APRECIACIÓN DEL ARTE

PROPUESTA CREATIVA
PROYECTO FINAL

Sergio Nicolás Riveros 1810010003

María Fernanda Urrego 1810010972
Jaime Nicolas Montoya 1810010345
Angie Julieth Tarazona 1810010806
Luis Ángel Mojica           1810010787
David Andrés Cardozo   1810010195

AUGURIO

POLITÉCNICO GRANCOLOMBIANO
2019
 FICHA TÉCNICA

Obra: El Aquelarre, o El Gran Cabrón

Autor: Francisco de Goya

Técnica: Óleo sobre revoco

Movimiento: Romanticismo

Ubicación: Museo del Prado

Año: 1819

Dimensiones: 140cmx438cm

PREINCONOGRAFÍA:

En la obra del Aquelarre(1823) pintada por el artista Francisco Goya, se puede apreciar
a simple vista lo que más impacta o llama la atención de la obra, en este caso sería el
Gran Cabrón, la mirada de él nos guía hacia el extremo derecho de la obra donde
apreciamos, una joven, que difiere a los demás debido a los contornos finos con los
que fue pintada, además de que se encuentra ausente, parece estar tocando un
instrumento musical. Por otro lado, podemos observar que al lado del Gran Cabrón se
encuentra una persona, que aparte de ser la más próxima a él, parece estar reflejando
una complicidad con el mismo, adicionalmente de que su mirada con la del Cabrón se
unen para observar a la joven antes mencionada. Las anteriores tres figuras
mencionadas son las que se podría decir que se encuentran en un primer plano. Ahora
bien, en un segundo plano encontramos un tumulto de figuras grotescas con caras
animalizada. El hecho de que las caras tengan esa forma, contrasta con el hecho de la
cabra sea representada como se mencionó anteriormente de manera antropomórfica,
es decir, con la intención de parecer un humano. Cabe resaltar que, entre el tumulto de
las caras, podemos resaltar tres de ellas. La primera se encuentra al extremo izquierda,
la cual parece ser una anciana con algo entre las manos. La segunda figura, es un
hombre adulto que muestra una posible expresión de terror. Y la última figura, un
hombre igualmente adulto, erguido y observando de igual manera al Gran Cabrón.

En el cuadro, la luz cae directo sobre los rostros de las personas que aterradas ven a la
cabra. La cabra y la persona junto a ella vestida de blanco reciben la luz de espaldas
generando sombras y claroscuros atreves del suelo de la obra.

Las figuras que vemos plasmadas están en una posición elíptica rodeando a la gran
figura negra y la pequeña blanca en el centro. Se ubican varias personas muy juntas
dando un efecto de multitud, los rostros de todas estas figuras humanoides son
bestiales, desfiguradas, arrugadas, y manchadas, con expresiones de angustia, miedo
y expectación, mientras que solo una no tiene ninguna debido a que no tiene rostro.

En tema de la paleta de colores presente en la obra, el autor logra encontrar un

equilibrio particular entre colores oscuros y/u opacos, consiguiendo armonía entre los
colores ocre, negros y blancos. Cabe tener en cuenta como se realiza el manejo de
contrastes entre los colores de las vestimentas, el lugar y las acciones que se
desarrollan en la imagen. El uso de los colores oscuros para resaltar la relevancia de
personajes dentro de la pintura como lo son el gran cabrón y la joven ubicada a la
derecha del cuadro sentada en una silla. Así mismo el uso del blanco para dar a
entender un segundo lugar en el orden de relevancia dentro de la pintura, como lo es el
personaje que se encuentra a la derecha del gran cabrón (centro de la pintura) y el
resto de los personajes que se encuentran dentro del grupo que esta frente al gran
cabrón.
 ICONOGRAFÍA:

En la obra se expone como su nombre lo indica un Aquelarre. Se puede apreciar

un ritual de iniciación. En el que el demonio es representado como el Gran Cabrón,
junto a él se puede apreciar al ayudante quien prepara los instrumentos para la
ceremonia. Esto se puede deducir porque de todo el público que está en el cuadro, hay
una mujer cuyo rostro es joven y difiere de los demás. Asimismo, se contempla una
audiencia compuesta por frailes, brujas y campesinos con rostros irregulares y
malignos cuyas facciones se pueden decir que son animalescas.

