desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos.

    En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica
grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza
(dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las
artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la
música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han
llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la belleza y la
perfección formal.

    Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a

dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores
que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn,
Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la
ciudad más importante dentro del contexto musical.

63
CARACTERÍSTICAS MUSICALES

    Los compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio

basado en la proporción y el orden, una claridad que se transmite a través
de melodías y armonías simples y una sencillez que permite al oyente una
gran facilidad de comprensión. Estos  son los tres ideales de la música del
Clasicismo, que quedan plasmados en una
nueva forma de componer.

    La música de esta época es refinada,

elegante, contenida y equilibraba. Para
lograr una música de estas características
los compositores trabajarán sobre todo dos
aspectos:

 MELODÍA: Las melodías de Barroco

adoptaban estructuras irregulares.
Por el contrario, en el Clasicismo se
ajustan a una estructura ordenada y
regular. La melodía se articula en una
frase bien diferenciada de un nº determinado de compases. Siguiendo
el principio de proporción, cada frase puede dividirse en partes de
igual duración respetando la simetría. Los compositores buscan
concentrar todo el interés en la melodía principal. Las otras voces
tienen un papel de acompañamiento, de soporte armónico
 ARMONÍA: En el Clasicismo se suprime el bajo continuo tan usado en
el periodo anterior. Se siguen desarrollando los principios armónicos
que se habían establecido en el Barroco tardío. Las funciones tonales
(tónica, subdominante y dominante) organizan toda la obra.

64
LA MÚSICA RELIGIOSA

    Como ya habíamos adelantado, la música religiosa va a estar en declive en

esta  época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a
convertir en géneros mucho más solicitados por el público en general.

    En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios

musicales respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente
los mismos géneros, dentro de los cuales destacará la misa. Un tipo de misa
especial que va a adquirir gran importancia en
este periodo es el Réquiem.

    El Réquiem es la música compuesta para la

misa de los difuntos de la Iglesia católica.
Dicha música es ligeramente distinta de la de
otras misas, ya que se prescinde de las partes
consideradas demasiado alegres para una
ocasión de duelo.

    Dentro de este tipo de género, podemos destacar "El Réquiem de

Mozart", obra maestra de la música clásica. Según cuenta la leyenda, esta
obra le fue encargada a Mozart por un desconocido. El compositor, que
entonces ya estaba gravemente enfermo, creyó que se trataba de un
encargo del más allá para su propio funeral y murió componiendo la séptima
parte de la obra que lleva por título Lacrimosa. Esta parte termina con la
palabra Amen, palabra que se utilizaba al final de la misa, algo extraño
teniendo en cuenta que a Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por
componer. La obra sería completada , siguiendo las instrucciones que el
compositor dejó escritas, por su alumno Süsmayr.

LA ÓPERA SERIA

65
    El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el
género operístico. Este género, nacido en el Barroco dentro de los círculos
aristocráticos, experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se
eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y
acercamiento del argumento al público.

    Los teatros se multiplicaron, el público aumentó en gran medida y los

compositores encontraron en la ópera una de sus formas favoritas de
expresión.

    A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria

había alcanzado una gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre
temas mitológicos eran demasiado sofisticados y  difíciles de entender, los
cantantes se inventaban partes enteras debido a la complejidad de las
arias,... Esto hacía que el público cada vez estuviese más descontento con
este tipo de ópera.

    En 1752 se produjo un cambio, ya que una compañía ambulante de ópera

se instaló en París y presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva
padrona". Su éxito fue muy grande, hasta tal punto que se crearon dos
bandos, uno que va a defender este tipo de ópera y otro que va a estar en
contra. A este enfrentamiento se le conoce como "La querella de los
bufones".

    En una lado estarán los que

defendían la tradición de la ópera
seria francesa, mucho más elaborada
que la bufa italiana, a la que acusaban
de frívola y superficial. Encabezaba
este grupo Rameau. En el otro bando,
estaban los defensores de la nueva
ópera que había llegado desde Italia, la
cual consideraban que se ajustaba
mejor a los ideales del Clasicismo de
sencillez y claridad. Era mucho más
fácil de entender para todo tipo de
público, ya que sus argumentos eran
mucho más cercanos al pueblo y
además destacaban por la belleza de
sus melodías. Al frente de este grupo
estaba Rouseau y algunos otros enciclopedistas.

66
    En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C. Gluck, que
buscó la reconciliación de ambos grupos, realizando una reforma de la ópera
seria para que se acercase más a lo que el público pedía. En el prefacio de su
ópera "Orfeo y Eurídice" expone los principios de la reforma que la ópera
seria debía adoptar, que se resumen en los siguientes puntos:

 Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había

llegado la ópera seria.
 Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más
simples y los recitativos más expresivos.

 El argumento debe ser más sencillo y verosímil, desechando los

elementos fantásticos y artificiales de Barroco.

 La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los

personajes.

    Bajo estos parámetros se va a componer la mayor parte de la ópera seria

en Europa.

67
LA ÓPERA BUFA

    Es en esta época cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias,

sobretodo a la llegada de la burguesía al poder. En Nápoles era habitual
intercalar fragmentos cómicos entre los diferentes actos de las óperas
serias. Estos fragmentos se fueron desarrollando y acabaron
independizándose, dando lugar a un género nuevo llamado ópera bufa. Esto
sucedió a finales del Barroco y principios del Clasicismo.

    Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el

modelo de la Serva Padrona de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en
las óperas de W.A. Mozart. A pesar de utilizar las mismas características
musicales que la ópera seria, la ópera bufa contaba con algunas
particularidades:

 Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un

carácter cómico y en ocasiones sentimental.
 Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos
por partes habladas.

 Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más
habituales.

 En los finales de acto los

personajes entraban de manera
gradual, de forma que la tensión
iba en aumento y se resolvía
cuando todos cantaban al final.

 El lenguaje que utilizaban era

asequible, sin grandes
grandilocuencias.

    Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la
seria. Esto no es extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la
de entretener al público, cada vez más amplio y sin conocimientos musicales.
Mozart, que como hemos dicho será uno de los principales compositores de
este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano (Las bodas de Fígaro)
como en Alemán (La flauta Mágica).
    La ópera bufa italiana llegó a toda Europa. En Alemania se denominó
Singpiel y en Francia se llamó Ópera Cómique.

68
LA MÚSICA INSTRUMENTAL

    La música instrumental del Clasicismo va a

girar en torno a tres agrupaciones
características:

 LA MÚSICA DE CÁMARA:

    Llamamos así a la música compuesta para un reducido grupo de

instrumentos, en contraposición a la música de orquesta. El nombre viene
de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos durante
la Edad Media y el Renacimiento. A esas habitaciones, no muy grandes, se
les llamaba cámaras.

    Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de

cámara comenzará poco a poco a difundirse en pequeñas salas de
concierto y en casas particulares. Esto viene provocado por el acceso de
la burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y
también porque económicamente una agrupación de cámara era mucho
más rentable que una orquesta.

    Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla

que pudiera ser interpretada por aficionados.

    Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el
piano o la guitarra), para un trío (por ejemplo un violín, un piano o un
violonchelo),…; pero sin duda las agrupaciones de cámara que se
convirtieron en favoritas fueron el cuarteto de cuerda (dos violines,
viola y violonchelo) y el quinteto (que sumaba a esos instrumentos del
cuarteto un instrumento de viento)

    Sin embargo, dentro de este tipo de música caben todas las
posibilidades de instrumentos y agrupaciones que podemos imaginar,
siempre que no sean grupos demasiado numerosos.

69
 LA MÚSICA DE ORQUESTA:

    Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno

de los medios de expresión más utilizados por los compositores.

    La constitución de las orquestas va a seguir dependiendo de las

posibilidades económicas y de la disponibilidad de instrumentistas. Sin
embargo, las orquestas poco a poco se fueron uniformizando, de manera
que hacia finales del siglo XVIII ya podemos hablar de un modelo de
orquesta clásica con una sección de cuerda (violines, violas, violonchelos y
contrabajos), una de viento
(flautas, oboes, clarinetes,
fagots, trompas,…) y una
de percusión (timbales,
platillos,…)

    En esta concreción de la

orquesta hubo un
personaje que influye en
gran medida: Johann
Stamitz. Este hombre fue
promotor y director de La
Escuela de Mannheim, una
escuela de música situada
en esa localidad alemana
que en su época contó con la mejor orquesta del mundo.

    Dentro de las novedades que Stamitz introduce en el mundo de la

orquesta podemos destacar las siguientes:

o Disciplina en el estudio: a su orquesta se le conocía con el

sobrenombre de “Ejército de generales”
o Trabajo por secciones instrumentales: antes de comenzar con
los ensayos generales.
o Búsqueda y desarrollo del color orquestal: la orquesta se debe
comportar como un solo instrumento, no como un conjunto de
instrumentos.
o Incorporación de nuevos recursos que aumentan las
posibilidades tímbricas de la orquesta como el Crescendo y el
Diminuendo.

70
     Muchas de estas y otras innovaciones que Stamitz introduce en el
mundo de la orquesta siguen vigentes hoy en día.

LAS FORMAS INSTRUMENTALES

    Durante el Clasicismo, los compositores van a trabajar innumerables

formas musicales, que adaptaban a las necesidades de sus pedidos o a
sus gustos. Algunas formas que destacaron fueron el divertimento, la
serenata o la casación. Sin embargo, las tres formas más importantes de
la época fueron las siguientes:

 LA SONATA:

    Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante

el Clasicismo en el principal modelo de composición para la música
instrumental de la época.

    Se trata de una obra musical compuesta para un teclado o para otro

instrumento acompañado normalmente por un instrumento de teclado. La

sonata consta de cuatro partes denominadas movimientos. Cada uno de
esos movimientos se distingue por su tempo y por su estructura, distinta
de los demás.

1. Rápido (Allegro) En la tonalidad principal

2. Lento (Andante o largo) En una tonalidad vecina.
3. Ligero (suele ser un Minueto) Tonalidad libre.
4. Rápido (Allegro o presto) Tono principal.
 
 LA SINFONÍA:

    Podemos decir que es una sonata construida para una orquesta
completa aunque de manera más compleja. Tenía, en principio, tres
partes o movimientos que luego se convertirán en cuatro. Se considera a

71
 Haydn como el compositor que dio la forma definitiva a este género,
aunque los músicos de la Escuela de Manheim también desarrollaron este
género en gran medida.

    Las orquestas sinfónicas reciben este nombre, ya que en principio eran
concebidas para interpretar sinfonías.

    Para nombrar sinfonías se emplea el número de orden en el que se ha

escrito. Por eso hablamos de la 5º sinfonía de Beethoven o la 83 de
Haydn. Muchas de ellas también tienen un sobrenombre; por ejemplo, la
tercera de Beethoven se conoce como la heroica y la 101 de Haydn se
conoce como la sinfonía del reloj.

    Entre los mejores compositores de sinfonías podemos nombrar:

        Haydn: que compuso más de 100.

        Mozart: que compuso 41.

        Beethoven: que creó 9 sinfonías.

 CONCIERTO PARA INSTRUMENTO SOLISTA Y ORQUESTA:

    Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento

solista y toda la orquesta. Generalmente, la forma del concierto es la
misma que la de la sinfonía pero prescinde del tercer movimiento.

    Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los

compositores del Clasicismo, ya que va a aunar en una sólo forma los
nuevos avances de la orquesta (timbre orquestal y novedades de la
Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.

    En un principio, el instrumento que más utilizaban los compositores

para realizar el papel de solista era el violín. Sin embargo, poco a poco se
fueron escribiendo conciertos para otros instrumentos (violonchelo,
flauta travesera, trompeta, clarinete).

LOS INSTRUMENTOS

72
     Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan
cambios notables. Algunos de los instrumentos de la época barroca van
cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es reemplazado por el piano, que
posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el
laúd, la flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que
sus características tímbricas no se adecuaban al nuevo estilo musical.
 
    Otros instrumentos, sobretodo los
de viento, mejorarán sus posibilidades
ya que serán mejorados técnicamente
por los constructores. Esto permitirá
ampliar registros, mejorar timbres,…
Una de las grandes aportaciones del
Clasicismo fue la mejora e
incorporación del clarinete a la orquesta. Este instrumento de viento
fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más bellos conciertos.

COMPOSITORES DESTACADOS

    A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los

compositores más destacados de esta etapa. Pincha sobre el nombre del que
quieras conocer:

 BEETHOVEN, Ludwig van

 BOCCHERINI, Luigi

 GLUCK, Christoph W.

 HAYDN, Franz Joseph

 MOZART, Wolfgang Amadeus

LUDWIG VAN BEETHOVEN

1770-1827 Alemania

73
    Nació en Bonn, tuvo una infancia problemática. Su padre era cantante de
capilla del Elector de Bonn, adicto al alcohol y violento, que al descubrir el
talento musical de su hijo, le puso bajo un estricto régimen de estudios de
piano. Más tarde sufriría la pérdida de su madre. En Viena conoce a Mozart,
que no se entusiasma mucho con el joven talento de Beethoven.
Posteriormente conoce a Haydn, quien lo invitó a estudiar con él en Viena,
donde acude en 1792 para instalarse definitivamente.

    Pero el genio indomable y rebelde de Beethoven busca nuevos horizontes

y pasiones de creación musical, por lo que acude a nuevos profesores y
nobles que lo apoyen. En 1801 comienzan los primeros síntomas de sordera, a
los que seguirán problemas psicológicos, por lo que en 1812 redacta el
conocido como Testamento de Heiligenstadt, casi al borde del suicidio.

    De espíritu perfeccionista, hizo múltiples correcciones de sus

manuscritos, por lo que su catálogo de obras no es tan abundante como
cabría esperar. Su estilo sinfónico influiría en las siguiente generaciones de
compositores y se proyecta hasta bien entrado el siglo XX.

PRINCIPALES OBRAS:

 Concierto para violín y orquesta -

1806
 Sonata para piano nº 7 - 1798

 Misa en do mayor, opus 86 - 1807

 Septeto para cuerda y viento, opus 20 - 1799
 Sonata para piano nº 8 - 1799
 Sinfonía nº 5 - 1808

 Sinfonía nº 1 - 1800
 Sinfonía nº 6 - 1808

 Sonata piano nº 14 "Claro de luna" - 1801

 Concierto piano nº 5 Emperador -
1809
 Sonata violín y piano nº 5 "Primavera" - 1801

 Egmont, opus 84 - 1810

 Sonata piano nº 17 "Tempest" - 1802

 Las ruinas de Atenas, opus 113 -

 Sinfonía nº 3 - La heroica - 1803
1811

 Sonata nº 21, op.53 "Waldstein" - 1804

 Sinfonía nº 7 - 1812

 Fidelio (ópera) - 1805

 La victoria de Wellington - 1813

 Sonata piano nº 23 "Appassionata" - 1805

 Marcha triunfal de Tarpeja - 1813

 Sonata violín y piano nº 9 "Kreutzer" - 1805

 Sonata piano nº 29 "Hammerklavier"
- 1818

74
  Sinfonía nº 9 - Himno a la alegría -
1824

LUIGI BOCCHERINI

1743-1805  Italia

    Compositor y virtuoso del violonchelo, era

hijo de un contrabajista de la capilla
palatina de su ciudad natal, Lucca. En su
juventud conoció a Gluck y Sammartini, que
influirían en su estilo.

    Cuando llegó a Madrid no fue bien

recibido por los músicos de la corte de
Carlos III, pero sí por el hermano del rey,
que llegaría a cardenal, aunque luego
renunciaría y se retiraría hasta su muerte a
Arenas de San Pedro, llevándose consigo al compositor, que pasó muchas
penurias económicas y murió en la más absoluta de las miserias.

    También compuso encargos que se editaban en París y tocaba el

violonchelo en la Real Capilla. Tiene un catálogo de casi quinientas obras,
entre sinfonías, conciertos, cuartetos de cuerda, quintetos (muchos de los
cuales son para dos violonchelos), obras para guitarra y una zarzuela
titulada "La Clementina. Tuvo un  papel histórico destacado en la literatura
para guitarra, instrumentos para el que compuso obras de cámara originales
y transcripciones de obras suyas anteriores.

    PRINCIPALES OBRAS:

 La Confederazione dei Sabini (Cantata) - 1765

 Tríos Op. 1 y Cuartetos Op. 2 - 1767

 Seis sonatas para clavicémbalo y violín Op. 5 -1769

 Sinfonías Op. 35 - 1782

 Villancicos de Navidad (para cuatro voces y cuerda) - 1783

 La Clementina (zarzuela) - 1786

75
 CHRISTOPH GLUCK

1714-1787 Alemania

    Compositor alemán de origen bohemio, renovador

de las formas operísticas francesas y opositor del
estilo imperante italiano, cuyo máximo
representante era Piccini. Su familia vivía en el
campo, pero el joven Gluck se hizo cantor
ambulante, cantando en coros y tocando el violín.

    A finales de 1735 entró a formar parte de los músicos del príncipe
Lobkowitz y en 1736 del príncipe Melzi, que costeó sus estudios musicales
en Italia bajo la tutela de Sammartini, famoso compositor de óperas. En
Londres conoce a Haendel, pero éste detesta su estilo. Mientras tanto,
sigue componiendo hasta llegar a 107 óperas.

