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IMAGEN Y FOTOGRAFÍA.

ÁREA: “ARTES AUDIOVISUALES”

CURSO: 3ero.

DOCENTE: Verónica Milana

ESCUELA: Nº8152 “San Miguel Arcangel”

AÑO: 2020
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LA IMAGEN

Una imagen es la representación visual de un objeto, una persona, un animal o cualquier otra
cosa plausible de ser captada por el ojo humano a través de diferentes técnicas como ser la
pintura, el diseño, la fotografía y el video, entre otras.

JULIAN USANDIZAGA ANTONIO BERNI

(Dibujo c/ grafito y lápices de colores) (Xilografía c/taco de madera)

VAN GOGH ROBERTO FONTANARROSA

(Pintura al óleo) (Dibujo en tinta)

Autor desconocido (Fotografía Bl/Ne)

Hoy en día y como consecuencia del amplio desarrollo que en las últimas décadas han
alcanzado las tecnologías vinculadas a la proyección y captación de imágenes es que al tiempo
presente que transcurre podemos calificarlo como dominado por lo visual. Casi todo hoy pasa
por la imagen, por supuesto, este contexto de excesivo uso de lo visual tiene sus aspectos
positivos, como puede ser el hecho que en tan solo en un instante se puede captar una
realidad y compartirla con aquellos más próximos o con otros que se encuentre a miles de
kilómetros, pero por el otro lado y aquí si viene el aspecto negativo, esta situación ha generado
que cuestiones como la reflexión y el pensamiento queden a veces relegadas ante la impronta
que ha tomado lo visual.
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LA FOTOGRAFÍA.

El término fotografía procede del griego y quiere decir “diseñar o escribir con luz”. Llamamos
fotografía al proceso de capturar imágenes mediante algún dispositivo tecnológico sensible a la
luz, que se basa en el principio de la cámara oscura. El sistema original de fotografía que se
mantuvo hasta hace algunos años actuaba con películas sensibles con el propósito de
almacenar la imagen capturada para luego imprimirla. Más recientemente, se utilizan sistemas
digitales con sensores y memorias para tomar fotos de una forma más sencilla, rápida y con
mejores resultados.

La historia de esta tecnología tiene diversos referentes que acompañaron el estudio de las
distintas técnicas que llevaron a lo que hoy comúnmente denominamos fotografía, pero que
inicialmente era llamado daguerrotipia.

Por un lado, la fotografía tiene un propósito directamente científico, en la medida en que sus
infinitas posibilidades permiten el estudio de objetos que difícilmente puedan ser analizados de
la misma forma a ojo desnudo y en un solo instante. Por ejemplo, existe la fotografía aérea u
orbital para capturar imágenes de la superficie terrestre. De la misma forma, la fotografía
infrarroja o la ultravioleta contribuyen al estudio de imágenes que no pueden ser captadas por
la vista humana. En este sentido, las fotografías termales constituyen un claro ejemplo práctico,
que además contribuyen a la diferenciación de distintas características del medio ambiente.

Asimismo, la microfotografía representa una herramienta formidable para el diagnóstico en

ciencias de la salud. Muchas afecciones y enfermedades de las más variadas naturalezas
(tumorales, inflamatorias, infecciosas, autoinmunitarias) sólo pueden confirmarse por medio de
la evaluación microscópica, con tinciones especiales que se rescatan en la fotografía. Este
recurso permitió el perfeccionamiento de toda una especialidad (la anatomía patológica), el
nacimiento de una nueva ciencia médica (la telepatología) y la optimización de la medicina
forense.

De igual forma, el diagnóstico por imágenes ha constituido una revolución en la cual la

fotografía desempeña un papel relevante. Sería imposible concebir a la tomografía computada
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o la resonancia magnética sin la fotografía analógica o digital como aliadas de apoyo para la
práctica profesional y para el reaseguro médico-legal.

Pero la fotografía también tiene un costado puramente artístico y estético, que entiende la
captura de imágenes como la conservación de un instante único a partir de la combinación de
diversos elementos como el encuadre, la composición, la iluminación y otros. Incluso, con la
incorporación de la fotografía digital, ha nacido una nueva era en la producción de imágenes,
que no sólo permite métodos más sofisticados de captura, sino también amplias posibilidades
de edición y perfeccionamiento una vez almacenada la foto. Así, el arte fotográfico es un
componente innegable de la edición de imágenes, en franco crecimiento actual con la difusión
de los medios digitales. Se dispone incluso de seminarios, exposiciones y hasta congresos en
relación con esta forma relativamente reciente de actividad artística, que ha ganado en adeptos
a lo largo de los años.

Por otra parte, diversos usos de la fotografía a nivel social la incluyen en otras disciplinas,
como por ejemplo el periodismo. En la historia de esta práctica, la fotografía ha sido un gran
aliado en la reproducción verídica de hechos históricos y periodísticos, sirviendo como fuente
de información y también como un enorme complemento de impacto emocional. Es
prácticamente imposible concebir al periodismo moderno sin el apoyo de la fotografía como
recurso fundamental. A pesar de que Internet ha dado lugar a una amplísima accesibilidad a
otros medios audiovisual, entre los que sobresale el vídeo con sus múltiples formatos, la
fotografía es aún un método que no tiene parangón en la práctica periodística.

En este sentido, las redes sociales permiten el crecimiento de la fotografía en todo su

esplendor, al contribuir a la rápida diseminación ("viralización") de las imágenes entre amigos y
conocidos. Redes como Facebook o Twitter son motores para que la fotografía siga siendo
uno de los parámetros tecnológicos que han modificado la vida de la humanidad a lo largo de
las últimas décadas.

