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Modulo de Pintura a la Acuarela

Msc. Víctor Aranda Núñez

Universidad Estatal de Bolívar


FACULTAD DE CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN, SOCIALES, FOLOSÓFICAS Y
HUMANÍSTICAS
CARRERA DE BELLAS ARTES
Centro Académico Instituto Superior Isabel de Godín Riobamba
Módulo de Pintura a la Acuarela
Segundo Ciclo

M.sc. Víctor Aranda Núñez

2009 - 2010

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Modulo de Pintura a la Acuarela
Msc. Víctor Aranda Núñez

INTRODUCCIÓN

Esta presentación, como es habitual, está dedicada a los estudiantes, a las personas que
aman la pintura y desean conocerla mejor, y principalmente a las que aprenden a
practicarla. Pero, además, esta presentación es especial porque está estructurada con los
contenidos más sobresalientes e ilustrado de manera práctica.

Para tener una idea general sobre su importancia y aplicación cabe hacer un recorrido
sucinto sobre su trayectoria. La Acuarela es una de las técnicas más antiguas de la pintura
de origen egipcio aparece en las ilustraciones de papiros y que en el siglo XVI fue
reintroducida en Occidente principalmente por el gran Albrecht Durer.

Su desarrollo posterior viene dado por dos factores básicos: por una parte, la relación
directa entre dibujos de libros de viajes, láminas de vistas y su «iluminación», es decir, el
coloreado de imágenes, que se hacía a la acuarela. Por otra parte, esta especie de «moda»,
muy justificada en tanto que aún no existía la fotografía, llevó a la acuarela a situarse,
artísticamente hablando, en un punto álgido, puesto que recibió el aplauso de los ambientes
artísticos al caer en las hábiles manos de Turner, el inglés viajero y romántico, fantástico
colorista y considerado por los propios impresionistas como su precursor, o en las no
menos hábiles del francés Delacroix, que realizó con esta técnica un diario de apuntes
sobre temas marroquíes (apuntes que luego utilizó en sus apasionados, románticos e
impresionantes cuadros de temas bíblicos o históricos).

Por ello, empezó a introducirse en las escuelas de arte y los museos de todos los países
occidentales. Es, por tanto, la combinación entre la «utilidad» de la acuarela, para las
editoriales y el mercado de ilustraciones del XIX, y el prestigio artístico conseguido por los
grandes pintores la que revaloriza la técnica y la hace llegar, con el mismo carácter
artístico, hasta nuestros días. Posteriormente, con el Impresionismo, nos llegó la influencia
oriental: los dibujos a tinta y las aguadas japonesas acabaron de afianzar el valor artístico
de esta técnica.

Dada las cualidades artísticas y estéticas su estudio es fundamental en toda Escuela de


Arte, porque su aplicación amplía el ámbito artístico en el que puede desempeñarse el
futuro profesional.

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OBJETIVO GENERAL DEL MÓDULO


Dotar a los estudiantes de un documento guía con elementos teóricos, conceptuales y
procedimientos metodológicos que le permitan aplicar y alcanzar el dominio de las
diferentes técnicas de la acuarela en los géneros el bodegón y el paisaje.
ESPECÍFICOS
 Conocer los aspectos más relevantes de la técnica a la acuarela.
 Aplicar los diferentes recursos técnicos para la consecución de obras artísticas con
sentido crítico y estético.
 Realizar trabajos artísticos en los que exista una buena composición y aplicación
cromática
 Valorar las cualidades artísticas que la acuarela tiene en el ámbito artístico.

ORIENTACIONES PARA EL USO DEL MÓDULO

El trabajo académico del curso se ha organizado de tal forma que el contenido científico
teórico sea el soporte teórico para la ejecución de los trabajos artísticos a realizarse en el
aula y trabajos autónomos.

En el módulo contempla aspectos fundamentales sobre la metodología básica para el


desarrollo creativo de los trabajos prácticos, pero ello no implica que el educando pueda
acudir a otras fuentes bibliográficas para consultar y despejar dudas.

Durante las jornadas de trabajo presencial se dará orientaciones sobre los aspectos más
sobresalientes del proceso creativo práctico en cada uno de los géneros de la pintura a la
acuarela en base a la técnica de la demostración.

En cada encuentro se ha establecido trabajos autónomos que deberán ser presentados de


encuentro a encuentro, con la finalidad de no dejar acumular los trabajos para el final del
parcial.

El proceso académico será evaluado sistemáticamente a través de trabajos prácticos


realizados en el aula, trabajos de investigación y trabajos autónomos.

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PRIMERA UNIDAD

GENERALIDADES

OBJETIVO GENERAL:

Dotar a los estudiantes de material bibliográfico con orientaciones teóricas conceptuales y


metodológicas de trabajo práctico.

ESPECÍFICOS

 Realizar un estudio teórico sobre los aspectos más relevantes de la técnica la acuarela.
 Aplicar con destreza los recursos compositivos en la ejecución de obras artísticas.
 Valorar la composición como el soporte fundamental de la obra pictórica.

CONTENIDOS
1. Reseña Histórica de la Acuarela
2. Superficies
3. Composición
4. Composición simétrica
5. Composición Asimétrica
6. Sección Áurea
7. Determinación del Punto de Interés
8. Estructura
9. Principios y Cualidades
10. La Variedad
11. Unidad
12. Proporción
13. Ritmo

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PRIMER ENCUENTRO

GENERALIDADES

Reseña histórica de la acuarela.

La acuarela, es una técnica antiquísima de origen egipcio (aparece en las ilustraciones de


papiros), luego en el siglo XVI fue reintroducida en occidente principalmente por el gran
Alberto Durero.

