Historia Del Arte

Profesora: Diana Rodríguez Díaz -2017- (I semestre)
HISTORIA DEL ARTE
Que es para ti un artista: habilidad, técnica y sobretodo una capacidad de expresión (para que
nosotros podamos entenderla), por supuesto también la belleza y la armonía.
QUE ES EL ARTE:
Como una idea general diremos que el arte es un concepto abierta, porque en la historia de la
humanidad esta ha tenido diferentes conceptos… pero diremos que es la creación espiritual y
material de una civilización que debe estudiarse en relación a su “contexto histórico o-
cultural” (que quede claro que nunca se comparará una obra de arte con otra, porque ambas
son diferentes y de diferente cultura y contexto). Forma parte del equipo espiritual de una
civilización, es una manifestación cultural.
Historia del arte
Es una disciplina científica y humanística que tiene como objetivo estudiar las obras de arte, a
lo largo de toda la historia (procesos de creación y recepción, discurso sobre el arte y la teoría
artística). Que estudiamos en la obra de arte: aspectos técnicos.
Además de preocuparse de la obra de arte en sus diversas facetas, también se ocupa de la

relación de la obra.
A veces creemos que para entender el arte hay fórmulas, pues para entender la obra de arte se
entiende según la época.
La palabra ARTE viene del ARS en Grecia se relaciona a los artesanos, y oficios; en la edad media
ARS en latín o ART que significaba cualquier aprendizaje por libros que se dividían en 2:
ARTES LIBERALES = “Tribium” (gramática, retorica, dialéctica,
“Cuadribium” (astronomía, geometría, aritmética, música)
ARTES SERVILES= pintura, escultura y en general que requieran el esfuerzo corporal
- En la edad media moderna: se establece el antiguo significado de artesano artista, pero que
es considerado creador (firmaban sus obras cosa que no se hacía antes porque era signo de
soberbia)
A fines del siglo XVIII Se distinguen las bellas artes y los útiles.
En el siglo XIX Se genera el concepto de un artista como un ser superior, inspirado. El “artista
romántico”. Aparecen las galerías de arte.
ACTUALMENTE: El arte se encuentra en constante experimentación con nuevos medios y

técnicas. Arte total.
Un aspecto importante es definir varios conceptos
BELLEZA: Es un paradigma ideal que cambia según la época, perfecciona simetría –equilibrio–,
armonía, perfección. Cada sociedad marcara sus propias pautas. Cada grupo étnico tiene su
belleza. La obra de arte no siempre busca la belleza.
SISTEMA DE PRODUCCION Y CIRCULACION ARTÍSTICA: Para que exista el arte se necesita el

artista y su obra, pero para que sea arte también se necesita de un público, sea que lo acepten
o no (crítica de arte).
La inclinación a los temas atractivos puede convertirse en un obstáculo si nos conduce a

rechazar obra que representan asuntos menos agradables. Los criterios acerca de la belleza y el
gusto son muy variables.
Una producción NO es mejor cuanto más fielmente reproduzca la realidad.
Es un error querer la destreza del artista al representar los objetivos, cuadros en los que algo
parece “como si fuera de verdad”
No existe una formula general para apreciar todas las obras de arte.
APRECIACION ARTISTICA: La característica principal de una obra de arte es ser una totalidad
integrada.
Las artes se clasifican
Artes Planimétricas: dibujo, grabado, la pintura, la gráfica, los textiles, vidriera
Artes Volumétricas: esculturas, cerámica, mobiliario, el diseño industrial, de modas
Artes Espaciales: arquitecturas, urbanismo, jardinería
Artes Escénicas: teatro, cine, danza
.. En la pintura se tiene que tener en cuenta que es una superficie plana cubierta de colores con
un orden.
Elementos formales de la pintura:
Temas:
Religioso/ retrato /bodegón /paisaje /histórico /desnudo/
ELEMENTOS PLASTICOS:
Línea (dibujo) /los colores /textura /la proporción /el equilibrio /el ritmo / las áreas / el espacio
1. EL COLOR
Primarios = amarillo-rojo-azul
Secundarios= naranja-violeta-verde
Complementarios… naranja del azul / violeta del amarillo / verde del rojo
VALORES ETICOS DE LOS COLORES
Colores cálidos = rojo, naranja, amarillo (intensos, vitales, alegres, se relacionan con la luz)
Colores fríos= verde, azul, violeta (sedante, a apacible, agua y el mundo vegetal, distancian y
empequeñecen)
LA LINEA
Horizontal (reposo, paz, estatismo, pasividad, calma, serenidad)

Verticales (vitalidad, fuerza, seguridad)
Oblicuas (agitación, lucha, movimiento)
Curvas (gracia encanto movimiento)
Espirales (crecimiento dinamismo)
Quebrada (desorganización, inseguridad)
LAS AREAS: Zona, parte, superficie, forma, Es el resultado superficial del trazado de líneas sobre
un fondo. Otorgan estructura y expresión a la composición.
Los triángulos: sobre su base, solidez, eternidad, permanencia, estabilidad, (sobre uno de sus
vértices = amenazante, tensa, peligrosa)
Rectángulos= estabilidad, solidez, permanencia
Círculos= eternidad, inmensidad, movimiento
Óvalos= perpetuidad, creatividad, feminidad, gracia.
EL CONCEPTO DE ESPACIO
Existen diversas soluciones para representarlo.
Perspectiva aérea o perspectiva atmosférica se produce la sensación de profundidad al imitar

el efecto es espacio que hace que los objetos se vean más pálidos, azules y nebulosos o menos
distinguibles a distancia media y lejana.
Perspectiva lineal: se produce en una composición las líneas paralelas parecen unirse a distancia
EL RITMO: otorga dinámica visual a la obra, crea una guía para el movimiento visual por la
superficie de la representación. Armonía de las losas del baño en la pared
TEXTURA: Cualidad táctil de una superficie. Cada artista realiza una propia expresión de la
textura:
 No le interesa el uso.
 Atraídos por sus posibilidades: representación meticulosa, imitación.
la textura en el arte se representa de dos maneras o una porque lo representa o lo pone en

realidad en la pintura.
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CRONOLOGÍA DE LA HISTORIA UNIVERSAL
ARTE PREHISTORICO
Edad de piedra: Paleolítico (inferior, medio superior) 2M a.C. -10 000 a.C. / mesolítico 100000-
80000 / neolítico 80000-60000.
Paleolítico superior: las primeras manifestaciones de arte figurativo pertenecen
Cronología: 30 000 – 1 000 ac.

Pintura y grabado
El hombre generalmente ocupaba la parte de la caverna para aprovechar la luz natural.
PERIODO PALEOLITICO (superior)
son las que se tiene registro, no hay más allá. En esta época se tiene a una relación mágica. Es
un arte llamado RUPESTRE o parietal porque se realizaban dentro de la cavernas, en si tiene
también 3 fases AURIÑACIENSE, SOLUTRENSE, MAGDALENIENSE.
Aquí van a aparecer las primeras manifestaciones artísticas: la pintura y el grabado (por lógica
no aparece la arquitectura) en muchos casos las pinturas aparecen a la entrada de la caverna
porque ahí había más luz, pero lo curioso es que también se podrían encontrar en el interior en
lo más oscuro lo que marca que estas pinturas no estaban destinadas a la decoración. Existen
dos lugares importantes de estos: ALTAMIRA (España) LASCAUX (Francia). CARACTERISTICAS:
Se va encontrar en ellas la simetría, usaban la madera quemada (carbón) y otros elementos
mezclados con grasa animal que les permitiera que se mantuviese en la pared.
Se considera las primeras pinturas fueron hechas por los cazadores ya que ellos observaban la
naturaleza, utilizan todos los recursos a su disposición. También se encuentran algunos símbolos
fuera del ámbito de la representación natural, que nos da a entender el desarrollo del intelecto
del hombre que poco a poco comienza a desarrollar símbolos.
Hay personas que realizan rituales mágicos con las imágenes que representan a la persona, esta
es una concepción muy antigua, los hombres paleolíticos usaban lo mismo.
1. MAGIA SIMPATICA O DE ATRACCIÓN: pintaban animales para practicar la cacería con

esta.
2. MAGIA DE PROCREACION: se representan animales preñados.
3. MAGIA DE REPULSION: para rechazar animales dañinos: el oso de las cavernas,
serpientes.
En resumen, fue un Arte mágico – religioso.
En esta época el hombre cree que hay una fuerza más fuerte que él pero que pueden atraerse
pintándolos en las cavernas.
Buscar imágenes de bisonte de Altamira en España
PERIODO AURIÑACIENCE
Se utilizan materiales como la piedra, huesos y marfil. Aplicaban dos tipos: bulto redondo y
relieve y que a diferencia de los otros habrán en ellas humanos. A estas esculturas se les ha
denominado VENUS. Fueron hechas en épocas difíciles (escases de comida, frio) se creía que
estas esculturas se hicieron para propiciar la fecundidad (no poseen rostros si no se enfatizan
los órganos femeninos, esto implica que no importa lo bonito si no la función.) LA VENUS DE
LESPUGUE.
PERIODO SOLUTRENSE
 El hombre del paleolítico superior le gusta representar cosas cotidianas.

