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Arte óptico y cinético

Inicio: Año 1960

Fin: Año 1965

Antecedente: El enfriamiento

Comentario

El enfriamiento de la obra de arte en los años sesenta, tras los calores informalistas, tiene otra
manifestación en el Arte Optico, más conocido como Op Art o, simplemente Op y en el Arte
Cinético. Su desarrollo, y su triunfo, se producen en paralelo al de la abstracción postpictórica y
al minimal, con el que comparte el uso de elementos geométricos.Los dos, si decidimos
considerar un arte independiente el cinético -asunto bastante discutible- tienen sus raíces en las
vanguardias históricas: la Varilla vibrante (1920) de Gabo, los Móviles de Calder de los años
treinta o los rotorrelieves de Man Ray y Duchamp; el término cinético lo usaron Gabo y Pevsner
y, después, Moholy Nagy, pero en los años cincuenta se carga de nuevas connotaciones, basadas
en la geometría y en la ambigüedad de la percepción. Precisamente de esa ambigüedad parte el
Arte Optico para dar energía a pinturas o relieves, y crear una variedad de efectos ilusorios en el
espectador.En Estados Unidos se producen algunas manifestaciones de Op Art, pero el centro
principal está en Europa y los artistas son europeos o sudamericanos afincados en el
continente.El cabeza de fila es Victor Vasarely (1908), un médico húngaro, que se formó en
Budapest en una escuela de diseño equivalente a la Bauhaus. Hasta 1943 trabajó como artista
gráfico y, a partir de entonces, se dedicó a la pintura. En 1955 aprovechó la primera Documenta
de Kassel para publicar un Manifiesto Amarillo, en el que dice "El porvenir nos reserva la
felicidad y la nueva belleza plástica que se mueve y nos conmueve"; su exposición de ese mismo
año en la galería Denise René se llamaba El Movimiento. La idea del movimiento había
obsesionado a Vasarely desde niño, según confesaba, y su pretensión es que la pintura se
mueva: hecha para el ojo del espectador, sólo cuando éste la mira se completa. Y ésta es otra de
las diferencias con la abstracción postpictórica: no se trata de una obra estática; al mirarla
cambia, se acaba de realizar -o se realiza de nuevo cada vez- y no tiene un significado único ni
definitivo.Lo importante para los ópticos es el impacto visual y lo consiguen por caminos
diferentes: Vasarely se limita a usar el negro y el blanco en sus cuadros, con el fin de eliminar
todo resto de pictoricismo. Jesús Rafael Soto (1923), un venezolano instalado en París desde
1950, utiliza un material moderno, el plexiglas, en forma de damero o de tiras negras y blancas;
un paso más da en 1957 cuando cuelga varillas metálicas delante de un soporte formado por
líneas negras y blancas muy finas que se mueven y vibran con los movimientos del ojo del
espectador. En Inglaterra Bridget Louise Riley (1931) trabaja con precisión científica en blanco y
negro, a base de líneas paralelas muy próximas unas a otras -impecables desde el punto de vista
geométrico y realizadas muchas veces por ayudantes a partir de dibujos muy precisos- que
producen movimientos, vibraciones y ondas en el ojo del espectador.En 1960, en París, la capital
del arte óptico y cinético, se funda el Centro de investigaciones de arte visual y en 1961 el GRAV
(Groupe de Recherche de l'Art Visuel). En él están Julio Le Parc (1928) y García Rossi (1929), el
español Francisco Sobrino (1932), Yvaral (1934), hijo de Vasarel, François Morellet (1926) y Joél
Stein (1926). Reunidos antes en torno a la galería Maurice René trabajan como un grupo de
investigación y como una cooperativa en la que se hacen obras colectivas: múltiples,
instalaciones y objetos de utilidad pública. Utilizando materiales de la industria y aprovechando
los avances de la tecnología -todo lo que los expresionistas abstractos ignoraban y que da lugar
al mundo de imágenes que fascina al pop y a los nuevos realistas-, se sitúan en el mundo en que
viven, investigan el movimiento, las estructuras y los volúmenes, pero se proponen, como
objetivo prioritario, llevar a cabo la vieja aspiración de la vanguardia, unir la vida con el arte, la
sociedad con la ciencia y la técnica.Se suelen distinguir tres momentos, aunque no
necesariamente temporales. El primero en el que se trabaja con obras bidimensionales, aunque
se buscan los efectos de tridimensionalidad a base de repeticiones, contrastes,
periodizaciones...; es el momento de Vasarely, Bridget Riley o Eusebio Sempere. Un segundo
momento en el cual se introduce la tercera dimensión, creando una doble superficie, como hace
Uecker con los clavos o Le Parc con las dobles tramas, o añadiendo otros objetos, como las
varillas de Soto. Y un tercero en el cual no basta con que el espectador se mueva para que la
