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DOSSIER / AÑO 6 / NÚMERO 35 / NOVIEMBRE-DICIEMBRE 2012
AÑO 6 / NÚMERO 35 / NOVIEMBRE-DICIEMBRE 2012 URUGUAY $ 150 / ARGENTINA $ 35 / BRASIL R$ 19
SEXTO
ANIVERSARIO
Simbolismo de la máscara
Astor Piazzolla Quino: ochenta años Ouka Leele
y su música para cine del creador de Mafalda Una fotógrafa que pinta
9 771688 368003
I SSN 1688368 - 3
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dossier crítico 35.pmd 1 06/11/2012, 01:01 p.m.

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DOSSIER SUMARIO
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The Human
Comedy
14 - Mural de David Siqueiros en el Museo del
Carlos Diviesti
Bicentenario de Buenos Aires
18 - Marcelo Legrand en el MNAV
20 - Miguel Battegazzore / Arte y entropía
22 - Santiago Tavella / Vivir el plano
24 - Muestra itinerante 100 años de arte nacional
72
Distrito de arte
28 - ArtRio / Feria de arte en Río de Janeiro
798 de Beijing
30 - Elefante Blanco de Pablo Trapero
32 - One page, un año en The New York Times
Laura Olivera Sala
34 - César debe morir de los hermanos Taviani
36 - Ballet contemporáneo del Teatro San Martín
38 - Trigo y plata de Jorge Galemire
80
40 - Intro de Fernando Cabrera Astor Piazzolla
42 - Fotografías de Luis Alonso Contramilonga
44 - Javier Hinojosa en el MAPI al celuloide
46 - Muestra de Ramiro Rodríguez Barilari Alexander Laluz
48 - Jeanne Mandello / Imágenes de una
fotógrafa exiliada
50 - Terrorismo por la Comedia Nacional
90
52 - Futuro perfecto de Sandra Massera
Con Quino por
54 - The human comedy a propósito de Ted y 3 sus ochenta
60 - Entrevista con Leopoldo Brizuela mundos
64 - Entrevista con Sigismond de Vajay
María Eloísa Galarregui
72 - El distrito de arte 798 de Beijing
80 - Astor Piazzolla y su música para cine
90 - Ochenta años de Quino, el creador de Mafalda
98 - Entrevista con Ouka Leele 98
Entrevista
120-Agenda Montevideo
con Ouka Leele
132-Agenda Buenos Aires
Guillermo Baltar
134-Eventos
Tapa: Máscara huichol. /revistadossieruy
Año 6 / número 35 / noviembre-diciembre 2012 / Publicación bimestral de cultura / Director: Fernando Cattivelli / Editor general: Eduardo Roland / Coordinación editorial: Stella Forner
/ Directora Comercial: María Pía Susaeta / Redacción: María Noel Álvarez / Guillermo Baltar / Bernardo Borkenztain / Alexander Laluz / Silvana Silveira / Daniel Tomasini / Wilmar
Umpiérrez / Colaboran en este número: Pedro da Cruz / Carlos Diviesti / María Eloísa Galarregui / Anabela Loy / Laura Olivera Sala / Daniel Vidart / Daniel Viglione / Corresponsal
en Buenos Aires: Patricia Ianniruberto / Fotografía: Rodrigo López / Diseño gráfico: Fernando Álvarez Cozzi / Diseño web: Fernán Luna / Dirección Comercial: Bulevar Artigas 1443,
ap. 210. Tel.: 24032020 / info@revistadossier.com.uy / www.revistadossier.com.uy / Impreso en: Impresora Polo - D.L. 338700 / Ministerio de Educación y Cultura Nº2099
/ ISSN1688368-3 / El equipo de producción vela por la coherencia y seriedad de las notas, pero no se responsabiliza ni se identifica necesariamente con las
opiniones expresadas en ellas. Se prohíbe la reproducción total o parcial del material publicado sin previa autorización.
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DOSSIER CRÍTICO / ARTES VISUALES
Buenos Aires. A pocos metros de la Casa salas donde se exhiben objetos, mobiliario y
Rosada, se encuentra una construcción muy vestimenta, junto con pantallas digitales que
Por Daniel Tomasini moderna, con fachada vidriada, que conduce resumen la historia argentina desde su
a una estancia muy amplia ubicada un piso por fundación hasta el presente. Hacia la derecha,
debajo del nivel de la calle. Antes de bajar las la pared histórica es discontinua y de tanto en
escaleras para ingresar se aprecia en el vestíbulo tanto ofrece un espacio para la contemplación
el museo propiamente dicho, toda la extensión de pinturas, entre las que se destaca el retrato
Visita al Museo del predio cuyo techo también es transparente. del general Perón y de su esposa Eva Duarte,
La iluminación natural hace que la visión del realizados por un artista francés. Obras más
del Bicentenario conjunto del museo sea espectacular. Se modernas completan esta particular galería.
reconocen inmediatamente los restos de la Algunos carruajes y coches antiguos decoran
El deslumbrante aduana Taylor, en actividad en el siglo dieciocho, el espacio luminoso al que nos referimos, y en
mural de cuyos vestigios recientemente rescatados las pantallas se exhiben diversos aconteci-
conforman pasivas con bóvedas, restos de mientos políticos y sociales, claves para
David Siqueiros pared y de muralla, todo lo cual constituye un comprender la historia argentina.
centro de atracción particularmente novedoso. Como nota par ticular (que a nuestro juicio
Hace poco tiempo la presidenta de la República Estos restos de construcciones de la época, constituye un acontecimiento extraordinario)
Argentina, Cristina Fernández de Kirchner, impecablemente realizadas con ladrillos, se percibe una extraña caja de vidrio forrada de
inauguró un particular museo en la ciudad de conforman hacia la parte izquierda una serie de fotografías, situada a los fondos del museo, a
unos cincuenta o sesenta metros de la entrada.
Este artefacto está sostenido por una estructura
de hierro que aumenta la interrogante. Las
fotografías que recubren esta estructura pronto
delatan algo del contenido. Se percibe, de frente
a la entrada, una enorme fotografía del artista
David Alfaro Siqueiros, haciendo un gesto
como para que el observador se detenga. A los
costados, otra fotografía registra el momento
histórico de una marcha donde se pide la
libertad del mencionado artista. Dando la vuelta
nos enteramos de que estamos por ingresar a
lo que el propio Siqueiros denominó un
“ejercicio plástico”.
Debemos calzarnos unos protectores porque
el guía nos advierte que vamos a pisar una obra
de arte. Después nos conducen –a través de
una puerta pequeña– a una rampa que se inclina
unos treinta grados y que finaliza en la entrada
de una habitación similar a un sótano, en forma
de bóveda, con dos pequeñas ventanas a la
izquierda a modo de tragaluces. Estas aberturas
están protegidas por rejas. El lugar remeda
absoluta y perfectamente el sótano, situado
originalmente debajo de la cocina de una casa
de campo en las afueras de Buenos Aires,
denominada Don Torcuato, propiedad por
entonces (1933) del director del diario Crítica,
el magnate Natalio Botana, quien había
encomendado a Siqueiros (a la vez que lo
protegía) una pintura mural que es justamente
la que contemplamos.
La pintura es una verdadera obra de arte, lugar
común para la obra de Siqueiros, se dirá, pero
además es un prodigio de la restauración
moderna. Tiene características cinéticas que la
elevan a un rango más conceptual, casi de
instalación y –por tanto–, posmoderno. Hay
que considerar que cuando se contempla esta
pintura se tiene la sensación de que ha sido
pintada en este lugar originalmente ya que no
hay prácticamente indicios de deterioro o
artificialidad. El único detalle que confirma cierta
ar tificialidad se percibe por los cor tes
ortogonales, producto del trabajo de traslado
de las piezas. Se notan incluso algunas grietas
o rajaduras, que obviamente responden a una
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situación original. De hecho, la extracción de además, y por primera vez, la pistola de aire La impresión desde adentro es realmente
la pintura y su colocación en el museo es comprimido y diversas máscaras (stencils) con alucinante. Las figuras parecen abalanzarse
considerada una verdadera hazaña de res- los cuales se logra una sensación de movi- ante el espectador y detenerse ante un vidrio
tauración, producto de un trabajo (coordinado miento de manos, pies, cabezas, de plantas imaginario sobre el que las figuras simulan
entre los gobiernos argentino y mexicano) que acuáticas, entre otras cosas. El tema consiste apoyar las manos. Los escorzos (la perspectiva
implicó a varias disciplinas: ingeniería, casi exclusivamente en tomas desnudas de la de los cuerpos) son monumentales, como
arquitectura, bellas artes y química, además de esposa del ar tista, la multifacética poeta corresponde al arte de Siqueiros, maestro en
la participación de maestros restauradores. uruguaya Blanca Luz Brum, quien habría este estilo. Por donde se considere es una obra
Una agitada historia de atentados políticos, posado a estos efectos. No son figuras maestra, además de ser el único mural que el
cárcel, exilio y amoríos reviste la creación de naturalistas pero se reconocen las formas gran artista mexicano ha dejado en Argentina.
este mural que Siqueiros trabajó en colaboración femeninas. Se dice que en su afán de La experiencia de visitar esta bóveda artificial
con connotados plásticos argentinos, como recomponer una relación que se había resulta realmente asombrosa. Toda la bóveda
Antonio Berni, Lino Spilimbergo y Juan deteriorado seriamente, Siqueiros intentaba está pintada, incluidas las mochetas de las
Castagnino, con el apoyo del cineasta y volver a seducir a Blanca Luz a través de esta ventanas y, como dijimos, también el piso. Este
escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro. El obra. El concepto de esta pintura es el de una “ejercicio plástico” tiene una modernidad
trabajo es adecuadamente titulado ‘Experimento burbuja, donde diversas poses en escorzo de impactante. Una producción genial de uno de
plástico’ porque implicó la adopción de nuevos una mujer, algunos peces y algunas otras figuras los artistas más importantes y polémicos del
medios técnicos y de materiales que lo hacen simbólicas –como una joven dando a luz– siglo veinte.
poco menos que revolucionario para la época. miran con grandes ojos al espectador que se
Comenzando por el trabajo de traslado de las encuentra en el centro de la bóveda. En el piso
imágenes al muro donde por primera vez se aparecen figuran escorzadas fuertemente, que
utiliza un cinematógrafo que las detiene a modo parecen ascender flotando, aunque repre-
de diapositivas. En segundo término porque se sentadas en forma algo más abstracta, realizadas
utiliza la laca a la piroxilina, un barniz que en hormigón coloreado. Hay una sensación de
Siqueiros había descubierto poco tiempo antes movimiento particular y cuando el observador
en su breve estadía en Montevideo. se mueve, parece que las figuras también lo
Siqueiros fue gran investigador de materiales. hacen. Artista: David Alfaro Siqueiros.