    Su controversia con Piccini se traduce en el encargo simultáneo de dos

óperas del mismo contenido a ambos compositores (Ifigenia en Táuride), que
consagra el drama de Gluck y hace fracasar al italiano. El estilo de Gluck se
caracteriza por una simplicidad no exenta de momentos sublimes.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Semiramis reconstruida - 1748

 La inocencia justificada - 1755
 La Tetide - 1760
 Ballet Don Juan - 1761
 Orfeo y Eurídice - 1762
 Alcestes - 1767
 Paris y Elena - 1770
 Ifigenia en Aulide - 1774
 Armida - 1777
 Ifigenia en Táuride - 1779

76
FRANZ JOSEPH HAYDN

1732-1809 Austria

      Compositor austríaco. Junto a Mozart y

Beethoven, es una de las figuras claves del
Clasicismo, considerado padre de la sinfonía, la
sonata y el cuarteto de cuerdas (aunque estas
formas ya existían antes, fue él quien las
desarrolló con éxito). De origen humilde,
estudia música con un pariente de apellido
Frank y luego en Viena. Más tarde, recibirá
clases de Porpora, a través del cual conoce la
obra de Gluck.

    Sin embargo, su mejor amigo fue el joven prodigio Mozart, veinticuatro
años menor que él. Fue profesor de Beethoven, pero no llegaron a congeniar.
Su talento maduró lentamente y fue modelo de la evolución del lenguaje
artístico. Su música se caracteriza por su buen humor y picardía, aunque
también ha creado pasajes de gran profundidad. Su amplio catálogo abarca
108 sinfonías, 68 cuartetos de cuerda, 47 sonatas para piano, 26 óperas,
algunas misas y un Stabat Mater.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Sinfonía nº 31 en re menor (con la llamada de la trompa) - 1760
 Sinfonía nº 45 en fa sostenido menor (Los adioses) - 1772
 Concierto en re mayor para clave y orquesta Op. 21 - 1783
 Sinfonía nº 88 en sol mayor - 1787
 Sinfonía de los juguetes - 1788
 Sinfonía nº 92 en sol mayor (Oxford) - 1791
 Cuarteto en do mayor (Emperador) - 1798
 La Creación (oratorio) - 1798
 Las estaciones (oratorio) - 1801
 Dos movimientos del cuarteto de cuerdas Op. 103 - 1803

77
 WOLFGANG AMADEUS MOZART

1756-1791 Austria

    Compositor austríaco considerado el más

grande genio de la música de todos los tiempos.
Con una vida de sólo 35 años fue capaz de
cultivar con excelencia todos los géneros, desde
la música sacra y coral hasta la ópera, pasando
por la sinfonía y la música de cámara,
representando junto a Haydn y Beethoven la
cúspide del Clasicismo musical.

    Su padre, Leopoldo, ejerció una notable influencia en él, como maestro de
composición y violín, dedicado en exclusiva a la educación y el sueño precoz
de su hijo. Siendo niño, exhibió sus habilidades interpretativas y creativas
en Francia, Inglaterra, Holanda, así como en las principales ciudades
austríacas y alemanas.

    Su enorme catálogo alberga más de 600 obras, que empezó a componer a
los 7 años de edad. Otros músicos que ejercieron influencia en Mozart
fueron Johann Christian Bach, el padre Martini de Bolonia y Joseph Haydn.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Cinco conciertos para violín - 1775

 La finta giardinera - 1775

 Concierto en mi bemol mayor para piano y orquesta - 1777

 Concierto para dos pianos en mi bemol mayor - 1779

 Idomeneo (ópera) - 1781

78
  Cuartetos Haydn - 1782

 Las bodas de Fígaro (ópera) - 1785

 Don Giovanni (ópera) - 1787

 Eine Kleine Nachtmusik - 1787

 Sinfonías nº 39 en mi bemol mayor y nº 40 en sol menor - 1788

 Sinfonía nº 41 "Júpiter" - 1788

 La flauta mágica (ópera) - 1791

LA DANZA CLÁSICA

    A finales del siglo XVIII se van a producir una serie

de cambios muy importantes para la evolución de la
danza. Uno de ellos fue el acceso de las mujeres a los
ballets oficiales. De hecho, hasta ese momento sólo se
permitía bailar a las mujeres en las fiestas cortesanas.
En las representaciones teatrales y operísticas los
papeles femeninos eran asumidos por hombres vestidos
de mujer.

    Otro aspecto destacable fue que

la danza se independizó de la ópera.
A partir de entonces, el ballet puso
en escena una historia concreta, con
ayuda de música pero sin ayuda de
cantantes que la explicasen.

    La danza del Clasicismo hereda el

sistema barroco de Feuillet, pero se
irá complicando hasta convertirse en
un arte difícil y riguroso. Los
bailarines tienen que realizar una

79
serie de movimientos complejos para los que necesitarán una gran
especialización. Nacerán así los bailarines profesionales, que dedicarán su
vida al ballet. Es lo que ha llegado hasta nuestros días como la Danza Clásica

    Sin embargo, en los salones de la nobleza, se seguirán realizando danzas

de nobles, heredadas del periodo anterior. En este tipo de bailes la
influencia francesa se hizo patente en toda Europa, por lo que todas esas
danzas tendrán un carácter delicado, elegante y fino al estilo francés.

El Romanticismo
SITUACIÓN

    Delimitamos cronológicamente el

Romanticismo entre los años 1800 y
1890, aunque hay corrientes que
presentan características románticas
antes de estas fechas y en algunos
países se extenderá hasta bien entrado
el siglo XX. Entre el Clasicismo y el
Romanticismo no hay una línea divisoria
estricta, sino una lenta y poco definida transición que nos permite hablar de
continuidad.

CONTEXTO HISTÓRICO:

    En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras
políticas europeas. La burguesía ha tomado el poder social y sus ideales de
libertad quedarán patentes en todos los ámbitos de la sociedad. La
revolución industrial se impone en todos los lugares con sus enormes
consecuencias económicas, sociales y culturales.

80
    Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución
Francesa, que exalta la libertad del ser humano por encima de todas las
cosas.

    El movimiento nacionalista surge en la última época del Romanticismo y

con él se refuerza la idea de individualidad. El nacionalismo afectará a todas
las artes y muy en especial a la música.

CONTEXTO CULTURAL:

    Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo,

buscan nuevas formas de expresión que les permitan dar rienda suelta a su
impulso creador. En esta época de anhelo de libertad, los artistas se
independizan de los mecenas y van a crear obras para un público que en
ocasiones le adora y, a menudo, tarda en comprenderle. El principio
fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación de las
pasiones en todas sus obras.

    Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte", sin
condicionantes y sin tener que respetar todas las normas formales y
estructurales que se habían impuesto en el periodo anterior. Los artistas
van a ser genios creadores que son reconocidos como tales por el resto de la
gente.

CONTEXTO MUSICAL:

    El Romanticismo es quizá la época más

brillante de la historia de la música, ya que
por primera vez, este arte adquiere la
categoría de lenguaje privilegiado por encima
del resto de las artes; la música es capaz de
transmitir la verdadera esencia de las cosas.

    En el campo de la música también se dejan

ver los ideales de libertad de la Revolución
Francesa y por ello los compositores van a
hacer obras sin encargo y según sus propios
gustos, lo que llevará a muchos músicos a la
ruina.

    El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las

pasiones"; los músicos románticos tratan, con su música, de influir en el
ánimo del oyente implicándole emocionalmente. Para conseguir este

81
propósito, el vehículo más apropiado será el piano, que se convertirá en el
instrumento estrella del periodo, ya que con él se logra una atmósfera
íntima.

    En esta época brillarán numerosos compositores, que seguirán, sobretodo

en la primera parte del Romanticismo, el modelo de Beethoven, que será el
compositor que sirva de enlace entre el Clasicismo y este nuevo periodo.

    En el Romanticismo la música va dirigida al corazón.

PERIODOS DE LA MÚSICA ROMÁNTICA

    En este periodo podemos hablar de tres etapas:

 ROMANTICISMO TEMPRANO (1800-1830): Beethoven será la

figura que sirva como puente entre las dos épocas. Surgen las
primeras manifestaciones que combinan innovación y continuidad con
el Clasicismo. En esta etapa destaca Schubert, que logrará la
expresión plena del lirismo romántico en sus piezas para piano y en los
lieder.
 ROMANTICISMO PLENO (1830-1850): El movimiento romántico se
extiende por toda Europa. París se convierte en un centro importante
de cultura musical. Es la época del virtuosismo instrumental con
autores como Listz (piano) o Paganini (violín). Se asientan nuevas
formas compositivas como la Música Programática (descriptiva).

 ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1890): Los grandes operistas de la

época, Wagner y Verdi, escriben sus mejores obras. Destacan
compositores de la talla de Brahms. Aparecen las nuevas corrientes:
Post-romanticismo y Nacionalismo.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES

82
    Durante este periodo podemos destacar las siguientes novedades en el
ámbito de la música:

 Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los
mecenas y más relacionado con los editores de
partituras, lo que le permite mayor libertad de
expresión y composición.
 Aparición de nuevos géneros, como el lied, los
poemas sinfónicos o el drama musical (ópera de
Wagner)

 Búsqueda de la expresividad, los sentimientos y

los estados de ánimo en el oyente.

 La melodía ocupará un lugar privilegiado dentro de la obra. Dichas

melodías ya no serán tan regulares como en el Clasicismo y estarán
cargadas de contratiempos y síncopas, ritardandos y cambios de
dinámica,...; todo ello con la finalidad de expresar en mayor medida
los sentimientos.

 La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la

música y para ello usará frecuentes cambios de tonalidad y
cromatismos.

ESCENARIOS  ROMÁNTICOS

    La vida musical europea vivió, en esta época, un periodo de gran

intensidad en torno a ciudades como París, Viena, Londres,... Existía una
producción musical muy variada que se valía de escenarios muy distintos:

83
  CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes solas propiedad
del Estado o de empresas privadas. A ellas se accedía pagando una
entrada. Estos lugares eran el marco ideal para grandes funciones
sinfónicas, de ópera, de ballet,...
 SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos
empresarios burgueses se realizaban conciertos privados.
Normalmente eran salones no demasiado grandes. Su ambiente era
selecto y restringido a unos pocos privilegiados. La música más
demandada en estos escenarios era la de cámara.

 MÚSICA EN FAMILIA: En ocasiones los artistas se reunían con

familiares o amigos para celebrar fiestas en las que la música era el
ingrediente principal. Era, para la gran mayoría de los compositores
románticos, el escenario preferido por su ambiente íntimo y personal.
Fueron famosas las Schubertiadas, veladas musicales lideradas por
Franz Schubert.

 
 

EL GENIO ROMÁNTICO

    Muchos de los compositores románticos van a cumplir las siguientes

características:

 Tienen como modelo de creación a Beethoven; sobretodo los músicos

de la primera época.

84
  La música para ellos es un medio de liberación del alma, en un mundo
materialista y cada vez más consumista.

 Son "genios" creadores, verdaderos artistas.

Los intérpretes simplemente llevan a cabo una
ejecución mediante un ejercicio mecánico. Sin
embargo, el compositor es quien crea, quien
hace música de la nada.

 Muchas veces, su talento no es comprendido

por la sociedad, por lo que se aislan y sufren
continuamente enfermedades psicológicas o
físicas. Muchos acaban arruinados.

 Escriben obras sin encargo, según lo que les dicte su corazón. Esto les
llevará en ocasiones a sufrir penurias.

 Crean música para la eternidad, ya que aún sabiendo que durante su

vida la gente no va a comprender sus obras no cesan en el intento,
pensando que el día de mañana (seguramente cuando hayan muerto)
alguien se dará cuenta de su talento.

 Normalmente pertenecen a la clase media ilustrada.

LA ÓPERA ROMÁNTICA

    Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran

evolución que lleva a este género a su cumbre más alta y lo
convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se
construyen teatros por toda Europa y los cantantes se
convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al
lucimiento vocal de sus arias.

    Vamos a ver el desarrollo operístico en los países más

importantes:

 ITALIA
 FRANCIA

 ALEMANIA

 ESPAÑA

85
LA ÓPERA ITALIANA

    En Italia, cuna de la ópera, es donde surgen

las principales escuelas que marcarán el
desarrollo del género operístico en el resto de
Europa. Podemos destacar dos corrientes de
este género que se van a dar a lo largo del
Romanticismo:

* BEL CANTO: Esta ópera tiene como

objetivo la exhibición del cantante
mediante pasajes melódicos de gran
exigencia técnica que se desarrollaban en el
registro agudo de la voz. Los cantantes, sobretodo en sus arias,
desarrollaban un gran virtuosismo vocal ligado a una gran expresividad.

    Dentro de la ópera belcantista podemos destacar algunos

compositores como G. Donizetti con "El elixir del amor" y V. Bellini con
"Norma". Estos dos compositores fueron los máximos representantes del
estilo belcantista. Otro personaje destacado fue G. Rossini con "EL
barbero de Sevilla" que fue la ópera más representada en todo el siglo
XIX y que trata sobre un tema típico español. No podemos olvidar a G
Verdi, que se convertirá, junto con el alemán R. Wagner, en el mejor
operista del Romanticismo. Algunas de sus obras destacables son
"Nabucco", "Rigoletto", "La Traviata", "Aida" o "El
trovador".

* VERISMO: Surge a finales del siglo XIX muy

unido a las corrientes del realismo y naturalismo
literario. Los argumentos de la ópera se centrarán
en personajes de la vida cotidiana, reflejando sus
emociones de forma realista sin idealizaciones
románticas.

    Los máximos representantes de este tipo de

ópera son P. Mascagni con "Caballería rusticana" y G. Puccini con óperas
como "Tosca", " La Boheme" o "Madame Butterfly".

86
LA ÓPERA FRANCESA

    París se convirtió en el siglo XIX en una importante

capital de la actividad operística europea. En Francia
también existen dos estilos de ópera:

 LA GRAN ÓPERA: Caracterizada por sus grandes

montajes escenográficos, profusión de ballets,
grandes coros y escenas multitudinarias. Entre
los autores más destacados de este género
podemos nombrar a G. Meyerbeer con "Los
Hugonotes" o G. Bizet con "Carmen" basado en un
tema español en la que el autor utiliza danzas y
temas populares.

 LA OPERETA: Estilo de ópera en la que se intercalan fragmentos

cantados con otros hablados y normalmente sus argumentos son de
carácter humorístico. Destacan compositores como J. Offenbach con
"La bella Helena" y "Los cuentos de Hoffmann"

LA ÓPERA ALEMANA

    Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolló en Alemania una
ópera inspirada en los ideales expuestos por los poetas y filósofos alemanes.
Serán óperas con argumentos legendarios en los que la naturaleza y lo
sobrenatural adquieren un papel protagonista. Destaca en esta época la obra
de C. M. von Weber, al que podemos considerar el iniciador de la ópera
romántica en Alemania. Su obra
más conocida es "El cazador
furtivo".

    Sin embargo, la gran figura

de la ópera alemana es Richard
Wagner, que en una primera
época enlaza con la tradición
romántica, pero dará paso
después a una gran reforma del
género de enorme trascendencia en toda la música posterior. La idea de
Wagner es crear un "drama musical" continuo y con ese nombre se
conocerán las creaciones operísticas de este autor. Algunas de las
características de su drama musical son las siguientes:

87
  La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la
fusión de todas las artes (poesía, música, escenografía, acción,...) que
se aglutinan de manera inseparable en sus obras.
 Utilización de técnicas como el leitmotiv, que es un motivo musical
recurrente para representar personajes, hechos, situaciones,...

 Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular

que marque candencias claras, para dotar de mayor dramatismo a su
obra.

 La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta

tiene un papel principal en el desarrollo y explicación de la acción.

 Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las

cinco horas sin interrupciones.

    Algunos de los dramas musicales más importantes de Wagner son

"Tristán e Isolda", "Tannhauser" y "El anillo de los Nibelungos" , esta última
es una tetralogía, es decir, es un ciclo de cuatro obras juntas.

LA ÓPERA ESPAÑOLA:  LA ZARZUELA

    En España, hasta el siglo XIX hay una gran influencia de la ópera italiana,
hasta el punto de que muchos
compositores e intérpretes
italianos van a presentar sus
obras en las cortes y teatros de
nuestro país. Pero hacia el
segundo cuarto de siglo se
intenta revitalizar un género
propio que hasta ahora no había
tenido gran éxito: La Zarzuela.

    Recordemos que la zarzuela

española no es una ópera como
tal, ya que intercala los fragmentos cantados con los hablados. Los
argumentos de este género suelen ser cotidianos y cercanos al público, con
notas cómicas abundantes. El lenguaje que se usa es también sencillo y
asequible para espectadores sin grandes conocimientos musicales.

88
    Francisco Asenjo Barbieri es uno de los compositores que inicia la
recuperación del género con la llamada
"Zarzuela Grande", obras largas en tres actos
con frecuente uso de coro y predominio de las
partes cantadas sobre las habladas. Estas obras
contaban con un amplio despliegue de medios
técnicos y escenográficos. Entre sus obras
podemos destacar "El Barberillo de Lavapiés",
"Jugar con Fuego" y "Pan y toros".

    A partir de mediados de siglo y en gran parte

por motivos económicos, la zarzuela se hace más
simple y popular. Se crea así el denominado
"Género Chico", que se desarrolla en un sólo acto, reduce el número de
personajes y el despliegue de medios. En este género predominan las partes
habladas sobre las cantadas. Es por lo tanto una zarzuela más económica que
hizo furor entre las clases más populares.

    Los autores principales de este género son Federico Chueca con
zarzuelas muy conocidas, como "La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y
aguardiente", Tomás Bretón con "La verbena de la paloma" y Ruperto Chapí
con "La Revoltosa" entre sus obras más destacadas.

Música instrumental

EL LIED

    Se trata de un género menor (de poca duración) que se convirtió en una
de las principales formas vocales de la música romántica ya que
normalmente era compuesta para el
disfrute en veladas musicales íntimas.

