Martin Scorsese

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Martin Scorsese

Información personal

Nombre de
Martin Charles Scorsese
nacimiento

Nacimiento 17 de noviembre de 1942 (77 años)

Queens (Estados Unidos)

Nacionalidad Estadounidense e italiana

Religión Catolicismo

Familia

Padres Charles Scorsese

Catherine Scorsese

Cónyuge Laraine Marie Brennan (1965-1971)

Julia Cameron (1976-1977)

 Isabella Rossellini (1979-1982)

Barbara De Fina (1985-1991)

Helen Schermerhorn Morris (desde 1999)

Educación

Educado en New York University Tisch School of the

Arts

Información profesional

Ocupación Productor de cine, actor de cine, director

de cine, guionista, editor de cine, actor de
voz y director de televisión

Cargos Presidente del jurado del Festival de

ocupados Cannes

Años activo desde 1959

Empleador Universidad de Nueva York

Miembro de Academia Estadounidense de las Artes y las

Ciencias

Sindicato de directores de Estados

Unidos

Firma

[editar datos en Wikidata]

Martin Charles Scorsese (Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es

un director, guionista y productor de cine estadounidense.1 Con una trayectoria que abarca más
de cincuenta años, las películas de Scorsese abordan temáticas relacionadas con el catolicismo, la
identidad italoestadounidense o la criminalidad,2 caracterizándose por su violencia, uso
del lenguaje vulgar, estar ambientadas en la ciudad de Nueva York y la inclusión de canciones
pop, rock y clásicas en la banda sonora.3 El origen italiano y católico de su familia, su infancia
en Little Italy y su afición por el cine italiano y estadounidense de las décadas de 1940 y 1950, iba a
influenciar su obra como cineasta.Nota 1
Durante su formación como cineasta y poco después de graduarse en la Universidad de Nueva
York, realizó sus primeros cortometrajes y el largometraje Who's That Knocking at My
Door (1967). Posteriormente, captó la atención de la crítica con la cinta de gánsteres Mean
Streets (1973), donde el estilo que lo iba a caracterizar como director se hizo evidente.Nota 2
Logró catapultarse como parte del Nuevo Hollywood dirigiendo los filmes dramáticos Taxi
Driver (1976) y Toro salvaje (1980), que consolidaron su posición de prestigio gracias su éxito
crítico y las candidaturas a diversos galardones, incluyendo el Óscar.Nota 3 Durante esa época
además, Robert De Niro comenzó a actuar bajo su dirección, una asociación que se iba a repetir en
nueve largometrajes. Después de una década de resultados desparejos, regresó a su mejor nivel
como realizador con Goodfellas (1990).6

Aunque es conocido por dirigir cintas de gánsteres gracias a la popularidad

de Goodfellas, Casino (1995) o El irlandés (2019), Scorsese ha demostrado versatilidad explorando
diversos géneros.7 Su filmografía también comprende el musical New York, New York (1977), las
comedias negras El rey de la comedia (1983) y After Hours (1985), el thriller psicológico Cape
Fear (1991) y el drama romántico La edad de la inocencia (1993). Su carrera tampoco estuvo
exenta de controversias, como la desatada a partir de su retrato de Jesús en La última tentación
de Cristo (1988) o la censura sufrida por Kundun (1997) de parte del gobierno comunista
chino.Nota 4 Hacia el comienzo del nuevo milenio sus producciones comenzaron a contar con
mayores presupuestos, acompañados en algunos casos de éxitos comerciales sin precedentes en
su carrera.10 El drama histórico Gangs of New York (2002) marcó el comienzo de su colaboración
con Leonardo DiCaprio, quien actuó en cinco de sus largometrajes, incluyendo la película
biográfica El aviador (2004), el thriller psicológico Shutter Island (2010) y la sátira de humor
negro El lobo de Wall Street (2013). Además dirigió el drama de aventura Hugo (2011) y el drama
histórico Silencio (2016).

Tras repetidas nominaciones, Scorsese ganó el Óscar al mejor director gracias a su trabajo en
el thriller policial The Departed (2006). Con nueve candidaturas al Óscar como mejor director, es el
director vivo con más nominaciones en esa categoría y el segundo en la historia.11 Además del
Óscar, se ha hecho acreedor de múltiples galardones, entre ellos los premios Globo de
Oro, BAFTA, Primetime Emmy, SAG, Palma de Oro, el premio del Festival de Cannes al mejor
director y el León de Plata a la mejor dirección. El impacto de su cine en la cultura lo ha llevado a
transformarse en uno de los directores más influyentes y es, en opinión del crítico de cine Roger
Ebert, el «mejor director estadounidense en actividad».12 Varias de sus películas han sido
seleccionadas entre las mejores de todos los tiempos por organizaciones como el American Film
Institute o las revistas Sight and Sound y Empire.Nota 5

Su labor no está limitada a la dirección de largometrajes de ficción. En sus inicios consiguió

trabajos como montador, participando en la realización del documental Woodstock (1970),17 y
resultó seleccionado por su mentor John Cassavetes para trabajar como asistente de edición de
sonido en Minnie and Moskowitz (1971).18 Trabajando para la televisión, fue director ejecutivo y
dirigió los episodios piloto de las series de HBO Boardwalk Empire (2010) y Vinyl (2016). Como
aficionado a la música, ha dirigido una amplia gama de documentales relacionados al tema,
incluyendo The Last Waltz (1978), considerado por algunos críticos como uno de los mejores
documentales de música de todos los tiempos.19 También dirigió No Direction
Home (2005), Shine a Light (2008), George Harrison: Living in the Material World (2011) y Rolling
Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese (2019). Asimismo, parte de sus esfuerzos
están dedicados a la preservación de películas mediante The Film Foundation, una organización
fundada con dichos fines en 1990.20

Índice

1Primeros años

2Carrera

2.1Inicios

2.2Años 1970

2.3Años 1980

2.4Años 1990

2.5Años 2000

2.6Años 2010

2.7Años 2020

3Otros trabajos

3.1Preservación de películas

3.2Proyectos incompletos

4Filmografía

5Características como cineasta

5.1Técnicas cinematográficas

5.2Temáticas

5.3Influencias

5.4Colaboradores frecuentes

6Vida personal

7Controversias

8Premios y reconocimientos

9Legado

9.1Influencia

10Notas
11Referencias

12Bibliografía

13Enlaces externos

Primeros años[editar]

Scorsese nació en la ciudad de Nueva York el 17 de noviembre de 1942 como el segundo de los
dos hijos de Charles Scorsese (1913-1993), planchador de ropa y actor, y Catherine
Scorsese (Cappa, de soltera; 1912-1997), costurera y actriz; ambos trabajaban en el Garment
District.21 Al momento de su nacimiento, la familia —originaria de Little Italy (Manhattan)— se
trasladó al distrito de Queens, primero para vivir en el barrio de Sunnyside y más tarde
en Corona.22 Sin embargo, a causa de un problema con el arrendador,22 en 1949 la familia se
mudó de vuelta a Little Italy.2324 Scorsese llegó junto a su hermano y sus padres al pequeño
barrio de Little Italy para vivir por seis meses en un abarrotado apartamento en el número 232 de
la Elizabeth Street junto a su abuela, hasta mudarse al tercer piso de otro apartamento en el
número 253 de la misma calle.2522 En ese entonces, la población del barrio, descrito por Scorsese
como un «pueblo siciliano», era casi completamente de ese origen.26 Sus abuelos paternos
provenían de Polizzi Generosa, ciudad ubicada en la provincia de Palermo, Sicilia, y sus abuelos
maternos también eran de Palermo, precisamente de Ciminna.27 El apellido original de la familia
era «Scozzese», pero se transcribió erróneamente cuando sus ancestros llegaron a América.128
Scorsese se crio en un ambiente de clase obrera, conservador y devotamente católico.2927 De
niño, con cuatro años de edad y como consecuencia de la extirpación de las amígdalas, comenzó a
sufrir de asma, lo que lo mantuvo alejado de la actividad física y de sus pares, un hecho que iba a
ser crucial en su evolución creativa.30 Durante esa etapa sus padres comenzaron a llevarlo al
cine,31 y fue entonces cuando desarrolló primero el interés por la pintura en acuarela y luego por
las películas.3233