Ahora bien. El Aquelarre de acuerdo al diccionario ideológico de la lengua

española se entiende como “toda junta o asamblea de hechiceros/as y/o brujos/as,
siempre y cuando no estuviese convocada por autoridad legítima alguna”. [ CITATION
Arz08 \l 9226 ] con el objetivo de celebrar ritos y hechizos, en el que, además se supone
que está presente el demonio cuya representación tomaba la forma de un macho
cabrío. Cabe mencionar que también se denominaba Sabbat y existía en las creencias
precristianas como significado de rituales de adoración al demonio o lucifer. A
principios del siglo XIV se tiene registro de la primera reunión de brujas, en 1508 se
acusó a María San Juan de Garonda, ya que “había sido y era bruja maléfica y así…
acompañada de otros brujos maléficos sus cómplices y partícipes en el dicho delito de
herejía que había usado en el dicho oficio de bruja, encomendándose al demonio
Belcebú, yendo a sus llamamientos y ayuntamientos”. [ CITATION Arz08 \l 9226 ].

En el imaginario popular, las ceremonias de fertilidad en las que se reunían para

renegar de dios y se daban ofrendas al diablo como alimentos, música, orgias entre
otras sin la necesidad de haber elementos mágicos de por medio se le denominaba
Sabbat. En el aspecto de los alimentos solían comer; pan negro, cebollas, frutas y
carne de personas difuntas que desenterraban y sacaban de los cementerios, en
especial cuerpos de otros brujos difuntos. Como se había mencionado anteriormente el
concepto de bruja parte desde el siglo XIV en Europa, definido por mujeres que hacían
el uso de artes místicas además de ser ayudadas por las almas de los muertos
apartando a la gente de la verdadera fe que se tenía en Dios. A partir de su iniciación
de su pacto con el diablo, adquirían habilidades sobrenaturales con ayuda de brebajes,
objetos o plantas usando los poderes recibidos para generar daño a la población.
Usualmente los lugares de encuentro eran secretos, y solamente se notificaba a las
personas que eran parte del aquelarre. El concepto de bruja es asociado con el
libertinaje sexual y el placer.

En el oscurantismo, la superstición de la gente de la época toma a la cabra como

un símbolo que representaba a los adoradores del demonio y, asimismo como una
resignificación de las tradiciones paganas.

ICONOLOGÍA

Para empezar y poner en contexto cabe reflexionar y analizar lo que quiere decir la
palabra “Aquelarre”, asi pues, esta tiene como significado o simbolismo el “prado del
macho cabrío”, es decir, pastizal o pradera perteneciente al animal a representar; en
este caso el macho cabrío. Ahora bien, el origen de este termino como tal se le acuña a
los rituales satánicos o místicos de la época, donde se tenía como concepto una
especie de reunión o ceremonia comprendida mayormente de mujeres a las cuales se
les concebía como brujas. De igual manera, la palabra Sabbat, existía en ciertas
creencias como lo es el caso de las precristianas: donde los actos de invocación y
adoración a Lucifer pasaban a ser concebidas como paganismo. Llama la atención, que
este tipo de prácticas eran generadas en las sociedades y comunidades antes de
Cristo, no obstante, lo que no existía era una palabra que le diera o brindara una
denominación a ese acto como tal.

