Manuales de Sonido - 15.8 Música Orquestal - Estudio Marhea

7/8/22, 10:30 MANUALES DE SONIDO – 15.
8 MÚSICA ORQUESTAL | Estudio Marhea
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MANUALES DE SONIDO – 15.8 MÚSICA ORQUESTAL
La base fundamental de este capítulo ha sido extraída de:
Aviso: Los datos correspondientes a la afinación de los instrumentos han sido

obtenidos de la Orquesta Sinfónica Nacional y de Wikipedia.
1-LA SECCIÓN DE CUERDA.
2-LA SECCIÓN DE VIENTO-MADERA.
3-LA SECCIÓN DE METALES.
4-CONSIDERACIONES FINALES.

1- LA SECCIÓN DE CUERDA.
Dividida en cinco partes, la sección de cuerda es el corazón de la orquesta, y te ofrece
un arsenal de sonidos ricos y armónicos. El corazón de una orquesta ha sido
tradicionalmente su sección de cuerda (no fue hasta el siglo XIX cuando empezaron a
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considerarse las secciones de viento-madera y metal partes esenciales y de igual

importancia). Normalmente la sección de cuerda se divide en cinco partes: primeros y
segundos violines, violas, chelos, y contrabajos.
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EL VIOLÍN.
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El violín es un instrumento de cuatro cuerdas
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afinadas por quintas: SOL4, RE5, LA5 y
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MI6. Aunque también hemos encontrado diferentes notaciones: SOL 3, RE 4, LA 4 y MI

5 (la más utilizada). También SOL 4, RE3, LA2 y MI 1. Estas notaciones tendrán que ver
con la medida del violín y/o su tamaño. Así que la primera regla que has de recordar
es: no escribas nada por debajo de SOL3. El límite por arriba depende de la destreza del
músico. Cualquier cosa por debajo del MI 6 es fácil y una octava por encima se puede
tocar. La mayoría de los orquestadores doblan las notas tan altas (y finas) con otras
una octava por debajo (quizás con los segundos violines).
LA VIOLA.
La viola es un violín alto afinado también por quintas, pero una quinta por debajo del
violín, en DO3, SOL3, RE4 y LA4. Suele utilizarse en sus registros medio y bajo,
cubriendo de dos a dos octavas y media. Si escribes para intérpretes de viola reales
debes aprender la clave de DO, que sitúa el DO (DO3) en la línea media. Los pasajes
que se mantienen en notas altas durante un tiempo se escriben en clave de SOL.
EL CHELO.
Es el instrumento de cuerda bajo-medio natural, afinado una octava por debajo de la