La vida temprana de Scorsese en Little Italy iba a inspirar sus primeros filmes

El tiempo libre provocado por el asma también incentivó su acercamiento a la iglesia.34 Asistió a la
St. Patrick's Old Cathedral School y durante un tiempo fue monaguillo en la antigua Catedral de
San Patricio, antes de ser expulsado por llegar tarde a las misas.2235 En un principio, su deseo era
ser sacerdote y durante un año asistió al seminario Cathedral College of the Immaculate
Conception, de donde fue expulsado por mal rendimiento.22 Su intención se mantuvo hasta 1960
cuando se percató de que su «vocación católica era, en cierto modo, a través del cine».36
Posteriormente asistió a la Cardinal Hayes High School, una escuela secundaria católica del Bronx,
e intentó lograr un buen promedio con la intención de ser admitido en la universidad. Después de
ser rechazado por la Universidad de Fordham, se matriculó en el Washington Square College, a
pesar de las preocupaciones de sus padres por el hecho de que una universidad laica podría ser
demasiado izquierdista. Aunque ingresó a la universidad con el propósito de estudiar filología
inglesa y ser profesor, finalmente su interés se desvió hacia el cine. En 1964 consiguió un Bachelor
of Arts y durante los dos años subsecuentes continuó realizando cursos adicionales.36 A
continuación obtuvo un Máster en Bellas Artes en la School of the Arts —más tarde
renombrada Tisch School of the Arts— en 1968,37 un año después de la fundación del instituto,
perteneciente a la Universidad de Nueva York.38

Carrera[editar]

Inicios[editar]

El primer intento narrativo de Scorsese tuvo lugar en el año 1959 cuando influenciado por el cine
épico del que había sido aficionado de niño rodó en Super-8 Vesuvius VI. Esta mini producción
inspirada en la serie de televisión detectivesca 77 Sunset Strip y ambientada en Roma fue
interpretada por amigos del director y se filmó con una cámara prestada en una azotea y en el
sótano de una panadería en Lower East Side. Durante las proyecciones, el metraje de Vesuvius
VI debía ser reproducido junto al sonido grabado por separado, lo que a menudo generaba
problemas de sincronización entre ambos. Por ese motivo, Scorsese comenzó a llevar a los actores
para que leyeran sus diálogos en vivo mientras él ajustaba la velocidad del proyector cuando era
necesario.39 Ya como estudiante de la Universidad de Nueva York, realizó junto a un compañero
su primer proyecto en 16 mm en blanco y negro de una duración de nueve minutos. Se desconoce
el título concreto de mismo, que podría ser Inesita, Inestia: The Art of Flamenco o The Art of
Flamenco: Inesita, pero sí se sabe que trataba la relación entre la música, el cine y la danza, y
contaba con una bailarina de flamenco como protagonista. Tampoco se tiene certeza de la función
que cumplió Scorsese en el proyecto, aunque se ha especulado con que ejecutó las tareas de
director o codirector, director de fotografía y montador.40

Durante sus primeros años en la universidad se vio fuertemente influenciado por el profesor de
cine Haig P. Manoogian, específicamente con respecto a transmitir sentimientos y su pasión por la
religión en sus filmes.3641 Como ejercicio de una asignatura dictada por Manoogian, Scorsese
realizó su primer cortometraje en solitario filmado en 16 mm, titulado What's a Nice Girl Like You
Doing in a Place Like This? (1963), cuya trama tenía como protagonista a un escritor
bloqueado obsesionado con la fotografía de un bote en un lago. El corto hacía alusión a una
variedad de obras y corrientes cinematográficas como la Nouvelle vague,
el cine underground neoyorquino, las narraciones de Algernon Blackwood y el filme The
Critic de Mel Brooks. Su realización incluyó elementos como animaciones, montajes, jump cuts,
edición asociativa y fotogramas congelados.40 A mediados de la década de 1960, Scorsese
comenzó a desarrollar una trilogía basada en sus experiencias en Little Italy que consistía
en Jerusalem, Jerusalem —jamás producida—, Who's That Knocking at My Door y Mean Streets.42
Con intenciones de empezar a ganar dinero realizó su segundo corto en 16 mm, It's Not Just You,
Murray! (1964), un relato satírico de un gánster de Little Italy, que lo condujo a ser reconocido con
el premio al mejor filme estudiantil de 1964 por el Sindicato de Productores Cinematográficos de
Hollywood. El premio consistía en una pasantía de seis meses con un salario de 125 dólares por
semana en los estudios de Paramount de Hollywood, pero a causa de un cambio en la
administración del estudio, la pasantía fue cancelada a último momento.43 Todavía en la
universidad, realizó su trabajo más conocido de esa época, The Big Shave (1967),44 recordado por
Scorsese no solo como una crítica a la Guerra de Vietnam, sino que además, en sus palabras: «Algo
más estaba sucediendo en mi interior que en realidad no tenía nada que ver con la guerra. Era
simplemente una época muy mala, una época muy mala».45

Manoogian, que lo había incentivado a realizar It's Not Just You, Murray!, asistió a Scorsese en la
producción de su primer largometraje.46 Titulado Bring on the Dancing Girls en un principio y
luego I Call First,44 incluyó como protagonista al ex infante de marina y aspirante a actor Harvey
Keitel en el rol de un joven católico de origen italiano y más tarde Thelma Schoonmaker se sumó al
proyecto como montadora.4748 Su padre, Charles Scorsese, consiguió un préstamo de seis mil
dólares para financiar parte del rodaje, a realizarse en película de 35 mm en blanco y negro.49
Asimismo, el joven director usó el apartamento de sus padres en Elizabeth Street para ambientar
escenas de interiores.47 El proceso de filmación fue intermitente y sufrió un sinfín de
modificaciones así como diferentes títulos provisorios. En 1965 se proyectó un primer corte de
sesenta y cinco minutos que no logró entusiasmar al auditorio.49 Más adelante, con la ayuda de
Manoogian se lograron reunir 37 mil dólares extra y Scorsese convenció a Keitel para que
regresara a filmar.50 Así, el rodaje se reanudó de manera precaria, contando con la ayuda del
equipo de producción para finalizar la película cuando Scorsese se quedó sin recursos
económicos.5150 El costo total de la producción se estimó en 75 mil dólares.52 La cinta llegó a
estrenarse en el Festival Internacional de Cine de Chicago de 1967;52 las proyecciones del primer
corte de la película, de 65 minutos de duración, fueron, en palabras de Scorsese, «un desastre» y
el filme fue «universalmente odiado».53

Más tarde, filmó un cortometraje para la Agencia de Información de los Estados Unidos, que al
considerarlo «tan extraño» lo destruyó antes de que llegase a ser visto, y en 1968 se lo contrató
para dirigir el largometraje The Honeymoon Killers con un presupuesto de 150 mil dólares.54 No
obstante, fue despedido transcurrida una semana de rodaje: «El problema con él era que todo le
tomaba demasiado tiempo», afirmó Leonard Kastle, el guionista de la película y quien iba a
terminar de filmarla. Solo un par de las escenas hechas por Scorsese se incluyeron en el filme.55
Scorsese admitió que había sido «despedido con muy buena razón» y explicó: «Era un guion de
doscientas páginas y yo filmaba todo en escenas máster sin metraje complementario».56
Simultáneamente, el director continuaba trabajando en la producción de su primer largometraje;
para que el productor Joseph Brenner accediera a distribuir la cinta, Scorsese añadió una escena
de sexo. Brenner la exhibió en el Carnegie Hall en 1970 con el título Who's That Knocking at My
Door,57 pero solo llegó a un par de salas de cine.58 No tuvo el éxito económico que Brenner
esperaba, especulándose que su fracaso a la hora de atraer a los espectadores se debía a su
temática «pasada de moda y confusa» y su restricción a menores de diecisiete años, al ser
calificada R por su violencia y la escena de sexo explícita exigida por el productor.5457 Pese a no
alcanzar a un público masivo, Who's That Knocking at My Door recibió un premio en el Festival de
Sorrento57 y llamó la atención del crítico Roger Ebert que la calificó como «un gran momento del
cine estadounidense»53 y una «maravillosa evocación de la vida ciudadana estadounidense,
anunciando la llegada de un nuevo director importante».59