Su desarrollo posterior viene dado por dos factores básicos: Por una parte, la relación
directa entre dibujos de libros de viajes, láminas de vistas y su “iluminación”, es decir, el
coloreado de imágenes, que se hacía a la acuarela. Por otra parte, esta especie de “moda”,
muy justificada en tanto que aun no existía la fotografía, llevo a la acuarela a situarse,
artísticamente hablando en un punto álgido, puesto que recibió el aplauso de los ambientes
artísticos al caer en las manos hábiles de Turner, el inglés viajero y romántico, fantástico
colorista y considerado por los propios impresionistas como su precursor, o en las no
menos hábiles manos del francés Delacroix que realizó con esta técnica un diario de
apuntes sobre temas marroquíes (apuntes que luego utilizo en sus apasionados, románticos
e impresionantes cuadros de temas bíblicos o históricos). Por ello, empezó a introducirse
en las escuelas de arte y los museos de todos los países occidentales. Es por tanto, la
combinación entre la “utilidad” de la acuarela, para los editoriales y el mercado de las
ilustraciones del siglo XIX, el prestigio artístico conseguido por los grandes pintores que
la revalorizan a la técnica la hacen llegar, con el mismo carácter artístico, hasta nuestros
días.

Posteriormente, con el impresionismo, nos llegó la influencia oriental: los dibujos a tinta y
las aguadas japonesas acabaron de afianzar el valor artístico de esta técnica.

Superficies

Generalmente los artistas principiantes suelen escoger para sus prácticas papeles sencillos
y de baja calidad, por eso sus prácticas, son trabajos intranscendentes.

A mayor calidad del papel mayor calidad del trabajo, este es el principio básico que debe
tener presente un buen acuarelista; cosa que en la actualidad no es problema porque el
mercado provee materiales de buena calidad y variedad, pero para que tenga una idea a
continuación se detalla algunos tipos de papel.

a. Papel prensado en caliente.

Llamado a veces H.P., tiene una superficie dura y liza adecuada para dibujar en lápiz,
tinta y pluma, o línea y lavado.

Muchos artistas consideran que su superficie es demasiada lisa y resbalosa para la


acuarela pura

b. Papel prensado al frío.

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Llamado papel “no”, es decir no prensando en caliente. Es un papel texturado,


semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos para detalles finos de pincel.

Es la más popular de las tres superficies, resulta ideal para pintores no muy
experimentados.

c. Papel áspero

Tiene una superficie claramente granulada, cuando se aplica sobre él un lavado se


obtiene un efecto moldeado, porque el pigmento se precipita en las cavidades del
papel, llenando algunas y dejando otras sin tocar. Esto deja una serie de brillos
blancos que iluminan el lavado. Los artistas experimentados aprovechan esta
cualidad, que puede sin embrago desanimar a los menos expertos porque es difícil de
controlar con precisión.

d. Papel hecho a mano

Los mejores papeles son los que contienen una gran proporción de lino y
normalmente están fabricados a mano por artesanos muy hábiles, que cuidan de
eliminar todas las impurezas y dan al papel una capa de cola expresamente para pintar
a la acuarela.

Entre las marcas de papel más comunes cabe citar a los siguientes:

Arches, Croswick, Crisbrook, David Cox, De Wint, Fabriano, Green, Canson; de estas
marcas las más comunes en nuestro medio son la Fabriano, Canson y la Arches que
viene en varias presentaciones.

Equipo.
a. De igual manera que las cartulinas es necesario que cuente con un número mínimo de
pinceles de buena calidad que le permita cumplir con su cometido.
Es aconsejable que tenga por lo menos un redondo
# 10, un plano # 10 y un redondo # 2.
b. Un tablero para el tensado del papel.
c. Recipientes, una para el agua limpia y otro para
lavar los pinceles.
d. Acuarelas, puede ser en pastillas o en tubos, la
ventaja de disponer de acuarelas en tubo radica en
que puede seleccionar únicamente los colores
necesarios. Caballete, el caballete solo es necesario si se va a salir a trabajar en el
campo por tiempos prolongados; por lo tanto no es necesario incurrir en demasiados
gastos.

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RECURSOS TECNICOS

Los recursos técnicos son el soporte más importante para la


ejecución de la acuarela, por ello es necesario conocerlo y
ejecutarlo

Técnica del pincel

Con el pincel puede ejecutar una variedad de pinceladas de


trazo rápido y fluido, para acentuar ciertos detalles
Lavados
Lavado plano

La base de la acuarela (pura) es el lavado, que significa


aplicar color sobre una zona demasiado amplia, que no
puede ser cubierta con una pincelada de una manera
uniforme sin variaciones de tono y plano; por ello es
necesario realizar dos acciones previas:

a. Humedecer toda la zona que desea hacer el lavado con


un pincel N° 10 o 12, con agua bien limpia.

b. Aplicar una aguada de pintura bien fluida, antes de


que se seque la zona que se ha humedecido, para que el
color fluya sobre dicha superficie sin dejar huellas de
separación entre pinceladas, con gran frescura y transparencia.

Lavado gradual.

Si el lavado plano es la base de la acuarela, ésta técnica no


es la única forma de resolución, así tenemos el lavado
gradual que es similar al lavado plano. Para realizar este
proceso es necesario primeramente preparar aguadas con
algunos colores por separado (2 o 3), y una vez que los
colores se ha preparado se procede a humedecer los lugares
o áreas donde se van a ejecutar los lavados y con decisión se
toma el color o los colores más claros para depositarlo en las
zonas húmedas, para a continuación depositar aguadas de
color más oscuro dejando que se fundan sin manipularlos
para que el color no se ensucie.

Restregado.

Esta técnica consiste en aplicar el pigmento al papel con un


movimiento de frotación, con lo que el papel se cubre en
todas direcciones. Esta técnica es útil para resaltar la textura
del papel.

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Pincel seco

Se aplica pintura con un mínimo de agua en el pincel. El pincel


seco exige precisión y concentración porque a menudo se
emplea para añadir los detalles finales. Andrew Wytch
empleaba esta técnica después de esbozar las formas principales
y establecer los tonos con lavados aplicados libremente, el grado
de humedad de la pintura es muy variable y solo la experiencia
permitirá aprovechar bien esta técnica.

Lavado y línea.

La línea sólo es útil para añadir


detalles finos y tonos oscuros cuando
es necesario. La técnica del lavado y
línea es algo muy distinto; se emplea
la línea para dibujar toda la escena o
figura, y los lavados para unificar la
pintura fundiendo el contorno. A
veces se aplica estos lavados sobre la
línea y otra se emplea para definir los
lavados, acentuando las formas y el volumen. Muchos artistas hacen apuntes en línea y
lavados monocromos, pero pueden obtenerse buenos resultados empleando lavados de
color y línea negra o incluso lavado negro y línea.