viola (DO2, SOL2, RE3 y LA3). A partir del SOL2 el chelo se transforma en un
instrumento melódico y expresivo y puede tocar fácilmente notas hasta el DO4 y más
altas. Los chelos utilizan la clave de FA en cuarta línea, pero las partes altas pueden
usar la clave de DO en cuarta e incluso la clave de SOL.
CONTRABAJO.
El contrabajo se afina en cuartas. Sus cuerdas al aire suenan MI1, LA1, RE2 y SOL2, y
suena una octava por debajo de la nota requerida. Al principio el bajo se limitaba a
doblar a los chelos, pero a partir del siglo XIX, los compositores comenzaron a
componer partes de contrabajo bajo independientes.
CÓMO UTILIZAR LA SECCIÓN DE CUERDA.
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Las cuerdas son buenas para tocar pasajes ricos y llenos de armónicos en casi cualquier
registro, aunque también son idóneas para tocar melodías y riffs. Ver la disposición de
las cuerdas en un concierto te ayudará a crear un sonido más real. La distribución
típica (Plano A) coloca los primeros Uso violines desde la izquierda del director hasta el
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un poco más centrados. Los chelos se oponen a los primeros violines y las violas se
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encuentran entre los chelos y los segundos violines. Los contrabajos se sitúan detrás de
los chelos, pero más centrados. Una variación consistiría en situar los segundos violines
opuestos a los primeros, con las violas y chelos detrás (Plano B).
El primer paso para conseguir un sonido de cuerda más real es dejar a un lado los
patches genéricos de «sección de cuerda» y utilizar samples diferentes para cada
sección, situándolos en una posición apropiadas en el campo estéreo. Por ejemplo, un
50% a la izquierda sería ideal para los primeros violines. Los sonidos bajos suenan
menos direccionados que los altos, así que puedes dejar esos canales más cerca del
centro de lo que pueda sugerir la posición de las secciones del escenario. Es probable
que desees aplicar algo de reverb. Una sección de primeros violines puede tener unos
12 músicos o más. Un grupo tan amplio nunca consigue tocar exactamente igual, así
que procura grabar cada sección varias veces y sin cuantizar (o sólo parcialmente) para
conseguir un sonido ligeramente más «imperfecto». Esto implica mucho más trabajo
que simplemente cargar un preset de sección de cuerda y grabarlo todo en el mismo
canal, pero te puedo asegurar que los resultados merecen la pena.
2- LA SECCIÓN DE VIENTO-MADERA.
Si las cuerdas son la base de la orquesta, la sección de viento-madera es su principal
nota de color. Una sección de viento-madera estándar dispone de al menos dos de cada
uno de los siguientes instrumentos: flautas, oboes, clarinetes y fagots, aunque muchas
orquestas cuentan con tres o más de cada instrumento. Los instrumentos de madera
suelen doblar a las líneas de cuerdas pero todos funcionan igual de bien como solistas
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y pueden interpretar pasajes completos por sí solos, contrastando con las cuerdas.
Generalmente, esta sección suena mejor si no se lleva al límite de su rango tonal.
LA FLAUTA.
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flauta (travesera)
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unas tres octavas, abarcando desde DO3ACEPTAR
hasta DO6. Aunque puede ahogarse en las
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notas más bajas, a partir de DO4 gana brillo y potencia. También se debe mencionar
que mediante una llave adicional puede alcanzar tres octavas y una quinta justa (desde
el Si2 hasta el Fa#6)
EL OBOE.
Con una lengüeta doble el oboe puede sonar fino a veces, aunque sus notas más graves
por debajo de SIb2 pueden sonar gruesas y son difíciles de tocar con suavidad. Los
oboes llegan hasta SOL5 sin problemas, aunque algunos músicos se aventuran a tocar
unos semitonos más arriba. Estas notas llamadas supersobreaguda se encuentran entre
el SOL5 sobreagudo y el DO6 sobreagudo.
EL CLARINETE.
Es propio decir que existen varios tipos de clarinetes en función de la escala tonal que
interpreten. Al contrario que la mayoría de los instrumentos de viento, las notas más
graves del clarinete se pueden tocar cómodamente y a cualquier volumen. La nota más
baja de un clarinete afinado en SIb es RE2; y este sonido amaderado y potencialmente
penetrante sube un poco más de una octava, hasta alcanzar la altura de la zona de la
«garganta» (aproximadamente de FA3 a LAb3), donde el sonido tiende a ser más fino.
De LA3 en adelante el sonido brilla mucho. Los intérpretes profesionales pueden tocar
con precisión hasta la nota SIb6, pero FA5 es una nota aguda excelente. Si estás
componiendo para un intérprete de clarinete en SIb, la parte debe ser escrita un tono
por encima.
EL FAGOT.
El fagot es el bajo natural de las secciones de viento-madera, pero al igual que el chelo,
es también un instrumento valioso como solista. Dispone de un registro tonal enorme,
de SIb0 hasta al menos MIb4 (en la Consagración de la Primavera de Stravinsky), pero
el intérprete lo controlará mejor y más fácilmente si evitas la notas extremas tanto por
arriba como por abajo. El fagot puede utilizar la clave de FA para su registro más alto si
es necesario.
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OTROS MIEMBROS DE LA FAMILIA VIENTO-MADERA.
Hemos visto los miembros más comunes de la familia de los instrumentos de viento-
madera, pero también hay otros más exóticos. La flauta piccolo es la mitad de grande
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que una «normal» y suena una octava por encima. Su nota más grave se escribe como
RE3 (y suena como RE4). El corno inglés esinformación.
un oboe alto, afinado en FA, pero que sólo
mayor
baja hasta SI2 en la partitura (sonando MI2). Se puede utilizar para ampliar el registro
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tonal de la sección de oboe en los pasajes armónicos, aunque se utiliza frecuentemente

como solista por sus cualidades tristes o pastorales. El clarinete bajo suena una octava
por debajo del clarinete en SIb. Los modelos para estudiantes sólo bajan hasta MIb2 en
el pentagrama, sonando Reb1, mientras que los profesionales llegan hasta DO2 en el
pentagrama, sonando en SIb0. Para terminar, el contrafagot, que suena una octava
completa por debajo del fagot normal. En el pentagrama llega hasta SI0, y suena a SIb-
1.
COMO UTILIZAR LA SECCIÓN DE VIENTO-MADERA.
Los instrumentos de viento-madera pueden combinarse de muchas maneras

