Retrospectiva Fernando de Fuentes

Dossier: A 50 años de Naranja mecánica

en Cineteca Nacional

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E N E R O 2024
PROGRAMA MENSUAL
 ÍNDICE PROGRAMACIÓN ENERO 2024

CINETECA NACIONAL
Av. México Coyoacán 389,
Col. Xoco, Alcaldía Benito Juárez, 4
C.P. 03330, Ciudad de México

Cineteca Nacional es miembro

de la Federación Internacional de
Archivos Fílmicos.

RETROSPECTIVA
FERNANDO DE FUENTES

EN PORTADA
Naranja mecánica, 1970

ABREVIATURAS
D: Dirección. 28
B/N: Fotografía en blanco y negro.
Dist: Distribución.
PC: Procedencia de copia.

ESTRENOS
DESTACADOS

Programación sujeta a cambios.

Para mayor información consulte
www.cinetecanacional.net
o llame al 554155 1190. Dossier
Las copias en cinta de las películas A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA
que se exhiben tienen la mejor calidad
disponible. Dicha calidad puede
EN CINETECA NACIONAL
variar debido a la diversidad de su
procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una

publicación para informar sobre las Un norteamericano y el té de las 14
películas que la Cineteca Nacional
exhibe, tanto en sus instalaciones 5 P.M.
como en sedes alternas, cumpliendo
su misión de difundir la cultura fílmica. Volver a sorber
20
Los textos firmados son responsabilidad Naranja mecánica
de sus autores.
 4 CICLOS
RETROSPECTIVA
FERNANDO DE FUENTES
Si un director ayudó a forjar la identidad del
cine mexicano de la primera mitad del siglo
XX, justo en el momento en el que su carác-
ter industrial comenzaba a dibujarse, éste
fue sin duda alguna Fernando de Fuentes.
ENEREO · 2024
Creador de una extensa filmografía a lo largo
de más de dos décadas de intenso trabajo
como realizador, guionista y productor, sus
películas llegaron a utilizar no sólo innovado-
res recursos que llevaron al incipiente cine
mexicano de la década de los treinta a un
nivel técnico no antes experimentado, sino a
un profundidad formal y una complejidad na-
rrativa que convirtieron a sus primeros filmes
en importantes referentes cinematográficos
del momento, allanando, además, el camino
para la llamada “Época de Oro” del cine nacio-
nal que tendría su momento más culminante
en los años cuarenta.
Además de películas icónicas como las
que integran la “Trilogía de la Revolución”
y que han sido consideradas como lo más
emblemático de su obra por su componente
histórico y profundamente crítico de aquel
periodo (El prisionero 13, 1933; El compadre
Mendoza, 1933; y ¡Vámonos con Pancho Villa!,
1935), Fernando de Fuentes fue autor de al me-
nos otros treinta largometrajes que del drama
RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES 5
A PARTIR DEL 17 DE ENERO
costumbrista (La Calandria, 1933) a la comedia
ranchera (Allá en el rancho grande, 1936), y
de la trama urbana (La familia Dressel, 1935)
al depurado cine de la “Época de Oro” (Doña
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Bárbara, 1943), demuestran la capacidad de un
creador visionario que supo plasmar distintas
épocas de nuestro país mientras construía
las bases de la industria fílmica nacional.
Así, este cine, conformado por un sinfín de
voces y rostros, entre los cuales destacan
María Félix y Pedro Infante, configura gran
parte de nuestra identidad, una que nace
de la colaboración y la crítica sin dejar de ser
divertida y audaz. Y, ante ello, recordar a la
distancia no basta, hay que volver a vivirlo;
reconocer las calles, los rostros, las sonrisas,
dialogar con las tradiciones y, ante todo, ce-
lebrar que tras la mirada de Fernando de
Fuentes la historia siempre fue cine y el cine
siempre fue -y será- historia. Este ciclo se
realiza gracias a la colaboración del Acervo
Filmoteca UNAM.
Cineteca Nacional
Fernando de Fuentes durante
el rodaje de Papacito lindo
(¡El viejo verde!) ∙ 1939
 6 CICLOS
México, 1933
EL ANÓNIMO D: Fernando de Fuentes.
Después de haber debutado como editor en Águilas
contra el sol (1932) y como coguionista en Una vida
por otra (1932), Fernando de Fuentes escribió y dirigió
su primer largometraje, un melodrama donde se con-
jugan celos, chantaje y asesinato. De Fuentes narra la
historia de Elena, una mujer de temperamento exalta-
do, que está casada con un doctor. Él es un hombre
bueno y cree que ella lo ama, sin embargo, Elena está
saliendo con otro hombre a sus espaldas.
EL COMPADRE México, 1933, 85 min. / 35 mm. / PC: Acervo Filmoteca UNAM
MENDOZA D: Fernando de Fuentes.
Perteneciente a la Trilogía de la Revolución, que con-
junta El prisionero 13 (1933) y ¡Vámonos con Pancho
Villa! (1936), El compadre Mendoza retrata la comple-
ja desventura de Rosalío Mendoza, un terrateniente
con afiliaciones políticas cambiantes que, con tal de
quedar bien tanto con el bando de Zapata como con
ENEREO · 2024
el de Victoriano Huerta, recibe hospitalariamente a
ambos en su hacienda. No obstante, la situación se
hace insostenible, por lo que se verá obligado a to-
mar partido.
México, 1933, 74 min. / 35 mm. / PC: Acervo Filmoteca UNAM
EL PRISIONERO 13 D: Fernando de Fuentes.
El coronel Carrasco, hombre borracho y mujeriego,
maltrata a su mujer Marta, quien decide abandonarlo
y llevarse consigo a su pequeño hijo Juan. Pasado
el tiempo estalla la Revolución y Juan es ya todo un
hombre. Por azares del destino, el coronel, sin saber-
lo, ordena el fusilamiento de su propio hijo, confun-
diéndolo con un agitador. Con asombrosa habilidad
narrativa, Fernando de Fuentes denunció la corrup-
ción del poder militar mexicano en esta cinta que for-
ma parte de su Trilogía de la Revolución.
México, 1933, 97 min.
LA CALANDRIA D: Fernando de Fuentes.
Después de la muerte de su madre, la joven Carmen
apodada La Calandria, se va a vivir con doña Pancha.
Más adelante, conoce a Malena, quien le invita a una
fiesta donde conoce a Alberto, un joven adinerado
que quiere un romance con ella. Pero Carmen tiene
un novio, Gabriel, quien le exige una explicación. De
Fuentes incursionó en el género del drama costum-
brista con con esta película en la que los celos y una
serie de malentendidos, llevan a un trágico final a la
joven protagonista.
RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES 7
México, 1933, 86 min. / 35 mm.
EL TIGRE DE YAUTEPEC D: Fernando de Fuentes.
Un hombre y su hijo son secuestrados por un grupo
de maleantes. Veinte años después, el niño reapare-
ce en la región con el apodo de “El Tigre” y coman-
dando su propia banda: Los Plateados. El destino lo
llevará a ser perseguido por su propia madre y a ena-
morarse de Dolores, sin saber que es su hermana
perdida. Fernando de Fuentes dirigió esta película
histórica de aventuras con gran éxito en taquilla, re-
tomando las figuras clásicas del western estadouni-
dense y trasladándolas al México del siglo XIX.
México, 1934, 83 min.
CRUZ DIABLO D: Fernando de Fuentes.
Fernando de Fuentes dio una muestra más de su
versatilidad con esta película de aventuras de capa
y espada, ambientada en la Nueva España del siglo
XI. Inspirada en La marca del Zorro (1920) e historias
de folletín, la cinta gira en torno a las peripecias del
espadachín enmascarado Cruz Diablo, quien roba a
CINETECA NACIONAL MÉXICO
los ricos para ayudar a los pobres, y marca con una
cruz en la frente a sus enemigos. Cruz Diablo lucha-
rá para que la dulce Marcela, hija del conde de Luna,
no se case con un repulsivo marqués.
EL FANTASMA México, 1934, 85 min. / 35 mm.
DEL CONVENTO D: Fernando de Fuentes.
Tres amigos viven una aventura sobrenatural en un
monasterio al cual arriban tras perderse mientras
pasean por el campo. Misteriosos monjes, libros de-
moníacos, perros espectrales, ataúdes vacíos y otras
fantasmagorías abundan en este melodrama con tin-
tes macabros con el cual Fernando de Fuentes de-
mostró su habilidad para incursionar en el género
del terror, creando en base a la iluminación, sus loca-
ciones (el exconvento de Tepotzotlán) y su puesta en
escena, una auténtica atmósfera terrorífica.
México, 1935, 90 min.
LA FAMILIA DRESSEL D: Fernando de Fuentes.
Los Dressel, una familia de origen alemán, es propie-
taria de una ferretería. El negocio es administrado por
Frau Dressel, una severa viuda, madre de Federico y
Rodolfo. Cuando Federico se enamora de la cantante
Magdalena, la pareja deberá enfrentase al hostiga-
miento de la suegra. Considerada una de las pelícu-
las inaugurales del melodrama familiar mexicano, La
familia Dressel fue la primera de las cintas con las
que Fernando de Fuentes enalteció los valores de la
clase media de la Ciudad de México.
 8 CICLOS
ALLÁ EN EL México, 1936, 100 min. / 35 mm.
RANCHO GRANDE D: Fernando de Fuentes.
Un hacendado y su caporal, amigos desde la infan-
cia, se enfrentan después de que el primero intenta
“abusar” de la novia del segundo. Pero lo que pudo
ser tragedia se transforma en una idílica visión de
una hacienda por la cual pareciera que nunca pasó
la Revolución. Entre cantos, amoríos, bailes y frases
del habla popular, Fernando de Fuentes inauguró y
cimentó las convenciones de la comedia ranchera,
género ligado a las tradiciones provinciales, suma-
mente exitoso entre el público mexicano.
¡VÁMONOS CON México, 1935, 92 min. / 35 mm. / PC: Acervo Filmoteca UNAM
PANCHO VILLA! D: Fernando de Fuentes.
Cinco rancheros deciden unirse a la División del
Norte, uno de los grupos militares con más presen-
cia durante la Revolución, para combatir junto a su
ídolo, Pancho Villa. Poco a poco sufrirán los estragos
de la guerra, dejando en ellos una visión amarga de
la lucha revolucionaria. Coescrita por De Fuentes en
ENEREO · 2024
colaboración con Xavier Villaurrutia, la película pre-
senta una visión crítica del movimiento armado, don-
de se proyectó la figura del Centauro del Norte como
un ser intransigente.
México, 1936, 89 min. / 16 mm
LAS MUJERES MANDAN D: Fernando de Fuentes.
La vida de un aburrido cajero pueblerino se convier-
te en una pesadilla al enamorarse fatalmente de una
ambiciosa mujer. Este es uno de los mejores filmes de
Fernando de Fuentes, en el cual el cineasta reelabora
elementos ya planteados por un clásico de Josef von
Sternberg, El ángel azul (1930), como la pasión oto-
ñal que primero reanima al protagonista −encarnado
notablemente por Alfredo del Diestro− y que se torna
en destrucción moral después, adaptados a las reglas
del melodrama mexicano de la época.
BAJO EL CIELO México, 1937, 110 min.
DE MÉXICO D: Fernando de Fuentes.
Después del éxito obtenido con Allá en el rancho
grande, Fernando de Fuentes filmó otra comedia
ranchera, ahora siguiendo el romance del caporal
Juan Manuel y la bella Alicia en una hacienda cañe-
ra. Pese a las diferencias de clase y un compromiso
nupcial previo, Juan Manuel compone una canción
con la que intenta ganarse el corazón de su amada.
Estelarizada por el actor argentino Rafael Falcón, la
película ayudó a popularizar la figura del galán-can-
tante característico de este género cinematográfico.
RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES 9
México, 1938, 107 min. / 35 mm.
LA ZANDUNGA D: Fernando de Fuentes.
Durante una feria, Lupe es cortejada por tres hom-
bres a la vez. Uno de ellos, el maduro terrateniente
don Atanasio, amenaza con despojar al padre de
Lupe por no ofrecerle la mano de su hija. Desde ese
momento, la joven y hermosa mujer deberá deci-
dir a quién corresponderle. Situada en el Istmo de
Tehuantepec, esta pintoresca cinta contó con la co-
laboración de Salvador Novo en la supervisión de