Siguiendo este marco, el acto empezaría a cobrar una denominación como tal
a finales de la edad media y principios del siglo XVIII. Y, de acuerdo con algunos
estudiosos de la brujería como, Anna Armengol o G. Henningsen consideran que la
palabra nacería en una especie de construcción culta derivada de un origen jurídico de
aquel entonces. En 1906, el inquisidor Juan del Valle Albarado y Becerra, escribirían
acerca de una secta de brujas que según ellos se habían dado por descubierta. Y,
adjudicarían a las brujas de Zugarramurdi actos de paganismo que contemplaban y
abarcaban aspectos como los rituales, reuniones y hechizos en base a la adoración del
Diablo, englobando a todos estos actos en una sola palabra: Aquelarre. Asi pues, se
tendría de esta manera el primer documento o constancia donde se utilizaría la palabra
“Aquelarre” para denominar esta especie de acciones y practicas paganas.

Sabbat, se relaciona con los ancestrales prejuicios antisemitas. La religión judía

santifica el sabbat (séptimo día de la semana en el calendario hebreo) como jornada de
descanso obligatorio, algunos gobernantes cristianos de la Edad Media buscaron
conectar el descanso prescrito por el judaísmo con la actividad satánica y la brujería.
Así, le dieron al término "sabbat" el sentido peyorativo de "reunión para ejecutar
prácticas demoníacas" y acusaron a continuación a los judíos de ser adoradores del
Diablo. Afirmaban que la celebración de este día sagrado consistía en realidad en una
reunión clandestina de brujas y hechiceros en la que se realizaban sacrificios humanos.

Siguiendo esta serie de ideas, se puede apreciar que, en la obra del Aquelarre, el
autor expresa una escena típica o común que representa aquellas ceremonias que
obtenían cada vez más relevancia en la sociedad europea, debido a las ideologías que
nacían para hacerle frente a los dogmas religiosos impuestos por la iglesia.

Cabe recalcar que el autor, además, tuvo la oportunidad de apreciar y contemplar

obras literarias y pictóricas que con frecuencia, tocan el tema relacionado al
oscurantismo, la superstición y cómo estas fueron comprendidas, aceptadas y
rechazadas por la sociedad del momento. Esto sirvió como inspiración para llevar a
cabo esta serie de representaciones pictóricas denominadas PINTURAS NEGRAS. No
obstante, hay que aclarar que, durante un transcurso específico de su vida, Francisco
de Goya recurrió a una técnica narrativa y estética consecuente a las experiencias,
vivencias, y ambiente social y cultural al cual estaba expuesto. Puesto que no era la
primera vez que el autor evidenciaba en sus obras la fuerte influencia del pensamiento
e ideas contrarias a las creencias religiosas que eran dominantes en la época.
 Las PINTURAS NEGRAS abarcan un grupo de pinturas hechas por goya para el
mismo en su residencia: “LA QUINTA DEL SORDO”. Esto es un punto y aparte en la
carrera de un Goya acostumbrado a hacer trabajos por encargo (en especial retratos).
Este conjunto de pinturas son un viaje oscuro y deprimente a través de Goya que ya
había perdido a su esposa y una extraña enfermedad lo había golpeado dejándolo
sordo, una Goya que había vivido la guerra de independencia y la había retratado en
los desastres de la guerra. esta serie de pinturas las hizo sobre las paredes de su casa,
siendo oscuras y con temáticas aterradoras y deprimentes hechas por Goya atacado
por sueños aterradores, viviendo en una España caída, en medio de guerras de
independencia y perdiendo sus colonias tanto en Latinoamérica como en África. Un
acercamiento a estas pinturas fueron las encargadas por los duques de osuna, para
ese momento goya estaba enfermo. Otra pintura que se acerca a la oscuridad interna
que sentía goya es su autorretrato mientras lo cuida el doctor, donde expone lo difícil
que fue para él enfrentar la enfermedad que lo dejó sordo.

