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UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL POLITÈCNICA

“ANTONIO JOSÈ DE SUCRE”
VICE-RECTORADO DE BARQUISIMETO
DEPARTAMENTO DE ESTUDIOS BÀSICOS

BIOGRAFÌA

Participante:
Rosa M. Díaz B.
C.I. Nº V-28.495.821
Asignatura:
Lectura Crítica
Profesora:
Gianfranca Morillo

Barquisimeto, julio de 2021

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PABLO PICASSO
El artista más influyente de la Historia Contemporánea

Pablo Picasso, es considerado sin lugar a dudas un ícono de la pintura, posiblemente, el

más famoso y más recordado del siglo XX. Fue un hombre extremadamente inquieto con una
mentalidad muy abierta que vivió intensamente los procesos sociales y culturales de la época,
procesos que quedaron reflejados tanto en su trayectoria artística como en su vida y relaciones
personales amorosas, convirtiéndose en el artista más innovador del siglo XX.
Pablo Ruíz Picasso, nace en la ciudad de Málaga un 25 de octubre de 1881. Fueron sus
padres José Ruíz Blanco y María Picasso López. Él adoptaría el apellido de su madre como
nombre artístico, fue el primogénito de la unión Ruíz Picasso y tuvo dos hermanas menores
llamadas Dolores y Concepción.
Cabe resaltar, que Picasso desde su infancia hasta su primera juventud vivió de forma
precaria, situación que obliga a la familia a trasladarse a La Coruña en el año de 1891 donde a
su padre lo contrataron como profesor de dibujo en el Instituto de Guardia con una mejor
remuneración que la que tenía en Málaga.
En correspondencia con lo anterior, la estancia en La Coruña.es la primera etapa
importante en la vida de Pablo Ruíz Picasso, ya que llega a la edad de diez años. Durante el
primer año en dicha provincia intentó ingresar en la Escuela de Bellas Artes, pero debido a que
no tenía la edad reglamentaria no fue admitido por lo que solo pudo asistir a las clases de
enseñanza secundaria. No obstante, el segundo y tercer año se inscribe en la Escuela de Bellas
Artes, siendo su único profesor su señor padre. En el primer año, obtuvo la calificación de
excelente con accésit. Paradójicamente, el alumno sabía más que el profesor.
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En cuanto a los siguientes años, obtuvo también la calificación de excelente pero sin
accésit, no se entiende que no la mereciera más que nadie, pero quizás fue porque esa
calificación merecía una compensación económica y la junta calificadora pensó que no era
correcto que el padre se la concediera a su hijo.
Cabe destacar también, que durante estos años en La Coruña, la vida de Picasso está
condicionada con todos lo que vivía dentro de su cuadro familiar observando a su padre
melancólico y fracasado al no lograr ser el gran pintor que él deseaba y presenciando la muerte
de Concepción, una de sus hermanas quien murió de difteria, por lo que se puede afirmar que
toda esta situación sin duda alguna tuvo gran influencia en la posterior personalidad de Picasso.
En consecuencia, en el año de 1895, Picasso y su familia emprenden viaje a la ciudad de
Barcelona. Aquí, Picasso marcha dispuesto a conocer una ciudad moderna en proceso de
expansión en la que se puede comprobar y ver todos los adelantos e inventos modernos así como
todas las tendencias y movimientos sociales que la gran industrialización de la urbe había
provocado.
Sobre este particular, ya instalados en la ciudad de Barcelona, Picasso se inscribe en la
Escuela de Bellas Artes de la Lonja a la edad de catorce años en la que cursó estudios durante
dos años. Como anécdota, cabe destacar, que superó el examen de ingreso en un solo día y se le
permitió saltarse los dos primeros años. De acuerdo con mucho de lo que se dice del artista, su
padre, tras reconocer el talento extraordinario de su hijo, le entregó sus pinceles y su paleta
prometiéndole a su hijo no volver a pintar en su vida.
En el mismo orden de ideas, Picasso en el año de 1896, con sólo quince años, instala su
primer estudio en la calle de la Plata de la ciudad de Condal. Dos años más tarde, obtiene la
mención honorífica con dieciséis años, en la gran exposición realizada en la ciudad de Madrid
por su obra “Ciencia y Caridad”, obra con un realismo académico y con un impresionante
interior que parece prefigurar su siguiente etapa, El Período Azul.

