CLASE 1, Prof.

Guillermo Peláez:

En un audio que mando el profesor Guillermo Peláez hablo sobre una introducción a las
artes plásticas, primero comenzó con un concepto del arte como tal, dijo que el arte, aunque
tiene un concepto general, el arte tiene muchas interpretaciones, tiene muchos conceptos,
haciendo referencia a que cada persona, artista o estudiante de arte tiene su propia
interpretación del arte, dejando fuera los conceptos rebuscados, para mí el arte es la forma
en la que el ser humano logra expresar cosas de que hablar mediante actividades de
carácter imaginativas y recreativas, luego de esto nos habló sobre las artes plásticas, dijo
que arte plástico vendría siendo todo aquel proceso que consiste en darle forma, modelar,
moldear, etc., todo aquel material maleable, haciendo énfasis en la plasticidad que tienen
ciertos materiales haciéndolos moldeables para darle una determinada forma, esto debido
por la terminología usada en el nombre artes “plásticas”, ya que a primera estancia se
puede entender que hace referencia al material plástico comúnmente usado, y no es así. A
decir verdad existen gran cantidad de labores concernientes a las artes plásticas, entre ellas
se pueden apreciar, la pintura, la escultura, la orfebrería, la alfarería, etc., aunque estas son
de un tipo más tradicional, hoy en día existen una serie de labores que desde cierta
perspectiva pertenecen a las artes plásticas, debido a su estrecha relación con el manejo de
colores y dibujos, entre ellas se destacan la fotografía, medios mixtos, artes del diseño,
artes gráficas, diseño gráfico, etc., aunque también es válido resaltar las diferencias que
tienen con las artes plásticas más tradicionales, por ejemplo la diferencia entre las artes
plásticas y el diseño gráfico puede radicar en el modo de ver la obra y la función que esta va
a ejercer en su entorno, en otras palabras, haciendo referencia al objetivo que tiene la obra,
no significa desprestigio, sino más bien se aclaran en lo que se parecen y en lo que no.
Vamos a estudiar lo que es el concepto de arte según la diversidad artística de cada
continente en el mundo para así no saber una definición de arte tan asociado a los países
con mayor protagonismo artístico, por ejemplo Europa. Al igual que otras formas de arte, las
artes plásticas tienen sus propias de formas de expresar la idea, es decir, tienen sus propios
medios de expresión, a saber se encuentran la línea, que es elemento principal ya que es
con ella conque se logra crear contornos que den forma a una figura y delimitar espacios, el
valor, cuyo concepto hace referencia a los grados de luz y oscuridad en un color u objeto, el
color, que se refiere a ese elemento con el que se le da vida a todo dibujo que hagamos y
todo elemento existente en este mundo, y por ultimo esta la textura, que se refiere a las
características externas que tiene una obra, si es táctil o es visual; en definitiva estos son
las formas de expresión plástica que se utilizan en las artes plásticas para lograr comunicar
lo que se quiere expresar.

CLASE 2-TAREA 2: composición y análisis de la obra “la caridad” de Michelena, y lectura.

practica de lo que es el análisis plástico, en la composición de toda obra es primordial la

forma(objetos o elementos dentro de la obra incluyendo la luz) y significado(parte analítica
de la obra), la composición es la unión de formas organizadas de una determinada manera
funcional, “INKSCAPE”, analizar la proporción de toda obra plástica es primordial, el
equilibrio es una de ellas, ya que dependiendo de la cantidad de formas junto con sus
propiedades, que haya en sus cuatro lados(izquierdo, derecho, arriba y abajo) de la obra, es
que la obra tendrá ese equilibrio o desequilibrio, también llamado peso visual equilibrado y/o
desequilibrado, lo ideal es que la obra sea lo más equilibrada posible, pero de por si el
desequilibrio puede ser un factor usado a beneficio propio por el artista, todo dependiendo
del objetivo del artista, también el peso visual debe concentrarse en la parte inferior del
plano, debido a las leyes de gravedad, en toda obra siempre ahí líneas guía que ayudan a
percibir la dirección que tienen las formas y todas siempre terminan en un punto focal(un
punto nexo) ósea, un determinado punto de atención, al cual el espectador dirige toda su
atención antes de apreciar el resto de la obra, además que debe buscarse el equilibrio y no
la simetría, porque es la simetría la que genera la sensación de que algo está estático(sin
movimiento), esto debido a que cuando las formas de una obra son simétricos, la obra
carece de dinamismo, pareciera en armonía con la frontalidad del plano, ósea de frente al
plano, mientras que la asimetría es la que otorga esa sensación de movimiento, la forma y
el significado son elementos fundamentales en la composición, aunque de por si hay una
diferencia en ellos, la forma es aquel elemento integrado en la composición y la que ayuda a
describir con un poco más de exactitud el contenido de una obra, mientras que el significado
es algo que se analiza ejerciendo mayor vista en los aspectos analíticos, algo así como
describir una habitación(espacio, tamaño, texturas, colores, luz, etc.) sin mencionar los
objetos encontrados en ella, placer estetico,ejercicio mental: describir una habitación sin
mencionar los objetos(formas)que allí se encuentran.