obra también lo haga, sino que es la propia obra la que tiene movimiento, producido por los
medios más variados: luces, imanes, calor... como en las obras de Liliane Lijn, Soto o los
laberintos de la GRAV. Con este último aspecto entronca la obra de un artista -Jean Tinguely que
se trata dentro de los Nuevos Realistas franceses, pero que, con el mismo derecho, podría
aparecer en este capítulo-.Como Tinguely, Pol Bury (1922) procedía de la pintura, que también a
él le resultaba insuficiente. Se animó en 1950 a la vista de la obra de Calder; ante ella sintió que
la cuadratura del círculo se podía conseguir y tres años después hacía los primeros relieves
móviles. "La idea de base -del Plan móvil- era que el arte abstracto encerrado en el cuadrado
rígido del cuadro de dos dimensiones participaba más de la representación de formas que de su
existencia en el espacio. Se trataba entonces de recortar esas formas en un material sólido pero
fino, para que guardaran a la vez su superficie y su espacio. Salían así del cuadro para adquirir la
tercera dimensión". El de Bory, como el de Tinguely, es un arte de participación, en el cual la
abstracción fría toma nueva vitalidad por medio del humor.París es el centro fundamental en el
que se desarrolla este arte, aunque tiene ramificaciones por toda Europa y reconocimiento
internacional, que alcanza en 1965 cuando el MOMA de Nueva York organiza una exposición
titulada El ojo sensible.En Düsseldorf se funda el Grupo Zero, el primer movimiento artístico que
sale de Alemania, un país acomplejado por el nazismo. Activos e internacionales, quieren dejar
atrás cualquier resabio de carácter nacionalista y se abren a todos los que quieren exponer con
ellos, como Fontana o Klein, que son los. primeros en colaborar. Heinz Mack (1931) hace
bajorrelieves luminosos, a los que llama estructuras dinámicas, y escenografías grandiosas, como
el Proyecto Sahara, de 1968, una estela monumental hecha de espejos para colocar en el
desierto. Otto Piene (1928) hace coreografías luminosas (sin bailarines) y Cuadros de sombras
con humo de velas. Günther Uecker (1930), preocupado por las posibilidades estéticas de los
clavos, tema sobre el que publicó un texto, fabrica superficies claveteadas (Bosque luminoso, de
1959) sobre las que lanza luz por medio de proyectores.Investigaciones semejantes al Grupo
Zero se llevaron a cabo en los Países Bajos, donde otro grupo, Nul, con el que expusieron en
varias ocasiones, continúa la tradición racionalista de De Stijl y fabrica objetos visuales y
cinéticos. Lo fundaron en 1961 Henk Peeters, Jan Schoonhoven y Herman de Vries y editaron
hasta 1963 la revista "Nul-O". En Milán fue el Gruppo T, con Fontana como líder y activo desde
1959, en el que se hacían iluminaciones ambientales y desapariciones de objetos por medios
visuales. Partiendo de las teorías sobre la percepción de la Gestalt y en busca de un arte total,
mezclaban sensaciones táctiles y visuales, como las habitaciones estroboscópicas de Boriani
(1936). También en Italia el Gruppo N, de Padua, daba un panel importante al espectador. En
Zagreb, la Nueva Tendencia hacía que el país se enganchara de nuevo a la modernidad por este
camino óptico y cinético, que se manifestó en la exposición Búsquedas continuas. En París en
1957 se funda un grupo español, el Equipo 57, con arquitectos, pintores... (Angel Duart, Juan
Cuenca, José Duarte, Agustín lbarrola y Juan Serrano).En 1964 el arte óptico y cinético está
presente en la Documenta de Kassel; en 1963 y 1965 en las Bienales de París; en 1967 se celebra
la gran exposición Luz y Movimiento en el Museo de la Ciudad, y poco después dos en los Países
Bajos una en el Stedelijk Museum de Amsterdam y otra en el Moderna Museet de Estocolmo. En
1968 el Op estaba en todas partes -Kassel, Venecia...- y un par de años más tarde en ninguna.
Heredero de las viejas y utópicas teorías de la vanguardia rusa de unir el arte con la vida, de
armonizar arte y ciencia, técnica y sociedad, el Op consigue rebasar el campo de las galerías, los
marchantes y los museos -el campo artístico- y salir a la calle. Las carátulas de discos, los
muebles y, sobre todo la ropa, se hacen Op. Yves St. Laurent viste, y adorna, a las mujeres con
rayas, cuadros y círculos blancos. Todo lo moderno es Op durante unos años. El triunfo es
amplio, pero efímero como la moda (y el Op es moda). La osadía de situarse de espaldas al
mercado de arte hace que éste (las galerías, los marchantes y los museos) tome venganza y le dé
a su vez la espalda. Los artistas vuelven a ser desconocidos y la torre de luz y movimiento que
había proyectado Nicolas Schöffer para la Défense de París no se llega a construir nunca.