El aquelarre fue una de las obras más grandes dentro de las PINTURAS NEGRAS.
pintada en una de las paredes, representa a un Goya cada vez más viejo, acechado
por sueños tortuoso mientras el silencio de su sordera se le hacía insoportable. Esta
pintura entra en un mundo oscuro lleno de brujas y de la aterradora imagen del diablo,
algo aterrador para la España de la inquisición que perseguía duramente a las brujas y
todo acto fuera de la religión. El aquelarre muestra la moral de una España caída en
una etapa oscura de la cual le será duro levantarse, una España que pasó de ser un
gran imperio, rico a costa de sus exploraciones en américa latina y en la india, a ser
una España caída en la miseria, que perdía generaciones en las guerras de
independencia en Latinoamérica y con un proletariado cada vez más descontento con
el rey, un verdadero aquelarre en tiempos de la inquisición.

FICHA TÉCNICA
Autor: Jean-Michael Basquiat

Obra: Riding With Death (1988) Técnica: Acrilico, crayon, lona

Movimiento: Neo-exprecionismo

Ubicación: Colección privada

PREICONOGRAFÍA

La obra, en su estado original, mide 249 x 289.5 cm. Un cuadro inmenso a la

vista, en cuyo fondo predomina un color dorado, un amplio campo de oro casi marrón
que evoca las pinturas rupestres de las cuevas primitivas. Superpuesto a este dorado
inmenso crece lo que reconocemos como un hombre, montando partes de un
esqueleto un tanto confuso del que solo reconocemos la cabeza y los brazos y varias
bigas de blanco profundo que asimilan los fémures de este esqueleto. Cabe mencionar
que el esqueleto es el de un humano, pero este hace una analogía al de un caballo.

Por otro lado, podemos observar las cuencas de los ojos que son negras y a su
vez están trazadas por dos líneas diagonales formando una equis dando a más peso al
concepto de la muerte. En la boca del cráneo se posan líneas delgadas de un café más
intenso como varas, paja que come o el bocado (freno) a la parte que se introduce en
la boca de un caballo, lo anterior se podría deducir gracias a los delgados trazos
negros que salen de la mandíbula del esqueleto siendo usado como rienda por la figura
encima del mismo. La posición de sus brazos muestra como camina en cuatro patas,
su brazo derecho está encogido como si ese fuera su siguiente movimiento en al andar.

Ahora bien, respecto a la figura que esta sobre el esqueleto podemos denotar
que su color predominante es un rojo alusivo a la carne, su cabeza y el contorno de su
cuerpo es totalmente negro, al nivel del tórax tiene unas líneas blancas que se pueden
asemejar a las costillas. En su cabeza se observa una línea naranja que se puede
tomar como una protección. Ahora bien, podemos tomar los dos trazos negros
alrededor de su cuerpo como sus brazos y uno de ellos sostiene lo que se asemeja a
un tridente en analogía a la oz de la muerte (En un contexto convencional de la
muerte). En un segundo plano en la parte baja de su cuerpo se observan unos trazos
negros incompletos que no concluye la pierna derecha de la figura, con respecto a la
pierna izquierda, se puede observar de manera más precisa unas líneas negras
bastante delgadas aludiendo a un tipo de estribo que está colgando de su pie.

En cuanto al fondo encontramos que los trazos son bruscos y mezcla los colores
dorado, blanco y verde oliva, hay una ruptura en diagonal a lo largo del cuadro. En la
parte superior predomina el tono del color verde oliva, que puede entenderse como el
cielo y la transición del mundo de los vivos a los muertos, mientras que el color dorado
podría representar la tierra o el suelo que pisa el esqueleto.