 Se realiza especialmente en alto relieve
 Las representaciones humanas decaen, abundan las representaciones de animales.
PERIODO NEOLITICO
Momento importantísimo, se establece en un solo lugar, lo que genera la arquitectura, siembra
cosecha, comercia, produce vasijas, platos. Es en este momento donde aparece la gran
arquitectura megalítica (monumentos de grandes piedras) todas estas piedras ENFERMO
estaban relacionadas con el culto a la muerte.
A la cultura de este periodo se le ha llamado MEGALITICA.
Obras artísticas:
1 EL MENHIR. Un monolito clavado verticalmente. (como el lanzón monolítico) el cual se cree

que servía cuando un cuerpo no era encontrado y su alma tuviese donde descansar.
2 CROMLECH es la agrupación de menhires en forma circular, ya formando un anillo o varios. El

más famoso es el de STONEHENGE, estas eran puestas con bastante fuerza pues eran totalmente
pesadas.
3 ALIENACIONES: agrupaciones de menhires en filas.
Hacían grandes fosas para elevarlas. Además, también hay los
4 DOLMENES: Una especie de “mesa de piedra”, son sepulcros formados por varias piedras
verticales con otro u otras horizontales. Es la primera manifestación de arquitectura adintelada
en piedra. Puede estar al aire libre o cubierto por un túmulo de tierra, donde en algunos casos
tiene un corredor de ingreso (sepulcro de corredor).
CIVILIZACION EGIPCIA
Se desarrolló en el África alrededor del rio Nilo, todo se lo deben a esto, se divide en el alto
Egipto y el bajo Egipto. Por eso todas las ciudades se fundan alrededor del rio. Los periodos del
antiguo Egipto se dan en tres etapas:
 El imperio antiguo 2654-2130 a.C florecimiento de las artes y la construcción de

inmensas pirámides.
 Imperio medio 2040-1777 a.C.
 Imperio nuevo
Cuando hablamos del imperio egipcio hablamos de una jerarquía, era un gobierno teocrático.
PRIMERO el faraón, SEGUNDO la clase sacerdotal, TERCERO los funcionarios, dentro de ellos
están los escribas, ellos eran fundamentales porque almacenaban la información para todo, en
esta época solo algunos sabían escribir (nobles y los que servían al faraón) , luego viene los
soldados, campesinos y abajo están los esclavos.
La escritura Era una la jeroglífica, en esa época se tallaba en piedra, que además de ser escritura
parecen decoraciones. Se lee de arriba hacia abajo. Cuando Napoleón invade Egipto encuentra
una piedra capaz de descifrar los jeroglíficos y ha servido hasta ahora para interpretarlos.
Economía se basaba en la agricultura.
La religión en Egipto fue importante, ellos creían en la vida después de la muerte (el libro de los
muertos). Ellos creían que al morir éramos conducidos por Anubis y nos llevaba frente a Osiris y
ponía el corazón en una balanza y una pluma (si pesaba más eras devorado por un animal
mitológico). Entre sus dioses tenemos: Anubis, Apis, Horus, Isis, Osiris(Ib/Maat).
Entender su contexto demuestra cómo son sus obras de arte. El arte tiene una función y si
quiero representarlo majestuosamente significa que los hare inmensas, Egipto quiere ser un
gran imperio. Los muros son gruesos de piedra. Aparecen las columnas
Principalmente son TUMBAS: existen tres tipos: mastabas (tumba simple, de un nivel que toda
la construcción se concentra en lo subterráneo) // las pirámides (parte de un proceso evolutivo,
la tumba se encuentra dentro de la pirámide // el hipogeo (eran construcciones funerarias
excavadas en roca.
TEMPLOS tenían un obelisco (que simbolizaba la vida terrenal y divina.)
A. ARTE FIGURATIVAS: nos referimos a la pintura y escultura y aquí son de carácter funerario y
religioso. La forma de composición del antiguo egipcio siempre es la misma, no hay, no existe la
libertad artística, el faraón controlaba el arte, el artista estaba al servicio del faraón, hay un
momento que si cambia y se vuelve más libre es durante AMENOFI IV. Las imágenes de los
faraones eran de piedra (eterno) sin defectos IDEALIZADO, para los demás era con materiales
más sencillos.
Las imágenes eran rígidas llamado HIERATISMO la rigidez en el gesto indica eternidad. Las
estatuas se hacían con un cubo (ESTATUA-CUBO), lo que le importaba era representar
claramente las cosas (el artista no pintaba tal como veía, sino que quería mostrarte como se
hacían las cosas.
La perspectiva es la sensación de profundidad si existe, pero lo hacían de manera que se

entienda que lo que se encuentra más cerca de mi es lo que se encuentra abajo hacia arriba,
también se destaca que la persona más importante de la obra se encontraba representado en
un tamaño mucho más grande que los demás (jerarquía). También tienes reglas de
representación: los hombres tiene un color más oscuro y las mujeres más amarillentas (cabe
recordad que los egipcios tenían normas para la representación)
La pintura (primeras manifestaciones son anteriores al 3 000 a.C) podía ser en la pared, roca o
también en un papiro. En este tipo de pinturas las imágenes son planas y sin degradaciones. Algo
que siempre vamos a ver en ellas es que los pies van a estar de perfil PORQUE LA RAZON DE
QUE SE HAGA ASI ES QUE SE ENTIENDA DE MANERA CLARA LO QUE SE QUISO REPRESENTAR .
B.2 LA ESCULTURA
Puede ser en un bulto redondo libre de la pared o bajo relieve (generalmente se representan en
ellos a funcionarios o autoridades) la utilización del material depende de su rango (al faraón
nunca lo van a hacer de madera porque no perdura)
Cuando Napoleón viaja a Egipto encuentra una escultura grande en piedra que se cree que es la
representación de EFREN.
Algunas obras:
 Triada de Myerinos: Piedra pizarra alto 92, 5 cm museo de El Cairo

 El alcalde de la aldea: madera de sicomoro Alto 1, 12 m Museo de El Cairo.
 Escriba sentado: caliza pintada Alto 53 cm Museo de Louvre Paris
Periodos: EL IMPERIO NUEVO
Hace mención del gobierno de AMENOFIS IV (AKENATON) hizo que la religión solo se
concentrase a un solo dios llamado ATON (disco solar) dejando de la Amón. Como cambia todo
también cambian las reglas del arte. (se representan con curvas), luego del periodo de AMARMA
viene TUTANKAMON
Las imágenes adquieren un mayor naturalismo, se alejan del hieratismo de las épocas
anteriores. Los rostros adquieren rasgos mas realistas.
 Nefertiti: Caliza policronamda altura 48 cm.

 Akhenaton: Arenisca museo Egipcio de El Cairo
En el periodo post-Amarna se restaura el antiguo orden.
 Mascara de oro de Tutankamon
LA ARQUITECTURA
Se utiliza la piedra labrada en sillares, perfectamente aparejados, unidos sin argamasa. Muros
gruesos y en talud, predominio de los volúmenes geometricos.
Colosalismo: edificios de gran tamaño.
Pilastras, pilares, columnas.
Obras arquitectónicas
a. La mastaba
b. La pirámide
c. El hipogeo: construcciones escavadas en la roca.
Clase 30 de marzo: Video: maravillas modernas. Las pirámides de Egipto
EL MUNDO CLASICO
ARTE GRIEGO
Situación geográfica
Grecia está situada en extremo sureste de a región balcánica, en el mar mediterráneo oriental.
Se trata de una península entre el mar Egeo y el mar Jónico, que engloba numerosas islas.
Periodificación del arte griego
Periodo geométrico: 1000 – 750 a.C.
Fase orientalizante: s. VII – principios s. VI a.C.
Periódico Arcaico: 610 – 480 aprox. A. C.
Periodo clásico: siglo V y IV
Periodo helenístico: 323 s. I a.C.
Ciudades importantes:
Atenas: Democracia y sociedad democrática.