Finalmente, la fotografía cumple además un marcado papel emotivo, ya que constituye un

modo para recordar eventos del pasado que quedan plasmados en medios tangibles o digitales
para su rememoración. Esta variable es especialmente útil para estimular la memoria en
personas con dificultades en esta función o simplemente para entretenimiento con amigos y
familiares.
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EL ENCUADRE EN FOTOGRAFÍA

Encuadrar fotografías es, sin duda, una de las partes más importantes del proceso creativo del
fotógrafo. Antes de componer definitivamente una fotografía tendremos que encuadrar, es
decir, decidir qué porción de la escena que ven nuestros ojos va a entrar dentro de
nuestra captura.
En esta guía vamos a aprender a observar como fotógrafos y a seleccionar el área que
vamos a capturar, primero con los ojos y luego con la cámara. ¿Quiéres saberlo todo acerca
del encuadre? Conoce todos los secretos para encuadrar fotografías como un experto.

➢ El Encuadre: ¿Qué es?

El encuadre es el fragmento de espacio que va a captar el objetivo de tu cámara, y por ende, el

plano que se obtendrá cuando se realice la captura. Cuando observamos un espacio, primero
encuadramos con los ojos y, cuando hemos decidido que lo que vemos es digno de capturar,
entonces encuadramos con nuestra cámara. Es ahí donde comienza el proceso creativo de
la composición.
Podríamos decir que encuadrar vendría a ser la antesala del proceso compositivo que lleva a
cabo un fotógrafo para hacer una fotografía. Es ese primer momento en el que elegimos y
organizamos los elementos que van a formar parte del contenido de nuestra imagen.

Aunque también es cierto que cada uno encuadra a su manera. Puede que ya conozcas tanto
tu cámara que seas capaz de encuadrar anticipadamente con solo echar un vistazo para luego
componer. O puede que mires a través del visor de tu cámara y vayas encuadrando y
componiendo al mismo tiempo. También existe la opción de disparar fotografías para luego
reencuadrarlas y recortarlas en un programa de edición. Luego veremos en qué consiste la
técnica del reencuadre.
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➢ Tipos de Encuadre

Un otro factor comunicativo esencial para encuadrar tus fotografías será la orientación. Tiene
mucho que ver con la relación de aspecto, pero va más allá de tener en cuenta los límites de la
captura o los elementos que vamos a incluir dentro. Elegir la orientación no tiene tanto que ver
con la técnica, sino más con la estética y la sensación que va a sugerir tu fotografía.

➢ Horizontal: Esta es la orientación más común en fotografía. Es la forma más natural y

sencilla de realizar fotos cuando tomas tu cámara y la opción más cómoda de
componer fotografías empleando técnicas como la regla de los tercios o el espacio
negativo. También es la que estamos acostumbrados a ver en las pantallas de
ordenador o de televisión. Sin embargo, que sea la más utilizada, no la convierte ni en
la mejor ni en la peor orientación. De hecho, hoy en día con la aparición de los
smartphones y las tablets, la horizontalidad ha ido perdiendo su trono y el ojo humano
también se está acostumbrando a leer en vertical. Por este motivo, dependiendo de la
situación, el encuadre horizontal nos resultará más o menos útil.

Lo que debemos tener claro es que la orientación horizontal siempre suele

sugerir estabilidad, simetría y tranquilidad, dándole énfasis al horizonte. Por eso es
la más utilizada para paisajes o para elementos arquitectónicos que se encuentran
dispuestos también horizontalmente.

➢ Vertical: La orientación vertical es una excelente alternativa para fotografiar elementos

cuya orientación es también vertical, como las personas, que son más altas que
anchas. Por eso es el formato ideal para los retratos de medio cuerpo o de cuerpo
entero. De hecho, para la mayoría de revistas de moda y actualidad es la orientación
predilecta.
La verticalidad en tu fotografía va a sugerir firmeza y fuerza. Siempre va a dar más
énfasis a los planos verticales exagerando la profundidad de los fondos. También
confiere más poder visual a las diagonales y las líneas, y por eso suele ser la
orientación más utilizada para fines comerciales y publicitarios
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➢ Inclinada u Oblicua: Este tipo de orientación, no se podría considerar como un

encuadre propiamente dicho, porque 'al uso' sigue siendo horizontal o vertical. Sin
embargo, conviene aislar este tipo de encuadre, porque se obtiene inclinando la
cámara y, aunque el resultado sea vertical u horizontal, técnicamente la posición de
encuadrar es distinta al tomar la foto.

Es un formato mucho menos utilizado que los anteriores, pero es una alternativa muy
útil para transmitir un determinado mensaje que sugiera dinamismo e inquietud. Suele
utilizarse para fotografiar deportes extremos, objetos inestables o aquellas situaciones
donde se pretenda enfatizar el movimiento y la acción.
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LOS PLANOS EN FOTOGRAFÍA.

Toma tu cámara, encuadra y finalmente dispara. Cuando hacemos esta acción estamos
decidiendo el tipo de encuadre de nuestra fotografía, aunque no seamos conscientes de
ello. Tanto la posición en la que situemos la cámara como la escala con la que vayamos a
sacar nuestro motivo fotográfico o sujeto, determinarán el tipo de plano de nuestra
imagen. Gracias a ellos, aprenderemos a analizar nuestra fotografía antes de disparar la toma,
y no después, prestándole especial atención a factores importantes como son el fondo y los
bordes del encuadre.

Los tipos de planos describen una serie de estándares a la hora de encuadrar a nuestro
elemento protagonista. Normalmente están dirigidos a retratos porque en ellos se diferencian
de manera muy clara las diferencias entre unos y otros. Pero los tipos de plano no son algo
exclusivo de la fotografía de retrato, sino que podemos generalizarlos a cualquier estilo
fotográfico, y cuando hablemos de ellos lo haremos refiriéndonos al elemento protagonista de
nuestra imagen, ya sea una persona, un animal, un objeto o cualquier otro elemento sobre el
que se focalice la atención de la toma.