Técnica de la esponja

En lugar de pincel, para humedecer grandes áreas del papel,


puede utilizar una esponja humedecida con agua limpia para
conseguir un lavado claro también puede utilizar para eliminar
lavados, retirando una parte de la capa de pintura que desee
eliminar, se deja secar lo suficiente para proseguir con su
proceso con la finalidad de que no haya un corrimiento de la
pintura.

Goma de borrar

Se utiliza para reducir la intensidad de un lavado o de una zona que haya quedado
demasiada oscura hay que asegurarse de que la pintura este completamente seca y la goma
limpia para proceder a borrar.

Cuchilla

Este Recurso técnico se utiliza para producir determinadas texturas y líneas sobre la
pintura seca, para ello con el filo de la cuchilla se raspa sobre el papel. Este proceso es un

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tanto artificioso, hay que manejarlo con mucho cuidado, para no afectar la frescura de la
acuarela.

Enmascaramientos.

Existen dos tipos de enmascaramientos.

a) Masquin

Hasta los pintores más expertos sienten sorpresa y satisfacción al ejecutar esta técnica, que
consiste en romper trozos de masquin e ir pegando sobre el papel de manera espontánea y
creativa, luego se deposita lavados de acuarela con diferentes colores sobre los bordes del
enmascarado y por último se refuerza
dichos bordes con colores más oscuros
aprovechando la humedad del lavado
anterior permitiendo así que se fundan
las tonalidades.

Generalmente esta técnica se aplica para


realizar obras de arte abstracto.

b) Cera de Vela

Esta es otra forma de enmascarar o


proteger la superficie, para ello se debe
seleccionar cuidadosamente los lugares
donde va a aplicar la cera. Este
procedimiento se puede realizar sobre
superficies completamente en blanco o
sobre superficies coloreadas con colores
transparentes.

La cera aplicada no se puede retirar por lo que quedará como parte de la creación.

Impresión offset

Se extiende pintura sobre: Vidrio, plástico o


cualquier superficie impermeable de manera
expresiva y espontánea, luego se toma la
cartulina y se coloca sobre la zona pintada
presionando con la palma de la mano para que
la pintura del vidrio se adhiera a la cartulina

Sal

Cuando se está realizando una acuarela es necesario experimentar con alguno de los
recursos técnicos, en este caso la sal se utiliza para conseguir efectos texturales, para lo
que simplemente se prepara una aguada de color bien localizada la tonalidad se aplica en la

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superficie deseada e inmediatamente se deja espolvorear un poco de sal de cocina. La sal


aglutinara al pigmento y se producirá el efecto textural.

Gotas sopladas

Se deposita gotas de aguada de acuarelas y se sopla con fuerza en diferentes direcciones.

Rociado

Para realizar el rociado se utiliza un cepillo de


dientes, al que se le carga de color y valiéndose
de el filo de un cuchillo raspando sobre las
cerdas se recorre desde adelante hacia atrás
produciendo salpicados sobre la superficie seca
o húmeda del papel.

Combinación de recursos técnicos

Una vez conocido cada uno de los recursos


técnicos y sus cualidades estéticas es necesario
incursionar en una creación sea figurativa o
abstracta para fijar el conocimiento en la
práctica

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SEGUNDO ENCUENTRO
SEGUNDA UNIDAD

EL BODEGÓN A LA ACUARELA

OBJETIVO GENERAL:
Conocer los principios generales de los recursos técnicos y su aplicación estética en el
género el bodegón

OBJETIVOS

 Utilizar apropiadamente las mezclas de color


 Aplicar los principios compositivos
 Aplicar los recursos técnicos
 Valorar críticamente las obras realizadas

CONTENIDOS
1. Principios básicos
2. Género “El Bodegón”
3. El proceso pictórico por etapas
4. Bodegón con flores Fases o Estados
5. Bodegón con objetos viejos
6. Bodegón con frutas

PRINCIPIOS BÁSICOS

Composición.

La composición es quizás la fase más importante en todo proceso creativo para la


consecución de una obra artística. Consiste en abordar o situarse frente a un puro juego
estético en la que se conjugan una serie de aspectos como líneas, masas, tonos, espacios y
colores en una fascinante combinación de pesos, contrapesos, movimiento y ritmo en la
búsqueda de la unificación de los múltiples elementos que deseamos reducir a una síntesis
unitaria y equilibrada.

Algunos autores lo sintetizan en composición


simétrica y composición Asimétrica.

Composición simétrica.

Como su nombre lo indica, simétrica es


sinónimo de igualdad; por lo tanto
composición simétrica es cuando a una
superficie se lo puede dividir en dos, cuatro o
más partes iguales.
Simétrica Asimétrica

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Este tipo de composición ha sido utilizada en pocas oportunidades por los grandes artistas,
por que es un tipo de composición monótona y pesada, debido a que no se genera
movimiento y dinamismo.

Composición asimétrica.

Este tipo de composición es quizás sin lugar a dudas, una de las más utilizadas por los
grandes maestros del arte, por que genera movimiento y dinamismo es un tipo de
composición en donde no hay igualdad entre sus partes, y para equilibrar sus
composiciones se recurre a la compensación de las masas con relación a las otras.

Para conseguir este efecto los maestros del arte acudieron a la famosa regla de oro
denominada “Sección Áurea o Sección Dorada”.

Sección aurea.

El arquitecto Vitrubio descubrió la que parece ser la mejor proposición entre dos
dimensiones: la llamada sección áurea o proposición armónica.