Mi análisis es el siguiente, voy a comenzar primero con los elementos presentes en la obra,
en lo primero que me fije fue en los colores usados, notoriamente se usaron colores rústicos
con una intensidad muy baja, ósea eran colores muy oscuros, aunque se visualizan zonas
donde hay color con un poco más de brillo, se puede decir que son los colores oscuros los
que tienen mayor protagonismo, por la forma en la que están combinados se puede apreciar
esa atmósfera, no oscura y ni tampoco lúgubre, sino más bien semi sombría, otro elemento
a identificar es el tipo de iluminación, por la forma en la que está trabajada se nota que no
es mucha la cantidad de luz que hay, tampoco es que la escena representada se encuentra
completamente oscura, sino que hay una regular cantidad lumínica; pues en las artes
plásticas se sabe que el valor(la iluminación)es un factor que influye en la apreciación de
una obra, no solo los colores y las líneas son las que nos transmiten el sentimiento, la
iluminación es un elemento que nos ayuda a descifrar, digamos el tipo de ambiente que
rodea los colores de la obra; si nos adentramos en la situación, los sentimientos
perceptibles, son aquellos como melancolía, preocupación y pesadumbre o algo por el
estilo, esto debido a la escena que allí se visualiza, la cual, en mi opinión, se trata de la
representación de una persona en mal estado de salud, y la mujer que viene entrando
acompañada con lo que al parecer es su hija, vienen entrando para saber de su estado...en
conclusión, a decir verdad una obra artística no tiene que tener obligatoriamente un
significado como tal, debe tener un objetivo sí, pero en general una obra podría relatar una
historia, un momento, una sensación, etc., creo que es una obra que trata de captar esa
típica escena en la que una persona se encuentra en una mala situación, mientras otros
vienen para ofrecerle su ayuda en lo que necesite, si tomamos en cuenta la parte un poco
más llamativa del nombre de la obra “la caridad Michelena”, “caridad”, agregando que la
caridad es el acto de tratar de ayudar al prójimo sin esperar nada a cambio, se puede decir
que la obra es una representación de un acto de caridad, bien sea comunal o familiar.