    El lied (lieder en plural) es una

denominación alemana que significa
canción. Es una forma breve escrita
para voz y piano sobre un texto
poético ya existente. Su principal
característica es la fusión entre el
texto y la música. El lied era muy
apreciado por el público porque en los
conciertos creaba una atmósfera íntima propiciada por la belleza y

89
expresividad de sus melodías. El piano se ponía al servicio de la melodía del
cantante.

    Existen varios tipos de lied, siendo el más frecuente el estrófico,

caracterizado por repetir la misma música
en todas las estrofas (A-A-A,..). También
es común la forma bipartita de dos
secciones que se van repitiendo (A-A-B-B)
y la forma tripartita en la que la tercera
parte era repetición de la primera (A-B-A)

    Entre los compositores más destacados

de lieder hay que citar a F. Schubert, que
a lo largo de su vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma
otros autores como Hugo Wolf o Gustav Mahler.

LA MÚSICA DE CÁMARA

    La música de cámara en el

Romanticismo alcanzó su máximo
desarrollo, debido, en gran parte, a
que se hizo accesible a la burguesía y
a la constante demanda de obras para
interpretar en familia o entre amigos.

    A lo largo del siglo XIX, la mayoría

de los compositores escribió obras de
cámara, desde dúos (para dos
instrumentos, como por ejemplo el
piano y la flauta), tríos (piano, violín y
violonchelo),...hasta nonetos (nueve
instrumentos de cuerda y viento); sin
olvidar el cuarteto de cuerda típico
del Clasicismo (dos violines, una viola y
un violonchelo), que siguió ocupando un
lugar destacado en esta época.

    Muchas de estas obras eran sencillas y así las podían interpretar grupos
de aficionados en las reuniones íntimas que realizaban en sus propias casas.

90
LA MÚSICA PARA ORQUESTA

    La orquesta del siglo XIX se

convirtió en la gran protagonista de la
época. Casi todos los compositores
escribieron obras musicales para este
tipo de formación.

    La orquesta romántica, denominada

orquesta sinfónica, estaba integrada
por un número de intérpretes que solía
oscilar entre los 60 y 75 instrumentos
de las tres familias. No es extraño, sin embargo, encontrar a finales de siglo
obras que requerían 100 o más músicos. Los mecanismos técnicos de los
instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a
considerarlos tan importantes como los de cuerda.

    Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de

orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes
ciudades contaban con varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por
toda Europa con una acogida extraordinaria.

    Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en el Romanticismo
fueron:

 LA SINFONÍA
 EL CONCIERTO PARA SOLISTA

 LA MÚSICA PROGRAMÁTICA

91
LA SINFONÍA ROMÁNTICA

    Durante el siglo XIX continúa

cultivándose esta forma que en
el Clasicismo había
estructurado perfectamente su
contenido. Todos los grandes
autores componen en este
periodo numerosas sinfonías.
Poco a poco, los compositores se
van a ir liberando de los
esquemas formales clásicos
explotando con gran efectividad
la riqueza técnica de los instrumentos.

    Las sinfonías serán cada vez más largas y complejas aspirando a
conseguir el máximo rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes
orquestas sinfónicas de la época.

    Entre los compositores más importantes de sinfonías destacamos a F.

Schubert, F. Mendelssohn, A. Bruckner, J Bramhms y como no, la figura
protagonista, L.V.Beethoven, que creó sus últimas sinfonías en las que deja
ver un gran espíritu romántico.

EL CONCIERTO PARA SOLISTA Y ORQUESTA

    El Romanticismo es un periodo muy fructífero para este género

instrumental. Se escribieron numerosos conciertos para solista y orquesta,
en los que el solista podía ser cualquier instrumento. Se conservan
conciertos para clarinete, oboe, flauta, violonchelo,...; sin embargo los
instrumentos más destacados y para los
que más música de este tipo se compuso
fueron el violín y el piano.

 CONCIERTO PARA PIANO Y

ORQUESTA:
Los conciertos
de piano
destacan por
los extraordinarios momentos de lucimiento que

92
 se esperaban de la parte solista. Era el preferido de los compositores
románticos, ya que era capaz de aunar en una sola forma la riqueza
tímbrica de la orquesta, el virtuosismo del instrumento solista, el
carácter íntimo y expresivo del piano y las grandes posibilidades
técnicas de este instrumento polifónico. Entre los compositores del
siglo XIX que escribieron conciertos para este instrumento destacan
L.V. Beethoven, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt o J. Brahms.
 CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA: Aunque menos
numerosos que los de piano, también los conciertos para violín y
orquesta ocuparon un lugar destacado. A partir de la revolución
técnica del violín, propiciada por N. Paganini, las exigencias de
virtuosismo del instrumento se multiplicaron. Como en el caso del
piano, las obras para violín exigían un gran lirismo en la interpretación
de sus melodías además de una virtuosa técnica instrumental. Entre
los compositores que escribieron obras para este instrumento
podemos destacar a L.V. Beethoven, P.I. Tchaikovski, J Brahms o N.
Paganini, conocido, este último, por ser el mejor violinista de la época
y en ocasiones el único capaz de interpretar sus propias obras.

LA MÚSICA PROGRAMÁTICA

      La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en

definitiva más adecuadas para la expresión
romántica, dará lugar al desarrollo de la música
programática o descriptiva, que ya no se construye a
partir de criterios formales sino de criterios
extramusicales (novelas, historias,...).

93
    Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje descriptivo
no es una novedad (recordemos "Las cuatro estaciones" de Vivaldi), sin
embargo, es ahora cuando surge como género nuevo capaz de materializar
ese poder de la música. Nacen así dos nuevas formas de música
programática: la sinfonía programática y el poema sinfónico.

 LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una sinfonía que en lugar de

basarse en una estructura formal, se desarrolla en torno a la
descripción de un programa o argumento, generalmente de carácter
literario. El creador de este género es el compositor francés H.
Berlioz con su obra "Episodios de la vida de un artista. Sinfonía
fantástica", en la que narra su amor no correspondido hacia una actriz
inglesa a la que convierte en música. La sinfonía programática es una
obra de larga duración (varios movimientos) y normalmente el autor
introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de la
misma.
 EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo movimiento
basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este
género es F. Liszt que en su obra "Preludios" describe unos poemas de
Lamartine titulados "Meditaciones poéticas". Este nuevo género de
música será cultivado por compositores románticos y en especial
nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky, N. Rimsky-
Korsakov, R.Strauss, C. Saint-Säens o P. Dukas.

LA MÚSICA DE PIANO

    El piano, era el instrumento preferido de los compositores románticos y

de muchos de los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las
siguientes razones:

 La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los

conocimientos musicales. Era frecuente que en los hogares de las
familias con cierta cultura hubiese un piano puesto que era sinónimo

94
 de elegancia y poder. Los familiares solían reunirse para interpretar
música o para celebrar tertulias en torno a él.
 Por ser un instrumento armónico, tenía la
posibilidad de tocar varias notas a la vez y
esto le permitía interpretar reducciones
de obras de orquesta, coro o cámara.

 Muy pronto, por sus cualidades sonoras y

técnicas, los románticos vieron en el piano
un medio de comunicación ideal para
expresar sus pasiones y sus sentimientos 
mediante la música.

    A lo largo del Romanticismo coexistieron dos tendencias en la

interpretación pianística:

 Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades

técnicas del instrumento. Solían ser obras de larga duración que
buscaban ante todo el lucimiento del artista desarrollando
plenamente el colorido sonoro del instrumento. Se trata
generalmente de piezas de difícil ejecución. Algunas de estas formas
son los estudios (piezas para desarrollar una determinada técnica),
sonatas (mucho más libres formalmente que las del Clasicismo),
variaciones (en las que la improvisación jugaba un papel
protagonista),...; algunos de los compositores más representativos de
este género fueron  F. Liszt, reconocido por algunos como el mejor
pianista de la época, o F. Chopin, que también abordará el piano lírico.
 Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar
estados de ánimo o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser
obras cortas y en apariencia sencillas de ejecución, que transmitían el
verdadero carácter romántico de la época. Entre los compositores
más destacados de este género podemos hablar de F. Chopin o de R.
Schumann que crearon piezas que se denominaron momentos
musicales, escenas de niños, baladas, nocturnos,...

    Algunos compositores, promovidos por el espíritu

nacionalista, realizaron obras en las que recurrían a
danzas o temas populares de sus territorios como los
valses, las polonesas o las mazurcas

EL POST-ROMANTICISMO

95
    La etapa nacionalista coincide en el tiempo con los últimos coletazos del
Romanticismo, que se produjeron sobretodo en Alemania. A este movimiento
se le conoce con el nombre de Post-Romanticismo, que tanto en el ámbito
expresivo como en el técnico constituye una prolongación del lenguaje
romántico.

    Los autores post-románticos buscan llevar hasta el límite la exaltación de

la individualidad y los estados anímicos personales. El resultado es un sonido
amplio y, a menudo, grandioso, que se logra mediante orquestas muy
numerosas y una rica y variada utilización de los instrumentos.

    Entre los compositores más destacados del post-romanticismo podemos

nombrar a Gustav Mahler (Sinfonía nº 1 "Titán"), Richard Strauss (Así
hablaba Zaratustra) y Sergei Rachmaninov (Sinfonía nº 1 en re menor).
Todos los artistas post-románticos se verán muy influidos por la obra de
R.Wagner y tendrán a su vez influencia en las primeras corrientes
vanguardistas.

EL NACIONALISMO MUSICAL

    A lo largo del siglo XIX, Europa vivió un agitado periodo nacionalista en el
que muchos pueblos defendieron el derecho a su autonomía, amparándose en
la lengua o en razones de tipo histórico. Este movimiento político
nacionalista se hizo patente con la independencia de Grecia y Bélgica y las
unificaciones de Alemania e Italia.

    Este fenómeno tuvo repercusión también en el campo de la música, donde

se desencadenó un movimiento que volvió su mirada hacia la tradición y
buscó materiales musicales en el folclore de cada territorio. El Nacionalismo

96
 tuvo importancia en países que habían estado
sometidos a gustos musicales extranjeros,
como Rusia, Bohemia, los Países Escandinavos,
Hungría o España entre otros. Los
compositores de estas naciones reivindican la
música popular de sus patrias y sienten el afán de enseñarla al mundo como
algo propio.

    Muchos de los compositores románticos anteriores ya utilizan o se

inspiran en fuentes propias de su folclore; es el caso de Chopin con sus
polonesas y mazurcas, o de Liszt con sus rapsodias húngaras. Sin embargo,
es a partir de las revoluciones europeas de 1948 cuando se desarrollan
plenamente los nacionalismos, en los que cada país busca resaltar su
identidad rescatando su tradición cultural y folclórica.

    Este movimiento se caracteriza además por:

 Elección de temas nacionales para óperas y poemas sinfónicos.

 Interés por el folclore y las tradiciones de cada país, lo que conduce
a la recopilación, estudio y clasificación de canciones populares. Nace
así la etnomusicología.

 Aparición de estilos nuevos al añadir al lenguaje musical romántico

elementos melódicos, rítmicos y estructurales propios de las
tradiciones locales. Con frecuencia se introducen melodías folclóricas
en las composiciones.

    El nacionalismo musical sirve de puente entre el siglo XIX y el XX, ya que
en muchos países se prolonga conviviendo con otros movimientos musicales
contemporáneos.

EL NACIONALISMO RUSO

    El movimiento nacionalista más poderoso tuvo lugar en

Rusia, el iniciador del mismo fue Mijail Glinka, conocido
como "el padre de la música rusa",
que destaca sobretodo por su ópera
"Una vida por el zar". Más tarde
surgió un grupo de compositores
conocido como "El grupo de los
cinco", que seguirán la tradición

97
iniciada por Glinka. Estos músicos fueron M. Balakirev, A. Borodin, C. Cui, M.
Mussorgsky y N. Rimsky-Korsakov.

    Aunque no fueron músicos profesionales, su música es de una alta calidad.

En ella evocan la historia rusa y los giros peculiares de la música autóctona;
emplean temas tradicionales como fuente de inspiración y otros recursos de
su folclore (ritmos, antiguas escalas, instrumentos,...).

    Entre los cinco destaca Modest Mussorgsky, músico incomprendido pero
de grandes cualidades. Su ópera "Boris Godunov" es una de las obras
maestras del repertorio operístico internacional; otra de sus obras más
importantes lleva por título "Los cuadros de una exposición".

EL NACIONALISMO ESCANDINAVO

    Destacan sobretodo dos autores nacionalistas: Edvard Grieg y Jan

Sibelius.

    El noruego E. Grieg había estudiado en Alemania, pero cuando volvió a su

país comenzó a fijarse en el folclore, dedicándose a recoger canciones y
danzas populares. Esta fuente de inspiración dio como resultado obras muy
personales que, en algunos aspectos, anticipan ciertos rasgos de corrientes
musicales posteriores como el Impresionismo. Su obra más conocida es la
suite "Peer Gynt", ambientada en Noruega.

    El finlandés J. Sibelius también estudió en Alemania, pero como Grieg,

decidió seguir su propio rumbo. Enamorado del paisaje y las leyendas de su
tierra, compuso varios poemas sinfónicos, uno de los cuales, "Tapiola", es el
retrato de los interminables bosques finlandeses.

EL NACIONALISMO BOHEMIO

    A finales del siglo XIX, Bohemia (en la actualidad, República Checa)
conoció un periodo de gran riqueza musical. Esta región había sido absorbida
por el imperio austrohúngaro y dominada por la cultura alemana; sin
embargo, hacia mediados del siglo XIX se creará la
"Escuela de música checa", que acogerá la idea del
nacionalismo musical de manera activa.

    El gran iniciador de esta escuela nacionalista fue

Bedrich Smetana, que compone entre otras obras seis

98
poemas sinfónicos agrupados bajo el título de "Mi patria" en los que
describe los paisajes de su tierra.

    El gran continuador de la obra de Smetana es Antonin Dvorak, muy

influido por los románticos alemanes, que utilizará sin embargo melodías y
ritmos populares con un carácter nacional indiscutible. De entre las nueve
sinfonías que escribió destaca "La sinfonía del nuevo mundo".

EL NACIONALISMO HÚNGARO

    El interés por la cultura tradicional musical se extendió por toda Europa
hasta bien entrado el siglo XX. A los rusos y escandinavos se sumarán
después otros países como Hungría. Los compositores húngaros más
importantes son Bela Bartók y Zoltán Kodály, que
se convertirán en investigadores y recopiladores
del folclore de su país, ejerciendo la función de
etnomusicólogos.

    Durante muchos años recorrieron en compañía

no sólo su país, sino
también Rumania y
Eslovaquia, tomando notas y grabando
registros fonográficos de todos los cantos que
oían, que más tarde se ocuparían de publicar y
difundir.

    Además, sus estudios se extendieron a la

pedagogía musical, creando sistemas y obras
para la iniciación de los más jóvenes en la
música. Así por ejemplo, Kodály diseñó un
método propio para el aprendizaje de la
música, basado en el canto coral de melodías
populares. De la misma  forma, creó un sistema para el aprendizaje de las
notas basado en la posición de la mano.

EL NACIONALISMO ESPAÑOL

    El nacionalismo en España es un

movimiento tardío. Aunque la zarzuela de
mediados de siglo supone una primera
conciencia nacional como respuesta a la
influencia de la ópera italiana, no será

99
hasta casi comienzos del siglo XX cuando surja una verdadera corriente
nacionalista. El promotor y padre del nacionalismo musical español fue el
catalán Felipe Pedrell, que recogió gran cantidad de material tradicional y
folclórico utilizando tan sólo un lápiz y un papel pautado.

    Las teorías nacionalistas de Pedrell serán llevadas a cabo por sus
discípulos, entre los que cabe destacar a Isaac Albéniz, autor de la suite
para piano "Iberia" o Enrique Granados, creador de obras como "Danzas
españolas" y "Goyescas", estas últimas inspiradas en
las pinturas de Goya.

    Pero sin duda, la gran figura del nacionalismo

español es Manuel de Falla, que obtuvo grandes
éxitos internacionales y supo conjugar a la perfección
los elementos folclóricos y tradicionales con las
tendencias vanguardistas del momento. Entre sus
obras destacan el ballet "El amor brujo", conciertos
como "Noches en los jardines de España", obras para
piano como "La sinfonía bética" y óperas como "La
vida breve".

OTROS NACIONALISMOS

    Además de los países ya mencionados, el nacionalismo se extenderá por

toda Europa y atravesará el Atlántico hasta llegar al nuevo continente. Así,
dentro del nacionalismo aparece con personalidad propia la figura del
norteamericano George Gershwin, quien basa su música en la explotación del
jazz. Crea una ópera titulada "Porgy and Bess", inspirada rítmica y
melódicamente en la música de jazz. Otras obras importantes de este autor
son "Rapsody in blue" y "Un americano en París".