Se inicia de un segmento de recta AB

Proceso:

A la recta A B se quiere prolongar B ----------------- D


con línea descontinúa.
1. Trazamos la recta AB y prolongamos la recta BD en línea descontínua.
2. Tomando la distancia AB, y haciendo eje el compás en B, trazamos un arco de
circunferencia en la parte superior A’.
3. Desde el centro de la línea AB; o sea E, prolongamos el compás EA’ y trazamos un
arco hasta cortar la prolongación BD y obtener D.
4. De este proceso obtenemos la siguiente relación:
AB es a BD como AD es a AB, resuelto
matemáticamente nos da que: 1 es a 1.618.
5. De esta operación se establece dos tipos de
proporción:
Directa por 1.618 avanza.
Inversa por 0.618 disminuye

EJERCICIOS

A 15cm B
Lado menor
1. Hallar la distancia mayor al segmento de recta A B
que mide 15cm. Lado mayor 24 cm

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2. Hallar el lado menor, si el lado mayor mide 24 cm. al siguiente rectángulo.

Cuando se trata de construir un rectángulo cuyos lados mantengan entre sí la proporción


armónica, basta conocer uno de los lados para construir el rectángulo deseado, sea
multiplicando por 1.618 avanza y por 0.618 disminuye.

Determinación del punto de interés.

Para determinar un punto de interés en un Trazo 4 4.94 cm


rectángulo X, partimos de la aplicación
del número de oro. Trazo 3
Rectángulo

Ejemplo:

Trazo 2
Construimos un rectángulo
1. Trazamos una recta A B de 8 cm de
Trazo 5
longitud. 3.05 cm
Trazo 1
2. Hallamos el lado menor.
3. Estructuramos el rectángulo
Al lado mayor multiplicamos por 0.618 y trazamos un corte en los dos lados.
Al lado menor multiplicamos por 0.618 y trazamos un corte en los dos lados menores.
Trazamos las intersecciones y en el cruce de las líneas intersecadas ubicamos en punto de
interés o fuerte
Ejercicio: Encuentre los cuatro puntos fuertes o de interés del mismo rectángulo utilizando
la regla de oro
Estructura.
En toda obra de arte existe una base geométrica oculta que es como un esqueleto que forma
parte de la composición.
Todas las buenas obras de arte han sido establecidas sobre estas líneas básicas equilibrando
luego la estructura con los valores tonales.
Las obras de los maestros de la pintura tienen una organización lineal que es invisible para
los ojos del artista principiante, pues toda obra clásica está estructurada mediante un
verdadero tejido geométrico, ligando a todas los elementos del cuadro, para crear un bello
efecto de armonía y unidad.
Las formas geométricas, como los cuadrados u oblongos, la elipse o el óvalo, y el círculo,
ofrecen múltiples bases compositivas; Pero no sólo las figuras geométricas juegan un papel
importante en la composición, pues el ritmo lineal también es vital en una obra.
Las creaciones con rectas generan un efecto fuerte y definido. Las curvas son belleza,
voluptuosidad y movimiento, las horizontales expresan calma y serenidad.
Las verticales, sublimidad, espiritualidad y elevación.

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Ejemplos de composiciones en base a formas geométricas y letras

La variedad.

Es la simple selección de objetos o


elementos que integrarán una composición,
sin un sentido lógico de organización o
disposición en un determinado espacio.

La unidad

Se considera que un cuadro tiene unidad,


cuando los elementos que integrarán la
composición se encuentran organizados de
tal forma que encajan perfectamente dentro
de un espacio rectangular o cuadrado.

La unidad es la suma de todos los valores,


lineales, masas, tonos, espacios,
proporción, y colores en perfecta armonía.

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Proporción

La proporción es la correspondencia de unas partes con el todo o entre cosas relacionadas


entre sí.

Desde los griegos se establecen normas que llevaron a la arquitectura, estatuaria y objetos
funcionales, al más alto grado de perfeccionamiento en estas relaciones armónicas.

Es relación que procura un efectivo placer visual, evitando, tanto la igualdad de dos
medidas, como una gran diferencia entre ellas.

Todos los elementos lineales de una obra deben estar en relación entre sí y con el marco o
contorno envolvente.

El artista, dotado de una sensibilidad instintiva, se ajusta a leyes que regulan la estética de
las proporciones. Estas leyes son las que articulan líneas, espacios, volúmenes, tonos y co-
lores que actúan como fundamentos de la armonía.
Ritmo.
El ritmo es una armoniosa sucesión u orden acompasado de movimientos lineales, valores
y colores a través de un recorrido visual por un camino fácil, conectado, de cualquier
combinación de líneas, formas o colores, creándose un movimiento, que será rítmico si es
organizado y fácil; cuando este movimiento distrae e inquieta es porque carece de ritmo.
El ritmo sugiere repetición, fluidez, acción y movimiento. Esta línea se encuentra en la
forma humana y en muchos animales y plantas.
1. Género el bodegón.
El bodegón es sin lugar a dudas una de las temáticas más utilizadas en todos los centros de
estudios de arte, más que todo en los primeros años del proceso académico, por que
permite que el educando comprenda con facilidad los principios compositivos y el dominio
del claroscuro.
Por ello el contenido de esta unidad se va a centrar al proceso pictórico por etapas o
estados, de una manera sencilla, sin limitar la posibilidad de que el educando pueda aplicar
su ingenio e imaginación, rompiendo con cualquier esquema preestablecido, consiente de
que el arte no responde a formulas.
3. Proceso pictórico por etapas
Proceso pictórico de la acuarela, el módulo acoge algunos principios muy importantes para
aprender a pintar a la acuarela, de varios autores, en una compilación que de seguro
contribuirá en el proceso de su formación artística; aunque en realidad no hay formula
alguna en el mundo que haga de un ente un artista.
Ser artista implica mucho más que el mero dominio de una técnica, pero de todas maneras
en este módulo se va a tratar de proporcionar algunos consejos técnicos en dos de los
géneros de la pintura “El bodegón y el paisaje”.

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SEGUNDO ENCUENTRO

EL BODEGÓN CON OBJETOS VIEJOS

Ahora vamos a realizar ejercicios con objetos viejos. Seleccione uno o varios objetos
simples, coloque sobre una mesa y antes de empezar observe detenidamente los colores,
las sombras y las luces.

Recuerde que solo el ejercicio constante le proporcionará la experiencia para llegar al


dominio de las mezclas cromáticas, "aguadas", "degradados" y demás formas de pintar con
acuarelas.

La acuarela es bastante transparente y no es posible corregir errores, por lo que para


algunas personas resulta muy difícil. Hay que tomarlo con paciencia.