OPINIONES ACERCA DEL LIBRO: la idea PRIMORDIAL, es desmaterializar las formas,

como si fuesen elementos flotantes, como si estuvieran en el espacio, algo bastante
relacionado a la psicodelia…
El punto: según Kandinsky, el punto es un ente abstracto y geométrico, materialmente
puede asemejarse a un cero, está integrado en todas las gráficas habidas y por haber, solo
puede percibirse al verse de cerca toda línea, al mismo tiempo integra dos componentes,
estos son el de interrupción y el de nexo, debido a que en la conversación, escritura etc., el
punto es símbolo de silencio, mientras que en el segundo puede ser usado para unir un
contenido con otro, tal cual es su significado intrínseco en la escritura, es un elemento
neutro adimensional, estático y sin características figurativas algunas e ilimitado, el punto es
el elemento de origen de todo lo grafico por ser la parte más mínima y escueta(sencilla) de
todos, el punto, en la escritura, es un elemento que conecta la conversación y el silencio, es
una pausa, esto metafóricamente haciendo referencia al momento de escribir cualquier cosa
en una hoja sin presencia alguna del sonido del exterior, es lo que se puede deducir como
un elemento relativamente silencioso, sacando al punto de su monótono letargo literario y
usándose para otras cosas en el ámbito artístico, se consigue que el punto pase a ser un
ser viviente con una vida independiente, surgen dos casos en el que el primero: el punto es
llevado a su utilización práctica cotidiana, la escritura; mientras que en el segundo, el punto
sale de su estado monótono para tener su propio mundo individualista e independiente, en
ambos casos se puede apreciar una respectiva interpretación del punto, el punto como
elemento para la expresión podría decirse que tiene su propio sonido, esto debido a las
tensiones que se le imprimen para alterar su forma y tamaño, al mismo tiempo las
variaciones de tamaño y formas del punto son parte de su naturaleza, el punto puede ser
puntiagudo, cuadrado, triangular, etc., “LAS FORMAULAS”, el punto tiene varios tipos,
aunque es el mismo como tal, el punto puede diferenciarse dependiendo del mundo en
donde este, estos son el punto geométrico, el que se encuentra en todas las gráficas y
líneas, el punto gramatical, que es aquel utilizado en la escritura, y el punto material, es
aquel hecho naturalmente con innumerables formas y tamaños, todo relativo con respecto a
la percepción de quien lo observa, los tamaños y límites del punto son relativos, el punto y
la línea son muy importantes en la pintura ya que estos son usados para darle forma a los
colores puestos en el plano, aunque no obligatoriamente tienen que usarse, no una forma
figurativa como tal sino más bien geométrica o arbitrarias, la música también entra en su
mundo, ya que él puede tener su propia interpretación de las notas musicales según las
propiedades y tendencias del punto, “los contornos exteriores no son las que materializan el
contenido de una obra, sino las tensiones vivas son las que trasmiten la artisticidad que se
busca sin importar la forma, si las tensiones muriesen moriría la obra en general y no habría
sabor a disfrutar”, existen elementos llamados tensiones, estas tensiones son un tipo de
fuerza que deforma los elementos pictóricos, es decir, son las aplicaciones de cierta
magnitud de fuerza a las formas haciendo que estas se editen y/o distorsionen su forma sin
abandonar su forma original(relativamente), las tensiones marcan un movimiento hacia
donde fue aplicada la fuerza, es decir, que si una forma recibe una tensión proveniente de la
derecha que la distorsiona, este forma se moverá a la derecha, igual que en el espacio, otra
fuerza emanada de el mismo es el desplazamiento, que es aquella que permite que el punto
desde su lugar estático se mueva a otro sitio cercano o lejano, permitiendo ver desde cierta
perspectiva la línea, “la composición es la subordinación interiormente funcional, de los
elementos aislados y de la construcción, a la finalidad pictórica completa”, “la punta es igual
al punto”, “la facilidad no se puede alcanzar sin esfuerzo”, en la arte figurativo el sonido de
cada forma se ve frustrada por la precisión, la exactitud y la regularidad, por el contrario del
arte abstracto se logra obtener un sonido pleno y descubierto excluyendo la figuración como
tal, y dejando que el protagonismo lo tenga las formas junto con sus propiedades y los
colores también, sin figuración alguna.
La línea: según Kandinsky, la línea es un ente abstracto y geométrico al igual que el punto,
es un producto del punto ya que es la traza que deja el punto al ser movido de un lado a
otro, dando un salto de lo estático a lo dinámico, el punto al ser sometido a fuerzas
provenientes del exterior, naciendo así las líneas, la diversidad de esta depende del número
de estas fuerzas y sus combinaciones, existen solo 3 tipos de rectas, de las que derivan
otras variantes, la primera seria la recta, que se puede explicar cómo la forma más simple
de la infinita posibilidad de movimiento, tiene tres formas: la horizontal: es la base
protectora, de característica fría, explicada como la forma más limpia de la infinita y fría
posibilidad de movimiento, de tal modo a esta línea se le atribuye el color negro(o
tendencias oscuras) por su absoluto e interior frio; la vertical: es el perfecto opuesto de la
horizontal de característica cálida, explicada como la forma más limpia de la infinita y cálida
posibilidad de movimiento, a esta línea se le atribuye el color blanco(o tendencias claras)
por su cercanía a la calidez, estas líneas son entes vivos y sin repetición, ósea son únicas
en el plano siempre y cuando se encuentren en una posición central en el plano, estas
líneas desarrollan su tensión en el plano sin tendencia alguna de separarse de él, y la última
que es la diagonal: separa en ángulos iguales a las anteriores, su característica es
intermediaria, ósea representa el punto medio entre el calor y el frío, se explica como la