La mayoría de tipos de plano que veremos a continuación provienen del cine, y es que la
fotografía y el cine comparten mucha terminología al tratarse de disciplinas hermanas. Hemos
dejado aparte dos tipos de plano: el gran plano general y el plano general. El motivo es que
este tipo de planos abarcan un ángulo muy grande y normalmente no son los más indicados si
queremos realizar fotografía de retrato, ya que el sujeto pasa bastante desapercibido en el
entorno. Así pues, partimos del plano entero llegando hasta el plano detalle, poniendo este
orden en función de mayor a menor ángulo de cobertura.

Para clasificar los planos de la imagen se toma como base la figura humana. Según esto los
planos pueden ser Generales, Medios o Cortos. Dentro de estos, existen más tipos de planos.

➢ Veamos en un esquema visual cuáles son los 7 tipos de plano pertenecientes al

grupo de planos medios y cortos.
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2. PLANO AMERICANO/TRES CUARTOS

El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla. En función

de si el protagonista está recostado o sentado, la tolerancia baja algo, llegando hasta un poco
por debajo de las rodillas. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas
interactuando. Algunos lo llaman también plano tres cuartos.

3. PLANO MEDIO

Conforme nos vamos acercando más al sujeto conseguiremos un mayor grado de intimidad en
la fotografía. Con el plano medio nos acercamos un poco más que con el plano
anterior, cubriendo desde la cabeza hasta la cintura. En caso de estar sentado el
protagonista, la tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo.
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Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es
un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda. También se utiliza mucho para retratos
formales, y para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.

Es importante que antes de disparar te fijes en la posición de las manos y los brazos, para
en la medida de lo posible, evitar cortarlos. Si no tenemos más remedio, lo haremos intentando
que queda de forma natural y sin cortar las articulaciones.

4. PLANO MEDIO CORTO

El plano medio corto es una variante del plano medio, y es también conocido como plano de
busto o primer plano mayor. Este tipo de plano toma el cuerpo desde la cabeza hasta debajo
o mitad del pecho, aproximadamente. Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola
figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la
máxima atención.

5. PRIMER PLANO

El primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, toma el rostro y los
hombros. Este tipo de plano, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para
mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje. La pose del cuerpo de nuestro modelo
en este caso no cobrará importancia, pero sí que lo hará el gesto o expresión de su cara, que
se convertirán en protagonistas de la imagen.
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6. PRIMERÍSIMO PRIMER PLANO

El primerísimo primer plano va un paso más allá que el primer plano, acercándonos más aún
al rostro de nuestro modelo. Este plano capta el rostro desde la altura de la frente hasta por
debajo de la barbilla.

Con este tipo de encuadre, el primerísimo primer plano consigue también dotar de gran
significado a la imagen, y que la carga emocional y la intimidad de la captura sean extremas.

7. PLANO DETALLE

El plano detalle en el retrato es el más cercano de todos, y es el que recoge una pequeña
parte del cuerpo, que no necesariamente se tiene por qué corresponder con el rostro. En esta
parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la
distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista, permitiendo enfatizar el detalle
que deseamos resaltar.
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➢ Veamos en un esquema visual cuáles son los 2 tipos de plano pertenecientes al

grupo de planos largos.

El plano de una fotografía es la relación que existe entre el espacio que ocupa la imagen del
objeto o sujeto fotografiado y la superficie total del encuadre que hemos elegido. Esa distancia
la determina el tamaño del motivo fotografiado y el espacio que hay entre este motivo y la
cámara. Por supuesto, también juega un papel fundamental la óptica empleada para sacar la
foto que podrá acercar o alejar la escena.

1. GRAN PLANO GENERAL

En este tipo de imágenes la figura humana queda muy reducida dentro del encuadre. Aquí lo
que adquiere importancia es el entorno

2. PLANO GENERAL

Este es el plano en el que aparece la persona de cuerpo entero. El individuo fotografiado

ocupa una cuarta parte de la altura del cuadro por lo que puede ser reconocido sin ser el
protagonista de la imagen.
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LAS ANGUALCIONES EN FOTOGRAFÍA.

A menudo te recomendamos que en fotografía es importante variar el ángulo de la toma. Es

decir, la posición relativa de la cámara con respecto al objeto fotografiado.

Por regla general, tendemos a ser muy "comodos" y fotografiar los objetos sin variar nuestra
altura y, por tanto, la posición de la cámara.

Sin embargo, en muchas ocasiones puede ofrecer un resultado diferente, atractivo y rompedor
el variar nuestra posición y agacharnos, subirnos a algún sitio, situarnos a ras de suelo...

Pues bien, esta variación lo que nos permite es cubrir los diferentes ángulos que existen y que
a continuación se detallan.

➢ ÁNGULO NORMAL

Como su nombre indica, éste es el ángulo habitual con el que fotografiamos y se caracteriza
por establecer una línea entre cámara y objeto fotografiado paralela al suelo.

Proporciona una sensación de estabilidad y tranquilidad, precisamente derivada de

originarse a partir de una posición con la que solemos no sólo fotografiar, sino también
observar el mundo y es el tipo de ángulo más empleado
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Ten en cuenta que a veces romper con las normas es lo que hace que una fotografía
destaque por encima de otras que reflejan una misma realidad, pero desde una óptica o
punto de vista completamente diferente.

Y en este sentido, el variar el ángulo de la toma, es, sin duda, una excelente forma de modificar
el punto de vista de una fotografía y el sentimiento que se quiere transmitir.

➢ ÁNGULO PICADO

El ángulo picado se produce cuando la cámara se sitúa en un plano superior al objeto

fotografiado.

Precisamente esta posición superior también conlleva una situación de inferioridad,

vulnerabilidad o debilidad del objeto dentro de la fotografía.

Es habitual en fotografía de niños (como consecuencia de su mayor fragilidad y

debilidad), pequeños animales, flores, objetos de pequeñas dimensiones...

