IPEM N° 329:

“ARQ. OSVALDO PONS”.

CICLO: ORIENTADO-CURSO: 4to AÑO-2018.

ESPACIO CURRICULAR:
PRODUCCIÓN EN ARTES
VISUALES
DOCENTE: María Fernanda Giraudo4º año “A”
Alfonsina Ciancia 4º año “B”

NOMBRE DEL ALUMNO:………………………….

 PRESENTACIÓN
Las manifestaciones artísticas ocupan un importante lugar en la vida de los grupos sociales y en la
construcción histórica del pensamiento. El Arte es patrimonio cultural, encuentrosocial, espectáculo, espacio de
libertad para el desarrollo de la creatividad, vehículo de emociones y sentimientos, discurso que contiene y habilita
una pluralidad de interpretaciones acerca del mundo.
“Las imágenes se aprenden, tanto a producirlas como a analizarlas, cuando los conceptos se van
apropiando, ampliando, construyendo. La producción en imagen es entonces, una instancia de constitución y
materialización de ideas, que habilita espacios para seguir investigando en conceptos, resoluciones técnicas y la
lectura de otros discursos”.

CRITERIOS E INSTRUMENTOS DE EVALUACIÒN:

• Capacidad para valorar los procesos creativos propios, de sus pares y de la obra artística como patrimonio
cultural.
• Actitud para el trabajo cooperativo áulico e institucional.
• Participación activa en clase a través del trabajo organizado en forma individual y/o grupal.
• Capacidad para desarrollar procesos de autoevaluación y coevaluación.
• Capacidad para responsabilizarse de la entrega en tiempo y forma de trabajos prácticos, atendiendo a los
procesos de cada alumno.
• Competencia para la utilización y apropiación del lenguaje técnico.
• Capacidad para gestionar y administrar instrumentos de trabajo: presentación de carpetas y materiales
de trabajo.
• Ejecución de trabajos individuales y grupales y competencias para la defensa oral de los mismos.

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Firma de alumno Firma de padres o tutores

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 PROGRAMA ANUAL

CONTENIDOS:

 Elementos básicos del dibujo:

 Elaboración de imagen personal a partir de los elementos básicos. (1)
 Composición con el trazado de líneas, generando figuras reales o imaginarias. (2)
 Elaboración de un informe en donde investiguen sobre: el artista cordobés Hugo Bastos, el
chaqueño Milo Lockett y la japonesa Yayoi Kusama. (3)
 Museos: representación de un espacio. Diseño de un edificio imaginario para un museo.
 Museos virtuales. Museo local.(4)

 Las vanguardias:
 Búsqueda de información sobre el movimiento vanguardista: expresionismo e impresionismo.
 Elaboración de tres trabajos -individuales y grupales- en donde utilicen las técnicas
surrealistas: frottage, cadáver exquisito y fumage. (5 Y 6)
 Creación de un personaje surrealista y elaboración de un contexto para este personaje. El
trabajo puede ser en 2D o 3D. (7)

 Xul Solar:
 Análisis de la obra del artista. (8)
 Experimentación con témperas y la técnica del artista para la creación de una composición propia
de cada alumno. (9)

 El cubismo:
 Deconstrucción de figuras. (10)
 Elaboración de presentación y puesta en común de algún artista cubista. Trabajo grupal,
valiéndose de recursos tecnológicos (prezi, powerpoint, moviemaker y otros) (11)
 Roberto Brittos y el nuevo cubismo. (12)

 De la imagen plana a la imagen con volumen. (13)

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4
5
 http://hdrgallery.blogspot.com.ar/
http://www.guiacultural.com/guia_tematica/plastica/directorio_de_artistas/bastos_hugo/b
astos_h.htm
http://hugogbastos.blogspot.com.ar/