diferentes. Todos ellos pueden utilizarse para solos y melodías, pero también para
reforzar las cuerdas. Aquí va un experimento para comprobarlo: escribe una línea de
cuerda que se mantenga en FA3 y LA4, cópiala unas cuantas veces y dobla por turnos
cada repetición con flauta, oboe o clarinete en unísono con las cuerdas o fagot una
octava por debajo. Tenderás a escucharlos todo como una línea de cuerda, pero
coloreada sutilmente con los instrumentos de viento-madera. Un plano de
posicionamiento de los instrumentos de viento-madera. ¿Puedes representarlo con tu
mezclador? Una pista: los instrumentos de viento-madera siempre se sitúan más lejos
que las cuerdas, así que dales un poco más de reverb.
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Los instrumentos de viento-madera pueden reproducir texturas completas por sí

mismos; el fagot se ocupará de los bajos, pero cualquiera de los otros tres podría
tomar la línea principal.
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3- LA SECCIÓN DE LOS METALES
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Si los instrumentos de viento-maderaACEPTAR
añaden color, los de metal añaden peso.
Tradicionalmente los metales de la orquesta se dividen en «metales pesados»,
(trompetas, trombones y tuba) y las trompas, utilizadas casi siempre como parte
adjunta a la sección de viento-madera.
LA TROMPA.
La trompa abarca un rango bastante amplio, cuyos límites abarcan al menos de FA1 a
DO3 (en tono de concierto). A lo largo de la historia, algunos intérpretes se han
especializado en el registro agudo, llegando hasta FA4 e incluso más arriba, mientras
que otros pueden bajar hasta FA0 e incluso más. Cuando hay dos trompas en la
orquesta, la primera sería la del registro agudo y la segunda la del grave. Si hacen falta
más, normalmente se añadiría otro par. Además de tocarse de modo normal, abierto,
las trompas pueden tocarse con sordina, o incluso con la mano derecha en el pabellón.
Este modo de tocar se indica mediante el signo ‘+’ situado encima de cada nota con
sordina.
LA TROMPETA.
El rango básico para las trompetas en una orquesta es de SOL2 a FA4, reservando las
notas altas hasta aproximadamente SIb4 para partes de clímax o muy altas. Hay una
gran variedad de sordinas para trompeta, que van desde la típica sordina orquestal de
metal o fibra hasta todos los artilugios que se utilizan en el jazz (copas, tubos, etc.). Si
utilizas un sampler necesitarás un conjunto de samples diferente para cada sonido
«con sordina».
EL TROMBÓN.
Muchos compositores sin experiencia utilizan el trombón en un registro demasiado

grave. El trombón tenor estándar puede llegar hasta MI1, pero SIb1 es una indicación
mejor. Puede utilizarse regularmente hasta SOL3 o LA3, y en ocasiones especiales
pueden alcanzar hasta MIb4. Al escribir para un trombonista real no tienes que
transportar la parte (utiliza la clave de FA y no tengas miedo de añadir unas cuantas
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lineas adicionales por encima). Algunos tocarán el trombón bajo que utiliza una
combinación de varillas y válvulas para bajar por lo menos hasta FA0.
LA TUBA.
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mayor información.
entregue una parte en tono de concierto en clave de FA, cuya trasposición harán por sí
mismos. Un rango «seguro» iría de FA0 a por lo menos FA2, y los intérpretes de todos
los instrumentos podrán superarlo en mayor o menor medida.
COMO UTILIZAR LA SECCIÓN DE METALES.
Hay que distinguir entre trompas y «metales pesados» a la hora de escribir para una
sección de metal. En un pasaje grave, asegúrate de que las trompetas, trombones y
tuba cubren todas las notas esenciales, y añade después las trompas para completar el
sonido. A veces se doblan las trompas con dos intérpretes tocando cada nota, para
equilibrar las notas graves de los metales pesados. Las trompetas y trombones más
brillantes se complementan bien como una sección ampliada, de la misma forma que
la tuba y las trompas más suaves -aunque la tuba se coloca a menudo al final de la
sección de trombones.
4- CONSIDERACIONES FINALES.
Desde luego, no pretendo dar clases de composición orquestal y con toda probabilidad
mis conocimientos sean extremadamente básicos, pero sí dar algunos consejos sobre la
utilización de ciertos parámetros a tener en cuenta por la gente que se inicia con unos
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conocimientos muy básicos. En el caso de que trabajes con músicos te habrás ahorrado
un montón de trabajo.
Te explico:
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impregnando su sonido con su interpretación. Cuando se utilizan samplers vas a tener
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que imitar esa interpretación de forma que no parezca algo «encajado». Juega con la
articulación del instrumento, me explico: Imagina un violinista. Cuando está
interpretando, el arco es probable que esté en movimiento antes de tocar la cuerdas
creando un ataque inmediato en la primera nota. Si el músico cambia de dirección en
un instante posterior se obtendrá un efecto «golpe de lengua». Este efecto es muy
similar al que se percibe al tocar una guitarra con una púa. Si nuestro violinista toca
más notas manteniendo el arco en la misma dirección se obtiene el efecto «legato»
mucho más suave. Por otro lado, si quieres acortar las notas debes utilizar «staccato».
Recuerda que también es muy importante controlar los parámetros de volumen,