forma más limpia del movimiento infinito y templado, por ende se le atribuye el color rojo; los
tipos de rectas restantes determinan desviaciones mayores o menores de las diagonales,
de tal modo que las diferentes tendencias del calor al frío o viceversa determinan su
tonalidad y sonidos interiores y también determinan las variaciones del color rojo, al mismo
tiempo, este tipo de rectas, rectas libres, carecen de equilibrio y se dividen en dos tipos,
acéntricas, que carecen de un punto centro en común y tienen esa sensación de flote, como
si no estuviesen fusionadas con el plano, y las centrales que si tienen un punto nexo en
común; la línea quebrada o angular, esta recta constituye una especie de puente, esta recta
consta de dos partes engendradas por dos fuerzas cuya oposición se concentra en un solo
choque, cuya organización se puede dividir en tres grupos esquemáticos: ángulo
agudo(45°)a este ángulo se le atribuye la temperatura cálida, esto debido a que representa
la parte cálida en su modo de ver la temperatura, a mayor agudeza del ángulo, mayor será
su aproximación al calor, y a menor agudeza del ángulo, mayor será su aproximación al frio,
de este ángulo también nace la figura geométrica del triángulo equilátero, esto debido a que
entre el ángulo recto y agudo, nace un ángulo intermedio, un ángulo de 60°, al unir dos de
tal ángulo por sus aberturas, nace un triángulo perfectamente igualitario, asique a este
Angulo y figura geométrica se le atribuye el color amarillo, por su gran cercanía a la calidez,
ángulo recto(90°): a este Angulo se le atribuye la temperatura intermediaria entre calor y
frio, esto debido a que este Angulo representa la parte central entre el calor y el frio en su
modo de ver los grados de temperatura, a mayor agudeza del ángulo, mayor será su
aproximación al calor, y a menor agudeza del ángulo, mayor será su aproximación al frio, y
también porque al juntar cuatro ángulos rectos, a través de sus vértices, estos forman una
cruz, cruz asociada a la horizontal y vertical que regulan las temperaturas entre calor y frio;
del mismo modo, de este Angulo nace la figura geométrica del cuadrado, ya que al juntarse
estos pero por medio de sus aberturas, estos dan vida a un cuadrado perfectamente
igualitario, asique a este Angulo y figura geométrica se le atribuyen el color rojo, debido a su
rol de elemento intermediario, y ángulo obtuso(135°)a este ángulo se le atribuye la
temperatura fría en su modo de ver la temperatura, de este ángulo nace también la figura
geométrica del círculo, esto debido a que al juntarse dos de tal ángulo mediante sus vértices
dan vida a un perfecto circulo, así que a este ángulo y figura geométrica se le atribuyen el
color azul por su gran cercanía a la frialdad, los restantes tipos de ángulos se considerados
ángulos obtusos y agudos atípicos saliendo de las típicas según su graduación angular,
existe un cuarto no esquemático, ángulo libre, en el cual la quebrada se deberá denominar
quebrada libre, Kandinsky tenía una forma propia de ver los grados de temperatura, su
forma era una horizontal sobre la cual interactuaban los grados de calidez y frialdad, la parte
cálida se afirmaba en la parte izquierda de la recta, y la parte fría se afirmaba en la parte
derecha de la recta, de modo que en el centro se afirmaba la parte intermediaria de esas
dos temperaturas, y se basaba en esto: a mayor agudeza del ángulo mayor será la cercanía
a la calidez, a menor agudeza del ángulo mayor cercanía al frío, los cuerpos geométricos
tienen su color original los cuales son el amarillo, azul y rojo, pero eso no los priva de que
sus colores puedan variar en la composición, el otro tipo de línea es la línea curva, esta
línea se trata de una recta que ha sido desviada de su camino a través de una presión
lateral constante, cuanto mayor es la presión, más cerrada es la curvatura de la recta, y
mayor el desplazamiento hacia afuera y finalmente la cualidad de cerrarse a si misma, esto
se trata de la curva simple, en el caso de la curva complicada u ondulada puede consistir en
arcos de círculos geométricos, de segmentos libres o de diferentes combinaciones de
ambos, esta curva tiene dos maneas de hacerse: curva geométricamente ondulada: radios
de igual tamaño, alternancia uniforme de la presión positiva y negativa, curso horizontal con
tensiones y relajamientos alternantes, y también la curva libremente ondulada:
desplazamiento de la anterior con la misma extensión horizontal, desaparece el aspecto
geométrico, la presión positiva y la negativa se alternan irregularmente; la primera
predomina sobre la segunda, se acrecientan los desplazamientos lucha temperamental
entre las dos rectas, la presión positiva empuja hacia una altura elevada, la culminación
tiende a variar hacia la izquierda, con acentuación de la altura mediante el engrosamiento
de la línea “énfasis”, curva geométricamente ondulada opuesta a la primera: ascensión pura
con tímidas desviaciones hacia la derecha e izquierda, el súbito debilitamiento de las ondas
conduce a una mayor tensión vertical, radios de abajo hacia arriba, el énfasis es un
progresivo o espontáneo aumento o disminución en el grosor de la línea, y por ultimo existe
otro tipo de línea que es producto de la combinación de los dos primeros tipos, por lo que
debe recibir el nombre de la línea combinada, las variantes se establecen según la
naturaleza de los segmentos que la forman: combinada geométrica, cuando las partes que
la componen son exclusivamente geométricas, combinada mixta, cuando a los segmentos
geométricos se agregan otros libres, y combinada libre, cuando los segmentos son
exclusivamente libres, al ser asociados con la música, la altura tonal de cada instrumento
corresponde al ancho de la línea, líneas muy delgadas corresponden al sonido del violín,
flauta o el piccolo, líneas un poco más gruesas corresponden al sonido de la viola o el
clarinete, y líneas más gruesas se asocian al sonido del contrabajo o la tuba.