“Ciencia y Caridad”. Barcelona 1987

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En los años siguientes, Picasso se matricula en la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando de Madrid en el curso acadèmico 1897-1898 cuyo profesor fue Muñoz Degrain pero
definitivamente en contra de la enseñanza oficial. Sin embargo, sus biògrafos coinciden en
señalar que el artista acudìa rara vez a clases y en su lugar, pasaba la mayor parte del tiempo en
el Museo de Prado para conocer mejor la obra del Greco y de otros artistas como Velàzquez pero
se siente solo y regresa a Barcelona en el año de 1898.
Posteriormente, se instala en un nuevo estudio, en compañìa de Santiago Cardona. Es la
època en que frecuenta el bar-cabaret “Els Quatre Gats”, donde se relaciona con todos los artistas
catalanes de la època. Al mismo tiempo diseña el menù de dicho bar, y en febrero del año 1900
realiza su primera exposiciòn pùblica en gran parte, con los retratos de sus amigos y
contertulios.. El año siguiente viaja a Parìs y queda deslumbrado por el Museo del Louvre y el
Museo de Luxemburgo, asì como por la obra de Toulouse-Lautrec o Degas, entre otros. Ese
mismo año tiene lugar su primera exposiciòn en la capital francesa; y en los tres años siguientes
crea las obras pertenecientes a la Etapa Azul.
Por consiguiente, el Picasso de esta època se decanta por figuras estilizadas y delgadas
con una clara influencia de artistas como El Greco. Los tonos empleados en sus pinturas son
frìos, especialmente azules y verdes en diferentes gradaciones. De igual manera, en sus obras se
puede percibir la influencia de pintores como Gaugin en los duros recortes y perfiles de la zona
de color, asì como la temàtica social que tambien se refleja en las pinturas de Manet o Toulouse-
Labrec.
Es necesario contemplar, que en el año de 1901 Carlos Casagemas, artista de talento e
ìntimo amigo de Picasso, se suicida y pese a que se habìan distanciado tras una discusion, al
pintor le afecta profundamente la noticia y se siente contrariado hasta el punto de de recluirse en
sì mismo y de deprimirse reflejando en las obras de esa època, su estado de ànimo.
Sus producciones se van invadiendo progresivamente del color azul y el nùcleo central de
sus temas son un universo de miseria y de dolor en el que la figura de Casagemas reaparece en su
obra “La Muerte de Casagemas”.
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Consecuentemente, en el año de 1903 y parte del año 1904, Picasso vuelve a vivir en
Barcelona; donde desarrolla completamente su època azul. Es caracterìstica de esta època su obra
titulada “La Vida”, en la que aparece Casagemas.

“La Vida”. Barcelona 1903

Posteriormente, en el año de 1904, el siempre cambiante arte de Pablo Picasso;
experimenta una transformaciòn progresiva que lleva a sus pinturas a adquirir nuevas
tonalidades, es decir, de los tonos frìos y sombrìos de la època anterior, las imàgenes pasan a
adquirir matices rosados, rojizos y anaranjados, càlidos y mucho màs confortables. De alli, que
la Etapa Rosa de la pintura de Picasso; abarca los años 1904 y 1906 coincidiendo con su relaciòn
sentimental con Fernande Olivier, considerada una de las personas que màs influyò en la
evoluciòn de sus pinturas.
Poco a poco, su vida va cambiando ya que se convirtiò en un asiduo del circo Medrano,
circunstancias que hicieron que su obra se fuera transformando, dejando de ser tan tràgica y
dando origen a temas màs agradables, que aunque siendo melancòlicos, son màs tiernos y
denotan cierto afecto, tratàndolos con alegrìa y cierta inquietud existencial, le atraen los actores
del circo, los acròbatas, arlequines, domadores y payasos, y cambia tambien de colores.
Es por ello, que la època rosa se distingue inicialmente por los colores ocres que se van
transformando a principios del año 1905 por otros tono pastel y de tonos pàlidos como el rosa,
granate, salmòn con lìneas suaves y delicadas, asì como figuras de proporciones alargadas
pròximas a su admirado Greco, poniendo màs ènfasis sobre la lìnea y el dibujo que sobre el
color.
Es evidente, que en esta època y en toda su vida, las obras de Picasso reflejan siempre sus
vivencias y sus situaciones de ànimo, es decir, es como un diario personal, un diario ìntimo,
mucho màs que una obra puramente objetiva. Igualmente, se puede observar, que el azul que
parecìa desaparecido, reaparece de repente, se puede observar que el rosa avanza o retrocede
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segùn el optimismo o pesimismo del artista; razòn por la cual, las llamadas èpocas azul y rosa no
son sucesivas e irreversibles.
Por consiguiente, esta segunda etapa podrìa realmente llamarse azul-rosa. Cabe resaltar,
que las obras del artista destacadas para esta època son: “Familia de Saltimbanquis”, “El
Equilibrista de la Bola” y “El Niño de la Pipa”