Durante un periodo se ganó la vida trabajando como técnico de iluminación para Albert y David
Maysles.60 Luego, en 1969, empezó a dictar clases de historia, realización y producción de cine y
crítica cinematográfica en un curso de pregrado de la Universidad de Nueva York.Nota 6 Su estilo
como profesor se caracterizaba por su discurso veloz, enérgico y nervioso que transmitía un fervor
por las películas. Por momentos desarrollaba monólogos sobre la historia del cine cargados de
reverencia y humor, los cuales a menudo provocaban que estudiantes de otras asignaturas y
personal de la universidad entrara a su clase para escucharlo.57 Su pasión por el cine inspiró a sus
alumnos, entre ellos Oliver Stone que recordó: «Poder ir a la NYU por medio de la G.I.
Bill enseguida después de Vietnam y de casualidad encontrar un profesor como Scorsese en el
primer año de realización de cine, es lo más afortunado que se puede ser».61 Tras esa experiencia
como instructor en la universidad iba a continuar dirigiendo anuncios publicitarios y editando
video para la CBS.6263 Durante este periodo, se desempañó como asistente de dirección y
montador del documental Woodstock (1970) junto a Thelma Schoonmaker y al director Michael
Wadleigh.17

Años 1970[editar]

En mayo de 1970 formó parte del documental Street Scenes 1970 (1970) como montador y
director de una escena.17 Alrededor de esta época, conoció al actor y cineasta John Cassavetes,
que habría de convertirse en su amigo y mentor.64 Ese año se trasladó a Los Ángeles para
acercarse a la industria del cine,52 donde conoció a Brian De Palma, a través de quien iba a entrar
en contacto con dos de sus futuros colaboradores: el actor Robert De Niro y el guionista Paul
Schrader.6566 Entretanto, Scorsese asumió las funciones de montador en el filme Medicine Ball
Caravan (1971) y Cassavetes lo empleó en Minnie and Moskowitz (1971) como asistente
de edición de sonido, lo que le permitió al director principiante ganar quinientos dólares por
semana y dormir en el set.18 En Los Ángeles conoció al productor de cine B Roger Corman, para
quien dirigió por encargo Boxcar Bertha (1972).52 «Filmamos Boxcar Bertha en veinticuatro días
con 650 mil dólares, y tuvo ganancias. Yo recibí cinco mil dólares», recordó Scorsese sobre la
producción.67 Posteriormente al estreno de Boxcar Bertha, Cassavetes lo alentó a realizar filmes
propios en vez de proyectos ajenos.68 Ya en esos días, Scorsese tenía la intención de llevar al cine
los libros La última tentación de Cristo y Gangs of New York, proyectos que tardarían en ver la
luz.69 Siguiendo el consejo de Cassavetes, comenzó a rescribir el guion de Mean Streets y una vez
finalizado se lo envió a Corman, que le propuso financiar la producción con la condición de que el
reparto estuviese conformado íntegramente por actores negros, pero Scorsese rechazó la oferta.
Finalmente, fue el productor Jonathan Taplin quien reunió trecientos mil dólares para filmarla.70
Tráiler de Mean Streets

Elogiada por la crítica de cine Pauline Kael,71 Mean Streets (1973) significó un avance en la
trayectoria profesional de Scorsese.7273 Narrando la vida de dos criminales de poca monta de
Little Italy, en Mean Streets el estilo de Scorsese fraguó finalmente: violencia,4 culpa y redención
católica,74 sitios crudos de Nueva York —aunque gran parte de la cinta se filmó en Los Ángeles—,
montaje veloz y una banda sonora que incluía música contemporánea.75 La tensa atmósfera,
estilo documental y dirección de la película recibió influencias de los cineastas Cassavetes
y Samuel Fuller.764 Al año siguiente, tras ver Mean Streets, la actriz Ellen Burstyn escogió a
Scorsese para dirigirla en la película Alicia ya no vive aquí (1974).77 Alicia ya no vive aquí fue el
primer trabajo que Scorsese dirigió para un estudio de Hollywood y por primera vez narró la
historia desde el punto de vista de una protagonista femenina, una madre soltera que intenta
triunfar como cantante.78 Consciente de sus limitaciones con respecto a la temática del filme,
Scorsese analizó la tarea de realizadores con experiencia en cintas femeninas como Michael
Curtiz y Curtis Bernhardt, al mismo tiempo que se inspiró en los estilos de Elia Kazan y
especialmente en el de Cassavetes para la dirección de actores y desarrollo de los personajes.79
Su actuación en Alicia ya no vive aquí le valió a Burstyn el Óscar a la mejor actriz. Paralelamente,
Scorsese exploró sus raíces étnicas en el documental Italianamerican (1974), sobre sus
padres Charles y Catherine Scorsese.78

Su siguiente largometraje fue Taxi Driver (1976), una oscura pesadilla urbana acerca de la
soledad.80 El filme lo posicionó como un hábil cineasta,5 asistido por el estilo visual de su director
de fotografía Michael Chapman, que junto a Scorsese se inspiró en una gran cantidad de filmes
ambientados en Nueva York y en el cine negro.81 Taxi Driver marcó el comienzo de una serie de
colaboraciones entre Scorsese y el escritor Paul Schrader, cuya inspiración para escribir el guion
tuvo origen en una noticia sobre el intento de asesinato al político George Wallace,82 la literatura
de Fiódor Dostoyevski, el filme francés Pickpocket de Robert Bresson y su propia depresión.8384
La cinta estuvo protagonizada por Robert De Niro como el angustiado y psicótico Travis Bickle,
acompañado por Jodie Foster en un papel controversial como una prostituta menor de
edad y Harvey Keitel como su proxeneta. El periódico The New Yorker describió la película como
«un estudio de dos personajes: Travis contra Nueva York» y afirmó que «ningún otro filme ha
representado jamas la indiferencia urbana tan poderosamente».85 A pesar de ser abucheada un
sector del auditorio durante su estreno en el Festival de Cannes de 1976,8687 Taxi Driver se alzó
con la Palma de Oro de ese año e iba a recibir cuatro nominaciones al Óscar, incluyendo a mejor
película.5

El éxito económico y crítico de Taxi Driver impulsó a Scorsese a producir su primera película de
alto presupuesto: el atípico musical New York, New York (1977), descrito por el propio Scorsese
como «un experimento».88 La pareja protagonista estuvo formada por De Niro, en su tercera
colaboración con el director, y Liza Minnelli. Ambos daban cuerpo a un dúo —él saxofonista, ella
cantante— que a lo largo de varias décadas mantenían una relación amorosa mientras trabajaban
juntos en diversos espectáculos musicales. Se filmó enteramente en Hollywood: «Podría haber
filmado en Roseland. No lo hice porque elegí la idea de un filme llamado New York, New
York hecho completamente en Hollywood. Esa era la Nueva York que teníamos en la cabeza de
jóvenes», recordó el cineasta.88 En los años venideros el filme iba a ser recordado debido a la
popularidad de una de sus canciones, «New York, New York», versionada por Frank Sinatra.89 Este
tributo musical a la ciudad natal de Scorsese resultó en un rotundo fracaso de taquilla y también
entre los críticos de cine,90 significando una clara decepción para el director, que consideró la
posibilidad de trasladarse a Italia para dedicarse a filmar documentales durante el resto de su
carrera.91

En 1977 dirigió el musical de Broadway The Act, protagonizado por Liza Minnelli, que también fue
un fracaso comercial.9293 La decepción de New York, New York arrastró a Scorsese a una
depresión y para entonces ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína.94 Pese a lo
anterior, el director aún encontró la creatividad suficiente para hacer The Last Waltz (1978), un
documental sobre el último concierto de The Band, que tuvo lugar en el Winterland
Ballroom de San Francisco en noviembre de 1976 y contó con un extenso repertorio de músicos
invitados, entre ellos Bob Dylan, Neil Young, Ringo Starr, Muddy Waters, Joni Mitchell, Van
Morrison, Paul Butterfield, Neil Diamond, Ronnie Wood y Eric Clapton. Con Scorsese trabajando en
varios proyectos simultáneamente,92 el estreno del documental se postergó hacia 1978.95
El Chicago Tribune escribió en una reseña que The Last Waltz era «el mejor documental de rock de
todos los tiempos»96 y otros medios sostuvieron opiniones similares.Nota 7 Ese mismo año, se
exhibió otro documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy: A Profile of Steven Prince,
acerca del vendedor de armas de Taxi Driver.101 Después de vivir en Los Ángeles por una década,
Scorsese se trasladó de vuelta a Nueva York.102103