diálogos, cuyos matices se equiparan con la visión
vanguardista de la poesía de los Contemporáneos.
México, 1939, 90 min.
LA CASA DEL OGRO D: Fernando de Fuentes.
Nicanor, el despótico propietario de los Apartamentos
López, castiga cruelmente a sus dos hijas por haber
comprado un par de zapatos sin consultárselo. Al dar-
se cuenta de la gravedad del castigo trata de discul-
parse con ellas, pero ya es muy tarde, pues estas ya
lo han abandonado. Fernando de Fuentes se con-
CINETECA NACIONAL MÉXICO
solidó en el melodrama de vecindad explorando en
esta película la vida y chismes de un grupo variado
de personajes provenientes de diferentes estratos
económicos y sociales.
PAPACITO LINDO México, 1939, 110 min.
(¡EL VIEJO VERDE!) D: Fernando de Fuentes.
En esta comedia con abundancia de situaciones hu-
morísticas, Fernando de Fuentes sigue la historia de
Paquita, una joven pueblerina apasionada por el cine.
Por su parte, Wilfredo Gómez de la Reguera es un aris-
tócrata hacendado que intenta conquistar a Paquita,
incluso a costa de su sobrino que también está ena-
morado de ella. Paquita aprovechará la situación para
que el viejo donjuán la aloje en su mansión del Paseo
de la Reforma y así intentar convertirse en una estre-
lla de cine en la capital.
México, 1940, 110 min.
ALLÁ EN EL TRÓPICO D: Fernando de Fuentes.
Después de dos años en Panamá, José Juan regresa
a Puerto Alegre, donde tiene la intención de dedicar-
se al cabotaje y a buscar a su novia Esperanza, en
cuyo honor ha puesto a su embarcación el mismo
nombre. Sin embargo, la ambiciosa doña Trini, tía de
Esperanza, ha ocultado las cartas de amor de José
Juan dirigidas a su sobrina para inducirla a casarse
con el rico armador Felipe. Así comienza una serie de
intentos de José Juan para disuadir a su amada de su
destino y recuperar su cariño.
 10 CICLOS
México, 1940, 107 min.
EL JEFE MÁXIMO D: Fernando de Fuentes.
En esta comedia salpicada de enredos amorosos y
ligeras burlas al sistema político mexicano, Fernan-
do de Fuentes narra las peripecias y equivocaciones
de Máximo Terroba, alcalde por dieciséis años del
pueblo de Ponteverde de Abajo. Junto a sus secua-
ces del municipio, el prosopopéyico Serapio Rea y
el irascible Régulo Blanco, Máximo confunde a un
visitante con el delegado del gobernador que los va
a investigar, por lo que intentará maquillar la realidad
del pueblo y sobornar al supuesto funcionario.
CREO EN DIOS (SECRE- México, 1941, 95 min.
TO DE CONFESIÓN) D: Fernando de Fuentes.
En un tranquilo pueblo a principios de siglo, el buen
cura Bernal es acusado de robo y asesinato, después
de que un hombre robara algunas de sus prendas y
asaltara vestido con ellas al usurero Valentín García,
con quien antes el sacerdote había tenido una agria
discusión. Más adelante, la esposa del responsable
ENEREO · 2024
del crimen cuenta la verdad a Bernal, pero el cura no
puede revelar un secreto de confesión. En el juicio
todo lo hace parecer como culpable, por lo que está
a punto de ser fusilado.
México, 1941, 124 min.
LA GALLINA CLUECA D: Fernando de Fuentes.
Considerado por Sara García como el mejor persona-
je de toda su carrera, Teresa de Treviño es una mujer
fuerte, viuda y madre de cuatro hijos a los que cría
y educa con un esfuerzo impresionante. Al quedarse
varados en la carretera, Teresa conoce a Don Ángel,
un comerciante con quien formará alianzas para em-
prender un negocio en la gran ciudad. Así, la impo-
nente mujer conseguirá asentarse en un territorio
desconocido, al mismo tiempo que enseña a sus hijas
cómo salir adelante sin la necesidad de un hombre.
¡ASÍ SE QUIERE EN México, 1942, 128 min. / 16 mm.
JALISCO! D: Fernando de Fuentes.
Adaptación de la obra homónima del español Carlos
Arniches, ¡Así se quiere en Jalisco! es una de las obras
más emblemáticas del “cine ranchero”. Ambientado
en el estado de Jalisco, la cinta sigue la vida de Lupe,
una joven mujer que se ve obligada a trabajar como
ama de llaves de Don Luis, para poder cubrir la deuda
que su familia tiene con este acaudalado hombre. Sin
embargo, el enamoramiento obsesivo de Don Luis
pondrá en riesgo a Lupe y a su bienintencionado no-
vio, Juan Ramón.
RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES 11
México, 1943, 138 min.
DOÑA BÁRBARA D: Fernando de Fuentes.
En Venezuela, el abogado Santos Luzardo arriba a los
llanos para hacerse cargo de sus tierras, entrando en
un terrible conflicto con la terrateniente doña Bárbara,
bravía mujer a quien el destino la ha convertido en una
devoradora de hombres, que tiene pacto diabólico y
es dueña de vidas y haciendas. Esta adaptación fíl-
mica de la novela de Rómulo Gallegos es considera-
da como uno de los más depurados ejemplos de la
calidad de producción que el cine mexicano alcanzó
durante su "época de oro".
México, 1944, 129 min.
LA MUJER SIN ALMA D: Fernando de Fuentes.
Adaptación de la novela La razón social del escritor
francés Alphonse Daudet, La mujer sin alma es la
quinta película de Fernando de Fuentes protagoni-
zada por María Félix. En este filme, la actriz mexica-
na le da vida a la ruin Teresa, una joven y hermosa
mujer de clase baja que, tras ser invitada por su tío a
CINETECA NACIONAL MÉXICO
una cena de la aristocracia, hará lo posible por con-
seguirse una mejor vida, utilizando su belleza como
arma y manipulando a todos los hombres que cae-
rán rendidos ante sus encantos.
HASTA QUE PERDIÓ México, 1945, 115 mins.
JALISCO D: Fernando de Fuentes.
Comedia mexicana que narra las aventuras de Jorge
Torres, un charro de Jalisco que debe convertirse en
niñero y cuidar al hijo de su hermana Cristina. Jorge
bautiza al pequeño con el nombre de Roberto y junto
con sus nada ejemplares amigos, cuida de él como
sólo un charro desobligado podría hacerlo. Un día
aparece en su vida Alicia, una adinerada joven que les
da trabajo en su rancho y quien intrigada por ese niño
de "madre desconocida" habrá de cambiar la vida del
pequeño con el que tanto se han encariñado.
México, 1945, 76 min.
LA SELVA DE FUEGO D: Fernando de Fuentes.
Tras escapar de un destino trágico, la joven Estrella
llega a una peligrosa selva en donde es capturada
por Rufino, quien decide tomarla como mujer y llevar-
la a su campamento. Sin embargo, el líder del campa-
mento se opone y separa a la indefensa mujer de su
captor. Esto ocasionará que una ola de celos crezca
entre el grupo de hombres, ocasionando un desen-
lace mortal. El personaje de Estrella, escrito original-
mente para María Félix, llegó por accidente a Dolores
del Río, quien se enamoró inmediatamente del papel.
 12 CICLOS
México, 1946, 107 min.
LA DEVORADORA D: Fernando de Fuentes.
Diana es una hermosa y ambiciosa mujer que está
por cumplir su mayor sueño: va a casarse con Don
Adolfo Gil, un hombre millonario y maduro que está
loco por ella. Pero, un par de horas antes de la boda,
su primer novio, Pablo, irrumpe en su casa y se sui-
cida como venganza por haberlo abandonado. Este
trágico evento traerá a Miguel, sobrino del futuro ma-
rido, a la vida de Diana, ocasionando un cauce inter-
minable de mentiras que irremediablemente desem-
bocarán en una tragedia en donde nadie saldrá ileso.
JALISCO CANTA México-España, 1949, 113 min. / 16 mm.
EN SEVILLA D: Fernando de Fuentes.
Un charro mexicano y su ayudante quedan en la quie-
bra por su adicción al juego. Ante esto, no les que-
da más opción que ir en busca de la fortuna que el
abuelo de Nacho ha dejado para él. Así, ambos se
aventuran a Sevilla, en donde encontrarán un empleo
como cuidadores de caballos en el cortijo El Charro.
ENEREO · 2024
Ahí, además, conocerán a la enigmática Araceli, quien
robará su corazón. Este filme fue la primera colabora-
ción entre España y México, además del gran debut
de la aclamada actriz Carmen Sevilla.
México, 1950, 100 min.
HIPÓLITO, EL DE SANTA D: Fernando de Fuentes.
Hipólito es un pianista ciego que después de la trá-
gica muerte de Santa (historia retomada del recono-
cido libro de Federico Gamboa), pasa sus tardes en
una monotonía y tristeza absoluta, hasta que un día
conoce a Esperanza. Rápidamente se enamorará de
la chica e intentará que ella no se dé cuenta de su
ceguera, pero un inesperado evento arruinará sus
deseos. El filme fue nominado en la sexta edición de
los premios Ariel en donde compitió contra la céle-
bre cinta Los olvidados (1950) de Luis Buñuel.
México, 1950, 99 min.
POR LA PUERTA FALSA D: Fernando de Fuentes.
Protagonizada por Pedro Armendáriz, la cinta sigue la
vida de Bernardo Celis, un honesto y noble hombre
que tras adquirir la hipoteca de la casa de sus anti-
guos patrones, la familia Campos Quiroga, se enamo-
ra perdidamente de Adela (Rita Macedo). A raíz de
ello y, aunque ella no le corresponde, él comienza a
cuidar a la familia entera con la intención de ganar-
se su simpatía. Sin embargo, los Campos Quiroga no
valoran las virtudes del pobre Celis, que tendrá que
enfrentar un trágico desenlace.
RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES 13
México, 1951, 104 min.
CRIMEN Y CASTIGO D: Fernando de Fuentes.
Basada en la novela homónima de Dostoyevski,
esta cinta nos muestra la vida de Ramón Bernal, un
estudiante de derecho que vive en extrema pobre-
za desde que enfermó y se vio obligado a aban-
donar su trabajo. Ante esta situación acude regular-
mente con una vieja prestamista que siempre intenta
engañarlo. Una tarde, tras recibir una carta de su her-
mana, invitándolo a su boda con un viejo y adinerado
hombre, Ramón comienza una oscura transformación
que lo llevará a asesinar a sangre fría.
LOS HIJOS México, 1952, 114 min.
DE MARÍA MORALES D: Fernando de Fuentes.
José y Luis son dos hermanos perseguidos por su
fama de mujeriegos. Año con año visitan diferentes
ferias y conquistan a todas las mujeres a su paso. Un
día llegan al pueblo de su padrino Don Carlos, presi-
dente municipal e íntimo amigo de su madre, la im-
ponente Doña María Morales. Ahí serán obligados a
CINETECA NACIONAL MÉXICO
pasar varios días encerrados en un cuarto en donde
las misteriosas visitas de dos criadas los harán ena-
morarse, para al final descubrir que estas hermosas
mujeres no son quienes ellos creían.
México, 1953, 94 min.
CANCIÓN DE CUNA D: Fernando de Fuentes.
La apacible vida de un convento se ve turbada
cuando un misterioso paquete aparece en la puer-
ta. Cuando las jóvenes e inocentes monjas lo re-
cogen, descubren con sorpresa que adentro de la
canasta se encuentra una pequeña bebé. Después
de un breve debate, eligen quedarse con la niña que
es criada de manera colectiva hasta que crece y se
enamora por primera vez. Será entonces cuando ella
deba elegir si permanecer en ese sitio que reconoce
como su hogar o aventurarse a descubrir el amor.
TRES CITAS México-Argentina-España, 1954, 97 min.
CON EL DESTINO D: Fernando de Fuentes, León Klimovsky y Florián Rey.
Antonio, un maquinista de barco, acude una tarde
a un viejo café de Cádiz. Ahí conoce a Chelo, una
bailarina que, confiesa, acaba de asesinar a un pre-
tendiente. Ambos se aventuran al sitio donde yace
el cuerpo sólo para descubrir que éste ha desapa-
recido. Con este impresionante relato inicia una de
las cintas más arriesgadas de su época. Un tríptico
narrativo en donde tres historias se conjuntan en tor-
no a una joya hechizada. Un poderoso designio que
atraviesa España, Argentina y México.
 14 DOSSIER A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA EN CINETECA 15