Arte Óptico y Cinético

El arte óptico y cinético es una corriente artística en que las obras tienen movimiento o generan
esa sensación. Están basados en la estética del movimiento y está representado principalmente
en esculturas y pinturas.

El arte óptico genera sensaciones de movimiento. En cambio, el cinético genera movimiento


real.

Arte Óptico y Cinético

Inicios y antecedentes

Esta corriente artística se desarrolló entre el año 1960 y 1965. Se generó al mismo tiempo que la
abstracción postpictórica y el arte minimal, y además tienen como característica en común las
figuras geométricas. Este arte tiene sus raíces en 1920 con la Varilla vibrante de Gabo y los
Móviles de Calder por los años treinta. Se da en una época de grandes cambios e innovaciones
tecnológicas.
En los años cincuenta se generan nuevas connotaciones basadas en la geometría y la
ambigüedad de la percepción. Esta ambigüedad hace que se creen efectos de movimientos en el
publico. El centro de esta corriente se da en Europa principalmente y el principal artista fue
Victor Vasarely (1908). Él fue un médico húngaro que se dedicó a la pintura y en 1995 publicó:
''el porvenir nos reserva felicidad y una nueva belleza plástica que se mueve y nos conmueve''.
Confesó que desde chico quería que las pinturas se moviesen y con esta nueva corriente
pretendía que se mueva, pero que la obra se completaba sólo cuando era observada por el
público. Vasarely se limito a usar solamente el negro y el blanco, y con eso y figuras geométricas
logró que se produzca un movimiento con la mirada del espectador. Otro artista fue Jesús Rafael
Soto en 1950 usó el plexiglás, material moderno, en forma de tiras negras y blancas, y en 1957
colgó varillas metálicas delante de un soporte formado por líneas negras y blancas muy finas que
se mueven con los movimientos del ojo del espectador. También Bridget Louise Riley trabajó de
forma científica con blanco y negro, basada en líneas paralelas muy juntas, perfectamente
geométricas, que generan movimiento en el público.

En 1960 se crea en París el Centro de investigaciones de arte visual. Los argentinos Julio Le Parc y
García Rossi participaron en la fundación. Con las nuevas tecnologías y materiales de la
industrias se situaron en el mundo en que viven, estudiaron el movimiento, estructuras y
volúmenes, pero como objetivo principal querían unir la vida con el arte, la sociedad con la
ciencia y la técnica.

Hubieron 3 movimientos importantes en esta corriente:

-Obras bidimensionales con efectos visuales de movimiento virtual.

-Obras tridimensionales con efectos visuales de movimiento virtual.

-Obras bi o tridimensionales con movimiento real.

En el año 1968, el arte óptico alcanza la difusión rápidamente estando presente en galerías,
museos, salones, etc. Pero como todo, el Op (arte óptico) llega a su fin por el año 1970, dejando
de ser protagonista artístico y se convierte en moda. Es utilizado en ropa, carteles, publicidades,
revistas, etc. Finalmente, el arte óptico deja de estar en museos y galerías de arte y los artistas
de este género pasan a ser desconocidos.

Características principales

El arte óptico es representado por la tecnología y la investigación. El artista ya no expresa su ''yo''


interior y comienza a investigar científicamente. Se concentra en la introducción del movimiento
en la pintura.

-Utiliza recursos ópticos gracias al estudio y la investigación.

-Utiliza formas geométricas que generan sensación de movimiento.


-Utiliza blanco y negro.

-Pretende que la obra se mueva cuando el público la observa. De esta forma, está completada la
obra.

-Genera situaciones donde la percepción es ambigua.