➢ ÁNGULO CENITAL O PICADO EXTREMO

Cuando la situación de la cámara con respecto al objeto a fotografiar es de extrema

superioridad, hasta el punto de situarse en la perpendicular al suelo por encima del sujeto
fotografiado, entonces hablamos de ángulo cenital.

Se trata un ángulo que incrementa aún más, si cabe, la sensación de inferioridad. Por otro lado,
si el picado centra mucho la atención en el objeto, con el cenital abrimos un poco más el
campo y mostramos también el contexto que lo rodea.

Aunque no es muy habitual, puede dotar a tus fotografías de un punto de vista muy particular
de la realidad.
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➢ ÁNGULO CONTRAPICADO

Si el ángulo picado se consigue situando la cámara por encima del sujeto, el contrapicado lo
logramos situando la cámara en una posición inferior al objeto a fotografiar.

Con este ángulo dotamos al objeto fotografiado de mayor importancia, superioridad,

majestuosidad y, sobre todo, de una posición dominante frente al observador.

Es un ángulo de toma muy utilizado en fotografía de edificios, pues dota a éstos de mayor
grandeza. Aunque también puede ser un recurso para mostrar como superiores a sujetos que
se aprecian como inferiores en la realidad, por ejemplo, los niños, las mascotas...

Si a este ángulo además le sumas el uso de una distancia focal corta, conseguirás incrementar
más, la sensación de superioridad.
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➢ ÁNGULO NADIR O CONTRAPICADO EXTREMO

Si la situación de inferioridad de la cámara frente al objeto a fotografiar la llevas al

extremo, consigues el denominado ángulo nadir. La cámara se sitúa prácticamente en la
perpendicular que une objeto fotografiado y cielo.

Con este ángulo se incrementan al máximo las sensaciones del contrapicado, poniendo al
que observa la fotografía en la piel de una "hormiga" para la que todo es enorme y
"amenazador".

Su uso se reserva casi exclusivamente para fotografía de edificios, ya que las líneas de
éstos dotan de una gran profundidad a las tomas.

Y con estos 5 habríamos cubierto los principales tipos de ángulos a emplear en nuestras
fotografías. Lo más importante es que los conozcas y que también sepas en qué tipo de
tomas suelen emplearse.

Recuerda que la fotografía es arte y en el arte, aunque hay ciertas reglas que son
garantía de éxito, es igualmente importante saber transgredir estas reglas para obtener
resultados rompedores, innovadores y atractivos.
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PERSPECTIVAS FOTOGRÁFICAS.

➢ Perspectiva por superposición.

Aunque suene a obvio, no está de más decir que cuando vemos un objeto que tapa la
visión de otro, el primero de ellos es el que está más cerca del espectador. Esta es la
manera en la que nuestro cerebro se da cuenta de las distancias. Esto se llama
perspectiva por superposición y provoca sensación de profundidad en las fotografías
que aumentará a medida que los objetos superpuestos sean más numerosos.

➢ Perspectiva lineal.

En este tipo de perspectiva las líneas paralelas parecen converger en un punto en el

horizonte llamado Punto de fuga. La sensación de profundidad es puramente ilusoria
sin embargo esta ilusión constituye una técnica de composición muy importante.

El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo en que
las líneas convergen. Del objetivo y de la distancia dependerá el que la imagen resulte con
mucha o poca profundidad.
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➢ Perspectiva atmosférica o aérea.

Aunque el aire es considerado transparente por casi todos nosotros, en fotografía hay
excepciones. Cuando sacamos fotos de motivos que están a gran distancia el aire va
perdiendo transparencia ya que está lleno de partículas de vapor de agua, polvo, polución, etc.
Estas partículas son capaces de cambiar la dirección de la luz por lo que los motivos a grandes
distancias parecen tener una especie de velo o niebla.

➢ Perspectiva forzada.

Este tipo de perspectiva manipula la percepción del ojo humano con el uso de ilusiones ópticas
que hacen que los objetos aparezcan más grandes, más pequeños, más cercanos o lejanos de
lo que lo están en realidad.

En las imágenes con la perspectiva forzada el fotógrafo juega a poner en el mismo plano
elementos que no lo están y crear así una composición que haga creer al ojo que podemos
tomar el sol con nuestras manos o intentar poner derecha la Torre de Pisa.
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LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA.

¿Sabes cuál es la diferencia entre una buena y una mala fotografía? Asumiendo que los
colores han salido correctamente al imprimirla y la exposición y el enfoque son correctos,
existen una serie de elementos sobre los que los fotógrafos hablan continuamente al evaluar
una foto: son las "reglas de composición". Y dependiendo de con quien hablemos, nos darán
unas reglas u otras.

Repasaremos juntos algunas de las reglas de composición fotográfica más relevantes:

La mayoría de las que consideramos buenas fotografías siguen alguno o varios de los
principios básicos de la composición

➢ Identifica el centro de interés.

Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés.

¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de
Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía entender lo que
queremos enseñar con la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.
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Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto
que esté colocado en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la
imagen, pero de esto hablaremos más adelante.

La elección del centro de interés es la primera regla de una buena composición, ya que es la
más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar
la fotografía. Y a partir de ahí, todo lo que tienes que hacer es enfocar (o desenfocar) el
elemento sobre el que quieras centrar el interés.

➢ Rellena el encuadre (Fill the frame)

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al
aplicarla.

Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo",
asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este
modo, eliminamos posibles elementos que restan atención.

Es un error demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo
que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar en
nuestra fotografía. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, mejor quítalo.

➢ Apóyate en las líneas

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos
aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una
parte de la foto a otra.

Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son
uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras
fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son
elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.

Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el
efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.
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➢ Trabaja el flujo.

Después de las líneas, podemos tratar el flujo. En fotografía, el flujo es el modo en el que la
mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de
definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales,
verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es
nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser
menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los
elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas

diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que las líneas horizontales
y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y
dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.