Recordemos que fue uno de los pioneros en La pintura fue realizada con la técnica del fresco Lugar: Museo del Bicentenario.
crear la pintura acrílica para cuadros. Utiliza y con un recubrimiento de laca para protección. Paseo Colón 100, Buenos Aires.
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‘Mantis’, técnica mixta, 148 x 220 cm, 2006.
Marcelo Legrand visual reconocible de tal forma o idea. El artista es,

por consiguiente, libre de nombrar las cosas por el
más meticuloso, la línea y cierta construcción
geométrica con lo cual se evidencia un recurso
Caminando sobre nombre que quiera, siempre y cuando el universo
de formas plásticas se conforme como un
constructivo emergente de un legado clásico de
armonía y proporción que nos remite a la esencia
las huellas continuo de relaciones sólidas y coherentes hacia
el seno de su propio lenguaje. Marcelo Legrand
de las obras de arte, cuyo sino dependería –más
allá de los estilos y las estéticas– de una coherencia
opera desde su sensibilidad aguda y refinada, y visual que obedecería a reglas tan antiguas como
La obra de Marcelo Legrand es compleja, rica y desde su deseo de accionar con los elementos las del equilibrio y la armonía (en este caso la armonía
coherente. El artista se coloca como creador plásticos –la pintura– que dispone. Reconoce el de los contrarios). Naturalmente que, en nuestra
sostenido por el campo de su soporte y desde allí, peso del dibujo de la mancha y como un hábil época ‘aggiornada’ a la dinámica de la frenética
y nunca perdiendo de vista este escenario de limitada equilibrista incursiona en regiones frágiles y lábiles espiral contemporánea y urbana, Legrand tiene el
aridez –el fondo blanco –, comienza a estructurar sin perder de vista la seguridad de su pisada. Mirando acierto de ordenar un material caótico en un mundo
su mundo de energías vitales en pos de la de reojo el fondo del cuadro que en definitiva se que interroga y se interroga. En su obra todo parece
concreción de un nuevo universo. Universo cuyas constituye en un gran espacio, Legrand transita estar en un continuo cambio, apenas sostenido
galaxias han sido fijadas por audaces antecedentes sobre el delgado hilo de acero a considerable altura por la instantánea del cuadro.
una vez que la pintura hubo sobrellevado, no sin y recorre las distancias que el gran tamaño de sus Su obra, además, enaltece el valor del acto de pintar
angustias, la crisis de la figuración e incluso al propio obras le exige. y su renuncia a las formas reconocibles es sólo un
decreto de muerte emitido por parte de los Sus Rastros son, efectivamente, los vestigios de la artificio artístico –véase los títulos de sus pinturas–
minimalistas por la década del setenta. propia aventura de pintar, así que su obra puede para sostener vigorosamente la convicción de que
Como reacción y como defensa de la libertad de volver a recorrerse en la medida en que, libremente, aquel acto es tan nuevo y tan antiguo como el
pintar, y como consecuencia de la libertad que se puede volver al punto de partida y recomenzar el hombre, donde los límites están impuestos
posee intrínsecamente el artista, la escuela alemana recorrido a partir de infinitas posibilidades. Su obra, solamente por la sensibilidad y que, en definitiva,
(Penck, etcétera) e italiana de los ochenta “soltaron por lo tanto, es absolutamente abierta y signo de la esta pujante sensación de dar vida con el medio
nuevamente la lengua de la pintura”. La primera vez libertad con que fue realizada. plástico que sea –recordemos el epitafio líquido del
que sucedió esto, en palabras de Gombrich, fue Legrand conoce los riesgos de la mancha arrojada joven artista de Teorema de Passolini– todavía tiene
cuando los italianos del siglo trece reconocieron –casi como un explosivo– y sostiene sus granadas un gran camino por recorrer. Artistas como Marcelo
en Giotto un artista capaz de hacer lo propio. De con gran seguridad, aplicando su instinto de Legrando lo confirman.
manera que hasta la fecha la pintura hablaría con funámbulo con gran acierto. Del tal forma conjuga
un lenguaje absolutamente libre de ataduras, que su deseo de encontrar con la voluntad de decir a
sin embargo se somete a ciertas reglas de estilo y partir de lo que encuentra. A medida que su diálogo
naturalmente a las propias reglas internas de su batalla con la tela que resiste sin dejarse vencer por Título: Rastros.
concepción. completo, Legrand avanza en un territorio Artista: Marcelo Legrand.
Por lo tanto, es posible pintar todo lo que se conciba conquistado –reconquistado– para la pintura. Sus Lugar: Museo Nacional de Artes Visuales.
en la mente, sin que sea necesario un correlato armas además de las arrojadizas, son en un orden Fecha: octubre 2012.
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Miguel Battegazzore Battegazzore no es ajeno a esta particularidad
y por lo tanto construye, a partir de una serie
alienante presencia. El color está racionalmente
pensado, reivindicando las teorías del color que
Arte y entropía de “bolos policromados”, una imaginería que
relaciona los monumentos más importantes
surgen en las postrimerías del siglo diecinueve,
con el antecedente de la famosa Óptica de
de Uruguay con un juego abstracto, muy al Newton en el siglo diecisiete.
Miguel Battegazzore es un artista experimentado estilo de los maniquíes surrealistas de De Teorías que en recordados institutos como la
y talentoso que siempre ha incursionado en el Chirico en su contenido (en relación con la Bauhaus se convirtieron en material pedagógico
arte concreto, es decir, en la forma cerrada pérdida de individualidad social), y que de primera mano, promoviendo la racio-
propia de un Arp, o de los artistas Madí y de la mediante una serie de analogías con esquemas nalización sobre un fenómeno perceptivo muy
escuela de Washington, por nombrar algunos y fotos históricas que forman parte de de la elusivo como es el color. Battegazzore reúne
referentes. Quiere decir que su campo de exposición permite acercarse al pensamiento toda su experiencia como artista para resumir
experimentación contiene un elemento es- del artista. una muestra de alto simbolismo, algunos de
tructural fuerte y muy definido. A Battegazzore Tenemos, por lo tanto, la alusión al juego y cuyos antecedente se encuentran en las
no le gusta la ambigüedad en el sentido formal. todo el peso del ‘falo’ lacaniano (proveniente pinturas dedicadas a Lautréamont y que en
Su pensamiento visual es claro y contundente. de la investigación psicoanalítica de Freud), que esta opor tunidad ensaya con medios más
Por lo demás, su capacidad imaginativa, dentro este psiquiatra adapta a las formas conocidas asépticos (¿más banales?), sin embargo no
de los límites algo rígidos que se impone, sale del poder como parte de su teoría. El arte de menos penetrantes. La utilización de una
totalmente airosa, como es el caso de esta Battegazzore no es, por lo tanto, inocuo, y unidad plástica semántica como son sus formas
exposición. decididamente delata una conciencia crítica asimilables a bolos con bandas cromáticas
Ha elegido formas que remiten a un simbolismo aguda con respecto a la sociedad que nos regulares, permiten que cada elemento, si bien
bastante amplio y adolecen de una gran envuelve. A partir de ciertos códigos que el diferenciado en forma y color, adopte el
expresividad propia. Son formas similares a artista nos propone, podemos colocarnos en homogéneo sentido de las moléculas de un
‘bolos’. No corresponden al mundo sinuoso situación de proceder a un análisis crítico de conjunto cerrado a la experimentación física,
del modelo femenino, ni al desorganizado las instituciones y sus íconos, por ejemplo. donde las leyes de la energía producen
mundo natural (hablando en términos plás- Sus recursos plásticos son virtuosos, tanto en determinados modelos o patrones de com-
ticos), sino que son, de por sí, formas cuya el dibujo como en el color, a pesar de que por tamiento. Pareciera que los bolos de
primera impresión las vincula al mundo fálico pareciera discurrir con cierta saturación debido Battegazzore obedecen a este tipo de
de un Lacan, por ejemplo. a la proliferación de imágenes que, no obstante, comportamiento, donde desde el caos inicial,
Esta similitud se ve reforzada en la obra de juega en pos de una repetición didáctica a los las unidades van conformando una serie
Battegazzore por las alusiones a las columnas efectos de que el observador registre con ordenada cuyo sentido el artista lo asimila a las
griegas, cuyo origen, siguiendo las antiquísimas seguridad los contenidos. La presión visual por conquistas –y retrocesos– de la civilización.
tradiciones orientales, provienen de cultos de la saturación de la imagen conduce a la inter-
procreación y por lo tanto de la Vida. Es famosa la nalización de las sincronías que el artista trata
figura hindú del ‘lingam’ y sus monumentos de hacer constar, como propuesta y con- Muestra: Las criaturas de Promete.
alusivos. La columna del orden dórico, según los firmación de su discurso. Es una muestra que Metáforas de lo humano.
historiadores, correspondería a la simbología moviliza los aspectos sensibles del observador Artista Miguel Battegazzore.
masculina a que nos referimos, y hasta fines del que debe trasladarse continuamente de una Lugar: Museo Juan Zorrilla de San Martín.
barroco, las columnas constituían parte de obra a otra, debido al peso de la forma concreta, Punta Carretas.
monumentos y de edificios vinculados al poder. que tiene un papel de contundente, casi Fecha: octubre 2012.