Esparta: Aristocracia militar y sociedad militarista.
Religión: Politeísta, antropomorfa.
Hablamos de Grecia y Roma. El arte griego no nace de un día para otro, nace de la cultura
MINOICA Y LA MICENICA. Entre Atenas y Esparta son las importantes en el ámbito cultural.
Cuando una cultura sale de su centro hay una modificación artística.
PERIODOS
ESCULTURA ARCAICA / HELENISTICA
Realizadas en piedra
Existen dos tipos muy característica: los Kouros, figuras atletas desnudos; la korai, figuras
oferentes.
Características de la escultura:
En la escultura hay una búsqueda por representar la belleza, se da un cambio en cada una de
las tres fases (en la representación del cuerpo, naturalidad)
En la escultura ARCAICA podemos ver en las esculturas influencias egipcias de rigidez, vemos a
encontrar en femenino(KORAI) y masculino (KOUROS), posee geometrismo, aunque tengan
cabello posee una sensación naturalidad (en arte para hablar sobre la naturalidad de la ropa se
llama DRAPEADO) ….. Se sigue la regla de la historia del arte, la influencia de la cultura pasada
para encontrar una búsqueda de la propia que con el tiempo cambia….
Koré: Son figuras femeninas, vestidas con una vestidura larga.
ESCULTURA CLASICA
Tienen el detalle de serenidad (no hay dramatismo) armonía, se hacía o los CANONES (unidad
de medida basado con la medición según las cabezas) los griegos comienzan a buscar la belleza
que lo alargan o sea le han aumentado el CANON, y también pareciese que fuese natural, EL
DRAPEDADO es alucinante….. muy sensual (muestra la sexualidad del cuerpo ENFERMO
humano).
Obras: El Doríforo, Discóbolo, Hermes con el niño Dionisio.
En la ESCULTURA HELENISTICA se da un movimiento agitado en sus esculturas, se expresa los

sentimientos. Se pierde el equilibrio clásico, el escultor busca el movimiento, prefiere la
expresión dramática y actitudes violentas.
Obras: Laooconte y sus hijos, Victoria de Samotracia.
ARQUITECTURA GRIEGA
La piedra ha sido el material más utilizado por que el mármol se encontraba fuera de la ciudad,
o que hacían en ellos es que a partir de poleas unir las diversas secciones, una vez que se unían
las tallaban y le daban forma.
El material más usado fueron las piedras: calizas, mármol. Este material abundaba en el
Mediterráneo, en Asia Menor y Atenas (Paros, Nasos y Tasos).
PARTES COMUNES: todos sus templos se elevan sobre una plataforma de escaleras, le viene las
columnas (el cuerpo de la columna se llama fuste y la cabeza se llama el capitel), sobre la
cubierta, y sobre ella se pone el FRONTON ( una especie de triángulo), hay tipos clasificaciones
de ellas ( manera particular de decorar sus templos ….. la clave será en la columna (el fuste va a
cambiar y el capitel también cambiara):
ORDENES GRIEGOS
EL ORDEN DORICO
Tú vas a ver que la columna parte del último escalón que nos permite subir al templo, el fuste
es más gruesa de abajo hacia arriba y no tiene base solo capitel. El capitel es geométrico.
EL ORDEN JONICO:
Es recto y más delgado que el dórico, y tiene voluta (DOS CURVAS EN EL CAPITEL QUE HACEN DE
RIZOS).
ORDEN CORINTIO
Propio de oriente, con elementos vegetales como decoración para los capiteles. El capitel está
formado por| hojas de acanto.
ARQUITECTURA ARCAICA (S. VII AL VIA.C.)
El templo griego. - la manifestación más representativa y monumental de la arquitectura arcaica

es el templo. Se trata de una construcción derivada del megarón micénico.
 Entrada principal: Promaos(antesala)

 Sala principal: Cella o naos.
Se concibe la idea de que debe haber una antesala antes de entrar como para prepararnos para
divino. Normalmente los templos griegos estaban llenos de columnas (EL NAOS Y EL PRONAOS)
ARQUITECTURA CLASICA
En la arquitectura clásica hay acrópolis. El más conocido era Partenón.
ARQUITECTURA HELENÍSTICA:
Arquitectura adornada de manera dramática, propio en lo helenístico.
Característica: Mayor colosal ismo; mayor suntuosidad y enriquecimiento de los edificios; los
órdenes pierden sus rígidas normativas.
Ejm. Altar de Zeus en el Acrópolis.
ARTE ROMANO
Se desarrolló en Italia. La cultura romana fue resultado de una importante intercambio entre
civilizaciones diferentes…
Roma también se desarrolla en Europa, esta cultura se asentará en la península Itálica. Su

origen se explica por dos maneras (Rómulo y Remo fueron abandonados y alimentados por
una loba, Rómulo mata a Remo –según el plano mitológico-)
Periodos: Se establece la monarquía (763-509 a.C). Después no se soporta la forma de gobierno

y luego se sublevan, la republica (509-27 a.C) al final la republica será gobernada por el
triunvirato de ahí que al siguiente periodo se le llame el periodo de Augusto (época clásica 27
a.c-14 d.C.) y luego le sigue el imperio 14-476 d.C.
Romanización: Se establece el latín, se construyen caminos y ciudades, se establece el derecho.
ESCULTURA
EL RETRATO DE LA REPUBLICA
Los bustos van a ser las representaciones más famosas, este arte se origina con el fin de retratar
a los difuntos. Hacer mascaras de seda de los difuntos para que un actor viniese y se lo pongan
para actuar como el difunto.
El retrato bajo el imperio: La figura fundamental en los retratos va a ser el del emperador, la
intención de realizar un retrato es la exaltación del personaje. En este caso la figura de Octavio
va a ser exaltado en todas las facetas que tuvo en su poder, se llega a exaltar tanto que lo
representan como el máximo poder del ejército. Incluso se los diviniza con el anhelo de
considerarlos dioses. La escultura ecuestre es típica para exaltar la figura del héroe (la primera
fue el retrato ecuestre de Marco Aurelio).
RELIEVES
Herencia de la cultura griega
MONUMENTOS CONMEMORATIVOS
Cada vez que se ganaba una guerra o algo parecido se construía un ARCO DE TRIUNFO como los
arcos de TITO y el de COSTANTINO, también se hacían las COLUMNAS TRIUNFALES. (Ejm.
Columna trajana)
ARQUITECTURA
Características
Monumental (espacio – idea de la inmortalidad del imperio), funcional (osea según su función
se realizara de distinta manera), dinámica elementos constructivos, materiales variados,
revestimiento, orden : jónico, corinto y toscano( que es muy parecido solo que el fuste es más
liso).
EL TEMPLO
Tiene la herencia del templo griego pero con cúpulas. La basílica servía para ser negocios (los
primeros cristiano al legitimizan las basílicas porque de usar otros templos con arquitectura del
pasado se iba a recordar otro culto pagano.
EL COLISEO (no se explica)
LA CASA ROMANA
Muy parecidas a las casa virreinal por que poseían al centro una pequeña plaza y atrás tenían su
jardín.
ACUEDUCTOS Y OBRAS DE INGENIERIA

ARTE PALEO CRISTIANO
En la venida de Cristo cambia al imperio Romano, en esta época existían ciudadanos que todavía
seguían creyendo en otras divinidades mientras que los cristianos (de manera secreta). Hasta
que llega Constantino.
Los primeros cristianos hacían sus reuniones en las casa de los devotos más acomodados. Y
también en la catacumbas. Las catacumbas fueron aprovechados por los cristianos, la razón de
ellos era porque ahí mismo fue enterrado un mártir como los de SANTA INES O PRISCILA O
CALIXTO. Las catacumbas se ubicaban en la parte subterránea de la ciudad romana y se hicieron
tantas que se hicieron como una red, los nichos eran de enterramiento sencillos, llamados
también lóculos. Otro tipo eran LOS DE ARCOSOLIOS diseñadas para los santos mártires
(llamado así porque se tenía una decoración en forma de arco)-. Además también existían los
CUBICULOS era como si fuesen pequeñas casas que dentro de ellas se encontraban nichos (para
una familia) en ellas también tenían banquillos para realizar aquí rituales funerarios.
A. ARQUITECTURA: LA BASILICA
Con el edicto de Milán se empiezan a edificar los primeros templos cristianos. Los
templos cristianos no tomaron como modelo de los romanos debido a que recordaban
a la religión romana. La Basílica servía con el objetivo de negocios y administrar justicia.
Las catacumbas se siguen manteniendo pero con un fin de peregrinación
B. PINTURA
Son imágenes que aparecen en las catacumbas, ellos ven la forma de pintar romana y la
van a usar para representar sus imagines, esta recargada de la significación de fe: el
buen pastor, también hay otra clase de iconografía que se llaman los ORANTES (basado
en la carta de san pablo sobre la recomendación de que los hombres y mujeres debían
estar orar levantando las manos). LOS AGAPES (los banquetes) es un tema muy
complicado debido a que no se sabe si se refieren a la última cena o al banquete que se
hacía en las catacumbas mismas.
C. ESCULTURA
Tomada de los romanos debido a sus influencias. Usaban sarcófagos que tenían la
iconografía cristiana
ARTE BIZANTINO s. V – s. XV
a. Mosaico y pintura
 Sentido pictórico
 Utilizan colores más encendidos.
 Tendencia a llenar totalmente las superficies
Teodosio fue un emperador romano que dividió el imperio en dos la parte de occidente y
oriente, pero solo al dividir en dos serán dos cosas distintas, la de occidente el centro será roma
y el de oriente será Constantinopla (llamada también Bizancio). Cuando cae el imperio romano
de occidente los de oriente se consideran como los herederos, haciéndose así que no reconocen
al papa que vive en roma. JUSTINIANO es uno de los primeros emperadores que sigue este gran
imperio, los que viven en Bizancio tendrán influencia de arte helenística y de roma de occidente
por eso tienen una idea de llenar todo de decoración. Cuando se llena todo se llama HORROR
VACUI (U HORROR AL VACIO). Ellos prefieren más el mosaico tanto que los capiteles tiene
mosaico. Representan escenas bíblicas la DESIS (pinturas donde aparece solo Cristo, la virgen y
san juan).
Uno de sus rasgos más representativos era el resalte por los colores, como los mosaicos (no
eran sin sentido sino eran con fines religiosos). Encontraos el PANTOKRATOR en las ábsides
siguiendo la jerarquía clara que enseña la doctrina. Tenemos la THEOTOKOS (la virgen sentada
con el niño). Son imágenes rígidas y llenas de color por los mosaicos.
b. Esculturas: tienen imágenes rígidas

