Guía Base Fotografia 1 PDF

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CARRERA(S): TECNOLOGÍA SUPERIOR EN

DISEÑO GRÁFICO
GUÍA DIDÁCTICA BASE
FOTOGRAFIA 1
AGOSTO 2020
Vicerrectorado académico 2018

TECNOLÓGICO INTERNACIONAL ITI
DATOS INFORMATIVOS
1. CARRERA DISEÑO GRAFICO
Nombre de la asignatura: Fotografía I

Adaptación e innovación tecnológica (Praxis
Campo de formación: Profesional) 2
Unidad de Organización Curricular: Profesional

Número de periodo académico: Segundo
Número de horas de la asignatura: 128
Componente 28
docencia:
Organización de aprendizajes por Componente de 50
modalidad, número de horas destinadas a prácticas de
cada componente. aprendizaje:
(Art. 47 del RRA) Componente de 50
aprendizaje
autónomo:
2. PRESENTACIÓN DE LA ASIGNATURA
La asignatura corresponde al área estudios de especialidad, es de naturaleza teórica–práctica.

Tiene como propósito orientar a los estudiantes en el manejo del lenguaje visual le permitirá
realizar fotografías que comuniquen eficazmente sus ideas en los diferentes campos de las
ciencias de la comunicación.
La asignatura contiene: manejo de una cámara fotográfica digital y sus accesorios, el dominio
básico del lenguaje visual, la introducción a la fotografía digital, comparándola con la
analógica, la luz, la visión en color y la fotografía; códigos y organización del mensaje
fotográfico, la teoría del color; códigos y organización del mensaje fotográfico, composición
fotográfica, géneros fotográficos, códigos y organización del mensaje publicitario/comercial,
códigos y organización del mensaje artístico, retoque fotográfico y archivo digital.

3. SISTEMA DE COMPETENCIAS DE LA ASIGNATURA
COMPETENCIA DE LA ASIGNATURA QUE TRIBUTAN AL PERFIL PROFESIONAL

Competencia(s) genérica(s): Competencias específicas:
 Identifica, diferencia y utiliza  Identifica los elementos fotográficos. 3

correctamente los elementos  Crea imágenes con el correcto balance
fotográficos para crear imágenes con de blancos y colores.
iluminación y proporciones  Combina adecuadamente los
adecuadas. encuadres y la composición.
 Produce reportajes gráficos creativos.
RESULTADO INTEGRADOR DEL APRENDIZAJE DE LA ASIGNATURA:
Al finalizar la asignatura, el estudiante será capaz de realizar fotografías con criterio estético y
dominio técnico de la cámara digital.
4. . SISTEMA DE CONTENIDOS Y RESULTADOS DE APRENDIZAJE POR

UNIDAD
Unidades de contenidos (temas y subtemas a Resultados de aprendizaje de la

No.
desarrollar) unidad
 Al finalizar la unidad, el
Unidad 1 estudiante será capaz de
Introducción a la asignatura explicar la evolución de la
Indicaciones generales cámara fotográfica, desde la
1
Contextualización de la asignatura cámara oscura hasta la digital,
La cámara fotográfica considerando sus partes, tipos
y ópticas a través de un
organizador de conocimientos.
Unidad 2  Al finalizar la unidad, el
Manejo de la cámara estudiante será capaz de
2 ¿Qué es una cámara de fotos? manejar el diafragma, las
Apertura del diafragma velocidades de obturación y la
Distancia focal- Perspectiva sensibilidad (ISO/ASA) de la

Tiempo de exposición cámara fotográfica en función
Sensor y sensibilidad manual de la misma.
El objetivo manejar los diferentes
Entendiendo un objetivo objetivos, y conocerá los
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Tipos de objetivos tiempos de exposición y
Exposición apertura de diafragma en los 4
Modos de la cámara diferentes modos de toma de
fotografías de la cámara
Enfoque manejar los diferentes tipos de
4 Métodos de enfoque enfoque, conocer la
Profundidad de campo profundidad adecuada para la
Distancia hiperfocal toma de una foto y la distancia
necesaria para la misma
Unidad 5  Al finalizar la unidad, el
Composición estudiante será capaz de
La percepción realizar composiciones
5 Leyes de la Gestalt fotográficas de acuerdo a las
El encuadre necesidades de la toma o el
Tipos de planos ambiente en el que se va a
Reglas para fotografiar desarrollar.
 Aprende a manejar y enfocar
Unidad 6 con los diferentes objetivos,
Iluminación sabe para que se usa cada uno.
Factores de iluminación Aplica un correcto balance de
6
Tipos de iluminación blancos. Con el uso de la
El flash herramienta “caja de luz” es
Difusores y reflectores capaz de lograr fotografías
publicitarias de calidad.
7 Unidad 7  Al finalizar la unidad, el

Géneros fotográficos estudiante será capaz de
Fotografía artística realizar fotografías de acuerdo
Fotografía publicitaria al género necesitado para la
El retrato toma de la foto.
Fotografía documental estudiante será capaz de
8 Fotografía aérea realizar fotografías de acuerdo
Fotografía científica al género necesitado para la 5
toma de la foto.
Unidad 9  Examen de conocimiento
9
Examen supletorio
5. ORIENTACIONES PARA EL ESTUDIO EN LA ASIGNATURA
El docente iniciará con el desarrollo de una evaluación diagnóstica cualitativa de los

conocimientos previos que los estudiantes poseen hasta el momento, misma que permitirá
determinar los puntos de específicos de partida del trabajo directo con los estudiantes.
Las prácticas de aplicación y de experimentación se orientan en base a los conocimientos

analizados en la semana, de modo que los estudiantes pueden reforzar, aclarar o ampliar las
bases del conocimiento adquirido.
En cuanto al aprendizaje autónomo servirán específicamente para ampliar los conocimientos

que se relacionen con el o los temas de la semana y que no se hayan tratado en ese lapso,
mismos que servirán para continuar con el desarrollo de la asignatura en el siguiente encuentro
presencial.
6. SISTEMA DE EVALUACIÓN DE LA ASIGNATURA
La evaluación de la asignatura se basa en los siguientes componentes:
 Participación en foros y tutorías

virtuales
 Realización y carga de tareas en el
PARCIAL 1- 35%
aula virtual.
 Una evaluación virtual.
 Participación en foros y tutorías

virtuales.
PARCIAL 2 – 35%  Realización y carga de tareas en el
aula virtual.
 Una evaluación virtual.
EVALUACION FINAL(presencial) – 30%

7. FUENTE DE INFORMACIÓN BÁSICA Y COMPLEMENTARIA DE LA
ASIGNATURA
Ang, T. (2003). Manual de fotografía digital. Barcelona: Omega.

Eximan, K. y Seammgrey, T. (2004). Fotografía digital.
Pianigiani, Luca. Curso de Fotografía Digital en DVD - Retrato (6). Italia, Planeta De Agostini,
2011 6
Pianigiani, Luca. Curso de Fotografía Digital en DVD - Animales (8). Italia, Planeta De
Agostini, 2011
erlingieri icol s aller de otograf a igital asico – 03. Argentina, 2013
Freeman, Michael. El ojo del fotografo. Barcelona, Blume, 2008, 2009.
Aparici, R. y García Matilla, A. (1999). Lectura de imágenes. Madrid: Ediciones de la Torre.
Beceyro, R. (2003). Ensayo sobre fotografía. Barcelona: Paidós.
Chambi, M. (1920 - 1950). Barcelona: Lunwerg editores.
Eguizabal, R. (2001). Fotografía publicitaria. Madrid: Cátedra.
Museo Ludwig Colonia (2001). La fotografía del siglo XX. Roma: Taschen.
Villafañe, J. (2003). Introducción a la teoría de la imagen. Madrid: Ediciones Pirámide.
www.magnumphotos.com
www.worldpressphoto.org
www.poyi.org
www.thewebfoto.com
www.masters-of-photography.com
www.supayfotos.com
www.nnfotografos.com
https://www.caracteristicas.co/historia-de-la-fotografia/#ixzz6TiDjj5z7

8. DESARROLLO DE LOS CONTENIDOS POR UNIDADES
8.1. Tema Unidad 1
Introducción a la asignatura
8.1.1. Objetivo
Conocer sobre fotografía, su historia y su evolución a través de los tiempos y el proceso que 7
ha tenido desde su origen hasta hoy.
8.1.2. Orientaciones metodológicas
Las orientaciones metodológicas son un conjunto de enunciados que determinan la manera

en que se desarrollará la asignatura, considerando la modalidad de estudios y los contenidos
planteados.
Incluye un listado de elementos necesarios para el correcto desarrollo de cada una de las
tareas y ejercicios planteados. A continuación, se detallan:
 Analizar el material cargado en el aula virtual.
 Revisar los links a los textos base de la asignatura.
 Emplear correctamente los materiales especificados.
 Mantener condiciones óptimas en la presentación de las tareas, así como la
puntualidad con las fechas de entrega.
 Participar de manera obligatoria y activa en los foros y video conferencias.
 Mantener una comunicación directa con el docente a través de las herramientas del
aula virtual.
8.1.3. Síntesis de contenidos

En la presente unidad se analizarán los siguientes temas:
Indicaciones generales: Contextualización de la Asignatura
La cámara fotográfica
8.1.4. Desarrollo de los contenidos
La fotografía
La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debido a la acción de la

luz. Es el proceso de proyectar imágenes y capturarlas, bien por medio del fijado en un
medio sensible a la luz o por la conversión en señales electrónicas.

La cámara fotográfica
Historia de la fotografía
La historia de la fotografía abarca desde el siglo XIX al XX, pero tiene muchos antecedentes
en épocas anteriores. Es una de las tecnologías más revolucionarias que el hombre ha
desarrollado. Su impacto se ha hecho sentir en las ciencias, las artes (incluso creando una
nueva) y en la documentación histórica. Además dio origen a tecnologías posteriores, como
el cine, entre otras.
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La palabra fotografía proviene de los vocablos griegos phos (“luz”) y graphos (“escrito” o
“grabado”), de modo que se trata de una escritura con luz o una grabación hecha con luz.
Antecedentes de la fotografía
Gerolamo Cardano experimentó con la cámara oscura en 1558.
La idea de capturar imágenes y preservarlas ha acompañado al ser humano desde épocas

antiguas. Es el fundamento de la aparición de la pintura, la escultura y, más adelante, la
fotografía. Hubo intentos antiguos por conseguir capturar una imagen de forma automática,
sobre todo mediante el principio de la cámara oscura, que es el mismo de las cámaras
fotográficas.
La cámara oscura es un espacio cerrado o recinto, totalmente oscuro, en el que penetra la

luz por una abertura en uno de sus costados y proyecta una imagen invertida de lo que
ocurre en el afuera. Este principio era conocido desde los tiempos
de Aristóteles (alrededor de 300 años a. C.) o más adelante del estudioso árabe Alhazén
(alrededor del 900 d. C.).

Las primeras publicaciones al
respecto en Occidente aparecieron a partir del siglo XV, como parte de la Revolución
Científica en que participaron filósofos como Leonardo DaVinci. Uno de sus alumnos, Cesare
Cesarino fue el primero en publicar estos estudios en 1521.
A partir de ese trabajo, científicos como Giovanni Battista della Porta o Gerolamo
Cardano experimentaron con la cámara oscura en 1558. En el siglo XVI, el alemán Johann
Zahn del siglo XVI, desarrolló estos principios en un aparato portátil de madera, que estaba
listo para convertirse en una cámara, de haber tenido cómo fijar las imágenes.
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Recién en 1777 el sueco Carl Wilhelm Scheele publicó su tratado sobre las sales de plata y
su reacción a la luz. Basados en estos descubrimientos, varios artistas como Giovanni
“Canaletto” Canal combinaron las sales fotosensibles con la c mara oscura y lograr alguna
suerte de pinturas con luz.
Primeros Intentos y Daguerrotipos
Esta fue la primera fotografía de la historia, tomada por Niepce en 1826.
Las primeras imágenes fotográficas obtenidas en la historia son obra del francés
Nicéphore Niepce, científico que logró resultados mediante la prolongada exposición a la
luz de placas de peltre cubiertas en betún, dentro de una cámara oscura. La primera imagen
obtenida así fue Vista desde una ventana en Le Gras, de 1826, que tomó ocho horas de
exposición a plena luz del día.
En 1827 Niepce conoció a Louis Daguerre y firmaron un acuerdo de trabajo que le dejó a
este último todo el conocimiento de las técnicas fotográficas de Niepce tras su muerte en
1833. Daguerre añadió al mecanismo una placa de plata pulida, sobre la cual se producían las
impresiones, reduciendo así enormemente el tiempo de exposición.

Así nació el daguerrotipo, bautizado en su nombre. Esta nueva técnica permitía hacer
retratos, y fue la forma más conocida de fotografía durante mucho tiempo. Sin embargo, al
mismo tiempo y sin conocerse otros inventores como Hércules Florence, Hippolythe
Bayard y William Fox Talbot estaban estudiando sus propios métodos para obtener
impresiones semejantes.
Otros procedimientos similares que aparecieron en el siglo XIX fueron el calotipo y la

ambrotipia.
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El colodión húmedo
El colodión era un barniz que se aplicaba sobre una placa de vidrio limpia y pulida.
Este procedimiento sustituyó al daguerrotipo en la segunda mitad del siglo XIX,

ya que permitía realizar copias de la impresión, era mucho más económica y reducía el tiempo
de exposición a unos pocos segundos. El colodión húmedo fue inventado por Gustave Le Gray
en 1850 y divulgado al año siguiente por Frederick Scott Archer.
Consistía en verter un barniz llamado colodión sobre una placa de vidrio muy
limpia y pulida. El colodión era previamente sensibilizado en nitrato de plata, expuesto todo
al mismo procedimiento de la cámara oscura. Una vez realizada la captura, se procedía al
revelado en sulfato de hierro amoniacal.
Desde 1855 esta técnica se convirtió en la más empleada y los fotógrafos llevaban
encima los implementos para fabricarla, lo cual era aparatoso e iba en contra de la fragilidad de
las láminas de vidrio inalmente fueron desplazadas por las “placas secas” al gelatino-
bromuro.

Las “placas secas” al gelatino-bromuro
Inventadas en 1871 por Richard Leach Maddox y perfeccionadas en 1878 por Charles E.
Bennet, constituían un salto adelante respecto al colodión húmedo. Permitía obtener
negativos en vidrio que se podían positivizar sobre papel para hacer copias de la
foto.
Esta técnica empleaba también láminas de vidrio que eran recubiertas de una solución
de bromuro de cadmio, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata, y luego
expuestas en una cámara oscura a la imagen que se deseaba capturar. 11
Con las “placas secas” se permitió emplear materiales secos y reducir el tiempo
de exposición a un cuarto de segundo, algo muy cercano a la posterior fotografía
instantánea. Algunos de sus más importantes fabricantes en Francia fueron los hermanos
Lumière, célebres inventores del cine, así como Guilleminot et Cie y Agfa.
Fotografía a Color
Durante gran parte del siglo XX muchas fotografías continuaron coloreándose a mano.
Durante el siglo XIX se intentó obtener fotografías a color. La primera fue obtenida por
James Clerk Maxwell en 1861, a través de la toma de tres fotografías consecutivas con un
filtro rojo, azul y verde cada una, para luego superponerlas en una proyección y obtener los
colores deseados.
Sin embargo, no hubo forma de fijar los colores a la foto y generalmente las
fotografías del siglo XIX y principios del XX eran coloreadas a mano, usando acuarelas, óleos
u otros pigmentos.

La primera placa fotográfica a color fue patentada en 1903 por los hermanos Lumière, y
llevada en 1907 a los mercados comerciales bajo el nombre de Autochrome. Con soporte de
vidrio, se basaban en un sistema de rejilla de puntos semejante al que luego tuvo la TV de
color.
La película fotográfica a colores fue inventada recién en 1935, por
la empresa Eastman Kodak y comercializada como Kodachrome (utilizada hasta 2009). En
1936 la versión de Agfa, llamada Agfacolor, llegó para quedarse.
La película fotográfica 12
El filme fotográfico fue inventado en 1884 por el estadounidense George

Eastman, usando largas tiras de papel recubiertas con emulsión fotosensible.
En 1889 inventó la primera película flexible y transparente, en tiras de nitrato de

celulosa, marcando un antes y un después en la concepción de la fotografía. A partir de
entonces empezó a emplearse cada vez más el rollo fotográfico, y este fue además clave para el
desarrollo de la cinematografía.
El formato 35 mm
Las cámaras Leica inauguraron el formato 35 mm y popularizó la fotografía.
En 1920 el inventor y fotógrafo alemán Oskar Barnack introdujo al mercado la

cámara Leica, que empleaba un nuevo formato de película: el 35 milímetros, conocido
también como formato Leica o formato Barnack.

Este formato revolucionó la industria fílmica y del cine. Consistió en una película
pequeña, del formato 135 de 35 milímetros de ancho, con una relación de aspecto de 3:2 y un
tamaño en la diagonal de unos 43mm. Pensado inicialmente para el cine, abarató enormemente
los costos de fabricación de las cámaras y permitió su popularización, naciendo así los
fotógrafos aficionados.
El flash o iluminador
El flash o iluminador se empezó a usar a principios del siglo XX. Consistía en 13

una mezcla de polvos finos de magnesio que se encendían con un detonador, produciendo una
pequeña explosión que iluminaba los alrededores, pero también una nube de gases tóxicos.
Por esta razón en 1930 se inventó la lámpara de flash o flash de bombilla, un

aditamento inicialmente externo, que empleaba electricidad para generar la descarga de luz. El
primer flash incorporado a una cámara manual (flash de xenón) apareció en la segunda mitad
del siglo.
La fotografía digital
Las cámaras digitales permiten previsualizar la foto y decidir si tomarla o no.
La fotografía digital es la vertiente más recientemente inventada, que saca provecho a las
tecnologías que trajo consigo la Revolución informática de finales del siglo XX. Permitió entre
otras cosas la supresión del rollo fotográfico y de toda forma de revelado
químico, guardando las imágenes directamente en formato electrónico o computarizado.

Así, no hace falta “escanear” o digitalizar las im genes y adem s se las puede intervenir
empleando software especializado. Por si fuera poco, las cámaras digitales permiten
previsualizar la foto y decidir si conservarla o tomarla de nuevo. Además nos brindan
ayuda electrónica de toda índole, como autofoco, corrección de ojos rojos, etc.
Línea de tiempo de la fotografía
 300 a. C. Aristóteles usa la primera cámara oscura.

 1521. Primera publicación sobre la cámara oscura en Europa. 14
 1777. Primer tratado sobre las sales de la plata.
 1826. Primeras imágenes capturadas por Niepce.
 1839. Se difunde el daguerrotipo.
 1850. Se inventa el colodión húmedo.
 1861. Primera fotografía a colores de James Maxwell.
 1864. Primer uso de flash a base de magnesio.
 1871. Se inventan las “placas secas”
 1889. Primera película fotográfica flexible.
 1903. Primera placa a colores de los Lumière.
 1920. Primera cámara de 35mm.
 1930. Aparece la lámpara de flash.
 1936. Aparece la película de color Agfa.
 1975. Kodak anuncia la primera cámara digital.
8.2. Tema Unidad 2
Manejo de la cámara
8.2.1. Objetivo
Conocer sobre el manejo, y las variables que brinda la cámara fotográfica REFLEX en el
tema de sus diferentes funciones de toma de imágenes.

planteados.

aula virtual.

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¿Qué es una cámara de fotos?
Apertura del diafragma
Distancia focal- Perspectiva
Tiempo de exposición

Elementos de la fotografía
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Los elementos más básicos de la fotografía son la cámara, el sujeto u objeto que se va a
fotografiar, la luz existente y cómo no, el fotógrafo.
Resumiendo podemos decir que la fotografía consiste en que un fotógrafo capta una escena que
tiene una luz determinada utilizando una cámara.
Aunque pueda parecer muy obvio, conocer los elementos de la fotografía es muy importante
porque así conocemos qué elementos pueden influir el resultado final de una toma.

Se puede decir que una cámara fotográfica es una caja oscura que deja pasar la luz el tiempo
preciso para que la imagen enfocada a través del objetivo sea registrada por un sensor digital o
una película.

Más o menos complejas, todas las cámaras cuentan con los siguientes elementos mínimos.
Cada uno de ellos tiene una misión:
 El sujeto o la escena es encuadrada y enfocada utilizando un objetivo en un extremo,
que dirige los rayos de luz hacia un sensor digital en el otro extremo.
 El sensor digital capta la imagen.
 En el objetivo, una abertura variable o diafragma, limita el tamaño del rayo de luz que
penetra (apertura de diafragma).
 Entre el objetivo y el sensor existe también un obturador, que controla el tiempo que el 17
sensor está expuesto a la luz (tiempo de exposición).
 Para componer la escena se observa a través de un visor o a través de una pantalla
incorporada en la cámara digital.
 Para elegir el momento de la exposición posee un botón disparador.
 La imagen recogida por el sensor es procesada por un chip y se almacena en un soporte
de almacenamiento digital (tarjeta de memoria).
 Una batería alimenta la circuitería electrónica durante todo el proceso.
 Un fotómetro mide la luz proyectada a través del objetivo para que la cámara pueda
calcular la exposición correcta.
En las cámaras analógicas el funcionamiento es muy similar. La diferencia principal es que en

vez de haber un sensor digital hay una película sensible a la luz que registra las imágenes.

Durante el curso veremos cómo se utiliza cada uno de estos elementos y cómo afectarán al
resultado final de las fotos.
NOTA: En el ejemplo se ha utilizado una imagen de una cámara DSLR (Cámara réflex
digital), pero estos conceptos se aplican exactamente igual en cámaras digitales compactas.
Tipos de cámara
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Las cámaras se pueden clasificar en función de muchas cosas: del soporte en que se almacenan
las imágenes (analógico o digital), del tamaño del sensor o película, del tamaño (compactas,
bridge, DSLR) o también en función del grado de automatismo (esto más bien en la era
analógica en la que había cámaras manuales y cámaras automáticas).
Entre las digitales podemos distinguir básicamente los siguientes tipos, que se diferencian
principalmente por su tamaño, el tamaño del sensor y por sus funcionalidades:
Compactas

Son las más extendidas por su facilidad de manejo. Son pequeñas y por tanto el tamaño de su
sensor también lo es. Es su principal desventaja.
Son ideales para viajar o llevar a cualquier sitio porque caben en un bolsillo.
Aunque cada vez permiten más ajustes con este tipo de cámaras la creatividad es algo limitada.
Aunque algunas llevan un visor, éste suele ser más bien simbólico, y se encuadra utilizando la
pantalla.
El uso que se le da a las cámaras compactas es de aficionado.
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Intermedias o bridge
Es el siguiente escalón en tamaño. A diferencia de las compactas el sensor de este tipo de

cámaras es ligeramente superior, lo que supone un aumento en la nitidez y calidad de las fotos,
así como en la posibilidad de obtener ampliaciones más grandes sin perder calidad.
Tienen más funcionalidades que las compactas. Las lentes son de mejor calidad y suelen tener
un zoom no intercambiable habitualmente con mayor alcance que las compactas.
Algunas tienen visor, también simbólico por no ser réflex (esto se explicará en el tema del
visor).
Son cámaras ideales para viajar sin mucha carga y que te permiten hacer fotos de buena calidad
controlando lo que haces.
El uso que se les da a las cámaras bridge es de aficionado.
Reflex o DSLR

El tamaño del sensor es notablemente mayor que en las cámaras bridge. Por tanto la nitidez y
calidad de las fotos es claramente superior.
Como principales ventajas la cámara DSLR permite el intercambio de objetivos, dispone de un
visor réflex que muestra con mucha precisión el resultado definitivo de las fotos, cuenta con
más funcionalidades que te permiten ser mucho más creativo y controlar con más exactitud el
proceso de tomar una foto.
Tienen un sinfín de accesorios y permiten ampliaciones en papel de calidad de un tamaño
mayor que en las bridge y las compactas.
Existe una gama muy amplia de modelos DSLR, habiendo mucha diferencia entre los básicos y
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los modelos profesionales.
El uso que se le da a las cámaras DSLR puede ser de aficionado y de profesional, dependiendo
entre otras cosas de la gama (no todo es la cámara).
Medio formato
Las cámaras de medio formato tienen un sensor mucho más grande que las DSLR.
Son cámaras dedicadas únicamente al ámbito profesional y científico donde la clave es poder
realizar ampliaciones realmente grandes. Fuera de este tipo de fotografía no tiene sentido una
cámara de estas características.
Por ello todos sus componentes y accesorios son de la máxima calidad y precisión, al igual que
sus precios son muy muy altos.
No hay un tipo de cámara perfecta, sino una cámara adecuada a las necesidades de cada uno.
No obstante la cámara DSLR suele ser la idónea para el aficionado interesado en controlar
qué hace con su cámara al hacer fotos y quiere ser creativo en sus fotos.
Si bien la mayoría de los temas serán válidos para todos los tipos de cámaras, el curso está
más bien orientado a las cámaras DSLR.
Visores
Además de por el tamaño de la cámara o del sensor podemos clasificar las cámaras también
según el tipo de visor que tengan en:

Pantalla LCD
La mayoría de las cámaras compactas actuales no tienen visor como tal. Utilizan la pantalla
LCD para encuadrar.
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Visor directo
Se llama así porque el visor es independiente del objetivo. El sujeto se ve a través de un sistema
óptico montado aparte en el que aparece encuadrado el área de la escena cubierta por el
objetivo. Este tipo de objetivos es el que suelen usar las cámaras compactas que tienen visor, en
las que no es necesario enfocar.
Visor Reflex
La imagen proyectada en el sensor por el objetivo esta boca abajo e invertida lateralmente. El
visor réflex utiliza un espejo para volverla boca arriba y un pentaprisma (bloque de cristal de
cinco caras, tres de ellas plateadas) o un pentaespejo, para corregir la inversión lateral. Por
tanto el fotógrafo contempla la escena en su posición real. En el momento del disparo el espejo
se levanta y deja pasar la luz al sensor.
Este es el tipo de visor que llevan las cámaras DSLR, también llamadas réflex por esta razón.

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Hacer Fotos
Lo primero, lo más importante del manejo de una cámara réflex es USA EL CINTURÓN,
bueno casi… Lo primero que debes hacer es colgarte la c mara del cuello

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No sería la primera vez que una cámara vuela hasta el suelo o más allá. Y cuando le estés
enseñando tus fotos a otra persona, mejor déjale que él se la cuelgue e incluso que la maneje
para ir adelante y atrás. Es mucho más seguro y evitarás sustos.
¿Cómo agarro la cámara?
Lo más ergonómico y sencillo es agarrar con la mano derecha la cámara y con la izquierda por
debajo del objetivo. De este modo manejarás el objetivo con la mano izquierda (para ajustar el
zoom y el enfoque si éste está en modo manual) y con la derecha manejarás todos los demás
botones de la cámara. Recomiendo manejar el zoom por debajo del objetivo para no estorbar al
flash en caso de estar utilizándolo.
Si quieres mejorar tu manejo te recomiendo que practiques a manejarla con los ojos cerrados.
Aprender de memoria dónde están los botones te ayudarán mucho a agilizar la toma de fotos y
a aburrir menos a tus modelos y compañeros de viaje. Así no te perderás fotos espontáneas y
serás capaz de manejarte rápido y con seguridad cuando no tengas luz (conciertos, nocturnas,
etc…)

Durante el momento del disparo debes mantener la cámara firme para que ésta se mueva lo
menos posible. Trata de apretar el botón del disparo suavemente para que la cámara no se
mueva.
Consejos:
Ya sabes, la cámara siempre colgada.
Si puedes, apóyate en paredes, barandillas, árboles… Esto hará que tu cuerpo esté mucho más
firme. Puedes apoyar el brazo o el codo y así evitarás el movimiento de la cámara.
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También puedes aumentar la estabilidad de tu cuerpo haciendo un trípode con él. Para ello
flexiona la pierna izquierda y apoya en ella el codo izquierdo y apoya la pierna derecha
completa (rodilla y pie) en el suelo. De este modo te convertirás en un trípode humano.
Pruébalo y verás cómo te mueves mucho menos. La física no engaña, 3 puntos mejor que 2.

Apertura del diafragma
El diafragma es una parte del objetivo que limita el rayo de luz que penetra en la cámara.
Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o cerrándose para permitir que entre más o
menos luz según sea necesario.
Lo abierto que está el diafragma es lo que se llama apertura de diafragma.
La apertura de diafragma se mide en números f. El salto de un valor al siguiente se denomina
paso.
La escala de números f típica es la siguiente, aunque no muestra todas las posibilidades, ya que
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los diferentes pasos dependen del diseño del objetivo:
La relación entre los números f es que por cada paso la luminosidad se duplica o se divide por
dos si la aumentamos o la reducimos respectivamente. Así f11 tiene el doble de luminosidad
que f16 y la mitad que f8.
Es fácil liarse con los números y la apertura. La forma más fácil de recordarlo es que el menor
número f es la mayor apertura y el mayor número f es la menor apertura. Como podéis ver son
conceptos inversos.
En función del programa utilizado en la cámara la apertura de diafragma se ajusta
automáticamente o puede ajustarse de forma manual.
Cada objetivo tiene una apertura de diafragma máxima. Si son objetivos con distancia focal
fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura máxima puede cambiar según varía la
distancia focal o puede ser fija, dependiendo del diseño del objetivo. La apertura de diafragma
máxima viene indicada en los objetivos. Por fin vas a entender qué significan esos numeritos.

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14-42mm 1:3,5-5,6 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía entre 14 y 42
mm. En su distancia focal mínima (14mm) tiene una apertura máxima de f3,5, y en su focal
máxima (42mm) tiene una apertura máxima de f5,6.
16-45mm 1:4 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía entre 16 y 45 mm y
en todo este rango la apertura máxima es de f4.
La distancia focal es un tema que será tratado más adelante, pero para entenderlo fácilmente es
el acercamiento o alejamiento que da un objetivo sin tener que desplazarte (zoom).
Distancia Focal
La distancia focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente y el foco (o
punto focal). El foco es el punto donde se concentran los rayos de luz.
En un objetivo la distancia focal es la distancia entre el diafragma de éste y el foco.

Los objetivos de las cámaras tienen una distancia focal fija o variable, dependiendo del tipo de
objetivo. Al variar la distancia focal conseguimos un menor o mayor acercamiento. Es lo que
comúnmente llamamos zoom.
En el siguiente ejemplo vemos una foto tomada desde el mismo sitio variando la distancia focal
de nuestro objetivo. Podemos ver cómo según aumentamos la distancia focal aumentamos
también el acercamiento.

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Pero la distancia focal no afecta únicamente al acercamiento. También modifica la perspectiva
de la foto.
Perspectiva
Al modificar la distancia focal, como hemos visto, modificamos el campo de visión. Así, al
aumentarla nos acercamos y al reducirla nos alejamos. Esto trae consigo que se modifique la
proporción que los objetos ocupan en la foto. Igualmente ocurrirá con el fondo. De este modo,
cuando nos acercamos con el zoom a un objeto, también estamos acercándonos al fondo. Este
efecto modifica la perspectiva de los objetos y podemos verlo perfectamente.
Así podemos verlo con nuestro amigo Alfred, el patito, en el camping du Lac, cerca de
Gruyere. Haciéndole una foto con la distancia focal a 28 mm podemos sacar el fondo completo,
con todo el lago. Sin embargo, si nos alejamos de Alfred para hacer que éste ocupe la misma
proporción en la escena, y aumentamos la distancia focal a 100 mm podemos ver cómo el
fondo no sale completo, y el campo de visión se reduce.

El efecto es como si el fondo se acercara. Lo podemos ver también en esta foto de flores, que
han sido tomadas a distintas distancias de la flor, haciendo que ocupe lo mismo en la foto, y
modificando la distancia focal. Fíjate cómo el campo de visión se reduce y el fondo parece
acercarse.
28
La foto a 28 mm la tomé a unos 35 cm de la flor, mientras que la foto a 300mm la tomé a varios metros.
Tiempo de Exposición
El obturador es una cortinilla que se abre en el momento de disparar y limita el tiempo que el
rayo de luz penetra en la cámara y alcanza el sensor digital. El tiempo que la luz está
alcanzando el sensor digital es lo que se llama tiempo de exposición. Es lo mismo que decir que
el tiempo de exposición es el tiempo que está haciéndose la foto.
El obturador es un mecanismo muy preciso y rápido que permite limitar la exposición a

tiempos muy pequeños.

Dependiendo de la cámara los tiempos de exposición varían desde segundos (para condiciones
de luz muy malas) a milésimas de segundo (para fotografías muy rápidas). Los tiempos más
usuales, en segundos, son:
…4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000…
En modo manual existe un modo llamado BULB en el que la foto se expone mientras se
mantenga pulsado el botón disparador. En el apartado de modos de la cámara veremos qué uso
podemos darle a este modo.
29
Aproximadamente podemos hacernos una idea del tiempo de exposición que necesitamos para
congelar el movimiento con esta tabla:
Dos ejemplos
En la foto de las gotas de agua utilicé un tiempo de exposición muy bajo para congelarlas. Sin
embargo unas gotas quedaron más congeladas que otras. Esto ocurre porque las gotas iban a
una velocidad diferente. Utilicé un tiempo de 1/200 segundos, apertura de f/10, ISO100, trípode
y flash inalámbrico para iluminar el fondo (que se refleja en el agua).

En la foto de las cascadas el agua aparece sedosa porque aumenté el tiempo de exposición a 4
segundos. Para ello tuve cerrar el diafragma hasta f/32. Para evitar la trepidación utilicé un
trípode, ajusté el auto-disparo, no toqué la cámara durante el tiempo que la foto se hizo y utilicé
un filtro de densidad neutra para alargar el tiempo de exposición.
30
Tiempo de exposición y velocidad de exposición son lo mismo
En fotografía se utilizan ambos términos, pero significan lo mismo, solo que el orden de
magnitud está invertido. Así, reducir el tiempo de exposición es lo mismo que aumentar la
velocidad y viceversa.
Trepidación y movimiento
La trepidación es el efecto que se produce cuando una foto sale movida por un tiempo de
exposición demasiado largo o por no controlar el movimiento de la cámara.
Al hacer una foto debemos tener en cuenta el movimiento de los objetos para decidir entre un
tiempo de exposición u otro. Los siguientes elementos pueden influir en la trepidación o el
movimiento de los objetos:
 El movimiento de la cámara al hacer la foto: Cuanto más quieta esté la cámara en el

momento del disparo más fácil será obtener una imagen nítida. No es lo mismo hacer
una foto con un trípode apoyado en el suelo que desde un coche en movimiento.
 El movimiento de los objetos en la foto: Debemos evaluar que los objetos que
fotografiamos se mueven y pueden hacerlo a velocidades distintas. No es lo mismo
fotografiar un niño pequeño (se mueven endemoniadamente) que una modelo

profesional que sabe estar perfectamente quieta. No se mueve igual de rápido un coche
de carreras que una persona en bicicleta.
 La cantidad de luz ambiental: Cuanto mayor sea la cantidad de luz más fácil será
utilizar un tiempo de exposición bajo y así evitar una foto movida. No es lo mismo
hacer una foto a plena luz del día en la calle que dentro de una casa. Esto podemos
 tenerlo en cuenta a la hora de hacer un retrato en interior. Será más sencillo si el modelo
se encuentra cerca de una ventana.
 El objetivo que se está utilizando: Cuanto mayor es la distancia focal (zoom) mayor es
la probabilidad de trepidación (foto movida). Un objetivo con estabilizador reducirá las 31
probabilidades de trepidación, aunque los objetivos estabilizados tienen sus límites. No
es lo mismo hacer una foto panorámica que una foto con un teleobjetivo a un futbolista.
A continuación pondré 4 ejemplos y explicaré porqué el resultado ha sido bueno o malo.
1. La primera foto ha sido buena porque se ha utilizado un tiempo de exposición lo

suficientemente bajo como para congelar el movimiento del perro saltando y del agua saliendo.
2. La segunda foto ha sido mala porque al ser el tiempo de exposición tan alto ha quedado
trepidada.
3. La tercera es correcta porque ha tenido se ha utilizado un tiempo de exposición lo
suficientemente bajo como para dejar la escena estática. Sin embargo tampoco entrañaba
dificultad, ya que no contenía elementos que se movieran demasiado.
4. La cuarta ha sido mala porque no se ha utilizado un tiempo de exposición lo suficientemente
bajo como para congelar los aplausos de Mario.
¿Cómo evitar las fotos movidas?
Una fotografía no tiene porqué ser perfectamente estática. El fotógrafo puede querer obtener
una sensación de movimiento en ciertas tomas a base de aumentar el tiempo de exposición y así
dejar zonas de la foto movidas. Algunas de las técnicas que veremos más adelante así lo hacen.
En cualquier caso para evitar fotos movidas (bien por trepidación o por movimiento de algún
objeto de la escena) se tiene que reducir el tiempo de exposición y para ello puede ser necesario
modificar otros parámetros:

 Apertura de diafragma: Abriendo el diafragma llega más luz al sensor y se reduce el
tiempo de exposición.
 Sensibilidad: Aumentando la sensibilidad se reduce el tiempo de exposición aunque
aumenta el nivel de ruido.
En la foto de la izquierda vemos cómo hay trepidación.

Nada en la foto aparece enfocado ni nítido, se nota
especialmente en el suelo empedrado. Está tomada con los 32
siguientes parámetros:
Tiempo de exposición: 1/5 segundos Apertura de

diafragma: f5.6 Sensibilidad: Iso 1600 Distancia focal: 53
mm
Dicha apertura de diafragma es la máxima del objetivo que

estaba utilizando en ese momento a 53mm, la sensibilidad
era la máxima que la cámara podía aportarme. Y aun así la
foto me salió movida. ¿Qué podía haber hecho para evitar
que me saliese movida?
Además hay otros modos alternativos de evitar trepidación:

 Reduciendo el movimiento de la cámara: Utilizar un trípode o apoyarse en una pared,
una barandilla o una farola ayuda bastante.
 Utilizando objetivos o cámaras con estabilizador de imagen. También utilizar objetivos
luminosos que permitan abrir el diafragma más, o cámaras que tengan sensibilidades
altas. Lo malo es que todas estas prestaciones se pagan.
 Aportando iluminación artificial: Flash, focos, reflectores encender una luz…
Ten en cuenta que
 El agua se mueve (evidente), pero hay que tenerlo en cuenta y saber si se quiere
congelar su movimiento o al contrario.
 La cámara se mueve si el fotógrafo va dentro de un medio de transporte o si el fotógrafo
se está moviendo. Si haces una foto hacia afuera de dicho medio de transporte ésta
puede salir movida.
 En exposiciones largas en las que la cámara está apoyada sobre algo o sobre un trípode,
simplemente al apretar el botón de disparo puedes estar moviendo la cámara. Para evitar
esto utiliza el auto disparador retardado o un disparador remoto.
 Los niños y los animales se mueven mucho más de lo deseado.
 El viento mueve rboles arbustos banderas pelo etc… Si una foto tiene un tiempo de
exposición relativamente alto pueden salir más movidos de lo deseado. Durante los

doce minutos de exposición de la siguiente foto nocturna los árboles se movían por el viento y
las estrellas dejan un rastro provocado por el movimiento de la tierra.
33
En una misma escena puede haber objetos que se mueven a distinta velocidad. Esto igualmente
no es malo, pero hay que controlarlo. En el siguiente ejemplo, tanto la cámara como la modelo
viajan a la misma velocidad, pero los árboles no viajan. Por eso ella ha quedado nítida y los
árboles movidos, aumentando la sensación de velocidad.

En la foto del coche se puede apreciar cómo no todo en una foto se mueve a la misma
velocidad. Fue tomada a 1/250 segundos. Ese tiempo de exposición fue suficientemente corto
como para congelar el movimiento del coche, pero no el movimiento de las ruedas. Sin
embargo, este efecto fue buscado, ya que le da mayor sensación de acción y movimiento a la
foto.
34

Apoyarte en algo rígido puede ayudar a evitar la trepidación si no dispones de un trípode.
Sensor y sensibilidad
El sensor de las cámaras fotográficas está compuesto por millones de pequeños

semiconductores de silicio, los cuales captan los fotones (elementos que componen la luz, la
electricidad). A mayor intensidad de luz, más carga eléctrica existirá.

Estos fotones desprenden electrones dentro del sensor, los cuales se transformarán en una serie
de valores digitales creando un píxel. Por lo tanto cada célula que desprenda el sensor de
imagen se corresponde a un píxel o punto. El sensor hace las veces de película en la fotografía
digital.
El resultado del sensor, ya traducidos a formato binario, se guarda en las tarjetas de memoria en
forma de ficheros de imagen.
Sin entrar en detalles decir las dos tecnologías más populares del mercado de sensores son
CCD y CMOS.
35
¿Qué es un megapíxel?
Un megapixel es un millón de pixeles o puntos.

La resolución de los sensores se mide en megapixels. Son el número de puntos o pixeles que
contendrá una imagen producida por un sensor.
Por ejemplo si una imagen tiene un tamaño de 3888 puntos de largo y 2592 de alto, la
resolución del sensor será la multiplicación de ambos, es decir 3888 x 2592 = 10077696 pixeles
= 10,1 megapixels.
Podemos decir sin miedo a equivocarnos que cuantos más megapixels más tamaño tendrá el
fichero de imagen que obtenemos. Con esta figura podemos hacernos una idea de la diferencia
en densidad entre unos sensores y otros de algunas cámaras del mercado.
Entonces parece que cuantos más megapixels mejor ¿no?. Bueno es cierto que cuantos más
megapixels mayor será la resolución del sensor pero ¿es la resolución del sensor la que limita la
calidad de las fotos?

Habitualmente no. Las lentes suelen estar muy por debajo de la resolución del sensor y por
tanto si lo que buscas es calidad y nitidez es más importante tener unas buenas lentes que tener
un buen sensor.
También influye el tamaño físico del sensor. Aquí burro grande. Nada tiene que ver el sensor
de 10 megapixels de una cámara compacta, cuyo tamaño es bien pequeño, con el tamaño de un
sensor de 10 megapixels de una cámara DSLR profesional.
Tamaño del Sensor

36
El tamaño universal de un fotograma de película para cámaras réflex o SLR es de 35mm de
largo (la diagonal es de 43mm). Heredado de este formato estandarizado a principios del siglo
XX, los sensores de fotograma completo tienen aproximadamente esa medida. Sin embargo, la
mayoría de las cámaras DSLR no disponen de un sensor de ese tamaño, sino más pequeño, por
ello se produce una pérdida o recorte en el campo de visión de los sensores más pequeños. Este
formato de sensor se llama APS. Los sensores de 35mm se llaman Full Frame o de fotograma
completo.
En la imagen anterior podemos ver el recorte de un sensor APS sobre un sensor full frame de
35mm.
Esto afecta a la distancia focal de nuestros objetivos, ya que al sufrir las imágenes un recorte
sobre la imagen, las distancias focales que tienen no son a efectos prácticos las que podemos
ver en nuestras fotos.
Cada sensor tiene lo que llamamos un factor de equivalencia para poder convertir las
distancias focales de nuestros objetivos a las distancias focales efectivas. Así, multiplicando por
dicho factor de equivalencia obtenemos la distancia focal real de la foto.

Proporciones del sensor
No todos los sensores tienen las mismas proporciones entre el alto y el ancho. De este modo
hay fabricantes que utilizan formato de 4:3, otros de 3:2 y otros (aunque es menos común) de
16:9, cada uno de ellos más apaisados.
37
Sensibilidad
Los sensores de las cámaras pueden trabajar a diferentes sensibilidades. De este modo, a mayor
sensibilidad, mayor cantidad de luz son capaces de captar. La sensibilidad es un parámetro más
que puedes configurar en tu cámara en cada foto que disparas.
La sensibilidad se mide según el estándar ISO, en el cual cuanto mayor es el número mayor es
la sensibilidad. Son sensibilidades típicas 100, 200, 400, 800, 1600. En cada uno de estos saltos
se obtiene el doble de sensibilidad. Así, una cámara en ISO 200 tiene el doble de sensibilidad
que una tomada a ISO 100. Muchas cámaras permiten además utilizar valores intermedios
como 600 ó 1200.
Por desgracia no todo son ventajas al aumentar la sensibilidad de nuestra cámara. Al hacerlo
estamos perdiendo definición y aumenta el nivel de ruido. El ruido son unos puntos de colores
que van apareciendo, especialmente en las zonas oscuras.
En estas fotos podemos ver cómo afecta la sensibilidad del sensor al nivel de ruido. Según
aumentamos la sensibilidad aumenta a la vez el nivel de ruido.
ISO 100 ISO 400
ISO 1600

Resumiendo, a menor sensibilidad mayor calidad de imagen y a mayor sensibilidad peor
calidad de imagen.
Elección de la Sensibilidad
Entonces ¿cuál es la sensibilidad que debo elegir al hacer una foto? Eso dependerá siempre de
la cantidad de luz que haya, pero siempre trata de elegir la menor sensibilidad posible, y así
obtendrás mayor calidad.
Utiliza sensibilidades altas para condiciones muy bajas de luz.
38
Como guía muy básica:
Para fotografías al aire libre con bastante luz o para sujetos estáticos, se puede utilizar una
sensibilidad ISO 100. Ésta proporciona la máxima definición. También se recomienda para
fotografías nocturnas con tiempos de exposición muy largo.
Para un uso mixto se recomienda una sensibilidad ISO 200, que es un punto intermedio entre
definición y velocidad.
Para condiciones de luz mala, por ejemplo interiores, se recomienda utilizar al menos una
sensibilidad ISO400. También son recomendables para objetivos con poca luminosidad,
teleobjetivos y para congelar el movimiento de sujetos muy rápidos. En el caso de esta foto
nocturna se utilizó ISO400 para conseguir congelar el movimiento de los lazos (aumentar la
velocidad de exposición) en condiciones de luz bastante pobres.
A partir de ISO 400 cuando estés más a oscuras, pero ten en cuenta que a partir de aquí la
pérdida de calidad es notoria.

8.3.Tema Unidad 3
El objetivo
8.3.1. Objetivo
Conocer y reconocer los tipos de objetivos que existen para la toma de fotos dependiendo
del género fotográfico donde se vaya hacer la toma. 39

planteados.
aula virtual.
El objetivo
Entendiendo un objetivo
Tipos de objetivos
Exposición
Modos de la cámara
Medición de luz

El objetivo
El objetivo es la parte de la cámara que dirige los rayos de luz hacia el sensor.
Consta de una o varias lentes de forma convexa que proyecta los rayos de luz que lo atraviesan
40
en un punto llamado foco. Cuando enfocamos con la cámara en realidad lo que hacemos es
hacer coincidir el foco con el sensor de la cámara para obtener una imagen nítida.
Con él ajustamos la distancia focal (zoom) y el enfoque. Con una distancia focal de 50 mm se
consigue una visión lo más parecida al ojo humano.
Todo objetivo tiene una serie de características que lo hacen más idóneo para según que tipos
de fotos:
 Distancia mínima de enfoque: Es la distancia a partir de la cual se puede enfocar. Si

tratamos de hacer una fotografía por debajo de dicha distancia el objetivo no podrá
enfocar y la imagen saldrá borrosa.
 Apertura máxima de diafragma: Como vimos en el tema de apertura de diafragma, cada
objetivo tiene una apertura máxima de diafragma.
 Distancia focal mínima y máxima: O el grado de zoom que tiene. Un objetivo puede ser
de focal fija o de focal variable (tipo zoom).
 Estabilizador de imagen: El estabilizador de imagen es un sistema que reduce las
vibraciones, evitando trepidación. Facilita que las fotos no salgan movidas y ayuda a
obtener fotos más nítidas. Puede ir integrado en el objetivo y también en el cuerpo de la
cámara. La primera opción hace que los objetivos sean claramente más caros aunque es
más efectivo. La segunda opción hace que sea más barato, ya que puedes comprar
varios objetivos que no sean estabilizados pero disponer de esta funcionalidad en todos.

 Enfoque: El sistema de autoenfoque varia en velocidad y precisión según la gama del
objetivo. Los de alta gama tienen un autoenfoque mucho más rápido y permite enfocar
en condiciones peores de luz. Este aspecto es especialmente importante para fotografías
en las que hay mucho movimiento, como deportes. Otra diferencia es que algunos
objetivos permiten enfocar manualmente sin tener que permutar de modo automático a
modo manual.
 Calidad de construcción: Los objetivos profesionales distan claramente en la calidad de
construcción con los objetivos domésticos. Permiten un uso más extremo ya que están
 más preparados para las inclemencias, como la lluvia, el polvo y los golpes. Una vez 41
más, lo bueno se paga.
 Nitidez, distorsión y aberraciones: Los objetivos deforman la imagen, aunque en
ocasione sea imperceptible. Esto se da por la forma de las lentes y por la precisión en su
proceso de fabricación y hacen que la imagen se distorsione. Las desviaciones
(imperfecciones) de las imágenes reales de una imagen ideal predicha por la teoría
simple se denominan aberraciones. La suma es estos factores hace que un objetivo sea
más o menos nítido y fiel a la realidad. También se paga.
Entendiendo un objetivo
Vamos a descuartizar un objetivo concreto para entender cómo es y cómo podemos conocer sus
características básicas de un plumazo. En este caso un teleobjetivo 70-300 IS de gama media de
Canon:
Es un teleobjetivo con distancia focal 70-300 mm. Esto significa que tiene un zoom variable
desde 70mm hasta 300mm.

La apertura máxima de diafragma es de f4 cuando el objetivo está en el extremo de focal de
70mm y de f5.6 cuando está ajustado a 300mm. Esta apertura máxima es la más habitual en
esta gama de objetivos.
El sistema de enfoque es Ultrasonic. Canon llama a este sistema USM y tiene distintos grados
de USM en su gama. Aunque este objetivo es más o menos rápido y suave enfocando nada
tiene que ver con el USM de las gamas altas.
Dispone de estabilizador de imagen.

42
La distancia de enfoque mínima es de 1,5, lo que no lo hace un objetivo adecuado para la

fotografía macro.
En cuanto a la calidad de construcción es un objetivo normal, con un aspecto ni frágil ni

especialmente robusto. No es de gama profesional y no está preparado para las inclemencias
como la lluvia.
En cuanto a la nitidez, distorsión y las aberraciones es bastante fiel. El motivo es que lo que
mejor tiene este objetivo son las lentes. Son similares (no digo que sean las mismas) que las
que llevan la gama inmediatamente superior de Canon, que ya es una gama profesional.
Es un objetivo para aficionados.
Tipos de objetivos
Ojo de pez
Proporcionan un campo de visión máximo, llegando a los 180 grados. Crean imágenes muy
espectaculares y claramente deformadas. Un ejemplo de ojo de pez es el objetivo Peleng 8mm.

Gran Angular
El campo de visión es mayor que el de la visión humana. No llega a ser tan amplio como en los
ojos de pez, pero casi. Igualmente las fotos salen deformadas. La foto de ejemplo está hecha
con un objetivo Sigma 10-20mm.
43
Zoom Intermedio
Es el tipo de objetivo indispensable. Suele cubrir un rango de focal entre los 18mm y los
90mm. Son muy versátiles porque te permiten modificar la composición rápidamente sin tener
que desplazarte y porque disponen también de algo de gran angular, permitiendo abrir el campo
de visión más allá de la visión humana. Las fotos de ejemplo están hechas con un objetivo
Tamron 17-50mm.

Teleobjetivo
Son los objetivos de distancia focal más alta. Nos permiten cerrar mucho el plano sin tener que
acercarse físicamente. Son imprescindibles para la fotografía de deportes y naturaleza.
44
Todo Terreno
Son objetivos que cubren un rango muy amplio de focal. Tienen de todo un poco, de gran
angular, de zoom intermedio y de teleobjetivo. Si bien no es la mejor opción si lo que buscas es
nitidez, luminosidad y calidad, son objetivos muy cómodos porque se evita estar cambiando
constantemente de lente y reduce la carga en viajes. Su uso es de aficionado.

Macro
La peculiaridad de estos objetivos es que tienen una distancia mínima de enfoque muy muy
baja. Son los objetivos que menos distorsión ofrecen. Son ideales para la fotografía de insectos.
45
El clásico 50 mm
En todos los tipos de objetivo que hemos visto hasta ahora existe la posibilidad de que el
objetivo sea de focal fija o variable. Si la focal es fija no podemos acercar ni alejar con el
zoom. Éste es un buen modo de esforzarnos más en buscar el encuadre adecuado, ya que
tenemos que movernos. Por eso el objetivo de 50mm, que es el que más se asemeja a la visión
humana, es recomendado en las escuelas de fotografía para el aprendizaje. Por otra parte, al ser
objetivos mucho más simples y con menos lentes son más baratos y ofrecen una gran calidad y
luminosidad. Son muy útiles para fotografía de retrato porque su apertura máxima de diafragma
suele ser muy grande y eso ayuda a reducir la profundidad de campo y así dar más importancia
al retratado.

Objetivos descentrables
Es un objetivo cuya construcción permite que el eje óptico pueda moverse, quedando
descentrado y alterando el plano de enfoque sobre la cámara. Con él se puede conseguir una
aumento de la profundidad de campo o trastocarla, según se vea. Es ideal para fotografía de
paisajes y arquitectura y muy útiles en bodegón y retrato.
46
Catadióptricos
Son objetivos que utilizan en su construcción una combinación de espejos curvados y
elementos de vidrio. Son muy compactos en relación a su longitud focal. Un objetivo de
500mm puede medir tan sólo 12 cm de largo. Estas ópticas suelen tener una corrección
cromática muy buena y pueden enfocar a distancias muy próximas. Como contrapartida suelen
ser de enfoque manual y tienen una sola abertura de trabajo (la máxima), que suele ser bastante
limitada (f5 o f8).

Ten en cuenta que
Utiliza el parasol del objetivo siempre que puedas. Te ayudará a eliminar reflejos molestos.
 Generalmente los objetivos dan su mayor grado de calidad y de nitidez en aperturas de
diafragma intermedias (f8, f11). Trata de evitar las aperturas de los extremos, ya que es
donde se produce mayor distorsión.
 Primero se ajusta la distancia focal y luego se enfoca. Si enfocas primero, al cambiar la
distancia focal perderías en el enfoque.
 Si utilizas un teleobjetivo, asegúrate que el tiempo de exposición es lo suficientemente 47
bajo para no tener trepidación. Utiliza un trípode o un monopie siempre que puedas.
 El objetivo siempre con su tapa para evitar el polvo y los arañazos.
 Protege todos tus objetivos con un filtro UV o skylight enroscados en su extremo. Este
tipo de filtros no afectan a la calidad de las fotos ni supone una pérdida de luz. Sin
embargo le puede salvar la vida a tu objetivo y hace la limpieza más fácil, ya que se
pueden desenroscar y lavar con agua y jabón neutro.
Exposición (aquí está el quid)
Cuando haces una foto la luz está ahí. Es una cantidad de luz concreta que el fotómetro de
nuestra cámara es capaz de medir.
Para hacer la foto tenemos que ajustar nuestra cámara de forma que seamos capaces de captar
esa luz.
La exposición de una foto es el equilibrio entre la apertura de diafragma, el tiempo de
exposición y la sensibilidad del sensor para captar correctamente la luz existente que el
fotómetro ha medido.
Voy a repasar la frase anterior para recalcarlo.
 La cámara mide cuanta luz hay gracias al fotómetro.
 Con esta medida ajustamos cuanta luz dejamos pasar por el objetivo con la apertura de
diafragma.
 Ajustamos el tiempo que la luz va a estar alcanzando el sensor con el tiempo de
exposición.
 Y ajustamos qué cantidad de luz es capaz de absorber el sensor ajustando su
sensibilidad.

Esos son los 3 elementos que influyen en conseguir que la cámara capte la luz existente. La
apertura de diafragma, el tiempo de exposición y la sensibilidad se compensan entre sí. Si en la
misma foto alteras uno de ellos, el otro se verá afectado.
En el siguiente ejemplo vemos dos tomas del mismo lugar. En ambas existe la misma luz. En
ambas ajusté la sensibilidad a ISO100. En la primera ajusté la apertura de diafragma en f/9 y la
cámara me propuso un tiempo de exposición de 1/250 segundos para captar la luz existente. En
la segunda reduje la apertura de diafragma hasta f/22 y por tanto la cámara aumentó el tiempo
de exposición hasta 1/4 segundos para captar la misma luz existente.
48
Sensibilidad: ISO 100 Apertura: f/9 T. exposición: 1/250 seg
Sensibilidad: ISO 100 Apertura: f/22 T. exposición: 1/4 seg

Aunque ambas captan la misma cantidad de luz (misma exposición), podemos ver cómo al
tener tiempos de exposición diferentes el efecto es distinto (en la primera se han congelado las
hierbas y en la segunda aparecen movidas).
Todo esto puede parecer muy complicado, porque son 3 cosas (y nosotros que pensábamos que
era simplemente disparar y listo). Sin embargo la cámara es capaz de calcular los valores
óptimos (o lo que ella entiende como óptimos) para cada uno de estos 3 parámetros en modo
automático, o bien nosotros podemos elegir manualmente uno o dos de los parámetros y que la
cámara calcule automáticamente los demás. También podemos trabajar de modo totalmente
49
manual, donde el fotógrafo elige absolutamente todos los parámetros. Esto lo explicaré más
adelante en el capítulo modos de disparo.
Si la cámara capta la luz existente fielmente diremos que la toma está expuesta.
En caso de haber captado menos luz que la real diremos que está subexpuesta y quedará
oscura.
En el caso contrario, la foto estará sobreexpuesta y quedará clara.
La exposición es pues una combinación de la apertura de diafragma, el tiempo de exposición y

la sensibilidad del sensor. Si alteramos uno de estos tres, esto afectará a los demás parámetros.
La cantidad de luz (a no ser que usemos un flash o focos) no varía, entonces:
 Si aumentamos la apertura de diagrama y queremos que la foto salga expuesta igual

tendremos que reducir el tiempo de exposición o la sensibilidad. Con palabras llanas, al
abrir el diafragma entra más luz al sensor, por tanto tendremos que reducir el tiempo
que la luz está alcanzando el sensor o la sensibilidad de éste.

 Si aumentamos el tiempo de exposición, para captar la misma cantidad de luz
reduciremos la apertura de diafragma o la sensibilidad. Con palabras llanas, al aumentar
el tiempo de exposición la luz está alcanzando más tiempo el sensor, entonces
tendremos que dejar pasar menos luz o bien bajar la sensibilidad del sensor.
 Si aumentamos la sensibilidad, reduciremos la apertura de diafragma o el tiempo de

exposición. Una vez más, con palabras llanas, si el sensor es capaz de captar más luz
porque es más sensible a ésta, tendremos que dejar pasar menos luz o dejar que pase 50
durante menos tiempo.
 Si has entendido esto ya puedes decir que sabes algo de fotografía, otra cosa es cómo
las hagas.
 En este tema hemos visto la exposición desde el punto de vista de luz disponible. Si
además iluminamos con luz artificial en esta combinación de parámetros entra en juego
un cuarto parámetro: la cantidad de luz incorporada. También se abre un nuevo mundo
de posibilidades.
Modos de la cámara
Una vez más os recuerdo la importancia de leer el manual de vuestra cámara. Prácticamente
todo lo que digo aquí está explicado y con más detalle en él. Aún así quiero hablar de los
modos más normales de uso de la cámara DSLR para que todo lo explicado en el tema anterior
de exposición no sea pura teoría.
Todas las cámaras DSLR del mercado tienen al menos estos modos de uso:
 Automático (en la imagen el cuadrito verde y la P es casi automático)
 Prioridad a la apertura de diafragma (Av)
 Prioridad al tiempo de exposición (Tv)
 Manual (M)
 Programas específicos automáticos (deportes, nocturnas, retrato paisaje macro etc…)

Es posible que tu cámara tenga más modos, pero estos son los básicos que más vas a utilizar.
Voy a hablar concretamente de los 4 primeros modos de disparo y no entraré en detalle en los
programas específicos automáticos.
Tal como decíamos en el tema anterior, la exposición es el equilibrio entre apertura de

diafragma, tiempo de exposición y sensibilidad del sensor. De este modo, en función del tipo de
fotografía que queramos hacer y dependiendo de qué queremos controlar en ese momento
utilizaremos un programa u otro. Al hacer una foto tienes que preguntarte qué quieres controlar
51
de esa foto, y en función de la respuesta utilizarás un modo u otro.
Modo automático
El más cómodo es el modo automático. Este modo te calcula automáticamente todos los ajustes
que la cámara entiende óptimos en el momento de hacer la foto. No deja ningún espacio a la
creatividad, aunque es un modo adecuado cuando no tienes tiempo de pararte a pensar, cuando
te encuentras perezoso y también cuando acabas de estrenar tu cámara y estás leyendo este
curso para aprender.
Modo de prioridad a la apertura de diafragma (semiautomático)
En este modo el fotógrafo es quien decide qué apertura de diafragma utilizar y habitualmente
también decide qué sensibilidad de sensor. Dependiendo del modelo de tu cámara y de la
configuración de ésta también se puede calcular la sensibilidad adecuada automáticamente.
Entonces, con este modo tú eliges la apertura y la cámara calcula el tiempo de exposición
adecuado.
Éste es el modo que yo utilizo en el 80% de mis fotos. Cada uno debe habituarse a una forma
de disparar y yo me habitué a ésta. Generalmente elijo la apertura que quiero. Al pulsar
levemente el botón de disparo la cámara me indica cual es el tiempo de exposición que ella
considera correcto. En función de si ese tiempo me parece muy bajo o muy alto abro o cierro el
diafragma. Vuelvo a pulsar el botón de disparo y si tengo el tiempo que quiero entonces
disparo.
¿Cuándo es recomendable utilizar este modo?
Es recomendable utilizarlo cuando quieres controlar la profundidad de campo, que es algo de lo

que hablaremos un par de temas más adelante.

52
En esta foto se utilizó el modo de prioridad a la apertura de diafragma porque quería controlar
la profundidad de campo para emborronar el fondo y darle más protagonismo a Mario. Para
ello ajusté la cámara a f2.8 y sensibilidad ISO 800 porque al estar en un interior no había
mucha luz. La cámara calculó un tiempo de exposición de 1/100 seg., el cual me pareció bien
teniendo en cuenta que los niños se mueven mucho.
Modo de prioridad al tiempo de exposición (semiautomático)
En este modo el fotógrafo es quien elige el tiempo de exposición a utilizar y la sensibilidad del
sensor. Igual que antes, hay cámaras que también calculan automáticamente la sensibilidad. La
cámara será quien calcule la apertura de diafragma adecuada.
Este modo es recomendable utilizarlo cuando quieres controlar el movimiento. Por ejemplo en
fotografía de deporte, donde queremos asegurarnos de congelar el movimiento, utilizamos este
programa para ajustar un tiempo de exposición bajo. Igualmente, si queremos obtener un efecto
seda de un riachuelo utilizaremos un tiempo de exposición alto.

En esta foto se utilizó el modo de tiempo de exposición porque quería asegurarme de congelar
la bandera. Ajuste un tiempo de 1/250 seg. y sensibilidad ISO 100 para obtener la máxima
calidad de imagen y la cámara calculó automáticamente la apertura de diafragma de f9.
Modo manual
En este modo es el fotógrafo quien controla todos los parámetros. Elegirá tanto la apertura de
diafragma como el tiempo de exposición como la sensibilidad. Se puede utilizar este modo con
el método de ensayo y error, o utilizando fotómetros externos o bien copiando una medición
53
hecha en la misma situación en un modo automático y modificándola después.
Este modo es recomendable utilizarlo cuando se quiere controlar absolutamente todo en la

exposición. Es un método utilizado por ejemplo en fotografía nocturna.
Sensibilidad: ISO 200 | Apertura: f/4.5 | T. exposición: 30 seg
También se utiliza cuando se dispara con flash, ya que el flash supone un nuevo elemento en la
combinación apertura/tiempo/sensibilidad. Utilizando el modo manual con el flash en modo
TTL (flash automático) el fotógrafo ajusta la apertura, el tiempo y la sensibilidad y la cámara
calcula qué intensidad de flash necesita para iluminar la escena y dejarla correctamente
expuesta.

Compensar la exposición
En los programas automáticos y semiautomáticos, la cámara hace cálculos siempre para

obtener lo que ella entiende que es una imagen correctamente expuesta. Pero si el resultado
final no corresponde con lo que el fotógrafo entiende por correctamente expuesta se debe
utilizar la compensación. Así subexpondrá para hacerla más oscura o sobreexpondrá para
hacerla más clara.
54
Si después de tirar una foto ves que queda demasiado clara u oscura, repítela de nuevo por si la
cámara ha medido mal la luz. Si se repite el problema compensa la exposición. En la foto de
ejemplo la toma quedó demasiado clara y el glaciar no ofrecía detalle. Compensando la
exposición con -0,66 pasos la foto quedó correctamente expuesta y el glaciar ya ofrecía mayor
detalle.
NOTA: Cuidado al utilizar la compensación de la exposición, porque la cámara se quedará

configurada tal como la dejaste en la última foto y si te olvidas de ajustarlo de nuevo a cero
puede arruinar las demás fotos que hagas. Siempre, como rutina, acostúmbrate a devolver la
cámara a los parámetros normales.
Horquillado o bracketing
El horquillado es una funcionalidad que permite tirar hasta 3 fotos seguidas, en las que la
cámara va variando los parámetros automáticamente para obtener una foto subexpuesta, otra
expuesta y otra sobreexpuesta según la medición de la cámara.

Este método se utiliza en condiciones difíciles y sobre todo variables de iluminación, donde no
habrá posibilidades de repetir una toma. En condiciones normales no suele utilizarse, ya que si
puedes repetir la toma corregirás el fallo tras ver el resultado en la pantalla. Aún así, está bien
ver en el manual cómo se utiliza y hacer un par de pruebas.
Medición de la luz
Hay dos tipos de medición de luz:

55
Luz incidente: En el que se mide la luz que incide sobre el área de interés. Se mide con un
fotómetro externo. Este tipo de medición es la mejor de todas porque mide la luz sobre el área
de interés, siempre que éste sea alcanzable. Se utiliza sobre todo en cine, televisión, retratos o
fotografía de moda.
Luz reflejada: En el que se mide la luz que refleja el área de interés. Es el método que usan los
fotómetros internos de las cámaras de fotos. Es muy cómodo porque está integrado dentro de la
cámara de fotos y nos permite más agilidad a la hora de fotografiar, además de poder medir la
luz en objetos que no se pueden alcanzar. Este tipo tiene el problema de que si se refleja
demasiada luz la medición de la cámara puede no ser correcta. Por eso se han diseñado varios
tipos de medición de luz reflejada diferentes.
8.4.Tema Unidad 4
Enfoque
8.4.1. Objetivo
Conocer la manera adecuada de utilizar el enfoque en la toma de una fotografía conociendo
la profundidad de campo a la que se expone analizando la distancia focal.

planteados.


aula virtual.

56
Métodos de enfoque
Profundidad de campo
Distancia hiperfocal
El enfoque
Hablando en términos de óptica podemos decir que enfocar es hacer coincidir los rayos de luz
que inciden en la cámara en un punto llamado foco, que a su vez coincidirá con el sensor de la
cámara.
Prácticamente hablando podemos decir que enfocar es dejar nítido aquello que está a una
distancia concreta. Así, si enfocamos a alguien en realidad quedará enfocada esa persona y
todo lo que se encuentre a la misma distancia de la cámara que ésta. Este concepto es
importante. Cuando enfocamos estamos enfocando una distancia. Así, si enfocamos a una
distancia y el sujeto se mueve antes de disparar, debemos re-enfocar porque la distancia del
sujeto habrá variado.
Hay otros conceptos que influyen en la nitidez de los objetos en una escena, como la
profundidad de campo o la distancia hiperfocal, que veremos en temas posteriores.
Podemos utilizar el enfoque manual y enfocar nosotros mismos utilizando el dial del objetivo,
aunque generalmente es mucho más cómodo y rápido dejar que la cámara enfoque por
nosotros. La mayor a de las veces ser m s precisa que nuestros “imperfectos” ojos (que nadie
se sienta ofendido).
Las cámaras antiguas sólo permitían autoenfocar en el centro de la escena. Sin embargo las
cámaras DSLR actuales disponen de varios puntos donde pueden enfocar. Esto facilita enfocar
cuando nuestro sujeto no está centrado en la imagen, como en la siguiente imagen.

57
Podemos ajustar la cámara para que ésta elija por nosotros el punto de enfoque o elegirlo
nosotros mismos. Éste es el método más preciso, si bien en aquellas fotografías donde haya
mucho movimiento (por ejemplo deportes) puede resultarnos especialmente difícil pararnos a
elegir el punto de enfoque. En ese caso es más recomendable dejar que la cámara elija por
nosotros donde enfocar, que generalmente es el objeto más cercano que coincida con uno de los
puntos de enfoque. Sin embargo, en aquellos casos donde podamos pararnos un segundo a
elegir el punto de enfoque es más que recomendable hacerlo. En la siguiente imagen vemos
cómo en modo totalmente automático la cámara enfoca la mano de Mario porque es lo que más
cerca tiene. Sin embargo, en mi opinión, el interés está en el ojo, que es el que transmite. Aquí
debería haber elegido manualmente el punto de enfoque y enfocar en el ojo.

¿Qué debemos enfocar? Pues eso depende de la creatividad de cada uno y de la intención del
fotógrafo. Si bien, generalmente se enfoca el objeto que queremos destacar sobre el resto.
También dependerá mucho del tipo de fotografía. En retratos se suele enfocar en los ojos, en
paisajes se debe enfocar la distancia hiperfocal para conseguir la m xima nitidez etc…
En el siguiente ejemplo ajusté el punto de enfoque en el ojo. Si hubiera dejado a la cámara

elegir el punto de enfoque probablemente habría enfocado las manos.
58
Métodos de enfoque
Teniendo en cuenta que a menudo los objetos se mueven, las cámaras DSLR actuales tienen
eso en cuenta y nos permiten varios métodos de enfoque que podemos configurar. Si no sabías
esto probablemente ahora mismo estés pensando en leer el manual de tu cámara, y si no
deberías hacerlo.
 Aufo-focus simple: Consiste en que al apretar el botón de disparo levemente el enfoque

queda bloqueado hasta que disparas. La cámara sólo enfoca una vez. Este método se
utiliza para fotografías estáticas e instantáneas.
 Auto-focus AI Foco: Consiste en que al apretar el botón de disparo levemente el sujeto
queda enfocado y si éste se mueve de repente la cámara re-enfoca. Este modo se utiliza
para motivos que se muevan de forma impredecible, como niños animales etc…
 Auto-focus AI Servo: Consiste en que mientras se apriete el botón de disparo la cámara
enfoca continuamente. Es un método muy útil cuando el sujeto se mueve
constantemente, como deportes.

Distancia mínima de enfoque
Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el objetivo y el sujeto, por debajo de la cual no
es capaz de enfocar.
59
Los zooms de largo alcance (p.ej. 70-300) tienen una distancia mínima mayor que los objetivos
de menor alcance (p.ej. 28-80).
La distancia mínima puede reducirse para fotografías de cerca con lentes de acercamiento. Los
objetivos específicos para fotografía macro tienen distancias mínimas de enfoque muy bajas.
Consideraciones útiles en el enfoque
 Para enfocar con autofocus, elegir el método de enfoque (puntual manual o automático)
y pulsar a la mitad el disparador. Una vez pulsado a la mitad podemos recomponer la
escena, pero cuidado porque al pulsar el botón a la mitad también habremos medido la
luz, y si ésta cambia al recomponer la escena podemos variar considerablemente la
exposición.
 Ojo con enfocar y luego cambiar distancia focal (zoom) porque al cambiar la distancia
focal se pierde el enfoque ligeramente. Enfocar debe ser el último ajuste que
hagamos antes de disparar.
 Hay una técnica que consiste en enfocar automáticamente con la cámara y una vez
enfocado pasar a modo manual para que en el instante de la foto la cámara no se ponga
a enfocar y podamos perder la foto. Esta técnica se utiliza por ejemplo en fotografía
nocturna, donde al no haber luz la cámara no es capaz de enfocar. Se utiliza una linterna

 para iluminar donde queremos enfocar, se enfoca y se pasa a manual. También se utiliza
en fotografía de circuitos donde podemos enfocar al suelo por donde va a pasar un
coche y así cuando éste pase ya tenemos enfocada la distancia y aseguramos no perder
la foto. Como veis su uso es muy específico, pero en muchas ocasiones resulta muy útil.
Sólo hay que tener en cuenta que no se debe variar la posición de la cámara al sujeto
una vez enfocado.
60

 En casos de poca luz la cámara no puede enfocar correctamente. Para ello la mayoría de
las cámaras disponen de un sistema de ayuda al enfoque, bien con infrarrojos o bien con
flash. Al ayudar con el flash para el enfoque tendremos en cuenta que el flash también
saldrá en la foto y eso puede variar cómo queremos sacar la foto.
 En casos de intentar enfocar zonas sin textura la cámara podría no conseguir enfocar, ya
que el sistema de enfoque utiliza contrastes en bordes. Por ello se recomienda hacer
coincidir el punto de enfoque con zonas contrastadas o texturadas (las pestañas, la
barba, una doblez de ropa, un marco de una ventana, etc). Evitaremos las zonas planas
sin textura ni contraste. En la siguiente foto enfoqué en el insecto porque éste tenía
mucha textura y era al fin y al cabo el sujeto de la foto.

Profundidad de campo
La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del punto enfocado que
aparece con nitidez en una foto.
61
Aproximadamente la distancia nítida es el doble por detrás del punto enfocado que por delante
(ver figuras).
Hay 3 elementos que hacen variar la profundidad de campo:
-La apertura del diafragma
A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene una
profundidad de campo menor.
Igualmente, vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma) tiene una
profundidad de campo mayor.

-La distancia focal (zoom)
A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo. Como se ve en la imagen,
la foto hecha con un zoom de 35 mm tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha
con un zoom de 100 mm.
62
- La distancia real entre la cámara y el punto enfocado.
Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad de campo. Como
se ve en la imagen, la foto hecha a 1.5 metros del sujeto tiene una profundidad de campo menor
que la foto hecha a 4.5 metros.

¿Cómo utilizo la profundidad de campo en mis fotos?
Al hacer una foto plantéate qué partes de la escena quieres enfocadas y qué partes no.
 Profundidad de campo reducida: Utilizar una profundidad de campo reducida puede
ayudarte a destacar un elemento sobre el fondo (o sobre un primer plano) y también
puede aislar un objeto.
 Profundidad de campo amplia: Sirve para sacar toda la escena lo más nítida posible y no
obviar ningún detalle.
63
Prueba a jugar con ella. Haz dos fotos del mismo motivo de las dos maneras y compáralas.
Dos ejemplos del uso de la profundidad de campo.

A continuación pongo dos ejemplos de una profundidad de campo reducida y otra amplia.
En la foto de la ardilla decidí utilizar una profundidad de campo reducida porque el fondo
carecía de interés. Emborronándolo le daba mucho más protagonismo a la ardilla. La apertura
de diafragma en ese disparo era de f5,6 y la distancia focal era de 100mm.
En la foto del paisaje, sin embargo, me decidí por ampliar la profundidad de campo
considerablemente, ya que quería sacar nítido tanto el banco como el trigal como el horizonte.
Para ello enfoqué en el banco y ajusté la apertura de diafragma a f16 y distancia focal de
17mm.

Distancia Hiperfocal
La distancia hiperfocal es la distancia de enfoque en la que se consigue la mayor profundidad

de campo, extendiéndose ésta desde la mitad de dicha distancia hasta el infinito. Enfocar en
dicha distancia nos ayudará a obtener la máxima nitidez en nuestras fotos, por ejemplo, de
paisajes.
En el siguiente ejemplo, la distancia hiperfocal que nos permitía obtener la máxima
profundidad de campo y así dejar todo lo más nítido posible era 6 metros. Así, nos situamos a 6
metros del sujeto, lo enfocamos y obtenemos la máxima profundidad de campo, que se extiende
64
desde la mitad de la distancia, 3 metros, hasta el infinito.
La distancia hiperfocal depende de la distancia focal de nuestra lente, de la apertura de

diafragma utilizada y del factor de recorte del sensor de nuestra cámara. Así ira variando en
función del zoom que apliquemos, del número f ajustado y el modelo de nuestra cámara.
Evidentemente no nos vamos a ir a hacer fotos con un metro y a la hora de aplicar esto lo
haremos de forma aproximada. También puede ayudarnos mucho el botón de previsualización
de campo, que nos permite previsualizar en el visor la profundidad de campo de que
dispondremos con los ajustes actuales de la cámara.
En la siguiente foto se utilizó una distancia focal de 17mm, en una cámara con un factor de
conversión de 1,6 y una apertura de diafragma de f/10. La distancia hiperfocal con esos datos es
de 1 5 metros As si me coloco a 1 5 metros del cartel que pone “Les Grassonnets” y enfoco
en él la imagen saldrá totalmente nítida, desde 0,75 metros hasta el infinito. Así vemos cómo
tanto la nieve del primer plano como toda la carretera hasta el horizonte están totalmente
nítidas.

65
En el siguiente ejemplo vemos cómo la distancia hiperfocal (distancia a la que enfocamos) va

disminuyendo según disminuye la apertura de diafragma. En el ejemplo hemos ajustado la lente
a 35mm de distancia focal y hemos utilizado una cámara con un factor de recorte del sensor de
1.6. De este modo vemos cómo la distancia hiperfocal varía con la apertura:
 f/2,8: Distancia hiperfocal de 23,3 metros. Enfocando a 23,3 metros obtenemos una
imagen nítida desde 11,6 metros hasta el infinito.
 f/8: Distancia hiperfocal de 8,2 metros. Enfocando a 8,2 metros obtenemos una imagen
nítida desde 4,1 metros hasta el infinito.
 f/22: Distancia hiperfocal de 3 metros. Enfocando a 3 metros obtenemos una imagen
nítida desde 1,5 metros hasta el infinito.

En el siguiente ejemplo lo que hemos hecho ha sido mantener la misma apertura de diafragma
de f/8 e ir variando el zoom, y vemos que la distancia hiperfocal también varía.
 35mm: Distancia hiperfocal de 8,2 metros. Enfocando a 8,2 metros obtenemos una
66
Enfoque selectivo
El enfoque selectivo no es más que jugar con la profundidad de campo y el enfoque, buscando
un ajuste de estos dos que ayude a destacar más unos objetos u otros en una foto. Lo que
hacemos con el enfoque selectivo es dejar nítido el sujeto a destacar y emborronar lo demás.
Así al ver la foto los ojos se centrarán en ese sujeto nítido.
Para ello reducimos la profundidad de campo y enfocamos en el sujeto que queremos destacar.
Así éste queda nítido y lo demás no.
La siguiente imagen es el ejemplo típico de este concepto. Para destacar exactamente una pinza
de la ropa respecto a las demás he reducido la profundidad de campo, usando una distancia
focal de 150mm y una apertura de diafragma de f/5, que es lo máximo que me dejaba abrir el
objetivo en esas condiciones y he enfocado exactamente en la pinza que quería destacar.

67
Otro ejemplo típico es hacer una foto a una palabra del diccionario (¡qué original! ¿eh?). En
este caso la distancia focal es 50mm y la apertura de diafragma es f/2,8. Aunque la idea no es
original nos sirve para ver cómo podemos destacar únicamente la palabra Detail del resto de la
foto aplicando el enfoque selectivo.

En el ejemplo de la izquierda he destacado este tulipán de
los demás enfocando en éste y utilizando una distancia
focal de 120mm y una apertura de diafragma de f/4.
68
Y por último otro ejemplo. En

éste quería destacar la fila de
estatuillas del medio porque era la
más variopinta. Para eso enfoqué
en ésta y aumenté apertura de
diafragma hasta f/1,8 con una
distancia focal de 50mm.
Las herramientas de que

disponemos para jugar con el
enfoque selectivo son todas
aquellas que modifiquen la
profundidad de campo (distancia
al sujeto, distancia focal y apertura de diafragma). También podemos utilizar objetivos
descentrables. Como ya dijimos en el tema dedicado a los objetivos, este tipo de lente modifica
la perspectiva y puede afectar mucho a la profundidad de campo, exagerándola aún más.

8.5.Tema Unidad 5
Composición
8.5.1. Objetivo
Conocer la manera correcta de generar una fotografía conociendo las diferentes reglas de la
composición de los planos utilizados en fotografía y la manera de generar un buen
encuadre. 69

planteados.

aula virtual.

La percepción
Leyes de la Gestalt
El encuadre
Tipos de planos
Reglas para fotografiar

Composición
Componer una fotografía

Saber componer una fotografía es tener más de medio camino andado para llegar a ser un
buen fotógrafo. Para lograrlo, este capítulo resume las nociones básicas de la composición
fotográfica.
La composición en fotografía es la disposición de elementos y sujetos dentro del cuadro. Con

esto ya está definida, pero ¿cómo lo hacemos? ¿Con qué criterios seleccionamos esos objetos y
70
sujetos, y cómo los disponemos en la imagen?
Dominar la composición fotográfica puede marcar la diferencia entre una fotografía mediocre y
una gran fotografía con aspecto profesional. En las páginas siguientes analizaremos diversas
reglas, trucos y consejos para sacar las mejores fotografías en cuanto a composición.
Conoceremos las leyes de la percepción, quiénes son los psicólogos de la Gestalt y qué relación
tienen con la fotografía.
Abordar el tema de la composición fotográfica no es tarea fácil, ya que existen numerosísimas

definiciones, reglas y leyes que nos dicen cuál es la mejor manera de componer para que
nuestras fotos enganchen al espectador.

En esencia, la composición consiste en elegir la posición que tendrán los elementos dentro de
una fotografía. En una manera figurada, si estos elementos y la iluminación son el vocabulario
a disposición del fotógrafo, la composición es la gramática que se usa para hacer que esas
palabras tengan sentido y formen una frase.
La definición más
completa de composición
que usaremos de ahora en
adelante la describe como
"el proceso de
71
seleccionar, disponer y
enfatizar las partes que
componen una imagen,
para apoyar y sustentar
el mensaje que el
fotógrafo pretende
transmitir". Claro,
¿verdad? Otra cosa será
ponerlo en práctica...
Saber mirar
Cuando un fotógrafo domina la técnica fotográfica, cuando tiene el mejor equipo a su
disposición y cuando maneja con soltura todos los aspectos de la iluminación, aún puede
faltarle una capacidad
fundamental para ser un buen
fotógrafo. Esa capacidad es la
de Saber mirar.
Saber mirar es la habilidad de
observar qué tenemos delante y
visualizar mental e
inmediatamente cómo eso
quedará enmarcado dentro del
cuadro de la foto. Es la habilidad
más importante del responsable
de tomar la fotografía porque, no
sólo determina qué elementos
visuales aparecerán en la imagen, sino también cómo influirán estos a la hora de disparar.
Mucha gente cree que saber mirar es un don, pero la realidad es que casi cualquiera puede
aprender a hacerlo conociendo los procesos cerebrales de la percepción de la información
visual. Comparado con la mayoría de las cualidades que se requieren para ser un buen
fotógrafo, aprender a mirar es relativamente fácil de mejorar, pero puede suponer un gran reto y
requiere, además, de mucha práctica.

La composición y la capacidad de observar ("saber mirar") están íntimamente relacionados,
incluso hay quien usa los términos con el mismo significado. Sea como sea, hay una serie de
reglas que nos ayudarán en ambos procesos y nos servirán de guía para organizar las formas
dentro del espacio visual disponible. Todo esto manteniendo siempre un sentido de unidad en la
imagen para que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado.
En resumen, componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas fotografías han sido
creadas. Por tanto, si se quieren crear fotografías, hay que familiarizarse con algunos principios
de la composición
72
que estudiaremos en
este capítulo.
La verdadera fuerza
de una buena imagen
radica en la
combinación de un
motivo y una
composición
vigorosa; lo que se
decide dejar fuera de
la imagen es tan
importante como lo
que se incluye en
ella.
La percepción visual
La percepción selecciona
sólo aquella información
que ha despertado su
atención. Los ojos ven,
pero la percepción visual
compone la imagen, y en
fotografía conviene
entender cómo funciona
el proceso.
Para entender los efectos
que una fotografía
produce en nosotros
debemos entender qué es
y cómo funciona la
percepción visual.
Percepción entendida como el proceso de reconocer e interpretar estímulos sensoriales.

Un individuo recibe información de más de 250 millones de células visuales. Estos son
demasiados datos para nuestro cerebro que necesita seleccionarla. En esta elección de qué
información procesa y cuál no, sólo pasará la criba aquella que le haya llamado la atención.
Esto es la percepción. En
la vida diaria los estímulos se
presentan de forma conjunta,
nunca de manera aislada.
La percepción de esos objetos
cotidianos no sólo tiene que
73
ver con los estímulos
externos sino por una serie de
factores subjetivos de
cada individuo como son sus
valores, sus necesidades, sus
motivaciones e incluso su
contexto socio- económico
cultural.
La percepción de una imagen está directamente relacionada con el modo en el que cada persona
puede captarla y, a su vez, también tiene estrechos lazos con su historia personal, sus recuerdos,
sus intereses, el aprendizaje que haya tenido o su motivación.
Cuando observamos algo, no sólo lo estamos mirándo, también lo estamos asociándo a nuestras
sensaciones, que dependen directamente de nuestras vivencias personales.
La percepción gestáltica
La Gestalt es una corriente psicológica alemana que,

entre otras cosas, nos permite entender cómo funciona
la percepción visual.
Los teóricos de la Gestalt fueron el primer grupo de
psicólogos que estudiaron la organización perceptual.
Sus trabajos comenzaron en Alemania alrededor de
1920 y estaban encabezados por el psicólogo Max
Wertheimer.
El principio fundamental de la Gestalt es que el todo es mucho más que la suma de sus
partes. Esto significa que cuando vemos los elementos del campo perceptivo, estos tienden a la
estructuración, es decir, intentan organizarse en formas o totalidades. Nuestro cerebro es el
culpable.
En otras palabras, cuando vemos una tortilla de patatas la vemos como un todo porque nuestra
experiencia la identifica y sabemos lo que es. Nuestra percepción no hace una separación de sus
ingredientes viendo el huevo, la patata, etc.

Para nosotros, como fotógrafos, esto
significa que, si bien cada una de las
partes individuales de la imagen
tiene su significado propio, en
conjunto el significado puede
cambiar. El proceso cognitivo tiene
lugar en la interpretación del
"Todo". La mente hace un salto
desde la comprensión de las partes
74
hasta darse cuenta del conjunto.
Al ver esta imagen todos

identificamos automáticamente que
es el aula de una escuela. Nuestro cerebro tiene en cuenta sus partes y lo convierte en un todo
que es mucho más que esa suma. No vemos sillas, mesas, una pizarra, etc.
Leyes de la percepción
Siguiendo este estudio y sus observaciones, los teóricos de la Gestalt establecieron una serie de
principios perceptivos o leyes de la percepción que pretenden explicar cómo la mente organiza
los datos visuales que recibe.
También describieron nuestra tendencia a percibir las relaciones entre los distintos elementos
de la imagen y cómo influye en su orden y en su significado.
Estas leyes descritas por la Gestalt son numerosas pero las más importantes en fotografía son
estas 6: La ley de la figura y el fondo, la ley de la semejanza, la de la proximidad, la ley del
cierre, la ley de la continuidad y por último la ley de la simetría. Las vemos en la página
siguiente.

Leyes de la percepción Gestalt
Las leyes de la Gestalt nos

ayudan a entender cómo
captamos el mundo que
nos rodea y nuestra
tendencia a percibir las
relaciones entre los
distintos elementos como
75
un todo.
La Gestalt enumeró
diversas leyes o principios
relacionados con la
percepción que nos
conviene conocer por
muchos motivos. Aquí
exponemos los
relacionados con la
fotografía. En esta clase veremos las leyes de Fondo y Figura, Semejanza, Proximidad, Cierre,
Continuidad y Simetría.
Cada ley de la Gestalt puede tener diversos nombres, según la fuente que se consulte. Incluso
pueden agruparse varias en una o dividirse una en varias. Lo importante, más que los nombres,
es entender cómo funciona la percepción humana y aprovecharlo en nuestro trabajo fotográfico.
Ley de la Figura y Fondo
Esta ley analiza la relación que

hay entre los diferentes estímulos
de la imagen. Los seres humanos
tenemos tendencia a separar las
figuras del fondo según su color,
su forma, su tamaño, su contraste,
etc.
Estas figuras se perciben más
fácilmente cuanto más sencilla y
simple sea la forma del objeto. El
mejor ejemplo para esto es la
famosa imagen de las caras y las
copas. ¿Qué ves?
La figura y el fondo no son estáticos como podemos ver. Ambos pueden intercambiar sus
papeles y convertirse en figura o fondo según los miremos, pero jamás podremos ver las dos a
la vez.

También se conoce como Principio de Dialéctica. En fotografía se aplica para resaltar los
objetos o las personas dentro de un contexto determinado.
Ley de Semejanza
El principio de la semejanza dice que

tenemos tendencia a ver como un todo
las cosas que comparten características
visuales, como el color, la forma, el
76
tamaño o la textura. También se
conoce como Principio de dirección
común.
En composición fotográfica el uso
deliberado de la semejanza añade un
significado a la imagen que es
independiente del tema principal.
Además, el uso de la repetición añade
ritmo y eso, por lo general, suele se
debe a que la semejanza y la repetición
en muchas formas de arte suelen considerarse como armónicas.
Ley de Proximidad
Tenemos
tendencia a
percibir los
objetos y las
formas que están
cerca las unas de
otras como si
pertenecieran al
mismo grupo.
Incluso si las
formas, los
colores y los
objetos de éstas
son radicalmente
diferentes.

Ley de Cierre
El principio del cerramiento dice que nuestro

cerebro tiene tendencia a "rellenar los huecos" y nos
da o imagina los detalles que le faltan a una figura
para completarla o cerrarla. Una vez que la figura se
ha cerrado eliminamos los detalles innecesarios y
establecemos un patrón para el futuro.
La tendencia que tenemos a hacer esto se dispara
77
por la sugerencia de una conexión visual o
continuidad entre los elementos que, de hecho, no se
tocan en una composición. También se conoce
como Ley de la Compleción.
Ley de Continuidad
Este principio está muy relacionado

con la ley de cierre. Viene a decir que
los elementos que están orientados en
la misma dirección tienden a
agruparse.
Nuestra tendencia a continuar los
contornos puede ayudarnos, como
fotógrafos, a guiar la vista del
espectador hacia el punto de interés de
la imagen.
Ley de Simetría
El cerebro humano intenta organizar la

información visual para hacerla lo más
simétrica, estable, simple, regular,
consistente, estructurada y ordenada
posible. La simetría implica que el
espectador no debería tener la impresión
de que algo está desequilibrado, perdido
o erróneo dentro de la foto. Si algo es
asimétrico da esa sensación y el
espectador perdería el tiempo buscando
ese problema lo que lo distraería del
mensaje principal de la foto.

El encuadre en fotografía
Sacar una foto es encuadrar una parcela del mundo. Todo en la composición gira en torno al
encuadre.
El ojo humano observa un

espacio sin límites, pero en la
cámara el encuadre está
78
limitado por cuatro lados. Por
lo tanto, es necesario elegir
lo que se quiere incluir y lo
que vamos a excluir dentro
de ese marco fotográfico, es
decir dentro de nuestro
fotograma. A esta elección se
le llama Encuadrar una
fotografía.
Los bordes de la imagen son
tan importantes como la
imagen en sí misma a la hora de componer una foto. Los márgenes de la imagen no sólo
apoyan la composición, sino que pueden ser la referencia para la orientación de otras líneas
dentro de ellos. Por ejemplo, rotando el encuadre, nosotros podemos transformar un tranquilo
horizonte en una diagonal que le dé dinamismo a la imagen y una sensación de desequilibrio y
confusión.
Los objetos y las formas de

una escena pueden ser usados
como un cuadro natural dentro
de una imagen. Esta técnica de
encuadre consiste en enmarcar
determinada parte de la escena
con los elementos que
tenemos en la misma. Un
puente, una ventana, un
espejo, etc. En nuestro día a
día encontramos infinidad de
cosas que pueden servirnos de
marco natural.
En cuanto a la dirección y al formato del encuadre podemos decir que éstos pueden ser,
horizontales, verticales, cuadrados o panorámicos.

El encuadre horizontal es también conocido como
formato apaisado y es el más habitual. Esto es
porque es la posición natural de la cámara de fotos
y porque parece que la visión horizontal es la que
más se acerca a nuestra manera cotidiana de ver el
mundo.
Transmite sensación de estabilidad y dirección

79
dándole énfasis al horizonte.
En el ámbito de la
composición, la línea
central vertical de un
formato horizontal es
considerada como "zona
peligrosa" ya que puede
dividir la imagen en dos y
parecerá que tiene El
encuadre vertical es menos
frecuente en fotografía de
paisaje y mucho más
común en retratos,
especialmente en los de
medio cuerpo.
El formato vertical da
énfasis a las líneas o los
planos verticales y
exagera la profundidad
del primer plano y el
fondo de la foto.
El formato vertical suele
tener líneas que
atraviesan el cuadro en
diagonal de manera más
pronunciada porque los
ángulos de la fotografía
son, con frecuencia, más
marcados.

El formato cuadrado
había caído en desuso
con la casi
desaparición de la
fotografía Polaroid y
de medio formato, pero
en la actualidad,
aplicaciones para
80
móvil como Instagram
han hecho que vuelva a
estar de moda.
El encuadre panorámico permite ver una parte de la escena mucho más amplia. Es usado con
más frecuencia en fotografía de paisajes.
Los planos en una fotografía
Un factor importante en la composición es elegir el tipo de plano que tendrá nuestra

fotografía.
El plano de una
fotografía es la
relación que
existe entre el
espacio que
ocupa la
imagen del
objeto o sujeto
fotografiado y
la superficie
total del
encuadre que
hemos elegido.
Esa distancia la
determina el
tamaño del
motivo
fotografiado y
el espacio que hay entre este motivo y la cámara. También juega un papel fundamental la
óptica empleada para sacar la foto, que podrá acercar o alejar la escena.
Para clasificar los planos de la imagen se toma como base la figura humana. Según esto, los
planos pueden ser Generales, Medios o Cortos. Dentro de estas categorías generales existen
más tipos de planos.

Planos Generales
Gran plano general: En este tipo de imágenes la figura humana queda muy reducida dentro
del encuadre. Aquí lo que adquiere importancia es el escenario.
Plano general: El
individuo
fotografiado ocupa
una cuarta parte de
la altura del cuadro
81
por lo que puede
ser reconocido sin
ser el protagonista
de la imagen.
Planos Medios
Plano americano o Plano Medio Largo: En este tipo de planos la figura se corta, más o
menos, por la altura de la rodilla. Se llama plano americano porque era uno de los más
habituales en el cine clásico estadounidense. Aunque es más frecuente en cine que en
fotografía, con este tipo de planos podemos ver dónde está situado el protagonista de nuestra
foto y a la vez apreciar sus rasgos.
Plano Medio: El
plano medio es
aquel que corta al
sujeto por la
cintura. Con él
podemos ver con
claridad su
expresión y esto lo
hace ser uno de los
más utilizados en
fotografía.

Planos Cortos
Primer Plano: En este plano el

individuo se corta a la altura de las
clavículas. Lo más importante en este
tipo de fotos es el rostro, olvidándonos
del resto del cuerpo y del entorno en el
que está el sujeto. Expresa mucho mejor
los pensamientos y los sentimientos y es,
82
lógicamente, el más utilizado en retratos.
Primerísimo Primer Plano: En este tipo de fotos la cabeza del sujeto aparece cortada a la
altura de la frente por arriba y de la barbilla por abajo. Lo importante son los ojos y la boca.
Este tipo de imágenes acentúa la subjetividad del primer plano dándole completo protagonismo
a la expresión del modelo.
Plano detalle: El plano detalle

representa sólo una parte del cuerpo o
del objeto. Esto produce que la
trasmisión de emociones casi se anule.
Es muy utilizado en fotografía de
producto para enseñar las
características de los materiales.
Angulación del encuadre
La altura desde la que tomemos una foto cambiará, no sólo cómo vemos los objetos, sino
también la sensación que éstos nos producen.
La angulación en fotografía es el modo en el que

organizamos la visión a la hora de sacar una foto.
En función de esta angulación el punto de vista de
la escena podrá cambiar por completo haciendo
que veamos la realidad de un modo que no es
habitual para el ojo humano.
Lo normal es tomar las fotografías colocado

delante del sujeto, con la cámara
aproximadamente a la altura de los ojos y de un modo que el plano focal y el suelo sean
perpendiculares.

Cualquier otra angulación se sale de lo habitual y, por lo tanto, añade significación a la toma.
Un motivo puede
encuadrarse desde
diversos ángulos,
acercándose o alejándose
de éstos, desde arriba o
desde abajo. Las
proporciones y el fondo
83
modificarán drásticamente
la composición, por lo que
hay que tener mucho
cuidado a la hora de
elegirlos.
Buscar un buen ángulo
para la toma fotográfica
consiste en acechar a nuestra "presa gráfica" y estar alerta ya que cualquier pequeño
desplazamiento de poca distancia puede generar composiciones diferentes que serán más o
menos afortunadas.
En consecuencia, nos moveremos en torno a ella acercándonos y alejándonos, si es posible,

hasta conseguir un punto de vista adecuado y obtener en la mayor medida posible las siguientes
cuatro características:
1.El sujeto
principal de la
escena debe mostrar
hacia la cámara el
lado que nos
interesa tomar, el
cual puede ser,
según la intención
del fotógrafo,
cualquiera de los
muchos frentes que
el tenga.
2. Debemos buscar
el ángulo de
incidencia de la
luz más pertinente para el concepto que deseamos comunicar. La iluminación más apreciada
suele ser la que incide semilateralmente a los objetos o sujetos.

84
3. Los planos anteriores al

motivo que queremos destacar
deben estar limpios de cualquier otro elemento sobrante que interfiera en su visualización, a no
ser que lo coloquemos en el encuadre con fines compositivos.
4. Los planos más lejanos del encuadre deben de ser concordantes, o por lo menos neutros,
con relación a la idea que queremos expresar.
Tipos de ángulos
Los ángulos de toma se dividen en cuatro tipos, según el nivel de altura con respecto al motivo
desde el cual se realicen. Cada uno de estos tiene su connotación particular y añade significado
a la imagen. Esto debe ser conocido por el fotógrafo para utilizarlo a su favor de manera
consciente.
Ángulo normal o medio: Es cuando la fotografía

se realiza desde el mismo nivel del objeto
tomado, ni por encima ni por debajo de él. Sirve
para mostrar o describir algo de manera natural u
objetiva.
Ángulo picado: Es cuando la imagen se toma

desde una posición más alta que el objeto
fotografiado, esto es, de arriba hacia abajo. Debido
a la perspectiva que se produce el motivo parecerá
más pequeño de lo que en realidad es. Cuando se
utiliza con personas puede añadir a la imagen
connotaciones negativas como dar la impresión de poca importancia, debilidad o humillación.

Ángulo Contrapicado: Es cuando la
fotografía se realiza desde un lugar más
bajo que el motivo tomado, quedando
este más alto que la cámara.
Debido a la perspectiva que se genera, el
objeto se aprecia engrandecido
visualmente. Puede, en algunos casos,
connotar enaltecimiento, importancia o
poder.
85
Ángulo Cenital: Es cuando la imagen se

toma en un ángulo totalmente de arriba
hacia abajo, en posición perpendicular
con respecto al suelo. Es decir, lo más
extremo posible de una toma en picado.
Produce una gráfica sin perspectiva que
puede ser muy descriptiva si se aplica a
objetos pequeños e inusuales e
interesantes si se usa con elementos
grandes.
Perspectiva fotográfica
Una de las claves para dominar la fotografía es saber cómo la perspectiva afecta a la imagen.
La perspectiva es el mejor
procedimiento para crear una
sensación tridimensional en una
fotografía.
Hace referencia a la dimensión de
los objetos y a la relación espacial
que hay entre ellos con respecto a
un punto de vista.
Cuando vemos una foto estamos
viendo una representación
bidimensional de una escena
tridimensional. Las mejores
composiciones pueden ser creadas aplicando los conceptos de la perspectiva al convertir una
escena de tres dimensiones en una de dos.

Tipos de perspectiva
Perspectiva por superposición: Aunque suene a obvio, no está de más decir que cuando
vemos un objeto que tapa la
visión de otro, el primero de
ellos es el que está más cerca
del espectador. Esta es la
manera en la que nuestro
cerebro se da cuenta de las
86
distancias. Esto se llama
perspectiva por superposición y
provoca sensación de
profundidad en las fotografías
que aumentará a medida que los
objetos superpuestos sean más
numerosos.
Perspectiva lineal: En este

tipo de perspectiva las
líneas paralelas parecen
converger en un punto en el
horizonte llamado Punto
de fuga. La sensación de
profundidad es puramente
ilusoria sin embargo esta
ilusión constituye una
técnica de composición
muy importante.
El ojo estima la distancia
en base a la disminución de
tamaño de los objetos y al ángulo en que las líneas convergen. Del objetivo y de la distancia
dependerá el que la imagen resulte con mucha o poca profundidad.
Perspectiva atmosférica o
aérea: Aunque el aire es considerado
transparente por casi todos nosotros, en
fotografía hay excepciones. Cuando
sacamos fotos de motivos que están a gran
distancia el aire va perdiendo
transparencia ya que está lleno de
partículas de vapor de agua, polvo,
polución, etc.

Estas partículas son capaces de cambiar la dirección de la luz por lo que los motivos a grandes
distancias parecen tener una especie de velo o niebla.
Perspectiva
forzada: Este tipo
de perspectiva
manipula la
percepción del ojo
humano con el uso
87
de ilusiones ópticas
que hacen que los
objetos aparezcan
más grandes, más
pequeños, más
cercanos o lejanos de
lo que lo están en
realidad.
En las imágenes con la perspectiva forzada el fotógrafo juega a poner en el mismo plano
elementos que no lo están y crear así una composición que haga creer al ojo que podemos coger
el sol con nuestras manos o intentar poner derecha la Torre de Pisa.
Reglas fundamentales para componer una fotografía
La mayoría de las que consideramos buenas fotografías siguen alguno o varios de los
principios básicos de la composición.
En fotografía existen una serie

de leyes que sirven como base
para que nuestras fotos estén
bien compuestas. Estas leyes o
reglas, como todas las demás,
no son de obligado
cumplimiento, pero conocerlas
nos ayudará a mejorar
infinitamente la composición
de nuestras imágenes.
Estas reglas básicas son las siguientes:

La simplicidad
En composición
fotográfica, la mayor
parte de las veces,
menos es más. Esto
significa que
debemos evitar
registrar en la foto
todos aquellos
88
elementos que
desvíen la atención
del mensaje que
queramos dar.
Para llevar a cabo la
regla de la
simplicidad se
aconseja utilizar fondos sencillos, elegir la parte del motivo que queramos tomar o su totalidad
si es necesaria y evitar que los motivos que no estén relacionados con el tema principal de la
imagen compitan entre ellos.
Ley de la mirada
Esta ley dice que cuando estamos fotografiando a un sujeto debemos dejar un espacio, también
llamado aire, en la
dirección en la que el
protagonista está
mirando. Dejar este
espacio provoca la
ilusión de que ese sujeto
está observando algo,
aunque no lo veamos, y
despierta el interés del
espectador.
En consecuencia, este,
mirará inevitablemente
hacia donde mira el
sujeto de la imagen por
lo que podemos colocar
ahí otro elemento sobre el cual queramos llamar la atención.

Ley del horizonte
Este principio de la composición
dice que, si separamos lo que
estamos encuadrando en tres
partes iguales, el horizonte
debería estar cerca de una de las
dos líneas que lo divide.
Hablamos de la línea del
horizonte, pero esta regla es
89
válida para todas las imágenes
que tengan una línea más o
menos horizontal que divida la
composición en dos espacios
significativamente diferenciados.
La ley del horizonte nos lleva
también a una regla básica de la
composición fotográfica que es evitar la zona central de la imagen ya que es la que menos peso
visual tiene.
La simetría
Otra técnica que hay que tener en
cuenta a la hora de componer es la
simetría. Las composiciones pueden
ser simétricas o asimétricas.
En las fotografías compuestas

simétricamente los elementos están
colocados de manera igual o similar
arriba o abajo, a la derecha o a la
izquierda de la imagen.
Por el contrario, la composición

asimétrica tiene como
características ser irregular en
cuanto a estructura, pero dinámica y
ágil. Este tipo de composición no
dispone los elementos
desordenadamente sólo los organiza
de distintas formas.
Es común que este equilibrio se dé
en forma de letras o figuras, la S, la
L, la C o la forma triangular son las
más utilizadas.

Como todas las reglas, en gran medida están para saltárselas y probar cuáles son los resultados.
En ocasiones, encontramos imágenes cargadas de significado o bien compuestas cuando no
seguimos alguna de ellas, como en la imagen superior que no respeta la ley de la mirada.
La sección Áurea y la divina proporción
La proporción áurea fue usada como una de las primeras reglas de composición fotográfica.
Anteriormente lo había sido también en la pintura y la expresión artística en general.
90
La proporción áurea es uno de
los principios formales de la
composición visual que ha sido
utilizado desde la antigüedad.
Esta proporción se ha
encontrado tanto en murales
egipcios como mesopotámicos
y aztecas, entre otras muchas
culturas.
A lo largo de la historia los
artistas y científicos han tratado
de analizar qué hace bueno y
efectivo un diseño o una composición fotográfica.
Matemáticos griegos,
entre los siglos III y V
antes de Cristo, teorizaron
sobre lo que llamaron la
Proporción Áurea. Esta
proporción es el número
irracional que vincula dos
segmentos de la misma
recta.
Los griegos identificaron
una regla que parecía ser
una proporción mágica o
divina. Esta divina
proporción divide el
espacio o las líneas en una
imagen placentera. Sus
estudios los llevaron finalmente a describir las dimensiones matemáticas precisas de esta
proporción ideal y le llamaron número áureo o número de oro.

Este número áureo, también llamado Número Phi se halló dividiendo un segmento en dos
partes, A y B. La parte A es más larga que la parte B y la longitud total de la recta tiene la
misma relación con A que A con B. En términos algebraicos se expresa con la siguiente
ecuación: (A + B)/A = A/B. Si, por ejemplo, A, tiene un valor de 1, B dará como resultado el
número phi, que tiene un valor de 1,618.
91
La sucesión de Fibonacci
Fibonacci es el padre de la sucesión de números que lleva su nombre y que está íntimamente
relacionada con la proporción áurea. La sucesión de Fibonacci es una serie de números infinitos
en el que cada una de esas cifras es el resultado de la suma de las dos anteriores. La sucesión es
la siguiente, 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, etc., donde vemos que 0+1 = 1, 1+1= 2, 2+1= 3, 2+3= 5 y así
sucesivamente.
Curiosamente, el resultado de la división de cada pareja de números consecutivos de su

sucesión, da como resultado un número muy cercano al número Phi.

A partir de este hallazgo se empezaron
a hacer representaciones gráficas de la
sucesión de Fibonacci. Este rectángulo,
por ejemplo, está dividido en partes
más pequeñas siguiendo la sucesión y
con medidas que, al dividirlas, da como
resultado el número áureo.
Si a esta serie de rectángulos se le traza

92
una línea en forma de espiral uniendo
algunos de los
vértices
hallamos la tan
famosa Espiral
de Oro. Esta
espiral se da
con muchísima
frecuencia en
la naturaleza.
La podemos ver en determinadas plantas, en flores e incluso en conchas de caracoles.
En fotografía se ha utilizado esta proporción áurea desde los orígenes de la disciplina,

intentando encuadrar los objetos en los puntos fuertes de esta espiral. Los resultados suelen ser
armónicos y equilibrados utilizando esta técnica de composición.
A pesar de todo, estas leyes no son para seguirlas al pie de la letra. Solo son normas que nos
pueden ser muy útiles para comenzar a componer partiendo de ellas y que podemos emplearlas
o no según nuestro criterio y su adecuación al tema que se esté trabajando.

Regla de los 3 tercios
¿Quieres que tus fotos queden siempre equilibradas? Entonces debes conocer la regla de los 3
tercios, una de las normas de composición más famosas y usadas en fotografía, pintura y
diseño.
Esta sencilla ley de los

tercios es una de las
técnicas compositivas
93
más útiles en fotografía.
La norma puede aplicarse
a cualquier tipo de foto
para producir imágenes
que atraigan la atención y
den una sensación de
mayor profundidad y
equilibrio. Además, se
aprende rápido y es muy
fácil de recordar.
¿Qué es la regla de los tercios?
Componer una foto según esta norma consiste en dividir mentalmente la imagen en partes o
zonas iguales. Imaginamos en el cuadro dos líneas equidistantes verticales y otras dos
horizontales. Con esto conseguiremos dividir la imagen en nueve rectángulos iguales y, lo que
es más importante, tendremos cuatro puntos en los que las líneas coincidirán. Estos son los
llamados Puntos Fuertes o Principales de la imagen.

La regla de los tercios se basa en algo demostrado: una composición en la que los elementos
estén alejados del centro es más placentera para el ojo y parece más natural que una en la que el
objeto o sujeto está colocado en el centro. La siguiente imagen produce una sensación poco
equilibrada:
94
En cambio, la composición de una imagen similar resultará más armónica y ordenada si

colocamos los elementos importantes en los puntos fuertes. Esto hace que el peso visual
aumente y toda la fotografía esté más equilibrada. El resto de los elementos de la escena
pueden ir en otros puntos principales, así:
Ahora, incluso sin conocer esta norma, la imagen se ve mejor, ¿verdad?

¿Cómo usar la regla de los tres tercios?
Cuando estemos ante una escena que queramos fotografiar, debemos imaginar las líneas que
dividen el cuadro en tres por tres y cómo quedará lo que tenemos delante dividido en esas
partes. Entonces debemos evaluar cuáles son los elementos más importantes que queremos
incluir en la foto e intentar colocarlos lo más cerca posible de los puntos fuertes que ha
formado la cuadrícula.
Las cámaras digitales y los
móviles suelen tener una opción
95
muy útil que dibuja líneas en la
pantalla siguiendo la regla de los
3 tercios.
En la fotografía de paisajes se
recomienda colocar el horizonte
cerca de esas líneas divisorias
horizontales. De este modo
evitaremos la sensación de partir
en dos la imagen al situar el
horizonte justo en medio de la
imagen. Si, además, situamos los elementos más significativos del paisaje cerca de las líneas
verticales, obtendremos fotos equilibradas y elegantes.
En cuanto a los retratos, lo mejor es posicionar a la gente en uno de los lados del cuadro y dejar
lo que llamamos Aire al otro lado. Esto está directamente relacionado con la Ley de la
Mirada: si las personas están orientadas hacia uno de los lados, es en ese lado donde debe
quedar más espacio, más aire.
Cuando los retratos son
primeros planos se
recomienda situar los ojos
en alguno de los puntos
fuertes mencionados.
Como todas las normas, la
regla de los tres tercios no
obliga a nadie. Quien hace
una foto debe tomar
decisiones, y una de las
más importantes es saber
cuándo hay que saltarse
una regla. La creatividad
también consiste en eso.

Elementos de diseño en las fotos
Todas las fotografías contienen uno o más de los elementos principales del diseño.
Los elementos del diseño son conceptos muy básicos que todo el mundo puede aprender y que
nos permitirán organizar nuestra foto de una manera agradable para la vista, acercándonos, en
lo que podamos, al concepto de arte.
Los elementos básicos del diseño son 6. La línea, el punto, la forma, el patrón, la textura y
96
el color. Cada uno de ellos puede usarse individualmente o en conjunto en una fotografía y
juntos, o por separado, mejorarán inevitablemente nuestras imágenes.
Si nos preguntamos cuál es la diferencia entre una fotografía hecha por un aficionado y otra
hecha por un profesional, seguramente encontremos la respuesta en alguno de estos principios
del diseño aplicados a la composición fotográfica.
Por eso, estudiar los elementos básicos del diseño y comprender cómo funcionan podrá ayudar
a los fotógrafos aficionados a convertirse en grandes profesionales.
Como todas las normas compositivas, las reglas del diseño no están hechas para cumplirse a
rajatabla. Seguirlas ni siquiera nos garantiza el éxito de nuestra imagen. Además, cómo
responde el espectador a una imagen depende de muchos factores como son sus experiencias
pasadas y su memoria, sus intereses y qué es lo que ese espectador está buscando al ver la
imagen.
Esta es la razón
por la que, a
veces, la misma
foto no recibe
la misma
respuesta por
parte de dos
receptores
distintos. Por
ejemplo, la foto
de la derecha
no provocará el
mismo efecto
en un
espectador que
haya estado en
Londres y haya
montado en su famosa noria que en uno que no sepa lo que es ni dónde está.

Para crear imágenes efectivas,
es decir, que capten la atención
de la audiencia y que le
transmitan un sentimiento, el
fotógrafo debe comprender el
modo en el que la gente
responde a los diferentes tipos
de organización visual. Esto
97
implica el aprendizaje del
lenguaje del diseño, empaparse
de ejemplos de obras de arte
que utilicen estos elementos y
no dejar de practicar
incluyendo los componentes del diseño dentro de nuestro propio proceso fotográfico.
El punto en fotografía
El punto es el elemento básico del diseño más sencillo y uno de los más usados.
El punto es el más simple de los elementos visuales y es el mejor "punto de partida" para
empezar a tomar conciencia de los elementos del diseño.
El punto es la mínima expresión gráfica, ya que no tiene dimensiones. A pesar de eso,
determinará la posición en un espacio concreto y de él derivarán todos los demás elementos
visuales, que no podrían existir sin el punto. Resumiendo: los puntos son las unidades mínimas
de las que están compuestos todos los demás elementos del diseño.
La característica más importante de un punto es que es el lugar donde centramos nuestra
atención en una imagen. Además, establece la relación con el espacio que tiene alrededor de
modo que nos da idea de la proporción del resto de elementos y de su posición en el espacio.
A pesar de que se cree que el punto es una forma

circular esto no tiene porqué ser cierto en todos los
casos.
Cuando un punto va aumentando su tamaño
comenzamos a ver qué forma tiene realmente,
aunque esto, en la mayor parte de los casos,
carezca de importancia. Lo realmente fundamental
de un punto no es su forma, sino que sea el centro
de atención de la imagen.

Las dos claves que pueden garantizar la atención del espectador cuando trabajamos con puntos
son su tamaño y la cantidad de espacio que los separa de otros elementos visuales. A pesar de
que pueden existir como elementos independientes, lo habitual es que interactúen con otros
como líneas y formas.
Cuando encontramos un solo punto en la

imagen la clave de una buena composición
será cómo de bien o de mal está situado
98
dentro de los marcos de la foto. Esto
mismo ocurre cuando muchos puntos están
muy cerca unos de otros ya que pueden
llegar a convertirse en los elementos que
forman otro punto más grande.
Por otro lado, a medida que los puntos se van

separando van formando líneas y formas. En estos
casos los puntos empiezan a tomar un carácter
direccional y formal que debe ser tenido en cuenta
a la hora de componer la imagen.
Las líneas en fotografía
La línea es uno de los elementos del diseño más importante y más utilizado.
Las líneas son uno de los conceptos más simples de describir. A modo de definición puede
decirse que la línea es el tramo que existe entre dos puntos. Pueden ser rectas, curvas,
verticales, horizontales, diagonales, en zigzag, etc.

La línea es el elemento del
diseño más fuerte, más
importante y más
influyente. Esto se debe a
que sin ella no puede haber
forma. Si no hay forma no
puede haber textura y si no
hay textura entonces no
99
puede haber patrón.
Las líneas implican
movimiento, sugieren
dirección u orientación y le
dan a la foto sensación de
profundidad y de distancia.
Además, son una poderosa arma que puede ser

utilizada conscientemente para guiar los ojos del
espectador hacia el punto de máximo interés de
nuestra foto.
Se puede hallar una línea casi en cualquier cosa,

tanto en un camino o en una sombra. Esto es así
porque no sólo los objetos sólidos, como
edificios, árboles, etc. provocan líneas. Las luces
y las sombras también pueden crearlas. Incluso pueden ser implícitas. Esto significa que las
líneas no tienen que estar necesariamente formadas para que nuestro cerebro las cree.
Las líneas pueden provocar sensaciones y sentimientos y pueden alejarte o acercarte a una
imagen y a su contenido.
En función de su dirección y su
orientación pueden expresar diferentes
cosas. Las líneas horizontales implican
armonía, tranquilidad, descanso o paz.
Las líneas verticales, sin embargo,

transmiten poder y fuerza además de
limitar la profundidad y actuar como
barrera entre la fotografía y la vista
subrayando la grandiosidad del motivo.

Las líneas curvas y amplias dan una sensación de belleza y gracia aportando movimiento a la
composición. La vista recorre este tipo de líneas de manera pausada y natural lo que produce
una sensación de paz y tranquilidad.
Las curvas en S son otra

forma de composición bella
y armónica y también una de
las más comunes.
Las líneas oblicuas dan la
100
sensación de movimiento, de
acción y de cambio y las que
convergen nos transmiten
profundidad y distancia.
Para crear composiciones
más efectivas el fotógrafo
debe, no sólo conocer las
sensaciones que las líneas
transmiten, sino buscarlas activamente para plasmarlas en sus fotos en función del mensaje que
quiera transmitir.
Las formas y las figuras
Todo lo que el ojo humano puede ver tiene una forma que nuestro cerebro es capaz de
identificar, o no.
La forma de algo se da cuando una línea toca a otra o a sí misma cerrando el plano. Estas
formas ocupan un lugar en el espacio, ya sea bidimensionalmente o tridimensionalmente. Las
formas bidimensionales se conocen también con el nombre de Figura.

La imagen fotográfica es bidimensional pero la
iluminación, el contraste tonal y cromático
resaltan los volúmenes haciendo que se plasmen
las tres dimensiones de la vida real. Esto
desembocará en que en fotografía hablemos más
de forma que de figura.
La forma es un elemento visual que puede ser

101
tanto real como perceptivo. Esto es así porque el
ser humano reconoce una forma gracias a otras
formas que tiene almacenadas previamente en el cerebro. Debido a este conocimiento previo y
a esta "memoria" podemos reconocer los objetos que nos rodean.
La principal característica de las
formas es ser capaz de
identificar a los elementos que
representan. Esta identificación
se puede dar desde dos
vertientes. Una es la que
reconoce la forma como tal del
objeto y por lo tanto la identifica
con la realidad y otra que
reconoce el significado
simbólico de esa forma. Con una
paloma podemos ver su forma
como un animal que
reconocemos o traducirla como símbolo de paz. Las formas no sólo son creadas por las líneas
de sus contornos, sino que pueden surgir de trazos, de sombras, de texturas, etc.
Además, las formas pueden ser identificadas por

algunas de sus características visuales como
pueden ser la luz, el tono o el color. Cuantos
más de estos atributos conozcamos más rápido
podremos identificarlas.
A pesar de esto, estas características visuales no
siempre juegan a favor de la forma de un
elemento. La luz puede aplanar o crear fuertes
sombras llegando a fundir formas entre sí y
hacernos confundir los objetos. La forma
también puede ser modificada por el punto de
vista de la toma o ser resaltada por un fondo monocromático o extremadamente simple.

Otro rasgo fundamental de las formas en fotografía es que son las que definen y determinan el
espacio. El espacio positivo es donde las formas existen y el negativo es el espacio vacío que
queda alrededor de esa forma. Para que una fotografía tenga sentido debe haber un equilibrio
entre ambos espacios.
La textura y el dibujo
La textura de los elementos de la imagen puede ser un gran instrumento compositivo.

102
En conceptos fotográficos, la palabra textura nos define la estructura de una superficie. Aunque
pueda parecer un término más relacionado con el tacto, en fotografía adquiere valores muy
importantes.
Áspera e irregular o suave y brillante. La textura revelada por una fotografía, nos dice lo que se
sentiría si la superficie se pudiese tocar.
El motivo debe transmitir una sensación táctil y de profundidad, como por ejemplo la rugosidad
de una corteza o la suavidad del terciopelo. Aunque en fotografía la textura no sólo hace
referencia al tacto, sino que también apela a una percepción visual.

La luz es la clave para fotografiar la textura ya que esta es la que le confiere tridimensionalidad
a la superficie del motivo. La mejor iluminación habitualmente es la que incide en el motivo de
manera oblicua, aunque también puede depender de la calidad de textura. Las superficies
compuestas de muchos detalles se iluminan con luz direccional y difusa. La luz dura, en
cambio, destaca las superficies irregulares.
103
El momento idóneo para realizar
fotografías con texturas interesantes
es al amanecer o al anochecer
debido a la perpendicularidad con
la que los rayos del sol inciden
sobre los objetos.
El pattern o dibujo
El denominado Efecto Pattern o lo que es lo mismo, el dibujo, consiste en la repetición de

elementos gráficos que a través de un conjunto y juego de volúmenes conforman una imagen
armoniosa.
Para realizar este tipo de toma es preciso prestar atención a lo que el entorno nos ofrece y
visualizar atentamente tanto el encuadre como la iluminación.
Las repeticiones de formas se encuentran en la propia naturaleza, animales, árboles, objetos,
etc. Además de en campos como la arquitectura en la repetición de ventanas, tejados, ladrillos,
etc.
Una buena estrategia para transmitir patterns o dibujos es llenar el cuadro con ese dibujo. La
mente asumirá que ese patrón continúa mucho más allá de los bordes de la imagen aun cuando
eso no sea real.

El tono y el color
El color y el tono nos ayudan, entre otras cosas, a distinguir entre el fondo y la forma en una
fotografía.
El color es el elemento visual que afectará más fuertemente a nuestras emociones. Tanto en
fotografía, como en diseño, como en todas las formas de arte, el color se ha utilizado para crear
una atmósfera determinada.
104
El tono es el brillo o la
oscuridad de un
determinado color. Los
valores tonales de un
color pueden ser
ajustados y esto
cambiará
sustancialmente el
valor expresivo de ese
color.
El tono puede ser
utilizado en fotografía
como recurso creativo y compositivo con muchos fines. Con su dominio podemos hacer
contrastes de luz y oscuridad, crear la ilusión de determinadas formas, modificar las atmósferas
de una escena, dar sensación de profundidad y distancia o generar ritmo y patterns dentro de
una composición.

Por su parte, el color en
composición fotográfica es
manejado con numerosos fines.
Como ya hemos dicho, el más
importante es el de transmitir
sensaciones y plasmar
sentimientos. No expresa lo
mismo una foto en blanco y
105
negro que una en color, ni
provoca la misma sensación una
imagen en la que predominen
los colores cálidos que una en los colores fríos sean mayoría.
El fotógrafo debe tener en cuenta tres aspectos básicos del color a la hora de componer sus
imágenes. El primero es su aspecto
constructivo, es decir, cómo se
relacionan los colores entre sí y
cómo estos pueden crear formas.
El segundo es su aspecto expresivo
con el que debemos ser
cuidadosos. A la hora de sacar una
foto conviene ver los colores de la
escena aisladamente, tener clara
cuál es la sensación que queremos
dar y analizar cuál de ellos la
trasmite mejor.
Por último, los colores tienen

asociada una simbología que el
fotógrafo no debe olvidar. A esto
se le llama Sinestesia del color.
Esta sinestesia quiere decir que
los colores tienen atribuidas
cualidades y valores simbólicos
aceptados culturalmente. Estos
valores pueden ampliar o
modificar el significado de una
foto.
Estas asociaciones psicológicas
del color dependen directamente
de la cultura de quién los interprete. El blanco no significa lo mismo en Occidente que en
Oriente. En los países occidentales el blanco se asocia con la pureza, la paz y la limpieza
mientras que en los orientales está directamente relacionado con la muerte y el duelo.

8.6.Tema Unidad 6
Iluminación
8.6.1. Objetivo
Conocer y saber utilizar las diferentes iluminaciones en fotografía. Conocer sobre el uso del
flash, reflector y difusor de luz para una mejor toma. 106

planteados.

aula virtual.

Factores de iluminación
Tipos de iluminación
El flash
Difusores y reflectores

Iluminación
Iluminación fotográfica
Todos los objetos que nos rodean, incluso nosotros mismos, reflejamos luz.
107
La luz es la materia prima

imprescindible para la
fotografía. La fotografía no
puede existir sin la luz ya que se
vale de ella para ser creada.
Podemos tomar fotos sin

objetivos e incluso sin cámaras,
pero nunca podríamos hacerlo
sin tener iluminación en la
escena o en el objeto. Es por este
motivo por el cual el control y el
conocimiento de la iluminación
fotográfica se convierten en algo imprescindible si queremos mejorar nuestras imágenes.
Conoceremos mejor los

elementos básicos de la
iluminación fotográfica para
dar luz artificialmente a una
escena. Veremos qué es y
cómo funciona un flash.
Nos dedicaremos tanto a los
flashes de estudio como a los
externos o los que trae
incorporado la cámara. Nos
centraremos también en el
resto de elementos
fundamentales para sacarle el
máximo partido posible a los
flashes dentro del estudio.
Estos elementos son los snoot, los panales de abeja, los difusores o los reflectores entre muchos
otros.

Para hacer un buen uso de estos elementos de iluminación es imprescindible conocer algunos
conceptos básicos de la iluminación fotográfica profesional por ejemplo la luz principal, la luz
de relleno o la luz de fondo. Una vez que sepamos esto podremos dominar el concepto de
relación de contraste y hacer un uso creativo de las luces y las sombras en nuestras fotos.
Nos detendremos también en las técnicas de flash como el disparo a la segunda cortinilla o a la
cortinilla trasera. Aprenderemos a rebotar un flash para difuminar las sombras en nuestras fotos
y finalmente veremos cómo compensar la exposición para usar nuestros flashes como luces de
relleno. Todo ello nos dará un control casi total del efecto que queramos conseguir en nuestras
108
fotos y en consecuencia unas imágenes mucho mejores.

Factores de Iluminación
Luz natural y Luz artificial
Tanto la cantidad como la calidad de la

luz natural y artificial dependen de
factores tan dispares como su origen o su
dirección.
109
La luz es un elemento básico en el mundo
fotográfico, ya que sin ella resultaría
imposible ver los objetos e impresionar la
película.
Luz natural y artificial en fotografía
Se conoce como luz natural en fotografía a aquella que proviene directamente del sol y se ve
afectada por factores atmosféricos como las nubes. La luz artificial, en cambio, es la
producida por medios técnicos, como bombillas o focos.
También entendemos como luz

natural otros fenómenos de la
naturaleza como los relámpagos,
las estrellas o incluso el fuego,
pero éstos no son significativos en
fotografía como sistema de
iluminación. La luz natural
proveniente del sol va variando
según van avanzando las horas
del día, cambiando su intensidad,
su temperatura de color y su
ángulo de incidencia en el objeto.
Tipos de luz natural
La luz natural puede ser de dos tipos:
Luz blanda: La luz blanda es un tipo de luz que apenas produce sombras, consiguiendo tonos
suaves y difuminados. Este tipo de luz suele darse en días nublados ya que las nubes hacen las
veces de filtros difusores. Son muy indicadas para el retrato (sobre todo para personas mayores,
al atenuar las arrugas al no producir a penas sombras que las marquen) y en bodegones.

Luz dura: Se entiende por luz dura aquella luz intensa que arroja fuertes y profundas sombras
sobre los sujetos u objetos. Este tipo de luz se produce en los días despejados. Suele ser útil
para efectos dramáticos o para resaltar las formas del motivo.
110
Luz Artificial
En contraposición a la luz natural, existe la luz artificial.

La luz artificial es aquella que no proviene del sol y que ha sido creada por la mano humana. La
luz de una bombilla, una vela, las farolas de la calle, etc. son luces artificiales que podemos
usar en nuestras imágenes. La luz artificial puede ser continua o instantánea. Esta última es la
dada por los flashes que son los elementos de luz artificial más utilizados en fotografía.

Los factores que determinan la iluminación
Los principales factores que definen la iluminación son:
El Origen: natural o artificial: Se considera luz natural aquella que proviene del sol, la luna y
las estrellas. La luz artificial puede ser continua (bombillas) o discontinua (flash).
Número de las fuentes luminosas: Es la que influye en el contraste y modelado de la imagen.
Difusión: Se refiere a la forma de emanar y llegar al objeto. De forma directa, difusa etc. Ésta
111
es la que determina la dureza o suavidad de la imagen.
Duración: Ya sea de forma continua o instantánea (un Flash).

Intensidad: De la forma que intensifica en colores y objetos.
Color: Definido por la longitud de onda de la luz y por el color del objeto.
La dirección de la luz: Respecto a la cámara y al objetivo.
La dirección de la luz
La iluminación, dependiendo de su
dirección puede clasificarse de las
siguientes formas:
Iluminación frontal: Los resultados

son muy confiables y es la iluminación
más fácil de usar. Aporta mayor
brillantez a los colores. Abarca
totalmente el lado del sujeto, al mismo
tiempo que proyecta las sombras detrás
de él, de modo que no aparecen en la
toma fotográfica.

Luz lateral: Resalta el volumen y la profundidad de los objetos y destaca la textura. Da mucha
fuerza a la fotografía, pero las
sombras pueden ocultar ciertos
detalles. Ilumina un costado del
objeto aportando mayor
dimensión.
Contraluz: Si se sabe aprovechar
es excelente. Ilumina toda la
parte posterior del sujeto.
112
Proyecta sombras hacia la cámara
que dan mayor profundidad a la
escena. Delinea al sujeto con un
halo de luz que simula un
resplandor.
Iluminación desde arriba o cenital: Esta fuente de iluminación hace que las partes inferiores
de un objeto permanezcan en sombra, pero por otro lado ilumina los detalles más
sobresalientes.
Iluminación por todas partes: Luz suave e uniforme en todo el individuo. No se producen
sombras y mejora mucho el aspecto de las personas. Produce colores muy sutiles.
Nociones básicas de iluminación
Conocer y usar la luz según nos convenga es una de las cuestiones primordiales para ser un
buen fotógrafo.
Para dominar la iluminación fotográfica a un nivel más profesional es necesario tener unas
nociones básicas acerca de ella.

Conocer cuáles son sus conceptos principales nos ayudará a manejar la iluminación y a usarla
adecuadamente para obtener la fotografía que queremos.
Estos conceptos básicos son, entre otros, la luz principal, la luz de relleno o luz de base, la luz
de efecto y la luz de fondo.
Vemos a continuación en qué consiste cada uno de estos conceptos y cómo podemos utilizarlo.
Tipos de luces
Luz Principal: También llamada luz guía. Es la fuente de luz más importante en la toma. A
113
ella se subordinan todas las demás fuentes. La luz principal es la responsable de la claridad
básica y de la modulación del objeto.
Esto significa
que es la luz
que se encarga
de la
distribución de
las luces y las
sombras en el
motivo. Por lo
tanto, el tamaño
y la forma de la fuente debe ajustarse al tamaño y la forma del objeto por lo que la selección de
esta luz principal debe corresponder al efecto de imagen pretendido. Este efecto dependerá
también de la posición de esta luz. Por ejemplo, si la luz principal cae lateralmente e inclinada
levemente desde arriba se siente como luz natural.
Luz de Relleno: También conocida como luz de aclarado o luz de base. Es una luz secundaria
dentro del esquema de iluminación del estudio y sirve para aclarar sombras y reducir el
contraste.
Normalmente se
busca sólo un leve
aclarado para
conseguir detalle en
las zonas oscuras
por lo que su
potencia será
siempre menor que
la luz principal. La
luz de base no debe alterar nunca el carácter de la luz principal ni el efecto de la imagen que ya
hemos conseguido. Para esta luz pueden emplearse fuentes que generen luz suave y dispersa
como son las ventanas, los paraguas o los reflectores.

Luz de Efecto: También conocida como luz puntual. Son luces con el haz muy recogido que
destaca determinadas partes del objeto y aligera el efecto principal de la imagen cuando se
proyecta debidamente.
Si colocamos
esta luz en la
parte trasera
del objeto,
desde una
posición
114
de contraluz, la
luz de efecto
produce un
halo alrededor del sujeto. En función de su posición la luz de efecto puede pronunciar
contornos o destacar detalles y estructuras. Debe aplicarse con cuidado y no desequilibrar la
iluminación general.
Luz de
fondo: La luz
de fondo puede
tener varias
funciones. Se
utiliza o bien
para iluminar
uniformemente
o para provocar una degradación entre la figura y el fondo. Esto provoca que separemos al
sujeto del fondo y da tridimensionalidad a la foto.
Relación de contraste
La relación de contraste hace

referencia a la relación o a la
diferencia que hay entre la luz
principal más la luz de relleno y
la luz de relleno solamente. Esto
nos sirve para modelar las
figuras, es decir, darle sensación
de tridimensionalidad. Esta ratio
de iluminación se puede saber o
bien midiendo la luz incidente en
la escena con el fotómetro o bien midiendo la luz reflejada con el fotómetro de la cámara y una
carta gris al 18%.

La relación de contraste o ratio de iluminación se expresa con puntos de diafragma de la
siguiente forma, por ejemplo: 1:2 donde el 1 representa a la luz principal y el 2 representa a la
luz de relleno. Esto significa que la luz principal ilumina dos veces más que la luz de relleno, es
decir, 1 paso de diafragma. Si la ratio de iluminación es 4:1, significa que hay dos pasos de
diafragma de diferencia entre la luz principal y la luz de relleno.
El flash
115
El flash es esa luz artificial que utilizamos para iluminar lo que queremos fotografiar de un
modo puntual no continuo.
El principal
elemento de la
iluminación
fotográfica es
el flash. Los
flashes en
fotografía
fueron
concebidos
para
fotografiar en
caso de que la
luz de la
escena, natural
o artificial, sea
insuficiente
para hacer una exposición correcta. Cuando la iluminación es escasa, el flash aportará la
luminosidad que le falta a la toma.
El flash emite destellos de luz muy breves que bloquean el movimiento tanto del motivo como
de la cámara. La luz emitida por el flash no se puede medir con el exposímetro incorporado en
la cámara. Si no disponemos de un Fotómetro de mano será imprescindible coger como
referencia el número guía del flash que permite calcular el diafragma en relación a la distancia
del motivo.
Clases de flashes
¿Cuantos tipos de flashes fotográficos conoces? En el mercado hay más de los que te
imaginas.

Existen muchos tipos de flash y, por lo tanto, estos pueden ser clasificados de varias maneras.
Su uso variará en función de la fotografía que queramos tomar.
116
Los flashes pueden clasificarse, entre otras muchas cosas, según su funcionamiento o según su
relación con respecto a la cámara. Las clases de flashes que dependen de cómo funcionan son
los dispositivos manuales, los automáticos o los flashes TTL (Through the lens).
Flashes automáticos
Su funcionamiento es más moderno que el flash manual. Está basado en un sensor situado en el
mismo flash que regula la potencia del destello según la luz reflejada por el objeto.
Flashes manuales
Los flashes manuales son considerados unos de los más simples a la hora de utilizarse, aunque
están cada vez en más desuso. Estas fuentes de luz descargan toda su potencia en el disparo y
hay que ajustar el diafragma dependiendo de la distancia a la que está situado el motivo.
Flashes TTL
Los flashes TTL son los más modernos. Sus siglas corresponden a la frase inglesa "Through the
lens" que significa "a través de la lente". Este modo de Flash TTL es el más preciso, ya que es
la máquina quien realiza la medición de la luz que le llega al sensor a través del objetivo.
Difusores de luz
Uno de los accesorios más utilizados en la

fotografía con flash son los difusores de luz.
Ya vimos en la página de luz natural lo que

es la luz suave. Este tipo de luz es una luz
difusa contraria a la luz dura.
La luz suave provoca contrastes menos
marcados y sombras degradadas.

Con la iluminación de flash es necesario el uso de difusores para conseguir este tipo de luz ya
que el destello emitido por el flash provoca una luz dura. Existen numerosos accesorios para
conseguir difundir la luz y que ésta pase de luz dura a luz suave. Todos se basan en
las Propiedades de la luz.
Los Paraguas
Uno de los accesorios para difuminar la luz del flash, más utilizados es el Paraguas. Como su
nombre indica, estos difusores tienen forma de paraguas convencional.
Su diferencia está en que por fuera tienen una tela negra que la luz no se traspase y por dentro 117
pueden intercambiarse las telas doradas, plateadas o blancas.
Cuando el flash dispara en dirección a estas telas la luz se refleja en ellas y rebota hacia el
motivo a fotografiar. Esta reflexión nos devuelve una luz suave y difusa que disipa las sombras
proyectadas por el objeto.
Existen también los paraguas traslúcidos, que funcionan de modo similar a las cajas de luz.
Cajas difusoras de luz o Softbox

Los Softbox
por su nombre
en inglés o las
cajas de luz
son uno de los
difusores más
utilizados en
fotografía profesional. Consisten en unas cajas negras que, al igual que en los paraguas, no
permiten salir la luz. Estas cajas tienen uno de sus lados con una tela traslúcida que es por
donde pasará la luz. El interior de las cajas también puede ser plateado, dorado o blanco. Al
revés que los paraguas estos se colocan delante del flash y la luz no rebota, sino que pasa a
través de ellos devolviendo una iluminación en la que las sombras y el contraste estarán
difuminados.

Las Cajas de luz o Softbox tienen muchos tamaños y formas. Elegiremos uno u otro en función
del motivo a fotografiar. A este tipo de difusores se le pueden colocar delante accesorios como
los Grid o Panales de Abeja para direccionar la luz.
Los reflectores fotográficos

Cuando la iluminación de la escena es insuficiente y necesitamos añadir un toque más de luz,
lo ideal son los reflectores.
118
Los reflectores están entre los
complementos fotográficos más
usados por su utilidad y su precio.
Un reflector es un accesorio que
puede tener varias formas,
triangulares, cuadrados,
rectangulares, etc. aunque su
forma más común son los
reflectores circulares.
Su función principal es la de
controlar la iluminación tanto en
estudio como en exteriores
difuminando o reflejando luz
sobre el motivo según nos convenga y provocando diferentes efectos. Cuando usamos un
reflector provocamos que la luz de la escena se refleje en su superficie y podamos direccionarla
a nuestro antojo. En su función de difusor, colocado delante de la fuente de iluminación (un
flash normalmente), dispersa el haz de luz y suaviza las sombras.
Kit de reflectores 5 en 1
Es común que los reflectores
vengan en un kit 5 en 1. Esto es,
el accesorio difusor con 4
fundas con distintos colores para
distintos efectos. Este kit puede
tener muchos tamaños y formas,
y su precio no es elevado. Otra
de sus ventajas es que pesan
muy poco y son plegables por lo
que es una buena adquisición para llevarlos con nosotros y hacer mejores fotos.
El accesorio base es, como hemos dicho, el difusor. A él le podemos añadir la funda que nos
convenga según la fotografía que queramos conseguir y según la luz de la que dispongamos.
Las fundas pueden ser negras, plateadas, doradas o blancas.

Reflector blanco: Este
reflector es el más habitual
en fotografía profesional.
Añade luminosidad a la
imagen difuminando las
sombras.
La luz que refleja es muy
suave y a diferencia de
119
otros reflectores no altera
el color de la luminosidad. Para que nos sea útil en nuestras fotos es conveniente que lo
acerquemos al motivo. Cuanto más lo alejemos menos se notará el efecto y hay situaciones en
los que no será eficaz como en los casos en los que no tenemos demasiada luz en la escena.
Si no tenemos un reflector profesional casi cualquier superficie blanca nos servirá. Una
cartulina puede ser un buen reflector blanco, por ejemplo.
Reflector negro: El reflector

negro es más conocido
como Bandera o Flag. No es
un reflector como tal ya que
la luz se absorbe por las
superficies negras.
Con las banderas
conseguimos marcar las
sombras en situaciones de
mucha luz y así aumentar el contraste de la escena. Es más habitual en bodegones que en
retratos ya que es capaz de quitar los reflejos en superficies de cristal o en superficies
metálicas.
Reflector Plateado: El
reflector plateado es uno de
los más usados de este Kit 5
en 1. Es el que más luz
refleja y por lo tanto se usa
cuando tenemos poca luz en
la escena.
Por este motivo, también
podemos alejarlo más de la
escena consiguiendo los resultados deseados. Este tipo de reflectores no modifican la luz en
cuanto a su color por lo que su temperatura se mantendrá constante.

Reflector Dorado: Este
tipo de reflector cumple
las mismas funciones
que los demás,
especialmente las
mismas que el reflector
plateado, pero cambia
la temperatura de color
de la luz añadiéndole
120
matices cálidos.
Por ello es de los menos usados. Al reflejarse el tono dorado del reflector la fotografía modifica
su color ligeramente.
8.7.Tema Unidad 7
Paisaje
8.7.1. Objetivo
Conocer los diferentes géneros fotográficos manejados dentro de la composición y de las
tomas de fotos dependiendo del estilo al que se quiere llegar.

planteados.

aula virtual.


Fotografía artística
Fotografía publicitaria
El retrato

121
Géneros fotográficos
Tipos de fotografía
Existen numerosos tipos de fotografía, muchos géneros fotográficos, y decenas de maneras de

categorizar las fotos. Cada fotógrafo tiene su opinión, y en este capítulo seguro que no
analizamos todos los tipos de fotos posibles. Pero allá vamos.
Hablar de tipos de fotografías no es hablar de géneros fotográficos propiamente dichos. Cuando

decimos tipos de foto nos estamos refiriendo a una manera de catalogar y enmarcar cada
imagen en una temática o técnica concreta.
De esta forma, podría haber casi tantos tipos de fotografía como fotógrafos, por lo que
cerraremos el círculo y hablaremos en este capítulo solo de las clases de fotografía que nos
parecen más significativas.

La fotografía artística
Para muchos fotógrafos, la fotografía es considerada un arte, aunque no todas las fotos
son artísticas o creativas.
La artística es un tipo de
fotografía que no resulta fácil
de definir. Sin entrar en los
conceptos del arte, una
fotografía se considera artística
122
cuando el autor crea su obra
con el fin de transmitir un
sentimiento o una sensación.
En este caso es muy cierta la
frase "la intención es lo que
cuenta". Pero también el
resultado. El propósito de la
fotografía artística va más allá
de la mera representación de la realidad. Ni siquiera necesita ser hermosa, pero sí provocar
reacciones.
¿Una foto puede ser una obra de arte?
Casi desde el
principio, con pocas
excepciones, la
fotografía se ha
considerado un arte
más, que utiliza
como herramienta
principal una cámara
fotográfica y, en los
últimos tiempos, un
programa de
edición. Las fotos
artísticas no se
toman, sino que se
crean, y dependen de las dotes artísticas y la creatividad de la fotógrafa o fotógrafo, y de su
modo de plasmarla en una imagen.
En este tipo de imágenes, la intencionalidad del fotógrafo profesional cobra vital importancia.
Su humor, sus sentimientos, sus deseos, sus pensamientos y sus intenciones se hacen
protagonistas de la imagen mucho más allá de la representación física que queda plasmada en
la foto.

Una foto artística no sale por casualidad. Se necesita un cierto dominio de la técnica fotográfica,
capacidad de observación, reflexionar sobre el concepto que se quiere transmitir... y ese "no sé
qué" para hacer algo especial. Y suerte, porque no siempre sale. Y capacidad de reacción, porque,
a veces, el resultado final es distinto al proyectado. Pero un artista sabe estar ahí y adaptarse.
Dentro de las corrientes artísticas, la fotografía conceptual merece una mención aparte. Se
trata de un estilo que pretende transmitir a la mente del espectador un concepto o idea a través
de una imagen. Es un
tipo de fotografía
altamente artística que
requiere intención y 123
planificación. La
diferencia o matíz es que
lo importante es el
mensaje y que se capte
de forma inmediata.
El resto de la fotografía,
la que no se considera
artística, captura los aspectos puramente físicos de algo, sin la intencionalidad del fotógrafo de
transformar nuestro humor o estado de ánimo. Sin embargo, existen también fotografías que no
son genuinamente ideadas por el fotógrafo, sino que surgen delante de él, que transmiten
sensaciones y nos emocionan.
La fotografía creativa
demuestra que la
mayoría de las
imágenes pueden
categorizarse de
varias maneras, sobre
todo en lo que a
fotografía artística se
refiere. La
subjetividad es la
principal característica
de este tipo de fotos.
No basta con que sean
fotos chulas; deben
transmitir sensaciones
o emociones.
Por lo tanto, este tipo de expresión artística habla más de su autor que del objeto o sujeto
retratado. El escritor estadounidense John Steinbeck decía que "la fotografía podía ser una
extensión de la mente y del corazón, y sería tan buena como el hombre que la hiciera".

A pesar de estas
individualidades de la
fotografía artística,
también intenta
combinar la expresión
de aspectos personales
del fotógrafo con
cuestiones universales
para poder acercarse a
124
la mayor parte del
público.
Una corriente artística
poco conocida es
la fotografía
estenopeica, basada en una técnica que apenas utiliza equipo fotográfico. Una cámara
estenopeica es una caja o lata con un pequeño agujero llamado estenopo. En el lado opuesto
hay una lámina o película que debe colocarse en el cuarto oscuro. Produce, si hay suerte, fotos
borrosas, desenfocadas y únicas. Se considera fotografía creativa.
La fotografía para publicidad
La fotografía publicitaria o comercial se ha convertido en uno de los campos más creativos

dentro del mundo de la imagen. Su objetivo es vender, y para eso hay que usar la imaginación.
La fotografía publicitaria nace

con el fin de anunciar, dar a
conocer y vender un producto.
En principio su única intención
era mostrar lo que el anunciante
quería vender, hacer saber a la
gente que el producto existía y
conseguir que acabase
comprando. Sigue teniendo esos
mismos objetivos, pero, con el
tiempo y la competencia, ha ido
transformándose en la baza más
importante de las campañas de
publicidad y, a veces, en todo
un arte.
En fotografía publicitaria poco queda de aquellos primeros anuncios en los que sólo se
enseñaba el producto y se exclamaba alguna de sus virtudes. Hoy en día, estos productos llevan
añadidos valores que, o bien la publicidad quiere resaltar, o es ella misma la que se los otorga.

A diferencia de otros géneros fotográficos, la calidad de una imagen publicitaria se puede
medir y se mide de una forma muy sencilla: si aumentan las ventas es buena; si no…
cambiamos de publicista. En definitiva, su calidad artística y su dificultad técnica importan,
naturalmente, pero solo si ayudan a incrementar la cuenta de resultados del cliente y/o el
prestigio de la marca.
Características y técnicas de la fotografía publicitaria
Para que una foto consiga convencer al cliente potencial debe cumplir varios requisitos y, aun
125
así, su éxito no está garantizado. Estos son los mínimos:
1. Atraer la atención: Conseguir una imagen que capte la mirada del público. Hacerla
llamativa de un modo en el que no pase desapercibida para el cliente potencial y pueda
ser recordada en el futuro.
2. Transmitir una idea concreta: El anunciante tiene una idea que ha de ser plasmada en
la foto; si esto no se consigue o se provoca el efecto contrario puede tener
consecuencias nefastas.
3. Animar a la compra: Empujar al cliente a comprar el producto. Una vez captada su

atención y transmitida la idea del anunciante el destino final de la foto comercial debe
ser estimular la compra.

Además de todo esto, dar una buena imagen resulta primordial, por lo que se ha de tener
cuidado con el mensaje transmitido o la fotografía en sí misma. Más que representar una
realidad, la fotografía publicitaria debe crear escenas que, de algún modo, resulten apetecibles,
a menudo apelando a los sentimientos del cliente potencial más que a la propia descripción del
producto.
Una de las técnicas creativas suele ser la metáfora, que compara lo que vemos con las
características que el anunciante quiere darle al producto. 126
Para todo esto existen numerosos recursos fotográficos y de postproducción que hacen de la
foto publicitaria unas de las más creativas dentro del sector.
Existen varias maneras de transmitir ese

mensaje connotativo al espectador. Es
decir, ese mensaje subjetivo que añade
valores a lo que se presenta. Un mensaje
oculto que el espectador debe descubrir.
Cuando "¡Aja!", ya casi es nuestro.
Hay que usar la imaginación y algo de
psicología para conseguir la imagen
idónea que garantice el éxito de la
campaña. Una buena foto publicitaria
requiere preparación, algunos trucos, un
manejo exquisito de las luces, diversas
tomas y mucho trabajo en el ordenador. Se trata de crear deseo, y casi todo vale.

El erotismo en la publicidad
Uno de los recursos más

utilizados en fotografía
publicitaria para
conseguir su finalidad, es
decir, llamar la atención,
permanecer en la
memoria del cliente y
127
realizar la compra final,
suele ser el sexo.
La publicidad está
inundada de
connotaciones eróticas y
el sexo ha sido utilizado
como instrumento de
persuasión casi desde sus
orígenes de la publicidad, incluso a veces de manera subliminal. Se suele utilizar una mezcla de
estética, glamour y sensualidad basada en el cuerpo femenino, aunque cada día abundan más
las campañas con protagonistas masculinos.
El uso del erotismo se basa en el funcionamiento complejo del cerebro humano, donde el deseo
sexual ocupa una parte importante. Sin embargo, la fotografía publicitaria mantiene una cierta
ética o moral cuyos límites no suelen ser sobrepasados. Aunque siempre puede haber alguien
dispuesto a llegar "un poco más lejos", no suele estar bien visto y el sector se autoregula.
El retrato fotográfico
Un retrato es la imagen del rostro de una persona, un tipo muy común de fotografía entre los
profesionales y los aficionados.
El retrato fotográfico existe

desde los inicios de la fotografía.
El daguerrotipo, por ejemplo, se
popularizó a mediados del siglo
XIX gracias a la demanda de
retratos, que resultaban más
fieles y económicos que los
realizados por dibujantes y
pintores. Los estudios
fotográficos nacieron y
prosperaron gracias a los
retratos.

A pesar de ser el tipo de fotografía más extendido, el retrato no resulta fácil, ni mucho menos.
Conseguir un buen retrato es mucho más laborioso de lo que en principio pudiera parecer.
Desde la fotografía para la BBC (Bodas, Bautizos y Comuniones, of course) hasta la
publicitaria, conseguir buenos retratos marca la diferencia en el trabajo de un fotógrafo.
Cuando hacemos un
retrato no sólo
debemos tener en
cuenta aspectos
128
como la
iluminación, la
composición o el
encuadre, sino que
hemos de intentar
reflejar la
personalidad o los
sentimientos de la
persona retratada.
Sí, hay que mostrar
a la persona; pero también hay que expresar algo. Esta es la cuestión que añade dificultad a
toda la técnica fotográfica que podamos dominar. Un retrato no es una simple foto. El fotógrafo
no debe abordar los retratos sin tener en cuenta el carácter o el humor de la persona que tiene
en frente. En caso contrario, la fotografía resultante no será más que una representación gráfica
de un ser humano, válida como foto de carnet, pero nada más.
Todo buen retrato debe transmitir

el estado de ánimo del sujeto en el
momento del disparo y por eso es
importantísimo observar a quien
se retrata. Los buenos
profesionales suelen cultivar tres
cualidades esenciales: la empatía,
la paciencia y la capacidad de
observación. Incluso así, a veces
encontrar el momento justo y la
expresión correcta requiere algo
de suerte.
Al fotografiar a personas es
fundamental que se les vea bien.
Existen diversas formas de resaltar la fisonomía del personaje en un retrato jugando con la luz,
el fondo, la perspectiva y la composición.

En el caso de la luz, es importante que el sujeto tenga sombras en la cara que resalten sus
facciones, que le den volumen. Si no es así, aparecerá una cara "plana" sin relieve. Una luz de
relleno lateral puede ayudar en algunos casos.
Para sacar un retrato
original y de calidad hay
que tener en cuenta todos
los elementos que saldrán
en la foto, incluido el
fondo. Lo más
129
recomendable, en la
mayoría de los casos, es
restarle importancia
desenfocándolo. De esta
forma se resaltará al sujeto
y no se desviará la atención.
En cuanto a la composición, depende de si se quiere hacer un primer plano, o no. En cualquier

caso, hay que tratar de que el sujeto ocupe buena parte de la imagen y sea el protagonista de la
misma.
Una regla básica en la

composición de los retratos es
la Ley de la Mirada, según la
cual la persona retratada debe
tener más espacio libre por
delante, hacia donde mira, que
por detrás. Se dice que aporta más
expresividad a la fotografía de
retratos, aunque, en realidad, es
solo una indicación a tener en
cuenta. Todo buen fotógrafo sabe
que las normas están para
saltárselas.
El objetivo fotográfico perfecto para el retrato

del rostro suele ser el que se conoce como
"normal" de 50 o 35 mm, según sea la película
o el sensor. Los teleobjetivos evitan las
distorsiones de la perspectiva (la nariz o el
mentón pronunciados) provocadas por el
acercamiento excesivo de la cámara a la cara y
permiten acortar la profundidad de campo para
desenfocar el fondo.

En los primeros planos, una nitidez acentuada puede poner de relieve algunos defectos de la
piel del modelo. Para suavizar la imagen se puede colocar un filtro difusor que aporta a la
fotografía un aire romántico, permitiendo disimular las imperfecciones del rostro. O, en
fotografía digital, hacer retoques a posteriori con programas específicos para ordenador;
aunque, eso sí, con cuidado, o podría imprimir un carácter bastante artificial al retrato
fotográfico.
8.8.Tema Unidad 8
130
Géneros fotográficos
Paisaje
8.8.1. Objetivo
Conocer los diferentes géneros fotográficos manejados dentro de la composición y de las
tomas de fotos dependiendo del estilo al que se quiere llegar.

planteados.

aula virtual.

Fotografía documental
Fotografía aérea
Fotografía científica

Fotografía documental
¿Qué es la fotografía documental?
La fotografía documental pretende representar fielmente y congelar un fragmento o momento

de la realidad. Se centra en las personas y en los grupos sociales para mostrar aspectos de su 131
vida cotidiana.
Se puede definir la fotografía documental de muchas maneras. Una definición muy extendida y
aceptada dice que "una foto documental nace con la intención de plasmar la realidad en una
imagen fija".
Podría entenderse que todos los

tipos de fotografía son
documentales, ya que muestran
algo que está ocurriendo delante
de la cámara, en su sentido más
estricto. Sin embargo, este tipo
de foto sólo hace referencia a
las imágenes que muestran
evidencias de que un evento o
situación realmente ocurren, y
que sería así, aunque no hubiese
estado allí el fotógrafo para
documentarlo. Por tanto, las
fotos no se deberían manipulan con Photoshop ni programas similares.
A principios del siglo XX la

fotografía se convirtió en un lenguaje
visual que servía para contar
historias. Los fotógrafos
documentales retrataron desde
entonces todos los conflictos,
injusticias y problemas sociales: los
barrios marginales, las condiciones
de trabajo degradantes, los estragos
de las guerras, la pobreza, el
terrorismo, los integrismos y
fanatismos, las drogas...

Más que informar, a menudo este estilo de fotos pretende llamar la atención o concienciar a la
sociedad sobre algún tema, evento, personaje, grupo social o condiciones de vida. O tiene un
sentido de protesta. En todo caso, suele ser un formato de imagen muy expresivo, a veces
crudo, que no necesita explicación.
Los eventos son registrados por la cámara del fotógrafo de la manera más objetiva posible,
aunque, a veces, el encuadre y la composición pueden alterar o matizar algún aspecto
importante de la escena. Cuando la imagen se manipula de forma intencionada, no se considera
fotografía documental, sino amarillismo. La siguiente imagen muestra un ejemplo de
manipulación del encuadre.
132
Como el objetivo final de este tipo de fotografía es relatar y, como su nombre indica,
documentar un hecho, lo habitual es que estas fotografías constituyan una serie o grupo. Estas
series de fotos documentales ilustran y relatan de un modo más fidedigno los acontecimientos
en grupo que individualmente.
Fotografía documental y fotoperiodismo
Existen varios tipos de fotografía documental. Se diferencian, sobre todo, en el destino que van
a tener las imágenes. Algunas son solo creaciones artísticas (que no es poco), otras tienen una
intención de denuncia o reivindicación. Hay fotos hechas expresamente para archivos o fondos
documentales, sobre una temática concreta, y otras que forman reportajes para su difusión
inmediata.
Las fotos documentales a menudo se
confunden con otros tipos de
fotografía, como la fotografía de
prensa o periodística, debido a que el
destino final de muchas de las
imágenes documentales acaba siendo
la publicación en periódicos. Pero no
son lo mismo. Mientras que la fotografía documental tiene como requisito ser objetiva, la
fotografía publicada en prensa (fotoperiodismo) no tiene porqué serlo y, de hecho,
normalmente no lo es.

La fotografía documental va más allá del fotoperiodismo, sobre todo, en cuanto a profundidad,
ya que retrata la forma de vida y la situación social de una persona o un grupo determinado. No
se queda sólo en la noticia, sino que busca plasmar en imágenes las causas y las consecuencias
de lo que ocurre.
A lo largo de la historia han existido numerosos fotógrafos documentales que han llegado a ser
maestros de la imagen y se han convertido en auténticos referentes para los amantes de la
fotografía actual. También hubo fotoperiodistas famosos que compaginaron este estilo con el
trabajo de periodista.
133
Nombres como Dorothea Lange y
fotografías como la serie llamada
"Madre Migrante" se han convertido
en iconos de la fotografía
documental. También Walker Evans
o el brasileño Sebastiao Salgado son
maestros del género. En los
siguientes enlaces se pueden ver
varios ejemplos.
Fotografía aérea
Con la fotografía aérea se consigue ver la tierra como la vería un ave en vuelo; por eso
también se llama "a vista de pájaro".
La fotografía aérea es la rama de la fotografía en la que el papel del fotógrafo poco a poco se va
perdiendo debido a las nuevas tecnologías.

Lo habitual es que, en las fotos tomadas desde el aire, se empleen cámaras que realizan las
tomas o bien automáticamente o a control remoto. Aunque, por supuesto, en los orígenes de
este tipo de fotos, los fotógrafos tomaban sus imágenes ellos mismos subidos a algún medio de
transporte capaz de volar.
Con la llegada de los drones,
esos pequeños aviones
teledirigidos en los que se
puede instalar una cámara, la
fotografía aérea ha ido
134
creciendo y llegando a
lugares cada vez más
recónditos con mucha más
facilidad y aumentando los
campos en los que la
fotografía aérea es usada.
Las fotos tomadas desde el aire nos sitúan geográficamente y, con frecuencia, nos permiten
observar el mundo que nos rodea de un modo poco habitual.
Tradicionalmente se ha
utilizado en cartografía y
geología para estudiar los
accidentes geográficos o en
arqueología, con la que hemos
podido ver a vista de pájaro
impresionantes construcciones.
La vigilancia y el
reconocimiento militar ha sido
otra de las funciones
tradicionales de la fotografía
aérea.
Las fotografías desde el aire van,

lógicamente, ligadas a un
dispositivo capaz de volar. Pueden
realizarse desde aviones,
avionetas, globos, helicópteros,
paramotores, parapentes, etc.
Si nos dedicamos a este tipo de

fotografía como aficionados
podemos tomar nuestras imágenes
desde aviones comerciales.

Será importante colocarse en el lado contrario al sol y delante de las alas para que estas no
entorpezcan la visión. Las mejores imágenes se obtienen poco después del despegue del avión
o poco antes del aterrizaje.
Además de la fotografía aérea,

también está la conocida
como Fotografía orbital. En
este tipo de fotos las cámaras
están montadas en satélites que
135
orbitan alrededor de la tierra.
Algunos de estos satélites
están provistos de potentes
teleobjetivos que producen
imágenes de alta definición y
con inmensas resoluciones con
los que pueden observarse
detalles realmente asombrosos.
La fotografía orbital ha sido utilizada en sus orígenes con fines militares, de espionaje y
sobretodo meteorológicos.
La fotografía aérea puede ser vertical, si el plano de la tierra está totalmente paralelo al plano
de la imagen, o puede ser oblicua, si la imagen ha sido tomada con cierta perspectiva.
Fotografía científica
La fotografía científica ha existido desde los inicios de la fotografía, ayudando de forma

decisiva al avance y divulgación de la ciencia.
La fotografía y la ciencia han

ido de la mano desde la
invención de la primera
cámara fotográfica. Desde que
Henry Fox Talbot publicó The
Pencil of Nature (El lápiz de
la naturaleza), ciencia e
imagen se han apoyado
mutuamente convirtiéndose en
un tándem importantísimo para
el avance de ambas.
En la actualidad la fotografía científica se encarga de inmortalizar experimentos, ilustrar y

representar información científica y acercar al ojo humano cuestiones que, sin la ayuda de esta,
no podría ver.

Para conseguir estos objetivos se vale de múltiples disciplinas y técnicas, como la fotografía
ultravioleta, infrarroja, de fluorescencias, de polarización, de alta velocidad, las imágenes
térmicas o los rayos X.
136
Por otra parte, las fotografías que se incluyen en los artículos de divulgación científica aportan
información, visual en este caso, y mejoran la comprensión del tema tratado. Además, unas
imágenes atractivas atraen a más personas. Al ampliar su difusión, la ciencia sale ganando, ya
que aumenta su valoración a nivel social y, muchas veces, esto acaba suponiendo una mayor
inversión.
La fotografía en la investigación científica
En el campo de la investigación científica y en

la medicina, las placas y películas fotográficas
se encontraban, hasta hace bien poco, entre los
elementos más importantes. Muchos de los
grandes avances de la ciencia se han dado en
torno a la fotografía o se han visto influidos
directamente por ella.
La radiactividad, por ejemplo, fue descubierta

al ennegrecer accidentalmente una película
fotográfica. Y la Teoría de la Relatividad de Alber Einstein sólo pudo ser validada usando
fotografías.

Muchos instrumentos
ópticos utilizados
habitualmente en labores
científicas, como son el
microscopio, el telescopio o
el espectroscopio, se pueden
utilizar también para realizar
fotografía científica.
137
Otros instrumentos y
aparatos, como los
microscopios electrónicos,
osciloscopios y terminales
de ordenador, están
equipados también con
mecanismos para tomar fotos o con adaptadores que permiten el empleo de una cámara normal.
En los laboratorios se solían utilizar cámaras Polaroid para obtener imágenes de los resultados
de la investigación con rapidez. Hoy en día, con las cámaras digitales todo el proceso se ha
acelerado.
Una de las actividades más importantes en la investigación sobre la física de partículas es el

estudio de miles de fotos tomadas en las cámaras de burbujas o en las cámaras de niebla de los
detectores de partículas, con el fin de encontrar interacciones entre ellas. Mediante el uso de
películas especiales se puede fotografiar directamente el rastro o la estela de partículas
cargadas.
Con el desarrollo del

láser, una técnica
llamada fotografía sin
lente, la holografía, es
capaz de reproducir
imágenes en tres
dimensiones.
Como casos muy relevantes de fotografía científica, trataremos la fotografía de aproximación

(fotomacrografía) y la fotomicrografía en las próximas páginas. A grandes rasgos, la
fotomacrografía permite observar con detalle objetos grandes, mientras que la fotomicrografía
amplía los muy pequeños.

9. SISTEMA DE TAREAS POR UNIDAD POR SEMANA
No. Tema Sistema de tareas Fuente de información Tiempo

Semana requerido
2 La cámara Tarea 1.1 http://www.revistadeartes.co 2
fotográfica y Realizar un ensayo de m.ar/revistadeartes%207/his semanas
manejo de la la historia de la cámara toriafotografia.html
cámara fotográfica
138
Tarea 1.2
Realizar una ilustración http://www.thewebfoto.com
donde se detalle las /1-introduccion/104-tipos-
partes de la cámara, los de-camaras
tipos de cámaras y su http://partesde.com/camara-
manejo. fotografica/
4 Objetivo y el Tarea 1.1 https://www.fotonostra.com/ 2

enfoque Consultar los tipos de fotografia/objetivos.htm semanas
objetivos existentes con
un ejemplo cada uno.
Tarea 1.2
Hacer 6 fotos en donde
se haga diferente toma http://www.thewebfoto.com
de las manos. Tomar las /2-hacer-fotos/210-enfoque
fotos con cualquier
cámara incluso el
celular
6 Composición Tarea 1.1 https://issuu.com/pablomen 2
e iluminación Realizar una secuencia dezgarzona/docs/leyes_de_c semanas
fotográfica utilizando omposici__n_fotogr__fica
las leyes de la
composición, utilizando https://hipertextual.com/arc
los diferentes tipos de hivo/2010/11/planos-en-
planos fotográficos. fotografia/
Tarea 1.2
Realizar 2 fotografías https://buscadordefotografos
por cada tipo de .com/blog/2018/12/10/tipos-
direccionalidad de luz de-iluminacion-en-
existente. fotografia/

7 Géneros Tarea 1.1 https://365enfoques.com/me 1 semana
fotográficos Utilizar iluminación jorar-fotos/fotografia-de-
artificial para realizar 8 retrato/
fotografías de rostros en
tiempo de covid. Donde
se exprese las
sensaciones vividas
durante la pandemia.
139

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CARRERA(S): TECNOLOGÍA SUPERIOR EN

GUÍA DIDÁCTICA BASE

Vicerrectorado académico 2018

1. CARRERA DISEÑO GRAFICO

Nombre de la asignatura: Fotografía I

Unidad de Organización Curricular: Profesional

La asignatura corresponde al área estudios de especialidad, es de naturaleza teórica–práctica.

Vicerrectorado académico 2018

COMPETENCIA DE LA ASIGNATURA QUE TRIBUTAN AL PERFIL PROFESIONAL

 Identifica, diferencia y utiliza  Identifica los elementos fotográficos. 3

4. . SISTEMA DE CONTENIDOS Y RESULTADOS DE APRENDIZAJE POR

Unidades de contenidos (temas y subtemas a Resultados de aprendizaje de la

Vicerrectorado académico 2018

Vicerrectorado académico 2018

5. ORIENTACIONES PARA EL ESTUDIO EN LA ASIGNATURA

El docente iniciará con el desarrollo de una evaluación diagnóstica cualitativa de los

Las prácticas de aplicación y de experimentación se orientan en base a los conocimientos

En cuanto al aprendizaje autónomo servirán específicamente para ampliar los conocimientos

6. SISTEMA DE EVALUACIÓN DE LA ASIGNATURA

La evaluación de la asignatura se basa en los siguientes componentes:

 Participación en foros y tutorías

 Participación en foros y tutorías

Vicerrectorado académico 2018

Ang, T. (2003). Manual de fotografía digital. Barcelona: Omega.

Vicerrectorado académico 2018

8.1. Tema Unidad 1

8.1.2. Orientaciones metodológicas

Las orientaciones metodológicas son un conjunto de enunciados que determinan la manera

8.1.3. Síntesis de contenidos

8.1.4. Desarrollo de los contenidos

La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debido a la acción de la

Vicerrectorado académico 2018

Gerolamo Cardano experimentó con la cámara oscura en 1558.

La idea de capturar imágenes y preservarlas ha acompañado al ser humano desde épocas

La cámara oscura es un espacio cerrado o recinto, totalmente oscuro, en el que penetra la

Vicerrectorado académico 2018

Primeros Intentos y Daguerrotipos

Esta fue la primera fotografía de la historia, tomada por Niepce en 1826.

Vicerrectorado académico 2018

Otros procedimientos similares que aparecieron en el siglo XIX fueron el calotipo y la

Este procedimiento sustituyó al daguerrotipo en la segunda mitad del siglo XIX,

Vicerrectorado académico 2018

Vicerrectorado académico 2018

El filme fotográfico fue inventado en 1884 por el estadounidense George

En 1889 inventó la primera película flexible y transparente, en tiras de nitrato de

Las cámaras Leica inauguraron el formato 35 mm y popularizó la fotografía.

En 1920 el inventor y fotógrafo alemán Oskar Barnack introdujo al mercado la

Vicerrectorado académico 2018

El flash o iluminador se empezó a usar a principios del siglo XX. Consistía en 13

Por esta razón en 1930 se inventó la lámpara de flash o flash de bombilla, un

Las cámaras digitales permiten previsualizar la foto y decidir si tomarla o no.

Vicerrectorado académico 2018

Línea de tiempo de la fotografía

 300 a. C. Aristóteles usa la primera cámara oscura.

8.2. Tema Unidad 2

8.2.2. Orientaciones metodológicas

Las orientaciones metodológicas son un conjunto de enunciados que determinan la manera

Vicerrectorado académico 2018

8.2.3. Síntesis de contenidos

8.2.4. Desarrollo de los contenidos

¿Qué es una cámara de fotos?