Munari, Bruno “Diseño y comunicación visual”.

Editorial Gustavo Gill, SA

Barcelona 1985 6ª Edición ampliada

Noe Becerril Zendejas

Grupo AB06 TD1 2001-I
En general este texto tiene contenidos variados dentro de su
primer capitulo que seria bueno observar y reflexionar, trata
temas de diseño de un modo entendible para cualquier
persona (incluso si no tuvieran conocimientos previos de ello),
aunque algo revueltos dentro del texto y a manera de
anécdotas que le suceden al mismo Munari durante su estadía
en el Carpenter Center for the Visual Arts de Cambridge
Massachusetts mientras impartía cursos de comunicación
visual por encargo de la universidad de Harvard.
Como ya explique Munari expresa los conceptos de diseño de
la forma más sencilla posible por que cree que estos
conocimientos pueden ser estudiados por toda persona, no
solo por el diseñador, los ejemplos nos ayudan a concebir
mejor la idea, y los cursos que impartía son maravillosos
ejemplos de lo que se puede explicar en la teoría y aun queda
mas claro para nosotros como lectores.
En los primeros capítulos explica su método de enseñanza en
el opina que no siempre hay que procurar adaptarse al
sistema de educación si no procurar que los estudiantes sean
autodidactas y retroalimenten la enseñanza y así se adapte el
programa a ellos para hacerlo mas fácil.
También nos habla de su necesidad de adaptación a lo nuevo,
Munari piensa que las escuelas no tienen por que ser estáticas
sino que debe haber movilidad, ya que la mayoría de escuelas
de diseño que dice ha visitado enseñan los sistemas antiguos
o los mas comunes y no dejan que los estudiantes se abran
puertas al futuro, ya que muchas veces lo que se les enseña
no es suficiente ya que el mundo cambia continuamente y al
terminar aprenden por si solos los nuevos métodos dejando
fuera lo que se aprendió antes, por tanto el busca dejar crear
a los estudiantes y que busquen su propio camino para que
tengan movilidad y estén a la vanguardia y preparados para
lo que afuera espera.
Después nos habla un poco del arte y el diseño, el dice que
cada uno ve lo que sabe, conocer equivale a ampliar las
posibilidades de contactos con la realidad, equivale a ver y
comprender mas, ya que entre mas conocimientos se tengan
se sabe mas, por tanto mientras mas aprendas mas puedes
expresar y deducir lo que los demás expresan, de ahí que el
arte sea una forma de expresión donde cada quien puede
tener distintos puntos de vista, y para recibir estas criticas,
buenas o malas hay que ser de mente flexible.
Nos dice que el arte y el diseño no tienen por que estar
peleados por que van de la mano y uno puede llegar a
convertirse en el otro. Munari habla de que todo lo que existe
habla y se comunica, a veces de más de una forma, sea arte
o diseño, todo se comunica visualmente principalmente, para
ello se necesita de un código visual que la gente pueda
comprender y asimilar, este puede ser artificial o espontaneo,
así como de un medio material al que se le agregan
elementos como luz, color y movimiento, por lo regular las
imágenes son un lenguaje universal, pero dependiendo de
estos 2 factores y el saber del individuo el mensaje puede ser
visto de distintas maneras.
El propio Munari no se considera un artista sino un
profesional que facilita las cosas, el dice” que es fácil
complicar, lo difícil es simplificar”, esto se refiere a que el
artista o diseñador es un simplificador que abstrae el mensaje
de su obra para que los demás puedan entenderle por ello
para realizar la comunicación visual, hay que tener claridad y
simpleza, abstraer la forma y espacio para que los mensajes
que da dicha obra sean claros para todos.
Explica en sus cartas basadas en las clases que daba, dentro
de ellas toca temas como las texturas, que son la base de una
estructura, también sobre la comunicación equivocada y los
mensajes incorrectos, la retro guardia, vanguardia e
investigación, algunos proyectos sobre la luz y sus efectos
gráficamente. Habla de modulación del espacio y con ello de
estructuras, latitud, longitud y altura, toca el tema de la
sensibilización de los signos y con esta la mentalidad elástica
del diseñador.