Trabajos en marfil
c. Arquitectura: la más característica es la de SANTA SOFIA, esta poseía una cúpula
(significaba el cosmos de Dios
Se mezclan 2 cosas: la parte basilical y la centralizada.
Utilizan las llamadas PECHINAS (triángulos que soportan la cúpula)
Santa Sofia se construyó (536 d.C)
ARTE ROMANICO
Data del siglo X al XII en Europa, se le decía ROMANICO porque tenían mucha semejanza entre
los edificios romanos (muros gruesos y solidos). Las peregrinaciones a lugares sagrados estaban
llenos de iglesias con este tipo de arte que ayudaba a difundir su estilo artístico.
a. ARQUITECTURA: vamos a encontrar una serie de elementos en común, como muros

gruesos y solidos con el sentido de crear espacios de recogimiento sin ruidos y también
poco ingreso de luz (pequeñas ventanas). Esta arquitectura es más ancho que largo
haciendo que se tienda a lo horizontal y a lo pesado. Tenían en la puerta una especie de
portada porque de no hacerlo así se podría caer la entrada.
Estas son construcciones rurales lejos de las ciudades donde principalmente primaban las
abadías. El tipo de planta que tenían era la basilical, con una nave dividida, con cruceros. Los
campanarios se localizaban en una torre fuera del templo.
Aparecen las torres.
b. LAS ESCULTURAS: muy asociada con la arquitectura, la imagen se adaptaba a la forma

de la arquitectura, pero también hay otras esculturas exentas de arquitecturas: estas
son rígidas.
PINTURA: tiene la finalidad de adoctrinar mientras se decora el templo.
La pintura es de color plana.

ARTE GÓTICO
Durante la baja edad media se van a producir grandes cambios económicos, sociales,
demográficos y culturales.
 EL ROMANICO ES RURAL Y MONACAL, EL GOTICO URBANO Y CATEDRALICIO. Las

catedrales se edificaban con financiamiento de los gremios y cabildos, con la
participación de la burguesía y la nobleza.
 EL GOTICO ES UN ESTILO MAS HOMOGENEO QUE EL ROMANICO
 CAMBIO DE RELIGIOSIDAD.
La denominación viene aparentemente de los godos (los barbaros) a partir del renacimiento se
le llama gótico por decirlo de manera peyorativa, ya que los italianos solo consideran lo clásico
como arte.
Este arte se desarrolló en la edad media e incluso en el renacimiento. Dentro de la edad media
se va a producir varios cambios (la escolástica, las universidades, las órdenes mendicantes)
El arte gótico es urbano o sea de ciudad y sus construcciones van a ser principalmente catedrales
construidas con la ayuda de los gremios.
Los vitrales empiezan con el arte gotico.
a. Arquitectura
Aparece como una suerte de evolución del arte románico (dicen algunos expertos). El gran paso
de la románica a la gótica se debe a la evolución de la tecnología arquitectónica. Un aspecto
importante es la disminución del grosor de los muros. Se van a dar los arcos apuntados u
ojivales, el techo o cubierta que se desarrolla debido a los arcos ojivales forman una bóveda de
crucero (como se ve en la catedral de Lima) de manera que se transformen en una especie de
maya o nervios. Gracias a este sistema hace que se logre más altura.
Además se diseñaron los arbotantes cuya finalidad es soportar los muros desde el exterior. La
ventaja de esto es que nos permite colocar los vitrales (grandes y bellísimos vitrales coloridos).
Con los vitrales se produce el efecto de la luz dentro del templo dando un ambiente místico.
Algo muy común en estas arquitecturas, y las románicas también, son los Rosetones (vitral
circular que se encuentra en el frente del tempo).
La planta basilical no se modifica. La altura (144 codos) se debe a la cifra de la ciudad de Dios
que se encuentra en las escrituras sagradas
ESCULTURA
En la representaciones artísticas de observa que han representado bien las forma naturales. El
arte se vuelve más natural. Las esculturas adquieren un formato más humano para representar
una emoción cosa que no se ve (aunque no se ve una naturalidad completa pues siguen dando
apariencia de rigidez).
PINTURA
Van a aparecer diversas tendencias, en Francia se va a visualizar un estilo franco-Gótico. En

Francia también se va a observar la importancia de los vitrales (siendo la luz un símbolo de
belleza) o sea ya no es tabla ni lienzo sino sobre vidrio.
Uno puede ver distintas tendencias, en Florencia la pintura se vuelve más naturalista. En Siena
se detecta una pintura medieval con fondos dorados. Todo es simbólico y jerárquico (la idea de
escala según la importancia) la idea de profundidad se halla presente pero discretamente e
imperfecto.
El estilo internacional se usaba en Francia para textos que contienen pinturas a los lados que se
aplicaban a salmos y cantos. Son imágenes muy coloridas e idealizadas (aquí no posee autores).
Este tipo de imagen se reserva para textos sagrados (era todo un arte hacer un libro).
En Flandes tiene un arte muy característico en el interés por el detalle. (Rogier Van der Weyden
y Van Eyck) muchos de esos artistas eran miniaturistas, expertos en el detalle.
ESTILO FLAMENCO
Países bajos.
Jan van Eyck (1390 – 1441) nació en Bélgica
Características
Pintura realista de la vida cotidiana.
Interés por la belleza natural de las cosas.
Detallista
Rogier Van Der Weyden(1399-
Pintor gótico Flamenco
Artista más influyente en el norte de Europa.
Giotto
Periodo trechento(pre renacimiento)
ARTE RENACENTISTA
El renacimiento se desarrolla en el siglo XV y XVI convirtiéndose Italia en su centro.
Florencia va a tener familias poderosos (como los Medici, familia de banqueros) van a tener una
importancia política y cultural. Haciéndose Mecenas (promotores del arte, sustentando a los
artistas). La firma de los artistas va a ser importante
En el renacimiento se resalta los valores humanos, recurrirán a los modelos grecorromanos. El

renacimiento es el primer retorno de los muchos que se tendrán en la historia del arte.
Pintura:
Busca el renacer de la Antigüedad: reinterpretación no imitación.
Se inventa la perspectiva aérea y lineal llegan a su perfección.
Temática religiosa, mitos.
Aparece un nuevo pictórico.
Renacimiento:
 XV Quattrocento (mil cuatrocientos): Florencia

 Características:
Recuperación de la antigüedad clásica.
Se supera el teocentrismo y se impone el humanismo
I. Donatello
II. Fra Angelico
III. Boticelli: Nació en Florencia aprendiz en el taller del pintor florentino Fray filipo.
 XVI Cinquecento (mil quinientos): Roma

I. Leonardo Da Vinci
II. Rafael Sanzio
III. Miguel Ángel Buonarotti
En el plano de la escultura hay un interés clásico (desnudos), lo pagano y lo religioso. En