El plano básico: según Kandinsky, el plano es la superficie material destinada a recibir el

contenido de la obra, este plano está delimitado por dos líneas horizontales y dos verticales,
el sonido del plano básico está determinado por dos sonidos doble con un carácter de
reposo, la forma más objetiva del plano básico es el cuadrado, ambos pares de líneas-
limite, poseen un sonido igualmente fuerte, frío y calor están relativamente neutralizados, la
posición general de este plano está compuesta por dos horizontales, una superior y otra
inferior, y dos verticales, una izquierda y otra derecha, la parte superior evoca la imagen de
una mayor soltura, una sensación de ligereza, de liberación y finalmente la libertad
individual misma, la parte inferior produce efectos totalmente contrarios, pesadez,
condensación y ligazón, cuanto más nos acercamos al límite inferior del plano básico, mas
espesa se vuelve la atmósfera, más cercanos se sitúan los pequeños planos mínimos, la
libertad de movimiento se siente más limitada y la retención alcanza su grado máximo, el
sonido de estas dos horizontales está determinado por el reposo frío, osea representa la
zona fría en el plano...“el concepto de peso no corresponde al peso material, sino al interior,
o en nuestro caso, la tensión interior...la parte derecha e izquierda están relacionadas con el
ascenso en nuestra imaginación, cuyo sonido está determinado por el reposo cálido, de esa
forma a ambos reposos fríos se le agregan dos elementos cálidos, sin embargo estos lados
no contienen las mismas características del ser humano, la parte lateral izquierda del plano
básico despierta la idea de una mayor soltura, la sensación de ligereza, liberación y
finalmente libertad, en su interior se repiten las propiedades de la zona superior, aunque
hay mayores elementos de densidad, y en cuanto a ligereza y peso, la zona izquierda se ve
superada por la zona superior e inferior, y la libertad se ve más restringida que arriba, la
zona izquierda puede copiar las propiedades de la zona de arriba según el grado de a
proximidad a esas líneas, del mismo modo que la izquierda está estrechamente ligada con
la zona de arriba, la parte derecha también es una extensión de la zona de abajo,
continuación del mismo debilitamiento, la condensación, pesadez y ligazón disminuyen pero
las tensiones chocan con una oposición mayor que en la izquierda, los movimientos hacia la
derecha es un retorno hacia la casa, este movimiento se une a un cierto cansancio y su
finalidad es el reposo, en el plano básico existen ciertas tensiones que influyen en la
superposición de formas(elementos) y direcciones en el plano, una forma podría colocarse
en un sitio pero dependiendo de ese sitio, la forma podría dar esa sensación de flote, o de
confinamiento, de libertad o de opresión, o podría dar la sensación de viajar de un sitio a
otros y viceversa, es decir las tensiones que influyen en las líneas componentes del plano,
influyen en el posicionamiento y direccionamiento de las formas, al dividirse el plano en
cuatro partes iguales, las tensiones que viajan sobre el son desde su vértices(horizontales y
verticales) a sus puntos nexos(puntos de intersección), e incluso dentro de el a través de
diagonales que unen los puntos de intersección que se originan del punto central del
plano(punto constituido por una horizontal y una vertical), en cuanto a las tensiones, en el
cuadro de la parte superior izquierda del plano se ejerce una combinación de máxima
soltura, esto según los principios y propiedades de las lineas horizontales y verticales que
constituyen el plano básico, en el cuadro de la parte superior derecha se ejerce una
resistencia moderada hacia arriba, en el cuadro de la parte inferior izquierda se ejerce una
resistencia moderada pero hacia abajo, y en la parte inferior derecha se ejerce la máxima
resistencia, esto para explicar una distribución de pesos en el plano básico, internamente
también una cierta distribución de peso que se verifica en base a las tensiones diagonales
internas del plano básico, estas viajan de un punto de origen al otro creando una forma de
distribución entre los cuadros componentes del plano pero de manera diagonal, en la cual
se puede apreciar la diagonal armónica(que va de la parte superior derecha a la parte
inferior izquierda, debido a que en ambas secciones se encuentra la misma cantidad de
resistencia) y la diagonal enarmónica(que va de la parte superior izquierda a la parte inferior
derecha, debido a que en ambas secciones no hay la misma cantidad de resistencia), estas
cuatro posibilidades producen entonces 8 posibilidades distintas de posiciones situadas
sobre el plano o escondidas en lo profundo, posiciones básicas sobre las cuales nuevas
direcciones principales de formas pueden ser superpuestas permaneciendo en el centro o
alejándose en distintas direcciones...las otras formas cuadriláteras del plano son resultado
del aumento o de la mayor pesadez del par horizontal o del par vertical, en el primer caso
tendría la primacía el reposo frío, ósea tendría superioridad el reposo frío, y en el segundo
tendría superioridad el cálido, que por supuesto determina de entrada el sonido básico del
plano básico, también los tamaños del plano material influyen en los movimiento de las
figuras, es decir, en el formato ancho los bordes superior e inferior son más largos que los
costados, y así surgen mayores posibilidades de libertad para los elementos situados en el
plano básico, lo que sin embargo queda amortiguado por la brevedad de las longitudes
laterales, en el formato alto sucede lo contrario, en estos casos los bordes son mucho más
dependientes unos de otros que el plano cuadrado, la tendencia interior hacia arriba se ve
complementada por una presión exterior que se ejerce sobre ambos costados, debido a la
presión ejercida por el artista en ambos costados del plano material para influir en la
tendencia interior ascendente del plano, existen otras formas angulares de trabajar el plano
pero estas no son tan objetivas ya que son muy inusuales en la creación pictórica.

Facturas, las facturas son el tipo de relación que tienen los elementos entre sí, entre ellos, y
con el plano básico, es decir, hace referencia al tipo de conjunción y sus propiedades que
pueden tener los elementos entre ellos cuando estos forman un complejo en común dentro
del plano básico.

CLASE-3-TAREA-3: describir un objeto con riqueza artística sin mencionar su nombre.

Analizar es descomponer o fragmentar las formas que componen algo, aunque también
implica destruirla; aprender a percibir al máximo toda la riqueza estética que ofrece una
determinada forma e implica saber observar y escribir sobre eso para internalizarlo mejor,
tener la habilidad de describir con términos exactos los objetos.