Años 1980[editar]

Luego de un periodo de depresión, mal uso de medicamentos y abuso de cocaína,104 en 1978

Scorsese ingresó a un hospital de Nueva York con una hemorragia interna que casi acaba con su
vida.92105 Durante diez días de internación, el director se replanteó su vida, al mismo tiempo que
recibía visitas de amigos, entre ellos Robert De Niro.104 En ese momento, De Niro y el
músico Robbie Robertson lo convencieron de realizar el que iba a ser su próximo
largometraje, Toro salvaje (1980).10592 El guion fue escrito por Paul Schrader adaptando las
memorias escritas por el boxeador Jake LaMotta y, tras salir del hospital, Scorsese se trasladó con
De Niro a la isla de San Martín para reescribirlo durante dos semanas y media.106 Hacia
septiembre de 1979 se dio comienzo al rodaje.107 Contemplando la posibilidad de que este fuese
su último largometraje,108 Scorsese volcó todas sus energías en este proyecto, refiriéndose a él
como «un método kamikaze de realización» y añadió: «puse en él todo lo que sabía, y si se iba a
hundir, se iba a hundir, y no me importaba».69 Scorsese decidió rodar en blanco y negro, en cierta
medida para hacer al filme más realista y ambientar más apropiadamente la época y el
contexto,109 pero así también perdió gran potencial comercial.110 El filme se destacó por su
estilo visual, especialmente en las escenas de boxeo, donde Scorsese empleó en gran medida
la cámara lenta y técnicas de distorsión de la imagen, creando estilos diferentes para cada
pelea.111 El resultado estuvo a la par de filmes como Mean Streets y Taxi Driver con respecto a la
temática: inseguridad, violencia, culpa y redención.Nota 8

Toro salvaje resultó ser un éxito rotundo entre los críticos de cine114 y logró ocho candidaturas a
los Premios Óscar, incluyendo mejor película, mejor actor para De Niro por su interpretación de
LaMotta, mejor actor de reparto para Joe Pesci como su hermano y representante y la primera
nominación a mejor director para Scorsese.115116 De Niro y la montadora Thelma
Schoonmaker se llevaron el premio, pero la estatuilla a mejor director fue para Robert
Redford por Ordinary People. Posteriormente, Toro salvaje iba a continuar recibiendo
reconocimientos, llegando al primer puesto en la lista de las diez mejores películas de deporte del
American Film Institute y al número veinticuatro de la lista de las mejores cien películas según la
misma organización, escalando más tarde al número cuatro en la versión actualizada del
mismo ranking. Refiriéndose al resultado de los Óscar, Scorsese declaró: «Cuando perdí por Toro
salvaje fue cuando me di cuenta de cual iba a ser mi lugar en el sistema si llegaba a sobrevivir: del
lado de afuera mirando hacia adentro».117 Asimismo, el filme no tuvo los resultados esperados en
la taquilla, lo que preocupó al director con respecto a su carrera, cuestionándose acerca de si los
productores de los estudios accederían a financiar sus futuros proyectos.118

Tras el estreno de su drama sobre Jake LaMotta, Scorsese quería realizar la adaptación de La
última tentación de Cristo con De Niro interpretando a Jesús, sin embargo el proyecto no avanzó
debido al desinterés del actor y la falta de apoyo financiero.119120 Siguiendo la sugerencia de De
Niro, Scorsese filmó la comedia negra El rey de la comedia (1983), una sátira sobre el mundo de
los medios de comunicación y la celebridad, cuyo personaje principal es un solitario y afligido
aspirante a comediante que irónicamente se vuelve famoso gracias a un crimen. Al igual que
con Toro salvaje, De Niro convenció a Scorsese de filmar El rey de la comedia mientras el segundo
se encontraba en el hospital por agotamiento y neumonía.121 Aunque influyó en la elección
de Jerry Lewis para uno de los papeles y ayudó a pulir el guion, Scorsese, aún recuperándose, no
estaba motivado y sentía que el proyecto pertenecía más a De Niro que a él.122 El rodaje y la
posproducción fueron procesos difíciles para el director,123 que iba a declarar que «no debería
haber hecho» esa película y que en su lugar debería haber esperado por un proyecto propio.124 El
rey de la comedia se proyectó en el Festival de Cannes de 1983 y resultó elegida por parte de la
crítica;125 la revista Time Out la definió como «la película más siniestra del año en todo sentido, y
una de las mejores» y Roger Ebert del Chicago Sun-Times comentó que era «una de las películas
más áridas, dolorosas y heridas» que había visto.126127 El aprecio por la película se iba a
incrementar con el paso de los años.128 Habiéndose realizado con un presupuesto de diecinueve
millones de dólares,123 la cinta fue un fracaso de taquilla, recaudando solamente 1,2 millones en
Estados Unidos y siendo retirada de las salas de cine tras cuatro semanas.129

Cuando Scorsese estaba pronto para comenzar su tan esperada adaptación de La última tentación
de Cristo, el estudio Paramount Pictures abandonó el proyecto a una semana de comenzar el
rodaje, lo que le significó una gran decepción y por este motivo empezó a fijarse en proyectos
menores y de productoras independientes.130 A continuación dirigió la comedia After
Hours (1985), acerca de la vida de un solitario que odia su empleo y su vida privada envuelto en
una aventura kafkiana durante una noche en Manhattan.131 Scorsese se refirió a la película como
«una reacción en contra de mi año y medio en Hollywood tratando de hacer La última tentación
de Cristo»132 y como una manera de redescubrir como filmar más rápido y con la menor cantidad
de dinero.133 Varios autores notaron la influencia de Kafka y de la adaptación El proceso de Orson
Welles en After Hours.Nota 9 La película obtuvo un más que digno resultado en taquilla y le
reportó a Scorsese el premio del Festival de Cannes al mejor director.133 El resultado favorable
de After Hours le permitió dirigir un filme mainstream136 y al año siguiente, en 1986, estrenó El
color del dinero, protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El
filme es una secuela de El buscavidas de Robert Rossen, en la que Newman ya había interpretado
al jugador de billar Eddie Felson. En esta oportunidad se trató de un homenaje en color, y a la vez,
segunda parte del filme, con un ya maduro Felson redimiéndose de su pasado. En aquella época,
la película fue considerada la obra más convencional del director, Newman ganó su primer Óscar y
el éxito comercial del filme ayudó a que los financistas volvieran a confiar en Scorsese.136

Scorsese en los Premios Óscar en 1990

La carrera de Scorsese se vio afectada positivamente cuando en 1987 pasó a ser cliente del
representante Michael Ovitz, catalogado como el hombre más poderoso de Hollywood.Nota 10
Finalmente pudo filmar y estrenar en 1988 La última tentación de Cristo, adaptación de la novela
homónima de Nikos Kazantzakis. El crítico y guionista Jay Cocks trabajó junto a Scorsese revisando
el guion escrito por Paul Schrader.139 En esta ocasión, la producción estuvo a cargo de Universal
Pictures y Scorsese contó con un presupuesto de casi siete millones de dólares para rodar 62 días
en Marruecos, con Willem Dafoe reemplazando a Aidan Quinn en el papel de Jesús.140139 El
estreno de La última tentación de Cristo desató controversias, especialmente debido al
tratamiento de la sexualidad de Jesús,141 y produjo protestas en todo el mundo,142 llegando en
ciertos países a su prohibición.143 En algunos casos las protestas tuvieron efectos contrarios,
ayudando a publicitar la película y produciendo expectación en el público.144 Aunque el filme
tuvo una respuesta tibia por parte de la crítica cinematográfica, logró recuperar los costos de
producción, siendo un éxito en la taquilla de Los Ángeles.145 Por este filme, Scorsese recibió su
segunda nominación al Óscar como mejor director.146
A finales de 1986 Woody Allen contactó a Francis Ford Coppola y Scorsese para rodar el filme
colectivo Historias de Nueva York (1989), para el cual cada uno de ellos dirigió
un mediometraje.147 El primero de ellos es precisamente el de Scorsese, Life Lessons, sobre la
relación amorosa entre dos pintores (Nick Nolte y Rosanna Arquette), uno de ellos más talentoso
que el otro.148 Life Lessons fue una semiadaptación de la novela El jugador de Fiódor
Dostoyevski y el guion fue escrito por Richard Price, el mismo guionista que escribió El color del
dinero. 149 El de Scorsese fue señalado por algunos críticos como el mejor segmento de la
película.Nota 11