UN NORTEAMERICANO
Y EL TÉ DE LAS 5 P.M.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

ENERO · 2024

Ernesto Román
Cineteca Nacional
Ciudad de México, 29 de diciembre de 2023

Malcolm McDowell y Stanley Kubrick en filmación de Naranja mecánica · 1970

 16 DOSSIER A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA EN CINETECA 17

El espectador promedio está disfrutando, en las semanas previas, de

Jesucristo Superestrella (Jesus Christ Superstar, Norman Jewison,
1973), Hermano sol, hermana luna (Fratello sole, sorella luna, Franco
Zeffirelli, 1972) y Luna de papel (Paper Moon, Peter Bogdanovich,
1973). Después del “banquete” anual de la Muestra Internacional en
el cine Roble (en su edición IV), con La noche americana (La Nuit
américaine, François Truffaut, 1973), Solaris (Andréi Tarkovsky, 1972),
La clase obrera va al paraíso (La classe operaia va in paradiso, Elio
Petri, 1971) y más. Y si eso no es suficiente, siempre queda el recurso
de emprender un viaje al cine club del Museo de Antropología e
Historia, o, marchar al IFAL, o, al cine Regis, o, a alguno de los varios
cineclubs de Ciudad Universitaria o el Politécnico y/o acudir a las
salas de Gustavo Alatriste (Buñuel, Fernández, etc.). Ser cinéfilo es
ser un paseante permanente en la ciudad, sin haber leído a Walter
Benjamín [y su figura del flâneur], ya que, además, en cualquier sala
de segunda corrida, aparecen películas como Nido de ratas (On
Malcolm McDowell en
Naranja mecánica· 1970 the Waterfront, Elia Kazan, 1954). En ese momento hay más de 120
«El arte se relaciona con el exceso y el espíritu de juego. cines y en ellos domina Hollywood, pero, también aparecen filmes
Ambos prosperan dentro del espacio que les es propio». españoles, sudamericanos o italianos. Junto con viejos spaghetti

CINETECA NACIONAL MÉXICO

ENERO · 2024

J. F. Martel westerns de los sesenta o filmes “atrevidos” donde aparece la actriz

griega Zoé Laskary.
En aquellos años el éxito cinematográfico se mide en semanas
de exhibición. Y ver aquella película parece imposible. En Estados
Unidos ha causado escándalo. En Gran Bretaña lo mismo; ocasio- Fachada de la Cineteca Nacional
durante la década de los 70
nando que su director prohíba su proyección. Es el pánico moral
del buen comportamiento.
Naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971) de Stanley Kubrick
parece formar parte de las imágenes negadas a los espectadores
mexicanos. Ahí están, “sin distribución”, If… (Lindsay Anderson, 1968),
Busco mi destino (Easy Rider, Dennis Hopper, 1969), The Trip (Roger
Corman, 1967), y más.
El 15 de enero de 1974, el sueño imposible se vuelve una maravillosa
realidad. La Cineteca Nacional, próxima a inaugurarse, tiene una serie
de estrenos. Dentro del ciclo inaugural, el día 21 se exhibe ¿Por qué
corre Amok el señor R? (1969), de Rainer Werner Fassbinder. Al día
siguiente, Naranja mecánica. Y el 23, Paisaje después de la batalla
(Krajobraz po bitwie, 1970), de Andrezej Wajda. También hay malas
noticias. La película es clasificación “D”; y sólo hay dos funciones diaria-
mente. Se cobran 25 pesos y 10 pesos con credencial de estudiante.
Hay que estar en la universidad o en escuelas nocturnas para tener
el documento, y ser mayor de edad. Y si en la sala Fernando de
Fuentes, donde se proyecta el filme, de seguro se han agotado los
boletos, en el Salón Rojo habrá y se pueden ver alguna de las pelí-
culas de la Semana Internacional de la Critica Francesa. En ninguna
de ellas actúa Malcolm McDowell, pero tal vez en el soundtrack se
encuentre Beethoven y algo de calidad.
 Stanley Kubrick
18 DOSSIER ALBERTO CORTÉS durante rodaje19
de
Naranja mecánica·
1970

