Arte Rococó

Antes de hablar sobre el arte rococó, tendremos que hablar sobre la etapa Rococó y lo
que es o cómo surgió. Es por ello, por lo que el período de Rococó se denomina como un
movimiento artístico que fue originario de Francia que está comprendido entre 1730 y 1760. A
la hora de diferenciar entre el Rococó y el Barroco tenemos que destacar que el primero
está al servicio de la burguesía y la aristocracia, a contrario el Barroco estaba al servicio y
a favor del poder absolutista. Sin embargo, no solo esta es la principal diferencia si no que
a partir del comienzo del arte Rococó el artista pudo realizar sus obras con más libertad y
se expandió el marcado de arte, además el Rococó es un arte al servicio de fiesta, lujo y
comodidad es por eso por lo que las representaciones de las obras son del estilo de vida
cotidiano.

Si nos referimos a la diferencia que existe entre el cambio del Barroco al Rococó con
respecto a lo social, el arte Rococó se comienza a reflejar en el cambio que da el papel de
la mujer ya que se convierte en la principal organizadora de reuniones para hablar sobre
juegos, literatura, política o para bailar. Además el arte Rococó intenta reproducir los
sentimientos que había en la vida aristocrática y las preocupaciones que tenían, además
de figuras religiosas o batallas heroicas.

En resumen podemos decir la etapa Rococó comienza en el siglo XVIII en Francia, además

se consideró la culminación de la época Barroca. Por lo tanto, tiene grandes diferencias
con el Barroco, es decir, el Rococó se diferencia en la elegancia de las obras, la opulencia y
los colores vivos que son una clara contrariedad de la oscuridad y el pesimismo que se
caracterizaba al Barroco.

El fin del arte Rococó se inicia en torno al 1760, cuando personajes como Voltaire y
Jacques-Francois Blondel extienden la crítica sobre la superficialidad y la degeneración
del arte. Blondel, en particular, se lamentó de la «increíble mezcla de conchas, dragones,
cañas, palmas y plantas» del arte contemporáneoy en el 1780  el Rococó deja de estar de
moda en Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo neoclásico.

Origen del  Arte Rococó

El concepto de Rococó tiene un origen francés, “rocaille (piedra)” y “coquille (concha)”,

ambos elementos de cual procede la palabra rococó son importancias para la
ornamentación de los interiores. Es por ello por lo que en el periodo del Rococó destacaba
la decoración que era completamente asimétrica y libre, además tenía preferencia por formas
irregulares y onduladas y un gran gusto por los materiales naturales como por ejemplo las
piedras marinas, las formas vegetales o las conchas.

Arte rococó y la arquitectura

Una de las características del estilo rococó en la arquitectura será la marcada diferencia entre
exteriores e interiores, siendo el interior  un lugar de fantasía y colorido, mientras la fachada se
caracterizará por la sencillez y la simplicidad. Se abandonan los órdenes clásicos, y las fachadas de
los edificios se distinguirán por ser lisas, con edificios de forma circular, con  un pabellón central
rodeado de un jardín o un parque natural. Otras edificaciones podían tomar la forma de pabellones
encadenados, en contra del típico edificio «bloque». Las estancias se hacen  especializadas para
cada función y con una distribución muy cómoda, combinando ornamentación, colores y
mobiliario.

Arte rococó y la pintura

La pintura llegó  a su máximo esplendor en la década de 1730. Llamada Pintura Galante y no

pintura rococó ya que este término engloba el contexto estético en que se encontraba. Los artistas
usaron colores claros y delicados y formas curvilíneas, con temas como los querubines y mitos de
amor y  paisajes con fiestas galantes y pastorales, comidas sobre la hierba de personajes
aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. También tenían temas de  personajes mitológicos
que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura, siendo el retrato
un tema elegido por los pintores del arte rococó, representando personajes elegantes y amables.

Características del Arte Rococó

En general, el arte Rococó está definido como un arte cortesano, antiformalista e individual,
que se caracterizaba por los colores suaves, claros y muy luminosos.

Todas sus obras se caracterizaban por estar inspiradas en los cuerpos desnudos, el arte
oriental, la naturaleza y la mitología además también se pueden observar
representaciones de temas amorosos y galantes.
El arte Rococó es mundano, es decir, no tiene ninguna influencia religiosa ya que esta
modalidad de arte representa temas de las relaciones entre humanos y de la vida
cotidiana,
Intenta encontrar un estilo que sea exótico, sensual, refinado y agradable.

En la pintura hay grandes obras con representaciones de fiestas campestres y galantes,

con aventuras cortesanas y amorosas y sobre todo con historias pastoriles.

Todas las representaciones poseen una composición alegre, fresca y sensual.