Años 1990[editar]

Después de una década de resultados desparejos,153 la épica de gánsteres de

Scorsese Goodfellas (1990) fue considerada el regreso a su mejor nivel como director.6 Basada en
el libro Wiseguy de Nicholas Pileggi, con Goodfellas regresó al género para narrar la historia
semificticia del exgángster Henry Hill,154 interpretado por Ray Liotta, abarcando tres décadas en
la vida de un trío de criminales (Liotta, Joe Pesci y Robert De Niro) que trabajan para una familia
mafiosa. Las capacidades técnicas de Scorsese y el desempeño de los actores restablecieron,
aumentaron y consolidaron su reputación como cineasta.155 Luego del estreno, el crítico Roger
Ebert llamó a Goodfellas «la mejor película de gángsters de todos los tiempos»156 y la introdujo
en su lista de las mejores películas del año 1990.157 También formó parte de los primeros puestos
de las listas de Gene Siskel y Peter Travers, y es considerada uno de los mejores logros del
director.Nota 12 El filme recibió seis candidaturas a los Premios Óscar, entre ellas mejor película y
la tercera nominación a mejor director para Scorsese, aunque el debutante Kevin Costner se llevó
la estatuilla. Pesci se alzó con la estatuilla al mejor actor de reparto por su actuación.163 Además,
Scorsese y la película obtuvieron un sinfín de reconocimientos adicionales, entre ellos
cinco Premios BAFTA y un León de Plata a la mejor dirección. Casi dos décadas más tarde,
el American Film Institute la colocó en el segundo lugar de la lista de las diez mejores películas de
gánsteres, solo detrás de El padrino.164

Su trayectoria prosiguió con el lanzamiento en 1990 del documental corto Made in Milan sobre el
diseñador de moda Giorgio Armani.165 Al año siguiente estrenó su séptima colaboración con
Robert De Niro, el remake de la película de 1962 del mismo nombre Cape Fear,
un thriller influenciado por Alfred Hitchcock y La noche del cazador (1955) de Charles Laughton.
Incursionando una vez más en el cine mainstream,166 Scorsese quería dirigir un proyecto
más hollywoodense y así evitar polémicas como las provocadas anteriormente por La última
tentación de Cristo y Goodfellas.167 A pesar de ello, al director no le gustó en absoluto el guion
escrito por Wesley Strick y fue De Niro quien una vez más lo convenció de que el material podría
tener valor.168 Tras recibir la autorización para reescribir el guion, Scorsese cambió el enfoque
original, despojándolo de ciertos convencionalismos e ideas que consideraba «predigeridas».167
Así, su aporte consistió en incorporar elementos religiosos, evidentes homenajes a Hitchcock y
modificar los personajes estereotipados, añadiendo características como la falta de ética
profesional, el conflicto intrafamiliar o la tensión sexual.169 Si bien Cape Fear fue criticada por sus
escenas de violencia misógina,170 su escabrosa temática le dio a Scorsese la oportunidad de
experimentar con trucos y efectos visuales.Nota 13 El filme obtuvo dos nominaciones al Óscar y
resultó el mayor éxito económico de su realizador hasta aquel momento, recaudando ochenta
millones de dólares solamente en Estados Unidos.174
Scorsese en el Festival de Venecia en 1995

Durante este periodo realizó algunos cameos como actor, interpretando a Vincent van
Gogh en Los Sueños de Akira Kurosawa (1990) del director japonés Akira Kurosawa y a un
ejecutivo de una cadena televisiva en Quiz Show: El dilema (1994) de Robert Redford, un
personaje recordado por la frase: «El público no sintonizaba para ver increíbles muestras de
habilidad intelectual. Solo querían ver el dinero», refiriéndose al programa de concursos.175
También fundó la productora De Fina-Cappa junto a Barbara De Fina. Su rol como productor de
cine se incrementó a principios de la década, produciendo variados filmes, abarcando
producciones de Hollywood (Mad Dog and Glory, Clockers), cintas independientes de bajo
presupuesto (The Grifters, Naked in New York, Grace of My Heart, Search and Destroy, The Hi-Lo
Country) e incluso filmes extranjeros (Con los ojos cerrados).Nota 14

La edad de la inocencia (1993), una adaptación de la novela de época de Edith Wharton acerca de
la restrictiva alta sociedad de Nueva York a finales del siglo xix, fue un cambio significativo en la
carrera de Scorsese. Con una trama que narra un romance fallido, la película desafió al público
habitual de Scorsese,179 quien quería que su película fuese una experiencia tan rica
emotivamente como el libro lo había sido para él.180 Para lograrlo, recurrió al uso de la voz
en off y buscó inspiración en filmes como Senso, El gatopardo y The Magnificent
Ambersons de Orson Welles.Nota 15 La edad de la inocencia se alejó de los clásicos trabajos del
director, pasando de la Nueva York proletaria y criminal a la alta sociedad aristócrata;Nota 16 no
obstante, algunos autores notaron paralelismos entre esta cinta y anteriores producciones de
Scorsese —como Goodfellas— como el uso de la narración retrospectiva, protagonistas
derrotados por los contextos sociales en los cuales se encuentran y la recreación de rituales,
códigos y costumbres sociales inquebrantables.Nota 17 Si bien al momento de su estreno recibió
elogios desde gran parte de la crítica,181 fue un fracaso de taquilla,182 significando
aparentemente una pérdida económica.183 El filme obtuvo cinco nominaciones a los Premios
Óscar —incluyendo mejor guion adaptado para Scorsese—, ganando el premio al mejor
vestuario.184 Esta fue su primera colaboración con Daniel Day-Lewis, a quien iba a dirigir
nuevamente en Gangs of New York.185
Casino (1995), al igual que La edad de la inocencia, está protagonizada por un hombre cuya
ordenada vida se ve trastocada por la llegada de factores impredecibles. La trama fue desarrollada
por Nicholas Pileggi a partir de un artículo del Las Vegas Sun de 1980 que incluía al apostador,
director de casinos y socio de la delincuencia organizada Frank Rosenthal.186 Después de que
Scorsese mostró interés en el proyecto —quería volver al género de gánsteres y ahondar en él—,
Pileggi comenzó a escribir un libro y un guion simultáneamente.187 Una vez
estrenada, Casino recibió elogios por el trabajo de dirección y las actuaciones, pero varios críticos
señalaron que su duración era excesiva, que incluía muchos personajes antipáticos y algunos la
calificaron como una secuela de Goodfellas.Nota 18 Se comparó con Goodfellas por el uso de la
voz en off en la narración, montaje, atmósfera, temática, excesiva violencia y la presencia en el
reparto de Robert De Niro y Joe Pesci interpretando a un desenfrenado criminal.Nota 19
Casino recaudó unos 42 millones de dólares en la taquilla estadounidense189 y Sharon
Stone recibió una candidatura al Óscar como mejor actriz.190 A pesar del modesto éxito
de Casino, Scorsese iba a declarar sobre Universal Pictures: «Querían hacer más dinero. Así que
ese fue el final de ese tipo de película para mí».191 En las siguientes dos décadas el director iba a
evitar en gran medida las tramas criminales.192

Si La edad de la inocencia había alejado y confundido a parte del público, Kundun (1997) fue más
allá, ofreciendo una historia acerca de la vida temprana del decimocuarto dalái lama Tenzin
Gyatso, la invasión del Tíbet feudal por parte la China comunista y el posterior exilio del dalái lama
en India. Además de ofrecer un cambio de temática, Kundun presentó una narrativa y estética
diferente. Los tradicionales recursos dramáticos fueron sustituidos por un elaborado tableau
vivant de imágenes coloridas transmitiendo un ambiente hipnótico.193 Cabe agregar que el filme
suscitó agitación y esta creó presión sobre la distribuidora, Buena Vista Pictures, que planeaba
comercializarla en el mercado chino. Aunque inicialmente desafiante frente al gobierno chino, la
distribuidora desde entonces se distanció del proyecto, perjudicando sus ganancias económicas. El
ejecutivo Michael Eisner llegó a declarar que el filme había sido «una estúpida equivocación»,
agregando que «fue una forma de insulto hacia nuestros amigos, pero a excepción de los
periodistas, poca gente en el mundo la vio».194 A pesar de no contar con actores occidentales y
ser ignorada por gran parte de los medios de comunicación dominantes,195 Kundun recibió cuatro
nominaciones al Óscar.194 Esta fue la segunda producción de Scorsese basada en la figura de un
líder religioso tras La última tentación de Cristo.196