➢ Juega con la dirección

La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la

fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.
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Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los
peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados.
Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del
peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La
dirección en fotografía se puede crear de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una
calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus
pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un
coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte
delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.

➢ Los elementos repetidos

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros, ...), dan un sentido de relación de
distintas partes de una imagen.

Por ejemplo, una bandada de pájaros puede estar moviéndose en grupo por el aire, definiendo
formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

➢ Los colores hablan.

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas y amarillos forman parte
de la gama de colores cálidos. Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda
de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los
azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales.
Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos
que el color tiene una importancia determinante en la composición en fotografía.
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Por último, debes saber también que en materia de colores hay que prestar atención también
al contraste tonal. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes
más claras y más oscuras de nuestra foto.

➢ El interés de los grupos de tres.

Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de
los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede
quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados
para distribuir.

Por algún motivo que no se puede explicar, a las personas nos gusta el número 3. En
fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

➢ La regla de los tercios

Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un
cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones A, B, C, D de las
cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.
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Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que
elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas,
ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, ... Está comprobado que llevando nuestro punto
de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.

De todos modos, las intersecciones marcadas por la regla de los tercios no son los únicos
puntos de interés donde colocar tu centro de interés. Tienes también, por ejemplo, la
proporción áurea.

En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla
para trabajar con los tercios, por lo que te animo a que revises el manual de tu cámara si
consideras que te puede ayudar a la hora de mejorar la composición.

➢ El espacio negativo

Se considera espacio negativo a los grandes espacios vacíos dentro de una fotografía.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio

vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la
imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo.

Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre.
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➢ Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo

El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el
frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan

distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo
de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que
utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.

➢ El enmarcado natural.

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la

foto. Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto,
como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de
las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ... Cualquier elemento que "encierre" el centro
de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.
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➢ Las curvas en S.

Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la
sensualidad. También transmiten movimiento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en
nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales
muy potentes que dan interés a la fotografía.

➢ La simplicidad.

En composición fotográfica, la mayor parte de las veces, menos, es más. Esto significa que
debemos evitar registrar en la foto todos aquellos elementos que desvíen la atención del
mensaje que queramos dar.

Para llevar a cabo la regla de la simplicidad se aconseja utilizar fondos sencillos, elegir la parte
del motivo que queramos tomar o su totalidad si es necesaria y evitar que los motivos que no
estén relacionados con el tema principal de la imagen compitan entre ellos.
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➢ Ley de la mirada

Esta ley dice que cuando estamos fotografiando a un sujeto debemos dejar un espacio,
también llamado aire, en la dirección en la que el protagonista está mirando. Dejar este
espacio provoca la ilusión de que ese sujeto está observando algo, aunque no lo veamos, y
despierta el interés del espectador.

En consecuencia, este, mirará inevitablemente hacia donde mira el sujeto de la imagen por lo
que podemos colocar ahí otro elemento sobre el cual queramos llamar la atención.

➢ Ley del horizonte

Este principio de la composición dice que, si separamos lo que estamos encuadrando en tres
partes iguales, el horizonte debería estar cerca de una de las dos líneas que lo divide.
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Hablamos de la línea del horizonte, pero esta regla es válida para todas las imágenes que
tengan una línea más o menos horizontal que divida la composición en dos espacios
significativamente diferenciados.

La ley del horizonte nos lleva también a una regla básica de la composición fotográfica que es
evitar la zona central de la imagen ya que es la que menos peso visual tiene.

➢ La simetría

Otra técnica que hay que tener en cuenta a la hora de componer es la simetría. Las
composiciones pueden ser simétricas o asimétricas.

En las fotografías compuestas simétricamente los elementos están colocados de manera igual
o similar arriba o abajo, a la derecha o a la izquierda de la imagen.
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Por el contrario, la composición asimétrica tiene como características ser irregular en cuanto a
estructura, pero dinámica y ágil. Este tipo de composición no dispone los elementos
desordenadamente sólo los organiza de distintas formas.

Es común que este equilibrio se dé en forma de letras o figuras, la S, la L, la C o la forma

triangular son las más utilizadas.

➢ La proporción Áurea

La proporción áurea fue usada como una de las primeras reglas de composición fotográfica.La
proporción áurea es uno de los principios formales de la composición visual que ha sido
utilizado desde la antigüedad. Esta proporción se ha encontrado tanto en murales egipcios
como mesopotámicos y aztecas, entre otras muchas culturas.

A lo largo de la historia los artistas y científicos han tratado de analizar qué hace bueno y
efectivo un diseño o una composición fotográfica.

Matemáticos griegos, entre los siglos III y V antes de Cristo, teorizaron sobre lo que llamaron la
Proporción Áurea. Esta proporción es el número irracional que vincula dos segmentos de la
misma recta.

Los griegos identificaron una regla que parecía ser una proporción mágica o divina. Esta divina
proporción divide el espacio o las líneas en una imagen placentera. Sus estudios los llevaron
finalmente a describir las dimensiones matemáticas precisas de esta proporción ideal y le
llamaron número áureo o número de oro.
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Si a esta serie de rectángulos se le traza una línea en forma de espiral uniendo algunos de los
vértices hallamos la tan famosa Espiral de Oro. Esta espiral se da con muchísima frecuencia
en la naturaleza. La podemos ver en determinadas plantas, en flores e incluso en conchas de
caracoles.

En fotografía se ha utilizado esta proporción áurea desde los orígenes de la disciplina,

intentando encuadrar los objetos en los puntos fuertes de esta espiral. Los resultados suelen
ser armónicos y equilibrados utilizando esta técnica de composición.

Quizás te parecen muchas las reglas de la composición en fotografía.