Florencia se hizo u concurso para la elaboración de la puerta del Baptisterio de la catedral de
Florencia.
Donatello independiza una escultura fuera de la estructura, y naturalista y se representa la

gracia según el cuerpo.
Con respecto a la pintura se retoma el arte clásico (no es una copia sino una reinterpretación de
los elementos). El ejemplo de una pintura renacentista se observa una idea de profundidad.
También hay una preocupación por la luz y el volumen como vemos con Leonardo, también en
este contexto se da un contexto pagano en la pintura. Se hacen retratos de perfil de personas
importantes.
Se retoma la planta circular, las columnas, los capiteles compuestos, dinteles, arcos de medio
punto. En las iglesias tenemos una nave adintelada, se empieza a decorar las fachadas
(entablamento, tempano triangular tanto externo e interna con la técnica de la TARACEA. Se
construyen los palacios como de los Medici).
Arquitectura:
Elementos:
Se retoma la planta central y longitudinal.
En las arquitecturas vemos arquitecturas con arcos de medio punto. Están hechas de sillares
(como ladrillos) que les da una forma de rusticidad solo en el primer piso.
De Brunelleschi encontramos un hospital llamado el HOSPITAL DE LOS INOCENTES: en forma

horizontal, con ventanas triangulares (que expresan un cálculo matemático preciso y armónico).
Se sigue manejando la misma estructura en las bases.
Luego de renacimiento viene un movimiento artístico que también surge en Italia (1530-1580)
llamado MANIERISMO (a la manera de los artistas el renacimiento: miguel ángel, etc.). Este estilo
es importante (se dejan llevar por sus gusto, alejándose de lo verosímil) en arte se dice
AMANERADO A LO ANTINATURAL (como el cuello alargado).
Fra Angélico: 1387. Pertenece a la orden de los dominicos

Características:
 Tratamiento de la luz y el color.

 Mostrar la belleza, lo bueno y lo agradable.
Obras:
 Virgen de la Granada
Escultura
Gusto por el desnudo y las formas monumentales, empleo de materiales nobles.
Temática religiosa y pagana, resurge el retrato ecuestre.
Primera generación florentina
Fra Angélico (Florencia 1390 – 1455)
Masaccio.
Manierismo
A la manera de los grandes maestros del renacimiento.
El manierismo es subjetivo: los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil.
Posturas antinaturales.
BARROCO
El manierismo y el barroco son influencias que también se realizaron en el virreinato. Se vive en

un contexto de la contrarreforma (con el concilio de Trento 1545-1563). En el concilio de Trento
se consolida el arte como medio de evangelización. El barroco surge en Italia en el siglo XVII-
XVIII (hay uno español, flamenco, incluso uno italiano). Entonces este arte va a ser un brillante
que con el lenguaje artístico unos se conmueve y no se desvié al luteranismo, es teatral y brilloso.
Se preocupa mucho en la sensoriedad, lo oyes, mirar con la finalidad de evangelizar. Como la
columna salomónica.
BERNINI (Gian Lorenzo B.)1598-1680
Es un arquitecto que usa una dinámica curvilínea (escalera curva). Dinamismo y movimiento.
Además de arquitecto va a ser escultor: el movimiento, las pasiones, sentimientos y teatralidad.
(El éxtasis de santa teresa). Da la sensación de realismo que quiere expresar (la piedra parece
tela), hizo el baldaquino sobre el altar de la basílica de san Pedro
BORROMINI 1599-1667
Tiene mucho movimiento, curvilínea, teatralidad del edificio. Como los retablos del centro de
Lima (no es recta, sino curva).
En pintura vamos a tener a:
CARAVAGGIO 1571-1610
Lo más resaltante de estos es el claroscuro, como si por un lado entrase la luz por una parte en
medio de la oscuridad, en las composiciones sobresale una línea diagonal de la composición.
Con una influencia miguelina (de miguel ángel por resaltar la musculatura).
COMO MIGUEL ANGEL HIZO LA CAPILLA SIXTINA (VIDEO):
Julio II fue el primero que se subió al caballo para estar delante de su ejército. Miguel Ángel fue
encomendado a pintar la capilla Sixtina (fue recomendado por Bramante, según él para
avergonzarlo si le salía mal). Miguel Ángel era perfeccionista pero era escultor y eso
representaba un desafío para él.
Estaba desesperado por el resultado, tuvo que pedirles a unos amigos que le ayudasen a
recordar cómo era que se pintaban en frescos. Requirió de un andamio especial para no
molestar (pero lo hizo por medio de las paredes no del techo porque arruinaría la pintura). Es
imposible que lo haya hecho el totalmente solo (sino que unos trece ayudantes durante los
cuatro años que duro la obra).
El papa Julio II deseaba que el tema sea el nuevo testamento, pero Miguel Ángel desafió al Papa.
En todos sus modelos las mujeres parecían hombres, porque estaba habituado a representar
hombres. Escogió los pigmentos adecuados, exigía la mayor calidad para sus pinturas. (El fresco
hace que el artista tenga un tiempo limitado de unas horas para que se seque el fresco).
Lamentablemente ocurrió que unas partes se habían enmohecido, pintar para él fue un infierno
que lo llevo a escribir un poema sobre el esfuerzo que se necesitó pintar. Miguel Ángel lidio con
la impaciencia del Papa. Pero lamentablemente cuando quito el andamio, debido a que el Papa
quería ver cómo iba, se dio cuenta de que no se notaba las figuras desde abajo (había juzgado
mal).
Todo marchaba bien ahora pero luego faltaba dinero para la obra, tuvo que pedir su dinero. El
papa regreso a Roma y Miguel Ángel le impidió ver la obra. Miguel Ángel comenzó a sentirse
cansado por el trabajo. Miguel Ángel pinto nueve escenas, que luego develo. Al principio al Papa
le gusto pero luego le pidió que le agregase oro y más azul, pero Miguel Ángel no lo cambiaria.
Con 37 años logro realizarlo. Luego tenía la oportunidad de ser escultor y trabajar con la tumba
del Papa.
…La profesora sintiéndose traumada después de recordar sus años de estudiante a la hora de
exponer, mientras Camila habla sobre la viejita que se encuentra infiltrada en la pintura y nadie
la ve porque Camila ha profanado la pintura ensanchándola, algo que la profesora no le agrada.
Roberto levanta la mano, para sacar la tensión que se encuentra en el salón, ya que Caldas cerró
todas las ventanas y se concentra todos los humores, Roberto pregunta a Camila, sobre la última
pintura, mientras el ambiente sigue concentrándose, con los nuevos aromas que se desprenden
de quien sabe quién…
EL CLAROSCURO
Caravaggio (1571-1610): el barroco tiene la idea de causar impacto en el espectador, que le

espectador se emociones. Se trabaja la mitología, desde siempre, interés por la cultura clásica,
y este ejercicio… del concocienomento0 del mundo clásico, y se la cristianizaba
Se tiene fama de pintor de retratos: su idea de representar la muerte la corrupción de la carne.
Hay algunos artistas que tienen indagación cientificista, en Holanda: existe mucho la tendencia
de hacer retratos, en especial los gremios o grupos en un retrato grupal. (Rembrandt Van Ryn).
En España se da también la pintura barroca, Felipe IV pedirá muchos retratos de su familia, en

ellas se ve mucho realismo (los huevos parecen reales, la lata también: Diego Velásquez -1599-
1660), con detalles sobre la realidad de las telas y copas, no solo representaba a los nobles, sino
que también a algunos pobladores. “Las meninas”: pintura famosa de Velásquez, lo interesante
de esto es que la pintura se compone de pinceladas rápidas (nada definido).
Las esculturas barrocas (XVII) tiene el fin de suscitar la emoción de la fe (hasta las lágrimas), por
eso la técnica que logra este cometido es la madera. Las ensamblan y le dan las encarnaciones
(darle las heridas, vidrio, dentaduras de marfil).
Gregorio Fernández: son utilizadas para los pasos procesionales, e incluye el realismo, dolor en
sus esculturas. Las ropas las representa de manera rígida.
Granada es más suave, y la de Sevilla (Andaluz) más fuerte y dramática.
Velásquez
Murillo
Características:
 realismo en las pinturas.

