una visión general de los estilos composicionales del siglo XX

el siglo de la pluralidad:

el término tonalidad se ha utilizado de diversas maneras en la teoría de la música del siglo

XX. para aclarar nuestro uso de este término, definiremos la tonalidad como un sistema en
el cual los campos se organizan jerárquicamente alrededor de un centro tonal o tónico. el
sistema tonal que prevalece en lo que conocemos como el período de práctica común se
conoce generalmente como mayor-menor, o tonalidad funcional. en la tonalidad funcional,
los acordes tienen una función armónica o tonal, que podemos definir como la relación de
un acorde con los otros acordes en el piano, y especialmente su relación con el tónico.
usualmente etiquetamos las funciones específicas de los acordes con números romanos. las
funciones armónicas básicas son tónicas, dominantes y predominantes, aunque los acordes
también pueden tener una función de prolongación (más a menudo al proporcionar una
extensión de otros acordes por medio de un movimiento lineal próximo o de paso). en la
música de algunos compositores románticos tardíos o post-románticos como Richard
Wagner, Hugo Wolf, Anton Bruckner, Gustav Mahler, Richard Strauss, Alexander
Skryabin y otros, encontramos una variedad de procedimientos armónicos y lineales que
tienen el efecto de debilitar la tonalidad funcional. estos procedimientos pueden producir
una suspensión de la tonalidad o pueden crear una sensación de ambigüedad tonal, incluso
al punto que a veces el sentido de la tonalidad se pierde por completo.

la tonalidad funcional (aunque extendida de varias maneras) ha seguido siendo un sistema

armónico importante en el siglo XX. gran parte de la música de compositores como
giacomo puccini, maurice ravel, manuel de falla, jean sibelius, sergei rachmaninoff, george
gershwin, aaron copland, samuel barber, ralph williams, benjamin britten, o incluso sergei
prokofiev o dmitri shostakovich, representa la continuación de las tradiciones tonales
heredadas de los dos siglos previos. La tonalidad, además, ha sido mantenida viva por otros
modismos del siglo XX como la comedia musical, la música de cine, el jazz, el pop y el
rock.

sin embargo, el debilitamiento progresivo (y la ruptura final) del sistema tonal a fines del
siglo XIX llevó a algunos compositores de comienzos del siglo XX a buscar métodos
alternativos de organización del tono. usaremos el término post-tonal para referirnos a todas
las técnicas y estilos de organización de tono que resultaron de esta búsqueda de
alternativas a la tonalidad funcional.

muchas obras del siglo XX que no presentan ningún tipo de tonalidad tradicional se basan,
sin embargo, en algunos principios de cenitidad de tono, la organización de tonos alrededor
de uno o más centros de tono, aunque no necesariamente incluye un sistema de jerarquías
de tono alrededor de un tónico. A pesar de que la tonalidad funcional con certeza presenta
centrarse en el tono, en este libro no discutiremos la música del siglo XX basada en la
tonalidad funcional o sus diversas extensiones. estudiaremos, sin embargo, la centricidad
del tono post-tonal como se encuentra en la música de claude debussy, igor stravinsky, bela
bartok y otros.

otros compositores adoptaron enfoques radicalmente nuevos para lanzar la organización. en

la música de principios de siglo de arnold schoenberg, alban berg y anton webern (un grupo
generalmente referido como la segunda escuela vienés), encontramos que las células
interválicas y motívicas (es decir, colecciones de intervalos o tonos utilizaban bloques de
construcción composicionales) ), así como las sonoridades no triádicas y las relaciones
lineales no funcionales, reemplazan las estructuras funcionales triádicas familiares. Debido
a que esta música normalmente no presenta ningún tipo de centro tonal o centricidad de
tono, podemos referirnos a ella como atonal. deberíamos aclarar, sin embargo, que este
término no debe entenderse de ninguna manera como la definición de la ausencia de
organización de tono. por el contrario, lo que llamamos música atonal a menudo presenta
relaciones de tono sofisticadas, como veremos en los capítulos 3 y 4. Las células
interválicas y motívicas también desempeñan un papel importante en gran parte de la
música de debussy, stravinsky y bartok.