“Familia de Saltimbanquis”. 1905

En el año de 1905, conoció a Guillaume Apollinaire, quien era un escritor precursor del
Surrealismo. Ese mismo año, en el mes de febrero, hizo una exposición de sus primeros lienzos
rosa en la Galería Serrurier y en el año de 1906 la Galería Ambroise Vollard, le adquiere la
mayoría de sus cuadros rosas.
Posteriormente, en el mes de mayo de ese mismo año, Picasso en compañía de Fernande
Olivier viaja a Barcelona, y luego durante el verano se traslada a Gòsol, pueblo de la provincia
de Lérida, próximo a los Pirineos para tomar contacto con la naturaleza y la cultura popular.
Así pues, comienza a pintar desnudos y baños en los que predominan los ocres,
abandonando poco a poco su época rosa. En tal sentido, esta estancia tuvo un impacto importante
en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gòsol marcaron el comienzo de su revolución cubista
del siguiente año.
De regreso a París, Picasso asistió a una exposición de figuras Ibéricas en el Museo de
Louvre, ya que en París debido a la expansión colonial francesa por el continente africano; se
puso de moda el arte primitivista negro, razón por la cual, todos los museos y exposiciones se
llenaron de esculturas, máscaras y de otros artefactos que los colonialistas traían de ese
continente.
En tal sentido, Picasso se interesó también, sobre todo después de que su amigo Matisse
le mostrara una máscara de la región africana de Da, y de que visitara en el año de 1907, el
Museo de Etnología del Palacio de Trocadero de París.
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Resulta claro, que todo esto le inspiró una serie de cuadros con personajes que rescatan
ciertas características de ese primitivismo, rompiendo así con su estilo anterior, aunque la
simplificación de rasgos y de volúmenes son signos precursores del cubismo.
Una de sus obras más reconocidas durante esta época es el Retrato de Gertude Stein, en la
que convierte la cara de la modelo en máscara. Brevemente, el descubrimiento del arte no-
occidental dio lugar a una de las obras más emblemáticas del pintor en el año de 1907, como lo
fue la obra “Las Señoritas de Aviñón”. Esta obra, marcó un nuevo punto de partida en el que
Picasso rompió con el Realismo influenciado por las figuras alargadas de El Greco, y su
estructura y composición, asemeja a la obra “las Grandes Bañistas de Cèzanne”.