velocidad y envolvente para poder conseguir una buena imitación de una
interpretación real, algo que por otro lado va a ser muy difícil de conseguir. En la fase
de mezcla te puedo garantizar (si estás empezando en esto) que tendrás problemas con
las frecuencias graves. A todos nos gusta escuchar unos graves profundos pero en este
tipo de música debes tener un cuidado especial. En una orquesta hay una amplia
variedad de instrumentos y muchos trabajan en frecuencias graves, por lo tanto
pelearán por un lugar en la mezcla para poder ser escuchados. Cuidado con los fagots o
los cellos. Controla las frecuencias inferiores a 120 Hz. Ten presente que estás
mezclando música orquestal y eso implica partir de una base diferente del dance o del
rock (y cuidado con el rock sinfónico). Otro punto importante de la composición es el
que atañe a la cuantización. Bajo mi punto de vista personal considero que una
cuantización muy suave resulta interesante. Si aplicas una cuantización rígida parecerá
todo sospechosamente informatizado. Escucha el vals «El Danubio azul», por ejemplo.
Presta atención y te darás cuenta de que si se cuantizara perdería toda sensación de
ritmo. Sin embargo, por propia experiencia, una cuantización de un 60 ó 70% o incluso
manual hará que tu tema tenga sensación rítmica «humana». Piensa además, que no
es lo mismo tocar o escribir para un violín que hacerlo para una sección completa. Es
esa ligera imprecisión la que hace que la música orquestal suene perfecta.
Desde luego que estos consejos que aparecen en este artículo pretenden ir más
orientados a la mezcla de los instrumentos que a la composición de sus partituras. De
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todas formas, si decides hacer alguna composición para un entorno tipo «Reason» o
cualquier otro tipo de secuenciador, al margen de tu ingenio o inspiración, es muy
interesante que conozcas al menos el margen tonal de los instrumentos que vayas a
utilizar. Os pongo unos ejemplos: Robert Uso Miles (Roberto Milano) cuando abrió nuevos
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mueven entre sus márgenes tonales naturales. Aunque siempre se pueden probar
otros conceptos ¿verdad?
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ÍNDICE MANUALES
Introducción a los manuales de sonido
01. NOCIONES DE SONIDO
02. CARACTERISTICAS DEL SONIDO
03. PSICOACÚSTICA
04. CALIDAD DE AUDIO
05. EQUIPOS DOMÉSTICOS
06. MICROFONÍA
07. PROCESADORES
08 LA MESA DE MEZCLAS
09 ETAPAS DE POTENCIA
10 ALTAVOCES
11 LA ECUALIZACIÓN
12 LA DINÁMICA
13 LA REVERB
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14 LA PANORÁMICA
15 LA GRABACIÓN Y LA MEZCLA
15.1 LA BATERÍA
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15.2sitio
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EL CONTRABAJO
para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su
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15.3 LA SECCIÓN DE METALES
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15.4 LA SECCIÓN DE CUERDAS
15.5 PIANOS Y TECLADOS
GUITARRAS ELÉCTRICAS -Próximantemente
MÚSICA ORQUESTAL
16 BITRATES Y MP3
17 SÍNTESIS
18 LA SEÑAL SMPTE
19 NUEVOS DISCOS COMPACTOS
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considerarse las secciones de viento-madera y metal partes esenciales y de igual

MI6. Aunque también hemos encontrado diferentes notaciones: SOL 3, RE 4, LA 4 y MI

Es el instrumento de cuerda bajo-medio natural, afinado una octava por debajo de la

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Recuerda que también es muy importante controlar los parámetros de volumen,

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01. NOCIONES DE SONIDO

02. CARACTERISTICAS DEL SONIDO

04. CALIDAD DE AUDIO

05. EQUIPOS DOMÉSTICOS

15.4 LA SECCIÓN DE CUERDAS

15.5 PIANOS Y TECLADOS

GUITARRAS ELÉCTRICAS -Próximantemente

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