El Arte Rococó  convierte en un foco de inspiración a la mujer, la cual representa de
manera sensual y muy bella.
Artistas destacados de esta clase de arte
Watteau, Jean-Antoine: nacido en el 1684, pintor francés considerado uno de los principales
artistas del periodo rococó y precursor del impresionismo del siglo XIX. En el 1702 fue a
París donde vivió como pintor de sus trabajos de copias y amanerados
cuadros devocionales que le compraba un marchante; en el  1708 comienza a trabajar
con el artista decorativo Claude Audran y  tuvo la oportunidad de estudiar el ciclo de
cuadros barrocos de Petrus Paulus Rubens sobre La vida de Maria de Medici; en 1709
ganó el segundo premio del codiciado concurso Prix de Rome, recibiendo  después
importantes encargos y  en 1717 fue es elegido miembro de la Academia Francesa en
París. Sus lienzo reflejan la influencia de los grandes pintores flamencos, con un estilo que
puso de manifiesto una sensibilidad en el tratamiento de la luz y el color, una sensualidad,
una delicadeza y un lirismo hasta entonces desconocidos. Su estilo fue imitado por otros
pintores rococós y en sus temas destacan las reuniones de galantes al aire libre, siendo
su obra  maestra, Embarque para la isla de Citerea creada en el 1717.  Otro tema muy
utilizado fueron las representaciones de payasos, arlequines y los cómicos italianos.
Fragonard, Jean-Honoré: nacido en el 1732, es un pintor francés del periodo rococó, uno
de los artistas favoritos de la corte de Luis XV y Luis XVI gracias a sus escenas amorosas
de delicados colores, situadas a menudo en jardines. Fue  discípulo durante tres años del
pintor francés Carle Van Loo, más tarde estudió y pintó durante seis años en Italia, donde
recibió la influencia del maestro veneciano Giovanni Battista Tiepolo. En un
principio desarrolló un estilo con temas  religiosos e históricos, pero en el  1765 siguió el
estilo rococó, estilo  de moda en Francia. Sus obras de esta época  reflejan la alegría,
frivolidad y voluptuosidad del periodo, obras  con fluidez de líneas, destacando las
vaporosas flores en medio de un suave follaje y las figuras con poses llenas de gracia y
elegancia de damas con sus amantes o de campesinas con sus hijos.
Francois de Cuvilliés: arquitecto francés-alemán,  quien desplegó todo su talento en el
rococó bávaro. Un gran ejemplo de su arte es el Pabellón de Casa ubicado en el Palacio de
Nymphenburg, una residencia de verano que se posa al oeste de Munich en Alemania.
Jean Antoine Watteau: pintor francés en sus obras expresaba un arte que reflejaba
diseños de erotismo líricos. Entre sus obras más destacadas encontramos a
“Embarkation for Cythera” del año 1717, cuadro que se ubica en el Museo del Louvre y
“Pierrot Alegre” el cual se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Jean-Baptiste Simeón Chardin: nació en el 1699, se centró en la pintura  flamenca y
holandesa del siglo XVII, inspirando su gusto por la poesía de los pequeños episodios
cotidianos, eligiendo tonalidades apagadas y sus temas elegidos eran los afectos de las
familias burguesas, obras importantes fueron sus “Naturalezas muertas” creadas en 1728.
El Arte Rococó se puede observar sobre todo en la arquitectura, la pintura y la escultura.
Hay diversos artistas que han sido destacados en este periodo, aunque los principales
fueron: François Boucher, Jean Honoré Fragonard y Giambattista Tiepolo, estos artistas
destacaron sobre todo en la pintura he hicieron pinturas asombrosas como  “Diana después
del baño”, “Los felices azares del Columpio”, entre otros. Si hablamos de los artistas más
famosos de la arquitectura podríamos hablar de Joseph Emanuel Fischer von Erlach,
François de Cuvilliés y Johann Balthasar Neuman, entre otros. Por último, en la categoría
de escultura podemos observar diversos escultores entre todos ellos podemos destacar a
Giovanni Battista Bernero, Jacques Roettiers, Jean- Antoine Houdon y Innocenzo Spinazzi.
Evidentemente en todas las categorías hay diversos artistas destacados, pero los
principales serían los comentados anteriormente.
¿Qué es el arte neoclásico?

El Neoclasicismo fue un movimiento estético y artístico, de los primeros movimientos

revolucionarios que sacudieron a toda Europa a partir de mediados del siglo XVIII y hasta
el siguiente siglo. Surgió con el pensamiento de oponerse a la estética ornamental y
recargadísima del movimiento Barroco, al que sucedió.

Fue el final de los movimientos y representaciones artísticas de manera universales, decir,