100
     A Hispanoamérica también llegará la corriente nacionalista. El compositor
más representativo es el brasileño Heitor Villalobos, que destacará en sus
obras para guitarra

COMPOSITORES DESTACADOS

    A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los

compositores más destacados de esta etapa. Como el Romanticismo es la
etapa más abundante en músicos, los hemos dividido en tres grupos
dependiendo de sus características. Pincha sobre el nombre del que quieras
conocer:

        ROMANTICISMO         NACIONALISMO

POST-ROMANTICISMO
 BERLIOZ, Héctor
 BIZET, Georges
 BRAHMS, Johannes
 CHOPIN, Fréderic
 DONIZZETI, Gaetano
 LISZT, Franz
 MENDELSSOHN, Felix
 MEYERBEER, Giacomo
 OFFENBACH, Jacques
 PAGANINI, Niccolo
 PUCCINI, Giacomo
 ROSSINI, Gioacchino
 SCHUBERT, Franz
 SCHUMANN, Robert
 TCHAIKOVSKI, Piotr Illich
 VERDI, Giuseppe
 WAGNER, Richard
 MAHLER, Gustav  ALBENIZ, Isaac
 BARTOK, Bela
 STRAUSS, Richard  BORODIN, Alexandr
 DVORAK, Antonin
 FALLA, Manuel de
 GERSHWIN, Geroge
 GLINKA, Mijail
 GRANADOS, Enrique
 GRIEG, Edward
 KODALY, Zoltán
 MUSSORGSKI, Modest
 PEDRELL, Felipe
 RIMSKI-KORSAKOV, Nikolái
 SIBELIUS, Jan
 SMETANA, Bedrich

 WEBER, Carl Mª Von

HÉCTOR BERLIOZ

1803-1869 Francia

    Es uno de los compositores románticos por

excelencia; fue un destacado renovador del
género sinfónico. Nació en Francia en pleno
periodo napoleónico. Su padre era médico de

101
provincias, que no veía convencido el futuro de su hijo como compositor. Fue
un innovador que se topó con la intransigencia de la mayoría de los músicos
en casi todos los temas, desde su apoyo al saxofón, hasta su apoyo a la
visión dramática de Wagner.

    Tuvo una vida excéntrica y apasionada. Ganó el premio de Roma, el más
importante que había dentro de la música en Francia en su época; pero no lo
ganó por la creación de su Sinfonía Fantástica, sino por una cantata que hoy
está casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos musicales que
se confirmarían más tarde.

    Además de compositor, defiende sus postulados sobre música

programática como columnista. Tuvo un éxito relativo en las principales
capitales europeas donde estrenó su obra, aunque menos suerte en su propio
país. También escribió un "Tratado de Instrumentación" que reeditaría y
corregiría Richard Strauss.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Ocho escenas de Fausto de Goethe -1828

 Sinfonía Fantástica -1830

 Sinfonía: Harold en Italia - 1834

 Benvenuto Cellini (ópera) - 1838

 Romeo y Julieta (sinfonía dramática) - 1839

 El Carnaval Romano (obertura de concierto) - 1844

 La Condenación de Fausto (leyenda dramática) - 1846

 Te Deum - 1855

 Las Troyanas - 1862

GEORGE BIZET

1838-1875 Francia

    Nació en París en el seno de una familia de

músicos. Su obra está impregnada por un cierto

102
aire de exotismo, una de las vertientes aventureras del espíritu romántico.
Se formó desde niño en las enseñanzas del conservatorio, estudiando piano
con Marmontel, órgano con Benoist y composición con J. Halévy, recibiendo
varios premios por sus obras, que le hicieron permanecer en roma durante
tres años.

    A su regreso se propone componer únicamente óperas. Sin embargo su

estreno de "Los pescadores de perlas" no alcanza el éxito. Llevó una vida
humilde como compositor casi desconocido. El estreno de La Arlesiana le
proporcionó cierto éxito y comenzaron a llegar para él algunos encargos,
como el de la Ópera Comique, para la cual compone su obra maestra: Carmen.
El fracaso, inexplicable para Bizet, de esta obra el día de su estreno
aceleró su muerte, acaecida cerca de París a la temprana edad de 37 años.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Sinfonía nº 1 en do mayor - 1847

 Cantata Clodoveo y Matilde - 1855

 El Doctor Milagro (ópera) - 1855

 Don Procopio (ópera bufa) - 1858

 Los pescadores de perlas (ópera) - 1863

 La linda muchacha de Perth (ópera) - 1867

 La Arlesiana (ópera) - 1872

 Pequeña Suite (para orquesta) - 1873

 Carmen (ópera) - 1875

JOHANNES BRAHMS

1833-1897 Alemania

103
    Tuvo una infancia marcada por la pobreza en los muelles de Hamburgo,
donde nació. Pero no tardó en revelar su talento para la música, que su
padre decidió alentar para que el niño tocase en las tabernas. Más tarde
llegó a recibir lecciones de los mejores maestro de la ciudad. Se vio
obligado a componer encargos para ganarse la vida, que aparecen firmados
con seudónimos, así como a dar clases de piano.

    Un violinista le invitó a una gira por Alemania y así en Weimar visitó a
Liszt, en Düsselforf a los Schumann, con quienes trabó amistad
enamorándose profundamente de Clara. También estuvo enamorado de otras
mujeres, pero nunca llegó a casarse. Trabajó duramente y produjo obras
maestras en todas las formas musicales, excepto en ópera.

    Su genio fue finalmente reconocido en toda Europa. Su obra se aleja de

todo concepto programático para centrarse en un arte musical puro y
clásico.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Variaciones sobre un tema de Haendel Op. 24 - 1861

 Quinteto para piano en fa menot Op. 34 - 1862

 Réquiem alemán - 1870

 Primera Sinfonía - 1876

 Segunda Sinfonía - 1877

 Concierto para piano y orquesta Op. 83 - 1878

 Tercera Sinfonía - 1884

 Quinteto para clarinete en si menor Op. 115 - 1891

 Cuarta Sinfonía - 1897

FRÉDÉRIC CHOPIN

1810-1849 Polonia

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    Compositor y pianista polaco, se le considera uno de los creadores del
Romanticismo en la música. Abrió las puertas a nuevos terrenos en la
armonía, siendo poseedor de un gran sentido y talento líricos.

    Su padre era un maestro francés, que trabajó para una familia noble en
Polonia; su madre era una noble polaca. Desde niño mostró dotes para la
música, especialmente para el piano, que más tarde estudiaría con Elsner. En
París contacta con Boccherini, quien lo introduce en la sociedad francesa.
Tuvo una turbulenta historia afectiva con una escritora inglesa que firmaba
con el seudónimo George Sand.

    A pesar de residir desde los veinte años en Francia, su corazón patriota
afecta a su arte, que refleja la música popular polaca, un primer atisbo de la
entrada del Nacionalismo de los pueblos en la historia de la música. Su
grandísima obra está íntegramente dedicada al piano y tendrá una influencia
decisiva en la literatura universal para piano. Muere de tuberculosis a los 39
años, y su corazón se encuentra en la Catedral de Varsovia por deseo del
compositor.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Sonata nº 1 para piano en do menor - 1828
 Concierto nº 2 para piano y orquesta en fa menor Op. 21 - 1829
 Concierto nº 1 para piano y orquesta en mi menor Op. 11 - 1830
 Tres nocturnos - 1833
 Sonata nº 2 para piano en si bemol menor - 1838
 Sonata nº 3 para piano en si menor - 1844

GAETANO DONIZETTI

1797-1848 Italia

    Compositor italiano, considerado como uno

de los padres de la época romántica, con un
impresionante catálogo de óperas que, pese a

105
cierta inconsistencia orquestal, figuran entre los mejores ejemplos del arte
escénico musical.

    Durante su juventud estudió arquitectura y leyes, carreras que pronto

abandonaría en favor de la música, el dibujo y la poesía. Para ello se
inscribió en la Escuela de Música de su ciudad, Bérgamo, donde conoció las
partituras de Rossini, que le impresionaron e influyeron. Luego acudió a
Bolonia, donde estudiaría a las órdenes del padre Mattei. Ingresó en el
ejército austríaco, pero siguió componiendo.

    Con "Zoraide de Granada" obtuvo un gran éxito y fue calificado como "El
Rey de la ópera", consiguiendo que le dispensaran del servicio militar, y
logrando poco después fama internacional. Sus últimos años los pasó
recluido en un sanatorio mental, aquejado de violentos dolores de cabeza,
depresiones y alucinaciones.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Enrique de Borgoña (ópera) - 1818
 Zoraide de Granada (ópera) - 1822
 Anna Bolena (ópera) - 1830
 El elixir de amor (ópera) - 1832
 Lucía de Lammermoor (ópera) - 1835
 La hija del regimiento (ópera) - 1840
 Don Pasquale (ópera) - 1843

FRANZ LISZT

1811-1886 Hungría

    Compositor y pianista húngaro. Su padre servía

en la residencia de los Esterházy y era músico
aficionado, de quien el pequeño Franz aprendería a
tocar el piano. Su talento era tal que impresionó al
patrón, el cual le financió los estudios en Viena.
Allí estudia piano con Czerny y composición con
Salieri.

106
    En París no consigue entrar en el conservatorio dirigido por Cherubini por
ser extranjero, pero estudia con profesores privados. Su éxito como
pianista fue enorme. Su vida privada estuvo marcada por su fama de
casanova y su espíritu inquieto, que buscaba refugio en la religión, en la
política y las artes.

    Con él nació el moderno virtuoso del piano, romántico y efusivo. Su obra
compositiva muchas veces se ve influida por la vena virtuosista del
intérprete, por lo que su catálogo denota cierta falta de unidad estilística.
Pero fue un importante renovador de las formas, habiendo creado el poema
sinfónico y dado forma definitiva a la rapsodia.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Concierto para piano nº 1 en mi bemol mayor - 1848
 Mazeppa - 1849

 Heroída fúnebre - 1850

 Sonidos de fiesta - 1853

 Orfeo - 1854

 Hungría - 1856

 Sinfonía Dante - 1856

 La batalla de los Hunos - 1857

 Hamlet -1858

 De la cuna hasta la tumba - 1882

FÉLIX MENDELSSOHN

1809-1847 Alemania

    Compositor alemán considerado uno de los

precursores del Romanticismo musical. Ello no fue
óbice para que adquiriera una formación clásica

107
inspirada en Palestrina, Haendel y especialmente Bach, cuya figura histórica
redescubrió con "La Pasión según San Mateo".

    Provenía de una acomodada familia judía convertida al protestantismo.

Fue niño prodigio del piano y de la composición elegante, en contraste con la
imagen del romántico típico. Su academicismo no impidió su preferencia por
la inspiración de la naturaleza y lo fantástico. Fue defensor de las formas
pequeñas, como la romanza sin palabras, aunque trabajó todos los géneros,
desde la música de cámara a la sinfónica, las oberturas y los oratorios.

    Dirigió orquestas y enseñó piano y composición, conociendo a Weber y

Spohr, y cultivando la amistad de Schumann. Su estilo posee el
sentimentalismo de un romántico y el gusto y equilibrio de un clásico.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Mar en calma y viaje feliz (obertura) - 1828

 Sinfonía nº 4 en la mayor "italiana" - 1830

 Concierto nº 1 en sol menor para piano y orquesta - 1831

 Las hébridas (o la gruta del Fingal) - 1832

 Concierto nº 2 en re menor para piano y orquesta - 1837

 Ruy Blas (obertura) - 1839

 Sinfonía nº 3 en la menor "la escocesa" - 1842

 Concierto en mi menor para violín y orquesta - 1844

 Athalie - 1845

GIACOMO MEYERBEER

1791-1864 Alemania-Francia

108
    Nacido como Jakob Leibmann Beer, este compositor alemán de óperas de
estilo italiano, triunfó paradójicamente en Francia, siendo una de las
principales figuras de la Grand Ópera gala. Estudió en Berlín, convirtiéndose
en un niño prodigio del piano, para pasar luego a perfeccionarse con el abate
Vogler en Darmstadt.

    Luego se trasladó a Viena para proseguir su carrera de pianista, pero

aceptó el consejo de Salieri de ir a Italia para estudiar la voz humana. La
audición de "Tancredo" de Rossini lo lleva a reemprender la composición de
óperas, que estrenará en las principales ciudades de Italia con gran éxito.
Una de sus giras lo lleva a París, ciudad que lo cautiva, decidiendo quedarse
en la misma, donde compondría y estrenaría sus mejores obras. Los
franceses quedaron cautivados por su mezcla particular de técnica alemana,
melodismo italiano y un renovado espíritu francés.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Dios y la naturaleza (oratorio) - 1811

 El juramento de Jefté (ópera) - 1813

 Romilda e Constanza - 1817

 Il Crociato in Egitto - 1824

 Roberto el diablo (ópera) - 1831

 Los Hugonotes - 1836

 El profeta - 1849

 La estrella del norte - 1854

 La africana (muere durante su preparación) - 1864

JACQUES OFFENBACH

1819-1880 Alemania-Francia

109
    Compositor francés de origen alemán. Principal figura del nacimiento y
consagración de la opereta en sus múltiples variantes. Nació en Alemania,
hijo de un cantor de la sinagoga judía de apellido Eberst, pero conocido
como Isaac el de Offenbach, por su procedencia. El niño Jacques destacó en
la interpretación del violín y del violonchelo, por lo que su padre decidió
llevarlo a estudiar al Conservatorio de París.

    Allí intentó adaptarse al rígido esquema de estudios impuesto por

Cherubini, pero prefirió abandonar por un empleo de director de la Ópera
Comique, aunque siguió estudiando violonchelo con Norblin y composición con
Halevy. A partir de entonces se dedicó casi exclusivamente a la opereta y a
la sátira, consiguiendo abrir sus propios teatros. Alcanzó la fama en el
Segundo Imperio de Napoleón III y su nombre quedaría para siempre
asociado al bullicioso teatro cómico de París.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Orfeo en los infiernos (opereta) - 1858

 Genoveva de Brabante - 1859

 Monsieur Choufleuri - 1861

 La bella Helena - 1864

 La vida parisiense - 1866

 Barba Azul - 1867

 Les Bringands - 1869

 Los cuentos de Hoffmann (ópera) - 1880

NICCOLÓ PAGANINI

1782-1840 Italia

110
    Compositor y virtuoso violinista italiano. Sus excelentes dotes y su
aspecto le dieron fama de diabólico, aunque
el público y los músicos le idolatraban.
Destacó ya desde niño, estudiando con
Servetto y Costa, y más tarde en Liorna con
Paër y en Parma con Rolla. Después de un
arrollador éxito interpretando obras propias
y ajenas, se retira durante tres años para
cultivar la interpretación de la guitarra. Pero
reaparece en los escenarios, consagrándose
más tarde como el mejor violinista de la
historia hasta entonces.

    Paganini extendió las posibilidades interpretativas del violín mediante

digitaciones especiales y posiciones muy avanzadas en el diapasón, y acabó
con los mitos de las necesidades de unas condiciones físicas especiales para
el instrumento. Murió en el transcurso de un viaje a Francia, durante el cual
había conocido a Berlioz.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Veinticuatro caprichos Op.1 (violín) - 1805

 Las Brujas - 1813

 Concierto en re mayor Op.6 (violín y orquesta) - 1818

 Concierto en si menor Op.7 (La Campanella) - 1826

 Variaciones para violín y orquesta sobre el Carnaval de Venecia - 1829

 Moto perpetuo Op.11 - 1830

GIACOMO PUCCINI

111
1858-1924 Italia

    Compositor italiano de óperas. Su familia se

había dedicado a la música durante cinco
generaciones. En su infancia, aunque no fue un
prodigio, después de intentar la composición al
órgano, ingresó en el Conservatorio de Milán,
donde estudió con Ponchielli. El estreno de su
primera ópera, "Le Villi", atrae la atención de
Verdi, del libretista Arrigo Boïto y del editor
Ricordi, que le encarga una segunda ópera,
"Edgar", que fracasa, pero sirve para impulsar a
Puccini a escribir "Manon Lescaut".

    Pero será "La Bohème" la obra con la que adquirirá fama internacional.
Después seguirían otros éxitos como "Madame Butterfly", "Tosca", "La
Fanciulla del West" (inspirada en el Lejano Oeste norteamericano), un
tríptico de óperas de un acto y "Turandot", ópera acabada por su alumno
Alfano y estrenada en 1926. Fue un personaje rodeado de éxito, lujos y
belleza, aunque propenso a la melancolía.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Le Villi - 1883
 Manon Lescaut - 1893

 La Bohème - 1896

 Tosca - 1900

 Madame Butterfly - 1904

 La Fanciulla del West - 1910

 La Rondine - 1917

 Turandot (estrenada en 1926) - 1924

GIOACCHINO ROSSINI

112
1792-1868 Italia

    Compositor italiano, especialmente dotado

para el melodismo y los efectos escénicos de la
temprana ópera romántica. Entre los 18 y los 30
años de edad estrena más de 30 óperas, entre
las que destacan obras obligadas del repertorio
escénico de cualquier teatro como las óperas
serias "Tancredi" y "Otello", o las cómicas "La
escalera de seda", "La italiana en Argel", "La
Cenicienta" o su obra maestra, "El Barbero de
Sevilla".

    Rossini es magistral en el manejo de conjuntos

de solistas, con gran dominio del crescendo,
usando las repeticiones y secuencias que suben
en intensidad y hacia el agudo. Después del relativo fracaso de
"Semiramide", se traslada a Londres y luego París, donde compone algunas
obras de color local, como la Grand Ópera "Guillermo Tell". A partir de 1829
se dedica exclusivamente a componer música religiosa y para piano.

    PRINCIPALES OBRAS:

 El contrato matrimonial - 1810

 La escalera de seda - 1812

 La italiana en Argel - 1813

 El Barbero de Sevilla - 1816

 La urraca ladrona - 1816

 La Cenicienta - 1817

 Semiramide - 1823

 El sitio de Corintio - 1826

 El conde Ory - 1828

 Guillermo Tell - 1829

113
FRANZ SCHUBERT

1797-1828 Austria

    Compositor austríaco. Aunque comenzó

estudiando con su padre, pronto éste se daría
cuenta del potencial de su hijo y lo enviaría a
tomar clases con el director del coro de la
parroquia, después acudiría a la escuela de la
capilla de la corte imperial. A partir de entonces
empieza a componer un impresionante catálogo de
obras e inicia un movimiento romántico que se
extendería por toda Europa.