 Luz diagonal de izquierda a la derecha.
Obras:
 Adoración de los pastores

 Sagrada familia del pajarito. - La naturalidad de los personajes.
Gregorio Fernández
Características:
Preferencia a la mistica.
El realismo se aprecia en los rostros.
Obras:
La piedad:
Cristo Yacente:
Juan Martinez Montañez
Características:
Delicadeza, realista, estilo mas clasicista.
Obras:
El cristo de Clemencia: localización catedral de Sevilla en España
La inmaculada: localización catedral de Sevilla en España.
Pedro Pablo Rubens.
Principal pintor de la escuela flamenca del siglo XVII.
Caracteristicas:
Color
Efectismo Dramático.
Modelo humano: es sensual y carnoso en sus desnudos.
ARTE PERUANO
1530-1575 inicios hispanos-flamencos
1575-1620 predominancia italiana
1620-1660 experimentos naturalistas
1650-1680 barroco inicial
1680-1740 Alto barroco nacional o mestizo
1740-1780fraccionamiento regional, arcaísmo y renacimiento inca
1780-1810 Aportes del rococó
1805-1825 invasión neoclásica
Los Jesuitas se dan cuenta de que a través de imágenes se puede evangelizar mejor, la tendencia
de la pintura italiana (manierismo) en lima. Se va a ver tendencias artísticas de distintas épocas,
lo cual no significa que se halla desarrolla en tal época correspondiente, si no que se va a tomar
como tendencias fuera del contexto del tiempo. Las personas de clase acomodada les importan
la imagen y el estilo artístico más prestigioso, para sobresaltar su prestigio social y cultural.
El primer momento es el hispano flamenco, lo primero llegado al virreinato (Fernando Gallego)

trajes rígidas, movimiento poco naturales.
El estilo manierista, Bernardo Bitti, es traído de Roma y que viene aquí al Perú, en su caso la tela
cae de manera angulosa, con cuello alargado, por la postura delata el manierismo presente, los
colores pasteles.
Otro artista italiano es Mateo Pérez de Alesio: es un manierismo diferente al de Bitti, si no que
usa influencia de Miguel Ángel, él tiene un aire de que es “le pintor del Papa, con el hecho de
hacer una pintura poco importante en Roma.
El tercero que llega es Angelino Medoro. El estilo que va a mostrar es un poco más diferente.
Cuerpos alargados, también se vuelve claroscuro. Los tres italianos no llegan a la vez, si no que
traen el estilo que en Europa han entrado en el contexto.
Hacia 1620 comienza los experimentos naturalistas (la idea del claroscuro), vamos a ver
artistas influenciados con el manierismo pero que van a usar algunas diferencias: los colores
pasteles, cuerpos alargados. Otra cosa es la influencia de los grabados, para uniformizar las
iconografías mezclaban los grabados anteriores debido a que después de la contrarreforma se
pensó más favorable para ya no suscitar otra interpretación fuera de la doctrina de la Iglesia.
Con los gravados (una especie de estampita) era más flexible la evangelización con imágenes,
sin necesitar llevar la pintura entera contigo. Con Leonardo Jaramillo podemos ver el transito
del estilo italiano a las influencia naturalistas: canon alargado, los contornos definen los cuerpos,
con claroscuro, pero con el tiempo ya no hay contorno sino zonas de transición en diferentes
tonalidades. Antonio Bermejo, tiene la influencia de los italianos, Miguel Ángel.
Barroco inicial, se empiezan a construirse templos, y todas ellas demandan imágenes, y se

mandan a traer cuadros de artistas españoles, la ciudad de Sevilla: casa de contratación de
América (pasar por ahí para mandar cuadros a América). Naturalismo de representar la
naturaleza con detalle, en ellas se puede representar con mucho detalle la materia supuesta en
la realidad. También hacen retratos: la tendencia que se tiene en Lima tiende a lo académico
por eso se harán retratos. En el siglo de XVII se pinta con la ropa oscura, del XVIII es colorido por
la influencia borbónica que se originó en Francia. También van a ver retratos ecuestres.
A Lima llega el Rococó (tipos de rocalles, que implica una decoración sobresaliente sobre el
cuerpo del objeto). A demás de pintores limeños hay artistas del Ecuador (Quito)
El neoclasicismo uno de ellos es Matías Maestro.
A pesar de que hayan pasado la moda renacentista, en el virreinato se siguen empleando, estas
aparecen en ciertos momentos… hay una suerte de arcaísmo y de van guardia
En el cuzco se va a tener la tendencia de la pintura flamenca y española, en la pintura cuzqueña

hay mucho interés por el paisaje, la vida cotidiana, el trabajo, etc. Y es que van a darse cuenta
que existen matices y peculiaridades entre Lima y Cuzco. Se ve en los cuadros un elemento astral
en la parte superior central de la pintura (los signos zodiacales). Contiene pinceladas rápidas y
trabajos de texturas (en las pinturas de Diego Quispe Tito), siglo XVII.
Otro artista es Basilio de Santa Cruz Pumacallao, pero este tiene influencia española, el anterior
era flamenca, también en el siglo XVII y auspiciado por el obispo. Aquí se ve la presencia
claroscurista como es de común en la pintura española. También está Francisco Chihuanito, que
en sus pinturas usaba el oro en sus pinturas, porque ellos tendían a la decoración, y llenar la
pintura. El oro impregnado hace que los drapeados se hagan planos, en el XVIII se va a usar ya
en todos lados. Será un mercado bastante amplio.
Una pintura cuzqueña es una pintura decorativa, rostro “capocito”, presencia de oro y que hace
plana la ropa, es interesante ver que también se comienzan a crear a los “arcángeles
arcabuceros” y esto tiene que ver con el periodo de la conquista (propio de América), están
representados pomposamente en la moda borbónica y por supuesto con el arcabuz (dentro del
siglo XVIII).
El señor de los temblores es una pintura que nos demuestra que pintaron lo que era antes una
escultura ya que en ella encontramos las flores, cirios como si fuese un anda (tiene una túnica
larga que le cubre desde la cintura hasta las rodillas).
ARTE BARROCO EN AMÉRICA (de un video)

En las colonias los españoles construyen ciudades y templos, sus obras muestran riquezas y
contradicciones. El desarrollo del arte colonial se da por dos factores: oro y plata, que son
explotados, una pequeña parte se destina a la decoración de edificios y obras, lo demás a
Europa. En México la producción artística supera a la de Europa en barroca.
El barroco es un movimiento didáctico que despliega una enseñanza con imágenes y de

sensaciones: las caras regordetas, iconografías que refuerzan la evangelización. Antes de la
llegada de los conquistadores en México, los nobles se formaban en una escuela, los maestros
Europeos los admiran y emplean como mano de obra artística.
El culto de la Virgen en especial es la de Copacabana, los escultores españoles se reían mucho

de esta imagen pero luego aparecen los milagros y se difunde el culto, que impregna la
relación de la virgen con los indios. Santa Rosa significo que la evangelización había tenido
fruto. La virgen de Guadalupe será la identidad propia de América, otro caso muy significativo
es el culto al niño Jesús Inca para establecer una identificación con los indios y la religión. El
barroco americano es un espacio para la resistencia y el reclamo de mantener la viva la cultura
indígena, y el deseo de integrarse a la sociedad de derechos libres. Durante el siglo XVIII la
cultura aborigen se expande en toda América, luego llegan los africanos.
Las festividades religiosas Barrocas además incluyen la danza, el canto, y el teatro que da
origen a nuevos ritos, que se mezcla los conquistadores y conquistados (indígenas y africanos).
Gracias a las riquezas extraídas, los conquistadores viven en abundancia, que también sirve
para financiar el arte, símbolo de poder y jerarquía social. En el virreinato del Perú: en el Cuzco
se forma una propia comunidad e producción entre nobles e indígenas, muchos artistas
españoles llegan a trabajar a Potosí, la influencia de la escuela sevillana es importante, pero los
artistas mestizos le da su propia cosmovisión. El pintor andino introduce su raza a la iglesia,
como los “Ángeles arcabuceros”.
A fines del siglo XVIII las formas del barroco entra en decadencia, la revolución francesa
censura las obras religiosas, hay proceso de desencantamiento producido por un cambio de
mentalidad, y la iglesia está la gran promotora de las artes.
EL ROCOCÓ
Luego del barroco sale el estilo rococó que surge en la corte francesa, cortesana (1730-1770).
Se define por colores luminosos, suaves y claros, temas galantes, amorosos, refinados,
exóticos, y sensuales, tendencia muy discutida por la tendencia neoclásica que le seguirá por
ser casi inmoral. Al Perú también llega (la iglesia de las nazarenas es Rococó).
La presencia de colores rosa y pasteles, también la presencia de la rocalla que era un elemento
decorativo que se encuentra en las esquinas, es muy elegante. (Como el salón de baile de
Catalina de Rusia). En el plano de la pintura (Jean-Honoré Fragonard) se refleja la vida de la
corte (la diferencia del manierismo es que el canon aquí no es alargado y la postura no es
natural). Ellos tenían un gusto por la cultura griega y romana.
Neoclásico 1750 - 1840
Arte que acompaña a la revolución francesa, surge en el año 1765 como una reacción a los estilos
Barroco y Rococó, debido a su agotamiento. Unidos a cambio de moda artística, se mezclan los
movimientos revolucionarios, de manera que no puedan verse representadas por el Rococó (por
ser propio del antiguo régimen y de la corte), lo que es, es la revalorización del mundo clásico:
Grecia y Roma. Entender las casas y construcciones y todo su arte se vuelve la moda del
momento, aquí se consolida el arte como disciplina. Aquí aparecen las academias que eran
financiadas por el estado (tomar posesión del arte, y la potestad de control del estilo artístico)
las academias defendían los valores clásicos.
Diderot fue también crítico de arte, y la academia era de la elite, pero cambia cuando los salones
se abren al pueblo y aquí surge el crítico, pues era una especie de intermediario entre la obra y
el pueblo para que se puedan entender. Diderot criticaba el Rococó, porque no era moralizante
ni didáctico. En cuanto a la pintura lo que va a importar es la línea, ya no el color, en la luz que
ingrese va a ser muy fría, porque la luz representa la idea de la razón, la sociedad se seculariza.
Se usaran mitos griegos y romanos para hacer símbolo.
Jacques Louis David (1748-1825) es neoclásico porque en sus cuadros esta todo ordenado y
proporcionada, hay perspectiva, pero la temática es clásica y se muestra en el contexto romano
[obra: “el juramento de los horacios” 1784]: los fines moralizantes y patrióticos (ofrecer a tus
hijos para defender a la patria). [La muerte de Marat. 1793]: no se ve sangre, ni aspecto de
muerte cruda, sino que esta idealizado, alguna técnica que se usó en los santos (donde no se
retraba el sufrimiento crudo si no que se supone) los héroes van hacer los nuevos “santos”.
El romanticismo
Surge en Inglaterra en el siglo XVIII, para referirse a la novela y se adaptó a principios del s. XIX
a las artes plásticas. El romanticismo, más que un estilo es por su temática, que o delata a simple
vista. Se ve algo pasional, del color, de exaltación. Se recogerán los mitos de todos los pueblos
para representarlos, el individuo va a ser el centro de la obra, el paisaje va a ser más que un
fondo sino un personaje, que demuestran la emoción que se quiere expresar, creían en la
inmensidad de la naturaleza, se exalta también la idea de la libertad (para este periodo
determinado este concepto es nuevo y se inserta en la sociedad). Goya pinto varias obras que
nadie le pidió sino que pinto lo que él quería y que evoca lo que sentía en su alma. Los artistas
viajaban a lugares exóticos para conocer el mundo (entre ellos América), esto es una actitud
propia de contexto romántico, se ve como un genio incomprendido (el artista). El romántico se
siente totalmente incomprendido. Inclinados por una cultura medieval.
El romanticismo se opone al neoclásico.
En el romanticismo lo que resalta mas es el tema.
Mas que un estilo pictórico, debe entenderse como un movimiento social y espiritual.
El romanticismo defiende la superioridad del sentimiento sobre la razón, por ello exalta la
sensibilidad, la imaginación y las pasiones.
Theodore Gericault (1791-1824) [la balsa de Medusa]: lo que remarca es que cuando ellos
divisan un barco después de haber naufragado.
Ferdinand Víctor Eugene Delacroix (1791-1824): [La libertad guiando al pueblo]: el héroe se
convierte en alguien que muere por sus ideales, aquí es una cosa pasional e idealizada, porque
se vuelve muy común que los héroes dejen cartas (Miguel Grau).
Obra: la libertad guiando al pueblo