este estilo de arte afecto a todo el mundo y a todos los estilos de arte. Se podría decir que
el arte neoclásico es un movimiento social, moral, filosófico e intelectual que está unido y
enlazado a ideales ilustrados. Esta clase de arte se podía observar en todo el mundo pero
este estilo de arte se asentó en Francia, principalmente en Paris, reemplazando a Roma
como la nueva capital artística.
Se caracterizaba por fundarse con la cultura clásica y es por esto por lo que todos los
artistas del neoclasicismo intentaban inspirarse con la arquitectura antigua. Además el
objetivo de este tipo de arte era representar los sentimientos y el movimiento, un arte
absolutamente pensado y racional, con reglas y muy sencillo y que se propone imitar al
arte griego, romano y renacentista.
El arte Neoclasicismo supone coherencia con las nuevas ideas, absolutamente contrarias al
arte medieval y todo aquello que estuviese en relación con el Antiguo Régimen.
En lo que llamamos arte Neoclasicismo hay que distinguir dos corrientes: Una primera que
responde a pura reacción estética contra el barroco, intentando buscar la desnudez en lo
que el barroco encubría y ocultaba, aunque sigue atado a la exaltación del poder, como el
barroco.La otra corriente responde a los postulados ilustrados: funcionalidad,
racionalidad, claridad… símbolo de una nueva sociedad que está en ciernes.
Características del arte neoclásico
 Los modelos en este estilo de arte son claramente grecorromanos: frontones, columnas,
cúpulas, prefiriendo el estilo dórico griego para realzar la severidad, la solidez y la
horizontalidad.
 Se utiliza el estatismo, que es utilizar un ritmo muy pausado frente al movimiento de las
curvas y contracurvas.
 Es un arte comprometido con la problemática de su tiempo. Los arquitectos buscan lo
funcional contando con el desarrollo social
 Los escultores se definen con el retrato, porque es un modo de analizar y aclarar la
relación entre la naturalidad y la sociabilidad de la persona, entre el sentimiento y el deber.
 Se acompaña la transformación de las estructuras sociales con la transformación de las
costumbres.
 Los artistas usan una nueva técnica, la de proyectar, la realización es la traducción del
proyecto mediante instrumentos operativos.
 El arte neoclásico cumple una tarea de educación cívica, en lugar de antigua función que
era la religiosa. El artista ya no aspira al privilegio del genio, sino al rigor de lo teórico; los
proyectos son realizables.
 Esta época indicó el momento en que lo se separó la tecnología de la producción
artesanal.
 El arte neoclásico se sirve: del principio de la correspondencia de la forma con la función
estética que en arquitectura; del estudio de la resistencia de los materiales en las artes
figurativas y de la base de todo dibujo.
 Se reduce a lo esencial, no da lugar a crear interpretaciones.
 A la función narrativa se le añadió una intención moralizante.
 Los temas utilizados son los dioses mitológicos que se alzan imponentes por encima de
los mortales. Los héroes aparecen victoriosos.
 Los personajes históricos son pacientes, sobrios y abnegados. Son ejemplos morales de
conducta.
 El paisaje se pone de moda: parajes con restos arqueológicos reales, en especial se quiere
recrear las vistas de ciudades con recreaciones costumbristas.
Pintura neoclásica
Entre la pintura neoclásica podemos destacar a un gran artista llamado Jacques-Louis
David, tanto este artista como otros pintores intentaban imitar imágenes de la revolución y
realzaron los mitos romanos. La luminosidad estructural y el dominio del dibujoson las
principales características de la pintura neoclásica
Artistas del arte Neoclásico
Giovanni Battista Piranesi: es un artista italiano nacido en el 1720, arquitecto y grabador.
Fue un grabador importante en esta época por realizar el registro de todos los
descubrimientos arqueológicos romanos de la época. Sus reproducciones e
interpretaciones de los antiguos monumentos romanos recién descubiertos fueron fuente
de inspiración para los demás artistas neoclásicos. Sus obras más importantes fueron, las
Prisiones , en ellas “transformó las ruinas romanas en fantásticos y desmesurados
calabozos dominados por enormes y oscuros pasadizos, empinadas escaleras a
increíbles alturas y extrañas galerías que no conducen a ninguna parte y
los Grabados sobre la arquitectura romana.
Anton Raphael Mengs: artista Checo que nació en el 1728, fue pintor fue pintor de la
nobleza, realizo muchos retratos de reyes y sus familias. Sus ideas sobre los modelos
clásicos influyeron en los demás artistas neoclásicos. Su técnica toma modelo de la obra
del artista renacentista Rafael. Sus obras más importantes son, El Parnaso en el techo de
la Villa Albani en Roma,  La Adoración de los pastores que se encuentra en el Museo del
Prado, el Retrato de Carlos IV de Españay el Retrato del Papa Clemente XIII.
Jacques-Louis David: artista Francés nacido en el 1748, fue pintor y un activo participante
en la Revolución Francesa y amigo de Maximilien de Robespierre; durante esta época se
le consideró el líder de las artes bajo la República Francesa. Encarcelado tras la caída de
Robespierre del poder, más tarde se alineó en las filas de Napoleón Bonaparte, llegando
a ser uno el pintor principal de éste. Sus obras más importantes son, El juramento de los
Horacios, La Muerte de Sócrates, La muerte de Marat,  Napoleón cruzando los Alpes,  La
coronación de Napoleón.
Jean Auguste Dominique Ingres: pintor Francés, muchos lo consideran un artista
neoclásico, sin embargo para otros muchos conocedores del arte es un defensor del
dibujo más bien realista y romántico, pero lo que si fue un pintor de gran influencia e
importancia en su época. Se dedicó a la docencia creando así escuela e influyendo
grandemente en otros autores de la época. Sus obras más importantes fueron, Napoleón
en el trono imperial, La gran odalisca , Madame Moitessier, La condesa de Haussonville y
La fuente.

¿Qué es el arte romántico?

Probablemente el arte romántico sea una etapa de la historia del arte un tanto dificultosa
ya que tuvo muchas influencias de otros estilos de arte y aunque se intentaba diferenciar
del neoclasicismo pocas veces se hizo correctamente ya que, como hemos dicho
anteriormente, resultaba un tanto difícil comprarlo.

La definición de arte románticoprobablemente es una de las definiciones más cortas de

todos los tipos de arte. Este tipo de arte se originó en Francia, durante la época del
segundo Imperio, cuando unas nuevas tendencias y técnicas artísticas fueron
apareciendo y se utilizaron para crear una contrariedad con el arte neoclásico. Es decir, el
arte romántico fue un movimiento artístico que nació para crear una contrariedad con
el arte clásico y por ello, este estilo de arte intentaba educar y emocionar al telespectador.

Características del arte Romántico

 El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo.

 El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden
abrir horizontes mucho más amplios.
 Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra,
lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer
estético que la belleza.
 Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar
el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir amundos
oscuros, penumbras o sueños.
 Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a lo
que el hombre es incapaz de llegar. Esto genera un sentimiento de inferioridad y
una angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza.
  Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales,
las raíces profundas de los pueblos natales. Se buscan los orígenes remotos de lo
primigenio.
 Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo
aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.
 Hay un vivencia profunda de la religión.
 Se impone el gusto por lo exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije
profundamente en mundos orientales.

Historia de esta clase de arte

El concepto romántico se utiliza para describir a una clase de arte que apareció a principios
del siglo XIX y que tenían unas características determinadas que eran la conexión con la
naturaleza, unas emociones y sentimientos abiertos, individualismo y dramatismo. Sin
embargo, este estilo de arte se comparaba con el clasicismo, el clasicismo se basaba
principalmente en técnicas utilizadas en el arte antiguo clásico principalmente en su
arquitectura y su escultura. Es por esta razón que la diferencia entre romanticismo y
clasicismo no es clara completamente ya que los artistas que se consideraban
“románticos” a su vez se inspiraban y cogían técnicas de obras de arte clásicas.

Por otro lado, es resulta complicado definir el momento preciso en el que el

“neoclasicismo” acaba y comienza el periodo “romanticismo”. Es por esta razón por lo que
durante años se ha optado por dividir la etapa “neoclásica” en varios movimientos
artísticos dependiendo de la temática. Estas  etapas son:

 Neoclásico horrendo
 Neoclásico erótico
 Neoclásico arqueológico

Pintura romántica

Lo que caracteriza a la pintura romántica de los demás estilos de pintura era su afán de
intentar mostrar el paisaje. Según los artistas románticos su afán de intentar reflejar el
fondo es atribuía al intento de reflejar correctamente lo “ilimitable” y al infinito. Este intento
de reflejar el infinito no solo se vio reflejado en la pintura sino que también se reflejó en la
poesía. El paisajismo del estilo romántico es una evolución del paisaje que utilizaba el arte
clasicista. Sin embargo, se diferencia por:

 Mostrar de forma fácil la inmensidad y la monotonía de la naturaleza y sus elementos

 Una nueva postura de los humanos frente al mundo natural.