Antes de realizar una serie de ejercicios no olvide que el blanco no se pinta, sino que hay
que reservar previamente esas zonas, o bien procurando no tocarlas al pintar a su lado, o
bien pintando esos puntos con parafina un "líquido de reservas". Es una especie de
pegamento que se retira frotando con el dedo cuando el cuadro está listo.

Se pueden lograr varios efectos utilizando cepillos, sal, una esponja y métodos como el
salpicado y otros que ya abordamos en la primera unidad.

La pintura a la acuarela es muy delicada. Hay especialistas muy buenos en esta técnica. Se
la valora menos que la pintura al óleo, por estar realizada en papel y no en lienzo y por ser
menos perdurable en el tiempo.

Pero es indiscutible su belleza para alguien que tenga la sensibilidad adecuada.

Todos estos y muchos más son "truquillos" de artista para lograr imitar las distintas
texturas que nos brinda la naturaleza, y hasta las que nuestra imaginación nos proporcione.

Pues bien empecemos con ejercicios simples, y segmentos aislados a manera de ejercicios
preparatorios, luego vaya complejizando con otros ejercicios más acabados y complicados.

He aquí un ejercicio simple en donde luego de realizado el dibujo se ha trabajado el fondo


con aguadas húmedo sobre húmedo en forma expresiva.

De igual manera la tetera se ha empezado por una capa de tierra de sombra tostada
ligeramente matizado con rojo en forma genérica reservando las zonas de luz y antes de
que se seque se ha procedido a aplicar manchas de tierra de sombra natural con negro y
azul de Prusia sin llegar a la definición perfecta de la forma.

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Para las flores se ha utilizado rojo con una pisca de azul y el la flor de la derecha el rojo
con una pisca de amarillo.

Por último para la sombra de la tetera se ha utilizado negro matizado con azul y tierra de
sombra natural

A continuación se presenta algunos ejercicios de bodegones con objetos viejos en donde


predomina la combinación de los colores oscuros como el siena tostado, tierra de sombra
natural y azul índigo, que a pesar de ser colores fríos son de una belleza extraordinaria.

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TERCER ENCUENTRO

EL BODEGÓN CON FRUTAS


Primer estado: Dibujo aguada y material
Establecer el dibujo en forma lineal sin sombras sin preocuparse demasiado en el perfil
fiel de las formas, en el caso de haber realizado doble línea puede borrar las líneas que no
han sido bien resueltas.
Empiece a pintar con una aguada general que más bien sirve para humedecer el papel
pero de todas maneras esta etapa marca la gama de colores que van a integrar el cuadro
determinando la atmósfera general.

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Segundo estado: El color local

Se sigue manchando de manera suelta reservando el blanco, en la etapa del color local o
sea el color real que tienen los objetos sin luces ni sombras, en esta etapa se trabaja una
serie de capas de color tratando al máximo de localizar los colores de las frutas teniendo
cuidado que no se produzcan fusiones
de colores que impidan mantener la
forma de las frutas.

Procure no dejar cortadas las manchas


de colores, mediante la fusión con un
pincel húmedo, trate de oscurecer o
aclarar los volúmenes de las frutas sin
atormentar la cromática, no trate de
mezclar los colores sobre la cartulina,
la localización de las tonalidades se
los debe hacer en la paleta y solo
cuando ha logrado la matización
correcta aplique al cuadro.

Cuarto estado: sombras y relaciones:

Esta es la etapa donde hay la necesidad de valorar resolviendo los volúmenes y las
relaciones entre las frutas.

Las sombras de las frutas y las sombras proyectadas se van oscureciendo sin que tenga que
saturar los colores, tratando de relacionar entre el color local y las sombras, en muchos de
los casos para oscurecer sin dividir las superficies pueden acudir a la aplicación de línea y
lavado.

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Quinto y último estado: Pintar con agua

Ésta es una etapa fundamental que se denomina pintar con agua, se hace un estudio
minucioso pues aquí se degrada, se fusiona y se construye las formas y los volúmenes, se
aplica veladuras para dar brillo o oscurecer ciertas zonas.

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CUARTO ENCUENTRO
BODEGÓN CON FLORES

FASES O ESTADOS

Primer Estado.

Dibujo, aguada, material

Realice el dibujo sobre una buena cartulina,


resolviendo el modelo con un dibujo lineal sin
sombra de manera ágil y desenvuelta, sin
preocuparse el detallar muy bien el perfil del
contorno exacto. Si en el proceso tuvo que realizar
alguna doble línea puede acudir a un borrador de
queso para adelgazar o eliminar algunos tramos del
dibujo.

Uno de los aspectos que también puede


considerarse es que el alumno no debe
acostumbrarse a utilizar pinceles muy pequeños, y
prematuramente caer en la realización de detalles
sin haber resuelto las grandes masas.

Durante el proceso debe existir una buena


iluminación para que pueda establecer con precisión
la entonación general del trabajo. Puede empezar
humedeciendo grandes zonas del papel y aplicando

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aguadas de color gradualmente mientras haya la suficiente humedad los colores se


fundirán hasta conseguir los efectos deseados. Cuando el papel esta muy húmedo es
necesario dejar que este se seque para continuar su proceso, caso contrario se puede
producir el corrimiento del color a otras zonas y también puede ocurrir que el papel se
vuelva mate sin brillo por que el papel aún no ha recuperado el poder de absorción.

Segundo Estado el color local.

Se sigue manchando en forma suelta


pero tomando en cuenta que debe
reservar ciertas zonas blancas que
constituirán los brillos, ya que en
materia de acuarela no se utiliza el
color blanco. Mientras va
resolviendo las flores con estas
características, ese es el “color
local”, o sea el color que tienen los
objetos en forma plana sin sombras
ni luces. Esta etapa apenas
constituye en transitoria; luego
puede continuar trabajando con otras
capas de color. Este proceso debe
ejecutarlo con manchas de color muy
transparente o sea con el color local
reducido a su mínima expresión.