    Es el paradigma del compositor que escribe por

placer, que alcanza la felicidad en la creación. Su
principal aporte lo hizo renovando el repertorio de los lieder con unas 600
canciones, algunas englobadas en ciclos como "El viaje de invierno", "La bella
molinera" o "El canto del cisne". También compuso obras para piano,
cuartetos de cuerda, música para distintos conjuntos de cámara y para el
medio sinfónico. Su estilo acentúa lo subjetivo y poético y surge con
naturalidad.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Gretchen am Spinnrade (lied) - 1814

 Erlkönig (lied) - 1815

 Cuarta sinfonía "Trágica" - 1816

 La Trucha (quinteto) - 1819

 El arpa milagrosa (opereta) - 1820

 Octava sinfonía "Inacabada" - 1822

 Rosamunda (música para teatro) - 1823

 Cuarteto en re menor "La Muerte y la Doncella" - 1826

114
  El viaje de invierno (ciclo de canciones) - 1827

ROBERT SCHUMANN

1810-1856 Alemania

    El apasionado compositor alemán tuvo una vida

torturada, marcada por el dolor y la enfermedad
mental. Estudió piano y música a la vez que
cultivaba la poesía, acusando desde el principio una
admiración por las canciones de Schubert, que le
empujarían a componer obras propias. Cursó
estudios de derecho, pero en 1829 decide volcarse
exclusivamente al mundo de la música. Ayudó a
crear la sociedad musical Davidsbündler y la Nueva
Revista Musical, desde donde proclamaba la
genialidad de Chopin o Brahms.

    Se casó con la pianista Clara Wieck, hija de su

antiguo maestro. Solía concentrarse en distintos géneros cada vez; por
ejemplo, hasta 1840 se consagró a la música para piano, durante 1841 al
medio orquestal, mientras que al año siguiente abordó la música de cámara
con varios cuartetos y un quinteto para piano.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Carnaval (piano) - 1835

 Sinfonía en si bemol mayor "Primavera" - 1841

 Quinteto en mi bemol mayor (piano y cuerdas) - 1842

 Andante y Variaciones (dos pianos, dos violonchelos y trompa) - 1843

 Concierto para piano en la menor - 1845

 Sinfonía nº 2 en do mayor - 1846

115
  Genoveva (ópera) - 1848

 Concierto para violonchelo en la menor - 1850

 Sinfonía nº 4 en re menor - 1851

PIOTR ILLICH TCHAIKOVSKI

1840-1893 Rusia

    Hijo de un funcionario, fue un niño muy

sensible y con grandes dotes para la música,
que muchas veces aprendía a tocar por sí
mismo. Con catorce años compone su primera
obra, un vals dedicado a su antigua
institutriz.

    Sin embargo, no vuelve a reemprender la

escritura musical hasta 1860, ya que
mientras tanto estudia jurisprudencia. Más
tarde estudiará composición con Zaremba y
Rubinstein. Después de una amarga
experiencia en el Conservatorio de San
Petersburgo, vuelve a Moscú donde entra en
contacto con Balakirev y mantiene una extraña relación epistolar y platónica
con su mecenas, la viuda Nadeszcha Von Meck, gracias a la cual viaja por
Europa y compone sus mejores obras. Gana seguidores incluso en la corte de
Alejandro II, zar de Rusia.

    Si bien sus primeras obras son abstractas, su subjetivismo romántico fue
imponiéndose. Produjo una asombrosa cantidad de partituras, aunque no
todas de la misma profundidad creativa.

    PRINCIPALES OBRAS:

116
  Obertura Romeo y Julieta - 1870
 Sinfonía nº 2 "Pequeña Rusia" - 1872
 Concierto para piano nº 1 - 1875
 El lago de los cisnes (ballet)- 1876
 Marcha eslava - 1876
 Eugenio Oneguin (ópera) - 1879
 La bella durmiente (ballet) - 1889
 La dama de Picas (ópera) - 1890
 El cascanueces (ballet) - 1892
 Sinfonía nº 6 "Patética" - 1893

GIUSEPPE VERDI

1813-1901 Italia

    Compositor italiano dedicado casi

exclusivamente a la ópera, género para el que
compuso 26 obras entre las que destacan algunas
de las más populares. Su vida puede equipararse a
su obra, en tres periodos. El primero va desde sus
inicios hasta el estreno de "Il Trovatore" y "La
Traviata" en 1853, con obras en las que los coros
juegan un papel muy destacado. El segundo periodo
culmina en 1871 con la composición de "Aida".
Después de un paréntesis de más de quince años,
compone las obras de su último periodo: la ópera
trágica "Otello" y la bufa "Falstaff", dos obras
que, al igual que "Macbeth", están inspiradas en Shakespeare y elaboradas
para la escena por Boïto.

    Sus óperas suelen inspirarse en autores románticos como Schiller (Luisa
Miller), Víctor Hugo (Ernani), Dumas (La Traviata), Byron (Los Corsarios) o
Scribe (Un Ballo in Maschera), así como en dramaturgos españoles (Il
Trovatore).

    PRINCIPALES OBRAS:

 Nabucco (ópera) - 1842

 Rigoletto (ópera) - 1851

117
  La Traviata (ópera) - 1853

 Simón Boca Negra - 1857

 Un Vallo in Maschera (ópera) - 1859

 La fuerza del destino (ópera) - 1862

 Aida (ópera) - 1871

 Misa de Requiem - 1874

 Otello (ópera) - 1886

 Falstaff (ópera) - 1893

RICHARD WAGNER

1813-1883 Alemania

    Compositor alemán y renovador de la ópera

romántica. Su padremurió a los seis meses de
nacer y su madre volvió a casarse con el actor
Geyer, que trae a la casa el amor por la
cultura, aunque también fallecería siendo
Wagner un niño de ocho años. Su inclinación a
la música no despierta hasta conocer las obras
de Weber y Beethoven. Después de una vida
dilatada entre el juego y las mujeres , se casa
y se traslada primero a París y luego a Dresde,
donde encuentra reconocimiento a su obra.

    Durante 1848 se une a los revolucionarios, escribiendo artículos políticos,

exiliándose luego en Suiza. Fue un hombre censurable en casi todos loa
aspectos, excepto en su relación hacia el arte. Al volver a Munich se separa
de su esposa y se ve envuelto en una historia de amor con Cosima, hija de
Franz Listz y esposa de Hans von Bülow, con quien vuelve a Suiza.

    PRINCIPALES OBRAS:

118
  El buque fantasma - 1841
 El holandés herrante (ópera) - 1843

 Tannhäuser (ópera) - 1845

 Tristán e Isolda (ópera) - 1859

 Los maestros cantores de Nuremberg (ópera) - 1867

 El oro del Rin (ópera) - 1869

 El idilio de Sigfrido (orquesta) - 1870

 El crepúsculo de los dioses (ópera) - 1874

 Parsifal (ópera) - 1882

CARL MARIA VON WEBER

1786-1826 Alemania

    Compositor y pianista y director de

orquesta alemán, considerado el creador de
la ópera romántica alemana. A pesar de
haber muerto un año antes que Beethoven y
ser anterior a Schubert, destaca como
figura esencial que prefiguraría la revolución
escénica wagneriana. Estaba emparentado
con Mozart y estudió con un hermano de
Haydn. Viajó para trabajar en varias
ciudades, desde Viena y Breslau, a Praga,
Stuttgart y Dresde, dirigiendo las orquestas
de los teatros de ópera, y destacando como
un gran organizador.

    Aunque cultivó prácticamente todos los estilos, fue un compositor naciso
para la ópera con un estilo caracterizado por la vivacidad y la inspiración

119
melódica, que alcanzaría su definición en sus tres óperas: "Der Freischütz",
"Euryanthe" y "Oberón", donde tienen cabida las reminiscencias de cantos y
danzas folclóricas integrando los recitativos de forma natural en la trama.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Seis fughetti (piano) - 1798

 La doncella del bosque (ópera) - 1800

 Sinfonía en do mayor - 1807

 Gran Polonesa (sonata) - 1808

 Silvana (ópera) - 1810

 Conciertos para clarinete y orquesta Op.73 y 74 - 1811

 Invitación al vals (piano) - 1819

 Der Freischüzt (ópera) - 1820

 Konzertstück Op.79 (piano) - 1821

 Euryanthe (ópera) - 1823

 Oberón (ópera) - 1826

GUSTAV MAHLER

1860-1911 Chequia-Austria

    Compositor y director de orquesta nacido en

Bohemia, que vvió en Viena la mayor parte de vida. Su
infancia estuvo marcada por la enfermedad y la
muerte de varios de sus hermanos. Su familia, a
pesar de su judaísmo, se encuentra integrada
dentro de la minoría germánica en territorio
eslavo.

120
    Luego estudia en Viena con Epstein, Fuchs y Krenn. Después de dirigir
orquestas de operetas, consigue finalmente subir a los escenarios más
importantes de Leipzig, Budapest y Hamburgo, llegando a dirigir el teatro
de ópera de Viena, donde era odiado por su ascendencia y por su
inflexibilidad y genio. Después de un largo periodo a frente de esa
institución, viaja a EE.UU., para presentar algunas de las obras maestras del
repertorio wagneriano.

    Como compositor fue uno de los máximos exponentes de la sinfonía

posromántica y autor de ciclos de canciones de calidad suprema.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Das Klagende Lied - 1880

 Canciones del caminante - 1884

 Primera sinfonía en re mayor "El Titán" - 1889

 El maravilloso cuerno del muchacho - 1896

 Cuarta sinfonía en sol mayor - 1900

 Quinta sinfonía en do sostenido menor "El Gigante" - 1902

 Canciones para los niños muertos - 1903

 La canción de la tierra - 1908

 Novena sinfonía en re menor - 1909

RICHARD STRAUSS

1864-1949 Alemania

    Compositor alemán, hijo de un famoso intérprete de

trompa y acérrimo enemigo de Wagner que sería a su
vez uno de sus principales defensores e intérpretes.
Siendo niño aprendió violín, piano, armonía, contrapunto
e instrumentación. Pronto consiguió trabajos de

121
dirección de orquestas, para pasar luego a ser asistente de Bülow, con quien
conoce la obra wagneriana. A partir de 1881 también se afianza su
reputación como compositor sinfónico.

    Desde 1886 se dedica a componer poemas sinfónicos, así como varios
ciclos de canciones. Desde 1894 se dedicará también a la composición
operística, que no abandonará hasta su muerte. Paralelamente a su
reconocimiento como compositor, creció su categoría como director de
orquesta, llegando a ser director de la Ópera Real de Berlín y aclamado en
todo el mundo. Colaboró con los nazis, pero en 1935 renunció y se retiró a
Suiza.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Concierto para violín y orquesta en re menor - 1881

 De Italia (fantasía sinfónica) - 1886

 Muerte y Transfiguración (poema sinfónico) - 1889

 Las alegres aventuras de Til Eulenspiegel (poema sinfónico) - 1895

 Sinfonía doméstica - 1903

 Salomé (ópera) - 1905

 Elektra (ópera) - 1909

 Ariadna en Naxos (ópera) - 1911

 Sinfonía de los Alpes - 1915

ISAAC ALBÉNIZ

(1860-1909) España

122
    Talentoso pianista y compositor, niño prodigio
con una vida llena de aventuras. En sus primeros
años escribe piezas de salón, pero también
varias obras para piano y orquesta, en las que se
traslucen las sombras de Chopin y de Liszt.
Dirigió zarzuelas en España y realizó estudios
posteriores en Bruselas y París. También
escribió algunas óperas de escaso éxito.

    Tiene numerosas piezas para piano, muchas

de ellas inspiradas en el paisaje y ambiente
español. Es uno de los primeros compositores
españoles en utilizar ritmos y melodías
folclóricas de su país. En muchos países, su
música se asocia inmediatamente a la música española, llena de
reminiscencias andaluzas, color y un tono pintoresco y descriptivo. Aunque
compuso esencialmente para piano, su obra siempre hace referencias a la
guitarra, instrumento para el cual se han escrito numerosas versiones de su
obra.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Suite española (piano) - 1886

 Catalonia (orquesta) - 1889

 Cantos de España (piano) - 1893

 La Vega (piano) - 1897

 Pepita Jiménez (ópera) - 1905

 Suite Iberia (piano) - 1905 a 1907

 Navarra (piano) - 1909

123
BELA BARTÓK

(1881-1945) Hungría

    Estudió piano en Bratislava. Entre 1899 y

1903 estudiaría en la Academia Liszt de
Budapest, donde seguiría refinando su estilo.
Según él mismo afirma, nació dos veces: la
segunda alrededor de 1905 escuchando el
canto de una criada mientras limpiaba.
Resolvió visitar no sólo el lugar de donde
provenía aquella música, sino también otras
regiones de Hungría alejadas de la ciudad.

    Durante ocho años recorrería no sólo su país, sino también Rumania y
Eslovaquia en compañía, a veces, de su amigo el músico Zoltan Kodaly,
tomando notas y grabando registros fonográficos de todos los cantos que
oía. Más tarde se ocupó de publicarlos y difundir así el estilo popular de su
país.

    De esta época datan algunas de sus mejores composiciones de inspiración

popular. Al final de su vida emigra a EE.UU. y desde el exilio americano
compondría sus obras de madurez.

    PRINCIPALES OBRAS:

 6 Danzas rumanas de Hungría - 1915

 El castillo de Barba Azul - 1918

 Concierto para piano y orquesta nº 1 - 1926

 Out of Doors, Sz. 81 - 1926  

 Concierto para piano y orquesta nº 2 - 1931

 Música cuerda, percusión y celesta - 1937

 Concierto para piano y orquesta nº 3 - 1945

 Concierto para viola y orquesta - 1945

124
ALEXANDER BORODIN

1833-1887  Rusia

    Uno de los compositores del grupo de los cinco

junto con Balakirev, Mussorgski, Rimski-Korsakov y
Cui. Rea hijo ilegítimo del príncipe  de la realeza
caucasiana Lucas Ghedeanishvili y de una mujer de
clase media casada con un médico. Recibió su apellido
de uno de los siervos del príncipe.

    Se consideraba a sí mismo como un simple

aficionado a la música con cierto talento. Sin
embargo cosechó éxitos como compositor y como
científico (era doctor y profesor de química). Su formación musical era casi
autodidacta. Cuando entra en contacto con Balakirev y algunos de sus
alumnos forma "El grupo de los cinco", cuyo objetivo era crear un arte
musical nacional. Del éxito de su primera sinfonía pasó al fracaso de la
segunda una década más tarde. Su ópera más importante, titulada "El
Príncipe Igor", se estrenó a título póstumo, mientras que otra de sus óperas
fue censurada por las autoridades soviéticas por su mofa de las costumbres
populares rusas y no se repuso hasta 1936.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Sexteto para cuerdas - 1860

 Primera sinfonía - 1867

 Los Bogatyrs (ópera) - 1867

 Segunda sinfonía - 1876

 Cuarteto de cuerdas nº 1 - 1879

 En las espetas de Asia Central (poema sinfónico) - 1880

 Cuarteto para cuerda en re mayor - 1882

 El Príncipe Igor (ópera) - 1869 estrenada en 1887

125
  Pequeña Suite (siete piezas para piano) - 1886

ANTONIN DVORÁK

1841-1904 Bohemia

    Es el más importante de los compositores

checos, de inspiración nacionalista y espíritu de
sinfonista. De ascendencia humilde, su padre
tocaba la cítara y el violín en la banda de la
aldea y en la iglesia.

    En Zlonice estudia los rudimentos de la

música y luego acude a perfeccionarse a Praga,
donde trabajará durante once años en la
Orquesta de la Ópera Nacional, conociendo
entonces al también bohemio Smetana, que influirá en su estilo. En sus
primeras obras se nota también la huella de Wagner, pero pronto elaboraría
un estilo personal. También conoció a Brahms, quien reconoció los méritos
del joven artista. Alcanzó el éxito y fue invitado a dirigir obras y enseñar
música en distintos países de Europa y EE.UU., donde compuso alguna de sus
obras más famosas.

    Su música se caracteriza por la emotividad directa y espontánea, con un

dominio excepcional del lenguaje sinfónico. En el panorama de la historia de
la música, Dvorák se sitúa junto con Smetana, en el origen de la fama
internacional de la música checa.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Serenata para cuerda Op. 22 - 1875

 Concierto para piano y orquesta - 1876
 Danzas eslavas Op. 46 a 72 - 1878-1886
 Concierto para violín y orquesta - 1879
 Canciones Gitanas Op. 55 - 1880
 Dimitri (ópera) - 1882
 El jacobino (ópera) - 1888
 Sinfonía nº 8 - 1889

126
  Sinfonía nº 9 "Del Nuevo Mundo" - 1893
 Humoresque nº 7 Op. 101 - 1894
 Concierto para violonchelo - 1895

MANUEL DE FALLA

1876-1946 España

    Compositor y pianista español que influyó en las

siguientes generaciones de creadores españoles e
internacionales. Su estilo evolucionó desde el
nacionalismo inicial y tendencias populares, como
la zarzuela, hacia el Impresionismo.

    Más tarde su obra se vuelve netamente de

tintes andalucistas, para volcarse en los últimos
años en una composición pura, libre de ataduras
locales. Sus primeros conocimientos musicales los adquiere de su madre, que
era pianista; luego estudia con Eloísa Galluzo, Alejandro Odero y Enrique
Broca. En Madrid cursa los siete años de carrera de piano en sólo dos y
obtiene un primer premio. Su carrera como compositor se ve reforzada con
el premio de un concurso de la Academia de Bellas Artes por su ópera "La
vida breve".