Representantes del arte Romántico en Europa

Gros: se le ha considerado como el artista que representa el tránsito del Neoclasicismo al

Romanticismo. Los primeros románticos se formaron en el taller de David, siendo Gros un
discípulo suyo. Este artista el Romanticismo del color que después tanto desarrollaría  el
artista Delacroix. A Gros desarrolló las pautas de Rubens, artista que interesó mucho al
maestro David, llevándole  al movimiento y al color. Esta tendencia repercutirá
indiscutiblemente en Géricault y a Delacroix.  Cuando Gros era estudiante, Josefina
Bonaparte le presentó a Napoleón en 1797 para el Premio de Roma. Napoleón lo integró
en su corte y lo convirtió en testigo directo de las batallas y vida militar. Gros vivió un
espectáculo estremecedor que transladó a su pintura.

Sus obras más representativas son:

Napoleón en el puente de Arcole, 1798-1800; Napoleón y los apestados de Jaffa, 1804;

Napoleón y los apestados de Jaffa, 1804;  La batalla de Eylau, 1807-1808; La batalla de
Eylau, 1807-1808, óleo sobre lienzo; El teniente Charles Legrand de 1810; entre otros.

Ingres: nace en Montauban, es hijo de artesano empresario, lo que explica sus tempranas

tendencias artísticas. Se formó en la conservadora Toulousse, le permite una formación más
antigua y severa, pero no por ello dejando de ser extraordinaria. En 1797 ingresa en el
taller de David, el que enseguida se da cuenta de sus excepcionales cualidades. A lo
largo de la Historia del Arte, Ingres ha sido una figura mal comprendida y encuadrada. Es
un artista poco estudiado por la dificultad que su obra plantea, difícil de clasificar dentro
de un estilo.

Sus obras más representativas son: Napoleón imperator, 1806;  La bañista de Valpiçon,

1808; Tetis implorando a Júpiter de 1811; La gran odalisca, 1814; entre otras.

Géricault: encarna el Romanticismo temperamental, se dice de él que es el prototipo de

hombre romántico. Lo podemos encuadrar en el marco de Gros por el dinamismo de una
línea que recuerda a Rubens, por el color y los temas épicos. Desde el principio dio
muestras de rebeldíay no respetaba las reglas. Tuvo una gran  pasión por lo excesivo, y la
pincelada empastada, lo que revelaba un marcado temperamento.

Sus obras más importantes son: Húsar a caballo, c.1814; La Balsa de la Medusa, 1818; El
derby de Epson, c.1821; El cleptómano, c.1822 y el Retrato de mujer loca, c.1822, entre
otras.

Delacroix: es una de las figuras más importantes  del Romanticismo francés. Se le

considera un Romanticismo del color, un incesante  observador del mundo que le rodea,
con un gran amor al ímpetu y al movimiento y al orientalismo, llega intuitivamente a una
práctica del color que se adelanta al Impresionismo.

Sus obras que más le representan son: La Barca de Dante del 1822; La Matanza de
Quíos de 1824; Combate entre Glaur y Hassan de 1826 y por último La muerte de
Sandanápalo de 1827-1828.

Francisco José de Goya y Lucientes: es el artista español que mejor ha reflejado la época
en la que vivió, y sin duda la máxima figura del arte en su tiempo. Sus numerosas
pinturas, dibujos y grabados han sido el referente y la influencia básica de todos los
artistas de los siglos XIX y XX.  Su sólida técnica en las pinturas, su fina sátira en los temas,
y su creencia en representar la vida cotidiana y no “la tradición” le ha clasificado como el
primero de los “modernistas”. Fué elegido primer pintor de cámara y director de pintura de
la Academia de San Fernando en 1780, y más tarde en 1786 fue nombrado pintor del
Rey, y pintor de corte en 1789. La serie “Los desastres de la guerra” (1810-14) nos hace
ver los horrores que la invasión Napoleónica produjo en el pueblo, más allá de las
grandes hechos o batallas historicos que eran los motivos tardicionales de los cuadros.
Sus obras más destacadas son: Los desastres de la guerra de 1810-1814, es esta obra
nos hace ver los horrores que la invasión Napoleónica produjo en el pueblo; El 3 de Mayo
de 1808; El 2 de Mayo de 1808; La Maja Desnuda de 1799-1800; La Maja Vestida, entre
muchas más no menos importantes.

¿Qué es el arte realista?

El realismo es una forma de expresión en que se retienen las impresiones básicas de la
realidad, además de relatar e interpretar la realidad que se esconde debajo de la
apariencia de las cosas. Al arte realista se le considera aquel estilo de arte que intenta
representar y exponer temas que estén conformes con las reglas empíricas y seculares, es
decir, este estilo de arte representan obras en las cuales sus contenidos pueden
explicarse por causas naturales y que no haya ningún tipo de participación divina o sobre
natural. Es por esta razón por la cual al arte realista se le considera una realidad muy
objetiva tanto del artista como de la persona que observe dicha obra y por lo tanto carece de
cualquier conclusión idealista o cualquier forma de embellecimiento.

El realismo surge después de la revolución francesa de 1848 y se extiende aproximadamente

hasta 1870. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los
temas políticos y se concentre en temas sociales.Cronológicamente este movimiento
sigue al Romanticismo.