La mayoría son relativamente fáciles de aplicar, mientras que en otros casos dependes de
ciertas condiciones del entorno y de la cámara con la que contás. Lo importante es
conocerlas y recordarlos a la hora de hacer fotos, porque con su observación y su recuerdo
empezarás a encontrar con más facilidad mejores imágenes en tus prácticas de fotografía.
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DOS ELEMENTOS MUY IMPORTANTES EN LA COMPOSICIÓN SON:

“LAS LINEAS”

Las líneas siempre están presentes en nuestras imágenes, ordenando, distribuyendo, guiando
la mirada. ¿Te has planteado alguna vez lo importantes que son las líneas y lo mucho que
pueden llegar a mejorar una fotografía? ¿Te has parado a pensar en las líneas de una
fotografía para ver si decían algo especial de ésta?

¿Qué Son Las Líneas de Una Fotografía?

Cuando pensamos en "las líneas de una fotografía" es probable que nos imaginemos un
conjunto de rayas que recorran la imagen creando cierto patrón más o menos atractivo.

Este puede ser el caso de muchas imágenes, pero cuando hablamos de las líneas de la
fotografía, podemos ir mucho más allá. Las líneas pueden estar formadas por formas
geométricas, por sombras, por espacios vacíos o incluso por diferentes sujetos de la
fotografía. Y lo que es más importante: no es necesario que las líneas sean el centro de
atención de nuestra fotografía, pueden ser, simplemente, un mero apoyo a la composición o la
expresividad de ésta.

Sea como sea, es importante saber distinguir las líneas de una fotografía porque son como
autopistas para los ojos que ven la imagen. En cuanto nuestra mirada identifica una
línea, automáticamente la sigue para ver hasta dónde llega. Si las líneas de una fotografía
están bien distribuidas a lo largo de la imagen, pueden llegar a guiar los ojos por todo el
encuadre. Así que, tu tarea antes de hacer una fotografía será buscar y potenciar las líneas
que en ella aparezcan.

A continuación, vas a ver qué transmiten y cómo son las líneas en función de su posición en la
fotografía:

➢ Significado de las Líneas Horizontales

Las líneas horizontales transmiten sensaciones de estabilidad, de calma, de descanso. Son

líneas que "no pueden moverse" porque están "caídas", apoyadas sobre alguna superficie, son
inalterables. La línea horizontal más fácil de encontrar en fotografía es el horizonte.
Precisamente por ser líneas que aportan estabilidad a nuestras fotografías, debemos vigilar si
no queremos que nuestras fotografías sean demasiado estáticas.

Para ello existen las reglas de composición, que nos ayudarán a distribuir las líneas de manera
agradable a la vista y consiguiendo efectos más diversos. Por ejemplo, para evitar que una
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línea como el horizonte nos divida la fotografía en dos partes completamente simétricas,
podemos recurrir a la regla de los tercios y a situar la línea en un lugar del encuadre que no
sea su centro matemático.

Además, a la hora de leer las fotografías, nuestros ojos están acostumbrados empezar por el
lado izquierdo y seguir hacia el derecho (el sentido de lectura del mundo occidental), así que
ten en cuenta esto a la hora de componer tus fotografías para poder llegar a transmitir cosas
tan distintas como que tu sujeto principal tiene un gran espacio para recorrer (si está situado
más bien a la izquierda) o si, por el contrario, ya ha recorrido un gran espacio (en este caso,
deberías situarlo a la derecha del encuadre).

Por otro lado, para enfatizar las líneas horizontales, la mejor opción será utilizar un encuadre
horizontal. Sin embargo, si lo que quieres es conseguir un contraste visual alto en tus
fotografías, puedes intentar buscar las líneas horizontales y hacerlas entrar en un encuadre
vertical. Puede ser interesante, ¿no?

➢ Significado de las Líneas Verticales

Al contrario que las líneas horizontales, las verticales transmiten fuerza, poder y crecimiento.

Por norma general, la vista empieza leyéndolas desde arriba, así que pueden llegar a dotar
las imágenes de un gran dinamismo, pues los ojos "caerán" por ellas hasta llegar al borde
inferior de la imagen.

Por supuesto, gracias a la composición, podemos alterar esto y podemos llegar a colocarlas de
manera que los ojos tengan que empezar a leerlas por abajo, produciendo, así, una sensación
de "cuesta arriba" que dotará a la imagen de la fuerza y el poder que acabamos de mencionar.

Lo ideal para potenciar estas líneas será usar un encuadre vertical, que ayudará a crear la
sensación de altura que las líneas verticales piden. Sin embargo, como en el caso de las líneas
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horizontales, puede ser una buena idea darle un contraste compositivo a la fotografía
colocando unas líneas verticales en un encuadre horizontal.

➢ Significado de las Líneas Diagonales

Las líneas diagonales son las aliadas perfectas para conseguir una fotografía dinámica. Si
antes hemos dicho que las líneas horizontales se empezaban a leer por la izquierda y que las
verticales se solían leer de arriba hacia abajo; los ojos tendrán comportamientos parecidos con
las líneas diagonales. En función de la composición de la fotografía, habrá dos opciones para
la lectura de las líneas diagonales de nuestra fotografía:

Dirección ascendente. Se dará cuando las líneas estén colocadas de manera que el
ojo empiece a leerlas desde la esquina inferior-izquierda y se dirija hacia la
esquina superior-derecha. Al tratarse de una dirección (metafóricamente) ascendente,
dará más sensación de esfuerzo, de lentitud, de poder.

Dirección descendente. Cuando las líneas estén colocadas de forma que el ojo
empiece a leerlas por la esquina superior-izquierda y las siga hasta la esquina inferior-
derecha conseguiremos una dirección de lectura de la fotografía descendente (de
nuevo, metafóricamente, claro). Así, este tipo de líneas nos darán más sensación de
velocidad, de movimiento suave y continuo.