    Después visitará París y Londres, entre otras capitales europeas. La

Guerra Civil lo sume en un encierro del que sólo saldrá para exiliarse en
Argentina, donde continúa trabajando en el oratorio Atlántida.

    PRINCIPALES OBRAS:

 La vida breve (ópera) - 1905

 Cuatro piezas españolas (piano) - 1906
 El amor brujo (ballet) - 1915
 Noches en los jardines de España (piano y orquesta) - 1915
 El sombrero de tres picos (ballet) - 1919
 Fantasía bética (piano) - 1919
 El retablo de Maese Pedro (obra escénica) - 1922
 Psyché (canto y cinco instrumentos) - 1924
 Concierto para clave y cinco instrumentos - 1926
 Atlántida (oratorio póstumo completado por Ernesto Halffter)

127
GEORGE GERSHWIN

1898-1937 EE.UU.

    Compositor norteamericano, proveniente de la

música ligera y del jazz, que supo adaptar con
maestría los géneros populares al entorno clásico.
En los Estados Unidos de América, su obra es
objeto de homenajes, festivales y concursos de
composición. Estudió música con Rubin Goldmark,
especialmente la obra de compositores como
Debussy, Mendelssohn y Chopin, aunque también
las melodías de creadores de canciones como
Irving Berlin, bajo cuyo modelo compuso muchas
de las suyas propias, algunas con letra de su
hermano Ira.

    Aunque sus trabajos serios no son perfectos, este detalle resulta
insignificante en comparación con su inventiva melódica, su sentido del
ritmo, y un talento extraordinario para fabricar melodías que se siguen
tarareando después de decenas de años. Un compositor del pueblo y para el
pueblo, que creó un sonido particular para la música de su país.

    PRINCIPALES OBRAS:

 La, la Lucille! (comedia musical) - 1919

 Música para las revistas de George White - 1920 a 1924

 Rapsodia en blue - 1924

 Música para comedias musicales - 1924 a 1931

 Concierto en fa - 1925

 Un americano en París (poema sinfónico) - 1928

 Obertura cubana - 1934

 Porgy and Bess (ópera) - 1935

128
MIJAIL GLINKA

1804-1857 Rusia

    Compositor fundador de la primera

escuela nacionalista rusa. Sus melodías
siempre son frescas, como si brotaran de
un verdadero impulso lírico, mientras que
su paleta orquestal tiene el efectismo de
Berlioz. Comenzó componiendo canciones,
pero pronto se dedicaría a la creación
musical profesionalmente.

    Su vida estuvo marcada por la

enfermedad y los viajes en busca de
salud, en los que encontró además
inspiración para descubrir la música
propia de su país. A parte de residir varios años en Italia, pasó una larga
temporada en España, donde se preocupó de recuperar una música española
libre de influencias italianizantes, con una pureza hasta entonces no
alcanzada por los compositores españoles.

    A su retorno aplicó el mismo método para crear música rusa,

especialmente en dos canciones conocidas como "Kamarinskaya", y
posteriormente en su ópera "La vida por el zar".
    PRINCIPALES OBRAS:
 La vida por el zar - 1836
 Balada de Finn - 1838
 Vals (fantasía) - 1840
 Russlan y Ludmilla (ópera) - 1842
 Capricho brillante (obertura española nº 2) - 1848
 Kamariskaya - 1849
 Polonesa de festival - 1855

129
ENRIQUE GRANADOS

1867-1916 España

    Compositor español nacido en Cataluña,

con una notable sensibilidad por la música
española, lo que no le hizo insensible a otras
influencias. Fue alumno primero de José
Junceda en Lérida y de Jurnet en Barcelona.
Al mismo tiempo, tomaba clases particulares
con Pedrell y más tarde con Wilfrid Bériot
en París. Contó con el apoyo de mecenas
como el doctor Andreu.

    La mayor parte de su producción es

pianística, aunque también hizo incursiones en la ópera y compuso canciones.
Se le considera uno de los impulsores del Nacionalismo musical español,
junto con Pedrell, Albéniz y, posteriormente, Falla. El influjo de la música de
salón de la época persiste en toda su obra, creando una especie de folclore
urbano en el que lo popular tiene menos cabida que en el lenguaje de otros
contemporáneos suyos. De ahí también se desprende una particular relación
del compositor con la música del siglo XVIII, con sus tonadillas escénicas y
su ambiente goyesco.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Valses poéticos - 1887

 Danzas españolas - 1892
 María del Carmen - 1898
 Escenas románticas - 1901
 Follet (ópera) - 1903
 Escenas poéticas - 1907
 Tonadilla del siglo XVIII - 1913
 El pelele - 1914
 Goyescas (ópera) - 1916

130
EDWARD GRIEG

1843-1907 Noruega

    Compositor noruego, considerado la figura más

importante del Romanticismo escandinavo, al que el
crítico Hans Von Bulow consideraría "el Chopin del
Norte". En su obra encontramos elementos del
folclore noruego, como las sagas, y una cierta
inspiración en el paisaje de los solitarios fiordos.   

    En su catálogo figuran danzas rústicas y canciones

campesinas, músicas de carnaval y de bodas. Su madre
era pianista y fue ella quien le enseñó los primeros
rudimentos musicales. El compositor Ole Bull, al
escuchar su primera composición, recomendó que se le enviase al
conservatorio de Leipzig, donde estudiaría con Moscheles y crecería su
afición por Chopin. A través de su amistad con Rikard Nordkraak conoce el
folclore noruego, decidiendo abandonar el estilo romántico germanizante
por un estilo nacionalista, fundando una sociedad musical, Euterpe, para
difundir estas ideas.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Humoresques Op. 6 - 1864

 En otoño Op. 11 (orquestal) - 1865
 Sonata para violín y piano en sol mayor Op. 13 - 1866
 Concierto en la menor para piano y orquesta Op. 16 - 1868
 Música incidental para Peer Gynt - 1876
 Sonata para violín y piano en do menor - 1887
 Suite nº 1 de Peer Gynt Op. 46 - 1888
 Suite nº 2 de Peer Gynt Op. 55 - 1891

131
ZOLTÁN KODÁLY

1882-1967 Hungría

    Compositor y pedagogo húngaro, autor de

una importante labor de recopilación del
folclore de su nación junto a Béla Bartók y de
enseñanza de la música. Su padre, jefe de
estación del tren y músico aficionado, le
enseñó los rudimentos del violín, entrando
luego a formar parte del coro de la catedral
de Nagyszombat.

    En Budapest estudia con Koessler y es

compañero de Bartók también en la
Universidad, donde obtiene el título de compositor, de profesor de
austrohúngaro y el doctorado de filosofía, con una tesis final sobre la
estructura de las canciones folclóricas húngaras, fruto de las excursiones
de recopilación que emprendió por su país y por otros vecinos: Rumanía,
Chequia, Eslovaquia y Bulgaria.

    Estas investigaciones marcaron su estilo compositivo, después de una

época de influencia de Brahms. En el plano pedagógico fue profesor en la
Academia Liszt, para luego diseñar un método propio basado en el canto
coral de melodías populares.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Serenata para dos violines y viola - 1920

 Psalmus hungáricus - 1923

 Háry János (ópera y suite) - 1926

 Danzas de Marosszék - 1930

 Danzas de Galánta - 1933

 Te Deum - 1936

 Missa Brevis - 1944

132
  Danzas folclóricas de Káiló - 1950

 Sinfonía - 1961

MODEST P. MUSSORGSKY

1839-1881 Rusia

    Compositor ruso, hijo de un acomodado

terrateniente. Aprendió los rudimentos del
piano con su madre y luego con Herke en San
Petersburgo, aunque nunca tuvo unos estudios
ordenados. Fue cadete militar y luego guardia.
En San Petersburgo conocerá a Borodin, Cui,
Rimski-Korsakov, Dargominski y Balakirev, con
quien toma algunas lecciones. Justamente la
mayoría de los componentes de este grupo
(excepto Dargominski) junto con Mussorgsky
fueron conocidos como "El Grupo de los Cinco".

    Pese a su gran talento y creatividad, en sus últimos años pudo más el
alcohol, por lo que muchas de sus obras quedaron inacabadas.
Afortunadamente, otros compositores (como Ravel con su "Cuadros de una
exposición" o Rimski-Korsakov con "El Monte Pelado") finalizaron y
orquestaron las creaciones del genio más grande de la música rusa que murió
en la miseria.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Scherzo para orquesta en si bemol - 1859

 Una noche en el Monte Pelado - 1860

 El matrimonio (ópera inconclusa) - 1868

 Boris Godunov (ópera) - 1870

 El cuarto de los niños (canciones) - 1873

 Cuadros de una exposición - 1874

 Cantos y danzas de la muerte (canciones) - 1875

133
  La feria de Sorotchintski (ópera inconclusa) - 1880

FELIPE PEDRELL

1841-1922 España

    Compositor español, precursor del nacionalismo

musical que culminaría con Manuel de Falla. En su
catálogo, destacan las óperas en las que combina el
sentido wagneriano del espectáculo, con la
tradición erudita española y su folclore popular,
terrenos en los que realizó investigaciones
musicológicas, desde la recopilación de las obras de
Tomás Luis de Victoria, hasta la elaboración de un
fundamental Cancionero musical popular español en
cuatro volúmenes.

    La mayor parte de su obra artística la desempeñó entre Barcelona y

Madrid, ciudad esta última donde trabajó en el Conservatorio, en el Ateneo
y en la Academia de Bellas Artes (de la que fue miembro). Aunque su
folclorismo tiene cierto aire orientalista en sus primeras obras, más tarde
recogerá elementos contemporáneos como las músicas de salón y las
tradiciones musicales vivas en la península, entre ellas el flamenco.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Seis lieder (textos de Heine) - 1864

 El último abencerraje (ópera con texto de Altés) - 1869 a 1874

 Missa Solemne - 1876

 La veu de las montanyas (escenas sinfónicas) - 1877

 Aires de la tierra del cantaor Silverio - 1889

 La Celestina (ópera) - 1902

134
  El comte Arnau (ópera con texto de Joan Maragall) - 1904

 La matinada (coro) - 1905

 Cancionero musical popular español - 1919 a 1922

NIKOLÁI RIMSKI-KORSAKOV

1844-1908 Rusia

      Compositor ruso de tendencia nacionalista, que

forma junto a Mussorgski, Cui, Balakirev y Borodin
los llamados Cinco Rusos. Estudió piano con maestro
locales y empezó a componer de forma autodidacta
hasta que conoció a Balakirev. A pesar de ello, le
proponen y acepta ser profesor de composición e
instrumentación, contando entre sus alumnos a
Liadov, Arenski, Glazunov e Ippolitov-Ivanov.
También se dedicó a recopilar canciones populares
rusas y a revisar la obra de Glinka, así como a
instrumentar composiciones de colegas.

    Su estilo tiene un carácter eminentemente nacional, cercano a la canción

popular rusa, plagada de modismos derivados del canto eclesiástico
ortodoxo. Fue un brillante orquestador y pedagogo, autor de varios tratados
de composición e instrumentación. También destacó como autor de ópera de
gran colorido armónico y tímbrico.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Segunda sinfonía "Antar" - 1865

 La Pskovitaina (ópera) - 1872

 Tercera sinfonía - 1874

 La doncella de nieve (orquesta) - 1880

135
  Capricho español (orquesta) - 1887

 Sheherezade (suite orquestal) - 1888

 Sadko (ópera) - 1896

 El Zar Saltan (ópera) - 1900

 El gallo de oro (ópera) - 1907

JEAN SIBELIUS

1865-1957 Finlandia

    Compositor finlandés nacionalista. Aunque vivió

hasta 1957, no publicó obras de importancia
después de 1929. Compuso siete sinfonías entre
1899, año en el que compone la primera y 1924.
Además es autor de varios poemas sinfónicos de
carácter descriptivo del norte de Europa: "Una
Saga", "El cisne de Tuonela" y la famosa
"Finlandia" corresponden a la primera época,
mientras que son posteriores "La hija Pohjola" y
"Tapiola".

    En sus inicios estuvo influido por el estilo

nórdico de Tchaikovski, Borodin y, especialmente,
Grieg. A su regreso de Viena investiga las raíces nacionalistas como reacción
a las medidas paneslavistas del zar Alejandro III. Estaba impregnado de la
literatura de su país, lo cual se observa especialmente en la epopeya
nacional "Kalevala". Aunque no fue un renovador de las formas, hizo un uso
original de los acordes tradicionales y de la orquestación.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Sinfonía Kullervo - 1892

 Karelia (poema sinfónico) - 1893

136
  Primera sinfonía - 1899

 Finlandia (poema sinfónico) - 1900

 Una Saga - 1901

 La hija de Pohjola (fantasía sinfónica) - 1906

 Cuarta sinfonía - 1911

 El Bardo (poema sinfónico) - 1914

 Danzas campestres (cuerda) - 1925

 Tapiola (poema sinfónico) - 1926

BEDRICH SMETANA

1824-1884 Chequia

    Compositor natural de Bohemia. A pesar de

provenir de una familia con formación
musical, no estudió ordenadamente, aunque ya
de muy joven era capaz de tocar el violín y el
piano. Se educó en escuelas alemanas hasta
que finalmente pudo dedicarse plenamente a
la composición.

    Abogó por el establecimiento de escuelas

musicales en su país y fue pianista oficial de
la corte de Fernando I en Austria. Alternó su
residencia entre Praga y Goteborg en Suecia,
donde dirigió la Orquesta Filarmónica de la
ciudad y enseñó música. A partir de 1861
trabajaría intensamente por la cultura musical de su país, ayudando a la
creación de una Sociedad de Artistas, La Sociedad Filarmónica y el Teatro
Bohemio.

137
    La inspiración nacionalista le valió para crear varias óperas y poemas
sinfónicos. A pesar de la sordera y los trastornos mentales, compuso en sus
últimos años el ciclo de poemas sinfónicos "Mi patria" y otras obras de
importancia.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Sinfonía triunfal - 1854

 Los brandenburgueses en Bohemia (ópera) - 1863

 La novia vendida (ópera) - 1865

 Dalibor (ópera) - 1868

 Libuse (ópera) - 1871

 El Moldava (segunda parte de "Mi patria") - 1874

 Sarka (tercera parte de "Mi patria") - 1875

 El beso (ópera) - 1876

 Blanik (sexta y última parte de "Mi patria") - 1879

El Siglo XX
Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama
música contemporánea y tiene su origen en los movimientos nacionalistas del
último Romanticismo que darán lugar a otras tendencias, en cierto modo
continuistas, como el Impresionismo o el Expresionismo.

    CONTEXTO
HISTÓRICO:

    El siglo XX es un periodo

de cambios acelerados. El
desarrollo de las
comunicaciones y de las

138
tecnologías van a influir en gran medida durante el transcurso de este
periodo. Sin embargo, los problemas socioeconómicos y políticos derivados
de la Revolución Industrial culminan a principios de siglo con la Primera
Guerra Mundial (1914-1918) y la
Revolución Rusa (1917) y más tarde con
la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).
Estos hechos sacuden hasta lo más
íntimo las conciencias de la población. El
panorama europeo es desolador ya que
las guerras trajeron millones de muertos
y muchas personas se vieron obligadas a
abandonar sus países.

    Sin embargo, nada más terminar 2º

Guerra Mundial se inicia una
reconstrucción que abarcará todos los ámbitos: político, económico, social,
ético y, por supuesto, artístico. El auge de la tecnología, los medios de
transporte y las telecomunicaciones convierten a nuestro planeta en una
aldea global que conoce casi con total inmediatez lo que ocurre en el mundo
entero.

   

CONTEXTO CULTURAL:

      El siglo XX es un periodo en el que los cambios

y las novedades en el mundo del arte se van a dar
con gran velocidad. Nunca antes, en la historia
se había visto proliferar tal cantidad de
escuelas, movimientos y novedades  como ahora.
Los cambios y las tendencias se suceden de
forma acelerada. Estamos ante una época de
replanteamiento estético y formal del arte.
Todos los movimientos que surjan tendrán un nexo común: el deseo de
ruptura con el pasado.

    El contacto de la sociedad europea con culturas lejanas, propiciado por el

avance de las comunicaciones y las exposiciones universales aportará nuevos
horizontes a la creación artística. Desde finales del siglo XIX la pintura
asume un liderazgo indiscutible en el terreno artístico, ya que encabezará
todos los cambios y vanguardias que vayan surgiendo en el transcurso del
siglo XX.

139
    CONTEXTO MUSICAL:

    El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y
cultural. La música, cuyos recursos tradicionales habían sido explotados
hasta la saciedad por los autores románticos, busca abrirse nuevos caminos
y romper con el pasado. Gran cantidad de estilos vanguardistas musicales se
irán yuxtaponiendo en el transcurso del siglo en busca de la novedad y la
experimentación, a través de un cambio estético que dará lugar a las
composiciones más variopintas.

    La aparición de nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados

arrebatará a la música culta el protagonismo, casi exclusivo, del que había
gozado durante siglos. Poco a poco se irá convirtiendo en una música de
minorías, ajena al éxito y a los intereses comerciales. En la segunda mitad
de siglo, la llegada de la tecnología alterará la forma de componer e
interpretar la música. Por primera vez en la historia los medios electrónicos
e informáticos tendrán una función importante dentro del fenómeno
musical.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES

    Aunque es complicado establecer unas características generales al

abordar la multitud de corrientes que se van a dar en este siglo, cada una de
ellas con sus propios fundamentos, vamos a destacar algunas ideas
generales:

 La pérdida de unidad estilística y técnica se

hace evidente ya que no hay un lenguaje y un
tipo de expresión únicos, sino una pluralidad
de movimientos. Cada compositor busca su
propio lenguaje musical para expresarse.
 La ruptura con el pasado se manifiesta en el
progresivo abandono del lenguaje tonal, que
parece haber llegado a su fin. El ritmo adquiere gran protagonismo.

 Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para

ello hay que experimentar con todo lo que se tenga a mano. Cualquier
objeto puede ser capaz de producir música.

140
  El compositor no busca la belleza de melodías, sino
llamar la atención del oyente, por lo tanto nos
encontraremos ante piezas extrañas que no tienen
nada que ver con la música que se había realizado hasta entonces.

 En algunas corrientes, sobre todo en la 2º mitad de siglo, el

compositor acompaña su obra con textos explicativos propios para
que la obra se pueda interpretar y entender, ya que a menudo se usan
sistemas de notación no convencionales. Además, en esta época,
entrarán en juego los avances electrónicos e informáticos.

MÚSICA EN LA 1ª MITAD DE SIGLO XX

    A comienzos de siglo, los nuevos

lenguajes se fueron imponiendo de
manera gradual, y con mucha dificultad,
en un mundo aún dominado por los
últimos grandes compositores del
Postromanticismo y del Nacionalismo.
Compositores que, a pesar de componer
en el umbral del siglo XX, tuvieron una
gran influencia
posterior.

    La nueva concepción de componer vino de dos ciudades

diferentes, que fueron París y Viena. En el primer caso
con las aportaciones del Impresionismo de la mano de C.
Debussy, que supone un punto de partida para la música

141
de vanguardia; en el segundo con la ruptura  que suponía la música de Arnold
Schoenberg y sus discípulos en la Escuela de Viena.

    Hubo otras rupturas, incluso más radicales, como la del Futurismo en
Italia, que aunque no tendrán mucha vigencia como corriente estética,
influirán en los movimientos que tendrán lugar en la 2ª mitad de este siglo.
Otros movimientos, como el Neoclasicismo, intentarán devolver a la música a
sus cauces tradicionales.

IMPRESIONISMO

    El Impresionismo puede considerarse como la primera manifestación

contemporánea del siglo XX. En las últimas décadas del Romanticismo, un
grupo de pintores franceses se interesaron por el trabajo al aire libre. Un
lienzo de Claude Monet titulado "Impresión, sol naciente" será el origen del
movimiento impresionista, estilo que adoptarán otros pintores y que más
tarde se trasladará al mundo de la música. Se trata de pinturas que plasman
paisajes y ambientes difuminados, en las que no se busca la perfección y
realismo del cuadro, sino la impresión que produce en los ojos de quien lo
observa.

    El impresionismo musical será un movimiento típicamente francés,

relacionado con la tendencia pictórica. Posiblemente es la corriente más
novedosa y original de todas las que se dan en esta época. El compositor más
destacado de este movimiento es Claude Debussy, con obras como "Preludio
a la siesta de un fauno" (1894).

    Al igual que la pintura impresionista, la música de Debussy es una música

de atmósferas y de sentimientos sutiles, carente de la grandiosidad post-
romántica. Las características de esta música son:

142
  Melodías desdibujadas (igual que en pintura), sin líneas ni cadencias
claras, que utilizan escalas modales, pentatónicas, cromáticas o de
tonos enteros.
 Armonía libre, con acordes incompletos a los que Debussy  llama
flotantes, que toman su valor por su sonoridad, no por su función
tonal, para convertirse en líneas y manchas que se desvanecen en el
tiempo y el espacio.

 Nuevo concepto de timbre, utilizando los instrumentos de forma

individual y no como conjunto orquestal (collage).

 Incorporación de elementos musicales orientales, tanto melódicos o

rítmicos como armónicos.

    Uno de los continuadores de la obra impresionista de Claude Debussy

será el francés Maurice Ravel, conocido por su obra "El bolero".

EXPRESIONISMO

    El término Expresionismo aparece a partir de 1911 para designar un estilo

pictórico en el que, poco a poco forma y
color dejan de estar obligados a imitar la
realidad. Este movimiento es
predominantemente alemán y afectará a la
música y literatura, además de a la pintura.
Se caracteriza por buscar la expresión del
alma del ser humano de forma dura y
pesimista. El tema principal del
Expresionismo es el hombre y su vivencia
interior llena de conflictos y temores, que
muestra una realidad distorsionada
marcada por el dolor y la angustia.

    La obra "El grito", de Edward Munch, es considerada como la primera

manifestación expresionista. En música, el compositor más representativo
de esta tendencia es Arnold Schoenberg, que considera la música como

143
medio para expresar la personalidad del hombre. Las principales
características del Expresionismo son:

 Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de disonancias

que producen una tensión continua, sin momentos de reposo.
 Utilización de un sistema atonal, que rompe con todas las reglas
tradicionales de organización melódica y armónica.

 Pérdida del concepto de melodía en favor de un canto recitado

(sprechgesang), que tiene como objetivo la expresión violenta y
agresiva del texto.

 Normalmente son obras para pequeñas formaciones de cámara, en las

que cada instrumento tiene el papel de solista.

    Una de las obras más destacadas de esta corriente es "Pierrot Lunaire",
ciclo de 21 melodramas compuestos sobre poemas de Albert Giraud.

ATONALISMO

    Este movimiento se funde con la corriente expresionista. Durante la

primera década del siglo XX, los excesos de los post-románticos en el plano
de la armonía, hicieron que poco a poco la tonalidad, que hasta entonces
organizaba y era la base de las obras musicales, perdiera su papel.

    El Atonalismo nace cuando una serie de compositores,

con Arnold Schoenberg a la cabeza, deciden otorgar a la
disonancia la misma importancia que a la consonancia y
escribir sus obras con una tonalidad concreta. Esto
implica que todas las notas tienen el mismo valor, sin
jerarquías. De ahí la sensación de que se han perdido los
puntos de equilibrio y de orientación, por lo que para
nuestros oídos, la música atonalista suena desafinada.

144
    Entre las obras en las que Schoenberg recurre al Atonalismo, podemos
destacar "Cuarteto nº 2" y "La noche transfigurada". Esta ruptura con la
tonalidad influiría también en artistas como Richard Strauss, Gustav
Mahler, Edgar Varese o Charles Ives, entre otros. Sin embargo, la corriente
del Atonalismo como tal tuvo una vida efímera, ya que se trataba de
componer sin ningún tipo de normas, sumiendo a la música en una especie de
caos.

DODECAFONISMO

    Los fundamentos de la música dodecafónica fueron elaborados y

desarrollados a comienzos del siglo XX por el compositor austríaco Arnold
Schoenberg y dos de sus discípulos y amigos: Alban Berg y Anton Webern,
que son conocidos en conjunto como Escuela de Viena. Este método fue
creado en 1923 y también fue conocido como Serialismo.

    Después del periodo atonal y tras varios años de inactividad, el mismo
Schoenberg dio un paso de gigante al inventar un sistema de organización
para las obras, que, en cierto modo, vino a cumplir el papel que durante
siglos había representado la tonalidad.

    La técnica dodecafónica consistía en definir una serie con las doce notas
de la escala cromática (distancia de medio tono entre notas), que podían
ordenarse de la forma que el compositor decidiera. Sin embargo, una vez
establecido el orden, éste debía mantenerse a lo largo de toda la obra; era
precisamente esta serie la que se erigía como la estructuradora de toda la
composición. Desaparece, por tanto, la jerarquía entre los grados de la
escala, originando una música atonal que podríamos asociar a la pintura
abstracta de autores como V. Kandinsky.

145
    Pronto, los compositores dodecafónicos se dieron cuenta de que una sola
serie limitaba enormemente las posibilidades compositivas; por ello, para
disponer de un mayor margen de acción, se empezaron a utilizar en la misma
obra otras series derivadas de la primera, retrógrada (hacia atrás),
invertida (en espejo) o retrógrada invertida.

FUTURISMO

    Es un movimiento estético nacido en Italia en

1909. Se trata de la corriente más radical del siglo
XX, y su principal precursor es Tómmaso
Marinetti, artista y escritor que tuvo gran
repercusión en las artes plásticas. Su incidencia en
el terreno musical fue más bien escasa, afectando
casi exclusivamente a la obra de los italianos Luigi
Russolo y Balilla Pratella.

    El movimiento futurista se basa en la introducción de los ruidos y las

máquinas en la música. Los futuristas se inspiran en el ambiente industrial
de la sociedad del siglo XX. Buscan enriquecer el sonido y desvincularse del
pasado, declarando la guerra a la tradición y a los timbres limitados de los
instrumentos convencionales. Russolo, en 1913, publica "El manifiesto de los
ruidos", obra en la que se dan a conocer los fundamentos de esta corriente.
En este libro, el autor clasifica los instrumentos de la orquesta futurista en
seis familias, en las que podemos encontrar gruñidos, silbidos, risas, gritos,
golpes... Russolo, fue capaz de crear un instrumento capaz de producir
ruidos variados. A este artefacto lo denominó "entonarruidos"

    La corriente futurista, en su sentido más estricto, no duró mucho tiempo,

pero su idea de conectar la música con la realidad utilizando los ruidos de la
vida moderna, tendrá una gran influencia en muchos compositores
contemporáneos y anticipará las técnicas de la música concreta.

    Entre los músicos más influenciados por el Futurismo podemos citar a
Edgar Varese, con obras como "Ionization" (primera obra en la historia
escrita únicamente para instrumentos de percusión) o Arthur Honegger, con
"Pacific 231" (obra que describe el movimiento de una locomotora).

NEOCLASICISMO

146
    El Neoclasicismo (nuevo Clasicismo) surge entorno a 1920 como reacción
al Post-Romanticismo, el Impresionismo y el Expresionismo. Es quizá el
movimiento que menos novedades aporta durante este periodo; supone una
vuelta a la claridad formal del Clasicismo, y el rechazo a una concepción
expresiva de la música cargada de significados subjetivos.

    Se vuelve al cultivo de las formas y géneros clásicos,

buscando una nueva sencillez, ya que aspira a devolver a
las obras musicales la comprensibilidad y el placer para el
oído. Por esa razón, la mayoría de las obras de este
movimiento recuperan la tonalidad clásica.

    Entre los principales representantes de esta tendencia

se encuentra el francés Erik Satie y el llamado "Grupo de
los Seis", cuyos ideales fueron expuestos en 1918: "basta
ya de nubes, olas, ondas y fragancias nocturnas.
Necesitamos una música con los pies en la tierra, una
música cotidiana,...". Una conocida obra de Satie es la
titulada "Gymnopédie nº 1". Otro conocido autor de inspiración neoclásica
fue el ucraniano Sergei Prokofiev que compuso obras como "La Sinfonía
clásica op. 25" o el ballet "Romeo y Julieta"

    Esta corriente ha tenido continuadores hasta la actualidad.

MÚSICA EN LA 2ª MITAD DE SIGLO XX

    Herederos de las novedades aportadas en las

primeras décadas, durante a segunda mitad de siglo
el arte en general y en particular la música siguen
las pautas de ruptura con lo establecido marcadas
por los autores de las generaciones anteriores.

    Ya ha desaparecido de forma definitiva el

lenguaje universal tonal, llegamos en este periodo a
la concreción de estilos artísticos mucho más radicales e individualistas, en
los que todo es válido para crear una obra de arte, que, muy a menudo, va a
sorprender al un público que no está preparado para este tipo de música.

147
    Por primera vez en la historia de la música los medios electrónicos, que se
van desarrollando debido al gran avance de la tecnología, formarán parte de
la composición. Los instrumentos tradicionales van dejando su sitio a otros
instrumentos de nueva creación, que se congregarán en el laboratorio
musical y más tarde en el ordenador.

SERIALISMO INTEGRAL

    El Serialismo Integral es un movimiento que se

da a partir de la segunda mitad del siglo XX.
Consiste en la aplicación del concepto de serie,
introducido por el Dodecafonismo, a todos los
parámetros integrantes del sonido (timbre, altura,
duración, intensidad...), y no sólo a la altura de las
notas.

    Aspira a convertirse en un sistema completo y

perfectamente estructurado y racional; sin
embargo, el resultado es con frecuencia una música
fría, en la que las alturas, duraciones, timbres e
intensidades están perfectamente ordenados en series de doce grados cada
una.

    La música serial se caracteriza, por tanto, por el minucioso ordenamiento

de los parámetros musicales y su alto grado de elaboración previa, ya que el
compositor organiza la obra como si las piezas de un puzzle se tratara.

    Entre los compositores más destacados cabe recordar a Oliver Messiaen,
con obras como "Modos de valor e intensidad", y a Pierre Boulez, con "El
martillo sin dueño" o "Sonata para piano nº 3".

148
149
PARTITURA DE SERIALISMO INTEGRAL

LA MÚSICA CONCRETA

150
    Hacia mediados del siglo XX surge esta corriente, que se inspira en el
Futurismo, ya que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la realidad. El
compositor se lanza a la calle grabadora en mano, recogiendo todos los
sonidos que cree interesantes; estos sonidos posteriormente se manipulan
en un laboratorio musical (se cortan, se pegan, se modifican algunas de sus
cualidades...) y se montan en una cinta magnetofónica. El resultado es una
composición de música concreta.

    En este tipo de música el papel del intérprete es sustituido por el

magnetófono, y el compositor presenta su obra de manera definitiva y
objetiva. Por primera vez en la historia la ciencia y los aparatos tecnológicos
se usan para la creación de obras musicales.

    Entre los compositores pioneros se encuentran los francese Pierre

Schaeffer, que expone sus teorías en "El tratado de los objetos musicales"
y Pierre Henry. Algunos de los títulos de las obras de estos artistas son:
"Estudio de ruidos", "Sinfonía para un hombre solo", "Variaciones para una
puerta y un suspiro" o "El micrófono bien temperado".

LA MÚSICA ELECTRÓNICA

    Esta corriente surge

influenciada por la música
concreta. Como hemos visto,
esta música se basaba en la
grabación de un conjunto de
sonidos reales que se
manipulaban; sin embargo, en la

151
música electrónica el sonido es creado completamente en un laboratorio, son
sonidos que no existen en la realidad, que se crean, se procesan y se graban
electrónicamente. Este tipo de música suprime totalmente los intérpretes y
las partituras.

    El laboratorio musical es el centro de creación del artista. Aquí el

compositor utiliza sintetizadores y otros aparatos electrónicos para
generar el sonido.

    Entre los compositores más destacados de

este movimiento está: Karl Stockhausen, que
desde 1953 dirige el Estudio de Música
Electrónica de Colonia (Alemania). Su obra más
conocida es "El canto de los adolescentes". Otros
autores que seguirán los pasos de Stockhausen
son Luciano Berio y Bruno Maderna.

    La música electrónica se unirá a la música

concreta, dando lugar a obras cuyo contenido es
en parte grabaciones de sonido real y otros
creados por medios electrónicos. A esta música
se le conoce como Electroacústica, y se convertirá en uno de los
procedimientos más empleados por casi todos los compositores del siglo XX.

    La conocida como música Estocástica puede considerarse una fase más
del desarrollo de la música electrónica; consiste en la introducción del
ordenador en el campo de la composición, que debidamente programado,
calcula combinaciones de sonidos y crea obras musicales.

LA MÚSICA ALEATORIA

    Movimiento que surge durante los años 60 y que

reacciona contra el Serialismo, tratando de introducir
en la música una mayor libertad compositiva. Se trata
de una música indeterminada, en función del azar y de
la libertad de quien la interpreta. El compositor no
escribe una obra acabada y cerrada, sino que confía en
la creación e independencia del músico para hacer de
cada audición una obra única e irrepetible.

152
    Para lograr esa libertad interpretativa la música aleatoria emplea
notaciones muy libres y sugerentes, o textos en los que se invita a la
creación. Ejemplo: "toca una nota con la seguridad de que tienes todo el
tiempo y el espacio que
quieras; cuando la hayas
tocado, toca otra nota...".

    Este tipo de música, en

ocasiones, también dejará
parte de la interpretación en
manos del público, que
participa activamente en la
obra. Otras veces, los sonidos
del entorno serán parte
integrante de la música.

    El principal precursor de este tipo de música fue el norteamericano John

Cage, cuya obra más representativa es "4'33'' para cualquier número y
clase de instrumentos", escrita en 1952, y en la que los intérpretes
permanecen sentados y en silencio durante cuatro minutos y treinta y tres
segundos (tiempo que dura la obra), de manera que son los ruidos de la sala,
del público y del exterior los que construyen la pieza.

ÚLTIMAS TENDENCIAS

    En las últimas décadas del siglo XX muchos compositores siguen

escribiendo obras musicales en busca de lenguajes propios y nuevas formas
de expresión; sin embargo, a modo de reacción contra estas corrientes,
surgen algunas tendencias que intentan presentar una música más
comprensible para el público. Posiblemente, la característica más común a
todas ellas sea el abandono de la
experimentación y la búsqueda de
lenguajes más sencillos y asequibles.

    A continuación presentamos dos de

estos estilos:

    MINIMALISMO:

153
    Se le conoce también con el nombre de Música Repetitiva, y nace en los
EEUU a principios de los años 70. Este tipo de música se basa en la creación
de sencillos elementos melódicos, que se transforman mínima e
insistentemente a lo largo de su desarrollo; es decir, se trata de crear una
mínima célula melódica y repetirla constantemente introduciendo un cambio
insignificante en cada repetición.