Una de las ventajas de pintar sobre húmedo es, que durante el proceso puede modificar las
tonalidades con gran facilidad en una mezcla difusa de tonalidades y colores que son las
que le dan la calidad de pintura a la acuarela; pero no obstante hay que ir controlando esas
fusiones y degradaciones espontáneas para mantener la forma, aquí puede hacer uso de su
ingenio e ir añadiendo intensidad de color reforzando los tonos y colores pero también
absorbiendo los excesos con un pincel o papel toalla. Luego de haber trabajado las grandes
zonas puede ir manchando con pinceladas amplias todos los otros elementos, ajustando los
tonos y colores reales de cada objeto.

Tercer Estado resolución pictórica.

Una vez que ha resuelto los colores


locales, proceda a la aplicación de
colores oscuros del fondo, para ello
puede utilizar los colores
complementarios, que le producirá
los colores llamados quebrados o
sucios, con ellos puede redibujar,
repintar encima de los colores
formales utilizados en el fondo,
tratando de dar volumen a los
elementos, contrastando y

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conectando a los elementos en una unidad, siempre buscando conjugar tonalidades cálidas
y frías.

El juego de la pincelada debe ser rápido, hay zonas en las que debe depositar más color y
en otras reducir mediante lavados sin dejar que el color se recorra o sea retirando el exceso
de humedad con el pincel seco y limpiándolo con una toalla.

Cuarto Estado: volumen, sombras y relaciones

Una de las ventajas de pintar sobre húmedo es que puede conseguir unas fusiones
extraordinarias entre las tonalidades; aunque no se descarta desde ningún punto de vista
que puede proceder a pintar sobre seco con pinceladas expresivas.

Esta es la etapa en la que se empieza a valorar las tonalidades, las luces y a acentuar las
sombras, relacionar unas áreas con otras para armonizar el conjunto en una unidad
cromática.

No olvide que la exagerada manipulación del pincel sobre el papel puede ensuciar los
colores y hacer perder la frescura de la acuarela.

Cuando se entra en materia de valorización hay que tomar muchas precauciones como
lavar permanentemente el pincel, para ello es recomendable disponer de dos recipientes,
uno para el agua limpia y otro para la limpieza del pincel.

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En esta etapa puede proceder a resaltar las luces de manera natural aunque no se descarta
la utilización de algunos de los recursos técnicos como la cera, o el lavado con pincel, pero
con mucha prudencia, en todo caso en esta etapa es muy importante las relaciones de
volúmenes en función del conjunto.
Quinto Estado Pintar con agua.
Esta etapa debe manejase con mucho cuidado, es indispensable disponer de una toalla
limpia para secar el pincel, puesto que se va a trabajar con agua para fundir gradar y
construir.
De la habilidad del ejecutante dependen los toques finales. Si desea un trabajo con
definición de perfiles, debe aplicar pinceladas de color contraste, lavar el pincel, secarlo, y
solo con el pincel húmedo fundir la pincelada hacia dentro de las flores, si no le gusta el
trabajo definido y acentuado debe proceder a fundir los bordes con el fondo para eliminar
la dureza lineal.
En todo caso en materia de acuarela, no se puede establecer con rigidez métodos
personalizados, estas líneas apenas están diseñadas para emitir ciertas indicaciones
resolutivas que pueden ser variadas de acuerdo a las necesidades personales del educando,
de acuerdo a las habilidades innatas o simplemente al gusto.
Ciertamente el bodegón es uno de los géneros extraordinarios de la pintura a la acuarela,
por ello resulta indispensable su tratamiento y práctica.
A continuación se detalla algunos ejemplos extraordinarios de bodegones de gran calidad
estética y diferente resolución técnica.

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Ejemplos de bodegones con flores

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QUINTO ENCUENTRO

TERCERA UNIDAD

GENERO EL PAISAJE

OBJETIVO GENERAL:

Fundamentar conceptualmente los procesos pictóricos en la técnica de la acuarela.

OBJETIVOS:

 Ejecutar el paisaje acorde a los principios compositivos de los grandes maestros.


 Aplicar la acuarela con capacidad creadora.
 Aplicar los recursos técnicos con moderación para la consecución de obras artísticas
expresivas.
CONTENIDOS:
Genero el paisaje
Paleta restringida
Práctica uno dos colores
Práctica con tres colores
Práctica con Paleta Completa

PROCESO PICTÓRICO

La acuarela es una de las técnicas muy utilizadas en este genero, más que todo para la
realización de apuntes rápidos por lo rápido de su secado.

EL PAISAJE CON UN COLOR

A continuación se ha considerado de gran importancia sugerir la utilización de una paleta


restringida con un número limitado de colores con la finalidad de ayudarle a descubrir la
gama de matizaciones que puede conseguir con un solo color.

Puede seleccionar entre el siena, tierra de sombra natural o el azul índigo. El primer paso
consiste en pintar el cielo con aguadas irregulares, pero sin olvidar que debe reservar las
áreas que van a ser las nubes.
No existe una fórmula exacta para pintar el paisaje por lo que mucho va a depender del
propio ejecutante el nivel de éxito de la acuarela, pero no obstante puede empezar por el
cielo para descender luego por todo el cuadro mientras se seca.
Luego pase progresivamente a detallar algunos aspectos de la fachada de la casa para dar
un primer intento de volumen.

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Acentué la intensidad del segundo plano con aguadas irregulares para dar la sensación de
textura en el piso y de ser necesario en algunas áreas aplique sal o un salpicado con un
cepillo de dientes.
Remate las formas estableciendo las sombras con el color más intenso sin llegar a
empastar.
Por último si es necesario realice ciertos lavados y veladuras para conseguir una suavidad y
unidad cromática en todo el cuadro

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SEXTO ENCUENTRO

EL PAISAJE CON DOS COLORES (BICROMÍA)

Para este ejercicio puede seleccionar el siena tostado y el azul índigo. Cuando nos
planteamos realizar un trabajo y contamos apenas con dos colores nos preguntamos ¿qué
podemos hacer con dos colores?; pues pongámonos a prueba utilizando un color caliente y
un color frío.

Empiece con un diseño simple, luego aplique una aguada de color azul índigo levemente
matizado con siena bien diluidos con más agua que color, lógicamente reservando el
blanco para las nubes. El color casi transparente de la parte inferior del cielo hará un juego
muy interesante con el color de las montañas.