ICONOGRAFÍA
 A manera introductoria, podríamos empezar analizado el tema de la obra Riding
With the Dead, como una interacción entre la vida y la muerte que se encuentra latente
y presente en el individuo. De esta manera, se podrían interpretar aspectos
psicológicos del psicoanálisis como los conceptos del Eros y el Tanatos, en otras
palabras, habría pulsión dentro del individuo representadas como el mundo interior de
la persona, de las cuales no se puede huir ni evitar y deben ser manifestadas o
representadas con el mundo exterior con el objetivo de satisfacer la fuente interior del
estímulo. Ahora bien, con respecto a la representación de la muerte; esta se ha tomado
desde momento históricos en el arte como el barroco. Así pues, “En la época barroca,
llena de lujos y suntuosidad, el arte nos dirá: La muerte no perdona al alto ni al bajo, es
tan cruel con el Papa y el Emperador como con el villano. Ciertamente es una visión
de la muerte llena de drama, algunas veces íntimo, algunas veces sombrío, algunas
veces pleno de matices teológicos dignos de ser considerados”. (Barca , 2010, pág. 25)
. De esta manera, como podemos observar se puede entender entonces que el tópico o
tema de la muerte se ha tratado desde tiempos muy antiguos y se ha visto reflejada y
retratada en el arte como lo podríamos evidenciar en la Época barroca.

En tiempos contemporáneos, la muerte sigue siendo un tópico místico e

interesante. La relación entre la vida y el final de ella es un enigma que conlleva
muchos simbolismos; entre ellas podemos encontrar las calaveras, los jinetes del
apocalipsis, instrumentos como la oz. Otra mirada hacia la obra, podría ser la
representación del racismo invertido, es decir, el hombre de características toscas y de
ascendencia afro sobre un cuerpo de huesos blancos en postura sumisa, ya que, el
dominante pasa a ser el dominante y el dominante a ser el dominado. Los huesos
representan a reyes y emperadores de siglos pasados en donde las personas de piel
oscura eran esclavos de la supremacía en ese entonces que era de piel blanca. En
estas condiciones, los individuos de raza negra estaban en constante devenir entre la
vida y la muerte viendo como sus familiares y amigos morían de enfermedades,
maltratos y violencia en general ocasionando que la relación entre la vida y la muerte
fuera más presente en la cotidianidad.
 Aun en tiempos contemporáneos, la reflexión sobre la raza sigue siendo un punto
importante en la sociedad. Porque los negros en la época de la obra seguían siendo
sometidos por la sociedad en general como los policías y los entes estatales de
gobierno americano. Esto hacia que la muerte, fuera constante como en los tiempos de
la colonia así se quisiera disfrazar con otros aspectos como el auge de los negros en
los deportes y en la cultura popular.

ICONOLOGÍA

Riding with death es parte de las últimas obras que hizo Jean-Michel Basquiat. Un
retrato de la vida excéntrica y llena de drogas que, no solo rodea su mito junto a otro
grupo de artistas que murieron a los 27 años, también es un común denominador en la
vida del espectáculo desde finales de los años 70. “se sumerge en el movimiento
abstracto junto con la técnica del action painting consiguiendo un estilo propio de
pintar” (Fortuny, pág. 10) esta técnica es considerada como la plasmación de la
gestualidad o movimiento corporal en una obra, sugiriendo entonces que “este era
entendido como un acto físico, impulsivo, parte del proceso interior del subconsciente”
(Molina, pág. 5). Lo anterior, se ´podría interpretar sobre cómo se deja el pensamiento
libre dando la impresión de que todo era al azar, pero siendo en realidad todo
controlado por el artista. Basquiat retrata la violencia que ocurre en Nueva York con un
arte moderno e hibrido llegando a temas profundos como el aislamiento y el desarrollo
humano en un entorno urbano. El autor toma mucha inspiración de artistas europeos
como Picasso, Dubuffet además del grafiti aplicándola en su arte contemporáneo
siendo importantes influencias para el movimiento revolucionario que ya estaba en
marcha como se ve en esta, su última obra. “En el caso de Basquiat, su relación con
las drogas parece un intento de flirteo continuo con la muerte, un desafío a la fuerte
autoridad paterna, una búsqueda de unos orígenes marginales inexistentes” (Garcia,
2008, pág. 70), Desde inicios de la revolución cultural en los 60 se pone en tela de
juicio la posición de la droga en el arte y la sociedad. A mediados de los 80 el uso
indiscriminado de heroína por parte de los artistas no solo plásticos, también en el
entretenimiento, el cine y la música. Riding with death expone una realidad de la que
Basquiat fue artífice de ante mano: la influencia de la heroína en el arte. Su afición al
jazz lo llevo a conocer la escena del bebop en Nueva York, una comunión constante
con la muerte y las adicciones. Andy Warhol y Basquiat fueron amigos cercanos,
compañeros recurrentes de arte. Tras la muerte de Warhol, el estilo de pintura de
Basquiat experimento un cambio brusco, una seriedad extraña, ajena al color y al
derroche de símbolos de las obras de sus primeros años. Una sobriedad terrorífica que
se ve representada tanto en los colores suaves de la obra, como en las figuras que la
comprenden, inexpresivas, sin rangos sentimentales, y con extremidades indefinidas
que dan a entender como ellos están afectados por la muerte. Riding with death lleva
consigo una fuerte influencia de arte africano (el primer contacto con este tipo de arte
fueron las obras de Picasso) y como complemento el grafiti. Este última muestra una
constante búsqueda de una identidad, mostrando una manera de expresión por parte
de las comunidades multiétnicas que viven en los guetos de las grandes urbes y en
especial, Nueva York, que viven segregadas y que hacen parte de una sociedad de
consumo desmedido.