    El principal representante de esta tendencia es Michael Nyman, que crea

una obra minimalista que más tarde formará parte de la banda sonora de la
película "El piano".

    EL NUEVO ROMANTICISMO:

    Conocido también con el nombre de Nueva Simplicidad. Es una tendencia

musical que surge en Alemania en la segunda mitad del siglo XX. Los
compositores que pertenecen a esta corriente rehuyen la práctica de la
experimentación y de la complejidad que caracteriza las obras de la mayoría
de los compositores de vanguardia.

    No dudan, sin embargo, en incorporar elementos nuevos junto con los
tradicionales. Destaca en este movimiento el compositor Bernard Herrmann,
con obras como "Escena de amor".

EL BALLET RUSO

    Durante el Romanticismo el ballet se había convertido en una arte muy

complejo lleno de virtuosismo y acrobacias carentes de contenido. El nuevo
ballet del siglo XX huye de esa técnica fría y mecánica para poner la danza
al servicio de la expresión, sin someterse a reglas ni academicismos
estrictos.

    El gran impulsor de esta reforma fue

Sergei Diaghilev, quien pese a no ser ni
bailarín ni músico cambió el destino de la
danza fundando los "Ballets Rusos" en 1909.
Este hombre, contrató a los mejores
artistas del momento para llevar a cabo su
proyecto. Para él trabajaron diseñadores
como L. Bask; pintores como Picasso, Dalí o
Miró; compositores como Debussy,

154
Stravinsky, Falla o Satie; bailarines de la talla de T. Karsavina, A. Pavlova o
V. Nijisnky; coreógrafos como L. Massine, o Fokine.

    Los primeros éxitos de la compañía fueron fruto de tres ballets de

Stravinski titulados "El pájaro de Fuego", "Petrushka" y "La consagración de
la primavera". También destacó un ballet del español M. de Falla titulado "El
sombrero de tres picos", con decorados de Pablo Picasso.

    La compañía de "Ballets Rusos" se deshizo en 1929 con la muerte de

Diaghilev, pero los colaboradores y bailarines que se habían formado en ella
se dispersaron y extendieron sus enseñanzas por todo el mundo.

LA DANZA MODERNA

    Además de las aportaciones del ballet ruso, se produjo en la misma época,
de forma paralela, y por parte de numerosos bailarines, un intento de
renovar y modernizar el ballet para hacerlo más acorde con las nuevas
tendencias artísticas. Este tipo de danza se caracterizará por el rechazo al
espectáculo y a las normas del ballet tradicional, hacia unas formas de
movimiento más naturales.

    Entre estos artistas destaca la bailarina Isadora

Duncan, que solía bailar desnuda con una simple
túnica. Quiso aportar al ballet una espontaneidad y
una libertad mayores en la expresión del cuerpo,
huyendo de la estereotipada técnica clásica. Este
tipo de baile busca la expresión profunda de los
sentimientos. El resultado es una nueva concepción
del ballet que muestra lo bello y lo feo de la vida,
que incorpora el trabajo en el suelo y evita la
rigidez de los pasos definidos dando al artista
mayor libertad de movimiento, ya que como afirma Cunningham: "Cualquier
movimiento puede ser un movimiento de danza".

155
    Duncan tendrá muchos continuadores como R. V. Laban, M. Graham o M.
Cunningham, que darán lugar a lo que conocemos como la danza moderna que
se sigue desarrollando hasta la actualidad.

COMPOSITORES DESTACADOS

    A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los

compositores más destacados de esta etapa. Pincha sobre el nombre del que
quieras conocer:

 BERG, Alban
 DEBUSSY, Claude
 HONNEGER, Arthur
 MESSIAEN, Oliver
 RAVEL, Maurice
 SATIE, Erik
 SCHOENBERG, Arnold
 STOCKHAUSEN, Karlheinz
 STRAVINSKI, Igor
 WEBERN, Anton von

ALBAN BERG

1885-1935 Alemania

    Uno de los compositores más destacados del la

escuela del dodecafonismo, alumno junto a Anton
Webern de las enseñanzas de Arnold Schoenberg
en el experimento atonal. Nació en Austria en el
seno de una familia de clase media y fue testigo
del sentimiento de fin de siglo en la antigua
capital del Imperio austrohúngaro.

    Su vocación musical fue algo tardía. Tenía ya 19

años cuando conoció a Schoenberg, momento a
partir del cual se dedicaría exclusivamente a la
creación sonora. En 1913 estrenó la primera de sus composiciones más
innovadoras. Al principio, sus obras (como otras de sus propios profesores y
compañeros) fueron mal recibidas, aunque el paso de los años ha hecho que
fueran muy apreciadas. Desgraciadamente, murió antes de poder disfrutar
del reconocimiento público que se merecía.

    PRINCIPALES OBRAS:

156
  Cinco canciones de Altenberg Op. 4 - 1913
 Tres piezas orquestales Op.6 - 1915

 Wozzeck (ópera)-1923

 Suite lírica (para cuarteto de cuerda) - 1926

 Lulu (ópera) - 1934

 Concierto para violín - 1935

CLAUDE DEBUSSY

1862 -1918 Francia

    Compositor francés que puso en marcha un

nuevo concepto de la música, liberada de
ciertas ataduras de la tonalidad. Su obra tiene
tintes modernistas, simbolistas e influencias
étnicas, en auge a finales del siglo pasado,
aunque su obra suele unirse a la corriente del
Impresionismo. Para él no se trata de
transcribir la naturaleza por medio de la
música, sino de evocarla.

    Era hijo de un tendero bastante pobre, que

tuvo que confiar la educación de su hijo a una
tía, quien consiguió que una alumna de Chopin (a quien Debussy dedicaría sus
Preludios) le diese clases de música. Este autor influiría en su estilo, junto
con Schumann, Wagner, Satie, Couperin y Rameau, entre otros.

157
    Debussy ejerció así mismo una influencia decisiva en su época y en las
etapas posteriores, desde Ravel a los músicos más importantes del siglo XX.

    PRINCIPALES OBRAS:

 El hijo pródigo (cantata) - 1884
 Cuarteto en sol menor - 1893
 Preludio a la siesta de un fauno - 1894
 Pelleas et Melissande (ópera) - 1902
 El mar - 1905
 Rapsodia para saxo y orquesta - 1911
 El martirio de San Sebastián - 1911
 Doce preludios - 1912
 Sonata para viola, arpa y flauta - 1913
 Doce estudios - 1915

ARTHUR HONEGGER

1892-1955 Suiza-Francia

    Aunque nació en Francia y residió siempre en

París, este compositor se consideraba suizo,
nacionalidad que poseía por sus padres, que eran
unos comerciantes procedentes de Zurich.
Estudió con el organista de El Havre y luego en el
conservatorio de París, donde estudia con D'Indy
y tiene como compañero de estudios a Milhaud.

    Junto a él y otros cuatro compositores

jóvenes, se darían a conocer como "El grupo de los seis", muy unidos a los
conceptos estéticos de Jean Cocteau. Durante la ocupación nazi se recluyó
en su estudio, escribiendo música y actuando para la resistencia. Coqueteó
con varios estilos, desde el politonalismo hasta el drama musical wagneriano,
y cuando encontró el suyo, su vigor rítmico, armonías disonantes y lirismo le
diferenciaron de las posturas estéticas de sus contemporáneos.

    Cocteau dijo que su música era similar a la artesanía de las catedrales y
fábricas, alternando el mundo de las máquinas y la arquitectura gótica.

    PRINCIPALES OBRAS:

158
  El rey David (oratorio) - 1921
 Horacio victorioso (sinfonía mímica) - 1921

 Pacific 231 - 1923

 Concertino (piano) - 1924

 Judith (drama bíblico) - 1925

 Antígona (tragedia musical) - 1927

 Concierto para violonchelo y orquesta - 1929

 Primera sinfonía - 1930

 Juana de Arco en la hoguera - 1935

 Canto de liberación - 1944

OLIVER MESSIAEN

1908-1992 Francia

    Compositor y organista francés de profundas

creencias cristianas y vocación pedagógica, además
de ornitólogo aficionado. En su música, tal y como
explica él mismo en su libro Técnica de mi lenguaje
musical, se entremezclan la fe cristiana, los ritos de
los cantos devocionales, hindúes y el piar de los
pájaros.

    Estudió en el mismo conservatorio de París donde

enseñaría más tarde armonía, análisis y composición a
la nueva generación de compositores de posguerra,
incluidos Stockhausen, Boulez y Xenakis. Se le suele
asociar al grupo denominado en 1936 "La jeune france" y que comprendía, a
parte de a Messiaen, a Jolivet, Daniel-Lesur y Baudrier, y que pretendía una
vuelta al humanismo universal y espiritual en la música. Messiaen evolucionó

159
desde un estilo heredero de Debussy a las técnicas del serialismo integral,
para acabar imponiendo un sello personal en sus obras.

    PRINCIPALES OBRAS:

 La Ascensión - 1933
 Cuarteto para el Fin de los Tiempos - 1940

 Tres pequeñas liturgias de la Presencia Divina - 1944

 Veinte miradas sobre el Niño Jesús - 1945

 Sinfonía Turangalida - 1948

 Modos de valores e intensidades - 1950

 Timbres-Duraciones - 1952

 Primer catálogo de pájaros - 1957

 San Francisco de Asís (ópera) - 1983

 La Ville en Haut - 1987

MAURICE RAVEL

1875-1937 Francia

    Compositor francés en el que es importante la

influencia española que deja patente en piezas como
la "Rapsodia española", "La hora española" y,
especialmente, en su inmortal y popularísimo
"Bolero". Fue objeto de polémica por sus reiterados
intentos de hacerse con el Prix de Rome y luego por
plagiar supuestamente a Debussy en "Historias
naturales". Pero su intelectualismo era opuesto a la
sensualidad de aquél.

160
    Su primer maestro de música fue Ghys y después Charles-René, mientras
que en el Conservatorio estudió con Fauré y junto al pianista español
Ricardo Viñes. Al principio de su carrera estaba influido por Satie, pero
pronto hallaría un estilo propio, aunque coincidiendo con otros compositores
en la llamada Sociedad de los apaches, símbolo de la desobediencia artística,
junto a Viñes, Délage, Schmitt, Roger-Ducasse, Falla y Stravinski.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Pavana para una infanta difunta - 1899

 La hora española - 1907

 Mi madre la oca - 1908

 Daphnis et Chloé  - 1912

 La tumba de Couperin - 1918

 La Valse - 1920

 El niño y los sortilegios - 1925

 Bolero - 1928

 Concierto para la mano izquierda - 1931

ERIK SATIE

1866-1925 Francia

    Compositor y pianista de cabaret francés,

impulsor de un anti-impresionismo similar al que
Cocteau encabeza en la literatura. Su estilo,
cercano a los posteriores grupos de Los Seis y a la
escuela de Arcueil, goza últimamente de gran
estima entre los compositores minimalistas
contemporáneos. Ya en los últimos años del siglo

161
XIX, Satie utilizaba acordes sin resolución armónica y modismos de textura
extremadamente sencilla y primitiva.

    Sus estudios los realiza con Niedermeyer y en el Conservatorio de París,

para más tarde acudir a las clases de d'Indy y Roussel en la Schola
Cantorum. Primero cultivó la amistad de Debussy, aunque más tarde se
convierte en un símbolo de la oposición al estilo representado por éste y
Ravel. Su vida transcurre en varios periodos, desde la música mística a la
música de cabaret o la de sus años de gloria junto a Cocteau.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Trois Gymnopédies (piano) - 1888

 Trois Gnossiennes (piano) - 1890

 Vejaciones (piano) - 1893

 Misa de los pobres - 1895

 Embriones disecados (piano) - 1913

 Penúltimos pensamientos (piano) - 1915

 Parade (ballet) - 1917

 Sócrates (cantata) - 1919

 Relache (ballet) - 1924

ARNOLD SCHOENBERG

1874-1951 Austria-EE.UU.

    Compositor austríaco, inventor del

dodecafonismo y maestro de compositores como

162
Alban Berg y Anton von Webern, además de Krenek y Dallapiccola. Aunque
recibió formación musical, decidió componer de forma autodidacta,
completada luego con clases de contrapunto de Zemlinsky, con cuya hija se
casaría más tarde.

    Pasó de un estilo impregnado de postromanticismo (que llega de Mahler a

través de Zemlinsky) a abogar por un atonalismo que adquiere forma
definitiva en el método de composición dodecafónica en 1923, considerado
uno de los principales elementos del expresionismo. Más tarde, en su exilio
americano, se vería enfrentado a los conceptos neoclásicos del Stravinski
tardío, ejerciendo una notable influencia además en las posteriores
generaciones de compositores norteamericanos y de postguerra.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Noche transfigurada (orquesta de cuerdas) - 1899

 Sinfonía de cámara nº 1 - 1906

 La Espera (monodrama) - 1909

 Gurrelieder (para solistas, coro y orquesta) - 1911

 Pierrot Lunaire (melodrama con recitador y orquesta de cámara) -

1912

 Cinco piezas para piano - 1923

 Concierto para violín y orquesta - 1936

 Oda a Napoleón (recitador, piano y cuerdas) - 1942

 Tema y Variaciones (orquesta) - 1944

KARLHEINZ STOCKHAUSEN

1928 Alemania

163
    Compositor alemán contemporáneo, considerado uno de los abanderados
del serialismo integral, la experimentación electrónica y la vanguardia
cosmopolita. En sus obras ha hecho uso de múltiples técnicas compositivas,
desde música concreta (grabaciones de objetos reales transformados
electrónicamente) hasta sonidos sintéticos, polirritmos, múltiples tempos
simultáneos, serialismo total, notación gráfica, improvisación controlada y
otras técnicas aleatorias.

    Tuvo una infancia marcada por la orfandad y luego por los estragos de la
guerra, que le llevó a múltiples ocupaciones hasta poder consagrarse a la
música. Aprendió a tocar el piano, el violín y el oboe. Estudió música con
Neuhaus, Schroeder y Frank Martin, para luego hacerlo con Milhaud y
Messiaen, y más tarde acusar la influencia de Webern. También ha
desarrollado una carrera importante como pedagogo y director de su
orquesta.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Kreuzspiel (cámara) - 1951

 Kontrapunkte (cámara) - 1953

 El canto de los adolescentes (electrónica) - 1956

 Gruppen (orquesta) - 1957

 Zyklus (percusión) - 1959

 Telemusik (electrónica) - 1966

 Stimmung (seis voces) - 1968

 Hymnen (orquesta y cinta) - 1969

 Mantra (electrónica) - 1970

 Musik in Bauch (percusión) - 1975

 Sirius (ópera) - 1977

164
IGOR STRAVINSKI

1882-1971 Rusia

    Compositor ruso, considerado una de las

figuras más importantes de la música de
principios de siglo XX. Su estilo evolucionó desde
el folclorismo tradicionalista de sus primeras
obras, al vanguardismo de sus ballets para
Diaghilev, para después abordar la disonancia, la
politonalidad y la poliritmia, seguir con el
neoclasicismo de los años 30, e incluso coquetear
con el serialismo al final de su vida.

    Su padre era cantante solista de La Ópera de

San Petersburgo, despertando la afición de su
hijo por el género y la tradición musical rusa.
Decidió abandonar la carrera de Derecho para estudiar composición con
Rimski-Korsakov. En uno de sus estrenos, conoce a Diaghilev, con quien
colaboraría en la creación de sus ballets en París, suscitando fuertes
emociones y disputas entre el público. Más tarde destacaría también en
otros géneros, desde la sinfonía a la ópera o a la música de cámara.

    PRINCIPALES OBRAS:

 El pájaro de fuego (suite de ballet) - 1910

 Petruchka (suite de ballet) - 1911

 La consagración de la primavera (suite de ballet) - 1913

 Las bodas - 1918

 Edipo rey (ópera oratorio) - 1927

 Sinfonía de los salmos - 1930

 Juego de naipes (suite de ballet) - 1936

 Ebony Concert - 1945

 In Memoriam Dylan Thomas - 1954

165
  Requiem Canticles - 1966

ANTON VON WEBERN

1883-1945 Austria

    Compositor austríaco, seguidor de la escuela del

dodecafonismo de Schoenberg y figura inspiradora
del serialismo integral posterior a la Segunda
Guerra Mundial. Su catálogo de obras es escaso,
pero muy denso en planteamientos tonales. Su estilo
es minimalista por el ahorro de elementos y la
longitud reducida de sus obras, a veces, como en una
de sus "Cinco piezas para orqeusta" Op. 10, de sólo
siete compases y que dura 19 segundos.

    Se trata de una música difícil de oír y no muy

frecuentada en los repertorios. Hay incluso quienes ven en sus ideas
musicales las semillas para lo que posteriormente sería la música
electrónica. Sus obras suponen también un desafío para sus intérpretes, por
la complejidad de su escritura melódica y rítmica. Junto con su maestro
Schoenberg y su compañero Berg es considerado uno de los mejores
ejemplos del estilo dodecafónico y fuente de inspiración de muchas
vanguardias posteriores.

    PRINCIPALES OBRAS:

 Passacaglia para orquesta Op.1 - 1908

 Seis Bagatelas para cuarteto de arco Op.9 - 1913

 Cuatro canciones para acompañamiento de trace instrumentos Op.13 -

1918

 Cinco cánones para voz y dos clarinetes Op.16 - 1924

 Trío de cuerdas Op. 20 - 1927

 Sinfonía Op.21 - 1928

166
 Das Augenlich Op.26 (coro y orquesta) - 1935

 Variaciones para piano Op.27 - 1936

 Cuarteto de cuerdas Op.28 - 1938

 Variaciones para orquesta Op. 30 - 1940

167