Regresando a un territorio conocido, en Bringing Out the Dead (1999) Scorsese volvió a colaborar
con el guionista Paul Schrader para adaptar una novela de Joe Connelly.197 Bringing Out the
Dead estuvo protagonizada por Nicolas Cage como un paramédico noctámbulo bajo la presión de
atender heridos por las noches en Hell's Kitchen, perseguido por recuerdos de personas que no
pudo salvar. Elementos de filme como su trama y su personaje principal fueron comparados
con Taxi Driver,198 mientras que el rol del protagonista como salvador y su lucha por evitar las
tentaciones se comparó con La última tentación de Cristo.199 Las escenas finales
de redención espiritual recordaron explícitamente las películas de Robert Bresson200 y la
ambientación nocturna se asemejó a la de After Hours.201 En opinión de Scorsese el filme no
recibió apoyo por parte de los estudios y «desapareció» tras su estreno en los cines.202 Con un
presupuesto de 55 millones de dólares, Bringing Out the Dead terminó recaudando diecisiete —
incluyendo Norteamérica y el resto del mundo— y a pesar de recibir críticas favorables, la cinta iba
a pasar desapercibida, siendo el único trabajo del director de la década de 1990 que no fue
considerado para los Premios Óscar.203

Años 2000[editar]

Scorsese junto a Leonardo DiCaprio y Cameron Diaz en el Festival de Cannes de 2002

En 2002 Scorsese estrenó uno de sus proyectos más ansiados y personales, Gangs of New York,
basado en el libro The Gangs of New York de Herbert Asbury.69 Scorsese leyó el libro en 1970 y
cinco años después comenzó a trabajar en el guion.204 Scorsese y el diseñador de
producción Dante Ferretti trabajaron más seriamente en Gangs of New York cuando se
encontraban filmando La edad de la inocencia (1993), ambos proyectos, además, guionados por
Jay Cocks y ambientados en la Nueva York del siglo xix, aunque centrándose en extremos opuestos
de la sociedad.205 La historia adaptada por el director está mayoritariamente ambientada en la
Nueva York de 1862 y narra el enfrentamiento entre pandillas de inmigrantes irlandeses y
nativistas que se oponen a la inmigración poco antes de las Draft Riots.205206 La trama incorpora
temáticas coherentes con anteriores preocupaciones del director: su ciudad de origen, violencia y
divisiones subculturales a partir de diferencias étnicas.207

Gangs of New York se filmó en el famoso estudio de cine Cinecittà de Roma con presupuesto
aproximado de cien millones de dólares,208 convirtiéndose en el proyecto más costoso de
Scorsese hasta ese momento.69 La producción fue altamente problemática y varios rumores
dejaron entrever un conflicto entre el director y el jefe de Miramax, Harvey Weinstein.209210
Mientras que Scorsese quería mantener su visión artística, Weinstein quería que el filme
conformara los estándares comerciales.211 «He sido un chico malo en el cine, pero fui bueno con
Marty», aseguró el productor, pero Scorsese iba a revelar que las imposiciones de Weinstein
habían sido «muy duras».209 El filme introdujo recursos anteriormente evitados por el director
como personajes presentes con fines meramente expositivos y escenas retrospectivas.212213214
El final cut de Gangs of New York llegó a 168 minutos, mientras que la versión original del
director excedía los 180 minutos de duración.212 Concluida la filmación, el estreno se postergó
hasta diciembre de 2001 debido a que Scorsese continuaba trabajando en el montaje para acortar
la duración215 y Weinstein consideraba que la violencia de la película no era conveniente a tan
poco tiempo de los atentados del 11 de septiembre;210 finalmente iba a llegar a los cines en
diciembre del año siguiente.216 Gangs of New York le valió a Scorsese su primer Globo de Oro al
mejor director y más tarde la película obtuvo diez nominaciones al Óscar, incluyendo mejor
película, mejor director y mejor actor para Daniel Day-Lewis.217 Significó el comienzo de su
asociación con Leonardo DiCaprio.218
Asimismo, Scorsese produjo la serie documental The Blues, que constó de siete partes acerca de la
historia de la música blues dirigidas por cineastas como Wim Wenders, Clint Eastwood, Mike
Figgis y él mismo.219 A principios de los años 2000 produjo una variedad filmes de realizadores
emergentes, entre los cuales se incluyen You Can Count On Me de Kenneth Lonergan,220
Lymelife de Derick y Steven Martini221 y The Young Victoria de Jean-Marc Vallée.222 Durante la
misma época fundó Sikelia Productions.223 El siguiente largometraje de Scorsese fue El
aviador, película biográfica acerca del excéntrico multimillonario, magnate del cine y pionero de la
aviación Howard Hughes, llevado a la pantalla por Leonardo DiCaprio. Además de contar con
una estrella como protagonista, para la realización de El aviador el director abandonó su abordaje
personal para pasar a un estilo comercial, aplicando técnicas de imagen generada por
computadora para algunas secuencias.224 El filme se proyectó a finales de 2004 y su éxito de
taquilla estuvo acompañado por candidaturas a múltiples galardones: recibió seis nominaciones al
Globo de Oro —de las cuales ganó tres— y fue la película más nominada en la entrega 77.º de los
Premios Óscar con once candidaturas, incluyendo mejor película y la quinta nominación a mejor
director para Scorsese.Nota 20 Otra vez, Scorsese salió con las manos vacías al ver a Clint
Eastwood llevarse el Óscar al mejor director y a mejor película por Million Dollar Baby.228 Su
enfrentamiento con los ejecutivos de Warner Bros. y Miramax en relación a la duración de la cinta
—una disputa recurrente— durante las últimas dos semanas de montaje, casi provocó el retiro de
Scorsese, que sentía que «ya no hablaba el mismo idioma» que los productores.192

Scorsese en los Premios Peabody en 2006

Su documental No Direction Home narra la vida de Bob Dylan y su impacto en la música popular
estadounidense y la cultura del siglo xx. El filme no abarca toda la carrera de Dylan; se centra en
sus comienzos, su salto a la fama en los años 1960, la controversia eléctrica que produjo al pasar
de tocar acústicamente a comenzar a usar la guitarra eléctrica y su retiro de los escenarios en
1966 tras un accidente. No Direction Home se estrenó en la televisión estadounidense y británica
en septiembre de 2005 y el mismo mes se editó una versión en DVD.229 El filme ganó el Premio
Peabody y Scorsese el Premio Grammy al mejor video musical de formato largo.230231

Scorsese regresó al género de gánsteres con el thriller policíaco The Departed (2006), basado
en Infernal Affairs y en cierta medida en la historia del gánster Whitey Bulger.232233 En esta cinta
se reunió nuevamente con Leonardo DiCaprio y dirigió por primera vez a Jack Nicholson, Matt
Damon, Mark Wahlberg y Martin Sheen. Ambientada en Boston, la trama tiene como
protagonistas a Colin Sullivan (Damon), trabajando como infiltrado en la policía de Massachusetts
para el jefe de la mafia local «Frank» Costello (Nicholson), y paralelamente a «Billy» Costigan,
como agente encubierto de la policía dentro de la organización de Costello. The Departed se
transformó en la película más taquillera de Scorsese hasta aquel momento,10 con una
recaudación local de 132 millones de dólares,234 y fue recibida con elogios por parte de los
críticos;232 mientras que algunos la categorizaron como el mejor logro del director
desde Goodfellas,235 otros la colocaron al mismo nivel que clásicos de Scorsese como Taxi
Driver y Toro salvaje.236237 En febrero de 2007 se le entregó el Óscar al mejor director,
consiguiendo finalmente la estatuilla a la que había estado nominado en repetidas ocasiones y
nunca había ganado.238 Además, cabe destacar que la película resultó ganadora de los Óscar
a mejor película, mejor guion adaptado y mejor montaje para Thelma Schoonmaker, su tercer
Óscar conseguido gracias a su trabajo en una cinta de Scorsese.239 No obstante, la producción no
estuvo exenta de desacuerdos entre Scorsese y Warner Bros. con respecto a determinados
aspectos del filme como la violencia y el lenguaje vulgar.240241 El director se iba a referir a las
limitantes del sistema:

La pregunta es cuan personal puedo hacer un filme en el sistema de Hollywood de hoy, y esto es lo
más cerca que puedo llegar. Ya no sé si hay lugar para mí y el tipo de película que me gustaría
hacer. Tendría que hacerlas de forma independiente porque me gusta asumir riesgos, ¿y cómo
puedes hacer eso cuando una película cuesta doscientos millones? Hay un montón de dinero de
por medio y tienes una responsabilidad con el estudio.232

A finales de 2007, rodó un anuncio publicitario para la firma productora de vinos Freixenet,
titulado The Key to Reserva, en el que Scorsese realizó un homenaje al cine de Alfred
Hitchcock.242 Posteriormente estrenó el documental Shine a Light, un concierto de la banda
de rock and roll The Rolling Stones en el Beacon Theatre de la ciudad de Nueva York entre octubre
y noviembre de 2006, intercalado con fragmentos de noticias y viejas entrevistas a la banda.243 Se
proyectó en la apertura del Festival Internacional de Cine de Berlín en febrero de 2008244 y su
éxito comercial lo llevó a ser uno de los documentales más taquilleros del año y una de
las películas de concierto más taquilleras de todos los tiempos.245

Años 2010[editar]

A continuación, Scorsese tenía planeado realizar El lobo de Wall Street, sin embargo, tras cinco
meses de espera, Warner Bros. no accedió a financiar el proyecto.246 En octubre de 2007 se
anunció que Scorsese se iba a reunir con Leonardo DiCaprio para una cuarta película y hacia marzo
de 2008 comenzó la filmación en Massachusetts.247248 El nuevo largometraje se tituló Shutter
Island, basado en la novela del mismo nombre escrita por Dennis Lehane y adaptado por la
guionista Laeta Kalogridis. Ambientada en los años 1950, un oficial de policía (DiCaprio) y su
compañero (Mark Ruffalo) deben investigar la confusa desaparición de un interno en un hospital
psiquiátrico ubicado en una isla. Shutter Island fue catalogada dentro de los
géneros histórico, thriller psicológico, neo-noir y terror y homenajeó al cine de Alfred
Hitchcock.249 El propio Scorsese reconoció la influencia de Hitchcock y de la cinta The Wrong
Man en particular,250 tomando como referencia además Narciso negro, Laura y cintas
de zombies de los años 1940.250251 The New York Times describió Shutter Island como
«implacablemente y barrocamente interior» con la «angustiante arquitectura de una prisión
de Piranesi».252 El filme se estrenó en febrero de 2010 y en mayo del mismo año se transformó
en el filme más taquillero de Scorsese.253254

Mientras Scorsese se encontraba en Boston filmando Shutter Island, recibió la visita de Mark
Wahlberg que le propuso un nuevo proyecto para la televisión,255 el primero del director para la
pantalla chica desde su contribución en Amazing Stories (1986).256 El proyecto en cuestión
era Boardwalk Empire, una serie dramática de HBO basada en un libro de Nelson Johnson.257 El
guionista Terence Winter creó la serie y Scorsese propuso a Steve Buscemi como protagonista de
la misma,258 ambientada en Atlantic City durante los «felices años veinte» y ley seca en los
Estados Unidos. Scorsese dirigió el primer episodio, que tuvo un costo de producción de dieciocho
millones de dólares,259 el episodio piloto más caro de la historia hasta ese entonces.260 La serie
se estrenó en septiembre de 2010 y contó con 4,8 millones de televidentes en su primera
transmisión. Aunque en un principio su función detrás de cámaras dividió a los críticos,261 al año
siguiente Scorsese iba a ganar el Primetime Emmy a la mejor dirección. Se mantuvo
como productor ejecutivo durante las cinco temporadas que duró Boardwalk Empire.262

Posteriormente dirigió el documental de tres horas y media titulado George Harrison: Living in the
Material World acerca de la vida y música del miembro de The Beatles George Harrison, estrenado
en HBO en dos partes en octubre de 2011.263 Una vez más, Scorsese desafió al público
acostumbrado a sus filmes violentos o religiosos,264 alejándose de esas temáticas con su siguiente
largometraje, Hugo, un drama de aventura en 3D basado en la novela La invención de Hugo
Cabret de Brian Selznick. Se trató de la primera película de Scorsese en 3D y se estrenó en Estados
Unidos en noviembre de 2011.265 Con un presupuesto de entre 150 y 170 millones de dólares,266
la película no logró los resultados de recaudación esperados.267 El fracaso en la taquilla puedo
deberse a que su gran costo de producción —destinado en parte a los efectos visuales en 3D—268
no estuvo acompañado por la presencia de grandes estrellas entre el reparto y la dificultad para
promocionar el filme dentro del mercado del cine familiar.269 Por otro lado, la película fue bien
recibida por la crítica269 y recibió múltiples candidaturas a diversos galardones: con cinco Premios
Óscar —sobre once candidaturas— fue junto a The Artist la cinta más ganadora de esa edición,270
ganó dos Premios BAFTA271 y le valió a Scorsese su tercer Globo de Oro al mejor director.272

A finales de 2013 estrenó el filme El lobo de Wall Street, basado en la autobiografía del magnate
de las finanzas Jordan Belfort.273 El guion fue escrito por Terence Winter y estuvo protagonizado
por Leonardo DiCaprio como Belfort, junto a Jonah Hill, Matthew McConaughey y Kyle Chandler,
entre otros. Narra la historia de un corredor de valores de Nueva York involucrado en un gran caso
de fraude y la codicia, los excesos y la perdida de valores que trae aparejado el sueño
americano.274 Scorsese afirmó que «quería hacer un filme feroz» y que la idea surgió a partir de
«la frustración por el no regulado mundo financiero».275 Alejándose de la autobiografía de Belfort
y de sus anteriores filmes, Scorsese omitió el origen étnico del protagonista;276 según el
periódico Haaretz el director minimizó la identidad judía de Belfort para evitar la incorrección
política.277 La película se ubicó dentro del género de comedia negra; el crítico de cine James
Berardinelli escribió: «Me reí más durante El lobo de Wall Street que durante cualquiera de las
comedias ‘puras’ de 2013».278 El lobo de Wall Street superó a Shutter Island como la película más
taquillera del director279 y fue candidata a cinco Premios Óscar: mejor película, mejor director,
mejor actor, mejor actor de reparto y mejor guion adaptado.280 En una encuesta a críticos de cine
llevada a cabo en 2016 por la BBC, el filme se incluyó entre las cien mejores películas del
siglo xxi.281 Además significó la quinta colaboración entre Scorsese y DiCaprio.282

En julio de 2014 empezó a dirigir el piloto de la serie de televisión para HBO Vinyl, escrita por
Terence Winter y George Mastras y producida por Mick Jagger.283284 La serie, protagonizada
por Bobby Cannavale como Richie Finestra, fundador y presidente de una importante compañía
discográfica, está ambientada en la Nueva York de los años 1970 cuando el negocio de la música
influenciada por las drogas y el sexo estaba en auge, mientras Finestra trata de resucitar su
compañía y encontrar el próximo sonido en boga. El primer episodio, dirigido por Scorsese, se
estrenó a principios de 2016 y logró atraer 764 mil televidentes, uno de los debuts de HBO más
bajos en audiencia.285 Vinyl, que había sido desarrollada por Scorsese y Jagger durante veinte
años —originalmente como un filme—, se canceló tras una temporada, un hecho que el director
calificó como «trágico» y comentó que tendría que haber dirigido todos los episodios.285 Más
tarde dirigió The Audition, un cortometraje utilizado para promocionar los casinos Studio City en
las Filipinas con Leonardo DiCaprio y Robert De Niro interpretando versiones ficticias de sí mismos,
compitiendo por un papel en el próximo filme del director. Fue la primera colaboración de
Scorsese y De Niro en dos décadas.286 El corto se exhibió en octubre de 2015 junto a la apertura
de Studio City.287 Al mismo tiempo, Scorsese fue productor ejecutivo de varios filmes
independientes como La tercera orilla (dirigida por Celina Murga), Revenge of the Green
Dragons (codirigida por Andrew Lau, cuyo filme Infernal Affairs inspiró The Departed),288 Bleed
for This y Free Fire.289