RELACIÓN ENTRE LAS OBRAS

Para los artistas, la etapa en la que realizaron cada una de las obras, fue un momento
angustioso y lleno de incertidumbres que lentamente los llevaron al final de sus vidas.

Tanto El Aquelarre (Goya) como Riding with Death (Basquiat) encierran la angustia en
diferentes puntos de la historia, uno perteneciente a una España medieval, oscura y
sesgada, que, de la mano con su deteriorado estado de salud, llevaron a Goya a un
estado de angustia exagerado, llevándolo a pintar estas visiones oscuras de muerte y
de demonios en las paredes de su casa habitada por él y nadie más. El Aquelarre hace
parte de estas pinturas que adornaban la triste casa de un Goya anciano ya en el final
de sus vidas, reflejando la angustia que lo atormentaba en sus noches de completa
soledad.

Basquiat, por su parte, pasaba un cuadro depresivo importante después de la muerte

de Andy Warhol. Mezclando a esto, la búsqueda perpetua de un origen al ser hijo de
inmigrante y la constante sombra que cubría a su obra, haciéndolo pensar que, dentro
del círculo del arte contemporáneo, solo era una novedad salvaje, un negro en un
mundo hecho por blancos para blancos que le tendían la mano por lastima más que por
admiración, terminaron en una adicción a la heroína que poco a poco lo consumió
hasta el final. Riding with Death es de los ultimo cuadros de Basquiat, su cruda
sobriedad esconde la tristeza del luto y la angustia de quien sabe que está cabalgando
con la muerte, el que sabe que su final estaba cada vez más cerca pero no puede
detenerse y evitarlo.

Cada pintura es parte íntegra de la obra de sus respectivos autores, pero estas se
conectan con un sentimiento en común, un sentimiento que los sobrepasó y , aun
pasándolo en pintura, los acoge hasta el final de sus vidas. Dos almas que representan
su angustia en dos tiempos distintos.

PROPUESTA

Nuestra propuesta se basa en un film minuto el cual pretende mostrar a una persona
corriendo, escapando o evadiéndose de algo. De esta manera, huiría de una serie de
visiones que entran en su mente constantemente y de las cuales no se pueden escapar
o evitar. Visiones que con el pasar del tiempo se vuelven cada vez más personales y
aterradoras.

Mientras las visiones se vuelven más duras, el hombre llega a un abismo en el que lo
ve todo, todas las visiones se hacen una sola. En ese momento despierta, y sus
visiones se solidifican en un cofre que tiene en sus manos, ahora sabe los que pasar, y
empieza un camino desesperante por intentar evitarlo, cambiarlo o esperar un final
tormentoso, la angustia de no saber cómo cambiar el destino.