En esos días de enero de 1974 el tema del Watergate parece aburrir;

más interesante es el asesinato, con explosivos, del almirante [y
presidente] español Carrero Blanco en las calles de Madrid. Esas
noticias tienen como fondo musical, para los románticos, canciones
de Los Carpenters o Roberta Flack. Para la “onda”, están Elton John
y los Rolling Stones. Para los oídos nacionales, está Rigo Tovar y
su Costa Azul, y flota la muerte reciente de José Alfredo Jiménez.
¿Y quién es míster Kubrick?: un norteamericano que vive en
Inglaterra y cuyas películas se han estrenado en México desde
1956 y duran más o menos cuatro semanas en cartelera. Solamente,
Espartaco y 2001: Odisea del espacio tienen más éxito: 22 y 15
semanas respectivamente. Desde luego, en el Cine Latino dan un
texto a todos los asistentes para que entiendan 2001. Ahora, en
Érase una vez en América · 1984
esta nueva visita al futuro, la explicación ha sido sustituida por un
slogan publicitario: «Las aventuras de un joven cuyos principales
intereses son la violación, la ultra violencia y Beethoven». Junto a
la foto de un chico con pintura en un ojo y un bombín a la cabeza.
Tardará algún tiempo en vérsele con antifaz de payaso o con los
ojos abiertos, debido a un dispositivo médico.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

ENERO · 2024

Muchos mexicanos, pendientes del programa de variedades

Siempre en domingo, del noticiero 24 horas, y del show de Los
Polivoces ven con malos ojos la influencia de ciertas temáticas de
la cultura audiovisual. “Enajenación” es una palabra muy usada.
Y los padres temen que sus hijos vuelen como Superman y los
jóvenes sigan aprendiendo malos comportamientos con la música
o el cine para adultos.
Y ahí está, en las pantallas de una de las salas de cine del archivo
fílmico nacional, una inusitada violencia audiovisual, realizada por
un señor estadounidense que toma el té a las cinco de la tarde Keir Dullea en
en Londres. 2001: Odisea del
espacio · 1968
 20 DOSSIER A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA EN CINETECA 21

VOLVER A SORBER
NARANJA MECÁNICA

CINETECA NACIONAL MÉXICO

ENERO · 2024

Extractos de un texto de Anthony Burgess

El País
07 de junio de 1987
Traducción: Javier Mateos

Warren Clarke en Naranja mecánica · 1970

 22 DOSSIER A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA EN CINETECA 23

Yo, por otro lado, tengo que seguir viviendo con Naranja mecánica, y
esto quiere decir que tengo una especie de deber de autor respecto
a ella. Y este deber es particularmente especial en Estados Unidos.
Pongamos las cosas en claro. Naranja mecánica no fue publicada
completa en América. La obra que yo escribí se divide en tres sec-
ciones, con siete capítulos cada una. Tome su calculadora de bolsillo
y encontrará que éstos suman 21 capítulos. Veintiuno es el símbolo
de la madurez humana o, mejor dicho, lo era, porque a esta edad se
adquiría el derecho de voto y se asumían las responsabilidades de
adulto. Cualquiera que sea su simbología, el 21 era el número con
que yo empezaba. El número de capítulos nunca es enteramente
arbitrario. Igual que un compositor musical empieza con una vaga
imagen de volumen y duración, un novelista empieza con una imagen
de longitud que está expresada en el número de secciones y de
capítulos en los que va a distribuir su trabajo. Aquellos 21 capítulos
eran importantes para mí.
Pero no lo eran para mi editor neoyorquino. El libro que publicó tenía
sólo 20 capítulos. Insistió en cortar el vigesimoprimero. Naturalmente,
yo podía haber objetado a esto y haberme llevado la obra a otra parte,

CINETECA NACIONAL MÉXICO

ENERO · 2024

pero consideraba que había sido caritativo con aceptarme el trabajo

que todas las otras editoriales de Nueva York o de Boston hubieran
tirado sin más. [Además] allá por 1961 necesitaba dinero, incluso la
miseria que me ofrecían como adelanto, y si la condición para aceptar
el libro era su mutilación, bueno, pues bien, la acepté. Así pues, hay
una profunda diferencia entre Naranja mecánica tal como la conoce
Inglaterra y la obra, ligeramente más delgada que lleva el mismo
nombre, en Estados Unidos.

M. McDowell en una
de las escenas más
Publiqué por primera vez la novela Naranja mecánica en 1962, icónicas de Naranja
lo cual debe ser lo bastante lejano en el pasado como para que mecánica · 1970
estuviera borrada de la memoria literaria del mundo. Sin embar-
go, se niega a serlo, y de esto debe considerarse principalmente
responsable la versión cinematográfica del libro hecha por Stanley
Kubrick. Me gustaría repudiarla por varias razones, pero no me está
permitido. Recibo correos de estudiantes a quienes les interesa
hacer tesis acerca de ella, o peticiones de dramaturgos japone-
ses que quisieran hacer de la misma una pieza para teatro nō. Es
probable que sobreviva, mientras que otras obras mías, que yo
estimo más, muerden el polvo... Esta no es una experiencia rara
para un artista. Rajmáninov acostumbraba a quejarse de que era
conocido sobre todo por su Preludio en Do sostenido menor, que
escribió siendo un niño, mientras que las obras de su madurez
nunca llegaron a los programas. Los niños se hacen los dedos en
el piano con El Minueto en sol mayor que Beethoven escribió tan
sólo para detestarlo.
Anthony Burguess, década de los ochenta.
 24 DOSSIER
Ahora bien, cuando Stanley Kubrick hizo su película −aunque la rodó
en Inglaterra−, siguió la versión americana, y así (por lo menos eso
les pareció a los públicos fuera de América) acabó la historia un
poco prematuramente. El público no reclamó que le devolvieran el
dinero, pero se preguntó por qué Kubrick había eliminado el des-
enlace. Hubo gente que me escribió acerca de esto: en realidad,
la mayor parte de mi vida posterior la he empleado en reproducir
declaraciones de la frustración [sobre esto], mientras que Kubrick y mi
editor de Nueva York disfrutaban tranquilamente de la recompensa
de su fechoría. La vida es, naturalmente, terrible.
¿Qué sucede en ese vigesimoprimer capítulo? Ahora tienen
los lectores norteamericanos la posibilidad de saberlo. En dos
palabras, mi joven y gamberro protagonista crece. Se aburre de la
violencia y reconoce que la energía humana está mejor gastada en
la creación que en la destrucción. La violencia inconsciente es una
prerrogativa de la juventud, que tiene mucha energía pero poco
talento para lo constructivo. Su dinamismo tiene que encontrar
una salida destrozando cabinas telefónicas, descarrilando trenes,
robando coches y estrellándolos y, naturalmente, en la mucho más
satisfactoria actividad de destruir seres humanos. Llega un momento,
ENERO · 2024
sin embargo, en que ven que la violencia es juvenil y aburrida y
que es la réplica del estúpido e ignorante. Mi joven rufián llega a
la conclusión de que necesita hacer algo en la vida, casarse, tener
hijos, mantener la naranja del mundo girando en las manos de Dios
y tal vez incluso crear algo; por ejemplo, música. Después de todo,
Mozart y Mendelssohn compusieron en su adolescencia música
inmortal, mientras todo lo que hacía mi héroe era juerguearse. [Así]
es como con una especie de vergüenza el joven que está madu-
rando contempla su pasado devastador. Quiere un futuro diferente.
25
Anthony Burguess
En el capítulo vigésimo no hay indicios de este cambio de intencio-
nes. El muchacho es condicionado y después desmotivado, y prevé
con alegría la reanudación del funcionamiento de su libre y violenta
voluntad. «Me han curado bien», dice, y ahí acaba el libro americano,
e igualmente la película. El capítulo vigesimoprimero le da a la novela
su autenticidad como ficción: La de arte basado sobre el principio de
que los seres humanos cambian. Efectivamente, no es interesante
escribir una novela si no se puede mostrar la posibilidad de transfor-
Rodaje de
Naranja mecámica · 1970
mación moral o un aumento en la sabiduría que se realiza en el o en
los personajes principales. Cuando una obra de imaginación deja de
mostrar cambio, cuando muestra simplemente que el carácter humano
es fijo, pétreo e irregenerable, entonces no estamos en el campo de
la novela, sino en el de la fábula o el de la alegoría.
Naranja americana o la de Kubrick es una fábula; la obra inglesa y
su versión mundial son una novela.
Pero mi editor de Nueva York creía que el capítulo 21 era una traición.
Era muy muy británico, ¿no lo cree? Era blando y mostraba una negativa
pelagiana a aceptar que un ser humano pudiera ser modelo del mal
irregenerable. Dijo que los norteamericanos eran más duros que los
británicos y podían enfrentarse con la realidad. Pronto se enfrentaron
con ella en Vietnam. Mi libro era kennediano y aceptaba la noción de
progreso moral. Lo que se deseaba [por parte de ellos] era un libro
nixoniano, donde no quedara ni un átomo de optimismo. Dejemos que
el mal se pavonee en las páginas y que hasta la última línea se burle
de todas las creencias heredadas, judías, cristianas, musulmanas y
las del Libro Sagrado, que predican que los hombres son capaces de
mejorar. Tal libro podría ser sensacional y lo es, pero no pienso que
sería una justa imagen de la vida humana.
 Naranja mecánia · 1970
26 DOSSIER 27