EL REALISMO
 Existencia
 Positivismo (Comte: conocimiento científico).
 Materialismo-histórico
 Forma
 Realidad inmediata
Tendencia artística a inicios del siglo XIX, donde se platean mucho las desigualdades sociales, en
ese momento se ha dado la revolución industrial. Van mostrar la sociedad pero no idealizado,
en sus pinturas influye la clase social baja que sufre mucho por la revolución industrial.
Gustave Courbet (1819-1877), Francois Millet (1814-1875).
EL IMPRESIONISMO
 Apariencia
 Teoría de las sensaciones Locke (experiencia directa de los sentidos).
 Ojo.
 Desmaterialización (aspecto fugitivo)
 No acabado Impresiones
 Impreciso momentáneas
 Vaporoso
 Chevreaul (Teoria del constraste simultaneo)
Surge a mitad del siglo XIX, las academias de arte dictaminaban cuales iban a ser los estilos
predominantes, solo se exhibían los cuadros que guardaban relación con lo que la academia
quería, pero algunos artistas no estaban de acuerdo, entre ellos : Monet. Abren un salón y la
crítica también va a ir a esos salones. “el sol naciente” (1873) de Claude Monet fue criticado
como obra no terminada por parecerse a un boceto… un simple IMPRESIÓN. La característica
de ellos es plasmar la luz, la impresión visual, la atmosfera. Ya no usan el negro. Agarran su lienzo
y se van al campo para captar la impresión de la luz, uno puede darse cuenta a qué hora la pinto
por ver la luz. Ellos se basaban en la capacidad de que la mente pueda completar la obra.
“la estación de san Lazaro” (1877) de Monete, “Mujer con sombrilla”, “catedral de Rouan”, “-
Parlamento de Londres”.
Degas: (1834-1917): Fin del Arabesco (1876-1877), “La clase de danza” (1872), “mujer bebiendo
alcohol” es impresionista por no parecer tener definición
POSTIMPRESIONISMO
Paso de transición del siglo XIX al XX, aquí hay una trascendencia: Van Gogh, es importante para
la influencia expresionistas, pero él no es expresionista, tiene influencia japonesa (sus
estampados). “los girasoles” (1888). “la silla” .
Paul Gauguin es un pintor francés, tiene una vida muy inquieta, este señor era burócrata, y de
un momento a otros deja esposa e hijos. Desarrolla el Fauvismo, se va a lugares exóticos. Él
rescata mujeres aborígenes en sus cuadros. “Ta Matete” (no es un error así es el nombre).
PAUL CEZANNE: Pintor francés 1839-1906. “los jugadores de cartas” ya no se representa todo
tal cual (no hay ese interés). Todo lo reduce a formas. “montaña de santa victoria” es un engaño
visual, porque nos crean perspectivas debido a la oscuridad de algunos colores para engañar al
ojo. Estas son otras ideas. El es importante porque es el camino a la abstracción ORGANIZA EL
MUNDO VISUAL – CUBISMO ABSTRACTO-GEOMETRICO
Interés por simplificar, pero esquematizando a través de la geometría. Reduce el arte a la esfera,
el cilindro y el cono. Se le considera el precursor de la abstracción.
Organiza el mundo visual.
VAN GOGH: busca identidad detrás de la pintura revestida del sentimiento, expresionismo,
expresionismo abstracto. Tuvo una gran influencia en el arte del s. XX, especialmente entre los
expresionistas alemanes.
Expresionismo, expresionismo abstracto.
Obras: Resurrección de Lázaro, los girasoles, el dormitorio de Van Gogh en Arles.
GAUGUIN: Pintor francés, nieto de Flora Tristan.
Crea composiciones simplificadas, estáticas, donde no está ausente un recuerdo para el arte,
poniendo de moda el primitivismo: dominio de una pintura plana, encerrada en perfiles bien
ceñidos. Recoge las tradiciones locales de los pueblos, capta su grandeza mística.
Desarraigo de sociedad, busca nuevos medios, simbolismos de formas y colores, sin volumen y
fuertemente delineada- Fauvismo, simbolismo, surrealismo.
Padre del fauvismo.
Fauvismo, simbolismo, surrealismo.
Obras:
Tendencias generadas por los post impresionistas
VAN GOGH: Expresionismo, expresionismo abstracto.
GAUGUIN: Fauvismo, simbolismo, surrealismo.
PAUL CEZANNE: Organiza el mundo visual.
MODERNISMO
Es una corriente artística desarrollada a finales del s. XIX y principios del XX (1890 – 1910)
Estilo propulsado por la burguesía.
Características generales:
1. Uso de nuevos materiales.

2. Juego ornamental, inspirado en la naturaleza: flores, vegetales, etc.
3. Uso de línea curva.
Representantes:
 Víctor Horta (1861 – 1947)

 Antoni Gaudí (1852 – 1962)
 Alfonso Mucha (1860 –
“Toda arte es hija de su tiempo”
Uso de nuevos materiales, muy idealizadas. Víctor Horta (1816-1947) arquitecto, predomina la
curva, las escaleras y la baranda.
Del siglo XX ya tenemos un grupo de tendencias artísticas que llamaremos Vanguardia. La

sociedad cambia y el arte se mueve por ello. A fines del siglo XIX se pasa la forma del gobierno
republicano. Se producen varias configuraciones en Europa. Además las tendencias filosóficas
con el vitalismo y el existencialismo. La geometrización del paisaje.
Las vanguardias van aparecer entre las dos grandes guerras mundiales. Se desarrolla las
mayores rupturas de las tradiciones artísticas. La tecnología y la revolución industrial
revolucionó a toda Europa, todo se transformó en la producción, se construyeron miles de
kilómetros de valles férreos y la cámara también nos permitió avanzar. La burguesía aumento
su poder. Con la industrialización se cambió la sociedad. Eran muy frecuentes las reuniones
literarias y artísticas. En general la sociedad sentía un progreso y expansión. A revolución
industrial cambio el trabajo el artesanal, el proletariado se vio subordinado a los poderosos
recibiendo de ellos el salario más mísero.
VANGUARDIAS HISTORICAS 1905 - 1945
Estalla la primera guerra mundial, surge el sentimiento nacionalista, la xenofobia. De ahí surge
el vanguardismo. Después de tanto progreso surge esta tensión. Los artistas que son como
esponjas no pueden pasar a ser indiferentes. Ellos rechazan la tradición anterior, aunque no es
posible del todo, pero si se ve un sentido de rechazo. Vamos a denominar “vanguardias
históricas” a los que aparecen en la primera mitad del siglo XX: fauvismo 1905, cubismo 1907,
expresionismo 1905, futurismo 1909. Las vanguardias van de 1905-1945, esa idea de belleza se
deja de lado para buscar otra forma de expresión (por medio de la investigación y la
experimentación), lo que busca es provocar denuncia constante y una crítica social a la época,
no significa que esto no se halla hecho en el pasado sino que se realza más. Buscan la innovación
artística en el planeamiento formal y de contenido, como parte de un proyecto de cambio social.
Cuestionamiento de la tradición y de las convenciones estéticas.