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Santiago Tavella
Los planos de la vida
Se cuenta que en una exposición de aeronáutica,
Marcel Duchamp habría comentado a Giacometti
que una hélice de avión era una maravillosa
escultura. Con esta afirmación quedaba
inaugurado un nuevo concepto de belleza que
comenzó a abarcar nuevos campos de acción y
nuevos productos de diseño en general. Esta
mirada inaugura además un nuevo concepto de
estética, que desarrollado a través de diversos
lenguajes nos llega hasta hoy con el agregado de
toda la experiencia –fructífera o fallida– que un
aporte cultural como el referido ha dejado en la
cultura occidental. Como otro antecedente de
este tipo y de concepto ruptural con los esquemas
incluso tempranos del modernismo podemos
situar la investigación puramente plástica de
materiales en el constructivismo de Tatlin, las
experiencias de Moholy-Nagy en la Bauhaus y
hasta en los escritos de Gombrich reivindicando
el atractivo estético de los mapas de una ciudad.
Todos estos enfoques ampliaron la visión tanto
temática como de las doctrinas estéticas
calificadas como ‘ismos’ y que estaban
consolidadas hacia un determinado fin, cuyo
programa abarcaba una serie de signos admisibles
de ser tomados como un lenguaje de formas de
legítima validez según la adhesión de cada artista
a cada una de estas doctrinas. La historia de las
influencias entre las culturas y las disciplinas es
registrada por todo el arte occidental, desde las
primitivas influencias orientales en la cultura
grecorromana hasta la efusión del cubismo con responsabilidad estética con que decide no ostentosa brutalidad. Antes bien, sus paisajes
el aporte del arte negro y oceánico. Desde infringir el espíritu del plano sobre el que trabaja. apocalípticos parecen provenir de un vago
entonces, surrealismo mediante –y a través de la Aprovechando esta oportunidad de ampliar la ensueño que de una desolada y desconsolada
técnica del collage, fotomontaje y actualmente idea de lo urbano, Tavella coincide en describir realidad.
photoshop– los aportes interlingüísticos se vieron cier tas epopeyas dramáticas, históricas o El discurso que subyace en esta obra creativa
enriquecidos y al mismo tiempo se ha visto previsibles hechos futuros en función de la proviene de la desprejuiciada visión del arte
complejizada la lectura de las propias obras hipertrofia de la cultura urbana y de la tecnología. como facultad de pensamiento, en este caso
habiendo tenido el observador que apropiarse de Si bien partidario de esta última –dado que el visual. Dada su formación con un maestro
nuevos códigos para efectuarla. programa arquitectónico en general se basa en colorista –como fue Miguel Ángel Pareja–, sus
En este sentido del aporte multilingüístico y ella y cada día (incluido el diseño de planos) avanza resortes sensibles y sobre todo su cultura hacia
multidisciplinar es que Santiago Tavella recurre en en la utilización de nuevas herramientas–,Tavella el color, lo compele hacia la modernidad y la
esta oportunidad a una serie de plantas y alzados trabaja artesanalmente y además nos recuerda articulación gráfica de su propuesta es debida
arquitectónicos que recorre lúdica y plásticamente, que los planos que él admira fueron realizados obviamente a su propio espíritu multidisciplinar
interviniendo con la técnica de acuarela y el lápiz a mano, cuando –entre otras cosas– el Autocad que lo coloca en una situación no sólo de
de color lo que en un momento fueron dibujos no existía. liber tad de acción sino por fuera de las
técnicos con el objetivo de describir los espacios Tal vez se esconde aquí una visión algo doctrinas estéticas.
de un edificio o edificios determinados. El divertido anhelante de un retorno al pasado, a similitud La obra de Tavella es muy valiosa sobre todo
título de muchas de las obras abona en el sentido del utópico Morris, pero con la inteligente por evidenciar un antidogmatismo que
de su discurso, y es así que muchos planos puesta a punto de todos los recursos que hacen eventualmente imposibilita –desde variadas
célebres entran en esta selección que el artista a la condición del artista como persona libre, posiciones y puntos de vista– la mirada nueva
trabaja con alta sensibilidad al color, asumiendo donde la ironía y el sarcasmo no pueden faltar, y sorprendida ante cualquier obra. Su intención
un soporte con un dibujo predeterminado pero habida cuenta de las contradicciones, a veces va dirigida deliberadamente hacia el Arte y
modificando sus fines originarios que no fueron muy risibles, que nuestra sociedad produce. recorre con alegría –a pesar de ciertas visiones
precisamente estéticos. Tavella hace uso de su juicio satírico, envuelto negativas– la realidad del reencuentro.
No se puede decir que la intervención de Tavella en la delicadeza estética que le otorga la
inutilice los planos, al contrario, su trazado evidente acuarela y el lápiz de color (medios propios,
deja bien en claro que aun ‘embellecidos’ pueden además del estudio académico de la ar- Muestra: Vivir el plano.
servir al fin descripto desde el cual tuvieron origen. quitectura) en el eficaz papel de 300 gramos. Artista: Santiago Tavella.
El artista rinde homenaje a su amor por la Incluso describe sus catástrofes en términos Lugar: MNAV.
arquitectura y es palpable el sentido de de alta sutileza descartando cualquier signo de Fecha: octubre 2012.
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Muestra colectiva itinerante
Se hace camino
al andar
Está en pleno desarrollo la iniciativa del MNAV
consistente en difundir obras de maestros
uruguayos de la pintura en todos los de-
partamentos del país, previendo el cierre de
esta muestra itinerante hacia mediados del año
que viene en Montevideo. La idea original
proviene del ministro de Educación y Cultura,
doctor Ricardo Ehrlich, y toma como referente
las exposiciones al aire libre inaugurada hace
algún tiempo en la rambla de Montevideo, por
la Embajada de Francia, que difundió en esa
oportunidad reproducciones fotográficas del
acervo del Louvre en paneles colocados para
la contemplación pública.
Continuando este procedimiento, el MNAV ha
realizado un cronograma que involucra a todos Constituye un esfuerzo bastante considerable Costigliolo, Antonio Frasconi y Hugo Longa.
los departamentos del interior del país, la mitad trasladarse por el día o eventualmente –si la La obra se presenta en gigantografías con una
de los cuales ya se han visitado. Junto con la distancia es mayor– por dos o tres días a las reseña biográfica y un breve comentario
muestra itinerante se realizan talleres de capitales depar tamentales y realizar las analítico descriptivo de la obra.
divulgación de las obras en cuestión con la convocatorias per tinentes, al tiempo que Esta muestra itinerante cuenta con el apoyo y
participación de escuelas y entidades culturales disponer de una organización eficaz. María el auspicio de la Asociación de Amigos del
de las capitales departamentales. Este proyecto Eugenia Grau, en su carácter de investigadora, MNAV, de Impo y Ancap. Desde el MEC se
está coordinado por Silvia Listur, y los talleres y Alejandra Rosencof coordinando in situ los colocó esta iniciativa en el marco del centenario
se organizan debidamente en centros culturales talleres, se han convertido en agentes culturales de vida del principal museo nacional.
de cada ciudad donde se proyectan au- itinerantes que trabajan en este sentido. Los Descontamos desde ya el éxito de esta
diovisuales, se dan charlas y debates propios a artistas incluidos en esta serie de fotografías al propuesta teniendo en cuenta el entusiasmo
este programa de difusión cultural. Las aire libre, cuya puesta en escena cuenta con el que ponen todos sus participantes en ella.
expectativas hasta el momento no se han visto apoyo logístico de las autoridades municipales
defraudadas y múltiples técnicos y especialistas de cada depar tamento, son: Juan Manuel
concurren al interior del país promoviendo la Blanes, Carlos Federico Sáez, Pedro Figari,
par ticipación ciudadana y sobre todo de Rafael Barradas, Joaquín Torres García, José Título: Muestra intinerante
escolares en un acercamiento al arte nacional. Cuneo, José Miguel Pallejá, Pedro Blanes Viale, 100 años de arte nacional.
Se coordinan actividades que incluyen el trabajo Carlos María Herrera, Petrona Viera, Humberto Fotografias de obras de
con las ‘ceibalitas’, lo cual hace más interesante Causa, Guillermo Laborde, Carmelo de 23 artistas nacionales.
el acercamiento sobre todo de niños que ya Arzadun, Alfredo de Simone, Carlos González, Lugar: capitales departamentales
saben accionar los dispositivos digitales más Leonilda González, Hilda López, Amalia Nieto, de todo el país.
modernos. María Freire, Juan Ventayol, José Pedro Fecha: agosto 2011-junio 2013.
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forma originaria hace de la obra escultórica de
Silveira un verdadero alegato tectónico, que emite
un respeto al material que luego, a través de un
rudo desbastado, se convierte en obra de arte.
