EL RENACIMIENTO

Renacimiento es el nombre dado en el siglo xix a un amplio movimiento cultural que se produjo
en Europa Occidental durante los siglos xv y xvi. Fue un período de transición entre la Edad Media y los
inicios de la Edad Moderna. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque
también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad
de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, que se extendió
después por toda Europa.
MOTIVOS
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva
concepción del hombre y del mundo. El término «renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos
elementos de la cultura clásica griega y romana, y se aplicó originariamente como una vuelta a los valores
de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo
de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa medieval. En esta nueva etapa se planteó
una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes,
la política, la filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por el antropocentrismo.
AUTORES
Los escritores más influyentes del renacimiento
 1- Leonardo Da Vinci (1452 – 1519)
 2- Miguel Ángel (1475 – 1564)
 3- Nicolás Maquiavelo (1469-1527)
 4- Martín Lutero (1483-1546)
 5- Petrarch (1304 – 1374)
 6- Miguel de Cervantes (1547 – 1616)
 7- William Shakespeare (1564 – 1616)
 8- Teresa de Ávila (1515–1582)

PINTURAS: La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la
Edad Media y el barroco.
Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a
la antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la
adquisición de nuevas sensibilidades y técnicas artísticas.

EL BARROCO
El Barraco fue un movimiento artístico y cultural desarrollado en Europa en los siglos XVII y parte del
XVIII, que abarcaba no solo pintura, escultura y arquitectura, sino también música, literatura y todas
las artes de la época.
El término Barroco, aplicado a este estilo, no tiene un origen muy seguro. Barocco o barrocoera una
palabra portuguesa que designaba las perlas de forma irregular. Por extensión, se dio despectivamente
este nombre a las cosas defectuosas o de poco valor. En general, barroco sirvió para calificar todo lo
que era desordenado y confuso.
Este estilo se desenvuelve en un ambiente de conflictos religiosos, con la división del cristianismo, la
crisis del clasicismo y la evolución del manierismo; era una sociedad donde el gusto por
lo extravagante, lo elegante y lo refinado (ornamentación excesiva) es característico; además de una
nueva actitud espiritual e interés por los problemas religiosos y artísticos.
MOTIVOS
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar a la severidad e
iconoclástia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó a la edificación de templos con profusión de
escultura. También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos, evitar desnudos y escenas
escandalosas.
REPRESENTANTES
Literatura
Miguel de Cervantes
Sor Juana Inés de la Cruz
Música
Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi
Pintura
Rembrandt van Rijn, Caravaggio
PINTURAS:
La pintura barroca es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. El movimiento a
menudo se le identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el renacimiento católico,12 pero la
existencia de importante arte y arquitecturabarroca en países no absolutistas y protestantes por toda
Europa Occidental evidencian su amplia popularidad.3 La pintura adquirió un papel prioritario dentro de
las manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los
países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

EL ROCOCO
Historia: El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva
entre los años 1730 y 1760 aproximadamente.
El Rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano, por el artista Ronald Rizzo.
Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas
en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y
especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias
religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que
es agradable, refinado, exótico y sensual.
Motivos del movimiento
Su precedente se sitúa en los inicios del siglo XVIII coincidiendo con la
regencia de Felipe de Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios que
anunciaban el final del estilo tardo barroco y su evolución hacia la expresión
de un gusto más contemporáneo, independiente y hedonista, contrapuesto
al arte oficial, inflexible y ostentoso del reinado de Luis XIV. La transición del
Rococó, también conocido como el «estilo Luis XV», a nuevas formas y
expresiones artísticas empezó hacia 1720. Algunos historiadores del arte
como Fiske Kimball establecen la génesis del rococó en diversos decoradores
franceses, como Claude Audran III, Pierre Lepautre y Gilles-Marie Oppenordt.
AUTORES REPRESENTATIVOS En el desarrollo y extensión del nuevo estilo
dentro de la sociedad francesa, jugó un papel clave la influencia de Jeanne
Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante del rey. Su interés por el arte que, como
aficionada, practicaba asesorada por François Boucher o Quentin de La Tour
PINTURA DE ROCOCO: La pintura rococó se desarrolló a lo largo del siglo XVIII por toda Europa partiendo
de Francia, cuna de este estilo de origen aristocrático y se dividió en un principio en dos campos
nítidamente diferenciados: como parte de la producción artística, es un documento visual intimista y
despreocupado del modo de vida y de la concepción del mundo de las élites europeas del siglo XVIII, en
tanto también como una adaptación de elementos constituyentes del estilo a la decoración monumental
de las iglesias y palacios, sirvió como medio de glorificación de la fe y del poder civil.
EL NEOCLÁSICO:

El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al movimiento estético que venía a
reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se
venían produciendo en la filosofía y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos
de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue
perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.
MOTIVOS DEL MOVIMIENTO
La arquitectura puede ser analizada como una rama del arte social y moral. La Enciclopedia le atribuyó
la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las
construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos,
teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara
la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo
arquitectónico de validez universal.
AUTORES
Los temas preferibles por los neoclásicos hispanoamericanos fueron de
libertad y progreso inspirados por los generales Simón Bolívar, Antonio
José de Sucre y José de San Martín. El máximo representante de la época
es José Joaquín Olmedo (1780-1847), ecuatorianoque compuso una
famosa obra que elogió a Simón Bolívar La victoria de Junín: Canto a
Bolívar. También está Rafael Landívar (1731-1793), con su obra
"Rusticatio Mexicana".
PINTURAS: La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido
en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente
en Francia hasta aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica
dominante.
EL ROMANTICISMO
El Romanticismo es un movimiento cultural que se originó en Alemania y en Reino Unido a finales
del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo
prioridad a los sentimientos.1 Es considerado como el primer movimiento de cultura que cubrió el mapa
completo de Europa. En la mayoría de las áreas estuvo en su apogeo en el período aproximado de 1800
a 1850.
MOTIVO DEL MOVIMIENTO
Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas
estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso su rasgo revolucionario es
incuestionable. Debido a que el Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, así como
a la vida y al ser humano mismo, es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde
se desarrolla, e incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distintas tendencias, proyectándose
ello también en todas las artes.
AUTORES
Gustavo Adolfo Bécquer, José de Espronceda, Mariano José de Larra, Johann Wolfgang von Goethe
PINTURA
La pintura romántica sucede a la pintura neoclásica de finales del XVIII, con unos
nuevos gustos desarrollados por todas las facetas artísticas
del Romanticismo como la literatura, la filosofía y la arquitectura. Está
hermanada con los movimientos sociales y políticos, que ganaron cuerpo con
la Revolución francesa.
EL IMPRECIONISMO
El impresionismo es un movimiento artístico1 inicialmente definido para la pintura impresionista, a
partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol
naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de
París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar
Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot).
MOTIVOS DEL MOVIMIENTO
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —
principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la
«impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus
antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de
las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través
del posimpresionismo y las vanguardias.
AUTORES
Edouard Manet (1832-1883): Más que un impresionista es un precursor, un símbolo del
antiacademicismo. Claude Monet (1840-1926): Es el impresionista por excelencia. Se interesa sobre
todo por el paisaje y la incidencia de la luz a diferentes horas. Auguste Renoir (1841-1919), Edgard Degas
(1834-1917).
PINTURAS
Se denomina postimpresionistas a una serie de pintores que, aunque
tuvieron una fase impresionista, evolucionan después en diferentes
direcciones, constituyendo la base de las primeras vanguardias pictóricas del
siglo XX: expresionismo, simbolismo, cubismo y pintura abstracta.
EL POSTIMPRESIONISMO También llamado "Neo impresionismo" o "Post impresionismo" es un
movimiento artístico que nace en Francia a finales del siglo XVIII, es representado como continuación y
contraposición al Impresionismo, toma elementos de este, pero a la vez rechaza de las limitaciones que
supone. Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores puros, paisajes de la naturaleza,
diferentes tipos de pinceladas, etc. Por ello para entender el postimpresionismo se debe saber que a éste
se le debe la libertad artística en su conjunto. El postimpresionismo es la base de los estilos modernos y
contemporáneos.
MOTIVOS DEL MOVIMIENTO:
Todos los artistas agrupados bajo el término posimpresionismo conocieron y practicaron en algún
momento los postulados impresionistas, un movimiento pictórico que se desarrolló en la segunda mitad
del siglo XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos vigentes
en el arte.
PINTURAS:
Los pintores impresionistas abandonaron los talleres y salieron al exterior. Sus modelos
fueron la calle, el edificio, el paisaje, la persona, el hecho pero no en su concepción
estática y permanente sino percibidos en ese momento casi único. El pintor
impresionista pintaba in situ y terminaba la obra con rapidez. Utilizaba trazos sueltos,
cortos y vigorosos. Los objetos y el propio espacio no se delimitaban con líneas
siguiendo los cánones renacentistas sino que se formaban en la retina del observador
a partir de esos trazos imprecisos.
SIGLO XX EL IMPRESIONISMO
El impresionismo es una corriente artística que surge a mediados del siglo XIX que se caracteriza
por plasmar la realidad como era percibida, añadiendo una luz especial que caía sobre el objeto.
MOTIVO DEL MOVIMIENTO
 Intenta reflejar la luz y los efectos de ella en los paisajes y en los momentos cotidianos de la vida
del ser humano.
 La técnica se caracterizaba por largas pinceladas cargadas de pintura.
 La ausencia de colores oscuros se debe a la tendencia de los representantes de apostar por los
colores qye ve en las sombras.
 La perspectiva es relegada a segundo plano.
AUTORES
 Claude Monet (1840-1926): El jardín del artista en Giverny, Parlamento de Londres, Catedral de
Ruan.
 Auguste Renoir (1841-1919): El palco, El columpio, Baile en el Moulin de la Galette, Almuerzo de
remeros y Las grandes bañistas.
 Alfred Sisley (1839-1899): Vue du canal Saint-Martin, Le canal Saint-Martin, Passerelle
d'Argenteuil.
 Edgar Degas (1834-1917): Jóvenes espartanos ejercitándose, Mujer sentada con jarrón de flores,
L’Amateur.
PINTURAS
Al hablar de Impresionismo, comúnmente se comete el error de adscribir a este
movimiento a una serie de pintores que nada o casi nada tuvieron que ver con
él -Henri Rousseau, Odilon Redon-, otros que, si bien comenzaron atraídos por
el impresionismo, pronto se separaron de él -Paul Gauguin, Paul Cézanne- y
otros que, si bien se consideran generalmente como representantes de este
movimiento, no pueden considerarse como puramente impresionistas, bien
por desarrollar su estilo antes de la eclosión impresionista -Édouard Manet- o
bien porque sus inquietudes los llevaron a emplear una técnica o temática que
difería de la de este movimiento -Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir-.