Características del arte realista

 Fue un movimiento histórico que aspira a ofrecer una representación verdadera y objetivo

del mundo sensible.
 Se opone a todo lo artificioso e indeterminado y traduce la realidad como única verdad del
hombre y del mundo, sin falsas representaciones.
 Los temas preferidos son los retratos, en su actitud natural, sin poses estudiadas, la gente
en su trabajo, al aire libre.
 Los artistas se basan fundamentalmente en la observación y plasman no sólo lo bello, sino
también lo feo y revulsivo.
 Se describe las cosas con precisión y objetividad, los artistas representan las cosas tal como
son, tal como se ven y tal como se conocen.
 Es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos
o alegóricos, dejando  a un lado los temas sobrenaturales, mágicos y se centraron en temas
mas corrientes.
 Son fieles al detalle, característica que  lo diferencia de la glorificación idealizadora
romántica.
 Su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los caracteres, situaciones y
acciones lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o fotográfico.
 La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la
realidad.
 El Realismo abre nuevos y diversos caminos de expresión, que terminarán desembocando
en otros movimientos, como el Naturalismo, que no es otra cosa que un Realismo
exagerado o llevado a su último extremo.
Tipos de realismo
Realismo Pictórico: Fue una corriente artística que se desarrollo a mediados del Siglo XIX
y que alcanzo su máximo esplendor en Francia. Se caracteriza por que los artistas
dejaron a un lado los temas sobrenaturales y se centraron en temas mas corrientes como
la vida cotidiana.
Realismo Socialista: Fue una corriente estética cuyo propósito fue llevar los ideales del
comunismo al terreno del arte. Generado en la Unión Soviética en la década del 1930
hasta 1991. Su objetivo es exaltar al trabajador común como algo admirable.

El arte realista en la edad contemporánea

Este tipo de arte denominado como un arte completamente realista se relacionó en

Francia en el siglo XIX como la oposición de las emociones excesivas que representaba
el romanticismo y con ello se reflejó en las obras realistas una búsqueda incansable de la
verdadera precisión. Los temas más destacados de este tipo de arte en la edad
contemporánea no eran los tipos temas como el medievalismo, exotismo u orientalismo,
sino que se representaban temas que hablaran de los conflictos que había en esa época, de la
vida cotidiana de las personas y sobre todo de las clases sociales que en esos momentos había.

Gracias a los avances científicos y tecnológicos se pudieron introducir en este estilo de arte la
fotografía como una nueva disciplina, además también surgieron en el siglo XX otras
disciplinas realistas como son el hiperrealismo o el pop art.

Pintores realistas y sus obras

En pintura destacaron:

 Gustave Courbet: nació en el 1819, en Ornans, sus  pinturas suscitaron enormes

polémicas por su selección de temas vulgares como Un entierro en Ornans (1849), donde
aparece de una forma clara la manera de ver la realidad, creando un cuadro desolador y por
sus ideas pragmáticas sobre el arte. es un cuadro desolador. Una de sus obras más
significativas, que denotan el modo de ser del autor, es El Taller (1855).
 Camille Corot: nació en el 1796,Perteneciente a una familia de comerciantes, en su
juventud se inició en el oficio de pañero. Fue uno de los más grandes pintores del paisaje,
siendo una influencia muy importante para los impresionistas. Además del paisaje, practicó
también la figura humana, por lo que parte de su obra privada se centró en realizar retratos
de amigos y familiares y escenas de género. Una de sus obras destacada fue Le Petit
Berger.
 Jean-François Millet: nació en el 1841-1875, fue hijo de campesinos pobres, fue uno de
los máximos representantes de la Escuela de Barbizón. Se distinguió como paisajista, pero
en sus paisajes no olvida nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y
redimidos por el trabajo. Es el mejor intérprete de la vida campesina y del hambre y la
miseria que éste trae consigo.   Representó la situación en la que vivía  tal y como era,
plasmó la realidad. Sus obras más características son Los Gavilladores, El Ángelus, Los
canteros, La costurera, La colada y Las espigadoras.El Ángelus, La muerte del
leñador.
 Honoré Daumier: nacido en en 1808, sus obras muestras un estilo crítico y satírico. Se fija
en la sociedad y en determinados grupos sociales, poniéndose al lado de los desfavorecidos.
Algunos de sus temas evocan el mundo de la marginación como Los presos y Los
mendigos. Algunas de sus obras más destacadas son  El vagón de tercera
clase, que reivindica la dura vida de las clases populares en las grandes ciudades y El baño
de las muchachas, donde los personajes son mujeres que se bañan en el Sena, en plena
ciudad.
 Jules Breton: nace en el 1827, hijo de campesino, quedó huerfáno de madre con solo
cuatro años, siendo criado por su padre y por su abuela materna que inculcaron en él amor
 por su tierra, haciendo de este amor la parte más importante de toda su vida, y que se vio
reflejado en su pintura, ofreciéndonos en sus lienzos una visión idílica del entorno en que se
crió. Obras destacadas tenemos Miseria y Desesperación en 1848 y Hambre en 1849,
pero estos dos cuadros fueron destruidos. También destaca El regreso de los segadores, y
en 1854, tras volver  a su pueblo natal  pintó Las espigadoras.
¿Qué es el arte impresionista?
Es un movimiento artístico pictórico, que se originó principalmente para la pintura que se
realizaba en este movimiento, ósea  está vinculado a la pintura, donde los pintores
retrataban objetos según la impresión que  la luz producía a la vista, sin observar la
realidad objetiva, representaban lo natural y lo real, aunque también  se expresó en la
escultura, en la  literatura y en la música.

El arte impresionista es una corriente que se ha manifestado también en la escultura, en

la  literatura y en la música, pero  será en la Pintura, donde mayormente se expresó y por
caso se convirtió en su vertiente más reconocida, asimismo alimpresionismo pictórico se lo
considera el precursor del movimiento en cuestión.

El arte impresionista es una corriente artística originada en Francia a finales del siglo XIX, y
luego se expandió a otros países europeos, la cual promovía la reproducción de las
impresiones que en el autor despiertan la naturaleza o cualquier otro estímulo externo.
Estaba en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas
Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón
parisino.