No lo creo, porque por definición el ser humano está dotado de

libertad. Puede usarla para elegir entre el bien y el mal, entonces
es una naranja mecánica −es decir, tiene la apariencia de un orga-
nismo bello en su color y en su jugo−, pero realmente es tan sólo
un juguete de cuerda que habrá de ser remontado por Dios o por
el diablo o (ya que los está reemplazando cada vez más a ambos)
por el Estado omnipotente. Es tan inhumano el ser totalmente bueno
como lo es el ser totalmente malo. Lo importante es la elección moral.
El mal tiene que coexistir con el bien para que se pueda realizar
esta elección moral. La vida se apoya en la oposición chirriante
entre entidades morales.
No tengo que recordar a los lectores qué es lo que significa el
título. Las naranjas mecánicas no existen, salvo en la lengua de
los viejos londinenses. La imagen era extraña y siempre era usada
para una cosa extraña. [La expresión] «Es tan raro como una naranja
mecánica» significaba que era raro hasta los límites de la rareza.
Los europeos que lo tradujeron no entendieron su resonancia y
creyeron que se trataba de una granada de mano, de una especie
de bomba tipo barato. Lo que yo quería que expresara era la aplica-
ción de una moralidad mecanicista a un organismo vivo, rezumante

CINETECA NACIONAL MÉXICO

ENERO · 2024

de jugo y dulzura.
[Al final] los lectores del capítulo 21 tendrán que decidir por sí
mismos si realmente este último capítulo da realce al libro o si es
un miembro desechable. Yo quise que el libro acabara de esta
manera, pero mi juicio estético puede haber sido erróneo. Los
escritores son raras veces sus mejores críticos; ni siquiera son
críticos. «Quod scripsi, scripsi» dijo Pilato cuando hizo a Jesucristo
rey de los judíos. «Lo escrito, escrito está». Cómase usted el gajo Naranja
dulzarrón o escúpalo. Es libre. mecánica · 1970
28 ENERO· 2024 ESTRENO ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO 29