AÑO 1908: CUBISMO

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado en 1907, nacido en Francia y encabezado por Pablo
Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María
Blanchard y Guillaume Apollinaire.1Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de
las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la
pintura tradicional.
MOTIVOS DEL MOVIMIENTO
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último
estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas,
desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de
figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.
AUTORES
 Alexander Archipenko
 Constantin Brancusi
 María Blanchard
 Georges Braque
 Joseph Csaky
 Robert Delaunay
PINTURAS: La pintura cubista es la expresión pictórica del movimiento artístico denominado Cubismo, originado
en París, el año 1908, de la mano de Pablo Picasso. El segundo pintor en adoptar el estilo fue Georges Braque, quien
aunque es considerado uno de los fundadores del cubismo, realmente es un adoptador temprano del estilo, al igual
que Juan Gris.
AÑO 1920- SUB REALISMO
El surrealismo es un movimiento artístico surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920,
en torno a la personalidad del poeta André Breton.
MOTIVO
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del
movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vaché y a
Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento
artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado
hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como
catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
AUTORES
Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios pensadores y artistas, como el
pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. Las teorías psicoanalíticas
de Sigmund Freud sobre el sueño y el subconsciente fueron sin duda uno de los pilares en la creación del
pensamiento surrealista.
En cuanto a las artes, la poesía surrealista bebe de la dialéctica y encuentra precursores
en Arthur Rimbaud, Alfred Jarry o Lautréamont.
PINTURA: Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924,
poco después de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un
estilo cubista. Por su parte, Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los
sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del
surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla
entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci, por medio de la cual, observando
una pared se podía ver cómo surgían formas y técnicas de frottage
ARTE ABSTRACTO
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias
han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual
propio con unos siginificados variados.
En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la
Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente
inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e
identidad como un arte propio.
MOTIVOS
La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta
con elAction Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la
aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de
interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.
AUTORES
 Kazimir Malévich.
 Manolo Millares.
 Henri Michaux.
 Joan Miró
 Joan Mitchell.
 Piet Mondrian.

PINTURA: Pintura abstracta es el arte abstracto en pintura. La no utilización de la pintura figurativa (término opuesto al de
pintura abstracta) es un fenómeno artístico propio, pero no generalizable, de lo que estéticamente se define como arte
moderno y cronológicamente como contemporáneo en los sig los XXy XXI.