Sinestesia: capacidad que tiene o que puede tener una persona de percibir las vibras
internas de ciertos elementos visuales, sonoros y táctiles principalmente, por lo que los
sentidos se interrelacionan entre sí. Por ejemplo: escuchar un color o ver un sonido.

Sonido en las artes plásticas: es la vibración interna que tiene cada elemento pictórico, al
igual que un do suena diferente acompañado de un la o un fa, los mismo sucede con los
colores, un rojo acompañado de un amarillo no se ve igual a como se ve acompañado de un
negro, debido a que las vibraciones internas que producen al ser combinados son distintas,
ósea las vibras de las combinaciones son distintas, trasmiten ideas abstractas en particular
que se conectan con el espíritu percibiendo así sensaciones muy distintas, sensaciones que
van más allá de las que se perciben naturalmente a primera estancia, distintas a las que se
producen por la percepción de ideas concretas, por ende el sonido vendría siendo las
vibraciones internas que produce cada elemento pictórico individual o en grupo, en la
música los cuerpos emiten un sonido al ser sometidos al movimiento, pero en las artes
plásticas, el sonido de las formas siempre están vibrando, por lo que respecta a la
sinestesia es mediante ella que podemos percibir y analizar esas vibras que yacen en los
elementos pictóricos.

El objeto a describir es un instrumento usado para el campo musical, en general los

instrumentos musicales se reducen a dos tipos, los instrumentos afinados, aquellos que
producen notas identificables, y los no afinados, aquellos que no producen notas
identificables, el instrumento entra en la categoría de los no afinados por lo tanto constituye
la función rítmica en la música, tiene una estatura de poco menos de un metro aunque
puede variar su tamaño y forma, está hecho mayormente de materiales naturales y está
estructurado por tres elementos; el cuerpo o caja de resonancia, en este elemento es donde
se visualiza casi toda la imagen del instrumento e integra las zonas donde se sostiene, su
forma es similar a la de una copa aunque eso no lo priva de su variación, este elemento
principalmente está hecho con madera y en la parte superior tiene una abertura profunda
que da visión al fondo, cuya profundidad se debe a la resonancia, de tal modo en la parte
superior se afirma el segundo elemento llamado parche, este elemento tiene una forma
plana y redondeada, por la manera en la que está situado tiene esa similitud con la tapa de
un recipiente, está hecho de piel o material plástico, y se construye de acuerdo al tamaño
de la abertura en la parte superior del cuerpo para que este encaje perfectamente, en el
cual se ejerce la acción de percutir las manos creando así patrones musicales de carácter
rítmico, y por último este instrumento contiene un tercer elemento usado para su afinación,
es decir, contiene un elemento usado para configurar su sonido y mantener el parche
ajustado, puede visualizarse en forma de mallas alrededor del cuerpo haciendo presión
sobre el parche, y también en forma de montaje de acero superpuesta y ajustada en el
cuerpo.

CLASE-4: introducción a las vanguardias artísticas e introducción a pintura y fotografía. En

cierto modo, las imágenes están hechas para producirnos una determinada impresión sin
tener la necesidad de “interpretación”, cuando en realidad en nuestra formación artística hay
que aprender a mirarlas para saber interpretarlas, aprender a leerlas, a través de la
semiología, que hace referencia al significado y el significante de una imagen, los formas y
sus propiedades y las ideas que transmiten esas formas. La música es un arte abstracto. La
creatividad siempre está presente en lo que hacemos de una forma u otra.

CLASE-5: introducción a artes gráficas y de diseño. Tener una visión holística es útil para la
formación artística y la formación como persona.

CLASE-6: introducción a las demás menciones. No pensar demasiado en cómo vamos a

producir, sino imaginar que es lo queremos hacer para producir. Investigar sobre la
porcelana china.

TAREA ALIMENTICIA INDEPENDIENTE SOBRE EL ARTE PLASTICO: las artes plásticas

son aquellas artes que utilizan materiales capaces de ser modificados o moldeados por el
artista mediante distintas técnicas para crear una obra, son aquellas manifestaciones del ser
humano que reflejan con recursos plásticos algún producto de su imaginación o su visión de
la realidad, estas artes entran en la categoría de artes visuales, pero como tal se acuño este
término para diferenciarlas de otros tipos de artes visuales como la música, la danza, la
literatura o el teatro. Incluido dentro de las bellas artes, el termino artes plásticas aparece a
principios del siglo XIX para referirse a la pintura, la escultura, el dibujo, el grabado, la
arquitectura, la cerámica, la orfebrería, la artesanía y la pintura mural.

Es muy usual que los artistas plásticos, sobre todo en la exploración temprana de su
talento, se avoquen a diversas disciplinas plásticas al mismo tiempo, ya que las artes
plásticas parten de principios y aspectos comunes entre sí, como lo pueden ser la forma, la
textura, el color o el movimiento.

Las artes plásticas se clasifican ordinariamente como:

•Pintura: la más clásica de todas, junto con la escultura, esta disciplina sustancias
cromáticas obtenidas mediante diversos mecanismos para aplicar color sobre una superficie
lisa y blanca, conocida como lienzo, para crear con dichos colores una representación
realista o abstracta de la realidad.