En la segunda etapa trabaje las montañas con aguadas de color siena primero en forma
general y antes de que se seque funda matizaciones de azul índigo con siena para
diferencias los diferentes planos de las montañas.

Por último empiece a detallar la cerca y la casa del primer plano estableciendo luz y
sombra para conseguir volumen y perspectiva de profundidad en el primer plano.

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SEPTIMO ENCUENTRO
EL PAISAJE PRÁCTICA CON TRES COLORES
Tierra de sombra natural
Verde Esmeralda
Azul Cobalto
Utilizando tres colores Ud. puede lograr excelentes trabajos, con una variedad cromática
sacando el máximo provecho a cada color y sus matizaciones.
1) Ejecución del dibujo a lápiz
2) El celaje puede resolver por dos procedimientos:
a. Humedeciendo toda la zona del cielo, excepto si desea incorporar nubes las mismas que
únicamente reservará el papel en blanco, una vez humedecida toda la superficie del
cielo deposite gotas de aguada de acuarela con diferentes matizaciones y deje que se
recorra sobre la superficie mojada, este procedimiento le permitirá obtener fusiones
extraordinarias por lo tanto un celaje muy expresivo.
b. Para los nubarrones puede reservar los espacios con cera de vela y luego pintar todo el
cielo con pinceladas muy expresivas; o a su vez solamente con el pincel directamente,
solo dejando ciertas zonas sin pintar. Uno de los aspectos fundamentales para
conseguir la concavidad en el cielo es intensificando las tonalidades de la parte
superior del cielo y aclarando en las zonas en que se une el horizonte con las
elevaciones.

3) Una vez resuelto el celaje, puede ir en orden pintando desde atrás hacia adelante, o sea
primero las elevaciones, luego la parte central, el punto de interés y por último el
primer plano de igual manera que en primer ejercicio, lógicamente en cada uno de

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estos espacios deberá ir incrementando matizaciones entre zonas áreas y sub-áreas en


una riqueza cromática perfectamente armonizada.
4) Por último si desea establecer ciertos detalles puede insertarlo algunos toques lineales
pero siempre manteniendo la espontaneidad.
OCTAVO ENCUENTRO
EL PAISAJE RÚSTICO CON PALETA COMPLETA
Primera fase
Se fija el papel al tablero con cinta adhesiva y
se realiza un dibujo preliminar bien detallado.

Se humedece la zona del cielo para pintar en


húmedo sobre húmedo. Para ello utilice
mezclas de azul ultramar y cerúleo con algunos
toques de carmín en distintas proporciones,
dependiendo de la zona a pintar.

Añado agua en algunas zonas para que la


mezcla quede más clara y con papel secante
(papel de cocina) se absorbe color en algunas
partes para quitar la pintura que arroya en
exceso. Pinto la montaña de la derecha
con malva y gris payne.

Coloco el tablero en plano y dejo secar.

Segunda fase

Se ha procedido a pintar el tejado


con rojo de cadmio y siena tostada.
Los arbustos con mezclas de verdes
y amarillo de cadmio con algunos
toques de naranja, siena tostada y
sepia. La pradera con amarillo de
cadmio y azul. Los árboles con
mezclas de verde, naranja, ultramar

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y sepia. Los árboles de la derecha y los arbustos con verde azulado, buscando las
distintas tonalidades de cada zona.

Para la hierba realice pinceladas


verticales de distintos colores. Prepare
varias aguadas que luego se irán
mezclando sobre el papel, dejando
algunos espacios en blanco para dar la
sensación de hierbas altas. Para ello
utilice siena natural, verde, siena
tostada, sepia y naranja mezcladas en
distintas proporciones y aplicadas
mediante pinceladas verticales sobre
seco.

Tercera fase

Para las partes en sombra de la casa


utilice una variedad de grises.

Los árboles que están encima de la


casa con verde y sepia. Los de la
izquierda con verde, siena natural y
siena tostada. Para las partes más
oscuras añada ultramar a la mezcla.
Los troncos con sepia, añadiendo
ultramar para las partes más oscuras.

Finalmente doy algunos retoques a


las partes más oscuras y se añaden
detalles para resaltar el dibujo
utilizando mezclas oscuras con poco
agua.

Resultado final

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NOVENO ENCUENTRO

PAISAJE URBANO

En el siguiente paso a paso vamos a pintar con sólo tres colores: el azul ultramar, el rojo de
cadmio y el amarillo de cadmio, equivalentes, como usted sabe, a los tres colores
primarios.
Con estos colores convenientemente mezclados entre sí, en teoría se podría obtener
cualquier color existente (digo «en teoría» porque en la realidad no es así: hay muchos
colores que no pueden obtenerse con la combinación de los tres primarios.

Como en cualquier tema urbano que exija cierto dominio de la perspectiva, el dibujo debe
ser cuidadoso.
El dibujo debe ser meticuloso y concienzudo, pues proporciona una oportunidad para explotar la interacción
entre las formas geométricas y la perspectiva.

El primer paso consiste en pintar el cielo con aguadas irregulares de azul ultramar y carmín
mezclados en proporciones desiguales. Deje en blanco los espacios correspondientes a las
nubes.

Muchos artistas suelen empezar pintado el cielo, y descienden por el cuadro a medida que
avanza la obra.

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Los colores de las fachadas (ocres, Sienas, violáceos...)


proporcionan un poderoso sentido al espacio de la obra,
otorgando profundidad al plano del cuadro.

En este punto se han cubierto los blancos del papel. De


este modo se evitan errores causados por los contrastes
simultáneos.

El artista inició su trabajo con veladuras


semitransparentes. Ahora es el momento de densificar la
pintura para pintar las aperturas de los edificios y
resolver algunos detalles lineales.

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Pase ahora a dar una primera capa a las fachadas de las casas que penden sobre el río.
Como puede ver, éstas presentan colores dispares: pardos, ocres, grises y azulados. Los
pardos se logran combinando un poco de rojo, otro tanto de amarillo y apenas una punta de
azul. Para obtener el ocre realice la misma operación, aunque con mayor presencia de
amarillo. Para el gris violáceo basta con mezclar en proporciones iguales rojo y azul y
matizarlo con una punta de amarillo.