Nos habla de lo que trata su teoría del hacer sin pensar que
trae varios beneficios al diseñador y enseña a desechar la
razón y utilizar la intuición, no habla del tema de la
sobrexplotación de nuevas cosas, donde los diseñadores
toman un nuevo concepto y le sacan jugo hasta quedar seco.
Retoma las estructuras dentro de lo natural y la imitación de
la naturaleza, estructura y retícula, así como de las
proyecciones simultaneas con ellas las constantes y el caos
para dar un problema y solución.
También toca los temas de la secuencia de imágenes y con
esto dar a un mismo problema diferentes soluciones, trata de
la modulación a cuatro dimensiones y la explicación de la
cuarta dimensión como el desfase de las demás, nos dice
datos sobre la tecnología de entonces donde se desarrollaban
los “computer graphics” y la tecnología avanzada, discute
sobre las formas orgánicas de las retículas y formas naturales
así como la evolución instrumental de los aparatos usados
para el diseño, de esto marca a la pereza como motor del
progreso ya que por eso se mueve el mundo, al no querer
hacer nada alguien inventa algo para reducir el esfuerzo y
comenta sobre ley del mínimo esfuerzo con el máximo
resultado que es exactamente lo anterior además establece a
la enseñanza como finalidad cultural. Códigos visuales y
soporte e información así como el lenguaje limitado, tipografía
y conocimiento para mejor comunicación. Todos estos
conceptos se entienden mejor leyendo e libro ya que como lo
relata con ejemplos de lo que pasa en sus clases es extenso
explicarlo tal y como lo dice.
La segunda parte se centra más directamente en la
comunicación visual en forma teórica y conceptual,
estructuras, formas, colores, etc. Dice que todo es
comunicación visual, pero de ella existen 2 tipos, la casual:
interpretación libre y la intencional: significado intencional en
un mismo lenguaje con estética y práctica. Dice de las formas
geométricas y formas orgánicas, las formas básicas que son
3: el triangulo, el cuadrado y el circulo, de estas se pueden
crear retículas que te lleven hasta una indicación de
movimiento, y habla de la simetría que es el estudio de las
formas o cuerpos mas complejos que surgen de la
acumulación o de dos o mas formas iguales donde hay formas
básicas, Identidad: superposición o rotación en su eje;
Traslación: repetición en línea; Rotación: gira en un eje
cualquiera; Reflexión especular: simetría bilateral y Dilatación:
ampliación de forma sin modificarla, de estructuras que
modulan un espacio dando una unidad formal y facilitando el
trabajo y que concibe como la acumulación de formas.
Por ultimo nos dice su método de proyectacion que le sirve
para un óptimo trabajo en el que empieza por la enunciación
del problema, identificación de aspectos y funciones, luego los
limites, la disponibilidad tecnológica, la creatividad y por
ultimo los modelos.

Es buen punto que toca en el que el diseñador no practica un

tipo de arte separado de la vida, con cosas bellas para mirar y
cosas feas para usar, sino que trata de hacer más hermosas
las cosas cotidianas en las que interviene. Dice que la
búsqueda de soluciones implica comprometerse en todo el
proceso de nacimiento, aplicación y crecimiento de un
proyecto. Si uno se involucra en proyectos en los que
emocional e intelectualmente cree, se renuevan las fuentes
de creatividad y productividad. De todo esto esta muy bien
ilustrado y es bastante fácil de entender, lo duro es ponerlo
en práctica.

A los compañeros en general les recomiendo que lo lean, por

lo menos la primera parte, es una buena lectura y nada
aburrida y por parte de los diseñadores gráficos me parece
que es básico que lo lean, contiene algunas obras muy
interesantes y es una buena experiencia.