•Escultura: esta disciplina emplea las manos del artista, así como diversas herramientas
para moldear, cortar o pulir para dar una determinada forma a elementos duraderos, como
las piedras de diversa naturaleza, o a materiales moldeables que luego endurecen como el
yeso.

•Orfebrería: se trata de la elaboración de piezas artísticas mediante la manipulación y

fundición de los metales, en particular metales preciosos como el oro o la plata.

•Dibujo: la técnica consiste en representar las perspectivas de lo visible a simple vista o de

lo imaginario mediante trazos en un papel que se efectúan con lápiz, carboncillo, tinta o
algún otro material que deje marcas.

•Grabado: de manera semejante al dibujo, el grabado imprime gestos, letras u otros

símbolos sobre una superficie, pero en este caso una dura y resistente como metales
laminados.

•Cerámica: semejante a la escultura, imprime forma y eventualmente color a una masa de

un elemento moldeable o maleable, para luego extraerle naturalmente o en un horno el
componente de agua, y al secar endurecerlo y hacerlo rígido y brillante.

•Artesanía: se llama a la técnica de producción de objetos o envases simples de uso

cotidiano, mediante materiales flexibles y herramientas simples, a menudo la mano del
artista.

El Campo Visual:

Es esa área o espacio donde realizamos la percepción visual, es decir, donde detallamos un
conjunto de elementos enmarcados dentro de un límite, al llevar a cabo esta acción
podemos percibir tres direcciones, el ancho: el espacio que podemos abarcar con la vista de
derecha a izquierda, el alto: el espacio que domina la vista de arriba hacia abajo, y la
profundidad: la distancia máxima que logra alcanzar la vista al proyectarla hacia el frente.

Campo visual horizontal: nuestro campo visual horizontal abarca unos 180°, es decir, una
línea que va de hombro a hombro, pero no todo lo vemos nítido en ese margen, el espacio
en el que la percepción es bastante buena abarca tan solo la mitad, es decir unos 60°.

Campo visual vertical: el problema es casi el mismo en el campo visual vertical, este es de
unos 140° pero, solo vemos con claridad dentro de los 60° centrales, la trayectoria que
recorre nuestra mirada desde los ojos hasta el objeto, se llama línea de visión central y el
lugar de desde el cual vemos todo se llama punto de vista.
Indicios de la profundidad: para ello el artista se vale de elementos que permitan darle a la
obra bidimensional sensación de profundidad, a estos recursos los llamaremos indicios de
profundidad.

-las líneas paralelas parecen converger: este efecto consiste en que dos líneas que jamás
van a unirse (paralelas), parezcan hacerlo cuando las vemos alejarse de nosotros, lo
podemos percibir cuando viajamos por una carretera y los extremos de esta parecen
juntarse en la distancia.

-la superposición de objetos: este recurso permite crear sensación de profundidad cuando
un objeto, sin importar su tamaño, color, etc., tapa parcialmente a otro, dando la impresión
de que el que tapa está más próximo a nosotros y el objeto cubierto es el más distante.

-punto de fuga: es otro de los medios para lograr ilusión de profundidad y además el mas
usado, pero para comprenderlo mejor tenemos que familiarizarnos con una línea imaginaria
que se llama línea de horizonte, la línea de horizonte se encuentra siempre a la altura de
nuestros ojos y cambia de ubicación dependiendo de cada uno de nosotros, luego sobre
ella podemos ubicar de cualquier lado el punto de fuga, este representa la distancia máxima
que puede alcanzar nuestra vista, y es el elemento donde convergerán o se fugaran todas
las líneas del plano.

-La luminosidad: es otro aspecto importante en la eficacia de este efecto visual

(profundidad), la iluminación permite reconocer objetos más cercanos en tanto que están
más iluminados que los que se encuentran a distancia, así en la lejanía la luminosidad se
debilita.

-El escorzo: es quizás una de las técnicas más difíciles de aplicar en este intento de buscar
la profundidad en el plano, ya que requiere de conocimientos anatómicos y de proporción
bastante elaborados, el escorzo es una deformidad en la apariencia propia de los cuerpos,
incluso la ausencia de parte de estos, es como una especie de deformidad en las formas
trabajadas de tal forma que parecieran que estuviesen deformes, pero en realidad ese es el
efecto que provocan.

-La nitidez: este sigue siendo un elemento muy valioso en el fin que perseguimos, la
profundidad, este mecanismo consiste en hacer que los elementos que se encuentran a
mayor distancia pierdan la nitidez en sus contornos, como en efecto nos ocurre cuando
lanzamos nuestra vista a una distancia muy grande.

-El color: el color también nos ayuda, pues con los fenómenos atmosféricos los colores
parecen más grises y neutros cuanta más profundidad haya, no se ve de un mismo tono el
mar cuando está cerca del sol, que cuando lejos.