a principios de la década de 1920, schoenberg (seguido de berg, webern y otros) comenzó a

utilizar un nuevo método de organización de tono que conocemos como el método de doce
tonos, o el serialismo de doce tonos. en general (y hay excepciones a esta afirmación), la
música en serie, como la música atonal pre-serial de la escuela vienesa, tiende a evitar
explícitamente el tono centrado. tales nuevos enfoques compositivos requieren nuevas
formulaciones teóricas y medios analíticos. en este libro exploraremos y aprenderemos los
métodos apropiados para comprender la música atonal y serial.

elementos distintos al tono también han sido utilizados de forma innovadora por numerosos
compositores del siglo XX. melodía, ritmo, compás, timbre, textura, dinámica y
orquestación son algunos de los elementos que los compositores, como debussy, stravinsky,
bartok, prokofiev y webern, así como charles ives, edgar varese y olivier messiaen utilizan
de maneras sorprendentemente nuevas en la primera mitad del siglo XX. Además, la
segunda mitad del siglo presenta una fascinante diversidad de tendencias composicionales y
estilísticas en serie y posteriores, que a menudo ponen gran énfasis en los elementos
musicales distintos del tono, como estudiaremos en los últimos capítulos de este libro.
algunos de los principales compositores europeos de la posguerra II son pierre boulez,
karlheinz stockhausen, luciano berio, witold lutoslawski, gyorgy ligeti, krzysztof
penderecki y sofia gubaidulina. Entre los miembros europeos más destacados de la
generación más joven de compositores se encuentran magnus lindberg, kaija saariaho,
oliver knussen, george benjamin y thomas ades. en los Estados Unidos, compositores como
roger sessions, milton babbitt, george perle, donald martino o charles wuorinen han
ampliado el alcance técnico y teórico del serialismo, mientras que otros compositores,
como john jaula, elliott carter, george miga, morton feldman, pauline oliveros, joseph
schwantner o augusta read thomas, han explorado una variedad de técnicas y estilos en sus
composiciones.

en las últimas décadas del siglo XX, encontramos numerosos compositores que basan su
música en la extensión del concepto de tonalidad o cenit de tono, en estilos de
revitalización de la tonalidad tradicional. este redescubrimiento de la tonalidad y su poder
expresivo en los últimos años del siglo es patente en obras de compositores como David del
Tredici, George Rochberg, Joan Tower, Wolfgang Rihm, Christopher Rouse, Aaron Jay
Kernis y Jennifer Higdon, o en obras recientes por penderecky y hans werner henze. otro
poderoso trent estilístico en las últimas décadas, que usualmente llamamos minimalismo,
ha presentado la adopción de medios compositivos mucho más simples que la mayoría de la
música anterior en el siglo veinte. Los compositores que han practicado la estética de la
simplicidad de una forma u otra incluyen a John Cage, Arvo Part, Louis Andriesen, Philip
Glass, Steve Reich, John Adams y Michael Torke.

podemos pensar en el siglo XX, desde la perspectiva de los estilos y las técnicas musicales,
como un complejo mosaico formado por muchos azulejos estilísticos. las baldosas han
coexistido en el mosaico histórico, a menudo con un gran grado de independencia entre
ellas, pero también con numerosas interconexiones. podemos identificar algunos de los
mosaicos de las primeras décadas del siglo como música tonal, música post-tonal centrada
en el tono, música atonal, serialismo y música neoclásica. en la segunda mitad del siglo,
algunos de los mosaicos son serialismo, composición aleatoria, masa sonora, collage y cita,
minimalismo, música electrónica e informática, además de las fichas aún existentes de la
primera mitad del siglo (tonalidad, cenit de tono, atonalidad, neoclasicismo, etc.). los
compositores, sin embargo, han tenido la libertad de mover entre las fichas, o incluso para
pararse en más de una casilla a la vez. es decir, las fichas del mosaico no son exclusivas;
tampoco son necesariamente contradictorios. stravinsky, por ejemplo, se refirió a algunos
de ellos (como la cenit de tono, el neoclasicismo, el serialismo) de forma sucesiva o
simultánea. y lo mismo hicieron schoenberg (tonalidad, atonalidad, serialismo,
neoclasicismo) y muchos otros compositores (como lutoslawski, penderecki, stockhausen,
rochberg, pârt o andriessen, por nombrar algunos).