ESTRENOS

DESTACADOS

Dogman∙ 2023
30 ENERO 2024 ESTRENO CL ÁSICO
NARANJA En la banda sonora oímos la casi cómicamente elegante música de
MECÁNICA Henry Purcell. En la pantalla vemos un primer plano del retrato de Alex
(Malcolm McDowell), que, por un momento, está inusualmente quieto.
Sin embargo, los ojos, uno de los cuales está rodeado de pestañas
postizas, revelan una inteligencia que no está menos viva por estar
ocupada, momentáneamente, con el tipo de fantasías de drogas
que Alex y sus droogs pueden comprar en el Kerova Milkbar, antes
de salir a la noche londinense en busca de la vieja ultraviolencia. Así
comienza Naranja mecánica, la adaptación de Stanley Kubrick de la
novela perversamente moral y esencialmente cristiana de Anthony
Burgess sobre el valor del libre albedrío, incluso si la elección ejercida
consiste en recorrer la noche robando, violando y maltratando a los
A Clockwork Orange
D: Stanley Kubrick. ciudadanos hasta que yacen indefensos, cubiertos de lo que Alex
1971 · 137 min. · Color
Reino Unido-
describe alegremente como "el auténtico vino tinto".
Estados Unidos Tanto en inglés como en nadsat, la combinación de ruso, gitano,
Dist: Park Circus
jerga rimada y palabras asociativas que hablan Alex y sus amigos
adolescentes en lo que parece ser 1983, Naranja mecánica es mucho
más que un mero espectáculo de terror. Es brillante, un tour de force
de imágenes, música, palabras y sentimientos extraordinarios, un
logro mucho más original para el cine comercial de lo que la novela
de Burgess lo es para la literatura. La película, está concebida como
una ficción futurista, pero no es una derivación de 2001 de Kubrick,
ni es verdaderamente futurista, si eso significa que es una de esas
fantasías de cosas por venir. Más bien contempla las pesadillas de
hoy en día, a menudo en términos que reflejan los años 50 y 60,
de los que surgió la novela de Burgess. También es –al menos
Extractos de un texto
de Vincent Canby a mí me lo parece– una pesadilla esencialmente británica en su
The New York Times
dic. 20, 1971
atención a las castas, los modales, los acentos y el estado mental
Nueva York creado por una especie de socialismo cansado.
ESTRENO CLÁSICO ENERO 2024 31
DELICATESSEN Ambientada en el futuro, en Delicatessen, una calamidad apoca-
líptica no revelada ha aniquilado a todos los animales, lo que lleva
a la humanidad a volverse contra sí misma. La única moneda es el
maíz, los carteros llevan pistolas y los vegetarianos se esconden
en las alcantarillas. Sin embargo, a diferencia de otros escenarios
postapocalípticos más modernos, ésta es una distopía a muy pe-
queña escala que se desarrolla íntegramente en un cochambroso
edificio de apartamentos situado encima de una carnicería. Una
carnicería donde sólo hay un tipo de carne.
Los inquilinos son toda una galería, desde una mujer rica que trama
intentos de suicidio a lo Rube Goldberg, hasta un militar que utiliza
su apartamento inundado para criar y comer babosas y ranas. A este
D: Marc Car, Jean-
Pierre Jeunet. ambiente llega Louison (Dominique Pinon), un antiguo payaso en
1991 · 99 min. · Color busca de trabajo. El carnicero (Jean-Claude Dreyfus) lo contrata con la
Francia
Dist: Studiocanal. intención de servirlo a los vecinos del bloque cuando deje de ser útil.
Teniendo en cuenta que se trató de su primer largometraje, Jeunet
y Caro poseen un sentido de la identidad asombrosamente seguro,
una inventiva refrescante y un sentido del humor más negro que
negro que resulta evidente desde la primera escena. Sus siguientes
películas se basaron en esto, con personajes idiosincrásicos, un elenco
de actores secundarios y decorados cada vez más elaborados. Sin
embargo, Delicatessen sigue siendo el ejemplo más satisfactorio de
su estilo, no tan sensiblero como Amelie (2001), pero tampoco tan
inaccesible como La ciudad de los niños perdidos (1995).
"Encantador" es un término increíblemente subjetivo y que difiere
Extractos de un texto de una persona a otra. Hay una dulzura en Delicatessen que se ve
de Nick Bartlett atenuada por el ambiente oscuro y distópico, y el resultado es una
Critical Popcorn
oct 16 , 2023 comedia negra casi perfecta: encantadora en todos los sentidos.
32 ENERO· 2024 ESTRENO
DOGMAN Luc Besson ha vuelto para recordarnos en qué consiste la locura,
y lo ha hecho a través de Dogman, una película insólita y divertida
que demuestra que poner música de Beethoven a los adultos podría
tener un efecto muy positivo. Inspirada en la historia real de un niño al
que maltrataron y obligaron a vivir en una jaula con perros, la película
muestra cómo [el actor] Caleb Landry Jones lidia con los traumas,
acepta el rechazo, escucha a Edith Piaf y se venga junto a su ejército
de sabuesos. A pesar de tratarse de una historia real tan perturbadora,
Besson se permite el lujo de desmelenarse y volverse loco: vienes
pensando que vas a ver una oscura historia de redención, y te vas
habiendo presenciado la versión canina de algunas de las mejores
acrobacias de Mi pobre angelito [1990]. Es una película capaz de
D: Luc Besson.
2023 · 114 min. · Color parecer una historia infantil convertida en una farsa cruel y, al mismo
Francia
Dist: Diamond Films.
tiempo, partirte el corazón.
Tanto la película como la interpretación de Landry Jones recuerdan
en ciertos momentos a Guasón [2019], de Todd Phillips, y no sólo
por ese maquillaje que se pone el protagonista –uno de los pocos
momentos en que su personaje en silla de ruedas, un aspirante a
drag queen reconvertido en cerebro del crimen, parece realmente
feliz–. Quizá recuerda a Guasón porque los espectadores se ven
obligados a revivir una serie de sucesos que recuerdan lo horrible
que puede ser este mundo.
La película nunca llega a dar la sensación de parodia total, y eso
se debe tanto al dolor y el pesar que todos llevan dentro como a
Caleb Landry Jones, que es capaz de utilizar el mismo exacto tono
Extractos de un texto
de Marta Bałaga para hablar con perros que para comunicarse con Dios o recitar a
Cineuropa
Shakespeare. El actor es tan talentoso que apenas te das cuenta de
sep. 1, 2023
Venecia que va vestido como Marilyn Monroe durante gran parte de la película.
ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO 33
NO QUIERO No quiero ser polvo, segundo largometraje del director mexicano Iván
Löwenberg, nos presenta a Bego (Bego Sainz), una ama de casa de
SER POLVO
clase media, que se encuentra en un momento bisagra en su vida.
Su marido no se interesa en ella y su hijo está ocupado en la organi-
zación de un viaje al exterior. Mientras tanto, intenta cubrir el vacío de
su vida concurriendo a un centro de meditación, autoconocimiento
y manejo de las energías. Su vida da un vuelco cuando la gurú del
lugar anuncia que próximamente la Tierra va a entrar en una nueva
dimensión donde habrá días de clima apocalíptico de frío y oscuridad.
No quiero ser polvo es un drama intimista narrado con las claves del
fantástico y con elementos de la distopía, ambientada en la reapertura
D: Iván Löwenberg.
2022 · 85 min. · Color social de la pandemia del Covid-19 y que se encuentra inspirado en
México-Argentina
Dist: Benuca Films
vivencias reales de la familia del director.
El predominio de los planos cerrados sobre Bego y la decisión de
narrar la historia desde su punto de vista colocan al espectador en la
interioridad de los sentimientos y pensamientos de este personaje. El
cambio que se producirá en la Tierra aparece para Bego como una
posibilidad de llamar la atención de su esposo e hijo, de intentar
unirlos como familia en la supervivencia. La protagonista encuentra
una razón de ser, una misión en su vida.
Llegado el momento apocalíptico, el director acentúa la crisis
emocional y el pavor de la protagonista. El espectador vacila entre
una lectura simbólica de dicho evento que reflejaría la crisis vital del
nido vacío, o bien un brote paranoico.
No quiero ser polvo consigue transmitir el grito desesperanzado y
al mismo tiempo liberador, de una mujer que intenta lidiar con la crisis
Extractos de un texto
de Carla Leonardi
de ver su vida sumergida en la vacuidad y la apatía de haber sido un
Hacerse la crítica mero decorado en la vida de quienes la rodean.
34 ENERO· 2024 ESTRENO
TENÉIS QUE
A lo largo de los años, Jonás Trueba ha ido configurando su carrera
VENIR A
sin prisa, pero sin pausa. Lo ha hecho desde la más estricta indepen-
VERLA dencia, resistiendo de una manera muy humilde y defendiendo su
mirada por encima de todo, así como un tipo de cine casi en vías de
extinción en nuestro país [España]. Cada una de sus obras rima de
alguna manera con la anterior, como si todas estuvieran emparentadas,
aunque cada una de ellas tenga una identidad propia y se convierta
casi en un campo de experimentación para probar cosas nuevas.
Así, después de la monumental Quién lo impide [2021], que por sus
características es la que más se ha alejado de su particular fórmula,
D: Jonás Trueba.
2022 · 64 min. · Color regresa con su, quizás, película más mínima y esencial, una deliciosa
España pequeña pieza de una hora de duración en la que se condensa toda
Dist: Bendita Films.
la esencia de su cine de una manera extraordinariamente armónica
y precisa, demostrando que, casi siempre, menos, es más.
En esta ocasión, además, Trueba tiene la insólita capacidad de
capturar un estado de ánimo que no nos resulta en absoluto ajeno,
porque de una u otra manera todos lo hemos sentido en mayor o
menor medida durante la pandemia, el de extrañeza, el de un cierto
vacío existencial y desorientación en lo que se refiere al presente y
al futuro. Lo hace a través de las relaciones y de cómo han cambiado
en estos últimos años, cómo nos hemos replegado o expandido
de manera a veces torpe e inconsciente, intentando recomponer
Beatriz Martínez nuestra propia identidad. En realidad, son muchas las sensaciones
Fotogramas
que transmite la película en tan poco tiempo, sin ningún atisbo
España
jun. 17, 2022 de impostura, de una manera transparente y natural al ritmo de la
cadencia fluida de las conversaciones del cuarteto protagonista.
ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO 35
LA MESITA Jesús y María acaban de convertirse en padres y en la gran aventura
de este suceso, la compra de una mesita para comedor cambiará
DEL
completamente su vida. En su segundo largometraje, Caye Casas usa
COMEDOR la elipsis con sabiduría, desafiando la capacidad del espectador y su
sentido de sorpresa, logrando todo un efecto en su narrativa lineal.
Hacer esta película resultó todo un reto, ya que al ser una producción
independiente y con muy poco presupuesto el filme pudo realizarse
en un mes de rodaje. Una pareja, un recién nacido y una mesita del
comedor son los elementos principales para lograr esta gran obra
audiovisual que ha cautivado a jueces y festivales de todo el mundo.
D: Caye Casas. «Mi cine trata sobre la muerte, el paso del tiempo. Los temas que
2022 · 91 min. · Color
España más miedo me dan. Lo que puede pasar en la vida a cualquiera de
Dist: Alphaville Cinema. nosotros. No hay ni monstruos, ni hechos paranormales. Es simplemente
la vida y un destino muy cruel», comenta Caye Casas.
El tema principal es lo frágiles que somos ante situaciones lamen-
tables de la vida cotidiana, ¿lecciones o quizás sólo mala suerte?
Manejando una trama innovadora y realmente perturbadora, Casas
convierte al espectador en un testigo y un cómplice, creando una
gran empatía con el dolor del protagonista y manteniendo a varios
de los personajes, si no es que a todos, en el desconocimiento hasta
el final del filme.
La mesita del comedor impacta, sumergiéndonos en un viaje a
través de la angustia, la incomodidad y mucho humor negro. Desde
Nirvana Castillo el inicio nos introduce en una exploración profunda y en un laberinto
Cineteca Nacional
psicológico donde no querrás despegar tus ojos de la pantalla, ya
dic. 15, 2023
Ciudad de México que cada minuto la situación se torna más intensa.
36 ENERO· 2024 ESTRENO
NOS VEMOS Aunque hace años que ya no sale de su casa de Rolle, en Suiza, la
cual es también su estudio y su isla (de edición) y desde donde cada
EL VIERNES,
tanto saca alguna nueva maravilla como fue El libro de imágenes de
ROBINSON 2018, Jean-Luc Godard acaba de decir “presente” en la Berlinale
con Nos vemos el viernes, Robinson, de la cineasta Mitra Farahani,
donde es coprotagonista.
En los años 60, se suponía que Godard tendría un encuentro
con el poeta y realizador iraní Ebrahim Golestan. Aquel encuentro
nunca sucedió y los años pasaron. Farahani decidió concretar esa
reunión: logró que un viernes cada tanto, ambos se enviaran correos
electrónicos, con textos e imágenes, a los que cada uno podía
À vendredi, Robinson
D: Mitra Farahani. responder de la manera que mejor le pareciera, con asociaciones
2022· 96 min. · Color
Francia-Suiza-Irán-Líbano libres e improvisaciones de todo tipo. El resultado no podría ser más
Dist: La Ola. desconcertante y paradójico, una de esas películas donde no se sabe
qué sucederá en la escena (o el e-mail) siguiente. Farahani filma al
nonagenario Golestan en su imponente mansión en las afueras de
Teherán. Allí el hombre, muy lúcido y cartesiano, reconoce a cámara
que no está seguro de que esa correspondencia pueda ser posible
o se mantenga en el tiempo. Pero la perseverancia de la realizadora
iraní, que logra incluso introducir un camarógrafo francés en el refugio
blindado de Godard, consigue que el proyecto siga adelante.
Y no sólo eso: a pesar del mutuo recelo inicial, Golestan y Godard
finalmente se terminan comunicando y hasta se vuelven de alguna
manera amigos, cada uno pendiente del mail del otro. Que el ogro
Godard finalmente se muestre aquí casi simpático, impregnando de
Extractos de un texto de
Luciano Monteagudo su estética la película de Farahani, pero a su vez contagiado por el
Página 12 entusiasmo y la creatividad proveniente de la vieja Persia, debe ser
feb 12, 2022
Berlín considerado un pequeño milagro de esta impredecible directora iraní.
ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO 37
PUAN Entre el humor asordinado y algo deforme de Embriagado de amor
(2002), de Paul Thomas Anderson, y una veta política incluso dentro
del ámbito de la comedia que remite al cine de Nanni Moretti, Puan
tiene como perfecto antihéroe a Marcelo Pena, un docente que ha
dedicado buena parte de su vida a enseñar Filosofía Política en la
Universidad de Buenos Aires. Cuando el jefe de cátedra muere, este
hombre bastante torpe, tímido e inoperante en el mundo real pero
curtido en el arte de los teóricos sobre Jean-Jacques Rousseau o
Thomas Hobbes, aparece como el candidato lógico a sucederlo.
Sin embargo, desde Frankfurt llega (vuelve) Rafael Sujarchuk, un
D: María Alché egocéntrico, presuntuoso y seductor profesor que encandila con
y Benjamín Naishtat.
2023 · 109 min. · Color sus citas de Kant en alemán, su histrionismo y un noviazgo con la
Argentina-Italia-Ale-
mania-Francia-Brasil
despampanante Vera Mota. Será hora entonces de que la Facultad
Dist: Tulip Films. organice un concurso y el duelo quede planteado. [Es aquí en donde]
La dupla de directores se permite abordar los dilemas éticos de la
Inteligencia Artificial y acto seguido apelar a las muy distintas facetas
del humor: desde el físico hasta el de enredos, pasando por el esca-
tológico (vemos cómo Marcelo tiene que lidiar con unos pantalones
llenos de mierda). Y lo más singular es que ese permanente pendular
entre lo intelectual y lo mundano se combina, se integra y funciona
casi siempre de manera orgánica y natural.
Con un excelente elenco que incluye a Alejandra Flechner, Julieta
Zylberberg, [además de] un sólido aporte visual de la talentosa direc-
tora de fotografía francesa Hélène Louvart, Puan resulta una película
ligera, divertida y fluida en su envoltorio, pero dueña también de un
Extractos de un texto
de Diego Batlle
regusto amargo y una gran intensidad política porque en su interior
Otros Cines ebullen las contradicciones, miserias, valores y formas de resistencias
oct. 2, 2023
Argentina de quienes no se resignan a arriar sus banderas.
38 ENERO· 2024 ESTRENO