Sin embargo, “impresionista” como adjetivo esta utilizado para poner etiquetas a diversas
modalidades del representación del arte como por ejemplo podría ser la literatura ( con los
hermanos Goncourt), la música ( con Debussy), entre otros tipos de representación. Una
característica muy peculiar de este tipo de arte son sus rasgos definidos que hacen que sea
muy dificultoso en extensión en otras artes plásticas como por ejemplo puede ser la escultura
o la arquitectura. Es por eso por lo que esta clase de arte suele verse en la pintura y en
algunas ocasiones en la fotografía y el cine.
Los artistas que seguían el arte impresionismoeran individualistas, tenían diferencias entre
sus obras, pero se daban apoyo entre ellos, uniéndoles el común sentimiento de rebeldía
frente a lo tradicional y clasicista, hasta llevar al realismo a su máxima expresión, donde
plasmaban la realidad en sus obras como la percibían, con una luz especial que caía
doble los objetos, como una pincelada ligera y colorida. Es un arte íntimo arraigado en el
sentimiento de la originalidad individual, que se inicia con las vivencias personales y con
las experiencias en soledad.

Origen del arte impresionista

Durante algún tiempo al arte impresionista, como arte, se le denominaba como

eclecticismo. Este concepto daba referencia a una etapa de rupturas estilísticas que poco
después formaron una personalidad única al arte moderno. Este estilo de arte se originó
como tal en el siglo XIX, además solían representar paisajes y andaban en la búsqueda de
un nuevo lenguaje que se basara en el extremo naturalismo. Sin embargo, en 1873 se inició
una modificación muy drástica en el Impresionismo en donde se puede ver claramente el
paso del periodo preparatorio al periodo del florecimiento. Con el objetivo final de atraer a
otros artistas se creó una sociedad anónima de grabadores, escultores y pintores. El arte
impresionista se expandió por Europa en diversos países, esta extensión se dio por la
rapidez y facilidad con las que se podía representar las obras.

Características del arte impresionista

 Eliminan el color negro y la perspectiva.

 Muestran una preponderancia de los colores primarios, utilizados sin mezcla.
 Los tonos oscuros, no son muy usados.
 Postularon los principios del contraste cromático, que suponen que cada color es relativo a
los colores que le rodean.
 Pintaban sin intención de ocultar las pinceladas fragmentadas, demostrando que bajo ciertas
condiciones, la perspectiva permitía que distintas partes inconexas dieran lugar a un todo
unitario.
 Las escenas al aire libre se constituyeron en su tema predilecto.
 Las formas aparecen desdibujadas, pues la luz tiende a desdibujar los contornos.
 Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos, consiguiendo
una representación del mundo espontánea y directa.
 Veían colores que conforman cosas, y esto es lo que plasmaban, formas compuestas por
colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz.
 Eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello
los colores primarios como el azul, rojo y amarillo y los complementarios como el
naranja, verde y violeta.
 Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo
pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.

Técnicas usadas en el arte impresionista

En el arte impresionista mas técnicas más utilizadas pueden clasificarse en forma, colores

puros y pincelada gestáltica. De estos tres métodos podemos destacar:

 de arte intentan encontrar una condición de iluminación pintoresca, dejando a su genio que
actué e intente iluminar el interior de una obra con luz artificial, con luz filtrada natural o
con luz del exterior que revela reflejos del agua. Además, la característica principal de la
pintura es que pasa a representar cosas que les parece a los artistas intrínsecas por lo que las
formas se mezclan, se separan o se diluyen, todo ello dependiendo de la iluminación que
utilice.
 Colores puros: con la llegada del siglo XIX y el desarrollo de la ciencia y de las técnicas
crearon nuevos pigmentos de colores que ayudarían a los artistas a dar nuevos tonos a sus
cuadros. De manera general, se utilizaba el óleo ya que intentaban conseguir una saturación
de color y una pureza con productos antinaturales. Como consecuencia de utilizar colores
saturados o naturales dio origen a los contrastes cromáticos y los colores
complementarios. Por lo tanto, las sombras en vez de ser representadas con un color muy
oscuro pasó a ser representadas con tonos desaturados o fríos que daban la impresión de
 profundidad. Al contrario el fondo fue representado por colores cálidos y saturados. Por lo
tanto, en esta modalidad de arte podemos apreciar una riqueza muy grande del color la cual
permitió ajustar el volumen con matices luminosos con lo que se desarrolló toques de luces
en lugares donde iban las sombras y sombras donde en lugares iluminados.
 Pinceladas gestálticas: este método apareció tiempo después y básicamente trataba de
utilizar unas pinceladas con colores naturales sin embargo, estas pinceladas no cumplían
con el color local o la forma por lo que se consiguió una única unidad.
Pintores destacados del impresionismo
En el arte impresionista podemos observar diversos pintores famosos, además de muchas
pintoras famosas también. Entre todos ellos podemos destacar a Paul Cézannequien se
consideraba impresionista hasta que años después dejó el impresionismo para dedicarse
al cubismo.  Además podemos destacar otros como por ejemplo Camille Pissarro, Henri
Rouart y Alfrend Sisley,  que fue exclusivamente un pintor paisajista, Pisarro, quien lleve
hasta las últimas consecuencias el estudio de la luz y el color llegando al post-
impresionismo y al puntillismo.
Si hablamos de las pintoras más destacadas del arte impresionista debemos destacar
a Marianne North, Eva Gonzalès , Mary Cassatt, Berth Morisot, entre otras.

En España, el Impresionismo tuvo varios seguidores que manifestaron su preocupación

por la luz. Entre ellos destacan Regoyos, Sorolla, Rusiñol y Casas.