Como puede ver, el artista apenas ha detallado la forma de las casas. Se ha limitado a
extender aguadas uniformes, variando la forma y el color en cada una de las fachadas.

Resuelva ahora la superficie del río que cruza mansamente la ciudad con una aguada de
azul ultramar algo matizada con amarillo; las franjas laterales en la zona más anaranjada
(que luego oscureceremos), correspondiente al reflejo de las fachadas sobre el agua, con
rojo y amarillo, y la franja violeta de la parte sombreada de la orilla derecha.

Mezcle entre sí los tres colores para obtener ese violeta tan intenso que se observa en la
base de las casas de la derecha. Extienda nuevas aguadas de color pardo sobre la superficie
del agua.

Observe que la aguada no es uniforme, sino que refleja en cierto modo el color de la
fachada que se proyecta en el agua. Pinte la orilla del río de debajo del puente con un color
verdusco.

El puente, por el momento, lo reservaremos del color blanco del papel, ya lo pintará en
pasos posteriores cuando las aguadas que lo rodean hayan secado correctamente.

Remate las formas y los colores: las manchas, las sombras de los aleros de los tejados y de
las casas y las aperturas de las fachadas con rojo, una pizca de amarillo y lo mismo de azul.
Utilice un pincel pequeño para realizar esta tarea. Vea cómo, poco a poco, los edificios
presentan una fisonomía fácilmente reconocible. No hace falta ser demasiado escrupuloso
en detallar la forma de las ventanas, balcones o pórticos, bastará con insinuarlos.

Uno de los fenómenos visuales más interesantes de esta


composición son los reflejos sobre el agua del río, que a menudo
se distorsionan de extrañas maneras.

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Para pintar los reflejos con un pincel mediano realice densas líneas, a modo de zigzag, con
color tierra, para ayudar a transmitir la constante movilidad de la superficie del río.

De este modo, las fachadas que en él se reflejan parecen sacudidas por un temblor que
desdibuja su perfil y confunde los detalles

Finalmente, sólo queda por pintar las fachadas de la


derecha, añadir algunos detalles en los reflejos del agua y
reforzar el cielo y la silueta de la catedral.

Oscurezca el cielo con nuevas aguadas violáceas. Coja un pincel grueso del número 12 y
trabaje la superficie del agua con trazos horizontales, de manera que el rastro del pincel sea
aún visible tras aplicar el lavado. Prosiga detallando, ahora con el pincel pequeño, el grupo
de casas de la derecha, las que se encuentran más cercanas al espectador. Aquí la precisión
de los detalles debería ser mayor que en el último término. Por lo tanto, las ventanas y los
balcones aparecerán más definidos.
La verdad es que está ya casi todo resuelto; sólo queda añadir algunas pinceladas más en
los reflejos, oscurecer las sombras de la catedral, añadir nuevos tonos amarillentos en el
curso de agua para mitigar los blancos del papel, y atar algún cabo suelto que pueda
quedar. Este problema, el de terminar los cuadros, no se soluciona entrando en pequeños
detalles anecdóticos. No se confunda: lo que hay que hacer en todo momento es observar el
cuadro globalmente intentando ver qué es «lo que le falta», o si hay algo que impide que la
obra presente la coherencia o el equilibrio deseado. Puede ser que usted haya
emborrachado el cuadro con colores densos y espesos.

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Esta preciosa composición representa un paisaje


urbano en una de sus versiones más atractivas: un
concierto de elementos urbanos y elementos
naturales como el río.

Por ello, le aconsejo que no tenga prisa por acabar el cuadro. Trabaje desde el principio
con suaves lavados, pues en las fachadas de las casas la variación de matices es sutil, a
veces ínfima.
Tenga usted paciencia y experimente con la mezcla o combinación de estos tres pigmentos.
Si cree que le puede servir de ayuda, trate de hacer previamente degradados tonales y
ruedas cromáticas con los tres colores recomendados para comprobar sus posibilidades.

DECIMO ENCUENTRO

TEMA LIBRE

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BIBLIOGRAFÍA

José Parramón Curso Completo de Dibujo y Pintura Técnicas Húmedas, Parramón


Ediciones, España 1994.

José Parramón, Pintando Bodegón a la Acuarela Paso a Paso, Parramón Ediciones, España
1990.

Henry Gasser, Aprende a Pintar Óleo, Acuarela Témpera, Ediciones DAIMON, Barcelona

Colin Hayes, Guía Completa de Pintura y Dibujo, Técnicas y Materiales, BLUME


Ediciones, España 1980.

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INDICE
Pág.
ÍNDICE

INTRODUCCIÓN...………………………………………………………………... 2

Objetivo general del módulo…………………………………………………………. 3


Específicos……………………………………………………………………………. 3
Orientaciones para el uso del módulo………………………………………………… 3
PRIMERA UNIDAD
Generalidades………………………………………………………………………… 5
Reseña histórica de la acuarela……………………………………………………….. 5
Superficies……………………………………………………………………………. 5
Recursos técnicos…………………………………………………………………….. 7

SEGUNDA UNIDAD
El bodegón a la acuarela……………………………………………………………... 11
Principios básicos…………………………………………………………………….. 11
Composición………………………………………………………………………….. 11
Sección aurea…………………………………………………………………………. 12
Determinación del punto de interés…………………………………………………... 13
Estructura…………………………………………………………………………….. 13
La variedad…………………………………………………………………………… 14
La unidad…………………………………………………………………………….. 14
Proporción……………………………………………………………………………. 15
Ritmo…………………………………………………………………………………. 15
El bodegón con objetos viejos………………………………………………………... 16
El bodegón con frutas………………………………………………………………… 18
Bodegón con flores…………………………………………………………………… 21
TERCERA UNIDAD
El paisaje con un color……………………………………………………….............. 26
El paisaje con dos colores (bicromía)………………………………………………… 28
El paisaje con tres colores…………………………………………………………….. 29
El paisaje rústico con paleta completa………………………………………………... 30
Paisaje urbano………………………………………………………………………… 32
Tema libre…………………………………………………………………………….. 33
Bibliografía…………………………………………………………………………… 37

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