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 Milo Lockett
Una vida dedicada al arte
Milo Lockett es un artista plástico chaqueño, autodidacta, que comenzó su
carrera luego de trabajar varios años en la industria textil.
En 2002 cerró su fábrica y estampadora textil, y abandonó completamente
sus actividades empresariales para dedicarse por entero a la pintura.
De nacionalidad argentina, nacido el 1 de Diciembre de 1967, vive y trabaja
en Resistencia, su ciudad natal. Desde su taller, situado en Irigoyen 456 “B”, Milo
logró crear en poco tiempo, una identidad pictórica que lo convirtió en un éxito de ventas sin precedentes.
Sus referentes se encuentran en la obra de Jorge de
la Vega, Nigro, Macció y Deira.
El público de Milo Lockett abarca desde grandes
coleccionistas a jóvenes empleados y profesionales que
están buscando su primera obra de arte.
Milo Lockett dona anualmente un promedio de 40
obras para subastas a beneficio del Hospital Pediátrico de
Resistencia, trabajo realizado con adolescentes dentro de
un proyecto de prevención de HIV - Cruz Roja Argentina.
Además, ha colaborado para UNICEF en el proyecto “Un
Minuto por mis Derechos” en el 7º Encuentro de Niños y
Jóvenes escultores bajo el tema “Los Monstruos de Berni
y Juanito Laguna”. Ha realizado talleres masivos de
pintura al aire libre en el Festival de la Triple Frontera,
Paraguay, Brasil y Argentina, Chaco, Jujuy, Corrientes,
Misiones, Santa Fe y Buenos Aires.

http://www.milolockett.com.ar/

YayoiKusama
Fecha de nacimiento: Matsumoto, Nagano, Japón; 29 de marzo de 1928
Comenzó su carrera artística en la década de los años cincuenta. Sus inicios estuvieron muy marcados por
la influencia de la pintura tradicional japonesa y por los pensamientos obsesivos y las consecuencias de sus crisis
alucinatorias, que la artista atribuye a los malos tratos sufridos en su infancia. Así nació el concepto que la artista

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llama redes de infinito, grandes superficies cubiertas por lunares que constituyen desde entonces su elemento
plástico más característico, su seña de identidad.
En 1957 abandonó Japón para vivir en los Estados Unidos. Durante su estancia en Nueva york, estableció
rápidamente su reputación como un líder en el movimiento avant-garde. Organizó “happenings” extravagantes
en lugares visibles y concurridos como el Central Park y el Puente de Brooklyn. Fue enormemente productiva, y
contó con Joseph Cornell y Donald Judd entre sus amigos y seguidores, pero no logró beneficiarse
económicamente de su trabajo.
Su trabajo comparte algunos atributos del feminismo, minimalismo, surrealismo, Art Brut, pop y
expresionismo abstracto. Ella misma se describe como una artista obsesiva. Su obra está impregnada de contenido
autobiográfico, psicológico y sexual, e incluye pinturas, esculturas, performances e instalaciones. Kusama es
también novelista y poeta, y ha desarrollado una notable labor en el cine y el diseño de moda. Yayoi Kusama ha
exhibido su trabajo con celebridades como Claes Oldenburg, Andy Warhol y Jasper Johns.
Cansada mentalmente, regresó de manera definitiva a Japón en 1973. A mediados de la década del setenta
Yayoi Kusama ingresó voluntariamente en un hospital psiquiátrico cerca de Tokio. Su reclusión no le ha impedido
participar en exposiciones y muestras de arte en todo el mundo, así como recibir importantes reconocimientos y
galardones. En 2002 participó en la exposición Sunday Afternoon para la galería 303 en Nueva York, en 2003
recibió la Orden de las Artes y las Letras de Francia y en 2006 se convirtió en la primera mujer en obtener el
Praemium Imperiale de Japón, en la categoría pintura. Hasta el día de hoy Yayoi Kusama ostenta el record de
precio pagado por la obra de una artista mujer viva. La famosa galería Christie’s vendió una obra suya por más
de cinco millones de dólares.
El 24 de agosto se inauguró el Kusama-Vuitton pop-up Store. Para celebrarlo se erigió una muñeca gigante
de la imagen de la artista sobre las puertas de la entrada principal del centro comercial Selfridges en Oxford Street.

http://www.yayoi-kusama.jp/
http://www.malba.org.ar/evento/yayoi-kusama-obsesion-infinita/
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 Las vanguardias:
 Búsqueda de información sobre el movimiento vanguardista: expresionismo e impresionismo.
 Elaboración de tres trabajos -individuales y grupales- en donde utilicen las técnicas surrealistas:
frottage, cadáver exquisito y fumage.
 Creación de un personaje surrealista y elaboración de un contexto para este personaje. El
trabajo puede ser en 2D o 3D.
 El cubismos:
 Deconstrucción de figuras.
 Elaboración de presentación y puesta en común de algún artista cubista. Trabajo grupal,
valíendose de recursos tecnológicos (prezi, powerpoint, movie maker y otros)

 Roberto Brittos y el nuevo cubismo.