Investigación y experimentación constante a través de la obra de arte.
Ellos creen que pueden cambiar la sociedad con su arte, se presentan como grupos que se
organizan y que escriben sus manifiestos (donde ponen sus ideas del arte, y como ven el mundo).
Vamos hablar alguna de ellas:
Fauvismo (1905): aparecerá en una exposición entre ellos Matisse, se caracterizan por tener
una gran intensidad con el color. En esta exposición había un crítico Louis VAUXCELLES, se
reconoce la pintura fauvista por que el color es estridente (rompen con la armonía de los
colores), las figuras son esquemáticas, incluso no guardan relación con los colores reales. Los
colores no guardan relación con el color físico real.
Henry Matisse “Alegría de la vida”, 1905 (Matisse es la cabeza de la vanguardia), “la danza”.
André Derain “la estaca” 1906
Expresionismo (: Nace en Alemania, en reacción con la tendencia formal y no de contenido,

ellos quedrán expresar la condición humana, volcarlo de adentro hacia fuera: Munch. El hombre
se cuestiona sobre la condición humana en medio de las dos grandes guerras. Expresan las
emociones y para hacerlo no les importa recurrir la distorsión y exageración de las formas. James
Ensor: satiriza la sociedad hipócrita es decir una pintura de máscaras. Lo importante no es la
belleza sino la expresión.
Edvard Much “El grito”.
Cubismo (1907): van a ser los herederos de Cezanne, porque su estilo va a ser retomado por
ellos. Cezanne concebía el espacio de la naturaleza como geometría (entender el mundo de
manera geometrizada). Va a romper con el renacimiento, lo que van a ser es mostrar la cuarta
dimensión (en el tiempo real todo se ve ).
Pablo Picasso: las señoritas de Avignon (se pueden ver todo a la vez aunque se vea mal). La
ruptura de la línea renacentista.
Futurismo: Nació en Italia, vanguardismo manejan sus manifiestos, y en este caso el de los
futuristas es Filippo Tommaso Marinetti. Ellos causaban escandalo porque lo que les importaba
la velocidad, la máquina. Ellos pensaban literalmente que era más hermoso un auto que la
Victoria de Samotracia. Detestaban la tradición, prender fuego a las bibliotecas. Ellos expresan
el movimiento en la fotografía que se observa solo el movimiento. Nadie puede empezar desde
cero (no puedes romper la tradición terminantemente, siempre hay influencia).
Dadaísmo: Nace en Suiza en el transcurso de la primer aguerra mundial. DADA (caballito en

francés) escogieron el nombre en un café con un diccionario porque querían hacer una arte de
lo absurdo, excentricidad, perturbar. Aquí se se resalta la idea del concepto y la idea antes que
la obra =arte conceptual. su objetivo del dadaísta es hacer reaccionar y cuestionar al observador.
“ready-mades” provocación escándalo en el espectador.
Surrealismo: A partir de lo que dice Freud del ello, lo tomarán. Todo aquello que no tiene
conexión con el mundo real y lógico es surrealista. Son muy renacentistas a la hora de pintar
pero el significado no lo es. Dalí es surrealista.
Representantes:
El castillo en los pirineos
Salvador Dalí “pintando a gala por detrás”, “la persistencia de la memoria”, “la tentación de san
Antonio”.
Banksy es el seudónimo de un prolífico artista del street art británico. Nació en Bristol,
en 1975. Aunque los datos acerca de su identidad son inciertos, él estuvo en el documental
llamado "Salida a la tienda de regalos" pero se desconocen detalles de su biografía, según
un estudio de la universidad Queen Mary de Londres publicado en marzo de 2016 banksy

Historia Del Arte - Apuntes

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Profesora: Diana Rodríguez Díaz -2017- (I semestre)

Historia del arte

Además de preocuparse de la obra de arte en sus diversas facetas, también se ocupa de la

ARTES LIBERALES = “Tribium” (gramática, retorica, dialéctica,

“Cuadribium” (astronomía, geometría, aritmética, música)

ARTES SERVILES= pintura, escultura y en general que requieran el esfuerzo corporal

ACTUALMENTE: El arte se encuentra en constante experimentación con nuevos medios y

Un aspecto importante es definir varios conceptos

SISTEMA DE PRODUCCION Y CIRCULACION ARTÍSTICA: Para que exista el arte se necesita el

La inclinación a los temas atractivos puede convertirse en un obstáculo si nos conduce a

Una producción NO es mejor cuanto más fielmente reproduzca la realidad.

Las artes se clasifican

Artes Planimétricas: dibujo, grabado, la pintura, la gráfica, los textiles, vidriera

Artes Volumétricas: esculturas, cerámica, mobiliario, el diseño industrial, de modas

Artes Espaciales: arquitecturas, urbanismo, jardinería

Artes Escénicas: teatro, cine, danza

Elementos formales de la pintura:

Religioso/ retrato /bodegón /paisaje /histórico /desnudo/

VALORES ETICOS DE LOS COLORES

Horizontal (reposo, paz, estatismo, pasividad, calma, serenidad)

Verticales (vitalidad, fuerza, seguridad)

Oblicuas (agitación, lucha, movimiento)

Curvas (gracia encanto movimiento)

Espirales (crecimiento dinamismo)

Quebrada (desorganización, inseguridad)

Rectángulos= estabilidad, solidez, permanencia

Círculos= eternidad, inmensidad, movimiento

Óvalos= perpetuidad, creatividad, feminidad, gracia.

Existen diversas soluciones para representarlo.

Perspectiva aérea o perspectiva atmosférica se produce la sensación de profundidad al imitar

la textura en el arte se representa de dos maneras o una porque lo representa o lo pone en

CRONOLOGÍA DE LA HISTORIA UNIVERSAL

Paleolítico superior: las primeras manifestaciones de arte figurativo pertenecen

Cronología: 30 000 – 1 000 ac.

El hombre generalmente ocupaba la parte de la caverna para aprovechar la luz natural.

PERIODO PALEOLITICO (superior)

1. MAGIA SIMPATICA O DE ATRACCIÓN: pintaban animales para practicar la cacería con

En resumen, fue un Arte mágico – religioso.

Buscar imágenes de bisonte de Altamira en España

 El hombre del paleolítico superior le gusta representar cosas cotidianas.

A la cultura de este periodo se le ha llamado MEGALITICA.

1 EL MENHIR. Un monolito clavado verticalmente. (como el lanzón monolítico) el cual se cree

2 CROMLECH es la agrupación de menhires en forma circular, ya formando un anillo o varios. El

3 ALIENACIONES: agrupaciones de menhires en filas.

Hacían grandes fosas para elevarlas. Además, también hay los

 El imperio antiguo 2654-2130 a.C florecimiento de las artes y la construcción de

Economía se basaba en la agricultura.

TEMPLOS tenían un obelisco (que simbolizaba la vida terrenal y divina.)

La perspectiva es la sensación de profundidad si existe, pero lo hacían de manera que se

 Triada de Myerinos: Piedra pizarra alto 92, 5 cm museo de El Cairo

Periodos: EL IMPERIO NUEVO

 Nefertiti: Caliza policronamda altura 48 cm.

En el periodo post-Amarna se restaura el antiguo orden.

 Mascara de oro de Tutankamon

Colosalismo: edificios de gran tamaño.

Pilastras, pilares, columnas.

Clase 30 de marzo: Video: maravillas modernas. Las pirámides de Egipto

Periodificación del arte griego

Periodo geométrico: 1000 – 750 a.C.

Fase orientalizante: s. VII – principios s. VI a.C.

Periódico Arcaico: 610 – 480 aprox. A. C.

Periodo clásico: siglo V y IV