Scorsese en el estreno de Silencio en Japón

Su siguiente largometraje fue Silencio, un proyecto anticipado durante años por el director —
desarrollado desde 1991—,290 escrito por Jay Cocks y Scorsese y basado en la novela del mismo
nombre escrita por Shūsaku Endō, un drama histórico sobre dos jesuitas portugueses —
interpretados en la pantalla por Andrew Garfield y Adam Driver— que se enfrentan a la violencia y
la persecución cuando viajan a Japón en el siglo xvii d. C. para encontrar a su mentor desaparecido
(Liam Neeson) y promover el cristianismo.291292 El filme tuvo su estreno mundial en noviembre
de 2016 en el Pontificio Instituto Oriental en Roma y también se proyectó en la Ciudad del
Vaticano.293294 El periódico USA Today afirmó que «Martin Scorsese prueba que como cineasta
es tan magistral con hombres de Dios como lo es con gánsteres» y otros críticos apreciaron la
profundidad de la temática.295296 Pese a las críticas favorables,297 la película fue ignorada casi
por completo durante la temporada de galardones —fue nominada al Óscar a la mejor
fotografía—298299 y tuvo resultados negativos en la taquilla, adjudicados por algunos medios a la
larga duración del filme, ausencia de premios que la ayudaran a promocionarse, menor
distribución en los cines y competencia con otras películas de género dramático.300301

A principios de 2019 se anunció que el esperado falso documental de Scorsese acerca de la gira de
Bob Dylan de 1975, la Rolling Thunder Revue, iba a ser lanzado por Netflix. Fue su segunda
incursión en la vida del músico, pero a diferencia del enfoque exclusivamente realista mostrado
en No Direction Home, en Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese se
mezclan hecho verídicos de la gira con entrevistas ficticias.302 De acuerdo con la descripción de la
revista Variety, se «captura el problemático espíritu de Estados Unidos en 1975 y la alegre música
que Dylan presentó durante el otoño de ese año. En parte documental, en parte concierto, en
parte delirio febril, Rolling Thunder es una experiencia única del experto cineasta Martin
Scorsese».303 En abril se anunció que el documental iba a ser estrenado en Netflix con estrenos la
noche previa en veinte cines de ciudades estadounidenses, europeas y australianas, y posteriores
proyecciones en Los Ángeles y Nueva York para darle la posibilidad al filme de ser considerado
para posibles galardones.304

Después de años en desarrollo, en 2017, Scorsese comenzó a filmar El irlandés, protagonizada por
Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci.305 Con un presupuesto estimado de entre 159 y 225
millones de dólares, se transformó en una de las películas más costosas de Scorsese.Nota 21
Debido en parte de su gran costo de producción, ningún estudio se puso de acuerdo para
financiar El irlandés y fue Netflix la empresa que financió y distribuyó la película en su
plataforma.311 El filme se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York en 2019, posteriormente
tuvo un estreno limitado en el cine y en última instancia empezó a transmitirse a través de
Netflix.312 En una entrevista con el crítico de cine Peter Travers, Scorsese señaló: «Cuando me
acusaron de poner en peligro la experiencia teatral por hacer este filme en Netflix me pregunté:
‘¿qué es una experiencia teatral?’. Entonces miré las salas de cine y la mayoría estaban
proyectando películas de superhéroes, y dije: ‘¿Qué más hay? ¿Todavía nos quedan cines para
proyectar una película?’».313 El filme tuvo una respuesta mayoritariamente positiva de parte de
los críticos314315 y recibió candidaturas a varios galardones, incluyendo el Óscar a la mejor
película y mejor director para Scorsese.316

Años 2020[editar]

Hacia fines de 2019, Leonardo DiCaprio y Robert De Niro se unieron al próximo largometraje de
Scorsese, Killers of the Flower Moon, una adaptación del libro homónimo de David Grann, el cual
relata los asesinatos en una acaudalada comunidad de indígenas osage en Oklahoma durante la
década de 1920, después de que se descubre un yacimiento petrolífero en su territorio.317 En un
principio, Paramount Pictures había acordado financiar la producción, aunque expresando dudas
con respecto al presupuesto, ante la insistencia del director y los actores de realizar un wéstern a
gran escala.318 Las varias rescrituras que sufrió el guion original a manos de Scorsese y Di Caprio,
transformando la historia —como expresó Paramount— en un «estudio malhumorado y menos
comercial sobre los personajes», fue el factor que llevó a la compañía a permitir que Scorsese
buscase financistas adicionales.319 Así, tras una puja entre estudios, se determinó que Apple
TV+ se iba a encargar de la mayor parte del costo del proyecto,318 mientras que Paramount iba a
permanecer como distribuidora.319

Otros trabajos[editar]

Preservación de películas[editar]

Su pasión por la historia del cine y la preservación de películas lo llevó a fundar The Film
Foundation en 1990, una organización sin fines de lucro con la finalidad de restaurar, preservar y
difundir filmes históricos.32020 La fundación ha restaurado más de ochocientos filmes de todo el
mundo y organiza un programa gratuito de lenguaje e historia del cine.20 Por sus contribuciones a
la preservación de películas, Scorsese obtuvo el Premio Robert Osborne en el Festival de Cine
de TCM.321 En 2007 estableció la World Cinema Foundation, una organización con los mismos
objetivos que la anterior pero a nivel global.322323

Proyectos incompletos[editar]

A mediados de la década de 1980, Al Pacino le propuso a Scorsese llevar a la pantalla grande una
película biográfica sobre el pintor Amedeo Modigliani. Al director le gustó el guion de Pacino —
quien iba a interpretar a Modigliani— y ambos intentaron conseguir financiación de parte de
algunos estudios de cine, pero la idea fue siempre rechazada. Durante esa época, tras varios
fracasos en la taquilla, Scorsese ya no tenía influencia y los estudios consideraban que no era
«financieramente fiable».324325 Otros de los proyectos considerados por Scorsese fueron
una remake de Scarface con Robert De Niro;326 Dino, una biopic de Dean Martin escrita
por Nicholas Pileggi;32722 una adaptación de la novela The Heart of the Matter de Graham
Greene;328 Little Shop of Horrors329 y Clockers.330

Algunos de sus planes para la televisión nunca se concretaron, como por ejemplo
la precuela de Goodfellas que se había confirmado en 2010, desarrollada por Pileggi y Scorsese
para Warner Bros.331 Por otro lado, en 2013, Scorsese anunció que se encontraba trabajando en
una serie de televisión basada en Gangs of New York. La serie iba a desarrollar con más
profundidad el ascenso de las pandillas a finales de los años 1800 tanto en Nueva York como
en Chicago y Nueva Orleans.332 Asimismo, en 2014 se anunció que HBO y Paramount iban a
producir una versión para la televisión de Shutter Island. La serie, titulada Ashecliffe, iba a tratarse
de una precuela del filme e iba a desarrollar la historia de los fundadores del hospital psiquiátrico
que le daba nombre al proyecto. Se había anunciado a Scorsese como director del episodio piloto
y Dennis Lehane como guionista.333

Uno de sus proyectos más esperados era Sinatra, sobre la vida de Frank Sinatra. Scorsese había
estado trabajando en el proyecto desde 2009 y posteriormente se conoció que Phil Alden
Robinson y Billy Ray habían desarrollado el guion y se consideraba a Leonardo DiCaprio como
protagonista.334 Scorsese también había mencionado a Pacino como Sinatra y De Niro como Dean
Martin.335 No obstante, el director abandonó el proyecto en 2017 después de que los familiares
del músico se negaran a autorizar la difusión de ciertos aspectos de su vida. «Algunas cosas son
muy difíciles para una familia y lo entiendo totalmente. Pero si esperan que lo haga, no pueden
ocultar ciertas cosas»,