JUSTIFICACION
El objetivo del film minuto es retratar aquella angustia que de cierta manera todos
pasamos en algunos momentos o situaciones de nuestras vidas. Instantes en los
cuales nuestro cuerpo y psiquis se hallan invadidos por una incertidumbre y miedo de
no saber lo que nos deparará ya sea en contextos cotidianos laborales, académicos,
personales o sentimentales. Y al mismo tiempo, representar este pensamiento que se
presenta de igual manera teniendo el mismo efecto latente y fuerte al pensar en cosas
que sabemos que pasarán en algún momento pero que no tenemos el control ni la
manera de evitarlas: la muerte, la pérdida de un ser querido, el fin del mundo, una
enfermedad grave o el fracaso ante algunas de las situaciones intrínsecas a las cuales
se enfrenta el individuo ante el mundo exterior.

Para empezar a hablar del producto final, lo separamos en dos momentos: el hombre
que huye de las visiones y las visiones.
El hombre que huye fue grabado por nosotros buscando una intención narrativa: un
hombre que huye de las visiones que tiene, se va adentrando en un espeso bosque
para darse cuenta de que no fueron un sueño y que pueden ocurrir en cualquier
instante. Al hombre le llegan las visiones de la misma manera en la que a Goya le
llegaron las imágenes que pinto en su casa, al momento de pintar el aquelarre. A su
vez, Al momento de editarlo buscamos darle una estética oscura en la que sobresalen
los mismos colores, así como en el gran cabron. Quisimos mostrarlo vendado haciendo
una alusión a las enfermedades que cada autor sufrió al momento de pintar las obras,
por un lado, Goya había salido de una enfermedad que lo dejo sordo, mientras
Basquiat sufría de una fuerte adicción a la heroína.

Las obras fueron un punto importante en la vida de los artistas, por eso el proyecto se
llama augurio, tomamos estas pinturas como un prefacio al final de sus vidas, una carta
de rendición ante la incertidumbre. Así como, al final, el hombre llega a un abismo
desde el cual ve toda la ciudad y sus visiones se hacen una sola, se deshace de sus
vendas y se entrega a lo que podría ser el final de su vida.
Ahora hablemos de las visiones. Estas están formadas por imágenes de archivo que
representan la angustian en la actualidad desde nuestro punto de vista alternadas con
imágenes complementarias que le dan ese contexto aterrador de pesadilla a las
primeras. Un ejemplo de estos es como mostramos al presidente Duque y al presidente
Trump y después unas experimentaciones con tropas de soldados y armas nucleares,
con esto enfatizamos en la angustia que genera el volver al conflicto, sabiendo que los
jóvenes seremos los que empuñaremos las armas.

También tenemos las imágenes de un parto intercaladas con una escena de la película
BEGOTTEN de 1991 dirigida por E. ELIAS MERHIGE en la que un cuerpo horrendo
agoniza en una esquina de un cuarto, está la elegimos por su estética aterradora. Le
sigue la descomposición de unas frutas. Con esto enfatizamos la angustian del
embarazo adolescente, como la llegada de una nueva vida puede ser el fin de los
sueños y los anhelos de una persona.
Por ultimo tenemos los asesinatos y las catástrofes naturales que encierran la
angustian por el cambio climático y el constante miedo a la muerte.
Otras imágenes fueron la araña comiéndose, la muerte de un ternero por un disparo y
la descomposición del cerdo bebe haciendo alusión al miedo a ir a una guerra son
ningún tipo de preparación por el hecho de ser jovenes También están los cerdos
comiéndose a un caballo hasta dejarlo en los huesos con la que hacemos alusión. a
riding with death y la adicción de Basquiat a la heroína.
La propuesta estética de las visiones es la parte experimental del film. De la mano con
su corta duración y su formato distinto al del todo el video, están divididas por azul y
rojas, enfatizando en que son un sueño. Las imágenes rojas resaltan por ser las más
cercanas a la realidad: el parto, los presidentes, el asesinato y un fenómeno natural.
Al final de la historia vemos una gaza colgando en la maleza, representando el final de
la angustia y el final de la vida, esta gaza es para nosotros las obras, el augurio del final
del sufrimiento para los artistas, el final de la vida. Después de esto empiezan un
parpadeo constante de negro y blanco acompañado de frecuencias que oscilan
rápidamente en el que ocultamos las dos obras, buscando crear una incomodidad en el
espectador y llevarlo más allá, que vea reflejado en la luz intermitente su angustia más
grande.
El video termina con el audio de la muerte de Timothy Treadwell, él fue devorado junto
a su novia por un oso grizzli de más de 3 metros en el parque nacional de KATMAI al
sur de Alaska. En el audio quedo plasmada la angustia de Timothy mientras era
devorado por el oso.