LOS Una espiral de sangre, cuerpos abiertos en dolor y tortura, culturas
asfixiadas por el fuego del dinero, conciencias doblegadas y humilla-
COLONOS
das, injusticias enterradas bajo los cimientos de las ciudades y llantos
silenciados por la ceniza de la Historia, eso es lo que filma con una
brutalidad impactante, por realista, el debutante Felipe Gálvez Haberle
en Los colonos.
La primera escena es un ejercicio de cine perfecto en el sentido
más literal de la expresión, puesto que, en sus escasos cuatro minutos
de duración, el director asienta de forma sutil la idea sobre la cual
se irá construyendo la cinta, sirviéndose, únicamente, de la imagen
y el diseño sonoro, sin recurrir en ningún momento al diálogo expo-
D: Felipe Gálvez Haberle.
2023 · 97 min. · Color sitivo ni al texto superpuesto. En la escena en cuestión, unos quince
Chile-Argentina-Reino
Unido-Taiwán-Alemania hombres trabajan en condiciones infrahumanas, cuando, por pura
Dist: ______ desgracia, uno de ellos tiene un accidente con un hacha y pierde
un brazo. El capataz, al escuchar su grito de dolor, se acerca a él y,
sin pensarlo dos veces, le dispara en el estómago hasta matarlo. El
valor de una persona, dice Felipe Gálvez Haberle en este prólogo
salvaje y estremecedor, equivale a su capacidad productiva.
La cámara se mueve sonámbula de horror entre llanuras, bosques,
playas y montañas que han visto cómo el derramamiento de sangre
nativa corrompía su belleza natural. El director peca de esteticista
en algún que otro pasaje, pero nunca se regodea en la violencia
ni la convierte en un espectáculo consumible. Cada cuerpo herido,
torturado y asesinado desprende un alarido estremecedor que
traspasa la pantalla, alcanza la pupila del espectador y se clava en
Extractos de un texto de
Rubén Téllez Brotons ella en forma de astilla para recordarle que la Historia es una espiral
Cine Maldito de dolores condenado a repetirse si no se estudia, se analiza y, lo
oct. 11 2023
Madrid más importante, se recuerda.
ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO 39
LOS QUE Las películas del director Alexander Payne son conocidas por su hu-
mor negro y la forma particular de representar, a través de la sátira, a
SE QUEDAN
la sociedad norteamericana. En Los que se quedan, su más reciente
cinta, utiliza esos recursos para construir un relato cálido, emotivo y
muy divertido enmarcado en las fiestas decembrinas.
Los que se quedan nos presenta al señor Hunham (Paul Giamatti),
un profesor estricto y odiado tanto por alumnos como por sus colegas,
a Angus Tully (Dominic Sessa), un estudiante problemático, y a Mary
Lamb (Da’Vine Joy Randolph), cocinera en duelo por la pérdida de
su hijo; este trío de personajes se ven obligados a pasar juntos las
The Holdovers vacaciones decembrinas en la Academia Barton, un internado de
D: Alexander Payne
2023· 133 min. · Color élite para los hijos de políticos y millonarios. Sus diferencias no les
Estados Unidos
Dist: Universal.
permiten llevarse bien al comienzo, pero conforme avanzan los días
terminan formando un vínculo fuerte.
El guion, escrito por David Hemingson, recuerda mucho al de
las comedias familiares navideñas de los años ochenta y noventa,
pero el guionista no se va por el lado fácil de transmitir una mora-
leja sobre el amor y la magia de la Navidad, más bien utiliza esta
celebración como un telón de fondo para soltar y desarrollar a su
trío de personajes, todos outsiders a su propia manera.
Con el potencial para convertirse en un nuevo clásico navideño,
Los que se quedan es una película muy emotiva que lidia con
tópicos complejos a través del humor tan característico de su di-
rector. Las actuaciones de Paul Giamatti, Dominic Sessa y Da’Vine
Joy Randolph son el centro de la cinta y los tres demuestran sus
increíbles capacidades actorales tanto para sacar risas como para
Extractos de un
texto de Luis Servín
conmover. Un poco nostálgica, llena de cinismo y reflexiones sobre
La Estatuilla nuestra historia personal, al final te deja con la sensación de haber
oct. 28, 2023
Morelia recibido un cálido abrazo en medio de una tormenta invernal.
40 ENERO· 2024 ESTRENO
AL SON
La película Al son de Beno lleva en el título una garantía de alusiones:
DE BENO
bailar al son de unas cuerdas que pulsa Baruj ‘Beno’ Lieberman
(1932-1985) y que son también las cuerdas de equilibrista de Ilán
Lieberman, su hijo.
El son al que alude el título es el son huasteco, género al que Beno
dedicó buena parte de sus investigaciones, fundamentales para la
comprensión de la música tradicional mexicana. Beno Lieberman,
junto con Eduardo Llerenas y Enrique Ramírez de Arellano, fueron
investigadores independientes que, entre los años 1971 y 1983,
registraron poco más de mil piezas musicales.
D: Ilán Lieberman.
2022 · 103 min. · Color Ilán Lieberman hace un pacto visual con el eco del sonido de su
México
Dist: Artegios. padre. El eco del son de Beno permanece y «toca a la distancia».
Pero su título en inglés –Beno’s Son– desplaza al padre y pone en
el centro a Ilán. Es también una dedicatoria: dedicado a su son (¿a su
música? ¿a su hijo?). Comoquiera que sea, el son (en sus diferentes
significados: “son huasteco”, “sonido”, “eco”, “hijo”) es, sobre todo,
el verbo ser que hace que padre e hijo sean. Ellos son.
Dos rasgos fundamentales más. Para darnos a su padre, Ilán –un
pintor– utiliza el cine: la fosforescencia de la nada, la negra luz. Y
utiliza el dibujo para poder decir lo indecible. Ya se sabe que todo
dibujo tiene la mudez sagrada de un jeroglífico, pero sería más ade-
cuado decir que no son retratos en dibujo sino acordes del rostro de
Beno –cada estamento del eco: un dibujo, una transformación de su
Extractos de un texto sonido– que es como aquél acorde alud del que habla el director
de Otto Cázares
Sitio oficial de Ilián de orquesta Daniel Barenboim, esa nota primera después de la cual
Lieberman caerán todas las demás como una cascada.
ago. 2023
ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO 41
POBRES Es curiosa la evolución del griego Yorgos Lanthimos. Mientras que lo
más habitual es que los directores de cine a medida que van avanzando
CRIATURAS
en sus carreras vayan estilizando sus puestas en escena, cada película
de Lanthimos resulta más excesiva, barroca y sobrecargada que la
anterior. Curiosamente a medida que avanza el barroquismo en los
aspectos formales de su cine, su mirada hacia la especie humana se
vuelve menos inclemente. [El cineasta] sigue mostrando las miserias
de nuestra especie, pero esta vez deja asomar también la bondad,
la empatía y la solidaridad. Y lo hace de la mano de su protagonista,
Bella Baxter, interpretada con entrega, audacia y valentía por Emma
Poor Things Stone, una mujer adulta con el cerebro de una niña o una niña en el
D: Yorgos Lanthimos
2023 · 141 min. · Color cuerpo de una mujer adulta que se cría sin atender a las reglas de la
Irlanda-Reino Unido-
Estados Unidos
sociedad victoriana en la que vive.
Dist: Disney En Pobres criaturas todo es desmedido. Narrativamente es arrolla-
dora. Visualmente apabullante. Temáticamente pertinente y oportuna.
Llena de un humor surrealista y absurdo. De sexo y de provocación.
El mundo victoriano retrofuturista que crea es prodigioso y sugerente.
Pero toda esa exageración y barroquismo en la puesta en escena,
todo ese artificio e imaginación se ajustan perfectamente a lo que
requiere la historia.
El filme es un coming-of-age vertiginoso, una película de aprendizaje
acelerado que empieza como una crítica a los límites de la experimen-
tación en pos del progreso y se convierte en un poderoso alegato
feminista. Un cuento de amor, de terror, de sexo. Una mirada satírica
a los hombres, a su forma de actuar y a su forma de relacionarse con
Extractos de un texto
de Carlos Elorza
las mujeres. Un cruce apasionado y arrebatador entre el Frankenstein
El antepenúltimo mohicano de Mary Shelley y la historia de Adán y Eva de la Biblia, de la que sólo
sept. 26, 2023
Venecia habría quedado el creador y la mujer.
42 ENERO· 2024 ESTRENO
GIRASOLES Julia (Anna Castillo) es una madre soltera de 22 años con dos hijos
pequeños que acaba de enamorarse de un chico que es todo mús-
SILVESTRES
culo, impulsividad y tatuajes. Este arranque avanza la esencia de la
película que explica con tanta precisión el título. Jaime Rosales es
un director de actores y personajes que ha ido derivando desde
la delicadeza en retratos íntimos minimalistas (La soledad [2007]),
a perfiles marcados por una primariedad que, sin embargo, deja
espacio a una cierta belleza interior (Hermosa juventud [2014], Petra
[2018]). Girasoles silvestres da un paso más hacia una lírica imprevista
que rebosa veracidad con la luz y el ímpetu de la Naturaleza en seis
D: Jaime Rosales.
personajes con encanto y personalidad.
2022 · 106 min. · Color La pasional protagonista se enamora de varios hombres a lo largo
España-Francia
Dist: Film Factory. de la película, cada uno de ellos muy diferente al anterior. El director
y guionista los mira con aprecio y ternura a todos, como queriendo
destacar una naturaleza común, la de los girasoles en busca de una
luz permanente que todos los días termina por apagarse prometiendo
que volverá. No es de extrañar que los protagonistas comiencen y
terminen la historia en medio de una naturaleza pacífica y generosa.
La profundidad de las relaciones que expone la película tiene la
misma capa de superficialidad con la que sus protagonistas deciden
unirse o separarse. Pero Rosales confirma que es un grandísimo
cineasta al dejar libertad al espectador para que mida la veracidad
y belleza del relato.
Los contrastes de la música son un vehículo perfecto para mostrar
un itinerario sorprendente, en el que el naturalismo interpretativo,
la viveza de los diálogos y la cuidada planificación embellecen las
Extractos de un texto
de Claudio Sánchez incoherencias y desdichas de unas relaciones más adolescentes
Aceprensa que adultas, pero superadas por una felicidad esporádica, siempre
oct. 12, 2022
Madrid asociada a los momentos de una cierta madurez familiar.
ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO 43
TIEMPOS Una versión distópica de la ciudad de Lima sirve de escenario para
el primer largometraje del cineasta peruano Víctor Checa. Una Lima
FUTUROS
gris, poblada de zonas industriales y urbanas sin casi nada de gente,
y controlada por una autoridad invisible y opresora. Esta distopía no
tiene tiempo definido: podría haber sucedido hace dos lustros, ocurrir
dentro de cincuenta años o tener lugar ahora mismo. Una atmósfera
cyberpunk latinoamericana envuelve la historia del vínculo entre Teo,
un joven de 12 años, y su padre Luis, un físico, inventor y electricista.
Ambos trabajan en la creación de una máquina generadora de lluvia
en una ciudad donde nadie nunca ha visto caer una sola gota de agua
D: Víctor Checa.
del cielo. Sin embargo, la obsesión de Luis por hacer funcionar el
2021 · 82 min. · Color artefacto hace que descuide el pago de la renta de su departamento
Perú-México-Ecuador-
España-Alemania poniéndolos en riesgo de ser desalojados. Para ayudar con las cuen-
tas, Teo se involucra con una banda que se dedica a espiar y vender
información privada. Este encuentro hará que poco a poco se distancie
de su progenitor y el avance de su proyecto se vea amenazado.
Víctor Checa es ambicioso, quiere mezclar una historia de ciencia
ficción, un ambiente neo-noir y la crisis ambiental dentro de un relato
más personal. Con pocos elementos, pero visualmente efectivos (un
ventilador, cámaras instaladas en escarabajos, etc.), el realizador con-
sigue crear esa distopía peruana donde la máquina pluvial funciona
como metáfora de la relación entre Teo y Luis. A medida que el niño
va adquiriendo autonomía y teniendo más experiencias propias con
sus nuevas amistades, el lazo con su padre y su empeño por hacer
Israel Ruiz Arreo-
la, Wachito funcionar el aparato irán presentando cada vez más problemas. El
Cineteca Nacional cielo efectivamente se irá nublando sobre ellos, pero la lluvia no será
ago. 17, 2022
Ciudad de México lo único que llegará.
44 ENERO· 2024 ESTRENO
ANATOMÍA
«¿Qué quieres saber?». Son las primeras palabras que se pronuncian
DE UNA
en Anatomía de una caída, y que casi parecen increparnos por las
CAÍDA expectativas que solemos imponer a las intrigas criminales. A juzgar
por su premisa, la nueva película de Justine Triet podría funcionar
perfectamente como un episodio típico de Se ha escrito un crimen
(1984-1996) durante el que van emergiendo pruebas hasta que se
señala al culpable. Sin embargo, lo que la más reciente ganadora de
la Palma de Oro nos ofrece a lo largo de sus absorbentes dos horas
y media de metraje es otra cosa, la crónica precisa y demoledora de
Anatomie d'une chute
D: Justine Triet.
la destrucción de una familia, y el estudio psicológico de una mujer
2023 · 151 min. · Color no especialmente interesada en dejarse conocer ni hacerse querer.
Francia
Dist: Diamond Films. Su marido, novelista como ella, aparece muerto en extrañas cir-
cunstancias. ¿Ha sido un suicidio? Triet nos presenta una sucesión de
análisis de restos de sangre, recreaciones en la escena del presunto
crimen, informes forenses y testimonios en conflicto, y la introducción
de cada nueva evidencia hace que reevaluemos nuestra hipótesis
sobre lo sucedido, pero su objetivo real no es ofrecer respuestas a
ese respecto sino practicar una meticulosa autopsia sobre la relación
entre ambos –sus finanzas, sus respectivas filosofías parentales,
su vida sexual, sus resentimientos mutuos– y convencernos en el
proceso de que cualquier matrimonio es un enigma excepto, acaso,
para quienes lo componen.
Mientras lo hace, además, la película se va convirtiendo en un
sofisticado metacomentario sobre las historias que contamos a los
demás y a nosotros mismos para descifrar la realidad y para ocultarla,
Extractos de un texto
de Nando Salvá sobre cómo los hechos se convierten en ficciones tan pronto como los
Cinemanía relatamos, y sobre la posibilidad de que, en última instancia, conocer
dic. 12, 2023
España del todo la verdad sea imposible.
MATINÉ INFANTIL CINETECA NACIONAL MÉXICO 45
SOUL Un salto al vacío como Soul debería prohibir los trailers y comen-
tarios destripando la magia de un relato tan complejo y creativo. El
resumen del argumento dice: «¿Alguna vez te has preguntado de
dónde provienen tu pasión, tus sueños y tus intereses? ¿Qué es lo
que te hace ser… tú? Pixar te lleva en un viaje desde las calles de
Nueva York a los reinos cósmicos para descubrir las respuestas a
las preguntas más importantes de la vida».
Pete Docter vuelve a demostrar que es el genio más fiable de
Pixar. El director y guionista de las obras maestras Monsters Inc.
(2001), Up: una aventura de altura (2009) e Intensa-mente (2015)
D: Pete Docter y
ha realizado un homenaje al jazz con grandes dosis de fantasía, psi-
Kemp Powers cología e imaginación. Probablemente Soul sea la película de Pixar
2020 · 100 min. · Color
Estados Unidos más dirigida para los adultos por el conflicto central y la enrevesada
tramoya de la historia. Sin embargo, los niños quedan hechizados
ante la variedad del diseño visual de la película. Es evidente que
no entienden muchas de las claves que sugiere el guion, pero tanto
la banda sonora de los oscarizados compositores Trent Reznor y
Atticus Ross, como el ingenio en el uso del color y la definición de
las localizaciones y personajes son extraordinarios.
Soul conmueve de una manera particular al hablar de realidades
universales como la rutina, la inspiración y el sentido de una vida.
Lo hace con modos muy distintos a lo largo de la película. En el
comienzo hay un cambio de velocidad que genera una trepidación
narrativa y una condensación de metáforas que concluirá con éxito
en un clímax que recuerda a la celebrada apertura de Up. Pete Docter
Extractos de un texto
de Claudio Sánchez se mueve con acierto y naturalidad en las realidades interiores del
Aceprensa
hombre, procurando aportar al espectador ideas inspiradoras sobre
dic. 24, 2020
Madrid el conocimiento personal y la belleza en lo más cotidiano.
46 ENERO· 2024 ESTRENO