Eduard Manet: nació en el 1832, estaba entre el realismo y el Impresionismo. Algunos

han clasificado su estilo como naturalista porque se basa en la observación de la realidad
y su plasmación sin alteración alguna. Representa la vida tal cual, sin adorno ni metáfora,
tanto que  sus obras suscitan escándalos y polémicas. Utilizó la pincelada rápida y
empastada, captando la realidad y la fugacidad, rasgo que identificará como artista del
arte impresionista. Obras destacadas tenemos el Desayuno sobre la hierba, provocó la
hostilidad de los críticos conservadores,  Olimpia, que representaba el desnudo de una
prostituta, una mujer de la vida contemporánea.
Claude Monet: nació en el 1840. Es uno de los pintores que más contribuye al
movimiento, manteniéndose  fiel al Impresionismo hasta su muerte. En sus obras
plasmaba la vibración cromático-lumínica. La luz engendra el color y la forma. Sus temas
preferidos son las marinas, las escenas fluviales y los paisajes. Tenemos como ejemplo
obras como Impresión atardecer, Regatas en Argentuil, Las amapolas, Paseo con
sombrilla, La estación de San Lázaro, La Catedral de Rouen.

Edgar Degas: nació en el 1834. Es un impresionista que se preocupa más de la forma que

del color, siendo hábil en el dibujo. Captaba el movimiento con fidelidad, siendo un gran
observador de la mujer, captando las postura más insólitas, las poses naturales e
instantáneas. Sus temas preferidos eran las bailarinas y las carreras de caballo. Obras
importantes de este artista tenemos, Clase de danza, La bebedora de ajenjo, Bailarina en la
escena, Planchadores, Carreras.
Renoir: nació en el 1841. Este artista ofrece una interpretación más sensual del
Impresionismo. Posee una vibrante y luminosa paleta haciéndole especial. En sus obras
muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre
son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Sus temas eran las flores,
escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a
Rubens por las formas gruesas. Sus obras más representativas eran  El palco, El
columpio, El Moulin de la Galette, Le dèjeuner des canotiers, Bañistas.
El simbolismo – Definición, origen, pintura y escultura 
¿Qué es el simbolismo?

Cuando hablamos de simbolismo hacemos referencia a una de las corrientes artísticas

más importantes y destacadas de finales del siglo XIX. Este movimiento artístico se
originó  principalmente en Bélgica y en Francia. Cuando se habla de simbolismo los
artistas simbolistas tiene una concepción del mundo muy diferente a otras clases de
artistas, los artistas simbolistas ven el mundo como un misterio que se ha de descifrar y
por ello crea obras en las cuales se intenta trazar una correspondencia oculta que está
enlazada a objetos sensibles.

El simbolismo se originó a partir de una obra llamada “Las flores del mal” cuyo autor era
Charles Baudelaire y con el escritor Edgar Allan Poe. Ambos influyeron en este
movimiento y le otorgaron imágenes y figuras que posteriormente serían utilizadas. Sin
embargo, la estética de este estilo de arte fue creada por Stéphane Mallarmé y Paul
Verlaine en el año 1870.

Origen del simbolismo

El origen de esta corriente artística se origina con una reacción literaria que va en contra
del arte realista y del naturalismo. Ambos movimientos eran anti- idealista que se basaba
en una realidad de la vida cotidiana, dichos movimientos crearon un gran rechazo entre la
juventud arrastrándolos así hacia la imaginación, la espiritualidad y los sueños.

Los paraísos artificiales, Las flores del mal, entre otras. Estas obras fueron tan
innovadoras que muchas de ellas fueron prohibidas en su época y se consideraron como
inmorales y oscuras ya que hablaban sin ningún tipo de escrúpulos sobre la sexualidad,
las drogas o el satanismo.

Pintura del simbolismo

Existen diversas características específicas que hacen diferenciar la pintura simbolista de

las demás pinturas, estas características son:

 El color: normalmente en el simbolismo se usaba colores fuertes para intentar destacar la

percepción onírica de la sobrenatural. Por esta razón, la utilización de colores pasteles y la
difuminación de los colores intentaban conseguir el mismo objetivo que el uso de colores
fuertes.
 Los temas: la temática más destacada se basaba principalmente en lo irracional y lo
subjetivo, de la misma manera que el “arte romántico”. Es por esto mismo por lo que el
simbolismo no es un reflejo de la apariencia física de un objeto sino que mediante el objeto
va hacia algo sobrenatural que se enlaza a una gran tendencia por la religión. De este
mismo modo, el objetivo principal de los poetas y los pintores no era reflejar el mundo
exterior tal cual es sino que su objetivo era representar el mundo que había a través de sus
fantasías y sus sueños mediante el símbolo. Es por esta razón por lo que la pintura es un
reflejo del estado de ánimo del artista, de sus ideas y de las emociones y sentimientos.
 Técnicas: normalmente lo que enlazaba al artista con este movimiento artístico era el deseo
y la pasión de crear obras de arte que no estuvieran basadas en una realidad, ya que este
movimiento surge como una oposición del arte realista, de esta forma cada símbolo tiene
una gran importancia y una subjetividad propia, tanto del pintor como del espectador. Es
por esta razón que la originalidad que presenta el simbolismo no se basa en las técnicas
usadas sino en el contenido que tienen dichas obras.
¿Qué es el arte moderno?
Se denomina arte moderno a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del
siglo XIX y principios del siglo XX,siendo el más prolífico de toda la historia del arte.
Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se
fueron sucediendo vertiginosamente, con un carácter internacional.
Denominado a este periodo fin de siècle y belle époque, pero Según los países recibió
diversas denominaciones, como  Art Nouveau, en Bélgica y en Francia, Jugendstil , en
Alemania y los países nórdicos y Austria, Modern Style, en los países anglosajones,
Nieuwe Kunst, en los países Bajos  y Liberty o Floreale, en Italia.
Se buscaba crear un arte  nuevo, joven, libre y moderno, que rompiera con los estilos
dominantes en la época, tanto los de tradición academicista como los rupturistas y  se trató de crear
un arte de inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la
revolución industrial, con materiales como el hierro y el cristal.
Se puede confundir el arte moderno con el arte contemporáneo, pero no tienen nada que
ver uno con otro.
El arte moderno es un concepto muy singular ya que tiene diferentes ámbitos  en el
mundo del arte sobre todo en la estética,  en la historiografía, en la teoría de lo que es el
arte y en el mercado. Y es que este tipo de artes pretende hacer una distinción entre la
parte productiva del arte que estará identificada con unas determinadas definiciones de
modernidad, es decir, para que lo entendáis mejor por ejemplo el arte académico hace
una representación de todo lo tradicional del arte, mientras tanto este estilo de arte
experimenta para sacar cosas innovadoras. Es por ello por lo que este concepto es un tipo
de arte estético y no cronológico  ya que cualquier limitación de tiempo es algo problemático
para este tipo de arte, para que lo entiendan mejor pongamos un ejemplo : El arte que se
realizaba en la Edad moderna ( desde el siglo XV a finales del siglo XVIII) no era en sí el
concepto de “arte moderno” que hoy en día se conoce, sin embargo el arte que se
realizaba en la Edad Contemporánea sí que encaja en la definición de este concepto.
¿Qué es el arte moderno?