Además, las líneas diagonales también son perfectas para crear profundidad en tus
composiciones, pues la perspectiva hace que unas líneas rectas y paralelas terminen
convirtiéndose en líneas diagonales convergentes.
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Tres cosas que deberías tener en cuenta sobre las líneas de tus fotografías.

• Si quieres líneas rectas, fíjate en que estén rectas. Parece una tontería, ¿no?, pero
es algo muy importante. Si quieres que las líneas tengan una gran importancia dentro
de tu fotografía (sea porque son el sujeto principal de esta o porque son un gran apoyo
a la composición), debes estar seguro de que están rectas o, al menos, que son
como necesitas que sean. Si quieres líneas horizontales o verticales, sírvete de guías
para asegurarte de que no tienen la más mínima inclinación. Si las quieres en diagonal,
asegúrate de que están inclinadas los grados necesarios. ¡Este pequeño detalle
puede cambiar muchísimo tu fotografía!

• Algunas reglas de composición. Nunca debes olvidar las principales reglas de

composición cuando se trata de fotografía, sea cual sea el motivo que quieres
fotografiar. Ya sea porque quieres seguir estas reglas o porque quieres romperlas
deliberadamente, siempre debes tenerlas presentes. En el caso de las líneas, es
especialmente importante la proporción áurea y, como consecuencia, la regla de los
tercios y la regla del horizonte. Además, ten en cuenta que, aunque las líneas suelen
servir para ordenar (en cierta manera) la composición de las fotografías, también
pueden servir para desordenarla y llegar a crear, en algún momento, una especie de
caos.

• Y por último (pero no por ello menos importante...), las líneas curvas
son tremendamente atractivas para la vista porque el movimiento que provocan es
inesperado, así que invitan a seguirlas con la mirada. Son perfectas para
dar profundidad y para terminar de darle sentido y dirección a cualquier composición.
Las líneas curvas más atractivas de todas son aquellas con forma de S, ya estén
colocadas en una posición vertical, horizontal o diagonal.
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¿QUÉ ES EL PESO VISUAL Y CUÁL ES SU EFECTO EN LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA?

El peso visual es la capacidad que tiene un elemento de una composición de atraer la

mirada de aquel que mira la imagen. Cuanto más peso visual tenga algo, más atraerá la
atención del ojo. ¿Qué hace que algo tenga más peso visual que otro elemento?

➢ El Tamaño. Un elemento grande tiene más peso visual que un elemento pequeño.

➢ La Posición. Un elemento en una posición baja, tiene más peso que uno en una
posición alta. Además, un elemento situado a la derecha siempre tendrá más peso que
uno situado a la izquierda.

➢ La Distribución. Un elemento tendrá más peso visual si se encuentra aislado que

dentro de un grupo.
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➢ La Textura. Un elemento con textura tendrá más peso que uno que no la tenga (o sea
de textura lisa).

➢ La Forma. Las formas cerradas, geométricas, regulares y/o reconocibles tendrán más
peso visual que el resto de formas.

➢ El Color. Los colores cálidos tienen más peso visual que los colores fríos. Los colores
saturados pesan más que los desaturados. Y los colores oscuros pesarán más que los
colores claros.
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➢ El Contraste. Un elemento que genere contraste respecto al resto de elementos tendrá

más peso visual.

¿Cómo Gestionar el Peso Visual para Conseguir Imágenes Atractivas?

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Una imagen atractiva visualmente suele ser aquella que tiene sus pesos visuales bien
distribuidos, esto es, que está equilibrada. ¿Cómo podemos saber si una imagen está
equilibrada?

Se trata, por norma general, de percepciones bastante subjetivas y que necesitan de un ojo
bastante entrenado en este aspecto. Sin embargo, es tan sencillo como convertir una imagen a
simples figuras geométricas:

Ahora tendremos que colocar, metafóricamente, nuestra imagen simplificada en una balanza y
ver qué lado pesa más. En nuestro ejemplo, como el elemento principal está situado en un
extremo de la imagen, lo lógico sería pensar que esta foto está desequilibrada, pues si la
pusiéramos en una balanza, se caería hacia la derecha.

Sin embargo, la cuerda del fondo tiene también su peso visual, es un elemento grande, pero, a
la vez, tiene menos textura que la mano (debería pesar menos). Además, la mano sube desde
abajo mientras que la cuerda baja desde el lado opuesto, por eso, la imagen queda bastante
equilibrada.

Entonces, ¿sólo se trata de mantener los pesos visuales equilibrados? ¡En absoluto! Una
fotografía puede estar perfectamente equilibrada y, sin embargo, no ser atractiva (o, al menos,
ser menos atractiva que otra imagen igual de equilibrada).
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Ambas imágenes están, más o menos, equilibradas. Pero la manzana de arriba es más atractiva
visualmente que la de la abajo. ¿Por qué? Primero porque el objeto principal de la imagen de
la izquierda está situado en uno de los puntos fuertes de la regla de los tercios y esto será
atractivo para el ojo humano.

Además, la fotografía de abajo es demasiado estática, con un solo golpe de vista el ojo ve
todos los motivos perfectamente. Por el contrario, en la foto original, el ojo puede hacer un
recorrido natural para leer toda la fotografía:
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Como el ojo occidental está acostumbrado a empezar a leer los textos por arriba a la izquierda,
a la hora de leer las fotografías, ocurrirá lo mismo. Así que, para la imagen de arriba, ese es el
recorrido que hará el ojo para leerla: empezará por la esquina superior izquierda y terminará
en el centro de atención, la manzana, sin dejar de recibir información en ningún momento.

En la imagen de abajo, al encontrarse el elemento centrados, con un simple golpe de ojo al

centro de la fotografía quedará leída completamente. En este caso, no habrá más información
que el ojo pueda leer aun moviéndose por la imagen.

En conclusión, suele pasar que una imagen que provoque cierto movimiento del ojo será más
atractiva visualmente. En el centro no llama la atención y las imágenes estáticas, por norma
general, aburren al ojo.