”Las Señoritas de Aviñón”. París, primavera-verano de 1907

Cabe señalar, que a pesar de que el cuadro se considera su primera obra cubista, la
realidad es que Picasso pasó años explorando el arte africano continuando con la influencia
cèzaniana, antes de iniciar su fase de cubismo geométrico.
Consecuentemente, desde finales del año 1907 y durante el año 1908, Picasso evidencia
una inquietud por desarrollar un nuevo estilo como culminación de su deseo continuo de
renovación de los modelos clásicos de pintura, obteniendo como resultado. Finalmente, el
resultado final de esa innovación es el “Cubismo”.
Sin duda alguna, los grandes artistas de la época que convergen en París, son conscientes
que viven tiempos de cambios y que el arte exige un lenguaje nuevo y es aquí donde Picasso
encuentra ese lenguaje al que se le denominó cubismo.
Picasso conoció a Georges Braque, con quien inició este estilo de pintura. Esta técnica
utilizada por Picasso y Braque, tuvo muchos imitadores como Juan Gris, Francis Picabia, Albert
Gleizes y Fernand Lèger, entre otros.
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En esta etapa, sus obras se visten de colores neutros, grises y tierras. Por primera vez, los
artistas comienzan a incorporar en sus lienzos una técnica fundamental llamada collage, muchas
veces pictóricos semejando periódicos, trozos de madera y otros materiales pintados copiando a
los auténticos.
En correspondencia con lo anterior, los años transcurridos entre 1912 y 1919; implican
una constante evolución en las obras cubistas de Pablo Picasso y lejos de asentarse en un estilo y
un movimiento que le garantizaba éxito y reconocimiento, el artista sigue investigando y
alterando las imágenes en sus lienzos. Sus obras continúan incluyendo la técnica del collage y
empiezan a reflejar la figura humana.
En esa época, son muchos los artistas que dejan su trabajo para luchar en el frente durante
la I Guerra Mundial. El artista por el contrario, permanece en su estudio y no abandona su
producción. Por consiguiente, es posible que todos estos acontecimientos vividos por Picasso,
incluido los horrores de la guerra, influyeran en su decepción de haber creado un lenguaje
pictórico nuevo para un mundo nuevo, retornando a un estilo más figurativo..
A partir del año 1920, ya era un pintor de reconocimiento popular, pintando cuadros
marcados por el retorno a la figuración y al clasicismo. No obstante como se mencionó
anteriormente, el artista alternaba las obras figurativas con las cubistas..
Para el año de 1922, realizó el decorado para Antígona de Cocteau y en el año de 1923
realiza una de las mejores composiciones de estos años llamada La Flauta de Pan, considerada
como la mejor culminación de estos momentos de plenitud y euforia que contrasta con una serie
de obras del año 1925 y posteriores mucho más convulsivas como lo son La Danza y El Beso.
Llegado el año de 1927, Picasso conoce a Marie-Thèrese Walter, una mujer que aporta un
contrapeso de frescor y juventud y que influye para interesarse por una serie de valores artísticos
nuevos, como son, la escultura. Cabe resaltar que ya Picasso había practicado la escultura en
hierro forjado, e incluso, tallas de madera de abeto o de pino muy estilizadas.
De este modo, a partir de ese momento, las formas redondeadas y armoniosas de su
modelo, exigen al artista a cultivar la forma tanto en la escultura como en la pintura, creando en
poco tiempo una serie de lienzos de gran vivacidad y dulzor, así como una serie de obras de las
más innovadoras de su carrera.
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Es importante tener presente, que en los años comprendidos entre 1925 y 1935, la
influencia surrealista provoca un nuevo acercamiento al primitivismo por parte de Picasso, quien
realiza piezas tan trasgresoras como Les Trois Danseuses (Las Tres Bailarinas, 1925).
Durante el año de 1928, se reencuentra con el escultor catalán Julio González, quien lo
ayudará a realizar la maqueta del monumento a Guillaume Apollinaire que, como su amigo
representaba la vanguardia,. De tal forma, que comenzaba así una fructífera colaboración técnica
desde 1928 hasta el mes de julio de 1932, en torno a las esculturas de hierro forjado y soldado.
De la misma manera, para el año de 1933, Picasso realiza la portada del primer número
de la revista “Minotaure”; que dirigía André Breton el cual era uno de los más destacados artistas
del surrealismo, demostrando así, una cierta adhesión a dicho movimiento.
Lo importante de este hecho, es que Picasso se apodera de la figura del Minotauro que no
es nueva en su obra haciéndola completamente suya, sirviéndole tanto en la pintura como en el
grabado.
En la primavera del año 1935, el artista expone sus papiers collès, en la galería de
exposiciones Pierre. En dicha exposición, el aspecto más recurrente de su producción culmina
con el gran Minotauromaquia, donde todos los símbolos del momento, caballo, toro, mujer
violada, espectador indiferente, se recogen, es decir, los elementos de la mitología mediterránea
son los de la mitología picassiana.

“Minotauromaquia”. Aguafuerte Estampado. 1935

En esta obra, el artista mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros y se observa
que tanto la figura del toro como la del caballo destripado, anuncian las imágenes del Guernica,
el gran mural considerado por la mayoría, como una de las obras artísticas individuales más
importantes del siglo XX..
Asimismo, en el año de 1935, realiza una serie de obras en la que la suavidad y la
crispación, el simbolismo y la realidad parecen barajarse de nuevo.
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Para el año de 1936, a comienzos de la Guerra Civil Española, Picasso es sorprendido en

esta situación y aunque desde el principio su posición es bien definida, prefiere mantenerse en el
terreno de la indiferencia y de la sátira, hasta que un detonador moral le hace salir de esa postura.
Se trata del bombardeo de la pequeña población vasca de Guernica el 26 de abril de 1937, que lo
horroriza y lo considera como un abuso por parte de unas fuerzas prepotentes como eran las de la
aviación nazi contra una población indefensa.
Semanas después, Picasso comenzó a pintar el mural conocido como Guernica. Dicha
obra fue terminada en menos de dos meses, exhibiéndola en el pabellón de España de la
Exposición Internacional de París de 1937.
Cabe destacar, que con esta obra, Picasso quiso expresar la violencia y la crueldad del
hecho, mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero
caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas y pese a la
complejidad de estos símbolos, dicha obra fue realizada en blanco y negro para darle mayor
carácter trágico, logrando con esta obra un gran impacto en la sociedad ya que fue un retrato-
denuncia de los horrores de la guerra.