Los conceptos de arte contemporáneo y arte moderno, como hemos dicho

anteriormente, se utilizan frecuentemente de una manera intercambiable, muchas veces
son intercambiadas entre entornos institucionales o en biografías especializadas, incluso
hay en muchas ocasiones en los cuales tiene similares ámbitos que se utilizan  en
oposición, es decir, reservan al arte moderno con un tiempo indefinido que puede estar
entre los distintos movimientos del siglo XIX al siglo XX. Esto ocurre porque muchas
veces no hay una conformidad entre arte contemporáneo y arte moderno y es por eso que
mucha gente lo confunden, algo normal después de todo. Pero para poder diferenciar al
arte moderno del arte contemporáneo solo tenemos que saber que este concepto como
estético y no como cronológico (como podría ser el caso del arte contemporáneo), para
que lo entienda mejor pondremos un ejemplo un pintor como puede ser William Adolphe
Bouguereau no realizaba obras de este estilo de arte , pero Vincent Van Gogh sí que las
realizaba. Si observáis dos obras de estos pintores notareis la diferencia entre una y otra.
En resumen para acabar de explicar que esta modalidad de arte  debemos decir que
el arte moderno fue una innovación del arte tradicional  y es que este tipo de arte simboliza
una manera nueva de entender la función del arte y la teoría.

Historia de este estilo de arte moderno

La posición de innovación que tiene los artistas de esa época abre una puerta a la libertad
del ámbito artístico y por ello van desapareciendo los rasgos relacionados con el arte
hasta ese momento. Los artistas de este tipo de arte  hicieron una declaración en la
deformación de las cosas, sobre todo de los objetos, que se realizaba de forma
deliberada, cuyo objetivo era la búsqueda de satisfacción de cierto concepto poético que
las cosas poseían.

Características del arte moderno:

 Se inspiraban en la naturaleza y usaban elementos de origen natural pero con preferencia

en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo
central.
 Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y alzados de los edificios como
en la decoración.
 Había una tendencia a la estilización en los motivos y menos su representación realista.
 Se utilizó imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con claro énfasis en las
ondas de los cabellos de las mujeres y en los pringues de sus vestidos.
 Tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando
incluso al erotismo.
 Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo era el uso de
estampas japonesas.

Movimientos más destacados del Arte Moderno 

Cubismo: movimiento artístico inspirado fundamentalmente en el arte de las tribus de

África y Oceanía, que se manifestó sobre todo en pintura, su  objetivo principal era el
de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre
la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos, rechazando  la
perspectiva y el movimiento y dando primacía a la línea y la forma.
Pintores cubistas importantes fueron: Pablo Picasso, Georges Braque, Albert Gleizes,
Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La
Fresnaye y Juan Gris.

Dadaísmo: movimiento fundado en el 1916, por el escritor alemán Hugo Ball, el artista

alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zúrich y se unió a este movimiento
el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Abarcaban  todos
los géneros artísticos y siendo la expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de
los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la
I Guerra Mundial e inmediatamente después.

Surrealismo: creado en París tras la I Guerra Mundial, este movimiento del surrealismo se

extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Zúrich se unieron a los
dadaístas franceses de París.
El surrealismo es un movimiento artístico y literario en la década de los años 1920, en
torno a la personalidad del poeta André Bretón. Artistas de este movimiento son Max
Ernst, Joan Miró, Salvador Dali, René Magritte, Paul Delvaux, Frida Kahlo, Jean Arp,
Leonor Fini, Alberto Giacmetti, Vito Campanella, entre otros.

Movimientos de este concepto

Las primeras obras encontradas de este concepto afectan a las etapas del romanticismo y
del realismo. Después de eso, unos años más tardes, se empezó a hacer cambios en las
luces y en los espacios lo que dio lugar al posimpresionismo y al impresionismo. Unos
años después en la Primera guerra Mundial, se crearon los movimientos de cubismo,
expresionismo, futurismo y fauvismo, y más tarde surgió el surrealismo.

En los años 50 y 60 aparecieron otras maneras de expresión de este tipo de arte que
fueron el pop-art, el minimalismo y el expresionismo abstracto.

Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas importantes fueron: Albert Gleizes,
Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y
Juan Gris.cubistas.

Pintura mexicana del siglo XIX

En este siglo también se cuenta con ejemplos de pinturas murales como las de estilo
costumbrista creadas entre 1855 y 1867, en La Barca, Jalisco.7
Destacan en esta época: Pelegrín Clavé, Juan Cordero, Felipe Santiago Gutiérrez y José
Agustín Arrieta.
En México, en 1846 se contrató a Pelegrín Clavé para dirigir la reapertura de la Academia
de San Carlos, organismo desde el que fomentó la temática histórica y el paisajismo con
una visión europeísta. 8
La pintura de Edouard Pingret reprodujo las costumbres y los paisajes mexicanos y
estimuló a sus contemporáneos a recrear las costumbres locales y el escenario rural.
Hermenegildo Bustos es uno de los pintores más apreciados de la historiografía del arte
mexicano. Destacan también en estos años Santiago Rebull, José Salomé Pina, Félix
Parra, José Obregón, Rodrigo Gutiérrez, Leandro Izaguirre, Eugenio Landesio y su
célebre discípulo, el paisajista José María Velasco, así como Julio Ruelas.