SECRETARÍA DE CULTURA

Secretaria
ALEJANDRA FRAUSTO GUERRERO

CINETECA NACIONAL

Director General
ALEJANDRO PELAYO RANGEL
Director de Difusión y Programación
NELSON CARRO RODRÍGUEZ
Director de Acervos
CARLOS EDGAR TORRES PÉREZ
Director de Administración y Finanzas
VICENTE FERNANDO CÁZARES ÁVILES
Subdirección de Programación
ALEJANDRO GÓMEZ TREVIÑO
DIANA GUTIÉRREZ PORRAS
JESÚS BRITO MEDINA
EMILIO RIVAS GONZÁLEZ
DANIELA MARTÍNEZ VELASCO
ANA LAURA MANZANILLA GARCÍA
Subdirección de Difusión
ALFREDO DEL VALLE MARTÍNEZ
Subdirección de Distribución
ALEJANDRO GRANDE BONILLA

PROGRAMA MENSUAL DE LA CINETECA

Edición y Diseño Editorial

GUSTAVO E. RAMÍREZ CARRASCO
Apoyo Editorial
ISRAEL RUIZ ARREOLA
BIANCA ASHANTI GONZÁLEZ SANTOS
Investigación Iconográfica
PATRICIA TALANCÓN SOLORIO