VANGUARDIAS ARTÍSTICAS
Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un cierto
grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos
del pasado.
Fue un momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del
pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas tecnologías (que exploraban o anticipaban el futuro),

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agitación social y anarquismo a la par que consolidación delos valores de la cultura burguesa, además la crisis
arte-sociedad se evidencia siendo la característica que conlleva la vanguardia.
Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del
siglo XX. Su propuesta rupturistas fue tan radical que más de un siglo después siguen siendo el paradigma del
arte de vanguardia, dado que en la época se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plástica.
Escultura y pintura, participan de los mismos supuestos. Los movimientos vanguardistas son más una
actitud ante el arte que una estética, que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de
las formas y los colores. Es la hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador
se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos
de un grupo de artistas.

CONCEPTO DE VANGUARDIA
El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el siglo XX, sea para
definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, sea para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo.
Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia, importante para comprender el
arte de nuestra época, y solo en ésta aparecen expresiones como: Arquitectura de vanguardia, música de
vanguardia, cine de vanguardia, etc.
El término es de origen medieval y se usaba en el lenguaje militar. Ya en el siglo XIX empezó a ser
utilizado en sentido figurado con relación al arte y, en el XX constituye un término clave para el mundo del arte.
Tomando literalmente el término implica la idea de lucha, de combate, de pequeños grupos destacados del
cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan por delante. Efectivamente, la vanguardia artística se manifestó,
como acción de grupo reducido, como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos establecidas y aceptadas
por la mayoría. Estas tendencias se enfrentaron al orden establecido, a los criterios asumidos por las clases altas
económicas e intelectuales hablando con ánimo de ruptura. Fueron en ocasiones y con sus particularidades,
movimientos agresivos y provocadores. La incomprensión inicial y la posterior aceptación justifican su papel
anticipador del futuro.
Desde un principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de vanguardia, pero la idea de
vanguardia comporta una mayor complejidad. Para precisarla un poco más hay que examinar de qué modo ha
evolucionado el uso del término en el terreno cultural.
Vanguardia con relación al arte aparece por primera vez en el primer cuarto del siglo XIX, en textos de
los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se
presentaba en general, como avanzadilla de los sectores fundamentales que tratan de transformar la sociedad: la
ciencia y la industria. Esto introduce otro concepto de vanguardia: Vinculación con actitudes progresistas

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(implicaba ansia transformadora de la sociedad). A fines del XIX, el término vanguardia se utilizó en el
vocabulario político y antes de la primera guerra mundial pasó a ser frecuente, en la crítica artística concretamente
se aplicó al Cubismo y Futurismo.
También hay en el concepto de vanguardia concomitancia con el vocabulario político, como el activismo,
voluntad de ruptura, idea de revolución artística y, sobretodo la aparición de un documento literario como pieza
clave en muchos movimientos de vanguardia “El Manifiesto”. Con la aparición del “Manifiesto Comunista de
1848 “, surgieron también manifiestos artísticos, que a modo de declaración pública recogía los propósitos de
actuación, en ocasionas con términos y lenguaje contundente, al igual que los documentos políticos. En este
sentido el “Futurismo” será el más paradigmático, redactando manifiestos dedicados a la literatura, pintura,
escultura, arquitectura, música, cine.
El Manifiesto de los pintores futuristas – Milán, 11- 2- 1910 -, da una buena plasmación del carácter más
típico vanguardista en general, pero también claramente explícitos la euforia, el desafío la provocación y, frente
a los valores establecidos , la originalidad y la innovación, así como una significativa fe en el progreso, fe en el
avance y transformación de la Humanidad hacia una situación, supuestamente, mejor, está en la base del concepto
de vanguardia, con su dinámica sucesión de “ ISMOS”.