COMENTARIO DE AUTOEVALUACION DEL GRUPO SOBRE EL EJERCICIO Y

TRABAJO CREATIVO

Para empezar, hemos de decir que hay varios aspectos y elementos a resaltar y
nombrar al momento de haber trabajado tanto de manera escrita como creativa a lo
largo del semestre en la clase de apreciación del arte. Asi pues, podemos comenzar
haciendo una pequeña reflexión y análisis a los trabajos escritos que hemos
desarrollado en todo este tiempo; como resultado de ello todos los integrantes del
grupo hemos aportado información, aprendizaje y conocimiento con los que contamos
cada uno para el desarrollo optimo y adecuado de lo que fueron la preiconografia,
iconografía e iconología de las obras que escogimos. Esto se da gracias a la ayuda o
contribución que dio cada integrante por medio de las investigaciones personales que
se realizaron de los autores y de los cuales se tomaron como base documentos
académicos y profesionales que brindaran un soporte o una base lo suficientemente
confiable, apropiado y conveniente para el progreso del escrito en cuestión. Cabe
mencionar, que esto de igual manera nos ayudo a desarrollar y profundizar las
competencias escritas asi como los elementos que la abarcan siendo la critica y
argumentación de cada uno.

Por otro lado, y en base al ejercicio y trabajo creativo, consideramos que como se
ha mencionado anteriormente, aportamos y brindamos nuestras facultades,
conocimientos y aprendizajes combinándolos con los artísticos y personales que cada
uno tiene en su área y respectiva carrera para lograr un filme minuto que pueda
trasmitir la intención que nosotros queremos lograr al espectador. Asi como mostrar de
manera directa o indirecta la relación que tienen las obras del Aquelarre y Riding with
Dead teniendo como intención exponer esa angustia que probablemente vivían ambos
autores y pintores de las obras como consecuencia de una vida que presencio eventos
bastante peculiares como lo fue el exceso, la soledad y algunas atrocidades que
rodearon la vida de dichos artistas. Cabe mencionar, que todos los miembros del grupo
aportamos lo que se necesitara para el desarrollo de dicho fil minuto desde la
motivación y la disposición para hacerlo hasta la ropa, cámara, vestuario, actores que
se necesitara. Todo esto sin olvidar claro la edición.

Por ultimo y en conclusión fuimos un grupo que trabajo bastante bien entre si
evitando cualquier inconveniente que pudiera estropear o dificultar los trabajos escritos
o el fil minuto a desarrollar. Asimismo, cada uno pudo colaborar al otro en termino de
aclarar o explicar términos que no se entendía, ayudándonos de esta manera
mutuamente en el momento que algún integrante lo necesitara. De igual manera,
pudimos ver como se plasmaban los aprendizajes adquiridos a través de la clase en el
desarrollo del film minuto y los conceptos que con ello acompañaban. Brindándonos de
esta manera, una perspectiva bastante académica y artística pero pequeña de lo que
significa y comprende probablemente el arte en su totalidad.