Su concepción primitiva dota, por otra parte, de
una especial serenidad a todas sus obras, muchas
de las cuales hacen referencia a maternidades y
otras a ciertos parentescos espirituales con el
fundador del cristianismo. A este propósito tiene
un gran Cristo que curiosamente no está
crucificado, sino que tiene los brazos a los
costados, como en reposo. El imponente cruce
de los maderos hace que la idea de cruz
prevalezca, aunque en el fondo su Cristo no es el
sufrido Redentor sino probablemente el sabio
vencedor de la muerte. Es así que Silveira Silva
propone un arte rústico, con signos de primitivismo
y al mismo tiempo profundo y reflexionador. Sus
relieves murales tienen la característica de un
excelente dibujo y están policromados con una
suave pátina de colores verdes, rojos y azules.
Muchas de sus esculturas también lo están, lo
cual sindica a este artista como un polifacético
creador que se mueve con talento en diversos
frentes plásticos.
Sus grabados, otra de sus vertientes creativas,
son verdaderamente excepcionales. Maestro del
‘Un cristo en la cruz’, talla en naranjo, 1968-1969 (detalle).
Claudio Silveira Silva también incluye metales y desechos varios, se

conciben desde la propia forma del tronco que
Un arte sin fronteras les dará vida a través de los golpes crudos de
sus formones. Persiste el espíritu del tronco
Claudio Silveira Silva es pintor, escultor y tanto más en cuanto se respeta su morfología
grabador. Su sentido de la forma se convierte y sus accidentes naturales contribuyen a
en lenguaje expresionista desde cada una de organizar la composición del artista, que no
las técnicas que domina. Sus esculturas que duda en incluir imágenes espejadas si es
son tallas en madera principalmente, aunque necesario. Este continuo abdicar a favor de la
Sin título, xilografía, 1961.
dibujo y del contraste monocromo, sus

xilografías exhiben una calidad sorprendente
por el nivel de composición que remite a
personajes de la vida rural, con un repertorio
de animales magistralmente logrados a partir
del trabajo sutil de la gubia sobre la madera. La
madera, por lo tanto, es el elemento expresivo
primordial para este artista. De ella saca su mejor
inspiración y desde ella extrae lo mejor de su
oficio. Su arte, por lo tanto, lejos de permanecer
en la frontera, llega hasta lo universal.
Título: Arte de la frontera.

Artista: Claudio Silveira Silva.
Lugar: Museo Nacional de Artes Visuales
(MNAV).
‘Bosque primitivo’, talla en madera policromada, 1988 (detalle). Fecha: octubre 2012.
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COLUMNISTA INVITADO
Pedro da Cruz
(desde Río de Janeiro)
ArtRio: Feria de arte

en Río de Janeiro
Un deslumbrante
evento cultural
Entre el 13 y el 16 de setiembre se realizó en Río de
Janeiro la segunda ArtRio, una feria internacional
de arte contemporáneo que se inauguró en 2011
y que continuará siendo organizada anualmente.
Localizada en cuatro espaciosos depósitos del Pier
Mauá (muelle del antiguo puerto de Río de Janeiro, ‘Lluvia negra’, Daniel Lannes. Luciana Caravello Arte Contemporânea.
Dan, Casa Triangulo, Vermelho y Luisa Strina, así Un aspecto inesperado de la feria fue la fuerte
como Quadrum y Celma Albuquerque de Belo presencia de obras de los artistas latinoamericanos
Horizonte y Bolsa de Arte de Porto Alegre. Como que durante décadas han desarrollado variantes del
actividades complementarias, para los invitados a arte óptico. Cabe preguntarse si la razón por la cual
la presentación previa de la feria fueron organizadas obras de los venezolanos Carlos Cruz Diez y Jesús
visitas a galerías, colecciones de arte privadas y Rafael Soto, así como de los argentinos Julio Le
talleres de artistas diseminados por los distintos Parc y Luis Tomasello, pertenecientes a movimientos
barrios de Río de Janeiro. que ya pueden ser considerados históricos,
La presencia de galerías extranjeras estuvo aparecen en este momento en el mercado
dominada por las de Nueva York y Londres, aunque internacional del arte.
no faltó la presencia de, por ejemplo, Barcelona, La idea de los organizadores de ArtRio fue que el
Berlín, Copenhague y Madrid. La presentación más evento no estuviera limitado a la exposición
contundente, casi con carácter de museo, fue la organizada por los galeristas en el antiguo puerto,
‘Piso’, José Bento. A. Gentil Carioca. de la Gagosian Gallery, con obras de artistas como sino que involucrara a toda la ciudad, por lo que
Picasso, Warhol, Lichtenstein y Baselitz. La misma planificaron actividades de distinta índole bajo la
hoy utilizado como lugar de llegada de cruceros), galería organizó el llamado Espacio de Esculturas consigna ‘‘Río es arte. Todo el tiempo. En todas
la feria se llevó a cabo frente a una espectacular con obras de gran formato. Del ámbito latinoa- partes’’. Una de las actividades fue un servicio
vista de la bahía de Guanabara y el puente que une mericano, sin contar Brasil, se puede destacar la especial de ómnibus, el Circular ArtRio, con un
Río de Janeiro con Niteroi. presencia de galerías de Bogotá, Buenos Aires, itinerario que partía de la zona sur (Copacabana),
Realizada casi simultáneamente con la apertura de Ciudad de México, Lima, San José de Costa Rica continuaba por Gávea y Jardim Botánico, el centro
la Bienal de San Pablo, ArtRio posicionó a la cidade y San Juan de Puerto Rico. antiguo de la ciudad, y finalmente arribaba al Pier
maravilhosa como un polo de arte internacional. Uruguay estuvo representado en ArtRio gracias a la Mauá. En las paradas los visitantes podían visitar las
Mientras que las últimas ediciones de la bienal se presencia de Galería Sur, de Jorge y Martín Castillo. principales galerías, así como una serie de centros
han caracterizado por el papel central de la figura de Entre lo expuesto se destacaron obras repre- culturales y salas de exposiciones. También fueron
un curador que elige los artistas participantes, ArtRio sentativas de distintas etapas de la carrera de Joaquín organizados ciclos de charlas con galeristas,
tiene carácter de feria, basado en la participación Torres García, varias obras de José Gurvich y dos coleccionistas y artistas, mientras que toda la
de galerías, y está directamente dirigida a los actores esculturas de Pablo Atchugarry. El uruguayo Jorge información estaba disponible en el portal online:
del mercado del arte: artistas, galeristas, colec- Mara, director de la Galería Jorge Mara-La Ruche www.artrio.art.br.
cionistas y curadores, y también, aunque en menor de Buenos Aires, presentó, entre otras obras, una Simultáneamente con la feria de arte, distintas
medida, al público en general. serie de pinturas madí de Carmelo Arden Quin, y un instituciones organizaron una serie de interesantes
Las cifras de la presente edición superaron conjunto de trabajos de Eduardo Stupía, artista exposiciones. El Museo de Arte Moderno alojó
ampliamente las de la primera. Con una inversión argentino cuya obra ha tenido una acogida muy una exposición del acervo de la Fundación Alberto
de casi diez millones de reales y un objetivo de favorable en la presente Bienal de San Pablo. y Anette Giacometti de París, completísima
ventas de 150 millones, 820 personas participaron En cuanto a los artistas cuyas obras formaron parte retrospectiva de la obra de Giacometti. En la Casa
en la organización de ArtRio, en la que participaron del material expuesto por gran número de galerías França-Brasil fue mostrada una exposición del
120 galerías, sesenta brasileñas y sesenta se contaron los brasileños Beatriz Milhazes, Adriana brasileño Cildo Meireles. En el Centro Cultural Banco
internacionales, cuyos stands fueron distribuidos Varejão y Vik Muniz, ar tistas ampliamente do Brasil se mostró un conjunto de esculturas del
en un área de cerca de 7.500 metros cuadrados. reconocidos a nivel internacional. Otra presencia inglés Antony Gormley, que también instaló 31 de
En total se expusieron obras de más de mil artistas, frecuente en los acervos de las galerías brasileñas sus típicas figuras humanas de tamaño natural,
y durante los cuatro días en que estuvo abierta al fueron obras de Lygia Clark y Hélio Oiticica, así realizadas en hierro y fibra plástica, en las azoteas
público la feria atrajo a 74.000 visitantes. como de artistas que formaron parte del movimiento de los edificios más altos de la ciudad, las que
Entre las galerías brasileñas más destacadas se de arte concreto y óptico que se desarrolló en rápidamente fueron bautizadas como ‘‘los
pueden nombrar a las cariocas A Gentil Carioca, Brasil durante los años sesenta, entre otros Alfredo suicidas’’. Y hubo mucho más. Porque Río era
Anita Schwartz, Pinakotheke y Tempo, las paulistas Volpi y Sergio Camargo. una fiesta.
28 D

D 29

DOSSIER CRÍTICO / CINE
Por Wilmar Umpiérrez
Elefante Blanco,
de Pablo Trapero
con Ricardo Darín
Caranchos
El cine del director argentino Pablo Trapero (San
Justo, provincia de Buenos Aires, 1971) ha
mostrado una profunda evolución narrativa y
estética hasta convertirse en un autor referente
en ambas márgenes del Plata. Y en su nueva
Elefante Blanco, al igual que en El bonaerense
(2002) y Leonera (2008), los ejes de la
arquitectura de la película pertenecen a un
mismo ámbito puntual –la Policía, la cárcel o la
en las internas de la villa, abriendo una red Mientras Julián se pelea con sus superiores por
dilemática y a la vez compleja en ese submundo la inoperancia (¿indiferencia?) ante la lentitud
marginal y potente. Los caranchos de toda laya de la obra que pretende llevar adelante, Nicolás
sobrevuelan nuevamente. En los primeros es tentado por su instinto y la figura de Luciana.
minutos conocemos también a Luciana, una Darín rinde como acostumbra hacerlo, aquí
asistente social (la siempre efectiva Martina incluso acotado en un panorama en el que
Guzmán, pareja de Trapero) que hace lo debe compartir las intensidades caprichosas
imposible para suturar el tajo existente en el de un guión (a cargo de Alejandro Fadel, Martín
tejido social de esa realidad que le golpea Mauregui y Santiago Mitre) que no lo tiene como
diariamente. Es el nexo entre los obreros y la el único referente del relato. Se las ingenia para
municipalidad que tendría que financiar la componer su personaje en forma milimétrica,
construcción, pero las promesas en algunos con un rostro que acompaña los diferentes
lugares se hacen para romperse. estados de ánimo y que hacen blanco
Aunque el director deambula por los rincones directamente en el nervio sensitivo del
de la miseria absoluta, su película no estig- espectador.
matiza, en todo caso estudia comportamientos. Otros aspectos que pueblan la pantalla tienen
villa– que oficia de ramal entrecruzando historias Otros habitantes de su historia reptan a medio que ver con méritos técnicos, como el formato
de individuos golpeados y a la vez resistentes. camino entre la falta de expectativas y el día a Scope, la soberbia fotografía de Guillermo Nieto,
Así como el personaje de Zapa en la primera y día. Narcotraficantes se tirotean entre ellos, las hombre de confianza del director, el montaje
Julia en la segunda, acá es Julián (Ricardo Darín, víctimas de la pasta base se hunden más y más ajustado de las escenas de acción y la sutileza
una suerte de seguro contra todo riesgo actoral) en cada fotograma y la desolación no es asfixia de la partitura de Michael Nyman, colaborador
quien debe lidiar contra una burocracia tan para el espectador sólo porque Trapero sabe ocasional de Peter Greenaway. Trapero quiere
despiadada como determinante. Julián es un tensar los hilos dramáticos con soltura y –por llenar salas y lo va a lograr, y lo que es más
cura villero que no se resigna a que esas qué no– con sabiduría. Pero Julián se sabe importante: le implantará a los espectadores
personas que habitan en el margen de la enfermo, tiene una fecha de caducidad muy una serie de molestas preguntas sin respuesta,
sociedad pasen por la vida casi como decorado cercana y teme que su obra se vea interrumpida algo que no es moneda corriente en el cine
de una Buenos Aires cosmopolita. con su ausencia obligada. Por eso convence industrial de hoy.
El papel de Darín remite directamente al padre para que lo ayude a Nicolás (el belga Jérémie
Mugica, sacerdote asesinado por la dictadura Renier, habitual en los filmes de los hermanos
argentina en 1974, no sólo en su relacio- Dardenne, hoy en pantalla en la soberbia El
namiento con el entorno social en el que se niño de la bicicleta), un cura francés que convive
mueve, sino que además también mira desde con la pesadilla de no haber podido impedir la Título original: Elefante Blanco.
su apartamento en Recoleta las frías luces de masacre de una población indígena en el Director: Pablo Trapero.
la Villa 31. El cura junto a las autoridades Amazonas en manos de los narcos. Guión: Pablo Trapero, Santiago Mitre,
eclesiásticas y los ‘villeros’ están empeñados Promediando el metraje de la película, está claro Martín Mauregui, Alejandro Fadel.
en la construcción de viviendas dignas en el que el director no permite que ninguno de sus Reparto: Ricardo Darín, Jérémie Renier,
esqueleto del llamado Elefante Blanco, un tres personajes principales se saquen diferencia, Martina Guzmán, Federico Benjamín.
enorme edificio abandonado que nació para y los obliga a una serie de confrontaciones y Duración: 106 minutos.
ser hospital y quedó a orillas de una mera zambulle a ambos hombres de fe en el País: Argentina.
intención. La película también propone indagar pantanoso terreno de las contradicciones. Año 2012.
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One page, un año en fenómenos de la inmediatez como Twitter y
Facebook. Para encontrar las respuestas se instaló
más laureados están David Carr, Bruce Healdlam,
Brian Stelter y Tim Arango, que en pleno rodaje del
The New York Times durante un año en la redacción de The New York documental decidió irse de voluntario a Bagdad
Times y se acercó a las entrañas de uno de los “porque alguien tiene que decir la verdad” sobre
Un mundo de papel monstruos del periodismo universal. El producto lo que ocurre en la capital iraquí.
logrado fue a parar directo a la sala de premiaciones La película tampoco esquiva el debate de fondo
Hay quienes vienen enterrando al periodismo del Sundance Festival. que existe sobre muchas otras crisis del mundo
escrito desde hace décadas, y esos agoreros del Al periódico se le conoce en la jerga como Grey de la información y el entretenimiento, y las
fundamentalismo digital en parte han tenido Lady (La dama gris) desde su fundación en 1851 opiniones entre el contenido gratuito o de pago
suerte, porque algunos diarios históricos del y ha acumulado la friolera de 106 premios Pulitzer, desde la debacle de los primitivos modelos del
mundo han apretado el botón de off en sus pero ese linaje no ha evitado que haya entrado negocio. A tal punto que sobre la mesa se manejó
imprentas. Pero la batalla parece estar lejos de más de una vez en zonas de turbulencias la posibilidad de que el propio The New York Times
resolverse. Con ese panorama previo y algunas financieras y de las otras, como por ejemplo el se desbarrancara. Generar información en la forma
preguntas en su libreta, el director y productor relacionamiento con Julian Assange y Wikileaks y periodística tradicional es costoso, y mucho más
estadounidense Andrew Rossi le dio forma a One la consiguiente polémica. El diario decidió publicar costoso aún si se trata de periodismo de
page, un año en The New York Times, proba- un manojo de los cables recolectados por el investigación. También eso se explora en el film.
blemente uno de los mejores documentales de australiano y el editor Bill Keller reconoció que era Cuando nadie lo esperaba, llegó una era en la que
los últimos tiempos. Rossi se interroga si es posible una fuente del diario. ¿Qué es una fuente? El florecen los blogs, los tablets y un número cada
para un diario sobrevivir sin avisos publicitarios, periodista John Hockenberry reconoce que vez más grande de publicaciones con un modelo
enfrentando a la red de redes con sus infinitas siempre han actuado con ética periodística. ¿Qué distinto, basado en unas nuevas herramientas y
posibilidades, evitar el desmoronamiento de la significa hoy la ética?, plantea la película. Los tecnologías que facilitan la inmediatez de la noticia:
calidad cuando se bajan los costos salariales y –en protagonistas del film son los mismos hombres Twitter es la cara más visible del fenómeno. ¿Está
los últimos años– cómo hacer para lidiar con que día a día ponen el rotativo en la calle. Entre los el periodismo agonizando o está más vivo que
nunca?, la pregunta es uno de los temas que se
plantea el film. Lo importante es el mensaje, el
valor del contenido. Transmitir la información de
una determinada forma, razonamiento, proce-
dimiento de investigación, veracidad, el contraste
de fuentes y mil valores más de los que un
periodista tendría que hacer su norte. Las historias
de The New York Times son fuente de miles de
artículos alrededor del mundo, actuando pues
como ‘servidor’ de noticias y contenidos diversos,
por eso sirve como ejemplo de lo que ocurre con
el periodismo escrito, tan cercano, a veces, de la
alta literatura. Y esta película ayuda a entender el
fenómeno.
Título original: Page one, a year

inside the New York Times.
Dirección: Andrew Rossi.
Guión: Kate Novack, Andrew Rossi.
Duración: 88 minutos.
País: Estados Unidos.
Año 2011.
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César debe morir,
de los hermanos
Paolo y Vittorio Taviani
Del otro lado
El asunto es así: un grupo de presos de la cárcel
Rebibbia, en Roma, van a interpretar la obra Julio
César de Shakespeare, en el entendido de que un
poco de espíritu artístico les va a venir bien al
momento de intentar una reinserción social. Un
director de teatro se lo propuso al mandamás del
reclusorio y éste aceptó con entusiasmo,
fundamentalmente porque le hace bien a su
imagen y no tanto porque crea que de ese grupo
humano pueda surgir un milagro actoral. De
hecho, los elegidos para par ticipar en el
experimento no bajan de penas de doce años,
algunos están a la sombra por robo, otros por
asesinato. Ése es el planteo de César debe morir,
última película de los veteranísimos hermanos
Taviani (Paolo anda por los 81 y Vittorio en 83)
con la que se llevaron para la capital italiana el Oso
de Oro del Festival de Berlín. En tierras teutonas
operó la resurrección de los hermanos y también
de un buen Shakespeare llevado a la pantalla grande.
Así cerraron el círculo del gran slam festivalero
que iniciaron en 1977 cuando ganaron la Palma
de Oro en Cannes con la soberbia Padre Padrone,
siguiendo dos lustros después con el León de
Oro en Venecia (premio otorgado a la carrera). Si
les faltaba algo, entonces, era el oso dorado que
recién obtuvieron.
Y les alcanza con sólo 76 minutos y una potente
demostración cinematográfica para recordar que
no estaban jubilados, y que hay una forma de
hacer cine que se niega a morir. Un cine que
acude a lo más visceral de la cuestión humana y
a dejar flotando una saludable sensación de
perplejidad. Pero a no extrañarse, esta gente le
puso firma a películas clave como La noche de
San Lorenzo (1982), Kaos (1984) y la bellísima
Fiorile (1993). Volviendo al relato que nos ocupa,
durante semanas y meses, los reclusos se ponen
en la piel de sus personajes y texto en mano se
meten tan dentro de sí mismos que incluso al
más duro de ellos –un napolitano condenado a
cadena perpetua– se le aflojan los sentimientos.
El trabajo de preparación de la obra es parti-
cularmente duro (todo el tratamiento estético de
la película se anida en un voluptuoso blanco y
negro, salvo un breve atisbo de color en el
comienzo, cuando todavía se cree en la esperanza
para ese grupo de personas). Los reos deben leer, Las contradicciones humanas, esas que suelen Título original: Cesare deve morire.
memorizar, ensayar, volver a leer, intentar mecanizar habitar los filmes de los Taviani y de Shakespeare, Dirección: Paolo Taviani, Vittorio Taviani.
los nuevos conocimientos y –si pueden– tratar alimentan este relato lúcido y vivo. Los directores Guión: Paolo Taviani, Vittorio Taviani
de no matarse entre ellos. Ocurre que más allá del se divierten entrecruzando los textos, haciendo (sobre historia de William Shakespeare).
peso específico de la obra del dramaturgo británico, contraplanos y poniendo en apuros a los Elenco: Favio Cavalli, Salvatore Striano,
los ‘actores’ no logran olvidar sus pesadillas, el espectadores. ¿Quién es Bruto? Casio, el pensador, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca,
dolor cotidiano de saberse encerrados y la pulsión ¿es tan voluble como parece? ¿Acaso César no ve Juan Darío Bonetti, Vicenzo Gallo,
animal de los crímenes que los llevaron a estar del la realidad que lo rodea? Y como le gustaba a don Rosario Majorana.
otro lado de las rejas. Y lo que es peor, algunos de William, el poder, la dominación y la amistad hombre- Duración: 76 minutos.
ellos se sentirán aún más presos al conocer de hombre son vértices expuestos para dar forma a País: Italia.
cerca el poder liberador del arte. un destino aún superior: la obra en sí misma. Año: 2012.
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DOSSIER CRÍTICO / DANZA
Por Silvana Silveira
Ballet Contemporáneo
del Teatro San Martín
Chopin, Vivaldi
y Piazzolla
según Wainrot
En el límite, en ese difuso borde entre escuchar la
música y ver la coreografía, es donde transcurren
las obras del coreógrafo argentino Mauricio
Wainrot, director del Ballet Contemporáneo del
Teatro San Martín de Buenos Aires.
Una de las intenciones del coreógrafo es que
cuando el espectador mire la danza escuche la Chopin número 1.
música a través del movimiento, que si se produjera
un fallo en el sonido y los bailarines tuvieran que director: Bolero (con coreografía de Marc Ribaud), amplificar las emociones de por sí intensas
bailar sin música, los espectadores igual pudieran Looking Trough Glass, del propio Wainrot, y Stelt propiciadas por la música.
hacerse una imagen clara de la partitura. Si algo lo de Richard Wherlok. También montó La La obra en sí está estructurada de tal manera que
ha caracterizado como coreógrafo es la consagración de la primavera para el Cuerpo de se produce un contrapunto y un diálogo entre la
tremenda musicalidad de sus coreografías. Baile del Sodre. cualidad más diurna de Vivaldi y las texturas más
Wainrot tiene un don especial para escuchar la En su reciente visita a Uruguay, el elenco presentó nocturnas de Piazzolla. Cuando suena Vivaldi, los
música y traducirla en movimiento, una cualidad dos obras que permitieron disfrutar una vez más el movimientos son más grupales, más lúdicos,
única que le permite encarnar las partituras en encuentro con una de las compañías más sólidas matinales y armónicos, en tanto que en el turno
los cuerpos de los bailarines. de Sudamérica con un plantel de bailarines de de Piazzolla, el vestuario se torna gris, el
Con más de doscientas obras para 48 compañías, primerísimo nivel y un lenguaje coreográfico tan movimiento más pasional, más íntimo, de pareja,
que llevan su rúbrica, es actualmente uno de los rico como altamente gratificante. atento a la gestualidad del tango y las implicancias
coreógrafos más prolíficos y prestigiosos del El programa abrió con Chopin número 1, un adagio de la noche.
mundo. Fue coreógrafo permanente del Royal (coreografía con movimientos más bien lentos) Wainrot cautiva. Tal vez porque, como lo
Ballet de Flanders, Bélgica, coreógrafo invitado que bien puede ser considerada una rareza en el mencionó durante un coloquio que protagonizó
con carácter permanente en el Hildesheim universo creativo de Wainrot, que habitualmente en el Teatro Solís, sus creaciones tienen un
Stadttheater de Alemania, y director artístico de presenta obras en donde la constante son elemento fundamental que es lo lúdico. ‘‘Mi niño
Les Ballets Jazz de Montreal, Canadá. movimientos enérgicos, complicados, veloces. La está a flor de piel, no soy el adulto que intelectualiza
Estudió danza en el Teatro Colón de Buenos Aires pieza, una obra abstracta de movimientos puros, sino que me dejo llevar por el instinto de crear’’,
con Vasil Tupin y Eda Aisemberg, y fue primer de una delicada belleza, recuerda por momentos a dijo el coreógrafo.
bailarín invitado del Royal Winnipeg Ballet de Adagietto de Oscar Araiz. A diferencia de buena parte de los creadores
Canadá, del Ballet del Teatro Municipal de Río Es en Las 8 estaciones donde emerge con fuerza contemporáneos, Wainrot no trabaja con base en
de Janeiro y del Ballet de Cámara de Caracas. toda la creatividad del director del San Martín. Al improvisaciones. Prefiere escuchar la música hasta
Además, estudió técnica Limón y tomó clases enorme acierto de la elección de la música, una hacerla piel y que los bailarines –sus ‘socios’– se
en Juilliard School. imponente versión del violinista y compositor encarguen de desestructurar lo que él estructura.
Montó sus obras con las más importantes Gidon Kremer que mezcla Las cuatro estaciones No le alcanza con que sus bailarines sean muy
compañías de danza del mundo: English de Vivaldi y las de Astor Piazzolla: ‘Verano porteño’, técnicos, sino que deben poder decir cosas con
National Ballet, Ballet Royal de Wallonie, Royal ‘Otoño porteño’, ‘Invierno porteño’ y ‘Primavera los ojos, con la mirada, con todo el cuerpo.
Winnipeg Ballet, Staatstheater Hannover, Ballet porteña’, hay que sumar la tremenda versatilidad Además, deben tener el privilegio de la imaginación
Argentino de Julio Bocca, Hubbard Street de Wainrot a la hora de coreografiar. y la curiosidad, al coreógrafo argentino le importa
Dance Chicago, Juilliard Dance Ensemble, Bat Las 8 estaciones es una obra abstracta de setenta lo que su troupe pueda hacer con lo que él les
Dor Dance Company, Ballet Nacional de México, minutos que se disfruta de comienzo a fin. brinda. A su entender, es más sencillo montar
Ballet Nacional Chileno y Ballet del Teatro Colón, Escuchar la música, en la que Kremer logra una una obra con bailarines como los de su compañía
entre otras. interesante conjunción de estilos, ya es un que se formaron bajo una misma filosofía, la de la
Entre sus obras figuran Reflejos, La tempestad, programa en sí mismo. Si a eso le agregamos el escuela del San Martín. En ese sentido, destacó
Medea, Carmina Burana, Un tranvía llamado despliegue coreográfico propiciado por Wainrot, que en el Ballet Contemporáneo del Teatro San
Deseo, que interpretó el año pasado el Ballet que logra la difícil tarea de que cada nota se Martín hay una suerte de mística: todos están
Nacional Sodre, El Mesías, La consagración de la visualice en la escena, el resultado es genial. muy convencidos de lo que están haciendo.
primavera, Las 8 estaciones, Luz distante, Anna Pero lo más destacable de los bailarines –y el
Frank, Looking Through Glass, 4 Janis for Joplin, mayor acierto de Wainrot– es que si bien son Ballet Contemporáneo
Pájaro de fuego, Estaciones porteñas y Travesías. ar tistas con una sólida formación clásica del Teatro San Martín.
En 2005 el Ballet Contemporáneo del Teatro San haciendo danza contemporánea, capaces de Chopin número 1 & Las 8 estaciones.
Martín presentó en el Teatro Solís tres obras que realizar cualquier proeza que les proponga, y Director artístico: Mauricio Wainrot.
permitieron apreciar la calidad artística de la de meter cuatro pasos en un tiempo, no resultan Lugar: Sala Principal del Teatro Solís.
compañía así como el enorme talento de su fríos y –por el contrario– logran acentuar y Fecha: 7 y 8 de setiembre.
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DOSSIER CRÍTICO / MÚSICA
pro de pergeñar el próximo lanzamiento. Lo las interpretaciones exponen el esqueleto de
que sí hay que poner sobre la mesa son algunas las canciones a través de un sonido despojado
Por Alexander Laluz mínimas referencias históricas, artísticas, para de ropajes innecesarios, la ubicación de su voz
comprenderlo. en un primer plano (un rasgo que contrasta
En el primer rubro, el histórico, los relatos que con la concepción de lo vocal en sus primeros
tienen a Galemire como protagonistas se discos, en los que la voz se entramaba con los
remontan a la época germinal del rock hilos de la textura instrumental y, en algunos
vernáculo, con El Sindykato, en los inicios de caso, quedaba casi asimilada a un color más),
los años setenta. Le seguirán los vinculados a tramas que enhebran el swing roquero (‘Quién
Los Que Iban Cantando, las colaboraciones será de los dos’) y candombeado (‘Los días
con Eduardo Darnauchans, Eduardo Rivero, que vendrán’, en la que se luce la armónica de
Gastón Dino Ciarlo, Jaime Roos, las experiencias Corrin Huddleston, ‘Bogart café’, ‘Si es por eso’,
en España, Jorge Drexler, su trabajo junto a ‘Las hermanas’) con las baladas intimistas (‘Los
Karen Ann (su compañera y a quien homenajea desencuentros’, ‘Trigo y plata’, la bellísima
el título del disco y la canción Trigo y plata: ‘Reina de corazones’, de 1993, con letra de
“Trigo y plata en tu sien/ cosiendo tu falda/ o Darnauchans, quien años después la utilizó para
pintando en la tela/ tu corazón”), sus discos ‘Sonatina’, incluida en el disco El ángel azul de
solista (Presentación, Segundos afuera, 2005), colores pop (‘Sin red’, en este caso
Ferrocarriles, Casa en el desierto). ensamblados con una estructura rítmica de plena,
En ninguno de esos relatos Galemire construye ‘Carta sin abrir’). Pero, ya fue dicho, aquí las
un per fil de ‘cantautor’ galán, que canta etiquetas no tienen mucha cabida: son simples
“chiquito” y escribe letras para “ganar minitas” recursos de la palabra para intentar –aunque esta
(Capusotto dixit). El perfil de este señor se arma empresa por lo general termina en un
por otro lado. Y aquí una (apretadísima) síntesis naufragio– comprender el fenómeno musical.
Trigo y plata, del plano ar tístico; sus creaciones fueron El otro aspecto destacable es el papel de los
definiendo una cualidad distintiva que todavía músicos invitados: lejos de ser un collage
de Jorge Galemire despierta la envidia de quienes enarbolan el forzado, estas participaciones (Hugo Fattoruso,
término ‘fusión’ como bandera de sofistica- Nico Mora, Gustavo Etchenique, Federico Righi,
La revancha ción: la fluidez ‘swingueada’ de las mixturas. Fernando Ulivi, Andrés Recagno, entre otros)
Este rasgo le ha permitido poner en práctica –y se ensamblan en una muy eficaz concepción
En las primeras líneas, la presentación (escueta notablemente– otros dos oficios musicales: arreglística que refuerza el carácter de banda
y) de rigor: el disco se titula Trigo y plata; el arreglador y productor. Y si hay que rastrear más que de suma de virtuosos solistas. En
sello, Ayuí; su responsable creativo, el señor pruebas (ya que estos oficios sólo quedan este plano del trabajo, otro elemento a subrayar
Jorge Galemire; el repertorio, en su mayoría consignados en las letras chicas de las fichas es la búsqueda intencional de un sonido
canciones compuestas por el propio Galemire técnicas de los discos), vale la pena volver a acústico, de pequeños ensambles, que
y otro tanto en coautorías con Mauricio Ubal, escuchar con atención el finísimo Sansueña expongan de forma directa el esqueleto
Fernando Ulivi, Eduardo Darnauchans, Luis de Darnauchans, editado en una época en la expresivo-sonoro de cada canción: una línea
Campos, Vicki Fiske. Y con esto tendría que que el término ‘productor’ ni siquiera figuraba de trabajo que ha explorado, y explotado, en
alcanzar. ¿Por qué? La respuesta viene con el en la jerga musical uruguaya. Una muestra los últimos años.
comentario de un atento escucha que alcanza. En el aspecto compositivo, Galemire y sus
acompañó a este cronista en el primer recorrido Vuelta de hoja: Trigo y plata, editado hace pocas socios puntuales para algunas creaciones
por el disco: “El tipo tiene swing hasta para semanas, se sustenta en esas historias y sacan buen par tido de la experiencia para
tocar con la guía telefónica”, y esto, agregó muestra a un creador e intérprete en una etapa conjugar un atractivo equilibrio entre las
con rotunda seguridad, debería alcanzar como en la que puede gozarse (sí, gozarse) sin búsquedas poéticas en las letras –aunque en
comentario porque el resto de la historia de conflicto con las etiquetas, las exigencias del algunos casos no sean los elementos más
Galemire tiene suficiente peso para no depender mercado y las modas discográficas. Este lucidos de las creaciones– y los flujos melódico-
de un rimbombante juego de adjetivos y material fue grabado entre 2003 y 2004 en armónicos, y subrayar el valor de la canción
descripciones. Y tiene razón, aunque algunas Montevideo (salvo ‘Si es por eso’, grabada en como forma compleja y a la vez directa para la
precisiones –parece mentira– siempre son el estudio Circo Beat de Buenos Aires, y la parte comunicación estética.
necesarias debido al manto de silencio –y de arreglada para armónica de ‘Los días que Y así es: “El tipo tiene swing hasta tocando [y
olvido– que siempre está al acecho, como una vendrán’, que se registró en System 2 Studio, componiendo con] la guía telefónica”; un capo
amenaza a interrumpir procesos, truncar en Nueva York), y, tras el trabajo de mezcla, que se despacha con una obra despojada y a
memorias. quedó sepultado en el archivo del productor la vez con una exposición extrema y simple de
Una pregunta ampliada: ¿cuál es el valor de neoyorquino Neil Weiss (para más datos: Weiss los nudos expresivos, lo que la convierte en
Trigo y plata en la trama de procesos truncados, fue el productor de varios discos de músicos algo dedicado al goce de escuchar varias veces
incompletos, que se apilan en las historias y uruguayos, entre ellos Montevideo de Rubén en forma íntegra, luego al detenerse en una
memorias de la música local? Quizás sea Rada, editado a mediados de los noventa; otros, pista, ir hacia atrás y hacia adelante, antes que
prematuro, y hasta pretencioso, llevar esta obra como este Trigo y plata, se ‘perdieron’ en un apurar calificativos como ‘obra maestra’, algo
a un contexto tan amplio; este disco, hay que silencio caprichoso). Después de varias idas y que, seguramente, al propio Galemire no le
subrayarlo, todavía está en la etapa del venidas, Galemire consiguió el máster de su preocupa… Después, con el tiempo, llegará la
descubrimiento, de los disfrutes: algo que el disco y se lo ofreció al sello Ayuí, que ya había oportunidad de calibrarla en su proyección
mercado, siempre apurado por obtener los publicado otros trabajos suyos. En definitiva: estética e historia.
réditos mediáticos y económicos de un un bacaray (nonato), como él mismo dice,
producto ar tístico, no contempla o, sim- que tuvo su revancha.
plemente, relega a un tercer o cuarto plano en La obra no tiene desperdicios. Los arreglos y Trigo y plata. Ayuí, 2012, Montevideo.
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La explicación no tiene muchas vueltas. Por un es nueva, sí es diferente, repleta de inquietudes
lado, está en esa exploración constante de cada constructivas, expresivas, desconocidas para el
pieza de su repertorio, el despojamiento y público. “El texto escrito, no pensado para cantar,
reformulación armónica, la depuración de sus da otros permisos en el lenguaje, la estructura y
líneas melódicas, la forma de hurgar en el pulso los temas. Permite ser más arriesgado y entrar en
sensible de las imágenes poéticas y en la selección otros sitios”, dice él. Y estas poesías lo confirman:
de cada palabra, cada verso. Esto, por otro lado, no es un devaneo trasnochado por territorios
está acompasado con una depuración (que a poéticos inaccesibles, sino que –como se dijo al
veces parece imposible) del trabajo interpretativo. principio de esta nota– va directamente a los
En definitiva: un viaje directo a lo medular de la puntos neurálgicos que hacen al pulso poético.
canción, de la poesía, de cada sonido. El DVD que forma parte de la edición, lo expone
Intro, de El 1 y 2 de setiembre, Cabrera dejó en el escenario
principal del Teatro Solís sendas muestras de este
en su faceta más despojada: solo con su voz y su
guitarra, salvo en dos interpretaciones
Fernando Cabrera viaje a lo medular. En dos funciones repletas (‘Generación’ y ‘El tungue le’, de Eduardo Mateo)
presentó el material de Intro, apoyado por su en las que participa Kevin Johansen. Una selección
(En) Directo banda completa: Federico Righi en bajo, Ricardo abreviada de canciones en realizaciones mínimas,
Gómez en batería, Herman Klang en teclados y hiperdespojadas, repletas de sutilezas (hay que
Fernando Cabrera sabe cómo ir directo al grano. Juan Pablo Chapital en guitarras. Primero fueron escucharlo cantar apoyado sólo por una nota en
Y esta experiencia ha sedimentado en su estética las canciones. Después, ambientado con una la guitarra). Para el play list: ‘Te abracé en la noche’,
a partir de una suerte de síntesis de varios procesos mesa, luz baja, la presentación de los poemas. Y, ‘Dulzura distante’, ‘Méritos y merecimientos’,
que han atravesado su periplo creativo desde la al final, las canciones. Impecable. ‘La casa de al lado’, y la potente versión de ‘El
memorable formación MonTRESvideo hasta este Esta obra, Intro, completa un período particular loco’ (una obra maestra de la canción popular
reciente Intro (2012), una edición doble, de lujo: en su trayectoria: viene después de Canciones uruguaya).
un libro con una recopilación de 65 poesías propias, un álbum en el que revisitó canciones de
hasta ahora inéditas, más un DVD que registra otros compositores y lo confirmó como un
una actuación para muy poco público en el inteligente intérprete, y recupera un material poético Fernando Cabrera en vivo.
estudio Ion, en Buenos Aires, Argentina, el 28 que hasta el momento permanecía inédito y que 1 y 2 de setiembre, Teatro Solís.
de agosto de 2009. lo presenta (y afirma) en una faceta que si bien no Intro. Ayuí, 2012, Uruguay.