-La textura: con el problema de la luz y de los colores, hay otro elemento que nos permite
darle al plano sensación de lejanía y es la textura, detallamos siempre mejor una textura al
verla de cerca que en la distancia.
Principios que Rigen la Composición:

-Equilibrio visual: es la compensación de los pesos en torno a un eje central, es decir,

consiste en conseguir que el cuadro no se vea más denso o que no tenga figuras de mayor
tamaño que otras en un lado del mismo, este tipo de igualdad se llama simetría, pues se
trata de conseguir que el cuadro se vea bien proporcionado y equilibrado en cuanto a
tamaños de formas y cantidades de formas. Muchas veces el artista compensa estos pesos
con el efecto de los colores, los colores claros pesan menos que los oscuros, y los cálidos
más que los fríos.

Sin embargo esta disposición de los pesos de los elementos, aun cuando logra un equilibrio
perfecto, hace de la composición algo rígido y muchas veces monótono, este tipo de
equilibrio desigual, un tanto osado, que coloca el tema central de la obra a un lado de esta y
no en el centro, fue uno de los muchos aportes del renacimiento a la composición plástica.

Otro detalle a saber dentro del campo de la simetría es la composición modular, que
consiste en la repetición de formas (módulos) para conformar toda una composición, estas
composiciones no tienen que ser siempre simétricas, aunque por lo general estas
composiciones suelen ser simétricas.

-Esquemas compositivos: estos esquemas agrupan las formas dentro de determinadas

estructuras geométricas, dándole a la obra la sensación de armonía, estabilidad, seguridad,
etc., que nuestra vista está acostumbrada a percibir. Cabe resaltar que estos esquemas no
se ven dentro de la obra, son formas imaginarias, entre las más frecuentes estas el
cuadrado, el rectángulo, el triángulo, la circunferencia, el ovalo y la elipse, aunque también
hay esquemas compositivos que están inspirados en letras de nuestro alfabeto, e incluso
números.

-La proporción: es la relación que deben tener las partes de un objeto con el objeto en sí,
para que se vea y funcione armoniosamente, una parte pequeña tiene la misma relación
con la más grande, que la grande con el total.

Otras Técnicas Artísticas:

El Ritmo:

El ritmo es un movimiento aparente que surge en la obra de arte, la obra en sí no se mueve,

es estática, sin embargo, nuestro ojo parece bailar siguiendo ese ritmo que nos ha impuesto
el artista. Por ejemplo el tablero de ajedrez con sus módulos cuadrados lleva a cabo una
especie de movimiento, de ritmo; a los espacios que quedan entre un elemento y otro y que
también se repiten, se llaman pausas o intervalos, estas pausas cumplen un papel
importante permitiendo que la obra tenga el ritmo que tiene.

La Subordinación:

Este factor se logra por la ubicación privilegiada del objeto principal para destacar dentro de
la obra, generalmente en el plano pictórico la zona central y la superior son más llamativas
que las demás para el ojo del espectador, aunque con eso se puede jugar.
También con el color podemos lograr efectos de subordinación, es decir que si en una
composición predomina una variedad del mismo color o sus análogos, y otro elemento
posee otro color complementario, este último llamara poderosamente la atención
subordinando a los demás.

Lo mismo ocurre en el caso de los valores, cuando hay una variedad entre luces y sombras
en un objeto, sin importar su ubicación o color, está más iluminado que los demás, el
llamara la atención del espectador antes que otro, no ocurrirá lo mismo en el caso contrario,
cuando uno de los elementos se encuentre en la penumbra y los demás estén muy bien
iluminados, porque el ojo capta lo que mejor puede ver y detallar. Si en la composición
algunas formas se repiten con frecuencia o son muy espaciadas, al agregar a esta una
forma diferente, esta llamara muchísimo la atención y aun cuando las otras sean más,
quedaran subordinadas a esta.

El cambio de texturas, aunque es menos frecuente, influye considerablemente en la

subordinación del resto de los elementos que posean una textura común o menos llamativa.

La Tensión:

Esta fuerza o tensión que surge entre las formas provoca muchas veces sensación de
movimiento donde realmente no existe. Es lo que respecta a la percepción visual de esta
tensión, tenemos que tener en cuenta las maneras como se manifiesta en el espacio
bidimensional y tridimensional, por ejemplo uno de los principios más importantes es que
todas las formas poseen algún grado de atracción, sin embargo, las de mayor tamaño
poseen una fuerza superior a las otras más pequeñas. También podemos observar que si 2
formas están muy distantes, una de la otra, el ojo no las puede captar como unidad porque
la fuerza de atracción se va perdiendo, cada forma posee una especie de carga magnética,
es decir, que parece un imán que llama a otras formas, ahora si se pone un imán cerca de
unos alfileres sin duda se pegaran, pero que sucede si el imán se pone a unos 30 cm de los
alfileres, lo mismo ocurre con las formas cuando dista mucho una de la otra.

Por supuesto este es el caso menos frecuente dentro de las composiciones artísticas,
“porque componer significar unificar en cierto modo”, sin embargo el efecto de profundidad
también crea esa distancia entre los elementos y es allí donde observamos esta carencia de
fuerza o magnetismo entre las formas, y cuando las formas están muy próximas, la tensión
es tan intensa que percibimos las formas como una sola, como una unidad.