”Guernica”. París, 1937

Analizando la obra, observamos que en ella se pueden recoger todas las etapas anteriores
de Picasso, es decir, realismo, época azul, cubismo, surrealismo, expresionismo, entre otros,
ligadas misteriosamente por una fuerza extraña que las unifica y que le confiere el carácter de
pintura épica única y puede ser en todo el arte moderno.
Seguidamente, después de la Guerral, el artista produce sus obras con figuras humanas, lo
resaltante en esas obras es que la figura humana aparece desencajada, con ojos desorbitados que
quedarán en otros sitios de la cara porque el dolor y el llanto han desfigurado la nariz, la boca, y
todas las facciones del rostro humano hasta convertirlo en inhumano para convertirlo en un mapa
monstruoso de nuestros cinco sentidos.
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Dicha metamorfosis, se aprecia perfectamente en su obra Mujer Llorando, en la que los

colores que se disparan sobre el lienzo y las facciones inhumanas, son la tónica de su pintura en
los años comprendidos entre 1939 hasta 1944 de acuerdo con el drama que se vivía. En esta
época, el tema de la muerte fue el más frecuente en la mayor parte de sus obras.

“Mujer Llorando”. París, octubre 1937

En junio de 1940, ya en plena Guerra Mundial, pinta su obra titulada Mujer Peinándose,
en el que se refleja que la visión del artista está marcada nuevamente por la violencia
desencadenada por la guerra.
Durante 1943, esculpe dos calaveras de una simplicidad y de una contundencia
aplastante. El mismo año, realiza los bocetos de una gran escultura que culmina en 1944
denominada El Hombre del Cabrito, la fuerza del cabrito para soltarse y la fuerza del hombre
sujetándolo, hacen que sean vistos como un símbolo de vida y de esperanza.
Tras la liberación de la capital francesa en 1944, el artista se centra en la escultura,
disciplina que comienza trabajando la alianza entre objetos, en la línea de concepto ready made
iniciado por Marcel Duchamp. Dicha investigación, da como fruto obras como Cabeza de Toro
(1952), y más adelante, La Cabra (1950). Cabe destacar, que el original de yeso de esta escultura,
esconde distintos objetos de desecho recuperados de un vertedero. Posteriormente, el artista
encargaría su fundición en bronce, en el cual, los objetos quedan perfectamente integrados.
A pesar de que Picasso trabajaba en la escultura, no abandonaba la pintura, ya que la
admiración por el trabajo de Velázquez, uno de los artistas que más estudió durante sus visitas de
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juventud al Museo de Prado, dará lugar a la serie Las Meninas (1957), con un total de cincuenta
y ocho lienzos que analizan, recrean y diversifican el original. La idea del artista, no era copiar o
remedar a Velázquez, sino investigar las posibilidades de la obra original vista por otros ojos.
Finalmente, durante los últimos años de su vida, Picasso se inspira en su esposa
Jacqueline Roque para realizar más de setenta retratos. De igual manera, la producción del artista
en su última etapa, mezcla y combina todos los estilos desarrollados a lo largo de su vida.
Es evidente, que el artista tiene todavía muchas cosas que decir, ya que en todas sus
obras, hay un hecho que sobresale sobre todos los demás, y es su libertad, que a pesar de no
haberle faltado nunca, ahora aparece más avallasadora.
Tanto en los dibujos como en los grabados, utiliza las técnicas y los procedimientos más
diversos tales como lápices de colores y acuarelas, personajes del pasado y personajes actuales,
escenas realistas y visiones quiméricas en los dibujos, así como punta seca, aguafuente,
aguatinta, burí y rascado en sus grabados.
Finalmente en las dos exposiciones que realiza en el Palacio de los Papas de Aviñón,
parecen explotarle alguno de los sentimientos que habían estado ocultos en sus épocas pictóricas
anteriores razón por la cual aparecen con más violencia, es decir, la libertad es total conceptual y
técnicamente, mientras que el erotismo vuelve con una fuerza inusitada con personajes entre los
que figuran toreros, catalanes con barretina, viejos libidinosos y algunos autorretratos a veces
voluntarios y a veces involuntarios, en los que Picasso escruta en su rostro su propia muerte,
hecho acaecido el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins), a causa de un fallo
cardíaco y pulmonar. Fue enterrado en el jardín de su palacio Vauvenarges.
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REFERENCIAS

De Siero Massimiliano y Paloma Esteban. Grandes genios del arte contemporáneo del
siglo XX, Picasso. Edición española. Unidad. Editorial 2005.

Páginas Web
https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/41802-pablo-
picasso-biografia-obras-y-exposiciones
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/picasso.htm
https://www.biografiasyvidas.com/monografia/picasso/
www.lacasadelartistaonline.com.Biografìa y Pintura de Pablo Picasso
https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso