Martin Scorsese

De Wikipedia, la enciclopedia libre

"Scorsese" vuelve a dirigir aquí. Para otras aplicaciones, vea Scorsese (desambiguación) .

Martin Scorsese

Scorsese en el 2010 Festival de Cannes

Nacido Martin Charles Scorsese

17 de de noviembre de, 1942(edad 73) 
Queens , Nueva York , EE.UU.

Otros Marty
nombres

alma mater Universidad de Nueva York

Ocupación Director, productor, actor, guionista,

historiador de cine

Años 1963-presente
activos

Cónyuges) Laraine Marie

Brennan ( m.  1965;Div.  1971) Julia
Cameron ( . M 1976; Div.  1977) Isabella
Rossellini ( . M  1979; Div.  1982)Barbara De
Fina ( m.  1985; Div. 1991) Helen Schermerhorn
Morris( m.  1999)
 Niños 3

Padre (s) Charles Scorsese 

Catherine Scorsese

Martin Charles Scorsese [ 1 ] ( / s k ɔr s ɛ s i / [ 2 ] o [skorseːze] ; [ nota 1 ]nacido el 17 de

noviembre de 1942.) [ 3 ] [ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] es un americano director, productor, guionista, actor, y el
historiador de cine, cuya carrera se extiende por más de 45 años. cuerpo de trabajo de
Scorsese direcciones de temas tales como la identidad siciliana-
americana, católicas conceptos de culpa yredención , [ 7 ] el machismo , la delincuencia
moderna, y conflictos de pandillas. Muchas de sus películas también son notables por su
representación de la violencia y el uso liberal de la blasfemia .
Parte del nuevo Hollywood ola de cine, que es ampliamente considerado como uno de los
cineastas más importantes e influyentes de la historia del cine. En 1990, fundó The Film
Foundation , una organización sin fines de lucro dedicada a filmar la preservación , y en 2007
fundó la Fundación de Cine Mundial . Él es un receptor de la AFI Life Achievement Award por
su contribución al cine, y ha ganado un premio de la Academia , una Palma de Oro , Director
Award Festival de Cannes Mejor , León de Plata , premio Grammy , Emmy , Globo de
Oro , BAFTA , y Premios DGA .
Ha dirigido películas famosas como la película del crimen Malas calles (1973), el vigilante de
suspenso y Taxi Driver (1976), el drama deportivo biográficaToro salvaje (1980), la comedia
negro El rey de la comedia (1983), y el crimen películas Uno de los nuestros (1990)
y Casino (1995), todos los cualescolaboraron en con el actor y amigo Robert de
Niro . [ 8 ] Scorsese también se ha destacado por sus colaboraciones con el actor Leonardo
DiCaprio , tras lo dirigió en cinco películas, comenzando con Gangs of New York (2002) y más
recientemente El lobo de Wall Street (2013).
Otras películas de Scorsese incluyen la película del concierto The Last Waltz(1978), la
comedia negro Después de Horas (1985), el drama épico La última tentación de Cristo (1988),
el thrillers psicológicos cabo del miedo (1991) yShutter Island (2010), el drama biográfico el
aviador (2004) y el drama aventura histórica Hugo (2011). Su trabajo en televisión incluye
el episodio piloto de la HBO serie Boardwalk Empire . Ganó el premio de la Academia a la
mejor dirección para el drama criminal Infiltrados (2006). Con ocho nominaciones a mejor
director, que es el director de estar más nominada, y se ata con Billy Wilder para el segundo
mayor número de nominaciones en general.

Contenido
  [ Ocultar ] 

 1 Primeros años
 2 Carrera
o 2.1 Inicios de su carrera
o 2.2 1970
 2.2.1 Malas calles
 2.2.2 Taxista
 2.2.3 Nueva York, Nueva York y The Last Waltz
o 2.3 1980
 2.3.1 Raging Bull
 2.3.2 El rey de la comedia
 2.3.3 Después de Horas
 2.3.4 El color del dinero
 2.3.5 La última tentación de Cristo
 2.3.6 Otras obras en 1980
o 2.4 1990
 2.4.1 Uno de los nuestros
 2.4.2 El cabo del miedo
 2.4.3 La edad de la inocencia
 2.4.4 Casino
 2.4.5 Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine
americano
 2.4.6 Kundun
 2.4.7 Al límite
 2.4.8 Otras obras en 1990
o 2.5 2000
 2.5.1 Gangs of New York
 2.5.2 El Blues
 2.5.3 El aviador
 2.5.4 No Direction Home
 2.5.5 Infiltrados
 2.5.6 Shine a Light
 2.5.7 Otras obras en 2000
o 2,6 década de 2010
 2.6.1 Shutter Island
 2.6.2 Boardwalk Empire
 2.6.3 de estar en el mundo material
 2.6.4 Hugo
 2.6.5 El lobo de Wall Street
 2.6.6 El Argumento de 50 años
 2.6.7 Vinilo
 2.6.8 Silencio
 2.6.9 Otras obras en década de 2010
o 2.7 futuras películas
 3 Vida personal
o 3.1 Colaboraciones con Robert De Niro
 o 3.2 películas favoritas de Scorsese
 4 Honores
 5 marcas director
 6 colaboradores frecuentes
 7 actuaciones de los actores premiados
o 7.1 Lista de adjudicación completa
o 7.2 registro de Adjudicación
 8 Premios y reconocimiento
o 8.1 Otros logros
 9 Filmografía
 10 Véase también
 11 Referencias
 12 Notas
 13 Enlaces externos

Primeros años [ editar ]

De izquierda a derecha: Salvo Cuccia , Martin Scorsese y Vittorio De Seta en el Festival de

Cine de Tribeca 2005

Scorsese nació en Queens , Nueva York . Su familia se trasladó a la Little Italysección

de Manhattan antes de que empezara la escuela. [ 9 ] Su padre, Charles Scorsese (1913-1993),
y su madre, Catherine Scorsese (Cappa nacido; 1912-1997), tanto trabajó en Nueva
York Garment District . Su padre fue un prensador de ropa y un actor, y su madre era
costurera y una actriz. [ 10 ] Los padres de su padre emigrado de Polizzi Generosa , en la
provincia de Palermo , Sicilia , y sus abuelos maternos eran también de Palermo,
precisamente a partir de ciminna . Scorsese se crió en una devota católica medio
ambiente. [ 3 ] Como un niño que tenía asma y no podía practicar deportes o realizar
actividades con otros niños y por lo que sus padres y su hermano mayor solía llevarlo a las
salas de cine; fue en esta etapa de su vida que él desarrolló una pasión por el cine. Como un
adolescente en el Bronx, Scorsese a menudo alquilados Powell y Pressburger 's de Los
cuentos de Hoffmann (1951) en una tienda que tenía una copia de la bobina. Scorsese fue
uno de sólo dos personas que alquilan con regularidad que el carrete. El otro era el
futuro noche de los muertos vivientes directorGeorge A. Romero . [ 11 ]
Scorsese ha citado Sabu y Victor Mature como sus actores favoritos durante su juventud y ha
hablado de la influencia del 1947 Powell y Pressburger película de Narciso Negro , cuyas
técnicas innovadoras tarde impactado su cinematografía. [ 12 ]Enamorado de epopeyas
históricas en su adolescencia, por lo menos las dos películas del género, la tierra de los
faraonesy el Cid , parecen haber tenido un impacto profundo y duradero en su psique
cinematográfica. Scorsese también desarrolló una admiración por el cine neorrealista en este
momento. Relató su influencia en un documental sobre el neorrealismo italiano , y comentó
sobre cómo Ladrón de bicicletas junto Paisà , Roma, ciudad abierta le inspiraron y cómo esto
influyó en su opinión o interpretación de sus raíces sicilianas. En su documental, Mi viaje en
Italia , Scorsese señaló que el episodio siciliana de Roberto Rossellini 's Paisà , que vio por
primera vez en la televisión junto a sus familiares, como ellos también eran inmigrantes de
Sicilia, tuvo un impacto significativo en su vida. [ 13 ] reconoce a causa de una gran deuda con la
nueva ola francesa y ha declarado que "la nueva ola francesa ha influido en todos los
realizadores que han trabajado, ya que, si veían las películas o no." [ 14 ] se ha citado también
realizadores incluyendo Satyajit Ray , Ingmar Bergman , Michelangelo Antonioni , y Federico
Fellini como una importante influencia en su carrera. [ 13 ] [ 15 ] [ 16 ] [ 17 ] [ 18 ] su deseo inicial para
convertirse en sacerdote [ 19 ] mientras asiste a Cardinal Hayes High School secundaria en el
Bronx dio paso al cine y, en consecuencia, Scorsese inscrito en el Colegio de Artes y
Ciencias, (ahora conocida como la Universidad de New York University College of Arts y
Ciencia ), donde obtuvo una licenciatura en Inglés en 1964. Luego pasó a ganar su MFA de la
Universidad de Nueva York de escuela de las Artes (ahora conocida como la Tisch School of
the Arts ) en 1966, un año después de la escuela fue fundada. [ 20 ]

Carrera [ editar ]
Inicios de su carrera [ editar ]
Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York escuela de cine 's (BA, Inglés, 1964; AMF ,
película, 1966) [ 21 ] haciendo los cortometrajes Lo que es una buena chica como tú en un sitio
como éste? (1963) y No es sólo usted , Murray! (1964).Su más famoso corto del período es el
humor negro The Big Shave (1967), que cuenta con Peter Bernuth. La película es una
denuncia de la participación de Estados Unidos en Vietnam , sugiere su título alternativo Viet
'67 . [ 22 ] Scorsese ha mencionado en varias ocasiones que se inspiró en gran medida en sus
primeros días en la Universidad de Nueva York por su profesor de cine estadounidense
armenio Haig P . Manoogian .
En 1967, Scorsese hizo su primer largometraje, el blanco y el negro me llame primero , que
más tarde se tituló de nuevo¿Quién llama a mi puerta con sus alumnos también actor Harvey
Keitel y editor Thelma Schoonmaker , ambos de los cuales se convirtiera en largo
colaboradores plazo. Esta película estaba destinada a ser la primera de la trilogía de JR
semiautobiográfica Scorsese, que también habría incluido una película más tarde, Malas
calles .

1970 [ editar ]
Scorsese se hizo amigo de los palos de golf influyentes "película" de la década de 1970: Brian
De Palma , Francis Ford Coppola , George Lucas y Steven Spielberg . [ 5 ] Fue Brian De Palma,
quien introdujo a Scorsese , Robert De Niro .Durante este período trabajó como ayudante de
dirección y uno de los editores en el documental Woodstock (1970) y se encontró con el actor
y director John Cassavetes , que también llegaría a convertirse en un amigo cercano y mentor.
Malas calles [ editar ]
Artículo principal: Malas calles
En 1972, Scorsese hizo la depresión -era explotador tren de Bertha de la B-
película productor Roger Corman , quien también ayudó a directores como Francis Ford
Coppola , James Cameron y John Sayles lanzar sus carreras. Fue Corman que enseñó a
Scorsese que las películas de entretenimiento podrían ser tomadas con muy poco dinero o
tiempo, la preparación de la joven directora bien para los desafíos que vienen
con Calles . Después del lanzamiento de la película, Scorsese Cassavetes animó a hacer las
películas que quería hacer, en lugar de proyectos de otra persona.
Defendido por el influyente crítico de cine Pauline Kael , Calles fue un gran avance para
Scorsese, De Niro y Keitel. Por ahora el estilo Scorsese firma estaba en su lugar: postura
machista, violencia sangrienta, la culpa católica y la redención, arenoso local de Nueva York
(aunque la mayoría de las calles malas en realidad fue filmado en Los Ángeles), edición de tiro
rápido y una banda sonora con música contemporánea . Aunque la película fue innovador, su
atmósfera por cable, estilo documental nervioso, y áspero dirección a nivel de calle tenía una
deuda con los directores de Cassavetes, Samuel Fuller y principios de Jean-Luc Godard . [ 23 ]
En 1974, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en Alicia ya no vive aquí
más , por la que ganó un Oscar a la Mejor Actriz. Aunque bien mirado, la película sigue siendo
una anomalía en el inicio de su carrera del director, ya que se centra en un personaje
femenino central. Volviendo a Little Italy para explorar sus raíces étnicas, Scorsese siguiente
llegó con Italianamerican , un documental con sus padres Charles y Catherine Scorsese.
Taxista [ editar ]
Artículo principal: Taxista
Taxista siguió en la oscuridad pesadilla de 1976-Scorsese, urbano del lento descenso de un
hombre solitario en la locura.
La película estableció Scorsese como un consumado realizador y también llamó la atención
sobre el director de fotografíaMichael Chapman , cuyo estilo tiende hacia altos contrastes,
colores fuertes y complejos movimientos de cámara. La película fue protagonizada por Robert
De Niro como el psicótico con problemas y Travis Bickle. La película co-protagonizada por
Jodie Foster en un papel muy controvertida como una prostituta menor de edad, y Harvey
Keitel como su proxeneta, Mateo, llamado "Sport".
Taxista también marcó el comienzo de una serie de colaboraciones entre Scorsese y
guionista Paul Schrader , cuyas influencias se incluye el diario del supuesto asesino Arthur
Bremer y Pickpocket , una película del director francés Robert Bresson . El escritor y director
Schrader a menudo retorna a la obra de Bresson en películas como American
Gigolo ,Posibilidad de escape , y más tarde Scorsese Bringing Out the Dead . [ 24 ]
Ya polémica sobre su lanzamiento, taxista llegó a los titulares de nuevo cinco años más tarde,
cuando John Hinckley, Jr.hizo un intento de asesinato contra el entonces presidente Ronald
Reagan . Posteriormente, culpó a su acto en su obsesión por la de Jodie
Foster taxista carácter (en la película, el personaje de De Niro, Travis Bickle , hace un intento
de asesinato de un senador). [ 25 ]
Taxista ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes 1976, [ 26 ] también recibir
cuatro Oscar nominaciones, incluyendo Mejor Película .
Scorsese se le ofreció posteriormente el papel de Charles Manson en la película Helter
Skelter y una parte de Sam Fullerpelícula de guerra 's The Big Red One , pero se volvió
ambos al suelo. Sin embargo, hizo aceptar el papel de un gángster en la película de la
explotación del obús , dirigida por Paul Bartel . En este período también hubo varios proyectos
como director que nunca se despegaron incluyendo encantada de verano , alrededor de Mary
Shelley y una película con Marlon Brando sobre la masacre india en la rodilla herida .
Nueva York, Nueva York y The Last Waltz [ editar ]
Artículos principales: Nueva York, Nueva York (película) y The Last Waltz
El éxito crítico de Taxi Driver animó a Scorsese para seguir adelante con su primer proyecto
de gran presupuesto: la muy estilizada musical de Nueva York, Nueva York . Este homenaje a
la ciudad natal de Scorsese y el musical clásico de Hollywood fue un fracaso de taquilla.
Nueva York, Nueva York fue la tercera colaboración de la directora con Robert De Niro, co-
protagonizada por Liza Minnelli .La película se recuerda mejor hoy para el título de la canción
tema, que fue popularizado por Frank Sinatra . Aunque posee garbo visual habitual de
Scorsese y bravura estilística, muchos críticos consideraron su atmósfera unida a estudio
cerrado dejó de plomo en comparación con su anterior trabajo.
A pesar de su débil recepción, la película es considerada positivamente por algunos
críticos. Richard Brody en The New Yorker escribió: "Para Scorsese, un cinéfilo de toda la
vida, la esencia de Nueva York se pudo encontrar en su representación en las películas
clásicas de Hollywood Sorprendentemente, su retrospectiva homenaje a la época dorada de
los musicales y melodramas románticos noirish volvió. a ser una de sus películas más de
rueda libre y personales. " [ 27 ]
La recepción decepcionante que Nueva York, Nueva York recibió condujo Scorsese en la
depresión. En esta etapa el director también había desarrollado una
grave cocaína adicción. Sin embargo, lo hizo encontrar la unidad creativa de hacer el muy
respetado The Last Waltz , que documenta el concierto final de la banda . Se llevó a cabo en
el Winterland salón de baile en San Francisco, y contó con una de las más extensas
formaciones de prominentes artistas invitados en un solo concierto, incluyendo Bob
Dylan , Neil Young , Ringo Starr , Muddy Waters , Joni Mitchell , Van Morrison , Paul
Butterfield ,Neil Diamond , Ronnie Wood y Eric Clapton . Sin embargo, los compromisos de
Scorsese a otros proyectos retrasaron el lanzamiento de la película hasta 1978.
Otro documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy , también apareció en 1978, se
centra en Steven Prince, el vendedor de armas arrogante que apareció en Taxi Driver . Un
periodo de fiesta salvaje seguido, dañando la salud ya frágil del director.
Scorsese también ayudó a proporcionar material para el documental Elvis on Tour .

1980 [ editar ]
Toro salvaje [ editar ]
Artículo principal: Raging Bull
Por varias cuentas (Scorsese incluido), Robert De Niro prácticamente salvó la vida de
Scorsese cuando convenció Scorsese para lanzar su cocaína adicción a hacer su película de
gran prestigio Toro salvaje . Convencido de que no volvería a hacer otra película, que vierte
sus energías en hacer esta película biográfica violenta de campeón de peso medio de
boxeo Jake LaMotta , llamándolo un kamikaze método para la realización de películas. [ 28 ] La
película es ampliamente considerado como una obra maestra y fue elegido como el película
más grande de la década de 1980 por el británico Sight & Sound revista. [ 29 ] [ 30 ] Se recibió
ocho nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor película, Mejor Actor por Robert de Niro y
Scorsese por primera vez para la mejor dirección . De Niro ganó, al igual que Thelma
Schoonmaker para la edición, pero mejor director fue a Robert Redford para gente común .
Toro salvaje , filmada en alto contraste en blanco y negro, es donde alcanzó estilo de
Scorsese su cenit: Taxista y Nueva York, Nueva York había utilizado elementos
del expresionismo para replicar puntos de vista psicológico, pero aquí el estilo fue llevado a
nuevos extremos, empleando extensa cámara lenta, travellings complejas, y la distorsión
extravagante de perspectiva (por ejemplo, el tamaño de los anillos de boxeo cambiaría de
lucha para combatir). [ 31 ] Temáticamente también, las preocupaciones llevadas a cabo
desde las calles malas y Taxi Driver : hombres inseguros , la violencia, la culpa y la redención.
A pesar de que el guión de Toro salvaje fue acreditado a Paul Schrader y Mardik Martin (quien
co-escribió anteriormenteMalas calles ), el guión terminado difiere ampliamente del proyecto
original de Schrader. Fue reescrito varias veces por varios escritores, incluyendo Jay
Cocks (que pasó a co-Script películas más adelante Scorsese La edad de la
inocencia yPandillas de Nueva York ). El borrador final fue escrito en gran parte por Scorsese
y Robert De Niro. [ 32 ]
El American Film Institute eligió Toro salvaje como la película número 1 en los deportes
americanos su lista de las mejores películas de 10 deportes . En 1997, el Instituto ocupa
el Toro salvaje como el 24 de película más grande de todos los tiempos en su 100 años de
AFI ... 100 Películas lista. En 2007, se clasifican Toro salvaje como el cuarto mejor película de
todos los tiempos en su 100 años de AFI ... 100 Películas (10th Anniversary Edition) de la lista.
El rey de la comedia [ editar ]
Artículo principal: El rey de la comedia (película de 1983)
El siguiente proyecto de Scorsese fue su quinta colaboración con Robert De Niro, El rey de la
comedia (1983). Es unasátira sobre el mundo de los medios de comunicación y celebridades,
cuyo personaje central es un solitario con problemas que, irónicamente, se hace famoso a
través de un acto criminal ( secuestro ). [ 33 ] La película fue una salida obvia de las películas
más emocionalmente comprometida se había convertido en asociados con . Visualmente, era
mucho menos cinética que el estilo Scorsese habían desarrollado hasta este punto, a menudo
usando una cámara estática y tomas largas. [ 34 ] El expresionismo de su obra anterior, aquí dio
paso a momentos de casi total surrealismo . Todavía llevaba muchas de las marcas de
Scorsese, sin embargo. El rey de la comedia fracasó en la taquilla, pero se ha vuelto cada vez
mejor considerado por la crítica en los años transcurridos desde su lanzamiento. El director
alemán Wim Wendersnumerada que entre sus 15 películas favoritas. [ 35 ]
Después de horas [ editar ]
Artículo principal: Después de Horas (película)
Después del colapso de este proyecto Scorsese volvió a ver a su carrera en un punto crítico,
como lo describió en el documental de rodaje de su vida: Hacer 'After Hours ' (2004). Vio que
en el mundo cada vez más comercial de Hollywood de 1980, las películas de la década de
1970 muy estilizadas y personales él y otros habían construido sus carreras en no seguir
disfrutando de la misma condición. Scorsese decidió entonces en un enfoque casi totalmente
nuevas para su trabajo. Con After Hours (1985) que hicieron un cambio estético de nuevo a
una pared hacia abajo, casi la realización de películas "underground" estilo, su forma de
mantenerse viable. Filmada en un presupuesto muy bajo, en el lugar, y por la noche en
el Soho barrio de Manhattan, la película es una comedia de humor negro acerca de una noche
cada vez más desafortunado para un procesador leve palabra de Nueva York ( Griffin Dunne )
y cameos de actores tan dispares comoTeri Garr y Cheech y Chong . Un poco de una
anomalía estilística de Scorsese, fuera de horario se adapta bien a películas de culto de bajo
presupuesto más populares de la década de 1980, por ejemplo, Jonathan Demme 's Algo
salvaje y Alex Cox ' s Repo Man .
El color del dinero [ editar ]
Artículo principal: El color del dinero
Junto con el 1987 Michael Jackson videoclip de " Mala ", en 1986 hizo Scorsese El color del
dinero , una secuela de la muy admirado Robert Rossen película El buscavidas (1961)
con Paul Newman , que co-protagonizada por Tom Cruise . Aunque la adhesión a estilo
establecido de Scorsese, El color del dinero fue la primera incursión oficial del director en
la corriente principal de la realización de películas. La película ganó finalmente el actor Paul
Newman un Oscar y dio el poder para Scorsese finalmente respaldo seguro para un proyecto
que había sido un objetivo desde hace mucho tiempo para él: La última tentación de Cristo .
La última tentación de Cristo [ editar ]
Artículo principal: La última tentación de Cristo (película)
En 1983, Scorsese comenzó a trabajar en un proyecto personal largamente acariciado, La
última tentación de Cristo , basado en el (1960 Traducción Inglés) novela de 1951 escrita
por Nikos Kazantzakis . Barbara Hershey recuerda la introducción de Scorsese al libro
mientras filmaban El tren de Bertha . [ 36 ] la película fue programada para disparar bajo
laParamount Pictures bandera, pero poco antes de la fotografía principal fue comenzar,
Paramount tiró del enchufe en el proyecto, citando la presión de grupos religiosos. En esta
versión abortado 1983, Aidan Quinn dio el papel de Jesús, ySting dio el papel de Poncio
Pilato . (En la versión 1988, estos papeles fueron interpretados respectivamente por Willem
Dafoe y David Bowie .)
Después de su mediados de la década de 1980 flirteo con Hollywood comercial, Scorsese
hizo un importante retorno a personal película de decisiones con el Paul Schrader -scripted La
última tentación de Cristo en el año 1988. Sobre la base de Nikos Kazantzakis 's polémico
libro de 1960, se volvió a contar la vida de Cristo en términos humanos, en lugar de
divinas. Incluso antes de su lanzamiento la película causó furor masivo, las protestas
mundiales contra la blasfemiaconvirtiendo efectivamente una película independiente de bajo
presupuesto en una sensación en los medios. [ 37 ] La mayor controversia se centró en los
pasajes finales de la película, que representaban casarse Cristo y formar una familiar
conMaría Magdalena en una Satanás inducida por alucinaciones , mientras que en la cruz.
Mirando más allá de la polémica, La última tentación de Cristo ganó la aclamación crítica y
sigue siendo un importante trabajo en el canon de Scorsese: un intento explícito de luchar con
la espiritualidad que sustenta sus películas hasta ese momento. El director pasó a recibir su
segunda nominación a un Premio de la Academia al mejor director (de nuevo sin éxito, esta
vez de perder con Barry Levinson para el hombre de la lluvia ).
Otras obras en 1980. [ editar ]
Scorsese hizo una breve aparición en la película Anna Pavlova (también conocida como una
mujer de todos los tiempos ), originalmente destinado a ser dirigido por uno de sus
héroes, Michael Powell . Esto llevó a un papel más significativo enBertrand
Tavernier 's jazz película Alrededor de la medianoche .
También hizo una breve incursión en la televisión, dirigiendo un episodio de Steven
Spielberg 's historias asombrosas .
Junto con los directores Woody Allen y Francis Ford Coppola , Scorsese en 1989 proporcionó
una de tres segmentos en la película baúl de viaje Historias de Nueva York , llamados
"Lecciones de la vida".

1990 [ editar ]
Uno de los nuestros [ editar ]
Artículo principal: Uno de los nuestros
Después de una década de resultados mixtos en su mayoría, gángster épica Uno de los
nuestros (1990) fue un retorno a la forma de Scorsese y su película más seguro y completo ya
que Toro salvaje . De Niro y Joe Pesci ofrecieron un virtuoso despliegue de bravura técnica
cinematográfica del director en la película y reestablecieron, mejorado y consolidado su
reputación. Después de la película fue lanzada Roger Ebert , un amigo y partidario de
Scorsese, llamado Goodfellas "la mejor película de la mafia nunca" y ocupa el puesto número
1 en la lista de la película de Roger para el año 1990, junto conGene Siskel y Peter Travers ,
la película es considerada ampliamente uno de los grandes logros del director. [ 38 ] [ 39 ] [ 40 ]
La película fue nominada a seis premios de la Academia , incluyendo Mejor película y mejor
director , Scorsese obtuvo su tercer mejor director nominación Uno de los nuestros , pero
volvió a perder a un director novel, Kevin Costner ( Bailando con lobos ). Joe Pesci ganó
el Premio de la Academia al Mejor Actor por su actuación en Uno de los nuestros . Scorsese y
la película ganó numerosos premios, entre ellos cinco BAFTA Awards, un León de Plata y
más.
El American Film Institute puso Uno de los nuestros en el puesto número 94 en el 100 años de
AFI ... 100 lista de películas .En la versión actualizado en 2007 se trasladaron Uno de los
nuestros hasta el N º 92 en el 100 años de AFI ... 100 lista de Películas (10ª Edición
Aniversario) y ponen Uno de los nuestros en el puesto número 2 en su lista de las 10 películas
de gángsters superiores (después de El Padrino ).
El cabo del miedo [ editar ]
Artículo principal: El cabo del miedo (película de 1991)
1991 trajo cabo del miedo , una nueva versión de un culto 1962 película del mismo nombre y
la séptima colaboración del director con De Niro. Otra incursión en la corriente principal, la
película era un thriller estilizado tomar sus señales en gran medida de Alfred
Hitchcock y Charles Laughton 's La noche del cazador (1955). El cabo del miedo recibió una
recepción crítica mixta y lambasted en muchos sectores de sus escenas que
representan misógino violencia. Sin embargo, el tema morboso dio Scorsese la oportunidad
de experimentar con trucos visuales y efectos. La película obtuvo dos nominaciones al
Oscar. Ganando $ el 80 millones en Estados Unidos, que se presentó como Scorsese
liberación de mayor éxito comercial hasta El aviador (2004), y luego Infiltrados (2006). La
película también marcó la primera vez que Scorsese utiliza de pantalla ancha Panavision con
una relación de aspecto de 2.35: 1.
La edad de la inocencia [ editar ]
Artículo principal: La edad de la inocencia (película de 1993)
La edad de la inocencia (1993) era una salida significativa de Scorsese, una adaptación del
período de Edith Whartonnovela sobre la alta sociedad de Nueva York constrictiva finales del
siglo 19. Fue muy alabado por los críticos sobre la liberación original, pero fue un fracaso en
taquilla , por lo que una pérdida global. Como se señaló en Scorsese sobre Scorsese por el
editor-entrevistador Ian Christie, la noticia de que Scorsese quería hacer una película sobre un
romance fallido del siglo 19 sorprendió a muchos entre la fraternidad de la película; tanto más
cuando Scorsese dejó claro que se trataba de un proyecto personal y no un estudio por
contrato de trabajo.
Scorsese estaba interesado en hacer una "pieza romántica". Su amigo Jay Cocks le dio la
novela de Wharton en 1980, lo que sugiere que esta debe ser la pieza romántica Scorsese
debe filmar como los gallos de lo sintió mejor representado su sensibilidad. En Scorsese sobre
Scorsese señaló que
A pesar de que la película trata de la aristocracia de Nueva York y un período de la
historia de Nueva York que se ha descuidado, y aunque se trata de código y el ritual, y
con el amor que no es correspondido pero no consumado, lo cual cubre prácticamente
todos los temas que suelen tratar con- cuando leí el libro, no lo dije, "Oh bueno, todos
esos temas están aquí."
Scorsese, que fue fuertemente atraído por los personajes y la historia del texto de
Wharton, quería que su película sea tan rico una experiencia emocional que el libro era
para él más que las adaptaciones académicas tradicionales de obras literarias. Para este
objetivo, Scorsese buscó la influencia de diversas películas de época que hicieron un
impacto emocional en él. En Scorsese sobre Scorsese , que documenta las influencias de
películas como Luchino Visconti 's Sensoy su Il Gattopardo , así como Orson Welles ' s El
cuarto mandamiento y también Roberto Rossellini 's La prise de pouvoir par Louis XIV . A
pesar de la edad de la inocencia , en última instancia diferente de estas películas en
términos de narrativa, historia, y la preocupación temática, la presencia de una sociedad
perdida, de los valores perdidos, así como detalladas recreaciones de las costumbres
sociales y rituales continúa la tradición de estas películas .
Se volvió a la vista del público, sobre todo en países como el Reino Unido y Francia, pero
aún se ignora en gran medida en América del Norte. La película obtuvo cinco
nominaciones a los Oscar (incluyendo, por Scorsese al mejor guión adaptado), ganando el
diseño de vestuario Oscar.
Esta fue su primera colaboración con el actor ganador de un Oscar Daniel Day-Lewis , con
el que iba a funcionar de nuevo en Gangs of New York .
Casino [ editar ]
Artículo principal: Casino (película)
Expansiva de 1995 Casino , al igual que La edad de la inocencia ante sí, se centró en un
macho bien la herida cuya vida bien ordenada se ve alterada por la llegada de las fuerzas
impredecibles. El hecho de que se trataba de una película de gángsters violenta hizo más
aceptable para los fans del director que tal vez estaban muy preocupados por la aparente
salida de la película anterior. Casino fue un éxito de taquilla, [ 41 ] pero la película recibió
avisos mixtas de los críticos. En gran parte, esto se debió a sus enormes similitudes
estilísticas con su anterior Uno de los nuestros , y su violencia excesiva que ganado una
reputación como posiblemente la película American Gangster más violenta jamás se ha
hecho. De hecho, muchos de los tropos y trucos de la película anterior resurgió más o
menos intacta, el más obvio el casting de ambos Robert De Niro y Joe Pesci, Pesci una
vez más jugando un psicópata desenfrenada. Sharon Stone fue nominada para elpremio
de la Academia a la mejor actriz de su actuación.
Durante el rodaje Scorsese desempeñaron un papel de fondo como jugador en una de las
mesas.
Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine
americano [ editar ]
Artículo principal: Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano
Scorsese aún encontró tiempo para un documental de cuatro horas en 1995 que ofrece
una caminata minuciosa a través del cine americano. Se cubrió la era silenciosa a 1969,
un año después de lo cual Scorsese comenzó su carrera en el cine, que indica: "No me
sentiría bien al comentar sobre mí o mis contemporáneos." En el documental de cuatro
horas, Scorsese muestra los cuatro aspectos de la directora que cree que son los más
importantes como (1) el director como narrador; (2) el director como un ilusionista: Griffith
o de FW Murnau, que creó nuevas técnicas de edición entre otras innovaciones que
hicieron que la aparición de sonido y color posible más adelante; (3) el director como
contrabandista-realizadores como Douglas Sirk, Samuel Fuller, y Vincente Minnelli, que
utiliza para ocultar los mensajes subversivos en sus películas; y (4) el director como
iconoclasta.
Kundun [ editar ]
Artículo principal: Kundun
Si la edad de la inocencia alienada y confundida algunos aficionados, a
continuación, Kundun (1997) pasó varios pasos más allá, ofreciendo un relato de la vida
temprana de Tenzin Gyatso, el 14 Dalai Lama , el Ejército Popular de Liberación
deentrada de 's Tibet y el Dalai posterior exilio de Lama a la India. No menos importante
un cambio en la materia, Kunduntambién vio Scorsese mediante una narrativa fresca y
aproximación visual. Dispositivos dramáticos tradicionales fueron sustituidas por una
meditación trance logrado a través de un elaborado cuadro vivo de las imágenes visuales
de colores.[ 42 ]
La película era una fuente de confusión para su distribuidora, Buena Vista Pictures , que
se planea una expansión significativa en el mercado chino en el momento. Inicialmente
desafiante frente a la presión de las autoridades chinas, Disney ya se ha distanciado del
proyecto, perjudicando a Kundun perfil comercial 's.
A corto plazo, el puro eclecticismo en evidencia mejorado la reputación del director. A
largo plazo, sin embargo, por lo general, aparece Kundun ha sido dejada de lado en las
evaluaciones más críticas del director, sobre todo observa como un desvío estilístico y
temático. Kundun era el segundo intento del director para perfilar la vida de un gran líder
religioso, a raíz de la última La tentación de Cristo .
Al límite [ editar ]
Artículo principal: Al límite
Al límite (1999) fue un retorno a un territorio familiar, con el director y guionista Paul
Schrader construcción de una toma cómica de tono negro por su cuenta
antes taxista . [ 43 ] Al igual que anteriores colaboraciones Scorsese-Schrader, sus escenas
finales de espiritual redención recuerda explícitamente las películas de Robert
Bresson. [ 44 ] (también vale la pena señalar que el establecimiento nocturno lleno de
incidentes de la película es una reminiscencia de fuera de horario .) se recibió críticas
generalmente positivas, [ 45 ] aunque no es el reconocimiento de la crítica universal de
algunos de sus otras películas. Está protagonizada por Nicolas Cage , Ving
Rhames , John Goodman , Tom Sizemore , y Patricia Arquette .
Otras obras en 1990. [ editar ]
En 1990, Scorsese actuó en un pequeño papel como Vincent van Gogh en la película
de los sueños , del director japonésAkira Kurosawa . En 1994, aparición de Scorsese en la
película de Robert Redford Quiz Show es recordado por la línea revelador: "Usted ve, el
público no lo hizo sintonizar a ver un poco impresionante despliegue de la capacidad
intelectual Sólo querían ver el dinero.".
Desde la década de 1990, Scorsese ha aumentado su papel como productor de la
película. Scorsese produce una amplia gama de películas, incluyendo producciones de
Hollywood de estudio ( Mad Dog and Glory , Clockers ), películas independientes de bajo
presupuesto ( Los timadores , Desnudo en Nueva York , la Gracia de Mi Corazón , Search
and Destroy , El País Hi-Lo ), e incluso películas extranjeras ( con gli occhi chiusi ).

2000 [ editar ]
Pandillas de Nueva York [ editar ]
Artículo principal: Gangs of New York

Scorsese en las Pandillas de Nueva York proyección en el Festival de

Cannes con Leonardo DiCaprio yCameron Diaz

En 1999, Scorsese también produjo un documental sobre los cineastas italianos

titulada Mi viaje en Italia , también conocido como Mi viaje a Italia . El documental
prefiguró próximo proyecto del director, la épica Gangs of New York (2002), influenciado
por (entre otros muchos) grandes directores italianos como Luchino Visconti y filmada en
su totalidad en famosos de Roma Cinecittà estudios de cine.
Con un presupuesto de producción dice que es en exceso de $ 100 millones,Pandillas de
Nueva York era más grande y posiblemente más corriente principal de riesgo de Scorsese
hasta la fecha. Al igual que La edad de la inocencia , que se estableció en Nueva York del
siglo 19, aunque se centra en el otro extremo de la escala social (y al igual que la película,
también protagonizada por Daniel Day-Lewis). La película también marcó la primera
colaboración entre Scorsese y el actorLeonardo DiCaprio , que desde entonces se ha
convertido en un fijo en las películas de Scorsese posteriores.
La producción fue altamente problemático, con muchos rumores se hace referencia al
conflicto del director con Miramaxjefe Harvey Weinstein . [ 46 ] A pesar de las negativas de
compromiso artístico, Pandillas de Nueva York reveló como película más convencional del
director: tropos película estándar que el director había tradicionalmente se evita, tales
como caracteres existentes puramente para la exposición propósitos y explicativas de
flashbacks , aquí a la superficie en abundancia. [ 47 ] [ 48 ] [ 49 ] La banda sonora original
compuesta por el colaborador de Scorsese regular de Elmer Bernsteinfue rechazada en
una etapa tardía de una partitura de Howard Shore e incorporar artistas de
rock U2 y Peter Gabriel . [ 50 ]el corte final de la película corrió a 168 minutos, mientras que
corte original del director era más de 180 minutos de duración. [ 47 ] la película todavía
recibió críticas generalmente positivas con el recuento opinión sitio web Rotten
Tomatoesinforma que el 75 por ciento de las revisiones que se computarán para la
película fueron positivos y resumir las críticas diciendo: "Aunque imperfecta, la expansión,
pandillas desordenado de Nueva York es rescatado por el diseño de producción
impresionante y Day-Lewis rendimiento electrizante". [ 51 ]
No obstante, los temas centrales de la película fueron consistentes con las
preocupaciones del director: Nueva York, la violencia endémica como culturalmente, y
divisiones subculturales abajo de líneas étnicas.
Filmada originalmente para un lanzamiento en el invierno de 2001 (para calificar para
nominaciones de la Academia), Scorsese retrasó la producción final de la película hasta
después del comienzo de 2002; en consecuencia, el estudio ha retrasado la película
durante casi un año hasta su lanzamiento en la temporada de los Oscar de finales de
2002. [ 52 ]
Pandillas de Nueva York ganaron Scorsese su primer Globo de Oro a la mejor
dirección. En febrero de 2003, Pandillas de Nueva York recibieron 10 nominaciones de la
Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor paraDaniel Day-
Lewis ; Sin embargo, no ganó en ninguna categoría.
El Blues [ editar ]
Artículo principal: The Blues (película)
Al año siguiente Scorsese terminó la producción de los azules , una de siete partes
expansiva documental traza la historia de la música blues desde sus raíces africanas
hasta el delta del Mississippi y más allá. Siete cineastas incluyendo Wim Wenders , Clint
Eastwood , Mike Figgis , y Scorsese mismo contribuyeron cada uno con una película de
90 minutos (entrada de Scorsese fue titulado "Feel Like Going Home").
El aviador [ editar ]
Artículo principal: El aviador (película de 2004)
La película de Scorsese El aviador (2004) es una lujosa gran escala biopic del pionero de
la aviación y excéntrico magnate de cine Howard Hughes y Scorsese reunió con el actor
Leonardo DiCaprio. La película recibió críticas muy positivas.[ 53 ] [ 54 ] [ 55 ] [ 56 ] [ 57 ] La película
también se reunió con el éxito de taquilla y el reconocimiento generalizado Academia
ganado.
El aviador fue nominada a seis premios Globo de Oro , incluyendo Mejor Película
dramática , mejor director , mejor guión ymejor drama Actor de Cine de Leonardo
DiCaprio . Se ganó tres, incluyendo Mejor Película dramática y Mejor Drama Actor de
Cine . En enero de 2005 El aviador se convirtió en la película más nominada de
los premios de la Academia 77anominaciones, nominada en 11 categorías,
incluyendo Mejor Película . La película también obtuvo nominaciones en casi todas las
otras categorías principales, incluyendo un quinto mejor director nominación para
Scorsese, mejor actor en un papel principal (Leonardo DiCaprio), mejor actriz de
reparto ( Cate Blanchett ), y Alan Alda para el mejor Actor en un papel favorable . A pesar
de tener un recuento líder, la película terminó con sólo cinco Oscar: Mejor actriz de
reparto , mejor dirección artística , mejor vestuario , mejor montaje y mejor
fotografía . Scorsese perdió de nuevo, esta vez con el directorClint Eastwood por Million
Dollar Baby (que también ganó Mejor Película).
No Direction Home [ editar ]
Artículo principal: No Direction Home
 Martin Scorsese en la 65ª Entrega Anual de Peabody

No Direction Home es un documental de Martin Scorsese que narra la vida de Bob Dylan ,
y su impacto en la música popular americana y la cultura del siglo 20. La película no cubre
toda la carrera de Dylan; se centra en sus inicios, su ascenso a la fama en la década de
1960, el entonces su transformación controvertido de un músico a base de guitarra
acústica e intérprete de un sonido de la guitarra eléctrica de influencia y su "retiro" de gira
en 1966 a raíz de un accidente de moto infame. La película fue presentada por primera
vez en la televisión tanto en los Estados Unidos (como parte de la PBS American
Masters Series) y el Reino Unido (como parte de laBBC Two Arena serie) en 26-27 de
septiembre de 2005. Una versión en DVD de la película fue lanzado ese mismo mes. La
película ganó un premio Peabody y elpremio Grammy por Mejor Video Musical Versión
Larga . Además, Scorsese recibió un Emmy nominación para ella.
Infiltrados [ editar ]
Artículo principal: Infiltrados
Scorsese volvió al género del crimen con el thriller ambientado en Boston Infiltrados,
basado en el drama de la policía de Hong Kong Infernal Affairs (que está co-dirigido
por Andrew Lau y Alan Mak ). La película continuó la racha colaboración de Scorsese
con Leonardo DiCaprio , y fue su primera colaboración con Matt Damon ,Jack
Nicholson , Mark Wahlberg , y Martin Sheen .
Infiltrados abrió al reconocimiento de la crítica, con un poco de proclamarlo como uno de
los mejores esfuerzos Scorsese había llevado a la pantalla desde 1990. Uno de los
nuestros , [ 58 ] [ 59 ] y aún otros que lo ponen al mismo nivel que los más famosos clásicos de
Scorsese del taxista y Toro salvaje . [ 60 ] [ 61 ] Con los ingresos de taquilla nacionales que
superan $ 129.402.536, Infiltrados era más taquillera película de Scorsese (no tomar en
cuenta la inflación) hasta el decenio de 2010Shutter Island .
Dirección de Martin Scorsese Infiltrados le valió su segundo Globo de Oro a la mejor
dirección, así como el Premio Critics 'Choice, su primer Directors Guild of America Award
y el premio de la Academia a la mejor dirección. Mientras se le presenta el premio,
Scorsese se burló de su anterior trayectoria de nominaciones, preguntando "¿Podría
usted vuelva a comprobar el sobre?" Fue presentado a él por sus viejos amigos y
colegas Francis Ford Coppola , George Lucas y Steven Spielberg . Infiltrados también
recibió el Oscar a la Mejor Película del 2006, Mejor Guión Adaptado y Mejor Montaje por
editor de Scorsese desde hace mucho tiempo Thelma Schoonmaker , su tercera victoria
para una película de Scorsese.
Shine a Light [ editar ]
Artículo principal: Shine a Light (película)

Martin Scorsese en elFestival de Cine de Tribeca en 2007

Shine a Light es una película del concierto de rock & roll banda The Rolling
Stonesactuaciones 'en la ciudad de Nueva York Beacon Theater el 29 de octubre y 1 de
noviembre de 2006, intercalan con noticias breves y cantidad de la entrevista a lo largo de
la carrera de la banda.
La película estaba programado inicialmente para el lanzamiento el 21 de septiembre de
2007, pero Paramount Classics pospuso su lanzamiento general hasta abril de 2008. Su
estreno mundial fue en la apertura de la 58ª Berlinale Festival de cine el 7 de febrero de
2008.
Otras obras en 2000 [ editar ]
En la década de 2000, Scorsese produjo varias películas para directores próximas,
como la que puede confiar en mí (dirigida por Kenneth Lonergan ), lluvia (dirigida por
Katherine Lindberg), Lymelife (dirigida por Derick Martini ) y The Young Victoria (dirigida
por Jean Marc Vallée ).
Scorsese también produjo varios documentales, como El alma de un hombre (dirigida
porWim Wenders ) y el rayo en una botella (dirigida por Antoine Fuqua ).

Década de 2010 [ editar ]
Shutter Island [ editar ]
Artículo principal: Shutter Island (película)
El 22 de octubre de 2007, Daily Variety informó que Scorsese se reuniría con Leonardo
DiCaprio en una cuarta imagen,Shutter Island . La fotografía principal en el guión Laeta
Kalogridis, basado en la novela del mismo nombre de Dennis Lehane , comenzó
en Massachusetts en marzo de 2008. [ 62 ] [ 63 ]
En diciembre de 2007, los actores Mark Ruffalo , Max von Sydow , Ben Kingsley ,
y Michelle Williams se unió al reparto,[ 64 ] [ 65 ] siendo la primera vez estos cuatro actores han
trabajado con Scorsese. La película fue lanzada el 19 de febrero de 2010. [ 66 ] El 20 de
mayo de 2010, la película fue más alto en cifras brutas película de Scorsese. [ 67 ]
Boardwalk Empire [ editar ]
Artículos principales: Boardwalk Empire y Piloto (Boardwalk Empire)
Scorsese dirigió el estreno de la serie de Boardwalk Empire , un HBO series de
ficción, [ 68 ] protagonizada por Steve Buscemi y Michael Pitt , y se basa en el libro de
Nelson Johnson Boardwalk Empire: The Birth, High Times y la corrupción de Atlantic
City . [ 69 ] Terence Winter , quien previamente escribió para los Soprano , la serie
creada. Además de dirigir el piloto (por la que ganó el Premio Emmy Primetime 2011 por
Mejor Dirección), Scorsese también sirvió como productor ejecutivo de la serie. [ 69 ]
La serie se estrenó el 19 de septiembre de 2010 y transmitido durante cinco
temporadas. [ 69 ]
Viviendo en el mundo material [ editar ]
Artículo principal: George Harrison: Living in the Material World
Scorsese dirigió un documental de tres horas y una media de duración de la vida y la
música del ex Beatles miembro deGeorge Harrison , que se estrenó en Estados Unidos
en HBO en dos partes, el 5 y 6 de octubre de 2011. [ 70 ]
Hugo [ editar ]
Artículo principal: Hugo (película)
Hugo es un 3D aventura película de drama basado en Brian Selznick novela 's La
invención de Hugo Cabret . La película protagonizada por Asa Butterfield , Chloë
Moretz , Ben Kingsley , Sacha Baron Cohen , Ray Winstone , Emily Mortimer ,Christopher
Lee y Jude Law . La película ha sido recibido con gran éxito de crítica [ 71 ] [ 72 ] y Scorsese
ganado su tercerGlobo de Oro por Mejor Director . La película también fue nominada a 11
premios Oscar, ganando cinco de ellos y quedar atado con Michel Hazanavicius película
's del artista para la mayoría de los premios de la Academia ganados por una sola película
en 2011. Hugo también ganó dos BAFTA premios, entre otros numerosos premios y
nominaciones .
Hugo es la primera de Scorsese 3D película y fue lanzado en Estados Unidos el 23 de
noviembre de 2011. [ 73 ]
El lobo de Wall Street [ editar ]
Artículo principal: El lobo de Wall Street (2013 película)

Scorsese en París en el estreno francés de El lobo de Wall Street , diciembre de 2013.

La película de Scorsese 2013, El lobo de Wall Street , [ 74 ] es un

estadounidensebiográfica comedia de humor negro sobre la base de Jordan
Belfort memorias del mismo nombre 's. El guión fue escrito por Terence Winter y
protagonizada por Leonardo DiCaprio como Belfort, junto con Jonah Hill y Matthew
McConaughey , entre otros. El lobo de Wall Street marcó la quinta colaboración entre
Scorsese y DiCaprio y la segunda entre Scorsese y del invierno después de Boardwalk
Empire .
La película fue estrenada el 25 de diciembre de 2013. Se cuenta la historia de un agente
de bolsa de Nueva York, interpretado por DiCaprio, que se involucra en un gran fraude de
valores caso relacionado con la corrupción en Wall Street, manipulación de acciones, es
decir, la práctica de " pump and dump " y el mundo de la banca corporativa. DiCaprio se le
dio el premio al mejor actor - Musical o Comedia en los 2014 premios Golden Globe , con
la película que se está nominado para Mejor Película - Musical o
Comedia así. Además, El lobo de Wall Street fue nominado a cinco premios de la
Academia, incluyendo Mejor Película , Mejor Actor por Leonardo DiCaprio, mejor actor de
reparto para Jonah Hill, mejor director para Martin Scorsese, y mejor guión adaptado por
Terence Winter, pero no ganó en ninguna categoría. [ 75 ]
El Argumento de 50 años [ editar ]
Artículo principal: El Argumento de 50 años
Scorsese y David Tedeschi realizó un documental sobre la historia de la New York Review
of Books , titulado El Argumento de 50 años . Se proyectó como un trabajo en curso en
el Festival Internacional de Cine de Berlín en febrero de 2014 y se estrenó en junio de
2014 a Sheffield Doc / Fest . [ 76 ] [ 77 ] También se proyectó
en Oslo , [ 78 ] y Jerusalén [ 79 ] antes siendo mostrada en la BBC Arena serie en julio [ 80 ] y
en Telluride en agosto. [ 81 ] en septiembre, fue visto en el Festival de Cine Internacional de
Toronto [ 82 ] y está previsto para el Calgary [ 83 ] y el de Cine de Nueva York Festival . [ 84 ] Se
emitió elcanal HBO el 29 de septiembre de 2014. [ 85 ]
Vinilo [ editar ]
Artículo principal: Vinilo (serie de TV)
Scorsese dirigió el piloto de vinilo escrito por Terence Winter y George Mastras , con Mick
Jagger producir y Mastras comoshowrunner . Las series estrellas Bobby Cannavale como
Richie Finestra, fundador y presidente de una compañía discográfica de primer nivel,
fijado en 1970 la ciudad de Nueva York drogas y el sexo como combustible negocio de la
música 's como el punk y la música disco se rompe a cabo, toda contada a través de los
ojos de Finestra tratando de resucitar su etiqueta y encontrar el siguiente nuevo sonido. El
25 de julio de 2014, Mick Jagger tuiteó del conjunto, lo que confirma que la filmación había
comenzado. [ 86 ] Los co-estrellas incluyen Ray Romano como socio de Richie, Olivia
Wildecomo la esposa de Richie, Juno Temple , Andrew Dice Clay , Ato Essandoh , Max
Casella , y James Jagger. El 2 de diciembre de 2014, de vinilo fue recogido por HBO . [ 87 ]
Silencio [ editar ]
Artículo principal: Silencio (2016 película)
Scorsese ha anticipado a largo filmar una adaptación de Shusaku Endo 's novela El
silencio , un drama sobre los viajes de dos portuguesa jesuitas sacerdotes en Japón
durante el siglo 17. Scorsese había planeado originalmente silencio como su próximo
proyecto tras Shutter Island.  [ 88 ] El 19 de abril de 2013, la financiación fue finalmente fijado
para el silencio porEmmett / Furla Films , [ 89 ] y el rodaje comenzó en enero de 2015. En
septiembre de 2015, la película el silencio está en post-producción y es la
próxima histórico - película de drama dirigida por Scorsese. Está escrito por Jay Cocks ,
basada en la novela del mismo nombre y que está protagonizada por Andrew
Garfield , Liam Neeson y Adam Driver . Se espera que sea lanzado en el año 2016. [ 90 ]
Otros trabajos en década de 2010 [ editar ]
Scorsese trabajó como productor ejecutivo en la vida misma , un documental biográfico
sobre el fallecido crítico de cineRoger Ebert .
Scorsese pedido voluntariamente a ser un productor ejecutivo de El Tercer Lado del
Río (dirigida por el protegido de Scorsese Celina Murga). [ 91 ]
Scorsese también trabajó como productor ejecutivo de Andrew Lau -dirigida drama
película La venganza de los dragones verdes ( Andrew Lau anterior película 's Infernal
Affairs inspirado Infiltrados ).

Futuras películas [ editar ]
Scorsese ha anunciado varios proyectos futuros potenciales. [ 92 ] Un documental de
Scorsese por el artista Melinda Camber Porter fue casi completa cuando perdió su vida al
cáncer.
Scorsese informó que su largamente planeada Frank Sinatra película biográfica se acerca,
con Phil Alden Robinsonescribiendo el guión. [ 93 ] También se adjunta a dirigir El irlandés ,
que será protagonizada por Robert De Niro , Joe Pesci , y Al Pacino . [ 94 ]
Una de las características siguientes documentales de Scorsese será una película sobre
el ex presidente Bill Clinton paraHBO . "Una gran figura que sigue siendo una voz
importante en los problemas del mundo, el presidente Clinton sigue dando forma al
diálogo político, tanto aquí como en todo el mundo", dijo Scorsese. "A través de las
conversaciones íntimas, espero proporcionar una mayor comprensión de esta figura
trascendente." [ 95 ]
Aunque Scorsese decidió rodar Hugo digitalmente, ya que estaba siendo fotografiado
en 3D , el El lobo de Wall Street fue planeada originalmente para ser disparado
digitalmente, a pesar de que estaba en 2D. [ 96 ] Schoonmaker expresó su decepción con la
decisión, diciendo " parece que hemos perdido la batalla . Creo que Marty simplemente
siente que es por desgracia más, y no ha habido más grande defensor de la película que
él ". [ 97 ] Después de las pruebas de comparación extensas durante la preproducción, con
el tiempo la mayoría de la característica recibió un disparo en la película mientras que las
escenas que utilizan efectos de pantalla verde o luz baja fueron tomadas con la Arri
Alexa . [ 96 ] la película contiene 400-450 VFX disparos. [ 96 ] [ 98 ] en diciembre de 2013, no hay
ningún anuncio se había hecho en los planes para filmación digital o no digital para la
próxima película de Scorsese.
En agosto de 2014, la finca de influencia punk rock banda de Los Ramones reivindica una
película biográfica de la banda fue en las obras con la participación de Scorsese. [ 99 ]
En octubre de 2014, se anunció que Scorsese producirá un documental todavía-a-ser-
nombrado por el muerto agradecidodirigida por Amir Bar-Lev . [ 100 ] Los miembros
supervivientes Bob Weir , Mickey Hart , Bill Kreutzmann y Phil Lesh han acordado nuevas
entrevistas para la película.
En marzo de 2015, se anunció que Scorsese dirigirá un Mike Tyson película biográfica. La
película se sitúa a la estrella ganadora del Oscar, el actor Jamie Foxx para jugar
Tyson. Foxx mencionó que, "Esta será la primera película de boxeo que Martin Scorsese
ha hecho desde Toro salvaje ." La película de Mike Tyson que Terence Winter ( El lobo de
Wall Street ,Boardwalk Empire ) está escribiendo cubrirá toda la amplitud de su carrera,
según los informes, utilizando la tecnología de envejecimiento desplegado en David
Fincher 's El curioso caso de Benjamin Button . [ 101 ]
El 10 de agosto de 2015, se anunció que Scorsese dirigirá una adaptación de El diablo en
la ciudad blanca , que será protagonizada por Leonardo DiCaprio y ser escrito por Billy
Ray . [ 102 ]
Variedad informó en enero de 2016 Scorsese también está produciendo una película
biográfica basada en la vida del pianista Byron Janis , con Peter Glanz escribir un guión
basado en propio libro de Janis, Chopin y más allá: Mi vida extraordinaria en la música y
lo paranormal . Paramount Pictures distribuirá la película. [ 103 ]

Vida personal [ editar ]
Scorsese se ha casado cinco veces. Su primera esposa fue Laraine Marie Brennan; tienen
una hija, Catherine. Se casó con la escritora Julia Cameron en 1976; tienen una hija
(Domenica Cameron-Scorsese, que es una actriz y apareció en La edad de la inocencia ),
pero el matrimonio duró sólo un año. El divorcio era áspero y sirvió como la base de la
primera película de Cameron, la comedia oscura voluntad de Dios , [ 104 ] , también
protagonizada por su hija, Domenica. [ 105 ] [ 106 ]Su hija también tuvo un pequeño papel en El
cabo del miedo usando el nombre Domenica Scorsese y no ha dejado de actuar, escribir,
dirigir y producir. [ 107 ] Scorsese estaba casado con la actriz Isabella Rossellini desde 1979
hasta su divorcio en 1983. [ 108 ] a continuación, el productor casado Barbara de Fina en
1985; su matrimonio terminó en divorcio, así, en el año 1991. Scorsese ha estado casado
con Helen Schermerhorn Morris desde 1999. Ella es un descendiente deLewis Morris ,
firmante de la Declaración de la Independencia , así como las Bayard y Van
Cortlandt familias. Tienen una hija, Francesca, que apareció en The Departed y El
aviador . Él tiene su sede en la ciudad de Nueva York .
Scorsese ha comentado, "Soy un católico no practicante Pero estoy. Católica ;. No hay
manera de salir de ella" [ 109 ] En 2010, The Wall Street Journal informó de que Scorsese
estaba apoyando a la Fundación David Lynch iniciativa 's para ayudar a 10.000 veteranos
militares superar el trastorno de estrés postraumático a través de la meditación
trascendental ,[ 110 ] y Scorsese ha discutido públicamente su propia práctica de la MT. [ 111 ]
Colaboraciones con Robert De Niro [ editar ]
Artículo principal: Martin Scorsese y Robert De Niro
Scorsese ha colaborado frecuentemente con Robert De Niro, en lo que va haciendo ocho
películas con el actor. Después de ser introducido a él en la década de 1970, Scorsese
echó De Niro en su película de 1973 Malas calles . Tres años más tarde, De Niro actuó
en Taxi Driver , esta vez sosteniendo el papel principal. De Niro se reunió con Scorsese
por Nueva York, Nueva York en 1977, pero la película no tuvo éxito. Sin embargo, su
asociación continuó en la década de 1980, cuando la pareja hizo Raging Bull , que tuvo un
gran éxito, y El rey de la comedia . En la década de 1990, De Niro protagonizó Uno de los
nuestros , uno de los pares de las películas más elogiadas , y de 1991 El cabo del miedo ,
antes de hacer Casino en 1995. Los dos también expresaron partes principales en la
película de 2004 Shark Tale .

Películas favoritas de Scorsese [ editar ]

En el 2012 vista y el sonido encuestas, que se celebra cada 10 años para seleccionar las
mejores películas de todos los tiempos, se pidió a los directores contemporáneos para
seleccionar 10 películas de su elección. Scorsese, sin embargo, tomó 12, que se
enumeran a continuación:

 2001: A Space Odyssey

 8½
 Cenizas y diamantes
 Ciudadano Kane
 el leopardo
 Paisà
 Los zapatos rojos
 El río
 Salvatore Giuliano
 Los buscadores
 Ugetsu Monogatari
 Vértigo

Honores [ editar ]

Scorsese recibeel León de Oro por su trayectoria en el Festival de Cine de Venecia en

1995

 En 2007, Scorsese era mencionado entre Time de las 100 personas más influyentes
de la revista en el mundo. [ 112 ]
 En agosto de 2007, Scorsese fue nombrado el segundo mejor director de todos los
tiempos en una encuesta realizada por Total Film revista, delante de Steven
Spielberg y detrás de Alfred Hitchcock . [ 113 ]
 En 2007, Scorsese fue honrado por la Fundación Nacional Italiano (NIAF) en el
trigésimo segundo de la organización no lucrativa Gala Aniversario. Durante la
ceremonia, Scorsese ayudó al lanzamiento de NIAF Valenti Jack Instituto, que ofrece
apoyo a los estudiantes de cine italiano en los EE.UU., en memoria de miembro
fundador de la Junta y ex presidente de la Motion Picture Association of America
(MPAA), Jack Valenti. Scorsese recibió su premio de manos de Mary Margaret
Valenti, la viuda de Valenti. Ciertas piezas de material relacionado con la película de
Scorsese y documentos personales están contenidos en la Wesleyan University Cine
Archivo, a la que los estudiosos y expertos en medios de todo el mundo pueden tener
acceso completo. [ 114 ]
 En 2011, Scorsese recibió un doctorado honorario de la Escuela Nacional de Cine de
Lodz . En la entrega de premios, dijo, "Siento que soy parte de esta escuela y que
asistí a ella", rindiendo homenaje a las películas de Wajda, Munk, tiene, Polanski y
Skolimowski. [ 115 ]
 King Missile escribió Martin Scorsese en su honor.
 En 2013, la Fundación Nacional para las Humanidades seleccionado Scorsese por
la Conferencia de Jefferson , el honor más alto del gobierno federal de Estados
Unidos por sus logros en las ciencias humanas . Él fue el primer director elegido por el
honor. [ 116 ] Su conferencia, emitido el 1 de abril de 2013 a la Centro John F. Kennedy
para las Artes Escénicas se tituló "persistencia de la visión: Lectura del lenguaje del
cine". [ 117 ]
Marcas director [ editar ]
 El uso frecuente de la cámara lenta, por ejemplo, ¿Quién llama a mi
puerta (1967), Malas calles (1973), Taxi Driver(1976), Toro salvaje (1980), Uno de los
nuestros (1990), y El lobo de Wall Street (2013). [ 118 ] también conocido por el uso
de imagen congelada , tales como los créditos de apertura de El rey de la
comedia (1983), ya lo largo de Uno de los nuestros (1990). Tal disparo también se
utiliza en el Casino (1995) y The Departed (2006).
 Sus principales damas rubias se ven generalmente a través de los ojos de la
protagonista como angélica y etéreo; se visten de blanco en su primera escena y se
fotografían en cámara lenta ( Cybill Shepherd en Taxi Driver , Cathy Moriarty 'bikini
blanco s en Toro salvaje ; Sharon Stone ' minivestido blanco s en el casino ). [ 119 ] Esto
posiblemente puede ser un guiño a el director Alfred Hitchcock. [ 120 ]
 A menudo utiliza travellings largos. [ 121 ] Ejemplo: Taxi
Driver , Goodfellas , Casino , Gangs of New York , Hugo .
 El uso de MOS secuencias con música popular o voz en off, a menudo con el
movimiento de la cámara agresiva y / o edición rápida. [ 122 ]
 A menudo tiene un cameo rápido en sus películas ( ¿Quién llama a mi puerta , tren de
Bertha , Malas calles , Taxi Driver, El rey de la comedia , después de horas , La última
tentación de Cristo (aunque oculto bajo una capucha), La edad de la
inocencia , Gangs of New York , Hugo ). Además, a menudo contribuye su voz a una
película sin aparecer en pantalla (por ejemplo, como en El lobo de Wall Street ). Él
proporciona la apertura de voz en off en las calles malas y El color del dinero ; juega
fuera de la pantalla del asistente de vestuario en la escena final de Toro
salvaje ; proporciona la voz del controlador de ambulancias no vista en Al límite . [ 123 ]
 A veces pone de relieve personajes en una escena con un iris, un homenaje a la
década de 1920 la película muda del cine (como escenas en el tiempo a veces utilizan
esta transición). Este efecto se puede ver en el Casino (se utiliza enSharon
Stone y Joe Pesci ), Lecciones de la vida , Infiltrados (en Matt Damon ), y Hugo .
 Algunas de sus películas incluyen referencias / alusiones a los westerns,
particularmente Río Bravo , El gran robo del tren , Shane , Centauros del desierto ,
y los Oklahoma Kid .
 Más recientemente, sus películas han destacados figuras de autoridad corruptos, tales
como policías en Infiltrados  [ 124 ]y los políticos en Gangs of New York  [ 125 ] y El
aviador . [ 126 ]
 La culpa es un tema prominente en muchas de sus películas, como es el papel del
catolicismo en la creación y el tratamiento de la culpa ( Raging Bull , Goodfellas , Al
límite , calles malas , ¿Quién llama a mi puerta , Infiltrados ,Shutter Island ) .
 flashes de cámara lenta y cámara / flash / disparador acentuada sonidos.
 La canción " Gimme Shelter " de los Rolling Stones se escucha en varias de las
películas de Scorsese: Goodfellas ,Casino , y Infiltrados .
 El uso liberal de la blasfemia y la violencia. [ 127 ]
Woody Allen
De Wikipedia, la enciclopedia libre

Woody Allen

Allen, en la década de 1970

Nacido Allan Stewart Konigsberg [ 1 ]

1 de diciembre de, 1935 (80 años) 
el Bronx , Nueva York , EE.UU.

Otros Heywood Allen

nombres

Ocupación Actor, comediante, director, dramaturgo

Años activos 1950-presente

ciudad natal Brooklyn , Nueva York, EE.UU.

Harlene Susan
Cónyuges)
Rosen ( m. 1956; Div.  1962)

Louise Lasser 
( m.  1966; Div.  1970)
Soon-Yi Previn ( m.  1997)

Fogonadura) Diane Keaton (1970-1971)

Mia Farrow (1980-1992)

Niños Moisés Farrow (hijo)

Dylan Farrow (hija)
Ronan Farrow (hijo)
Bechet Dumaine Allen (hija)
Manzie Tio Allen (hija)
 Los Letty Aronson (hermana)
familiares

Premios Ver Premios y Nominaciones

carrera de la comedia

Medio Stand-up, cine, televisión, teatro, libros

Géneros Comedia observacional , sátira ,comedia

negro , autodesprecio ,encogerse de
comedia , sin expresión

Firma

Sitio web Woody Allen .com

Woody Allen (nacido Allan Stewart Konigsberg , [ 1 ] 1 diciembre 1935) es un actor

estadounidense, comediante, director y dramaturgo, cuya carrera abarca más de cinco
décadas.
Trabajó como escritor de comedia en los años 1950, escribiendo chistes y guiones para la
televisión y la publicación de varios libros de humor piezas cortas. A principios de 1960, Allen
comenzó a actuar como comediante de stand-up, haciendo hincapié en monólogos en vez de
chistes tradicionales.Como comediante, desarrolló el personaje de una,, inquieto intelectual
insegura nebbish , que se mantiene es bastante diferente de su personalidad en la vida
real. [ 2 ] En 2004, Comedy Central [ 3 ] clasificó Allen en el cuarto lugar en una lista de los 100
más grandes comediantes stand-up, mientras que una encuesta del Reino Unido ocupó Allen
como el tercer mayor comediante. [ 4 ]
A mediados de la década de 1960 Allen estaba escribiendo y dirigiendo películas, la primera
especializada en la bufonada comedias antes de pasar al material dramático influenciado
por el cine arte europeo durante la década de 1970, y alternando entre comedias y dramas
hasta la actualidad. Él se identifica a menudo como parte del nuevo Hollywood ola de
realizadores de mediados de la década de 1960 hasta finales de 1970. [ 5 ] Allen menudo
Estrellas en sus películas, por lo general en la persona que desarrolló como de pie. Algunos
más conocido de sus más de 40 películas son Annie Hall(1977), Manhattan (1979), y Hannah
y sus hermanas (1986), aunque considera Recuerdos (1980), La rosa púrpura de El
Cairo (1985), y el Partido Point (2005) para ser sus mejores películas. [ 6 ] el crítico Roger
Ebertdescribió Allen como "un tesoro del cine." [ 7 ]
Allen ha ganado cuatro premios de la Academia : tres para el mejor guión original y otro
para el mejor director ( Annie Hall ). También ha ganado nuevede la Academia Británica de
Cine y Televisión Premios . Su guión de Annie Hall fue nombrado el guión más divertido por
el gremio de escritores de América en su lista de los "101 más divertidos de Guiones." [ 8 ] Allen
actúa regularmente como clarinetista de jazz en lugares pequeños en Manhattan .[ 9 ] En
2011, PBS televisado la biografía película, Woody Allen: a Documentary, en la American
Masters . series de TV [ 10 ]

Contenido
  [ Ocultar ] 

 1 Primeros años
 2 Carrera
o 2.1 escritor de la comedia
o 2.2 comediante
o 2.3 dramaturgo
o 2.4 Los primeros films
o 2.5 1980
o 2.6 1990
o 2.7 2000
o 2,8 década de 2010
o 2.9 Los proyectos futuros
 3 Teatro
 4 Música
 5 Trabajos sobre Allen
 6 Vida personal
o 6.1 Los matrimonios y las relaciones románticas
o 6.2 Niños
o 6.3 Las acusaciones de abuso sexual infantil
o 6.4 Psicoanálisis
 7 obras de teatro
 8 Filmografía
 9 Véase también
 10 Referencias
 11 Enlaces externos

Primeros años [ editar ]

Allen como un estudiante de secundaria de 1953

Allen nació Allan Stewart Konigsberg [ 1 ] en el Bronx , y se crió en Brooklyn , Nueva York,

hijo de Nettie (nacido cereza; 8 nov 1906 a 27 en 2002), un tenedor de libros en charcutería
de su familia, y Martin Konigsberg (25 diciembre 1900 hasta 8 enero 2001), [ 11 ] un grabador de
joyas y camarero. [ 12 ] Su familia era judía ; sus abuelos emigraron de Rusia y Austria , y
hablaban yiddish , hebreo y alemán. [ 13 ] [ 14 ] Sus padres nacieron y se criaron en el Lower East
Side de Manhattan . [ 13 ] Allen tiene una hermana, Letty , que era nacido en 1943; que se
suscitaron en Midwood, Brooklyn . [ 15 ]
Su infancia no fue particularmente feliz:. Sus padres no se llevan bien, y él tenía una relación
difícil con su popa, madre temperamental [ 16 ] . Allen hablaba alemán bastante en sus primeros
años [ 17 ] Él bromeaba más tarde que cuando él era joven fue enviado a menudo a distintos
credos campamentos de verano , donde "fue salvajemente golpeado por los niños de todas
las razas y credos." [ 18 ] Mientras que atendía a la escuela hebreadurante ocho años, se fue a
la escuela Pública 99 (ahora el Isaac Asimov escuela de Ciencia y Literatura) [ 19 ] y
para Midwood High School secundaria . [ 20 ] en ese momento, vivía en un apartamento en 968
East 14th Street. [ 21 ] a diferencia de su personaje de cómic, él estaba más interesado en el
béisbol de la escuela y sus fuertes brazos aseguraron que fue el primero en ser elegido para
un equipo. [ 22 ] [ 23 ]impresionó a los estudiantes con su extraordinario talento en la tarjeta
y trucos de magia . [ 18 ]
Para recaudar dinero, escribió chistes (o "gags") para el agente David O. Alber, que los vendió
a columnistas de periódicos.A la edad de 17 años, se cambió legalmente su nombre
a Heywood Allen [ 24 ] y más tarde comenzó a llamarse a sí mismo Woody Allen. Según Allen,
su primera broma publicada leer: "Woody Allen dice que comía en un restaurante que tenía
precios OPS - más de los salarios de la gente." [ 25 ] Posteriormente, fue ganando más que los
dos padres combinados. [ 22 ]Después de la escuela secundaria, asistido a la Universidad de
Nueva York , el estudio de la comunicación y el cine, antes de caer después de fallar el curso
"Producción Cinematográfica". Más tarde asistió brevemente el City College de Nueva York y
pronto tuvo que abandonar. [ 26 ] Más tarde, se enteró a través de la auto-estudio en lugar de en
el aula. [ 23 ] Con el tiempo se enseña en la escuela nueva . También estudió con el profesor de
escritura Lajos Egri . [ 23 ] p.74 su estado antes de que el Sistema de Servicio Selectivo era "4-F",
un aplazamiento médica, [ 27 ] aunque posteriormente afirmó que su estado actual es "4 P",
rehenes. [ 28 ]

Carrera [ editar ]
Escritor de la comedia [ editar ]
Allen comenzó a escribir chistes cortos cuando tenía 15 años, [ 29 ] y al año siguiente comenzó
a enviar a varios escritores de Broadway para ver si estarían interesados en comprar
alguna. También empezó a ir por el nombre de "Woody Allen."[ 30 ] : 539 Uno de estos escritores
fue Abe Burrows , coautor de individuos y las muñecas ! ". Wow Su repertorio era
deslumbrante", que escribió, Burrows y luego escribió cartas Allen de introducción a Sid
Caesar , Phil Silvers , y Peter Lind Hayes , quien inmediatamente envió un cheque por Allen
sólo los chistes Burrows incluidas como muestras. [ 30 ] : 541
Como resultado de los chistes Allen envió por correo a varios escritores, fue invitado,
entonces de 19 años, para unirse al Programa de Desarrollo del escritor NBC en 1955,
seguido por un trabajo sobre La hora de la comedia de la NBC en Los Ángeles. Fue
contratado luego como escritor a tiempo completo para el humorista hierba Shriner ,
inicialmente a ganar $ 25 a la semana. [ 25 ] Comenzó a escribir guiones para el programa de
Ed Sullivan Show , The Tonight Show , especiales para Sid Caesar post- horas de
César (1954-57 ), y otros programas de televisión. [ 23 ] [ 31 ] p.111 en el momento en que estaba
trabajando para César, que estaba ganando $ 1,500 a la semana; con César, trabajó junto
a Danny Simon , a quien Allen da crédito por ayudar a formar su estilo de escritura. [ 25 ] [ 32 ] En
1962 solo se estima que escribió veinte mil chistes para varios cómics. [ 30 ] : 533
Allen también escribió para la cámara indiscreta programa de televisión, y apareció en algunos
episodios. [ 33 ] [ 34 ] [ 35 ]Junto con ese programa, escribió chistes para el Buddy
Hackett comedia Stanley y el Pat Boone Mostrar . Y en 1958 co-escribió algunas
especialidades Sid Caesar con Larry Gelbart . [ 30 ] : 542 Después de escribir para muchos de los
cómicos más importantes del televisión y programas de humor, Allen estaba ganando la
reputación de ser un "genio", dice el compositor María Rodgers . Cuando se le dé una
asignación para un espectáculo iba a salir y volver al día siguiente con "resmas de papel",
según el productor Max Liebman . [ 30 ] : 542 Del mismo modo, después de escribir para Bob
Hope , Hope le llamó "la mitad de un genio" . [ 30 ] : 542
Su rutina de escritura diaria podría ir tan larga como quince horas, y que podía concentrarse y
escribir en cualquier lugar necesario. Dick Cavett fue sorprendido por la capacidad de Allen a
escribir: "Él puede ir a una máquina de escribir después del desayuno y sentarse allí hasta
que el sol se pone y la cabeza late con fuerza, interrumpiendo el trabajo sólo para café y un
breve paseo, y luego pasar toda la noche de trabajo ". [ 30 ] : 551 Cuando Allen escribió para otros
cómicos, que usarían ocho de cada diez de sus chistes. Cuando él comenzó a actuar como un
stand-up, que era mucho más selectivo, por lo general usando sólo uno de cada diez
chistes. Se estima que para prepararse para un espectáculo de 30 minutos, pasó seis meses
de la escritura intensiva. [ 30 ] : 551 Disfrutó escribir, sin embargo, a pesar del trabajo:. "Nada me
hace más feliz que se rompa una resma de papel abiertas y no puedo esperar para llenarlo
me encanta hacerlo! ". [ 30 ] : 551
Allen comenzó a escribir cuentos y leyendas de dibujos animados para revistas como The
New Yorker ; que se inspiró en la tradición de New Yorker humoristas SJ Perelman , George
S. Kaufman , Robert Benchley y Max Shulman , cuyo material se
moderniza. [ 36 ] [ 37 ] [ 38 ] [ 39 ] [ 40 ] Allen ha publicado cuatro colecciones de sus piezas cortas y obras
de teatro. [ 41 ] [ 42 ]Estos son Mano a mano , sin plumas , efectos secundarios y anarquía . Su
temprana ficción cómica fue fuertemente influenciado por el humor estrafalario, un juego de
palabras plagada de SJ Perelman . En 2010, Allen lanzó hablado digitales versiones de
palabras de sus cuatro libros, en la que se lee 73 selecciones de cuentos de su trabajo y por
la que fue nominado para un premio Grammy por Mejor Álbum Hablado. [ 43 ]
Comediante [ editar ]
De 1960 a 1969, Allen realizó como un comediante para complementar su escritura
comedia. Sus contemporáneos durante esos años incluyen Lenny Bruce , Shelley Berman , el
equipo de Mike Nichols y Elaine May , y Mort Sahl , su favorito personal. Comedia
historiador Gerald Najman señala que Allen, aunque no es el primero en hacer stand-up, el
tiempo tendría un mayor impacto que todos los demás en la década de 1960, y que redefinir el
significado de la comedia stand-up: "Él ayudó a convertirlo en morder, brutalmente honesto
comentario satírico sobre el tenor cultural y psicológica de los tiempos ". [ 30 ] : 525
Después de Allen fue tomada bajo el ala de su nuevo manager, Jack Rollins , que
recientemente había descubierto Nichols y mayo, Rollins le sugirió que realice sus chistes
escritos como un stand-up. Allen era resistente al principio, pero después de ver Mort Sahl en
el escenario, se sentía más seguro para darle una oportunidad: ". Yo nunca había tenido el
valor de hablar de ello antes de Mort Sahl Luego vino junto con todo un nuevo estilo de humor,
abriendo perspectivas para la gente como yo ". [ 30 ] : 545 Allen hizo su debut profesional en el
club nocturno Blue Angel en Manhattan en octubre de 1960, donde el comediante Shelley
Berman lo presentó como un escritor de la televisión joven que realizarían su propio material.
[ 30 ] : 545

Sus primeros espectáculos de stand-up con su estilo diferente del humor no siempre fueron
bien recibidos ni entendido por su público. A diferencia de otros cómicos, Allen habló a sus
audiencias en un estilo conversacional de bajo perfil, que suele aparecer a ser la búsqueda de
palabras, aunque su estilo se ensayó bien. Él actuó "normal", vestido de manera informal, y no
hizo ningún intento de proyectar una "personalidad" etapa. Y no se improvisa: "Me puse muy
poca importancia a la improvisación", dijo a Studs Terkel . [ 30 ] : 532 Sus chistes fueron creados a
partir de las experiencias de vida, y por lo general presentan con un comportamiento serio
muertos que les hizo más divertido: "Pongo 't creo que mi familia me gusta ponen un oso de
peluche en vivo en mi casa ".. [ 30 ] : 533
Los temas de sus chistes eran raramente tópico, político o incluso socialmente relevante. A
diferencia de Bruce y Sahl, él no discutió temas de actualidad tales como los derechos civiles,
los derechos de la mujer, la Guerra Fría, o Vietnam. Y a pesar de que fue descrito como un
"nebbish clásico", que no contaba chistes judíos. Comedia guionista Larry Gelbartcomparó el
estilo de Allen para Elaine May : "Él sólo se hacía llamar por completo después de ella",
dijo. [ 30 ] : 546 Al igual que Nichols y mayo , que a menudo se burlaban de los intelectuales.
Televisión presentador de televisión Dick Cavett , que estaba entre la minoría que apreció
rápidamente el estilo único de Allen, recuerda haber visto a la audiencia en el Blue Angel
mayoría ignorar el monólogo de Allen: "Me di cuenta de inmediato que no había comediante
joven en el país en la misma clase con él por pura brillantez de chistes, y me molestaba el
hecho de que el público era demasiado tonto para darse cuenta de lo que estaban recibiendo
". [ 30 ] : 550 era su presencia en el escenario moderado, aunque inicialmente no apreciado, que
con el tiempo se convirtió en uno de los rasgos más fuertes de Allen , explica Najman: ".. la
ausencia total de la chapa del mundo del espectáculo y el numerito fue el mejor shtick
cualquier comediante había ideado jamás Esta naturalidad en el escenario incómodo se
convirtió en una marca" [ 30 ] : 530 Cuando finalmente fue notado por los medios de comunicación,
escritores como Nueva York tiempos 'Arthur Gelb describiría la calidad nebbish de Allen
como "Chaplin" y "refrescante".
Allen desarrolló una personalidad neurótica, nerviosa, e intelectual de su rutina de stand-up,
un movimiento acertado que aseguró conciertos regulares para él en discotecas y en la
televisión. Allen trajo la innovación para la comedia monólogogénero y su comedia stand-up
sería considerado influyente. [ 44 ] Allen apareció por primera vez en el Tonight Show en
noviembre de 1963. Posteriormente, publicado tres discos LP de grabaciones club nocturno
en vivo: el homónimo de Woody Allen (1964), Volumen 2 (1965), y La Tercera Woody Allen
Album (1968) grabado en una recaudación de fondos para Eugene McCarthy carrera
presidencial 's. El material de estos álbumes fue editado y abreviado en el 2-LP álbumes de
compilación Standup cómicas y Discoteca años 1964 a 1968 (también en CD), incluyendo a su
rutina de "The Moose", co-escrito con Mickey Rose . [ 45 ]
Allen tuvo su propio programa de televisión a partir de 1965, llamada La Woody Allen Mostrar ,
donde iba a intercalar humor con entrevistas a personajes famosos, incluyendo Rev. Billy
Graham y William F. Buckley . [ 46 ] [ 47 ]
Dramaturgo [ editar ]

Allen con el elenco de Broadway dePlay It Again, Sam (1969).

En 1966, Allen escribió la obra no beber el agua . La obra protagonizada por Lou Jacobi , Kay
Medford , Anita Gillette y futura película co-estrella de Allen Tony Roberts . Una adaptación
cinematográfica de la obra , dirigida por Howard Morris, fue lanzado en 1969, protagonizada
por Jackie Gleason . Debido a que no estaba particularmente feliz con la versión película de
1969 de su obra, en 1994, Allen dirigió y actuó en una segunda versión para la televisión,
con Michael J. Fox yMayim Bialik .
La siguiente jugada Allen escribió para Broadway fue Play It Again, Sam , en la que también
actuó. La obra se estrenó el 12 de febrero de 1969, y corrió para 453 actuaciones. Se contó
con Diane Keaton y Roberts. El juego fue significativa a la carrera en ciernes de Keaton, y ella
ha indicado que ella estaba en "el temor" de Allen, incluso antes de una audición para su
papel, que era la primera vez que lo conoció. Durante una entrevista en 2013, Keaton declaró
que "se enamoró de él de inmediato", agregando, "Yo quería ser su novia así que hice algo al
respecto." [ 48 ] Después de la co-protagonizada junto a Allen en la posterior película versión
de  Play It Again, Sam , que lo haría más tarde co-estrella en la cama , amor y la
muerte , Interiores , Manhattan y Annie Hall . "Me mostró las cuerdas y me siguió su ejemplo
Él es la persona más disciplinada Yo sé que Él trabaja muy duro,.." Keaton ha
declarado. [ 48 ] "Me parece lo mismo atractivo en un hombre que ahora como siempre he
hecho: humor. me encanta cuando son divertidos. es para morirse. " [ 49 ]
Para su edición del 21 de marzo de 1969, tema, Vida contó con Allen en su portada. [ 50 ] En
1981, su obra de teatro El bulbo de la luz de flotación se estrenó en Broadway y corrió para 65
actuaciones. Mientras recibe críticas mixtas, que dio una visión autobiográfica en la infancia de
Allen, específicamente su fascinación con trucos de magia. Ha escrito varias obras de teatro
de un solo acto, incluyendo Riverside Drive y Old Saybrook que exploran temas Allen
conocidos.
El 20 de octubre de 2011, en un acto de Allen luna de miel Motel abrió como parte de un
pedazo más grande tituladotérminos relativos en Broadway, con otros dos obras de teatro de
un solo acto, uno por Ethan Coen y uno por Elaine May .[ 51 ]
Las primeras películas [ editar ]
Su primera película fue el Charles K. Feldman producción ¿Qué tal, Pussycat? En 1965, para
el que escribió el guión. [ 10 ]Estaba decepcionado con el producto final, lo que le inspiró para
dirigir todas las películas que él escribiría más adelante. [ 10 ] primer trabajo como director de
Allen era de What Up, Tiger Lily? (1966, co-escrito con Mickey Rose), en el que un espía
japonés existente película- Kokusai keisatsu Himitsu: Kagi no kagi (1965), "la policía secreto
internacional: clave de claves "-fue redubbed en Inglés por Allen y amigos con el diálogo de
nuevo y fresco, cómico. En 1967, Allen jugó Jimmy Bond en la parodia de 007 Casino Royale .
Allen dirigió, protagonizó y co-escribió (con Mickey Rose) Toma el dinero y corre en 1969, que
recibió críticas positivas.Más tarde se firmó un acuerdo con los artistas unidos para producir
varias películas. Esas películas con el tiempo se convirtieron en los plátanos (1971, co-escrito
con Rose), Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo (1972), Sleeper(1973), y el amor y
la muerte (1975). [ 10 ] Durmiente fue el primero de los cuatro películas en las que el guión ha
sido escrito por Allen y Marshall Brickman .
No me gustan los héroes reuniones. No hay nadie quiero conocer a nadie y quiero trabajar
con, prefiero trabajar con Diane Keaton que nadie-ella es absolutamente genial, un producto
natural
Woody Allen, Rolling Stone entrevista (1976)  [ 29 ]

En 1972, Allen escribió y protagonizó la versión cinematográfica deSueños de un seductor ,

dirigida por Herbert Ross y co-protagonizada por Diane Keaton. En 1976, actuó en el
Frente (dirigida por Martin Ritt ), un relato humorístico y mordaz de Hollywood listas
negrasdurante la década de 1950.
Luego vino dos de las películas más populares de Allen. Annie Hallganó cuatro premios de la
Academia en 1977, incluyendo Mejor Película , Mejor actriz en un papel principal para Diane
Keaton , mejor guión original y mejor dirección de Woody Allen. Annie Hall establece el
estándar para la romántica moderna comedia y encendió una tendencia de la moda con la
ropa usada por Diane Keaton en la película. En una entrevista con la periodista Katie Couric .,
Keaton no niega que Allen escribió el papel para ella y por ella [ 52 ] Ella también explica que
Allen escribió la parte sobre la base de los aspectos de su personalidad en el momento:
Por supuesto me reconocí en los papeles [Woody Allen] escribió. Es decir, en Annie
Hall (1977), en particular.Estaba este tipo de novato que tenía un montón de sentimientos,
pero no sabía cómo expresar a sí misma, y veo que en Annie. Creo que Woody utiliza una
especie de cualidad esencial que se encuentra en mí en ese momento, y estoy contento de
haberlo hecho porque funcionó muy bien en la película. [ 49 ]

La película está clasificada en el puesto número 35 en el American Film Institute 's "100

mejores películas" y en el puesto número 4 en la lista de AFI de las "100 mejores comedias."
Manhattan (1979), es una película en blanco y negro a menudo visto como un homenaje a la
ciudad de Nueva York. Al igual que en muchas películas de Allen, los principales
protagonistas son escritores de clase media alta y académicos. La opinión de amor-odio de
las personas cerebrales que se encuentran en Manhattan es característica de muchas de las
películas de Allen, incluyendo Delitos y faltas y Annie Hall. Manhattan se centra en la
complicada relación entre de mediana edad Isaac Davis (Allen) con 17 años de edad, Tracy
( Mariel Hemingway ), y co-estrellas Diane Keaton.
Keaton, que hizo ocho películas con Allen durante su carrera, intenta explicar por qué sus
películas son únicas:
Él sólo tiene una mente como nadie. Es negrita. Él tiene mucha fuerza, mucho valor en
términos de su obra. Y eso es lo que se necesita para hacer algo realmente único. Junto con
una imaginación genio. [ 52 ]

Entre Annie Hall y Manhattan , Allen escribió y dirigió el drama oscuro Interiores (1978), en el

estilo de Sueca directorIngmar Bergman , una de las principales influencias de
Allen. Interiores representó una salida de Allen de comedias "temprano, divertidos" (una línea
desde 1980 recuerdos de una estrella ).
1980 [ editar ]
Películas de 1980 de Allen, incluso las comedias, tienen matices sombríos y filosóficas, con
sus influencias siendo las obras de directores europeos, específicamente Ingmar
Bergman y Federico Fellini . Recuerdos se basó en 8½ , que se parodia, ylas fresas
salvajes . Sexo de una noche de verano comedia fue adaptado de Sonrisas de una noche de
verano . En Hannah y sus hermanas , que forma parte de la estructura y el fondo de la película
está tomado de Fanny y Alexander . Amarcordinspirado Días de
radio . Septiembre asemeja Sonata de otoño . Allen utiliza muchos elementos de las fresas
salvajes . EnDelitos y faltas , Allen hace referencia a una escena de fresas salvajes .
Mia es una buena actriz que pueden desempeñar muchas funciones diferentes. Ella tiene una
gama muy buena, y puede reproducir graves a papeles cómicos.Ella también es muy
fotogénica, muy bonito en la pantalla. Ella es sólo una buena actriz realista. . . y no importa lo
extraño y audaz que sea, ella lo hace así.
Woody Allen (1993)  [ 53 ]

Sexo de una noche de verano Comedia fue el primero de 13 películas de Allen hizo

protagonizada por Mia Farrow , que entró en Diane Keaton papel 's cuando Keaton estaba
disparando Rojos .
Recuerdos de una estrella cuenta con arena Bates, un director de cine con éxito interpretado
por Allen, que expresa el resentimiento y desprecio por sus fans. Superados por la reciente
muerte de un amigo de la enfermedad, los estados de caracteres, "no quieren hacer películas
divertidas ninguna más" y una mordaza corriente tiene varias personas (incluyendo a visitar
los extraterrestres) diciendo a Bates que aprecian sus películas, " especialmente los primeros,
los divertidos ". [ 54 ] Allen cree que esto es una de sus mejores películas. [ 55 ]
Allen combina elementos trágicos y cómicos en películas como Hannah y sus
hermanas y Delitos y faltas , en el que cuenta dos historias que se conectan al final. Produjo
una parodia tragicómica vívidamente idiosincrásica del documental, Zelig .También hizo tres
películas sobre el mundo del espectáculo: Broadway Danny Rose , en la que interpreta a un
agente del espectáculo de Nueva York, La rosa púrpura de El Cairo , una película que
muestra la importancia del cine durante la depresión a través del personaje de la ingenua
Cecilia, y Días de radio , una película sobre su infancia en Brooklyn y la importancia de la
radio. La película costarred Farrow en una parte Allen escribió específicamente para ella. [ 53 ]
La rosa púrpura de El Cairo fue nombrado por Time como una de las 100 mejores películas de
todos los tiempos y Allen describió como uno de sus tres mejores películas, junto
con Recuerdos y Match Point  [ 56 ] (Allen ellas define como "mejor" no en términos de calidad,
sino porque venían más cerca de su visión). En 1989, Allen se unió a los directores Francis
Ford Coppola y Martin Scorsese para hacer Historias de Nueva York , una película de
antología sobre los neoyorquinos. Allen corta, Oedipus Wrecks , se trata de un abogado y su
madre neurótica crítico. Sus críticos satisfechos corto, pero Historias de Nueva
York bombardearon en la taquilla.
1990 [ editar ]
Su película 1991 Sombras y niebla es un homenaje blanco y negro de los expresionistas
alemanes y cuenta con la música de Kurt Weill . Allen hizo entonces sus aclamado
drama Maridos y mujeres (1992), que recibió dos nominaciones al Oscar: Mejor actriz de
reparto por Judy Davis y mejor guión original por Allen. Su película Misterioso asesinato en
Manhattan(1993) suspenso combinado con la comedia negra y marcó el regreso de Diane
Keaton , Alan Alda y Anjelica Huston .
Volvió a películas más ligeras como Balas sobre Broadway (1994), que obtuvo una
nominación al Oscar a la mejor dirección, seguida de un musical, Todos dicen Te
Amo (1996). El canto y escenas de baile en todo el mundo dice Te Amoson similares a los
musicales protagonizada por Fred Astaire y Ginger Rogers . La comedia Mighty
Aphrodite (1995), en la que el drama griego juega un papel importante, ganó un premio de la
Academia por Mira Sorvino . De Allen 1999 basada en el jazz comedia dramática Acordes y
desacuerdos fue nominado para dos premios de la Academia por Sean Penn (mejor actor)
y Samantha Morton (mejor actriz). En contraste con estas películas más ligeros, Allen se
desvió hacia la sátira más oscuro hacia el final de la década con Desmontando a Harry (1997)
y Celebrity (1998).
Durante esta década Allen también actuó en la película para televisión The Sunshine
Boys (1995), basado en el Neil Simonjuego del mismo nombre .
Allen hizo una comedia de situación "apariencia" a través del teléfono en la serie Just Shoot
Me! En un episodio de 1997 "Mi cena con Woody", que rinde homenaje a varias de sus
películas. Allen fue la voz principal en la película de animación 1998 Antz , que contó con
muchos actores los que había trabajado y el carácter de Allen era similar a su papel anterior
neuróticos.
2000 [ editar ]
Granujas de medio pelo (2000) es similar a la película de 1942 Hurto, Inc. (de una obra de SJ
Perelman). [ 57 ] Allen sin comentario sobre si esto fue deliberado o si su película era en modo
alguno inspirado en él. Tiempo pequeña ladrones fue la primera película de Allen con
la DreamWorks estudio y representó un cambio en la dirección: Allen comenzó a dar más
entrevistas e hizo un intento de volver a sus raíces slapstick. La película fue un éxito financiero
relativo, recaudando más de $ 17 de millones a nivel nacional, pero próximos cuatro películas
de Allen fue a pique en la taquilla, incluyendo película más costosa de Allen, La maldición del
escorpión de jade (con un presupuesto de $ 26 millones). Hollywood Ending , Todo lo
demás y Melinda y Melinda recibieron calificaciones "podridos" de película opinión del sitio
web Rotten Tomatoes y cada ganaban menos de $ 4 millones a nivel nacional. [ 58 ] Algunos
críticos afirmaron que las películas de Allen desde 1999 'Acordes y desacuerdos eran ínfimos
y expresaron su preocupación de que los mejores años de Allen ahora estaban detrás de
él. [ 59 ] Otros han sido menos dura; revisar el poco gustado Melinda y Melinda , Roger
Ebert escribió: "No podemos escapar a la sospecha de que si Woody nunca había hecho una
película anterior, si cada uno nuevo fue el debut de Sundance de Woody, sería obtener una
mejor recepción. Su reputación no es una tiburón muerto, pero un albatros, que con admirable
economía Allen ha dispuesto que los críticos para llevar alrededor de sus cuellos. " [ 60 ] Woody
dieron su ahijado Quincy Rose un pequeño papel en Melinda y Melinda .

Allen en 2006.

Allen fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias en 2001.[ 61 ]
Match Point (2005) fue una de las películas más exitosas de la década de Allen, obteniendo
críticas positivas. [ 62 ] Situado en Londres, estuvo protagonizada por Jonathan Rhys
Meyersy Scarlett Johansson . Es notablemente más oscuro que las primeras cuatro películas
de Allen con DreamWorks SKG. En Match Point , Allen cambió el enfoque de la clase alta
intelectual de Nueva York a la clase alta adinerada de Londres. La película ganó más de $ 23
millones a nivel nacional (más que cualquiera de sus películas en casi 20 años) y más de $ 62
millones en ventas internacionales de taquilla. [ 63 ] Punto de partido obtuvo Allen su primera
nominación al premio de la Academia desde 1998, para la mejor escritura - Original guión, con
la dirección y la escritura nominaciones en los Globos de oro, sus primeras nominaciones al
Globo desde 1987. en una entrevista de 2006 con la revista Premiere , Allen declaró que era
la mejor película que se ha hecho nunca. [ 64 ]
Allen volvió a Londres para filmar Scoop , también protagonizada por Johansson, Hugh
Jackman , Ian McShane , Kevin McNally y el propio Allen. La película fue lanzada el 28 de julio
de 2006, y recibió críticas mixtas. Filmó El sueño de Cassandra en Londres. El sueño de
Cassandra fue lanzado en noviembre de 2007, y protagonizada por Colin Farrell ,Ewan
McGregor y Tom Wilkinson .
Después de terminar su tercera película Londres, Allen se dirigió a España. Se llegó a un
acuerdo para filmar Vicky Cristina Barcelona en Avilés , Barcelona y Oviedo , donde tiroteo
comenzó el 9 de julio de 2007. Las estrellas de cine Scarlett Johansson , Javier
Bardem , Rebecca Hall y Penélope Cruz . [ 65 ] [ 66 ] Hablando de su experiencia allí, Allen dijo:
"estoy muy contento de haber podido trabajar con Mediapro y hacer una película en España,
un país que ha llegado a ser tan especial para mí." Vicky Cristina Barcelona fue bien recibido,
ganando Mejor película - Musical o Comedia en los premios Globo de oro. Penélope Cruz
recibió el Oscar a la mejor actriz de reparto por su papel en la película.
Allen ha dicho que "sobrevive" en el mercado europeo. El público allí tienden a ser más
receptivos a sus películas, sobre todo en España, Francia e Italia, países en los que tiene una
gran audiencia (bromeado acerca de Finalización de Hollywood ). "En los Estados Unidos las
cosas han cambiado mucho, y es difícil hacer buenas películas pequeñas ahora", dijo Allen en
una entrevista de 2004. "Los estudios avaros no le importa nada buenas películas, si es que
consiguen una buena película que son el doble de películas buenas, pero para ganar dinero
son su objetivo. Lo único que quieren esos $ 100 millones de imágenes que hacen $ 500
millones." [ 67 ]
En abril de 2008, se comenzó a filmar una historia enfocada más hacia un público de más
edad protagonizada por Larry David , Patricia Clarkson [ 68 ] y Evan Rachel Wood . [ 69 ] publicado
en 2009, la cosa funciona , [ 70 ] se describe como una comedia negra, sigue la historia de un
intento de suicidio fallido convertido triángulo de amor desordenado. Whatever Works fue
escrito por Allen en la década de 1970 y el personaje interpretado por Larry David fue escrito
por Zero Mostel , que murió el año Annie Hall salió.
Década de 2010 [ editar ]

Woody Allen en elFestival de Cannes de 2015

Conocerás al hombre de tus sueños , filmada en Londres, protagonizada por Antonio

Banderas, Josh Brolin , Anthony Hopkins , Anupam Kher , Freida Pinto y Naomi Watts . El
rodaje comenzó en julio de 2009. Fue estrenada en cines en los EE.UU. el 23 de septiembre
de 2010, tras un debut de Cannes en mayo de 2010, y una proyección en el Festival
Internacional de Cine de Toronto el 12 de septiembre de 2010. Allen anunció que su siguiente
película sería titulado medianoche en París , [ 71 ] protagonizada por Adrien Brody , Owen
Wilson , Marion Cotillard , Rachel McAdams , Kathy Bates , Michael Sheen , Gad
Elmaleh y Carla Bruni , la primera dama de Francia en el momento de la producción. La
película sigue a una pareja de jóvenes comprometidos en París que ven sus vidas
transformadas. Se estrenó en el Festival de Cine de Cannes 2011 , el 12 de mayo de 2011.
Allen dijo que quería "mostrar la ciudad emocionalmente", durante la rueda de prensa. "Sólo
quería que fuera la forma en que vi París - París a través de mis ojos". Añadió [ 72 ] . Aclamado
por la crítica, la película fue considerada por algunos una marca para su retorno a la
forma [ 73 ] Medianoche en París obtuvo el Premio de la Academia para el mejor guión
original . Su siguiente película, To Rome with Love , era una comedia que transcurre en Roma
lanzado en 2012. La película se estructura en cuatro viñetas que ofrecen el diálogo en italiano
e Inglés. Se marcó el regreso de Allen para actuar desde su último papel en la cucharada . [ 74 ]
Blue Jasmine debutó en julio de 2013. [ 75 ] La película se desarrolla en San Francisco y Nueva
York, y las estrellas Alec Baldwin , Cate Blanchett , Louis CK , Andrew Dice Clay , Sally
Hawkins , y Peter Sarsgaard . [ 76 ] Estudio abierto a las buenas críticas , la película obtuvo
Allen otra nominación al Oscar a la Mejor guión original , [ 77 ] y Blanchett fue a recibir elpremio
de la Academia a la mejor actriz . [ 78 ] en 2013, en Niza, Francia , Allen disparó la comedia
romántica mágica en la luz de la luna , establecido en la década de 1920 en la Riviera
francesa [ 79 ] y protagonizada por Colin Firth y Emma Stone .[ 80 ] Allen protagoniza junto a John
Turturro en Fading Gigolo , escrita y dirigida por John Turturro, que se estrenó en septiembre
de 2013. [ 81 ]
A partir de julio y agosto de 2014, Allen filmó el drama de misterio irracional
hombre en Newport , Rhode Island , conJoaquin Phoenix , Emma Stone, Parker
Posey y Jamie Blackley . [ 82 ] Allen dijo que esta película, así como los tres siguientes que ha
planeado , tienen la financiación y el pleno apoyo de Sony Pictures Classics . [ 83 ]
Allen ha filmado su próxima película, un periodo sin título comedia dramática protagonizada
por un reparto coral que incluye a Jesse Eisenberg y Kristen Stewart . [ 84 ] Bruce Willis se fijó
para co-estrella, pero fue reemplazado por Steve Carelldurante el rodaje. [ 85 ]
Los proyectos futuros [ editar ]

Estatua de tamaño natural de Woody Allen en Oviedo , España

Durante muchos años, Allen quería hacer una película sobre los orígenes del jazz en Nueva
Orleans. La película, cuyo título provisional American Blues , seguiría los muy diferentes
carreras de Louis Armstrong y Sidney Bechet . Allen dijo que la película costaría entre $ 80 y $
100 millones y, por tanto, es poco probable que se hizo. [ 86 ]
El 14 de enero de 2015, se anunció Allen va a escribir y dirigir una serie de televisión de
media hora para Amazon Estudios , siendo la primera vez que él ha desarrollado un programa
de televisión. Estará disponible exclusivamente en Amazon Prime Instant Video , Estudios y
Amazon ya ha ordenado una temporada completa. Allen dijo de la serie, "No sé cómo llegué a
esto. No tengo las ideas y no estoy seguro de por dónde empezar. Mi conjetura es que Roy
precio se arrepentirá de esta", una referencia al precio, la cabeza de Amazon
Studios. [ 87 ] [ 88 ] [ 89 ] en 2015 el Festival de Cannes , Allen dijo, en referencia a su próximo show
Amazon, "fue un error catastrófico. no sé lo que estoy haciendo. yo "m forcejeo. espero que
esto sea una vergüenza cósmica." [ 90 ] el 25 de enero de 2016, Allen fue confirmado para ser
protagonista en la serie junto a Elaine May y Miley Cyrus . [ 91 ]

Teatro [ editar ]
Aunque más conocido por sus películas, Allen ha disfrutado de una exitosa carrera en el
teatro, comenzando ya en 1960, cuando escribió los bosquejos para la revista De la A a la Z .
Su primer gran éxito fue no beber el agua , que se abrió en 1968 y corrió para 598
actuaciones durante casi dos años en Broadway. Su éxito continuó con Tócala otra vez, Sam ,
que se abrió en 1969, protagonizada por Allen y Diane Keaton . El espectáculo jugó para 453
actuaciones y fue nominada a tres premios Tony , aunque ninguna de las nominaciones fuera
por escrito o actuación de Allen. [ 92 ]
En la década de 1970, Allen escribió una serie de obras en un acto, más
notablemente Dios y la muerte , que fueron publicados en su colección 1975 sin plumas .
En 1981, la obra de Allen El bulbo de la luz de flotación se estrenó en Broadway. La obra fue
un éxito de crítica y un fracaso comercial. A pesar de dos premios Tony nominaciones, Tony
ganar para la actuación de Brian Backer (que ganó el 1981 Premio Teatro del Mundo y
un Drama Desk Award por su trabajo), el juego sólo corrió para 62 actuaciones. [ 93 ]
Después de un largo paréntesis de la etapa, Allen volvió al teatro en 1995, con el solo acto de
Central Park West , una entrega de una noche de teatro conocida como El último gran
mago que también se compone de la nueva obra de David Mamet y Elaine de mayo . [ 94 ]
Para los próximos años, Allen no tuvo participación directa con la etapa, sin embargo, se
realizaron producciones notables de su obra. Una producción de Dios fue puesta en escena
en el Banco de Brasil Centro Cultural de Río de Janeiro , [ 95 ] y adaptaciones de teatro de las
películas de Allen Balas sobre Broadway  [ 96 ] y septiembre  [ 97 ] fueron producidos en Italia y
Francia, respectivamente, sin la participación de Allen . En 1997, los rumores de Allen que
regresan al teatro para escribir un papel protagonista para su esposa Soon-Yi Previn resultó
ser falsa. [ 98 ]
En 2003, Allen finalmente regresó a los escenarios con el bloqueo del escritor , una noche de
dos uno-acts- Old Saybrooky Riverside Drive -que jugaron fuera de Broadway . La producción
marcó el principio de la etapa de direccionamiento de Allen. [ 99 ] La producción se agotó toda la
tirada. [ 100 ]
También en 2003, los informes de Allen escribir el libro de un musical basado en Balas sobre
Broadway salieron a la superficie, y se abrieron en Nueva York en 2014. [ 101 ] El musical se
cerró el 24 de agosto de 2014, después de 156 actuaciones y 33 previstas. [ 102 ] En 2004, la
primera obra completa de Allen desde 1981, una segunda memoria mano ,[ 103 ] fue dirigida por
Allen y disfrutó de una extensa temporada Off-Broadway . [ 100 ]
En junio de 2007, se anunció que Allen haría dos más debuts creativas en el teatro, dirigiendo
una obra que él no escribió y dirigir una ópera - una reinterpretación de Puccini Gianni
Schicchi para la Opera de Los Angeles [ 104 ] -que debutó en el el Dorothy Chandler Pavilion, el
6 de septiembre de 2008. [ 105 ] al comentar sobre su dirección de la ópera, dijo Allen, "no tengo
idea de lo que estoy haciendo." Su producción de la ópera abrió el Festival de Dos
Mundos en Spoleto, Italia , en junio de 2009. [ 106 ]
En octubre de 2011, en un acto de Woody Allen llamada Luna de miel Motel estrenada como
parte de una serie de un solo acto obras de teatro en Broadway titulado términos
relativos . [ 107 ] También contribuyen a las obras se Elaine May y Ethan Coen con John
Turturro como director. [ 108 ]
Se anunció en febrero de 2012 que Allen se adaptaría Balas sobre Broadway en un
Broadway musical . Se abrió el 10 de abril de 2014 y se cerró el 24 de agosto de 2014. [ 109 ]

Música [ editar ]

Woody Allen con Jerry Zigmont y Simon Wettenhall actuando en el Festival de Jazz de

Vienne, Vienne , Francia 20 de septiembre de 2003
Allen es un apasionado del jazz, un lugar destacado en las bandas sonoras de sus
películas. Comenzó a tocar el clarinete como un niño y tomó su nombre artístico del
clarinetista Woody Herman . [ 110 ] Se ha presentado públicamente por lo menos desde la
década de 1960, especialmente con la banda de jazz de Pasillo de la preservación en la
banda sonora de la cama . [ 111 ] Uno de sus primeras actuaciones televisadas estaba en el Dick
Cavett Show el 20 de octubre de 1971.[ 112 ]
Woody Allen y su New Orleans Jazz Band han estado jugando cada lunes por la noche en
casa de Manhattan Carlyle Hotel durante muchos años [ 113 ] (a partir de 2011, [ 114 ] que se
especializa en el clásico de jazz de Nueva Orleans de principios del siglo XX). [ 115 ] Se juega
canciones de Sidney Bechet , George Lewis , Johnny Dodds , Jimmie Noone y Louis
Armstrong . [ 116 ] El documental Wild Man blues (dirigida por Barbara Kopple ) documenta una
gira europea 1996 por Allen y su banda, así como su relación con Previn . La banda ha
lanzado dos CD: El Proyecto de Litera (1993) y la banda sonora de Wild Man Blues (1997). En
una revisión de 2011 de un concierto de la banda de jazz de Allen, crítico Kirk Silsbee del LA
Times sugirió que Allen debe considerarse como un aficionado musical competente con un
sincero reconocimiento por el jazz temprano: "el clarinete de Allen no hará que nadie
olvide Sidney Bechet , Barney Bigard o Evan Christopher . su tono de tuberías y cadenas de
notas staccato no pueden aproximar fraseo melódico o lírica. Aún así su seriedad y el sentido
obvio que él tiene para los recuentos de jazz tradicional para algo ". [ 117 ]
Allen y su banda tocaron el Festival Internacional de Jazz de Montreal en dos noches
consecutivas en junio de 2008. [ 118 ]

Funciona sobre Allen [ editar ]

Un panel de Stuart HampleDentro de Woody Allen tira cómica

Aparte de Wild Man Blues , dirigida por Barbara Kopple , hay otros documentales que ofrecen
Woody Allen, incluyendo el 2002 documental de televisión por cable Woody Allen: una vida en
el cine , dirigida por Tiempo crítico de cine Richard Schickel , que entrelaza entrevistas de
Allen con los clips de sus películas, y Meetin 'WA , una breve entrevista de Allen por el director
francés Jean-Luc Godard . En 2011, el PBS serie American Masters co-produjo un documental
exhaustiva sobre él, Woody Allen: un documental dirigido por Robert B. Weide . [ 10 ]
Eric Lax autor del libro de Woody Allen: una biografía . [ 119 ] De 1976 a 1984, Stuart Hample
escribieron y dibujaron el interior de Woody Allen , un cómic basado en personaje de película
de Allen.

Vida personal [ editar ]
Los matrimonios y las relaciones románticas [ editar ]
Allen ha tenido tres esposas: Harlene Rosen (1956-1959), Louise Lasser (1966-1970) y Soon-
Yi Previn (1997-presente). A pesar de que mantuvo una relación sentimental de 12 años con
la actriz Mia Farrow , los dos nunca se han casado. Allen también tuvo relaciones románticas
con Stacey Nelkin y Diane Keaton .
Harlene Rosen [ editar ]
A los 20 años, Allen se casó con 17 años de edad, Harlene Rosen. [ 120 ] El matrimonio duró de
1956 a 1959. [ 121 ] Tiempoafirmó que los años fueron "Nettling" y "inquietante". [ 120 ]
Rosen, a quien Allen hace referencia en su acto de pie como "el temible señora
Allen", demandó a él por difamación debido a los comentarios en una aparición en la televisión
poco después de su divorcio. Allen cuenta una historia diferente en su mediados de los años
1960 álbum de pie Standup cómicas . En su acto, Allen dijo que Rosen le demandó a causa
de una broma que hizo en una entrevista. Rosen había sido asaltado sexualmente fuera de su
apartamento y de acuerdo con Allen, los periódicos informaron que ella "había sido
violada". En la entrevista, dijo Allen, "Conociendo a mi ex mujer, que probablemente no era
una violación de tránsito ." En una entrevista en El show de Dick Cavett , Allen hizo subir de
nuevo el incidente donde repitió sus comentarios e indicó que la suma por la cual fue
demandado era "$ 1 millón." [ 122 ]
Louise Lasser [ editar ]
Allen se casó con Louise Lasser en 1966. Se divorciaron en 1970, y Allen no se casó de
nuevo hasta 1997. Lasser apareció en tres películas de Allen poco después del
divorcio- Toma el dinero y corre , plátanos , y Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo *
(* pero nunca se atrevió a preguntar) -y más tarde apareció brevemente en recuerdos de una
estrella .
Diane Keaton [ editar ]
En 1970, Allen lanzó Diane Keaton en su espectáculo de Broadway, Sueños de un
seductor . Durante la carrera ella y Allen se convirtió en una relación sentimental y aunque se
separaron después de un año, ella continuó a la estrella en una serie de sus películas,
incluyendo la cama como un poeta futurista y amor y la muerte como un personaje compuesto
basado en las novelas de Tolstoi y Dostoievski . Annie Hall fue muy importante en Allen y
Keaton de las carreras. Se dice que el papel fue escrito para ella, como nombre de nacimiento
de Diane Keaton fue Diane Hall. Luego actuó en interiores como poeta, seguido
de Manhattan . En 1987, tuvo un cameo como cantante de club nocturno en Días de radio , y
fue elegido para reemplazar a Mia Farrow en el papel co-protagonista de Misterioso asesinato
en Manhattan después de Allen y Farrow empezaron a tener problemas con su relación
personal y de trabajo al hacer esta película. Keaton no ha trabajado con Allen ya Misterioso
asesinato en Manhattan. Desde el final de su relación romántica, Keaton y Allen siguen siendo
amigos cercanos. [ 123 ]
Stacey Nelkin [ editar ]
La película Manhattan se dice por el diario Los Angeles Times  [ 124 ] que se conoce
ampliamente que han sido la base de su relación sentimental con la actriz Stacey Nelkin . Su
pequeño papel en Annie Hall terminó en la sala de montaje , y su relación, aunque nunca
reconocido públicamente por Allen, al parecer comenzó cuando tenía 17 años, y estudiante en
Nueva York Stuyvesant High School . [ 125 ] [ 126 ] [ 127 ]
Mia Farrow [ editar ]
Alrededor de 1980, Allen comenzó una relación de diez años con la actriz Mia Farrow ,
protagonista de 13 de sus películas entre 1982 y 1992. Ellos nunca se casaron o vivían juntos,
pero vivía cerca uno del otro en lados opuestos de Central Park, en Manhattan. [ 128 ]
En diciembre de 1991, después de diez años juntos, Allen ha adoptado formalmente dos de
propios hijos adoptados previamente de Farrow, Dylan, 7, y Moses, 13. Farrow dijo al tribunal
que Allen era un "excelente padre," aunque los niños vivían con ella. El New York
Times escribió que Allen y Farrow "están constantemente en contacto unos con otros, y
muchos padres pasan tanto tiempo con sus hijos al igual que Allen." [ 128 ] Se trató de estar con
ellos todos los días. [ 129 ]
Al mes siguiente, enero de 1992, Farrow estaba en casa de Allen y se encontró con las fotos
desnudas de su otra hija adoptiva, de 21 años de edad, Soon-Yi Previn, las cuales fueron
tomadas por Allen. Como resultado, Farrow se dio cuenta de que Allen estaba teniendo una
relación con Soon-Yi. [ 130 ] Esto provocó una ruptura amarga de la relación a largo plazo entre
Allen y Farrow, con Soon-Yi y luego irse a vivir con Allen. [ 131 ] En su autobiografía, lo que se
desprende , Farrow dice que Allen admitió que la relación con Soon-Yi. [ 132 ]
Soon-Yi Previn [ editar ]

Soon-Yi Previn y Allen en el 2009Festival de Cine de Tribeca

Soon-Yi Previn era la hija adoptiva de Farrow y su ex marido, el compositor André

Previn . Soon-Yi, que nació en Corea, era un niño cuando su madre la abandonó dejándola en
una carretera en los suburbios de Seúl . Farrow la adoptó a los siete años. [ 129 ]
Debido a Allen y Farrow nunca se habían casado, Allen no era el padrastro legal de
Previn. Después de su relación con Mia Farrow terminó mordaz en 1992, Allen y Previn
continuaron su relación y se fue a vivir con Allen. Se casaron en 1997 y tienen dos hijas
adoptivas. [ 129 ]
Los niños [ editar ]
Allen y Mia Farrow, aunque no casada, adoptado conjuntamente dos hijos, Dylan Farrow (que
cambió su nombre por el de Eliza y más tarde a Malone) y Moshe Farrow (conocido como
Moisés); también tenían un hijo biológico, taleguilla Farrow (conocido como Ronan). La
paternidad de Ronan entró en la pregunta, sin embargo, después Farrow afirmó en 2013 que
podría de hecho ser hijo biológico de Frank Sinatra , su primer marido, con el que "nunca se
separó," dijo ella. [ 133 ] Allen no adoptó cualquiera de los otros hijos de Farrow, incluyendo
Soon-Yi.
Después de la separación de Allen desde Farrow, y después de una batalla de custodia
amarga, ella ganó la custodia de sus hijos. Allen fue negado el derecho de visita con Malone y
pudo ver Ronan sólo bajo supervisión. Moses, que era entonces de 15 años, ha decidido no
ver Allen sino por los 36 años que se había apartado de su madre y restableció su relación
con Allen y su hermana. [ 134 ] Farrow trató de tener dos adopciones de Allen con su anulado,
pero el tribunal decidió a favor de Allen y él sigue siendo su padre legal. [ 135 ]
Las acusaciones de abuso sexual infantil [ editar ]
Allen y Farrow comprometidos en una batalla por la custodia climatizada y emocionalmente
perjudicial después de que se separaron en enero de 1992. Ese mes de agosto, Allen visitó a
sus hijos en el hogar de Farrow mientras ella se fue de compras para que no tenga que ver
entre sí. [ 136 ] Dylan, sus siete años de edad, hija, dijo más tarde a Mia Farrow que abusó de
ella durante esa visita. [ 137 ] Farrow presentó una demanda ante la policía. [ 129 ] Dylan dice que el
abuso ocurrió en el ático; Sin embargo, Moisés Farrow, el hermano mayor de Dylan, entonces
de 15 años, negó que esto fuera posible, diciendo que había varias personas presentes en la
casa durante toda la visita de Allen y "nadie, ni mi padre o hermana, estaba fuera en los
espacios privados". [ 138 ]
El caso fue abandonado en 1993 después de una sonda de siete meses por un equipo médico
nombrada por la policía llegó a la conclusión de que Dylan no había sido molestada. [ 139 ] Entre
las razones citadas para la conclusión del equipo fueron las declaraciones contradictorias
hechas por Dylan y que sus declaraciones habían una "calidad ensayado." [ 139 ] el juez
finalmente encontró que los cargos de abuso sexual no fueron concluyentes. [ 140 ] Además, los
investigadores del Departamento de Servicios Sociales de Nueva York cerró su propia
investigación de 14 meses después de su conclusión similar, que " No se encontró evidencia
creíble de que el niño mencionado en el presente informe se ha abusado o maltratado.
" [ 141 ] Allen fue entrevistado por 60 minutos un par de meses después de las alegaciones,
cuando describió la batalla de custodia, intercambios de calor, y las acusaciones. [ 142 ]
En febrero de 2014, Dylan Farrow repitió las acusaciones en una carta abierta publicada por
Nicholas Kristof, un amigo de Farrow, en su New York Times blog. Ella alegó que Allen había
tratado de una manera que le hizo físicamente incómodos "por el tiempo que [ella] podía
recordar", citando ocasiones en que se metió en la cama con ella en su ropa interior. [ 137 ]Allen
volvió a repetir su negación de la acusaciones, que califica de "falsas y vergonzosa", y siguió
con su propia respuesta en The New York Times.  [ 143 ] [ 144 ] El hermano de Dylan, Moisés,
actualmente un terapeuta familiar, dijeron personasrevista, "por supuesto Woody no molestar
a mi hermana ... Ella lo amaba y esperaba verlo cuando iba a visitar ". Afirmó que su madre
había manipulado a sus hijos para que odien a Allen como "una forma de venganza pagarle
por enamorarse con Soon-Yi." [ 145 ] [ 146 ] Dylan ha negado que ella nunca fue entrenado por su
madre y tiene destacado por sus acusaciones.[ 147 ]
El psicoanálisis [ editar ]
Allen pasó más de 37 años sometidos a psicoanálisis . Algunas de sus películas, como Annie
Hall , en broma incluyen referencias al psicoanálisis. Momento revista dice: "Es condujo su
trabajo de auto-absorción". De Allen biógrafo John Baxter, escribió, "Allen, obviamente,
encontró el análisis estimulante, incluso emocionante." [ 148 ] Allen dice que su psicoanálisis
terminó alrededor de la época en que comenzó su relación con Previn, a pesar de que sigue
siendoclaustrofobia y agorafobia . [ 149 ]
Allen ha descrito a sí mismo como un "militante freudiana ateo ". [ 150 ]

Obras de teatro [ editar ]
Además de dirigir, escribir y actuar en películas, Allen ha escrito y realizado en un número de
producciones teatrales de Broadway.

Año Título Crédito Lugar de encuentro

196
De la A a la Z Escritor (libro) Teatro Plymouth
0

196 Coconut Grove

No beber el agua Escritor
6 Playhouse , Florida

196 Escritor, Artista

Sueños de un seductor Teatro Broadhurst [ 151 ]
9 (Allan Felix)

197
Dios Escritor -
5

197
Muerte Escritor -
5
 198 Teatro Vivian
El flotante Bombilla Escritor
1 Beaumont

199
Central Park West Escritor Teatro Artes variedad
5

200 Atlántico Compañía de

Old Saybrook Escritor, director
3 Teatro

200 Atlántico Compañía de

Riverside Drive Escritor, director
3 Teatro

200 Compañía de Teatro

Una memoria Segunda Mano Escritor, director
4 Atlantic

"Luna de miel motel" (segmento de

201 Brooks Atkinson
juego antología 3 partestérminos Escritor
1 Theatre
relativos )

201
Balas sobre Broadway Escritor (Libro) Teatro St. James
4

Filmografía [ editar ]
Artículo principal: Woody Allen filmografía

 ¿Qué hay de nuevo Pussycat?(1965) (actor solamente)

 ¿Qué pasa, Tiger Lily? (1966)
 Casino Royale (1967) (único actor)
 Toma el dinero y corre (1969)
 Los plátanos (1971)
 Sueños de un seductor (1972)
 Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo * (* pero nunca se atrevió a
preguntar) (1972)
 Durmiente (1973)
 Amor y muerte (1975)
 El Frente (1976) (único actor)
 Annie Hall (1977)
 Interiores (1978)
 Manhattan (1979)
 Memorias de Stardust (1980)
 Comedia sexual de una noche de verano (1982)
 Zelig (1983)
 Broadway Danny Rose (1984)
 La rosa púrpura de El Cairo (1985)
 Meetin 'WA (1986) (él mismo)
 Hannah y sus hermanas (1986)
 Días de radio (1987)
 Septiembre (1987)
 El rey Lear (1987) (único actor - cameo sin acreditar)
 Otra mujer (1988)
 Historias de Nueva York (1989)
 Delitos y faltas (1989)
 Alice (1990)
 Escenas en una galería (1991)(único actor)
 Sombras y niebla (1991)
 Maridos y mujeres (1992)
 Manhattan Murder Mystery (1993)
 Balas sobre Broadway (1994)
 No beber el agua (1994)
 Mighty Aphrodite (1995)
 Cada uno dice Te Amo (1996)
 Desmontando a Harry (1997)
 Hombre de los azules salvajes(1997)
 Los impostores (1998) (Actor - papel sin acreditar)
 Antz (1998) (voz)
 Celebrity (1998)
 Acordes y desacuerdos (1999)
 Company Man (2000) (único actor - papel sin acreditar)
 Small Time Crooks (2000)
 Recogiendo las piezas (2000) (único actor)
 La maldición del escorpión de jade(2001)
 Stanley Kubrick: Una vida en imágenes  (2001) ( documental ) (a sí mismo)
 Final de Hollywood (2002)
 Todo lo demás (2003)
 Melinda y Melinda (2005)
 Match Point (2005)
 Scoop (2006)
 El sueño de Cassandra (2007)
 Vicky Cristina Barcelona (2008)
 Si la cosa funciona (2009)
 Conocerás al hombre de tus sueños (2010)
 Medianoche en París (2011)
 Paris Manhattan (2012) (único actor)
 A Roma con amor (2012)
 Fading Gigolo (2013) (actor solamente)
 Blue Jasmine (2013)
 Magia en la luz de la luna (2014)
 El hombre irracional (2015)
Clint Eastwood

Para otros usos de este término, véase Clint Eastwood (desambiguación).

Clint Eastwood

Eastwood en 2010

Información personal

Nombre de
Clinton Eastwood, Jr.
nacimiento

Nacimiento 31 de mayo de 1930 (85 años)
San Francisco, California,Estados Unidos

Nacionalid
Estadounidense
ad

Partido
Partido Libertario y Partido Republicano
político

Características físicas

Altura 1,93 m (6 ft 4 in)

Familia

Cónyuge Maggie Johnson (1953–1984)

Dina Ruiz (1996–2013)

Pareja Sondra Locke (1975–1989)

Frances Fisher (1990–1995)
Hijos Con Roxanne Tunis
Kimber Tunis (1964)
Con Maggie Johnson
Kyle Eastwood (1968)
Alison Eastwood (1972)
Con Jacelyn Reeves
Scott Eastwood (1986)
Kathryn Reeves (1988)
Con Frances Fisher
Francesca Fisher Eastwood(1993)
Con Dina Eastwood
Morgan Eastwood (1996)

Educación

Alma
Los Angeles City College (en)
máter

Información profesional

Ocupación Actor, director, productor,guionista, músico, com
positor

Año de
1955
debut

Miembro Academia Estadounidense de las Artes y

de las Ciencias

Premios artísticos

Premios Mejor película

Óscar 1992 Unforgiven
2004 Million Dollar Baby
Mejor director
1992 Unforgiven
2004 Million Dollar Baby

Globos de Mejor director

 Oro 1989 Bird
1993 Unforgiven
2004 Million Dollar Baby

Premios Mejor película extranjera

César 2003 Mystic River
2004 Million Dollar Baby
2010 Gran Torino

Otros Premio Cecil B. DeMille1988

premios Premio Irving Thalberg 1994

Distincione Comendador de la Legión de Honor

s Comendador de las Artes y las Letras
Medalla Nacional de las Artes
Premios del Sindicato de Directores

Web

Ficha Ficha en IMDb

[editar datos en Wikidata]

Clinton «Clint» Eastwood Jr. (San Francisco, California, 31 de mayo de1930) es

un actor, director, productor, guionista, músico y compositorestadounidense. Su primer papel
relevante fue como secundario en el reparto de la serie de televisión Rawhide (1959–1966).
Alcanzó la fama interpretando al Hombre sin nombre en los spaghetti western conocidos
como Trilogía del dólar que dirigió Sergio Leone en la década de 1960 —Por un puñado de
dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo — y a Harry Callahan en la
serie de películas de Harry el Suciodurante los 70 y 80. Estos papeles, entre otros, lo
convirtieron en un icono cultural de cierto tipo de masculinidad.1 2
Por su trabajo en Unforgiven (Sin perdón, 1992) y en Million Dollar Baby(2004), Eastwood fue
galardonado con los premios Óscar a mejor director y mejor película. Estas películas en
particular y otras como Play Misty for Me(Escalofrío en la noche, 1971), Thunderbolt and
Lightfoot (Un botín de 500.000 dólares, 1974), The Outlaw Josey Wales (El fuera de la ley,
1976),Escape from Alcatraz (Fuga de Alcatraz, 1979), Tightrope (En la cuerda floja, 1984), El
jinete pálido (1985), Heartbreak Ridge (El sargento de hierro, 1986), En la línea de
fuego (1993), Los puentes de Madison (1995) y Gran Torino (2008) fueron éxitos de crítica y
público.3
Además de dirigir muchas de las películas que le han convertido en una estrella del cine,
Eastwood ha dirigido otros filmes en los que él no actúa, como Mystic River (2003) y Cartas
desde Iwo Jima (2006), por las que fue nominado a los Óscar, y Changeling (El intercambio,
2008). Eastwood ha sido especialmente aclamado por la crítica en Francia, también por
películas que no fueron muy bien recibidas en su propio país, y por ello ha sido galardonado
con los más altos honores del país europeo: en 1994 recibió la Orden de las Artes y las
 Letras de la República Francesa y en 2007 la Legión de Honor. En el año 2000 recibió el León
de Oro a toda su carrera en el Festival Internacional de Cine de Venecia.
Desde 1967 Eastwood posee su propia productora de cine, Malpaso Productions, que ha
producido la mayor parte de sus películas. También fue alcalde de la localidad californiana
de Carmel-by-the-Sea desde 1986 a 1988. Según afirmó su hija Alison en 2011, Eastwood
tiene ocho hijos de seis mujeres diferentes,4 aunque solo se ha casado dos veces.

Índice
  [ocultar] 

 1Primeros años
 2Carrera cinematográfica
o 2.1Comienzos
o 2.2Década de 1960
o 2.3Década de 1970
o 2.4Década de 1980
o 2.5Década de 1990
o 2.6Década de 2000
o 2.7Década de 2010
o 2.8Director
 3Vida privada
o 3.1Relaciones
o 3.2Creencias y otras actividades
 4Política
 5Música
 6Premios
 7Filmografía
 8Familia
 9Referencias
 10Bibliografía
 11Enlaces externos

Primeros años[editar]
Clint Eastwood nació en San Francisco, California, hijo de Clinton Eastwood, Sr. (1906–70), un
trabajador del sector de la metalurgia, y Margaret Ruth (Runner) Eastwood (1909–2006),
empleada de una fábrica de IBM.5 6 Pesó 5,2 kg al nacer, motivo por el que las enfermeras del
hospital lo llamaron «Sansón».7 8 9 Tiene ascendencia inglesa, irlandesa, escocesa y
holandesa5 10 y fue criado en el seno de una familia de clase trabajadora junto con su hermana
pequeña, Jeanne (nacida en 1934).11 12La familia cambió de residencia en varias ocasiones en
busca de trabajo para el padre a lo largo de toda la Costa Oeste de los Estados
Unidos13 14hasta que finalmente se establecieron en Piedmont, California, en cuyo colegio
estudió Clint.15 Poco antes de comenzar sus estudios secundarios en esta localidad, Eastwood
pasó con su bicicleta por el césped de las instalaciones deportivas del instituto y lo destrozó,
motivo por el que le impidieron estudiar allí. 16 En su lugar, hubo de matricularse en el Instituto
Técnico de Oakland, donde los profesores de teatro le animaron a participar en las
representaciones. Sin embargo, el joven Eastwood no estaba todavía interesado en ello y tuvo
numerosos empleos, entre ellos el de socorrista, repartidor de periódicos, empleado de tienda,
bombero forestal y caddie de golf.17
En 1951 Eastwood se matriculó en la Universidad de Seattle,18 pero tuvo que abandonarla
porque fue reclutado por elejército de los Estados Unidos19 y destinado a Fort Ord, California,
donde trabajó como socorrista e instructor de natación. 20 Mientras regresaba de una visita de
fin de semana a sus padres en Seattle en 1951, el avión bombardero Douglas AD del que era
pasajero se quedó sin combustible y se estrelló en el mar cerca de Punta
Reyes.21 22 Eastwood escapó de la aeronave mientras ésta se hundía y tuvo que nadar junto al
piloto cinco kilómetros hasta la costa.23

Carrera cinematográfica[editar]
Comienzos[editar]

Eastwood en una foto promocional de la serie Rawhide (1961).

Según un comunicado de prensa de la cadena de televisión CBS sobre la serieRawhide,

los Universal Studios estaban rodando en Fort Ord cuando un asistente conoció a Eastwood y
le ayudó a conseguir un encuentro con el director de la serie. 24 Según su biografía oficial, un
hombre llamado Chuck Hill consiguió colar a Eastwood en los estudios Universal en Hollywood
para que lo conociera el camarógrafo Irving Glassberg. 24 Éste le facilitó realizar una audición
con el directorArthur Lubin, quien a pesar de quedar impresionado con su 1,93 m de
estatura,25cuestionó en un principio sus habilidades actorales 26 y le recomendó asistir a clases
de interpretación. Lubin le consiguió su primer contrato en abril de 1954, por el que recibiría
100 dólares a la semana.26 Una vez contratado, Eastwood recibió críticas por su rigidez, su
estrabismo y por pronunciar sus diálogos entre dientes, características todas estas que han
sido seña de identidad del actor durante toda su carrera cinematográfica. 27 28 29 30
El primer papel de Clint Eastwood fue una breve actuación como asistente de laboratorio en la
película de 1955 Revenge of the Creature.31 Durante tres años interpretó pequeños papeles en
otras películas como Lady Godiva, Never Say Goodbye o Escapade in Japan, además de una
intervención con diálogo en Francis in the Navy.32 33 34 En 1959 hizo una aparición especial en
la serie de televisiónMaverick como antagonista de James Garner, donde interpretó a un
hombre que se quería casar con una chica rica por dinero. 35 Asimismo, tuvo un pequeño papel
como aviador en La escuadrilla Lafayette y apareció en Ambush at Cimarron Pass, una
película de baja calidad que el propio Eastwood considera lo peor de su carrera. 36 37 38
Tras un período alejado de las cámaras, Eastwood consiguió en el verano de 1958 el papel
secundario de Rowdy Yates en la teleserie Rawhide de la CBS,39 40 aunque no era un rol que
entusiasmara al actor. Eastwood, que entonces tenía 28 años, no se sentía cómodo
interpretando a este personaje porque pensaba que Rowdy era demasiado joven y
tonto.Rawhide se estrenó en enero de 195941 y en pocas semanas se convirtió en un éxito.
Aunque la serie nunca ganó unEmmy, gozó de gran aceptación durante los años en que se
emitió, de 1959 a 1965.42 Los años en esta serie de televisión fueron de los más duros de la
carrera del actor, pues filmaba doce horas diarias, seis días a la semana, a pesar de lo cual
algunos directores lo criticaron por no trabajar lo suficiente. 42 43 A fines de 1963 la popularidad
de la serie había decaído y fue cancelada a la mitad de la temporada televisiva de 1965-
66.44 Eastwood hizo su debut como director filmando varios anuncios de la serie, aunque no
fue capaz de convencer a los productores para que le dejaran dirigir un episodio. 45 En la
primera temporada de Rawhide, Eastwood ganaba 750 dólares por episodio y cuando fue
cancelada le pagaron un finiquitode 119 000 dólares.46
Década de 1960[editar]
A finales de 1963, el compañero de reparto de Eastwood en Rawhide, Eric Fleming, rechazó
una oferta para protagonizar un western hispano-italiano titulado Por un puñado de dólares,
que se iba a rodar en España y sería dirigido por el entonces desconocido Sergio Leone.47 El
actor Richard Harrison estaba convencido de que Eastwood podría interpretar a un cowboy de
manera convincente y lo propuso para el papel. El actor vio la oportunidad de escapar de su
imagen enRawhide. Firmó un contrato de 15 000 dólares por once semanas de trabajo más el
obsequio de un coche Mercedes-Benzal final del rodaje.48 49 Eastwood dijo tiempo después
sobre la transición de un western televisivo a la película Por un puñado de dólares:
«En Rawhide me cansé de interpretar a un buen tipo, al héroe que besa ancianitas y perros y
era amable con todo el mundo. Decidí que era el momento de ser un anti-héroe». 50 Eastwood
ayudó a crear el estilo del personaje del Hombre sin nombre, y aunque el actor no era
fumador, Leone insistió en que debía fumar cigarros como ingrediente esencial de la
«máscara» que estaba intentando crear para su solitario protagonista. 51

Clint Eastwood en la película Por un puñado de dólares (1964).

Por un puñado de dólares resultó ser todo un hito en el desarrollo del género de losspaghetti
westerns, en los que se retrataba un Oeste de Estados Unidos más salvaje y desolado que en
las películas estadounidenses de este mismo género y donde se cambiaban los estereotipos
norteamericanos del héroe del oeste por unantihéroe moralmente ambiguo. El éxito de esta
película convirtió a Eastwood en una gran estrella en Europa 52 y por ello volvió para
protagonizar Per qualche dollaro in più (1965), segundo filme de la trilogía de Leone. A través
de los esfuerzos del guionista Luciano Vincenzoni, los derechos de Per qualche dollaro in
più y de la última entrega de la trilogía, Il buono, il brutto, il cattivo, se vendieron aUnited
Artists por unos 900 000 dólares.53
En enero de 1966, Eastwood conoció al productor Dino De Laurentiis en Nueva York y aceptó
participar en una producción compuesta por cinco partes titulada Le Streghe (Las brujas) junto
a la esposa del propio De Laurentiis, Silvana Mangano.54 La intervención de Eastwood, de solo
diecinueve minutos de duración, se filmó en pocos días, pero su actuación no fue del agrado
de la crítica.55 Dos meses después el actor comenzó el rodaje de la tercera entrega de
la Trilogía del dólar, Il buono, il brutto, il cattivo, en la que una vez más volvía a poner cara a
un misterioso Hombre sin nombre. Lee Van Cleef también repetía como un cruel busca
fortunas y remataba el trío protagonistaEli Wallach interpretando al astuto bandido mexicano
Tuco Ramírez. La historia gira en torno a la búsqueda de un alijo de oro confederado
enterrado en un cementerio. Durante la filmación de la escena de la voladura del puente,
Eastwood le pidió a Wallach que se retirara hacia lo alto de una colina; «Yo sé de estas
cosas», le dijo, «Mantente lo más alejado posible de los efectos especiales y de los
explosivos».56 Minutos después se produjo una explosión prematura que pudo haber matado a
Wallach.56

«Quise interpretarlo con pocas palabras y crear toda esta

sensación a través de la actitud y el movimiento. Era el tipo de
personaje que llevaba imaginando desde hacía tiempo, rodeado
de misterio y que alude a lo que había sucedido en el pasado.
Surgió después de pasar por la frustración de haber
hecho Rawhide durante tantos años. Sentía que cuanto menos
decía, más fuerte se hacía y más crecía en la imaginación de los
espectadores».

—Clint Eastwood sobre el personaje del Hombre sin nombre.57

La Trilogía del dólar no se estrenó en los EE.UU. hasta 1967,58pero los tres filmes fueron un
éxito de taquilla, en especial la última entrega, lo que convirtió a Eastwood en una gran
estrella del cine.58 Sin embargo, los críticos fueron muy duros con estos spaghetti westerns, lo
que marcó el principio de la batalla del actor por ganarse el respeto de los críticos
estadounidenses.59Renata Adler, del periódico The New York Times, dijo que Il buono, il
brutto, il cattivo, que hoy es considerada una obra maestra,60 61 era «la más cara, piadosa y
repelente película de la historia de este género particular». 62 Algunos críticos como Vincent
Canby y Bosley Crowther elogiaron la frialdad del actor que interpretaba al alto y solitario
protagonista.63 El distintivo estilo cinematográfico de Sergio Leone fue muy aclamado, incluso
por los críticos que menospreciaron sus películas.59
El estrellato le deparó más papeles en el cine a Eastwood. Firmó para protagonizar el western
revisionista americano Hang 'Em High (Cometieron dos errores, 1968),64 en el que interpreta a
un Marshal que busca venganza tras a estar a punto de ser ahorcado y dado por muerto. 65 El
actor ingresó 400 000 dólares por esta película y un 25% de la recaudación en taquilla. 64 Con
el dinero que había ganado gracias al éxito de la Trilogía del dólar, Eastwood fundó, con
ayuda de su contable y asesor Irving Leonard, su propia compañía de producción, Malpaso
Productions, llamada así por el arroyo Malpaso que hay en la propiedad que Eastwood tiene
en el condado de Monterrey, California. Leonard consiguió que Hang 'Em High fuera una
coproducción junto a United Artists66 y cuando el filme se estrenó en julio de 1968 fue un gran
éxito de crítica y público. El crítico del New York Post Archer Winsten describió la película
como «un western de calidad, valentía, peligro y emoción». 12
Antes del estreno de Hang 'Em High, Eastwood había comenzado a rodar Coogan's Bluff (La
jungla humana, 1968), sobre un sheriff de Arizona que intenta capturar a un criminal psicópata
(Don Stroud) por las calles de Nueva York. La película, dirigida por Don Siegel, fue producida
por los Universal Studios y Eastwood recibió un salario de un millón de dólares, más del doble
que en su anterior película.67 Jennings Lang había conseguido que el actor y el director se
conocieran y ambos entablaron una estrecha amistad, gracias a la cual a lo largo de una
década ambos colaboraron en cinco películas.68 El rodaje había comenzado en noviembre de
1967, antes incluso de que el guion estuviera acabado. 69 El filme causó controversia por su
retrato de la violencia70 71 y en ella Eastwood perfiló su prototipo de policía duro que poco
después inmortalizaría en la saga de Harry el Sucio. Coogan's Bluff también fue su primera
colaboración con el compositor argentinoLalo Schifrin, quien pondría música a varios filmes de
Eastwood durante los años 70 y 80.
Por su participación en El desafío de las Águilas (1968) el actor ganó 750 000 dólares.72 La
película está ambientada en laSegunda Guerra Mundial y recrea la infiltración tras las líneas
enemigas de un grupo de paracaidistas para rescatar un general estadounidense preso una
fortaleza de la Gestapo en los Alpes. Richard Burton interpreta el líder del grupo y Eastwood a
su hombre de confianza. En esa época el actor participó en el único musical de su carrera, La
leyenda de la ciudad sin nombre (1969), en la que él y Lee Marvin interpretan a dos mineros
que comparten la misma mujer (Jean Seberg). El mal tiempo y los retrasos dificultaron el
rodaje hasta el extremo de que la producción superó los veinte millones de presupuesto, una
gran suma para la época,73 y tampoco tuvo éxito de crítica o público, aunque por otra parte fue
nominada al Globo de Oro a la mejor película en la categoría de comedia o musical.74
Década de 1970[editar]
En 1970, Eastwood protagonizó Two Mules for Sister Sara (Dos mulas y una mujer) junto
a Shirley MacLaine y con dirección de Don Siegel. La película cuenta la historia de un
mercenario estadounidense que comienza rescatando a una monja en un ataque a un
pequeño poblado, aunque esta resulta ser una prostituta disfrazada, y que acaba ayudando a
un grupo de rebeldes juaristas en el México del emperador Maximiliano I.75 76 En esta película
el actor volvió a interpretar a un misterioso pistolero ataviado con un sarape, sin afeitar y que
gusta de fumar cigarros.77 Aunque en su momento el filme fue recibido con tibieza por la
crítica,78 79 80 el periódico New York Times lo incluyó en su lista de las 1000 mejores películas
de la historia.81 También en 1970 el actor trabajó en Kelly's Heroes (Los violentos de Kelly),
donde formaba parte de un grupo de soldados estadounidenses que roban una fortuna en oro
a los nazis durante la Segunda Guerra Mundial y en la que compartió cartel con Donald
Sutherland y Telly Savalas. Kelly's Heroes fue la última película en la que actuó Eastwood que
no fuera producida por su propia compañía, Malpaso. 82 La crítica alabó el filme y se reconoció
su mensaje antibelicista.82 En el invierno de 1969 a 1970 Eastwood y Siegel comenzaron a
planear su próximo proyecto, El seductor, la historia de un soldado unionista herido en la
guerra de Secesión estadounidense que es rescatado por una jovencita de un colegio
femenino del sur del país; allí conquistará a varias mujeres durante su proceso de
recuperación.83 En Francia esta película fue muy bien acogida y allí se considera uno de los
mejores trabajos del actor,84 aunque en taquilla recaudó muy poco y, según Eastwood y Lang,
fracasó por la mala campaña publicitaria y por el rol «emasculado» del protagonista. 85
La carrera de Eastwood tuvo un punto de inflexión en 1971. 86 Antes de la muerte de Irving
Leonard, él y el actor habían hablado sobre la intención de la productora Malpaso de
rodar Play Misty for Me (Escalofrío en la noche, 1971), una película en la que por primera vez
Clint tendría todo el control creativo que deseaba y que supondría su debut como director. 87 El
guion se centraba en un músico de jazz llamado Dave (Eastwood), quien tiene una relación
ocasional con Evelyn (Jessica Walter), una oyente de radio que había estado llamando
insistentemente a la emisora para pedirle que tocara su canción favorita, «Misty» de Erroll
Garner. Cuando Dave pone fin a la relación, Evelyn se convierte en una violenta asesina. 88 El
rodaje dio comienzo en Monterrey en septiembre de 1970 y en la película se incluyeron
imágenes del Monterey Jazz Festival de aquel año.89 El filme y la labor de Eastwood tras la
cámara fueron elogiados por la crítica,90mientras que la protagonista femenina Jessica Walter
fue nominada al Globo de Oro a mejor actriz en la categoría de drama.

«Sé lo que estás pensando. Si he

disparado cinco o seis balas. Te digo que
con este ajetreo yo también he perdido la
cuenta, pero siendo este un Magnum 44,
el revólver más potente del mundo, capaz
de volarte la tapa de los sesos de un
disparo, ¿no crees que deberías pensar
que eres muy afortunado?».

—Clint Eastwood en Harry el sucio.

Ese mismo año Eastwood rodó Harry, el sucio, de nuevo a las órdenes de Don Siegel. La
película, escrita por Harry Julian Fink y Rita M. Fink, se centra en un duro inspector de policía
de Nueva York (ciudad que luego fue sustituida por San Francisco) llamado Harry Callahan
que se propone detener por cualquier medio a un asesino psicótico. 91 Harry, el sucio, es quizá
el personaje más memorable de Clint Eastwood,92 93 y sobre él opina el escritor Eric
Lichtenfeld que fue el «primer verdadero arquetipo» del cine de acción. 94 Algunas de sus
frases, como la citada en el cuadro de la derecha, están entre las más memorables de la
historia del cine e incluso son consideradas por algunos historiadores de las armas de fuego,
como Garry James y Richard Venola, como impulsoras de un aumento sin precedentes de la
venta de la pistola Smith & Wesson Modelo 29 con cartuchos Magnum 44 en los EE.UU.,
utilizada por Harry Callahan en la gran pantalla.95 96 Harry, el sucio fue un gran éxito desde su
estreno en diciembre de 1971 y recaudó 22 millones de dólares solo en Norteamérica, 97 lo que
la convirtió en la película más taquillera de todas las dirigidas por Don Siegel y dio inicio a una
saga cinematográfica compuesta por un total de cinco filmes. Aunque muchos críticos
alabaron la interpretación de Eastwood como el duro policía Harry Callahan, como Jay Cocks
de la revista Time que la describió como «su mejor papel de lejos, tenso, duro, plenamente
identificado con su personaje», 98 el filme también recibió acusaciones de ser fascista.99 100 101
Después de que Sean Connery anunciara que no interpretaría de nuevo a James Bond, los
productores de la saga del espía se pusieron en contacto con Eastwood para ofrecerle el
papel y éste lo rechazó porque pensaba que ese rol lo debía interpretar un actor inglés. 102 Su
siguiente papel protagonista fue en el filme Joe Kidd (1972), basado en un personaje inspirado
en Reies Lopez Tijerina, que atacó unos juzgados en Tierra Amarilla (Nuevo México) en junio
de 1967. Durante el rodaje el actor sufrió síntomas de una infección bronquial y varios ataques
de pánico.103 Joe Kidd recibió críticas dispares; Roger Greenspun de The New York
Times escribió que no tenía nada destacable, con un simbolismo absurdo y un montaje
descuidado, aunque alabó la interpretación de Eastwood. 104
En 1973 Clint Eastwood dirigió su primer western, High Plains Drifter (Infierno de cobardes),
en el que compartió cartel con Verna Bloom, Marianna Hill, Billy Curtis, Paul Brinegar (de la
serie Rawhide) y Geoffrey Lewis. La película trata un tema moral y sobrenatural que después
sería emulado en El jinete pálido: un misterioso forastero (Eastwood) llega a una ciudad del
oeste donde sus habitantes lo contratan para que los proteja de tres criminales que saldrán
muy pronto de la cárcel. Durante toda la película se juega con la confusión de si el forastero
es el hermano del sheriff, a quien los criminales lincharon y asesinaron, o su fantasma;
asimismo el metraje está salpicado de toques alegóricos y de humor negro por influencia del
cine de Sergio Leone.105 La crítica recibió la película con opiniones dispares, pero fue un gran
éxito de taquilla. El crítico Arthur Knight del Saturday Review dijo que Eastwood había
«absorbido los enfoques de Siegel y Leone y los había fusionado con su propia visión
paranoica de la sociedad».106 John Wayne, que había rechazado un papel en la película, envió
una carta a Eastwood poco después del estreno del filme en la que se quejaba de que «los
habitantes de la ciudad no representaban el verdadero espíritu del pionero estadounidense, el
espíritu que hizo grande al país».107

Clint Eastwood dirigiendo a William Holden en Breezy (1973).

El siguiente proyecto del actor y director fue Breezy (Primavera en otoño, 1973), una historia
sobre el florecimiento del amor entre un hombre maduro y una adolescente. Durante el casting
para esta película Eastwood conoció a Sondra Locke, una actriz que trabajaría en numerosos
papeles en sus películas en los siguientes diez años y que se convertiría en una figura muy
importante de la vida del cineasta. 108 Kay Lenz fue seleccionada para el papel de Breezy
porque Locke, que entonces tenía 29 años, les pareció demasiado mayor. La película se filmó
muy rápidamente gracias a la eficiencia de Eastwood y del director de fotografía Frank
Stanley, que la acabaron tres días antes de lo previsto y habiendo gastado un millón de
dólares menos de lo presupuestado. 109 Sin embargo, la película no gozó del favor del público o
la crítica.110
Terminado el rodaje de Breezy, Warner Brothers anunció que Eastwood había aceptado
retomar su papel de Harry Callahan en Magnum Force (Harry, el fuerte, 1973), secuela
de Harry, el sucio, en la que un grupo de jóvenes y violentos oficiales de la policía de San
Francisco (entre ellos David Soul, Robert Urich y Tim Matheson) se toman la justicia por su
mano asesinando a los peores criminales de la ciudad. 111 Aunque el filme fue todo un éxito de
taquilla en los Estados Unidos, no obtuvo buenas opiniones de la crítica especializada. 112 113 La
crítica de The New York Times Nora Sayre señaló los temas morales a menudo
contradictorios de la película, mientras que el periodista Frank Rich la llamó «lo mismo de
siempre».113
En 1974 Eastwood formó equipo con Jeff Bridges y George Kennedy en Thunderbolt and
Lightfoot (Un botín de 500.000 dólares), una road movie sobre el veterano ladrón de bancos
Thunderbolt (Eastwood) y el joven timador Lightfoot (Bridges). Tras su estreno en primavera
de 1974, la película recibió elogios por su poco convencional tono cómico mezclado con
suspense y tragedia, pero no obtuvo una gran recaudación. 114 Los críticos resaltaron la
actuación de Eastwood, pero resultó eclipsado por el gran papel de Bridges, que fue
nominado al premio Óscar a mejor actor secundario. Eastwood se enfadó por el poco
reconocimiento de los premios de la Academia a su labor y juró que no volvería a trabajar para
la productora United Artists.114 115
La siguiente película dirigida y protagonizada por Eastwood, The Eiger Sanction (Licencia
para matar, 1975), estuvo basada en la aclamada novela de espías de Trevanian La sanción
del Eiger. El actor interpreta a Jonathan Hemlock (papel que en principio estaba destinado
a Paul Newman) un asesino reconvertido en profesor de arte que decide retomar su antigua
profesión a cambio de obtener un valioso cuadro de Camille Pissarro. Para conseguirlo deberá
escalar la peligrosa cara norte del pico Eiger, en Suiza. En este filme Eastwood volvió a contar
con el actor George Kennedy. Mike Hoover enseñó a escalar al cineasta durante varias
semanas del verano de 1974 en Yosemite y el rodaje comenzó en Grindelwaldel 12 de agosto
de ese año.116 117 El equipo de filmación, que había sido advertido de los peligros de una
montaña como el pico Eiger, sufrió diversos accidentes, uno de ellos fatal. 118 119 A pesar de
todo, Eastwood decidió realizar él mismo todas sus escenas de escalada. Estrenada en mayo
de 1975, The Eiger Sanction fue un fracaso comercial y de crítica, pues Joy Gould Boyum
de The Wall Street Journal dijo que era «fantasía brutal». 120 120 121 El cineasta culpó a
losUniversal Studios por la mala promoción de la película y le dio la espalda a este estudio
para firmar en su lugar un acuerdo con Warner Bros. que perdura hasta la actualidad. 122

Ciudad fantasma de Paria, Utah, lugar de rodaje de la película The Outlaw Josey

Wales (1976).

The Outlaw Josey Wales (El fuera de la ley, 1976), un western inspirado en la novela
homónima publicada en 1972 por Asa Carter,123 está protagonizado por Josey Wales
(Eastwood), un granjero de Misuri que tras el asesinato de su familia por soldados yanquis se
une a los guerrilleros confederados que siguen luchando contra la Unión, incluso después del
fin de la guerra. Chief Dan George y Sondra Locke completan los papeles principales. El
director Philip Kaufman fue despedido por el productor Bob Daley por orden del propio
Eastwood, una decisión que llevó a que el Sindicato de directores de Estados Unidos les
obligara a indemnizarlo con 60 000 dólares y a que este organismo aprobara una nueva
norma en la que se reservaba el derecho a imponer multas mayores a los productores por el
despido de un director.124 La cinta fue pre estrenada en Sun Valley (Idaho) durante una
conferencia de seis días titulada Películas del oeste: mitos e imágenes. En este pase previo
de la película dirigida y protagonizada por Clint Eastwood, estuvieron presentes críticos
prestigiosos como Jay Cocks y Arthur Knight y directores de la talla de King Vidor, William
Wyler y Howard Hawks.125 En su estreno para el gran público en agosto de 1976, el filme fue
muy bien recibido y el personaje de Eastwood enseguida se convirtió en un icono del pasado
ancestral de los Estados Unidos y del destino de la nación tras la brutal Guerra de
Secesión.125 El crítico Roger Ebert comparó la naturaleza y vulnerabilidad de Josey Wales con
la del Hombre sin nombre de la Trilogía del dólar y elogió la atmósfera del filme.126 La
revista Time la incluyó entre su lista de las diez mejores películas de aquel año. 127
En esa época le ofrecieron a Clint Eastwood el papel de Benjamin L. Willard en la
película Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, pero declinó su participación porque no
deseaba pasar varias semanas de rodaje en Filipinas.128 129 Asimismo, rechazó el rol del líder
de pelotón en un filme de Ted Post sobre la guerra de Vietnam, Go Tell the Spartans (La
patrulla, 1978),128 para rodar en su lugar el tercer filme de la saga de Harry Callahan, The
Enforcer (Harry, el ejecutor, 1976). En esta ocasión se enfrenta a un grupo de sádicos
terroristas que se hacen llamar «Acción Revolucionaria del Pueblo» y que tratan de dominar la
ciudad de San Francisco. Callahan y su nueva ayudante (interpretada por Tyne Daly), deberán
rescatar al alcalde, a quien los terroristas han secuestrado. La película, que culmina con un
tiroteo en la prisión de Alcatraz, tuvo un metraje bastante más corto que las anteriores
entregas del duro policía,130 pero de nuevo fue un gran éxito comercial, tanto que se convirtió
en el filme más taquillero del actor hasta la fecha.131
En 1977 dirigió y protagonizó The Gauntlet (Ruta suicida), en la que pone cuerpo a un policía
adicto a la bebida que debe escoltar a una prostituta, desde Las Vegas hasta Phoenix, para
que pueda testificar en el juicio contra un mafioso. Sin embargo, la misión resulta ser más
difícil de lo esperado, ya que alguien muy poderoso está empeñado en que no lleguen a su
destino. Fue un éxito comercial moderado y los críticos la recibieron con disparidad de
opiniones pues muchos opinaron que era demasiado violenta. Las críticas más duras vinieron
de la némesis habitual del cineasta, Pauline Kael, que dijo del filme que era «un cuento
barnizado con un lenguaje soez y adornado con violencia», mientras que Roger Ebert, por el
contrario, le otorgó tres estrellas y dijo que era «…clásico Clint Eastwood: rápida, furiosa y
divertida».132 En el año 1978 el actor participó en Every Which Way but Loose (Duro de pelar),
de nuevo acompañado por Sondra Locke. En un rol cómico poco habitual, el actor es Philo
Beddoe, un camionero de aspecto bonachón que se hace acompañar por un orangután que
ganó en una apuesta y está enamorado de una cantante llamada Lynn que no quiere
compromisos serios. Este filme, vapuleado por la crítica, fue un éxito de público inesperado y
llegó a ser la película más exitosa del actor hasta entonces. 133
En 1979 Clint Eastwood protagonizó la quinta y última colaboración con su amigo Don
Siegel, Escape from Alcatraz (Fuga de Alcatraz, 1979), en la que recrean la verdadera historia
de Frank Morris, uno de los tres presos que se fugaron en 1962 de la prisión de máxima
seguridad de Alcatraz, en la bahía de San Francisco. El filme fue un éxito rotundo: Stanley
Kauffmann de The New Republic la llamó «cine cristalino»134 y Frank Rich de Time la describió
como «fresca, gracia cinematográfica». Esta producción marcó el inicio de un período de la
carrera de Eastwood muy aclamado por la crítica.135
Década de 1980[editar]

Clint Eastwood en 1981.

En 1980 Eastwood dirigió e interpretó el papel protagonista de Bronco Billy, filme en el que
apareció junto a Sondra Locke, Scatman Crothers y Sam Bottoms. 136 El biógrafo Richard
Schickel asegura que el personaje de Bronco Billy es el más autorreferencial de la carrera del
actor,137 138 aunque la película fue un fracaso comercial.139 La crítica, por su parte, alabó la
cinta: Janet Maslin de The New York Times escribió que era «la mejor y más divertida película
de Clint Eastwood en mucho tiempo», además de elogiar su labor de dirección y la manera
intrincada en que yuxtapone el viejo y el nuevo Oeste. 140 En navidades de ese mismo año se
estrenó la secuela de Duro de pelar, Any Which Way You Can (La gran pelea), que recibió
críticas muy negativas pero fue una de las cinco películas más taquilleras del año. 141
En el año 1982 se estrenó Honkytonk Man (El aventurero de medianoche), basada en la
novela de Clancy Carlile sobre la época de la Gran Depresión. Eastwood volvió a cumplir la
doble función de director y protagonista interpretando a Red Stovall, un cantante enfermo
de tuberculosis al que le dan la oportunidad de actuar en el certamen de música countryGrand
Ole Opry, en Nashville, Tennessee, a donde lo acompaña para grabar una canción su joven
sobrino (interpretado por su hijo Kyle Eastwood). El filme no fue muy bien acogido por la crítica
especializada, que resaltó su poco afortunada mezcla de humor mudo y tragedia. 142 Sin
embargo, en Francia la película fue muy alabada y se la comparó con una obra maestra
como Las uvas de la ira, de John Ford,143 y en la actualidad tiene una excelente calificación en
la web de valoración cinematográfica Rotten Tomatoes.144También en 1982 llegó a los cines
otra cinta dirigida y protagonizada por Eastwood, Firefox, que trata el tema de la Guerra Fría.
Este filme se inspira en la novela homónima que Craig Thomas publicó en 1977. Filmada
antes del estreno de Honkytonk Man en localizaciones de Austria para simular escenarios de
la Unión Soviética,Firefox fue la película más cara rodada hasta entonces por Eastwood, con
un presupuesto de 20 millones de dólares.145En la revista People se comparó la actuación del
actor con «Luke Skywalker atrapado en el alma de Harry, el sucio».145
La cuarta entrega de la saga de Harry, el sucio, titulada Sudden Impact (Impacto súbito, 1983),
no sólo estuvo protagonizada por Eastwood, sino que también se ocupó de la dirección.
Filmada en primavera y verano de 1983, esta cinta es considerada la más oscura y violenta de
toda la saga.146 En esta época el cineasta ya recibía el 60% de todos los beneficios de las
películas que protagonizaba y dirigía, mientras que el resto de los ingresos se los embolsaba
la productora.147 Sudden Impact fue además la última película en la que trabajó con Sondra
Locke, que en esta ocasión hace el rol de una artista que, junto con su hermana, fue violada
diez años atrás. Su hermana quedó en estado vegetativo y por ello busca venganza
asesinando sistemáticamente a todos los violadores. La frase «Anda, alégrame el día»,
pronunciada por Harry en una escena de tiroteo en una cafetería, es una de las más famosas
e icónicas de la historia del cine, entre otras cosas porque fue empleada por el presidente de
los EE.UU. Ronald Reagan en un discurso ante el Congreso y usada durante la campaña
presidencial de 1984.148 149 150 Esta cuarta entrega de Harry Callahan fue la que más dinero
recaudó en taquilla y recibió elogios de la crítica por sus aspectos feministas a través de
exploración de las consecuencias físicas y psicológicas de una violación.151
Tightrope (En la cuerda floja, 1984) es una provocativa película de suspense inspirada en
unos artículos de periódico que relataban las andanzas de un huidizo violador. Ambientada
en Nueva Orleans para evitar la confusión con los filmes deHarry, el sucio,152 en esta ocasión
el personaje de Eastwood es un policía divorciado al que asignan el caso de un violador y
asesino en serie de mujeres que actúa en el famoso y conflictivo Barrio Francés. La
investigación se transforma en un reto psicológico para él cuando descubre que su
personalidad y comportamiento tienen muchos puntos en común con elsadomasoquismo del
asesino.153 La hija del cineasta, Alison, que entonces tenía once años, también aparece en el
filme. Esta producción fue un éxito de crítica y público y consiguió ser el cuarto filme más
taquillero con la clasificación de «sólo para adultos» de 1984. 154 En ese año el actor también
encabezó el cartel, junto a Burt Reynolds, de una comedia ambientada en los años 1930, City
Heat (Ciudad muy caliente), en la que un detective privado y su socio se ven envueltos en un
feo asunto con unos gánsteres durante la Ley Seca. El éxito comercial de esta cinta solo se
vio superado ese año por Beverly Hills Cop (Superdetective en Hollywood), de Eddie
Murphy.155

Los westerns. Un tiempo pasado, el

pionero, el solitario que se las apañaba
por sí mismo, sin el beneficio de la
sociedad. Normalmente tiene algo que ver
con la venganza, se toma la venganza por
su mano, no llama a la policía. Como Robin
Hood. Es la última frontera masculina, un
mito romántico, supongo, aunque es difícil
pensar en nada romántico en la
actualidad. En un western puedes pensar,
Jesús, hubo un tiempo en el que el
hombre estaba solo, a caballo, allí donde
la humanidad todavía no había echado a
perder la tierra.

—Eastwood sobre el atractivo filosófico de

retratar hombres solitarios en los
westerns.156

El cineasta hizo su única incursión en la realización televisiva en 1985, cuando dirigió un

episodio de Amazing Stories titulado «Vanessa en el jardín», protagonizado por Harvey
Keitel y Sondra Locke. Esta fue además su primera colaboración con Steven Spielberg, quien
dos décadas después haría de coproductor en Cartas desde Iwo Jima y Banderas de nuestros
padres.157Eastwood revisitó una vez más el género del western en El jinete pálido, una cinta
dirigida y protagonizada por él que se basa en el filme Shane (Raíces profundas, 1953) y
narra la historia de un misterioso y frío predicador que decide defender a unos colonos que
sufren el acoso de unos mineros durante la Fiebre del oro de California, hacia 1850.158 El título
es una referencia a los cuatro Jinetes del Apocalipsis, uno de los cuales cabalga un caballo
pálido y representa a la Muerte. Asimismo, la historia guarda similitudes con otra película del
director, High Plains Drifter (Infierno de cobardes, 1973) por su retrato de la moralidad y la
justicia, así como por la exploración de lo sobrenatural. 159 El jinete pálido fue uno de los filmes
más exitosos de Eastwood hasta entonces, aclamada como una de las mejores películas del
año y como el mejor western en mucho tiempo. Gene Siskel, delChicago Tribune, escribió que
«Este año (1985) pasará a la historia del cine como el momento en que Clint Eastwood
finalmente se ganó el respeto como artista».160
En 1986 el actor y director coprotagonizó junto a Marsha Mason el drama militar Heartbreak
Ridge (El sargento de hierro), cuya trama gira alrededor de la invasión estadounidense de la
isla caribeña de Granada en 1983. Eastwood pone rostro a un duro sargento de artillería del
cuerpo de Marines y veterano de la guerra de Corea. La producción y rodaje de esta película
se vieron empañados por los desacuerdos de Eastwood con su viejo amigo y productor Fritz
Manes, así como por las quejas sobre el argumento que expresó el Departamento de Defensa
de los Estados Unidos.161 162 En el momento de su estreno la cinta tuvo más éxito comercial
que de crítica,163 aunque hoy en día goza de mayor aprecio.164
En 1988 Eastwood apareció en The Dead Pool (La lista negra), quinto y último filme de la saga
de Harry, el sucio. Dirigida por Buddy van Horn, en el reparto están Patricia Clarkson, Liam
Neeson y un joven Jim Carrey que interpreta a una estrella del rock adicta a las drogas que se
convierte en la primera víctima de una lista de ocho celebridades elaborada por el director de
cine de terror Peter Swan (Neeson). El listado es robado por un fanático que, imitando a su
director favorito, comienza a asesinar a esas celebridades, entre las que está Harry
Callahan. The Dead Pool no tuvo tanto éxito de taquilla como sus predecesoras y en general
se considera la más floja de la saga de Harry Callahan, aunque el prestigioso crítico Roger
Ebert la calificó tan buena como la original.165 166
Entre 1988 y 1992 Eastwood comenzó a trabajar en proyectos más pequeños y personales y
experimentó un parón en su carrera. Siempre interesado en el jazz, dirigió Bird (1988), una
película biográfica sobre el músico Charlie «Bird» Parker, interpretado por Forest Whitaker. El
saxofonista Jackie McLean y el director de cine Spike Lee, hijo del músico de jazz Bill Lee y
habitual detractor del cine de Eastwood, criticaron negativamente el retrato fílmico de Charlie
Parker señalando que no captaba su verdadera esencia y sentido del humor. 167 A pesar de
ello, Eastwood fue galardonado con dos premios Globos de Oro (uno de ellos a mejor director)
y recibió el premio Cecil B. DeMille a su dilatada trayectoria. Bird no triunfó en taquilla, algo
que el cineasta atribuyó al declive del interés por el jazz entre los afroamericanos.168
Jim Carrey volvería a aparecer en otra película de Eastwood, El Cadillac rosa (1989),
coprotagonizada por Bernadette Peters. La trama gira alrededor de
un cazarrecompensas (Eastwood) y un grupo de supremacistas blancos que persiguen a una
mujer inocente que intenta escapar en el preciado coche Cadillac de color rosa de su marido.
La cinta fue un fracaso de crítica y público169 y marcó uno de los momentos más bajos en la
carrera del cineasta.170
Década de 1990[editar]
En 1990 se estrenó Cazador blanco, corazón negro, en la que Clint Eastwood volvió a cumplir
su habitual doble papel de protagonista y director para llevar a la gran pantalla la novela en
clave de Peter Viertel sobre John Huston y el rodaje de la película La reina de África. Filmada
en Zimbabue en el verano de 1989,171 Cazador blanco, corazón negro tuvo cierto éxito entre la
crítica especializada, pero su estreno comercial fue limitado y obtuvo poca recaudación en
taquilla.172 También en 1990 Eastwood dirigió y coprotagonizó junto a Charlie Sheen The
Rookie (El principiante), un filme policíaco de acción. La crítica encontró la trama y la
caracterización muy poco convincentes, aunque elogió sus escenas de acción. 173 La película
no se exhibió en los cines en 1991174 por culpa de una denuncia legal que se interpuso por el
supuesto choque del coche de Eastwood contra el de una mujer, 175 aunque el cineasta ganó el
pleito.174

«Parece más alto, delgado y posee más

misterio que en el filme Por un puñado de
dólares, de Sergio Leone, que se filmó un
cuarto de siglo antes. Los años no lo han
ablandado, le han dado la presencia de
una fuerza feroz de la naturaleza, quizá
otorgada por los paisajes del mítico Oeste
de fines del siglo XIX, más que nunca en su
nueva Unforgiven (Sin perdón)… Esta es su
mejor y más satisfactoria interpretación
desde la infravaloradaHeartbreak
Ridge (El sargento de hierro). No hay nadie
como él».

—Vincent Canby, de The New York Times,

sobre el papel de Eastwood
en Unforgiven (Sin perdón).176
Eastwood revisitó el género del western por última vez en 1992, cuando dirigió y protagonizó
la universalmente aclamada Unforgiven (Sin perdón). William Munny (Eastwood) es un
pistolero retirado, viudo y padre de familia, que tiene dificultades económicas para sacar
adelante a sus hijos y por ello su única salida es hacer un último trabajo. El guion de la
película estaba escrito desde 1976 y había tenido títulos como The Cut-Whore Killings y The
William Munny Killings, pero el director había retrasado el proyecto hasta que él fuera lo
suficientemente mayor para interpretar de forma creíble al protagonista y saborear su último
personaje en un western.174 Unforgiven fue un tremendo éxito de crítica y público: Jack
Methews, deLos Angeles Times, la describió como «el mejor western clásico desde The
Searchers (Centauros del desierto, 1956) de John Ford».177 La película fue nominada a
nueve premios Óscar178 y ganó cuatro, entre ellos mejor película ymejor director para
Eastwood. En junio de 2008 Unforgiven apareció en el cuarto lugar de la lista de los mejores
western norteamericanos elaborada por el American Film Institute, solo por detrás
de Shane (Raíces profundas, 1953), High Noon (Solo ante el peligro, 1952) y Centauros del
desierto.179 180
Frank Horrigan es el nombre del agente del servicio secreto que Eastwood interpreta en En la
línea de fuego (1993), dirigida por Wolfgang Petersen y coprotagonizada por John
Malkovich y Rene Russo. Horrigan es un agente atormentado por no haber podido impedir el
asesinato del presidente John F. Kennedy.181La cinta fue una de las diez más taquilleras de
ese año e ingresó más de 200 millones de dólares solo en los EE.UU.182También en 1993
llegó a los cines la nueva película dirigida por Eastwood, Un mundo perfecto. Kevin
Costner protagoniza una historia ambientada en los años 1960183 e interpreta a un convicto
fugado que emprende una huida por carretera junto a un niño (T.J. Lowther) mientras es
perseguido por un Ranger de Texas (Eastwood). Janet Maslin de The New York
Times escribió que este filme es el punto culminante de la carrera de Eastwood detrás de las
cámaras184 y a día de hoy sigue siendo considerado uno de sus trabajos como director más
infravalorados.185 186

Clint Eastwood en elFestival de Cannes de 1994.

Durante el Festival de Cannes de 1994 Clint Eastwood recibió la medalla de la Orden de las

Artes y las Letras de Francia187 y en mayo de 1995 fue galardonado con el Premio en memoria
de Irving Thalberg durante la 67.ª Entrega de los Premios Óscar.188 También en 1995 se
estrenó una de sus películas más aclamadas, Los puentes de Madison, un drama romántico
junto a Meryl Streep. La película se basa en una novela de Robert James Waller189 que relata
la breve historia de amor entre Robert Kincaid (Eastwood), fotógrafo de la revista National
Geographic, y un ama de casa de ascendencia italiana que vive en una granja, Francesca
(Streep). A pesar de que la novela no había recibido buenas críticas y de que su historia no
parecía muy apta para una adaptación cinematográfica, la habilidad de Eastwood como
director la convirtió en un éxito crítico y comercial. 190 Roger Ebert escribió sobre la película:
«Streep y Eastwood tejen un hechizo, y está basada en ese particular conocimiento del amor
y de uno mismo que se consigue en la madurez». 191 Los puentes de Madison fue nominada al
Globo de Oro a mejor película y ganó un premio César en Francia a mejor película extranjera,
mientras que Meryl Streep obtuvo sendas nominaciones al Globo de Oro y el premio Óscar.

«Los papeles que ha interpretado

Eastwood y las películas que ha dirigido no
se pueden desligar de la naturaleza de la
cultura norteamericana del último cuarto
 de siglo, sus fantasías y sus realidades».

—El escritor Edward Gallafent

comentando el impacto de Eastwood en el
cine de 1970 a 1990.

En 1997 se estrenó Poder absoluto, un filme de suspense político nuevamente dirigido y

protagonizado por Eastwood y con Gene Hackman, villano en Unforgiven, en uno de los
papeles principales. El protagonista es un veterano ladrón que es testigo involuntario de un
asesinato que involucra al Presidente de los Estados Unidos. La cinta recibió críticas
dispares.192 A finales de ese año llegaba a los cines su nuevo proyecto, Medianoche en el
jardín del bien y del mal, inspirada en el libro de John Berendt y con John Cusack, Kevin
Spacey y Jude Law en los papeles principales. Al igual que con la otra película del director
estrenada ese año, la crítica no se mostró muy entusiasmada. 193 Dos años después, en 1999,
Eastwood rodó True Crime (Ejecución inminente), en la que se pone en la piel de un periodista
que se está recuperando de su adicción al alcoholismo y que descubre que un preso que va
ser ejecutado (interpretado por Isaiah Washington) es en realidad inocente. Su hija en la vida
real,Francesca, hace el papel de su hija en la ficción. True Crime fue recibida con tibieza entre
la crítica y fracasó en taquilla, pues solo recaudó la mitad de su presupuesto y fue su película
menos exitosa de toda la década sin contar a Cazador blanco, corazón negro, que tuvo un
estreno muy limitado.194
Década de 2000[editar]
Space Cowboys, dirigida y protagonizada por Eastwood, se estrenó en el año 2000 con un
elenco protagonista que completaban Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner.
Los cuatro forman un grupo de veteranos expilotos de pruebas que son enviados al espacio
para reparar un viejo satélite soviético. La banda sonora original fue compuesta por el propio
Eastwood y por Lennie Niehaus. Space Cowboys fue elogiada por casi toda la
crítica,195 aunque Roger Ebert señaló que estaba «demasiado segura dentro de su estructura
de historia tradicional para hacerla parecer arriesgada». 196En taquilla también tuvo éxito pues
recaudó unos 90 millones, más que las dos películas anteriores del cineasta juntas. 197En 2002
veía la luz el filme de suspense Deuda de sangre, en la que Eastwood es un exagente del FBI
que persigue a un asesino sádico (Jeff Daniels) en una historia que se inspira lejanamente en
la novela homónima de Michael Connellypublicada en 1998. Este nuevo filme no funcionó en
taquilla y la crítica se mostró dividida en su valoración, pues en la web Rotten Tomatoes la
describen como «bien hecha, pero lastrada por un ritmo aletargador». 198 A pesar de esas
valoraciones, Eastwood recibió por esta película el premio Future Film Festival Digital en
el Festival de Venecia de ese año.

Clint es un verdadero artista en todos los

aspectos. A pesar de los años que lleva en
lo más alto y de las películas legendarias
que ha hecho, siempre nos hace sentir a
gusto y valorados en los rodajes,
tratándonos como iguales.

—El actor Tim Robbins sobre su trabajo

con Eastwood.8
En 2003 Eastwood estrenó una película en la que únicamente cumplía funciones de
director, Mystic River, un drama muy sombrío que relata la historia de dos tragedias
separadas por veinticinco años, un secuestro con abusos sexuales y un asesinato, que tienen
como nexo de unión a tres amigos (interpretados por Sean Penn, Kevin Bacon y Tim
Robbins). La película funcionó bien comercialmente, fue muy aplaudida por la crítica y ganó
dos premios Óscar, mejor actor para Penn y mejor secundario para Robbins, además de otras
dos nominaciones, a mejor director y mejor película.199 La cinta obtuvo una buena recaudación
comercial200 y además, Eastwood fue nombrado mejor director del año por el Círculo de
Críticos de Londres y por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de Estados Unidos.
Al año siguiente llegó a los cines la que quizá es la película más alabada de Clint Eastwood
desde Unforgiven, Million Dollar Baby, un drama sobre el mundo del boxeo en la que el
cineasta es director, productor, compositor de la banda sonora y protagonista. Frankie Dunn
(Eastwood) es un entrenador solitario y adusto que regenta un gimnasio y que acepta a
regañadientes preparar a una voluntariosa boxeadora, Maggie Fitzgerald (Hilary
Swank). Million Dollar Baby fue un rotundo éxito de crítica y ganó cuatro premios Óscar, a
mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor actor secundario (Morgan Freeman).201 De
esta manera, a sus 74 años Eastwood se convirtió en el más anciano de los dieciocho
directores de cine que han dirigido dos o más filmes ganadores del Óscar a mejor
película.202 203 Además, fue nominado a mejor actor y a los premios Grammy como autor de la
banda sonora.204 El crítico A. O. Scott de The New York Times no dudó en calificar la nueva
creación del cineasta como una «obra maestra» y en elegirla mejor película del año. 205

Clint Eastwood en 2005.

En 2006 dirigió dos películas sobre la batalla de Iwo Jima librada durante la Segunda Guerra
Mundial. La primera, Flags of Our Fathers (Banderas de nuestros padres), contaba la historia
de los soldados norteamericanos que izaron la bandera de su país en lo alto del monte
Suribachi de la isla de Iwo Jima y además fue el debut cinematográfico del hijo del
cineasta, Scott. La segunda película sobre este conflicto fue Cartas desde Iwo Jima, que
muestra los preparativos japoneses para la defensa de la pequeña isla y las cartas que
enviaron a casa a sus seres queridos.Cartas desde Iwo Jima fue la primera película
estadounidense en retratar un conflicto íntegramente desde el punto de vista de su
enemigo.206 Ambos filmes se ganaron los elogios de la crítica y varias nominaciones a los
premios Óscar, entre ellas mejor director, mejor película y mejor guion original para Cartas
desde Iwo Jima, mientras que en los Globos de Oro, Eastwood fue nominado a mejor director
por ambas producciones y Cartas desde Iwo Jima recibió el premio a la mejor película en
lengua no inglesa.
La siguiente película del cineasta fue Changeling (El intercambio, 2008), un drama basado en
una historia real sucedida en los años 1920. Angelina Jolie protagoniza la historia de una
madre soltera cuyo hijo desaparece sin dejar rastro. Algunos meses después, la policía le
comunica que ha encontrado al niño, aunque nada más verlo se da cuenta de que es un
impostor.207 Esta producción recaudó 110 millones de dólares, la mayoría fuera de su país de
origen,208 y fue muy alabada; Damon Wise de la revista Empire la describió como
«impecable»209 y Todd McCarthy de Variety dijo que era «emocionalmente poderosa». 210 Una
vez más el trabajo de Eastwood tras las cámaras se vio recompensado con nominaciones a
los Globos de Oro por la banda sonora, a mejor dirección en los premios BAFTA británicos y a
director del año por el Círculo de Críticos de Londres.
Ese mismo año el actor puso fin a cuatro años sin actuar en una película 211 con su papel
protagonista en Gran Torino, un filme en el que también dirige, produce y compone parte de la
banda sonora junto a su hijo Kyle y a Jamie Cullum. El biógrafo Marc Eliot describió el
personaje del actor en esta película como una «amalgama del Hombre sin nombre, Harry el
sucio y William Munny, aquí envejecidos y cínicos, pero dispuestos y capaces de luchar
cuando surgiera la necesidad». 212La recaudación de esta producción en su primer fin de
semana en cartelera ascendió a 30 millones de dólares y en total llegó a sumar 268 millones,
lo que la sitúa como una de las películas más taquilleras de toda la carrera de Clint
Eastwood.213
La película número treinta dirigida por Eastwood fue Invictus (2009), basada en la verdadera
historia de la selección de Sudáfrica que ganó la Copa Mundial de Rugby de 1995. Morgan
Freeman hace de Nelson Mandela y Matt Damon del capitán del equipo, François
Pienaar.214 Las críticas a este drama deportivo fueron en general positivas: Roger Ebert le
otorgó tres estrellas y media y la describió como «una película muy buena, con momentos que
evocan gran emoción»,215 y Todd McCarthy afirmó que «el filme de Clint Eastwood tiene una
trayectoria predecible, pero todas las escenas rebosan detalles sorprendentes que se
acumulan en una rica creación de historia, impresiones culturales y emoción». 216 Por esta
producción el cineasta fue nominado a mejor director en la 67.ª edición de los Globos de Oro.
Década de 2010[editar]
2010 fue el año de estreno del nuevo drama del director, Hereafter (Más allá de la vida), en la
que narra paralelamente la historia de tres personajes que han tenido algún tipo de contacto
con la muerte. En esta producción el cineasta volvió a contar con el actor Matt Damon, que
interpreta a un psíquico. La premier de la película se celebró en el Festival Internacional de
Cine de Toronto en septiembre de 2010217 218 y recibió críticas dispares. La página web Rotten
Tomatoesconcluye que «a pesar de su premisa reflexiva y del estilo típico de Eastwood como
director, Hereafter no consigue ser un drama convincente y se queda a medio camino entre el
sentimentalismo patético y el tedio». 219 Ese mismo año el cineasta ejerció de productor
ejecutivo de un documental para el canal de televisión Turner Classic Movies (TCM) sobre el
pianista de jazz Dave Brubeck con la intención de conmemorar el noventa aniversario de su
nacimiento.220

Todo el mundo se pregunta por qué sigo

trabajando a esta edad. Sigo trabajando
porque siempre hay nuevas historias...
Mientras la gente quiera que se las
cuente, lo seguiré haciendo.

—Eastwood sobre su dilatada carrera.221

Al año siguiente, en 2011, Eastwood dirigió una película biográfica titulada J. Edgar, sobre el
que fuera durante varias décadas director del FBI, John Edgar Hoover, conLeonardo
DiCaprio en la piel del biografiado.222 El consenso en Rotten Tomatoes fue que «DiCaprio
ofrece una actuación predeciblemente potente, pero J. Edgartropieza en todos los demás
aspectos».223 Roger Ebert opinó que el filme era «fascinante» y «magistral», y elogió la
actuación del protagonista, mientras que David Edelstein, del New York Magazine, también
alabó a DiCaprio pero dijo «es una lástima que J. Edgar sea tan deforme y torpe, con tantas
líneas malas y lecturas peores». 224 En enero de 2011 se anunció que Clint Eastwood estaba
en conversaciones con la cantante Beyoncé Knowles para que protagonizara una
tercera adaptación de la película de 1937Ha nacido una estrella,225 pero el proyecto tuvo que
ser pospuesto debido al embarazo de la artista. En 2012 el actor volvió a ponerse delante de
las cámaras a sus 82 años en un drama sobre el mundo del béisbol titulado Trouble with the
curve (Golpe de efecto), en el que interpreta a un veterano ojeador de jugadores de béisbol.
La cinta la dirige Robert Lorenz, asistente de dirección de Eastwood en varias películas. 226
Centrado plenamente en su labor como director, en 2014 se estrenaron dos películas dirigidas
por Eastwood. En junio llegó a los cines Jersey Boys, un filme biográfico musical que adapta a
la gran pantalla el espectáculo teatral del mismo título, ganador de un premio Tony, y que
cuenta la historia del grupo musical The Four Seasons.227 Mayor resonancia tuvo la otra
película del director californiano, American Sniper, que se estrenó en diciembre de ese año.
La historia, que en principio iba a dirigir Steven Spielberg, se centra en el francotirador del
ejército estadounidense Chris Kyle, que intervino en la Guerra de Irak. A pesar de las críticas
negativas que recibió por su retrato del militar estadounidense, este filme tuvo un gran éxito
entre el público y se convirtió en el más taquillero del año 2014 y de toda la carrera de
Eastwood.228 La película fue nominada a seis categorías en los premios Óscar 2014, incluida
Mejor película, y ganó el galardón a la Mejor edición de sonido. 229
Director[editar]

Clint Eastwood en elFestival de Cannes de 2008.

Desde su ópera prima como director en 1971, Play Misty for Me (Escalofrío en la noche), Clint
Eastwood ha dirigido más de treinta películas en su dilatada carrera cinematográfica,
desde westerns, a filmes de acción y dramas. Es uno de los pocos actores que se han puesto
detrás de las cámaras y han conseguido la aclamación del público y la crítica. La revista The
New Yorker resumió que, a diferencia de Eastwood:230
John Ford sólo actuó en unas pocas películas mudas; Howard Hawks nunca fue actor.Clark
Gable, Gary Cooper, Spencer Tracy, James Stewart, Cary Grant, Humphrey Bogart,William
Holden, Steve McQueen y Sean Connery nunca dirigieron un largometraje. John Wayne solo
dirigió dos películas y no muy bien, al igual que Burt Lancaster. Paul Newman, Jack
Nicholson, Warren Beatty, Robert Redford, Robert De Niro y Sean Pennúnicamente han
dirigido unas pocas películas cada uno con diverso éxito de crítica y público.
Desde los inicios de su carrera a Eastwood le frustraba la insistencia de los directores en que
las escenas se filmaran varias veces y se perfeccionaran. Por ello, cuando empezó a dirigir en
1970 intentó evitar de forma consciente algunos aspectos de la labor de dirección que no le
habían gustado en su etapa como actor. Eastwood es famoso por su eficiente forma de dirigir
y su habilidad para reducir la duración de los rodajes y mantener el presupuesto bajo control.
Normalmente no deja que los actores ensayen y busca que todas las escenas se completen
en la primera toma.231 232 La rapidez de filmación de Eastwood ha sido comparada con la
de Woody Allen, Ingmar Bergman, Jean-Luc Godard o los hermanos Coen. En algunas
películas en las que en principio solo iba a actuar también ha llegado a cumplir funciones de
director si consideraba que el rodaje se desarrollaba con lentitud, como hizo en The Outlaw
Josey Wales (El fuera de la ley, 1976).230 Mientras prepara una película raramente
usa storyboards para esbozar el plan de rodaje233 234235 y también intenta reducir los detalles de
fondo de los personajes en el guion para que el público se involucre más en las
historias,236 pues considera que la imaginación de los espectadores es un requisito
indispensable para establecer una conexión con ellos. 236 237 Eastwood afirma que plantea el
argumento de sus películas para dar a la audiencia los detalles necesarios, pero no «tantos
como para insultar su inteligencia».238
Según la revista Life, «El estilo de Eastwood es disparar primero y actuar después. Dibuja a
sus personajes casi sin palabras».239 Los entrevistadores Richard Thompson y Tim Hunter
apuntaron que las películas de Eastwood tienen «un ritmo magnífico: sin prisas, frescas,
tienen un gran sentido del tempo, independientemente de la velocidad de la narración». 240 Por
su parte, Ric Gentry considera que el ritmo narrativo del cineasta es «relajado y
tranquilo».241Eastwood suele emplear una iluminación tenue y de mucho contraste que le da a
sus filmes un aspecto similar al del cine negro.232 242 La frecuente exploración en su filmografía
por los valores éticos ha llamado la atención de los estudiosos, que han explorado el trabajo
de Eastwood desde perspectivas éticas y teológicas, incluido su retrato de la justicia, la
misericordia o el suicidio.243

Política[editar]

Eastwood junto al actor Louis Gossett, Jr. y al presidente Ronald Reagan en julio de 1987.

Clint Eastwood se afilió al Partido Republicano de los Estados Unidos para votar

aDwight D. Eisenhower en 1952 y apoyó las campañas presidenciales de Richard
Nixon en 1968 y 1972. Sin embargo, durante el escándalo Watergate el actor
criticó la moral de Nixon y luego su gestión de la guerra de Vietnam, a la que llamó
«inmoral».295 296 En esta línea, Eastwood tampoco aprobó las guerras
de Corea,Afganistán o Irak porque opina que Estados Unidos no debe ser tan
militarista ni jugar el papel de policía del mundo. 297 298 299 El cineasta se considera a
sí mismo «demasiado individualista para ser de derechas o de izquierdas»; 300 se
describió en 1974 como «políticamente moderado» 295 y en 1997 como
«libertario».301Eastwood ha afirmado que no se ve como conservador ni tampoco
de izquierdas,302 aunque algunas veces ha apoyado a los Demócratas en
California.303 Autoproclamado «liberal en los derechos civiles», 295 Eastwood ha
manifestado su apoyo al derecho al aborto, 301 al matrimonio homosexual302 y ha
contribuido a grupos que apoyan la Enmienda de Igualdad de Derechos para las
mujeres, que no fue ratificada en 1982.304 En 1999 declaró: «Supongo que era
un liberalista social y un conservador fiscal antes de que esto se pusiera de
moda».305 Diez años después, en 2009, Eastwood dijo que era Libertario.306

A pesar de estar fuertemente asociado a las armas de fuego en sus películas del
oeste y de acción, Eastwood ha apoyado públicamente el control de las armas
desde 1973.307 En 1976 dijo que «Todas las armas deben estar registradas. No
creo que a los dueños de armas legítimas les importara este tipo de
legislación».308 En 1995 Larry King publicó en el periódicoUSA Today una
entrevista a Eastwood en la que el actor y director le había dicho que él siempre
había estado a favor del control de las armas y que se preguntó: «¿Para qué
podría nadie necesitar o querer un arma de asalto?». 309
Eastwood como portavoz de Take Pride in America en 2005.

Como político, Clint Eastwood ha hecho exitosas incursiones en la política local y

nacional. En abril de 1986 ganó las elecciones a alcalde (con una candidatura
independiente) en su localidad de adopción, Carmel-by-the-Sea, en California, que
es una rica y pequeña villa con una importante comunidad de artistas situada en
lapenínsula de Monterey.310 Durante su legislatura de dos años, Eastwood apoyó
los intereses de las pequeñas empresas, defendió el medio ambiente y construyó
un anexo a la biblioteca, baños públicos, paseos marítimos y un aparcamiento
para turistas.311 312 En 2001 Eastwood fue nombrado por el gobernador Gray
Davispara la California State Park and Recreation Commission 313 y reelegido en
2004 por el gobernador Arnold Schwarzenegger.313 En su puesto de
vicepresidente de la comisión, en 2005 lideró junto al presidente Bobby Shriver el
movimiento que se opuso a la construcción de un tramo de una autopista que
atravesaría la playa de San Onofre, y en 2006 ambos apoyaron una demanda
para bloquear la construcción de esta carretera, algo que consiguieron en febrero
de 2008.314 Solo un mes después Eastwood y Shriver no resultaron reelegidos
para la comisión al término de sus mandatos, 314 algo que llevó a la Natural
Resources Defense Council a solicitar una investigación sobre esta decisión. 315 En
abril de 2004 el gobernador Schwarzenegger nombró a Eastwood para la
California Film Commission.316 El actor y director también ha actuado de portavoz
de Take Pride in America, una agencia del Departamento del Interior de los
Estados Unidos que aboga por asumir la responsabilidad sobre los recursos
naturales, culturales e históricos del país.317

Durante las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2008 Eastwood dijo

que votaría al candidato republicano John McCain,318 a quien afirmaba conocer
desde 1973, cuando el político estaba recién liberado como prisionero de guerra.
Eastwood dijo sobre él: «Lo conocí hace años cuando regresó de Vietnam. Esto
fue cuando Reagan era gobernador de California e hizo una gran labor por todos
los prisioneros de guerra liberados. Pensé que era un tipo estupendo, un
verdadero héroe estadounidense». No obstante, Eastwood demostró su
patriotismo tras la victoria de Barack Obamadiciendo que «Obama es ahora mi
presidente y voy a desearle suerte porque es lo mejor para todos». 319 En 2010 su
opinión no era tan políticamente correcta: «No soy muy partidario de lo que está
haciendo Obama… No creo que esté rodeado de la gente que debería». 320 En
enero de 2011 dijo en una entrevista en el Daily Mail: «Me encanta el hecho de
que Obama sea multirracial, pensé que era genial pues mi esposa también es
mestiza. Pero sentí que era un novato y resultó que no tenía experiencia en la
toma de decisiones». Sobre McCain dijo: «Voté a McCain, no porque fuera
republicano, sino porque él había estado en una guerra (en Vietnam) y pensé que
podría comprender la guerra en Irak mejor que alguien que no había estado en
ninguna. No estaba de acuerdo con él en otras muchas cosas». 299

En agosto de 2010 el cineasta escribió al ministro de Hacienda del Reino

Unido, George Osborne, para protestar por el cierre del UK Film Council, el
organismo público que se encargaba de la promoción del cine británico,
advirtiendo que su desaparición haría descender el número de compañías
extranjeras que querrían filmar en el país.321

El 3 de agosto de 2012 Eastwood asistió a un acto para recaudación de fondos

para el candidato republicano Mitt Romney, afirmando que Romney impulsaría al
país y «restauraría un sistema de impuestos decente… así habría una equidad y
la gente no se enfrentaría porque unos pagan y otros no». 322 En su discurso en
la Convención Nacional Republicana de 2012 el actor y director habló a una silla
vacía simulando que Obama estaba sentado en ella. 323

Música[editar]
Clint Eastwood ha sido un apasionado de la música toda su vida. Sus géneros
musicales favoritos son el jazz(especialmente el estilo bebop), el blues, el rhythm
and blues, la música clásica y el country. Algunos de sus músicos favoritos
son Charlie Parker y Lester Young, los pianistas Thelonious Monk, Oscar
Peterson, Dave Brubeck y Fats Waller y el artista del blues Robert
Johnson.324 Eastwood es pianista y compositor325 y el jazz ha jugado un papel
importante en su vida desde su juventud. Aunque nunca se ha dedicado de forma
profesional a la música, el cineasta ha contagiado esta pasión a su hijo Kyle, que
es un reconocido bajista de jazz y compositor. Eastwood fue pianista de boogie-
woogie en su juventud y tuvo intención de abrirse camino en el mundo de la
música estudiando un grado tras finalizar los estudios secundarios. A fines de
1959 produjo el álbum Cowboy Favorites, puesto a la venta por el sello Cameo.325
El actor y director tiene un acuerdo con Warner Bros. Records y distribuye su
música con el sello Malpaso Records como parte de su contrato con la productora
de cine Warner Bros. Así han salido a la venta todas las bandas sonoras de sus
películas desde Los puentes de Madison. Eastwood coescribió «Why Should I
Care» junto a Linda Thompson y Carole Bayer Sager, una canción que fue
interpretada por Diana Krall.326 También compuso las bandas sonoras de las
películasMystic River, Million Dollar Baby, Flags of Our Fathers, Grace Is
Gone, Changeling, Hereafter y J. Edgar, además de las piezas de piano que
suenan en el filme En la línea de fuego y la canción que suena en los créditos
de Gran Torino, cantada por él mismo.290 La música que Eastwood compuso para
el filme Grace Is Gone, estrenado en 2007, fue nominada a dos Globos de Oro 327 y
ganó el premio Satellite a mejor canción. Changeling fue nominada a mejor banda
sonora en los premios Critics Choice, en los Globos de Oro y en los premios
Saturn. En el año 2007 Eastwood recibió un doctorado honoris causa en música
por el Berklee College of Music durante el Festival de Jazz de Monterrey, del que
es un activo miembro organizador.328

Premios[editar]
Premios Óscar

Año Premio Película Resultado

Mejor director Unforgiven Ganador

199
Mejor película Unforgiven Ganador
2
Mejor actor Unforgiven Nominado

199
Premio Irving Thalberg Ganador
4

Mejor director Mystic River Nominado

200
3
Mejor película Mystic River Nominado

200 Mejor director Million Dollar Baby Ganador

 Mejor película Million Dollar Baby Ganador
4
Mejor actor Million Dollar Baby Nominado

Cartas desde Iwo

Mejor director Nominado
Jima
200
6
Cartas desde Iwo
Mejor película Nominado
Jima

201
Mejor película American Sniper Nominado
4

Clint Eastwood ha sido galardonado con numerosos premios y distinciones por su

extensa carrera en el cine, la televisión y la música. Sus mayores aportaciones
han sido al mundo del cine y por ello ha recibido premios Óscar, premios del
Sindicato de Directores de los Estados Unidos, premios Globos de Oro y premios
People's Choice, entre muchos otros. Es una de las dos personas, junto a Warren
Beatty, que ha sido nominado dos veces a mejor actor y mejor director por las
mismas películas (Sin perdón y Million Dollar Baby). Asimismo, junto a
Beatty, Robert Redford, Richard Attenborough, Kevin Costner y Mel Gibson, es
uno de los pocos actores de renombre que han recibido un Óscar a mejor director.
En 2005 se convirtió en uno de los tres directores vivos (los otros dos son Miloš
Forman y Francis Ford Coppola) que ha dirigido dos filmes ganadores del Óscar a
mejor película.329 Además, a sus 74 años pasó a ser el más anciano galardonado
con el premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas a mejor
director. Eastwood ha dirigido a cinco actores ganadores del premio Óscar a la
mejor interpretación: Gene Hackman por Sin perdón, Tim Robbins y Sean
Penn por Mystic River y Morgan Freeman y Hilary Swank por Million Dollar Baby.

El 22 de agosto de 1984 Eastwood fue honrado en una ceremonia en el Teatro

Chino de Los Ángeles en la que grabó en cemento las impresiones de sus manos
y pies.330 En 1996 recibió el premio a toda una vida del American Film Institute y
en 2009 esta misma institución le otorgó un doctorado honoris causa. El 6 de
diciembre de 2006 el entonces gobernador de California, Arnold Schwarzenegger,
incluyó a Clint Eastwood en el Salón de la Fama de California que se encuentra en
The California Museum.331 En 2007 fue investido con la mayor distinción civil de
la República Francesa, la Legión de Honor, que le entregó en París el presidente
francés Jacques Chirac tras afirmar que el actor encarna «lo mejor de
Hollywood».332En octubre del 2009 le entregaron el premio Lumière (bautizado así
en honor de los Hermanos Lumière, inventores delcinematógrafo) durante la
primera edición del Festival Lumière de Lyon. Este premio honra toda su carrera y
sus grandes contribuciones al Séptimo Arte. En febrero de 2010 el presidente de
los Estados Unidos, Barack Obama, le galardonó con un premio de artes y
humanidades y describió sus películas como «ensayos de individualidad, verdades
duras y la esencia de lo que significa ser estadounidense». 333

Clint Eastwood también tiene al menos tres doctorados honoris causa otorgados
por universidades, entre ellos uno que le entregó la Universidad del Pacífico en
2006, otro de doctor en letras por la Universidad del Sur de California en 2007 y un
doctorado en música del Berklee College of Music que le fue otorgado el 22 de
septiembre de 2007 durante el Festival de Jazz de Monterrey.334 335 El 22 de julio
de 2009, recibió de manos del emperador Akihito de Japón la Orden del Sol
Naciente, de 3.ª Clase, por sus notables contribuciones a la mejora de las
relaciones entre Japón y Estados Unidos.