¿Qué Podemos Expresar con el Peso Visual?

Teniendo todo lo anterior en cuenta, podemos aprovecharnos del peso visual para expresar
aquello que más nos interese, por ejemplo:

➢ El movimiento que se va a realizar. Si quieres intentar transmitir movimiento, pero sin

que éste todavía se haya consumado, o no del todo, quizás la mejor opción sería situar
tu sujeto principal en el punto situado abajo a la izquierda de tu encuadre.

El hecho de colocarlo a la izquierda y no a la derecha es por la dirección de lectura del mundo

occidental. Como ya hemos visto, el ojo verá, en un primer momento, el sujeto y luego seguirá
leyendo la composición, dándose cuenta de que queda mucho espacio para ser recorrido.
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➢ El movimiento ya realizado o la sensación de rapidez. De la misma manera que en el

caso anterior, el modo de lectura occidental nos ayudará a colocar el sujeto para que
éste transmita ese movimiento. Si colocas el centro de atención en el punto situado
abajo a la derecha, el ojo pasará por todo el cuadro antes de llegar al sujeto, lo que
dará sensación de camino recorrido.

Como en el caso anterior, si, además, existen líneas diagonales que recorran la imagen desde
la esquina superior izquierda a la inferior derecha, la sensación de movimiento será mucho
más acusada y cuanto más cercano al borde esté el sujeto, más veloz parecerá.

➢ Levitación o Ligereza. Si queremos representar la sensación de que el objeto está

flotando, es decir, que se mantiene en el aire, pero no va a caer; es bastante útil
colocarlo un poco por encima de la línea central.

El centro, como hemos dicho, es demasiado estable, así que nos dará esa sensación de
"mantenerse". A la vez, situarlo un poco por encima, nos dará la sensación de estar por encima
del suelo.

No se mueve, es estable. Si situamos nuestro elemento en la parte inferior de nuestro

encuadre, nos dará la sensación de que se encuentra colocado sobre el suelo, así que está en
una posición estable. Si, además, lo colocamos en el centro, todavía será más estable.
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LEYES DE LA PERCEPCIÓN DE LA IMAGEN. TEORÍA DE LA GESTALT.

Las leyes de la Gestalt nos ayudan a entender cómo percibimos el mundo que nos rodea y la
tendencia que tenemos a percibir las relaciones entre los distintos elementos como un todo.

Figura y Fondo

Esta ley analiza la relación que hay entre los diferentes estímulos de la imagen. Los seres
humanos tenemos tendencia a separar las figuras del fondo según su color, su forma, su
tamaño, su contraste, etc.

La figura y el fondo no son estáticos como podemos ver. Ambos pueden intercambiar sus
papeles y convertirse en figura o fondo según los miremos, pero jamás podremos ver las dos a
la vez.

Estas figuras se perciben más fácilmente cuanto más sencilla y simple sea la forma del objeto.
El mejor ejemplo para esto es la imagen de las caras y las copas.

En fotografía se aplica esta ley para resaltar los objetos o las personas dentro de un contexto
determinado.
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Semejanza

La ley de la semejanza dice que tenemos tendencia a ver las cosas que comparten
características visuales como el color, la forma, el tamaño, o la textura como un todo.

En composición fotográfica el uso deliberado de la semejanza añade un significado a la imagen

que es independiente del tema principal. Además, el uso de la repetición añade ritmo y eso, por
lo general, suele desembocar en buenas fotografías. Esto se debe a que la semejanza y la
repetición en muchas formas de arte suelen considerarse como armónicas.
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Proximidad

Tenemos tendencia a percibir los objetos y las formas que están cerca las unas de otras como
si pertenecieran al mismo grupo. Incluso si las formas, los colores y los objetos de éstas son
radicalmente diferentes.

Cierre

La ley del cierre dice que nuestro cerebro tiene tendencia a "rellenar los huecos" y nos da o
imagina los detalles que le faltan a una figura para completarla o cerrarla. Una vez que la figura
se ha cerrado eliminamos los detalles innecesarios y establecemos un patrón para el futuro.

La tendencia que tenemos a hacer esto se dispara por la sugerencia de una conexión visual o
continuidad entre los elementos que, de hecho, no se tocan en una composición.
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Continuidad

Este principio está muy relacionado con la ley de cierre. Viene a decir que los elementos que
están orientados en la misma dirección tienden a agruparse.

Nuestra tendencia a continuar los contornos puede ayudarnos, como fotógrafos, a guiar la vista
del espectador hacia el punto de interés de la imagen.

Simetría

El cerebro humano intenta organizar la información visual para hacerla lo más simétrica,
estable, simple, regular, consistente, estructurada y ordenada posible.

La simetría implica que el espectador no debería tener la impresión de que algo está
desequilibrado, perdido o erróneo dentro de la foto. Si algo es asimétrico da esa sensación y el
espectador perdería el tiempo buscando ese problema lo que lo distraería del mensaje principal
de la foto.
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INDICE:

LA IMAGEN………………………………………………………………………………………….. 1

LA FOTOGRAFÍA…………………………………………………………………………………… 2

EL ENCUADRE EN FOTOGRAFÍA………………………………………………………………. 4

LOS PLANOS EN FOTOGRAFÍA………………………………………………………………… 7

LAS ANGUALCIONES EN FOTOGRAFÍA……………………………………………………….12

PERSPECTIVAS FOTOGRÁFICAS……………………………………………………………… 16

LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA…………………………………………………………….. ... 18

LAS LÍNEAS………………………………………………………………………………………… 30

LOS PESOS VISUALES…………………………………………………………………………… 34

LEYES DE LA PERCEPCIÓN DE LA IMAGEN. TEORÍA DE LA GESTALT………………..41

BIBLIOGRAFIA

➢ https://www.dzoom.org.es
➢ https://www.blogdelfotografo.com
➢ www.fotonostra.com