ENTREVISTA CON AMPARO

GONZÁLEZ SOLA
¿Puedes presentarte?

Nací en Mendoza, en el oeste de Argentina, en un pequeño pueblo

rodeado de viñedos, muy cerca de los Andes. Soy la mayor de 7
hermanas y 1 hermano.
Mi relación con la danza comenzó muy temprano, a la edad de 4
años. Sin embargo, cuando me vi obligado a decidir mi futuro, opté
por las Ciencias Políticas. Cuando casi terminaba mis estudios,
decidí dedicarme a las artes escénicas.
Con estos dos antecedentes, estoy naturalmente orientado a un
trabajo transdisciplinario, donde el arte, la ciencia y la política
pueden integrarse creativamente. Con el objetivo de generar nuevas
redes y poner mi propia práctica en tensión, participé en diferentes
festivales, seminarios y laboratorios como bailarina, maestra,
investigadora y coreógrafa.
Mi investigación en curso en danza / actuación gira en torno a la
"experiencia compleja del cuerpo" tomando el Paradigma de la
Complejidad como punto de partida.
Soy parte del proyecto KM29, Juan Onofri Barbato trabaja allí desde
2011. Somos socios en la enseñanza, la creación y también en
nuestro compromiso político.

¿Cuál es su opinión sobre la relevancia social del teatro?

Creo que el proceso creativo en sí mismo, independientemente de lo
que está creando, es la clave. El "cómo" es más importante que el
"qué". No importa si está actuando en grupo, enseñando en una
escuela o entrenando atletas; la relación que crea y desarrolla con los
demás, la forma en que intercambia con ellos, las cosas que
comparte, o no, son fundamentales. El teatro es por naturaleza un
proceso que genera múltiples relaciones.
Cuando creo, estoy transmitiendo y reproduciendo un punto de vista
específico de la vida. No solo a través de mi creación, la "pieza",
sino también a través del lugar que doy a la audiencia, los materiales
que produzco, el ambiente detrás del escenario y la forma en que
tomo decisiones: decisiones artísticas, políticas y prácticas; todo es
parte del proceso de creación.
No creo que Arts tenga que hablar expresamente sobre "política" u
"opciones sociales", pero creo que están profundamente arraigadas
en nuestro trabajo. No podemos ser ingenuos al respecto.

¿Qué te impulsa a ser creativo?

La creación emerge de un estado de incertidumbre. Una situación en
la que no tenemos completamente claro el "qué" y el "por qué" y
estamos inducidos a utilizar nuestras propias intuiciones,
sentimientos e instintos. Ante las incertidumbres, tenemos que
intentar, probar, decidir, crear en una dinámica muy compleja. Creo
que fallar es un ingrediente extraordinariamente importante en el
proceso creativo. Esta es la única forma de crear algo en particular,
no porque sea "diferente" de otras cosas, sino porque es
auténtico. Expresa nuestras intuiciones, sentimientos e instintos más
profundos al tratar con las incertidumbres.

¿Puedes contarnos cómo tú y tu colega Juan Onofri Barbato se

turnaron para dirigir y actuar en esta pieza?
La decisión de compartir ambos roles fue realmente muy
desafiante. Sin embargo, tuvimos la tentación de profundizar un
enfoque que estábamos explorando en otras áreas de nuestro trabajo,
como maestros o activistas, que es la "construcción colectiva" de
algo.
Estábamos muy interesados en comprender cómo se toman las
decisiones colectivamente en un proceso creativo. Las decisiones
colectivas no son la suma de las agendas individuales, sino un
proceso muy complejo y dinámico donde se están produciendo
contradicciones, consensos, antagonismos y acuerdos. Estábamos
particularmente interesados en explorar este espacio común donde
ocurren el diálogo y el conflicto. Un espacio que con frecuencia se
descuida por el simple hecho de ser intangible. Una relación en sí
misma siempre es muy difícil de comprender y trae muchas
paradojas. La relación entre objetos o socios no es propiedad de
ninguno de ellos, pero al mismo tiempo pertenece a todos
ellos. Como el papel de la "tensión" en el concepto de transegridad.
Con Juan, estamos interesados en participar en esta construcción
colectiva, donde reunimos nuestras voluntades, expectativas y
contradicciones en un proceso conjunto. Dirigir y realizar
necesariamente cambia la subjetividad del proceso creativo. Estar
dentro de la escena nos permite tener otra percepción de la pieza,
una percepción sensata. Dirigir desde el interior de la escena genera
un tipo diferente de compromisos. En cualquier caso, la experiencia
nos ayudó a comprender los límites borrosos entre el "dentro" y el
"fuera" de la escena, los límites borrosos entre la ficción y la
realidad.
Jugar ambos roles ha requerido salir de las zonas de confort. La
experiencia ha sido extremadamente gratificante.

¿Cómo te inspiró el concepto de 'tensegridad', que proviene del

mundo de la arquitectura y la escultura, para esta pieza?
En nuestro trabajo, el concepto de tensegridad funciona en diferentes
niveles. Al principio era una forma de entender la arquitectura y la
dinámica del cuerpo.
Tensegrity describe la relación entre componentes aislados en
compresión dentro de una red de tensión continua, que constituye y
equilibra una estructura. Si aplicamos este concepto para
comprender el cuerpo, podemos decir que nuestra estructura es el
resultado de las relaciones entre los componentes aislados (huesos) y
la red continua de tejidos blandos, en una situación de compresión y
tensión al mismo tiempo, entonces, podemos Digamos que cada
cuerpo es el resultado de sus propias relaciones. Por lo tanto,
podemos decir que la "relación" precede a la "forma". Este enfoque
es un elemento importante en nuestro trabajo.
La tensegridad nos ayuda a pensar en términos dinámicos, a
movernos de ideas estáticas y rígidas respecto de cómo somos, cómo
deberíamos ser, cómo deberíamos sentirnos a nosotros mismos.
Una vez que nos entendemos a través de este complejo conjunto de
"relaciones" podemos entender que si modificamos algunas de estas
relaciones, modificaremos nuestro ser y la forma en que nos
percibimos.
La idea de totalidad y conectividad en el cuerpo nos permite tener
otra experiencia de nuestros propios cuerpos, pero también otra
experiencia de las relaciones con los demás. Tensegrity revela una
comprensión más integral de nuestra llamada "identidad" y nuestra
relación con los demás. Sus implicaciones en el proceso creativo son
enormes.
Caravana es una pieza creada e inspirada en esta idea de
"conectividad". Todo forma parte de un sistema dinámico y
complejo, sistema que da lugar a la incertidumbre, las
contradicciones.

¿Cómo determina qué elementos teatrales utilizará para representar

un concepto arquitectónico dentro de un espacio teatral?
Un elemento crítico en el espacio teatral es, precisamente, la
"relación" entre "materiales". En nuestra perspectiva, la referencia
más importante a los materiales es cómo pueden estar en
relación. Colocamos los objetos en un espacio expandido donde las
tensiones los unen. Aportan significado a medida que contribuyen al
todo.    
Cada elemento, también nuestros cuerpos, participa en este sistema
arquitectónico. Todo está conectado y cada pequeño cambio en esta
relación puede cambiar inevitablemente toda la estructura. Una
especie de universo de Lavoisier donde "nada se pierde, todo se
transforma. Eso es tensegridad.