CUBISMO 1907 / 1914.

Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo
Picasso y Braque. Curiosamente fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento. Se
caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos
de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la
bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro. Niega la luz impresionista y
los modula en tonos neutros y pardos, mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la
introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el collage. Es un movimiento que no trata de captar la
realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia, nueva. Se basa en la
anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. Otros
componentes de este movimiento fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes.

SURREALISMO 1924/1939.
Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G.
Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el
que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los
escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y

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Blake la influencia artística. Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de
pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max
Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal,
pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. Por
otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta
tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y ManRay.

Técnicas Surrealistas
Frottage. También conocida como el arte de frotar, esta técnica
de pintura perteneciente al surrealismo consiste en pintar con la ayuda
de un lápiz sobre un papel superpuesto a una superficie con relieves a
fin de reproducir la textura de dicha superficie. Fue inventada por Max
Ernst en 1925 y pronto los surrealistas recurrieron a su uso con
frecuencia, considerándola un punto de partida para la expresión de la
imagen subconsciente y un estímulo para la imaginación.
Fumage es una técnica surrealista inventada por Wolfgang
Paalen en la que las impresiones están hechas por el humo de una vela
o de una lámpara de queroseno en un pedazo de papel o lienzo. Más tarde fue empleado por Salvador Dalí, quien
lo llamó “sfumato”.
Pintura con humo, más conocido como
“Fumage”, proporciona interesantes texturas y
patrones. Puede servir como un medio de
comunicación independiente, o como un enfoque
innovador para aplicarlo en otros medios de
comunicación. No es una técnica extendida. Los
artistas que la
practican con
resultados
profesionales
se cuentan con
los dedos de las
manos

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 Cadáver exquisito: Un juego surrealista
Los surrealistas lo inventaron y dieron nombre a este juego que ha conocido muchas variantes. Se trata de
dar forma a un proyecto artístico entre varias personas. Las características fundamentales son:

• Es una obra colectiva. No tiene un único autor, sino es hijo de multitudes.

• Es fruto del absurdo, no tiene ninguna lógica ni significado.
• Es un experimento donde lo accidental, lo intuitivo, lo aleatorio son las reglas del juego.
• Es un ensamble azaroso de elementos.
• Hay cadáveres exquisitos dibujados, cadáveres exquisitos escritos, realizados en cómic, y, seguramente
cadáveres exquisitos de películas. (En esta página puedes participar en un cadáver exquisito literario.)

 Romero Britto

Originario del Brasil Romero Britto es un artista neo-pop, pintor, serigrafista y escultor. Combina
elementos del cubismo estereotipado, el arte pop y la pintura de graffiti en su trabajo.

Animales alegres y coloridos, artilugios geométricos y mucha energía dominan toda la obra de Britto.
Nacido en una familia humilde de Recife, desde muy chico Britto improvisó esculturas y dibujos con los
materiales que tuvo a mano. Su inspiración viene de Picasso, Matisse y el graffiti.

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 Este creativo llega al público de la mano de Absolut, la prestigiosa
marca de vodka, que le encargo un diseño para una de sus ediciones especiales.
Lejos de renegar de su paso por el mundo publicitario, Romero Britto vio en
Absolut la posibilidad de llevar su arte a mucha gente.

Después vendrían marcas como Pepsi, Apple y Volvo y su consumo

sería también “moda” entre una selecta lista de famosos que incluyen desde
Giorgio Armani y la familia real de Suecia hasta Gloria Estefan, Bill Clinton,
Michael Jackson, Arnold Schwarzenegger, Elton John, entro otros. Así como
la trasformación de lujoso automovil, hasta darle su estilo a un crucero.

Britto actualmente vive en Miami, Florida, donde su arte se puede ver

en muchas partes de la ciudad. Britto tiene dos galerías de arte en Miami, una
en South Beach y en Midtown Miami.

FEMMES Pintura figurativa cubista.

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 Xul Solar:

 Análisis de la obra del artista.

 Experimentación con temperas y la técnica del artista para la creación de una composición propia
de cada alumno.

Xul Solar(San Fernando, 1887 - 1963) Pintor argentino. Hijo de madre italiana y padre alemán, Óscar
Agustín Alejandro Schulz Solari adoptó el nombre de Xul Solar para firmar sus trabajos.

Estudió arquitectura en la Facultad de Ingeniería. Al cumplir los veinticinco años viajó a Hong Kong y
recorrió algunos países europeos como Inglaterra, Francia e Italia. En Milán conoció a su compatriota, el pintor
modernista Emilio Pettoruti, a quien le mostró sus dibujos realizados a partir de 1914. En su viaje a Berlín ya se
intuía su contacto con el dadaísmo. También recibió influencia del pintor Paul Klee.

Interesado por la filosofía, las ciencias ocultas y las creencias de las distintas culturas, ya en 1919 sus
obras reflejaban esta inquietud espiritual, con la aplicación de colores vivos, formas y símbolos geométricos,
figuras sencillas y, a menudo, palabras. Precisamente los signos lingüísticos llamaban poderosamente la atención
a este misterioso personaje. Llegó a dominar diez idiomas e incluso a crear alguno. Al igual que Gras, Xul hizo
uso, en sus creaciones, de letras y signos gráficos, e incluso se le atribuye la creación de un lenguaje pictórico
denominado "criollismo".

Pronto sintonizó con un grupo de jóvenes pintores y escritores modernistas, entre los que se encontraban
Jorge Luis Borges y Emilio Pettoruti (con el que ya había entablado amistad). Formado en torno a la revista
literaria Martín Fierro, el grupo inició una línea de oposición al temple conservador de la cultura argentina, cuna
de Xul Solar y lugar al que el pintor regresó en 1924, tras numerosos viajes y estancias en Alemania e Italia.

Personaje excéntrico y curioso, Xul Solar poseyó una gran cultura, que exhibía con sencillez y gracia poco
común. Asimiló las convenciones estilísticas de la vanguardia europea, pero con un estilo personalísimo que
resaltaba por su originalidad y mezcla de estilos. En la década de 1930 a 1940, Xul creó paisajes y diseños
arquitectónicos fantásticos que dan fe de sus estudios sobre misticismo, teosofía y astrología.
Expuso individualmente en la Asociación de Amigos del Arte. En el año de su fallecimiento (1963), se
organizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes. Sus obras fueron incluidas
en numerosas exposiciones colectivas internacionales. En 1989, sus creaciones se exhibieron en la Galería
Hayward de Londres.
http://www.xulsolar.org.ar/

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  Museos:
Museos virtuales. Museo local.
Un “museo virtual” es un museo, o una parte de un museo, que se caracteriza por el uso de medios
informáticos para mostrar, preservar, estudiar, reconstruir y divulgar el patrimonio material o inmaterial de
la humanidad. Este tipo de museo se integra perfectamente dentro de la definición que el ICOM (Consejo
Internacional de Museos) establece para la palabra Museo:
“Un museo es una institución permanente, sin ánimo lucrativo, al servicio de la sociedad y de su
desarrollo, abierta al público y que lleva a cabo investigaciones referentes a los testimonios materiales del
hombre y de su entorno, los adquiere, los conserva, los da a conocer y especialmente los expone con la finalidad
de promover el estudio, educar y deleitar.”1
Actualmente, se piensa que el verdadero valor de los museos virtuales se encuentra precisamente en
aquello que pueden aportar únicamente ellos y no los museos físicos:2 exposiciones que no existen físicamente;
acceso a objetos no expuestos en el museo físico; acceso completo a piezas tridimensionales desde cualquier
punto de vista; colaboración en tiempo real en torno a exposiciones o piezas con gente de cualquier lugar del
planeta
Link de algunos museos virtuales:

http://www.museofridakahlo.org.mx/

http://musee.louvre.fr/visite-louvre/index.html?defaultView=rdc.s46.p01&lang=ENG

http://www.municipioarroyito.gob.ar/instituciones/museo

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