COLUMNISTA INVITADO por Graf, es que The Washington Post lo calificó

Eduardo Roland como “uno de los pianistas más brillantes de
nuestro tiempo”, mientras que The New York
Times habló de “impresionante virtuosismo”.
Concierto de Pues bien, quienes estuvimos en el concierto del
Enrique Graf en el Solís Solís y escuchamos a Enrique Graf comprobamos
con enorme placer que las aseveraciones de los
La madurez artística críticos estadounidenses reflejan una verdad
incontrastable. Antes de que Graf ingresara al
de un notable pianista escenario, ya el repertorio elegido y el orden de
obras a interpretar nos daban muestras de alguien
En el marco de un ciclo titulado Los Grandes que sabe exactamente lo que quiere, alguien con
Maestros Uruguayos, que este año con buen una sólida capacidad crítica, de un músico que
criterio viene organizando la División Cultura de la es consciente de que un artista cabal debe
Intendencia de Montevideo, el pianista Enrique trascender el hecho de ser un virtuoso del
Graf regresó al teatro más emblemático de su instrumento. movimiento y otro de una misma partitura)
ciudad natal para ofrecer un concierto que no Bajo el título Favoritos del piano, Graf preparó un evidenciaron la profundidad de músico con un
admite otro calificativo que el de extraordinario. cuidado viaje musical cronológico, que partiendo sentido casi zen de la música.
Graf, un intérprete ampliamente reconocido y de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) fue En fin, quienes tuvimos la suerte de ver a Enrique
valorado por el ambiente musical uruguayo, emigró avanzando lentamente (Beethoven, Chopin, Graf escuchamos un Mozart cristalino, bellamente
a Estados Unidos hace un cuarto de siglo para Rachmaninov, Gershwin) hasta llegar a una clásico; un Beethoven virilmente romántico; un
continuar su carrera, estableciéndose en la ciudad partitura de impronta contemporánea como Chopin íntimo, lírico, hiperromántico, un
de Charleston (Carolina del Sur), donde ha Danza criolla de Héctor Tosar (1923-2002), el Rachmaninov posromántico; un Gershwin
desarrollado una invalorable actividad docente a compositor más importante que ha dado Uruguay, brillante, con sabor a blues en fluido lenguaje
la vez de intensificar sus presentaciones en salas junto con Eduardo Fabini. académico; y, por último, pudimos sentir la
de conciertos: tanto en recitales de piano solo El obvio desafío interpretativo –en sentido grandeza compositiva de un Tosar que a fuerza
como oficiando de solista junto a renombradas estilístico–que suponía pasar por piezas de seis de haber sido tantas veces interpretado de modo
orquestas sinfónicas y de cámara. compositores de diferentes épocas fue superado mediocre, no ha podido ser valorado y disfrutado
Está claro que no es para cualquiera mantener con creces, a través de una técnica perfecta y de la manera en que se merece.
durante años una carrera como pianista en un una aproximación muy sutil al espíritu de cada
lugar tan competitivo como Estados Unidos, obra. Cuando uno ve a Graf en acción entiende el Ciclo: Los Grandes Músicos Uruguayos.
sobran ejemplos de muy buenos músicos que grado de concentración que un intérprete mayor Concierto: Favoritos del piano.
jamás pudieron acceder a los circuitos principales debe tener para ejecutar cada nota con la precisión Artista: Enrique Graf (piano).
de la ‘escena clásica’ estadounidense. Lo cierto, requerida. El manejo de los silencios (también los Lugar: Sala Principal del Teatro Solís.
y que sirve como ‘certificado’ del lugar alcanzado que se dan entre pieza y pieza o entre un Fecha: 22 de octubre.
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DOSSIER CRÍTICO / FOTOGRAFÍA
Por Guillermo Baltar Prendez
Fotografías de Luis Alonso

Las inquietudes
perennes
Desde su maestría, Luis Alonso continúa afanoso
tras las huellas del transcurrir. No es el único, y por
eso la apuesta se redobla en la magnitud de la
propuesta. Algunos lo hacen desde la soledad.
Desde los deshabitados rincones de algún
inmueble o a través de los despojos que certificaron
el paso del hombre o el animal. En todo caso, la
evocaciones de Proust a través de las la que la lente se ha detenido sobre su boca

magdalenas (en su búsqueda del tiempo ido), abierta, la nariz y los ojos. Sobresale la pintura
que le hacían recordar ciertos trayectos vitales. cur tida que deja al descubierto el material
En su insinuación, Alonso señala la ascensión estructural, así como los diferentes colores que
y caída a las que de forma inexorable estamos cubren los labios, insinúan las narinas y bañan
hechos; sólo que a diferencia de nuestros los ojos. En ese marco, la boca abierta se
cuerpos, los objetos nos sobrevivirán. Serán ahonda hacia un negro profundo. Como si el
entonces ellos –a través de su continuidad y autor propiciara la entrada hacia un abismo,
su cariz antropológicos– los que puedan dar hacia la aceleración de nuestra finitud. La
parte de nuestro pasar. oscuridad en contraposición a la luminosidad
Las arrugas que apisonan nuestra piel serán que propicia la huella fotográfica. El lomo de
finalmente lodo o cenizas. Los objetos –en todo una antigua Biblia deja al descubier to las
caso–, estructuras oxidadas, hojas de libros cicatrices del encuadernado, un coche de
humedecidas, detenidas manecillas de relojes, bomberos sobrevive a su oxidación, así como
paredes raspadas o viejos carteles de bebidas una antigua lata de Mantecadas Salinas.
que nos remiten a una niñez tal vez ya La contemporaneidad está presente en una
inescrutable. Alonso posee una reconocida muñeca Barbie castigada por el olvido, y dos
trayectoria en el ámbito de la prensa gráfica. Ha relojes (un viejo despertador de mesa y uno de
sido fotógrafo y editor en varios periódicos pulsera), acompasan sus instancias detenidas.
capitalinos y desarrollado una prolongada La última de las trece imágenes se posiciona
actividad docente. Tanto en el Foto Club frente a la primera, a la muñeca signada por
poética deriva hacia la memoria, y al arbitrio Uruguayo como en la Escuela de Cine del sus rasgos decimonónicos. Es un viejo billete
emocional que esos rescates promueven. En su Uruguay, y actualmente en la Universidad de de cinco mil pesos, donde una lupa se interpone
deriva hacia la extinción, son en este caso objetos Montevideo. En su anterior exposición El estado entre el lente del fotógrafo y el papel moneda.
de matriz cotidiano los que asumen el papel del tiempo (realizada en 2002), la preocupación Experimentando de esta manera fue como los
protagónico. Pero no cualquiera de éstos, sino sobre el deterioro de ciertos edificios aban- cineastas llegaron a elaborar finalmente esos
los que de una u otra manera condicionan sus donados alimentaba la indagación sobre esos primerísimos planos (o planos detalle) a los
rasgos de pertenencia a ciertos aspectos afectivos aspectos de la fugacidad temporal. En su nueva que hacíamos referencia. Pero aquí, la lupa no
del autor que pueden ser extendidos al resto de propuesta, el autor acentúa el dramatismo y la sólo nos rescata la imagen casi imperceptible
los individuos de un mismo contexto cultural. poética desde la contraposición de cier tos de los contornos de Artigas, sino que entabla
En TIEMPO, la mayúscula no es un dato menor. aspectos de la concepción compositiva. Desde de manera sutil e inteligente la urgencia de
Certifica la contundencia de esa feroz inte- lo macro, para resaltar aquellos detalles del ciertos rescates. Aquello de ver más allá de lo
rrogación a través de la imagen, y de su deterioro de los objetos, a la elección del gran que vemos, aquello que está pero que sin
impostación compositiva dentro del encuadre formato para exhibirlos. esfuerzo –o al menos la intención de hacerlo–
fotográfico. Desde un panel, un texto de Alonso A manera de mudos testigos, algunos de los no veremos. En TIEMPO, imagen y concepto
nos dice: “En momentos donde todo se usa y se objetos retratados son también expuestos en la van de la mano. Difícilmente –al menos este
tira, donde sólo lo nuevo vale, esta muestra es un sala. Ese hecho vincula al espectador la imagen año– pueda haber otra muestra de fotografía
mensaje a lo que permanece a pesar del tiempo”. fotográfica con la escala real del elemento nacional de tan grande envergadura.
Dos líneas que en su contundente simplicidad referencial, acentuando los rasgos y las
nos llevan al espacio metafórico de aquellos fisonomías de éstos, así como el estado del Muestra: TIEMPO.
aspectos más crueles de la sociedad. La carcoma matérico y los primerísimos primeros Artista: Luis Alonso.
fugacidad vista no desde la apreciación estética planos instaurados por Grifith y Eisentein en la Lugar: Sala de Arte Carlos Federico Sáez.
de la caída de una estrella, o de la ensoñación cinematografía. No debe de ser casual que la Rincón 575 PB. MTOP.
emotiva de un aroma u olor; como aquellas primera imagen sea la de una vieja muñeca en Fecha: del 14 de setiembre al 12 de octubre.
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Javier Hinojosa Los caminos blancos de Hinojosa, tramados
por vegetación y nubes, son los que se bifurcan
abarcan generalmente los períodos arqui-
tectónicos comprendidos entre los años 600 y
en el MAPI hacia los cielos y hacia el mito. Hacia las 850 d. C. (Clásico Tardío), hasta el año 900 d.
invisibles bocas de los tiempos donde la antigua C. conocido como Post Clásico Temprano,
Los enclaves civilización maya creció, se glorificó y extinguió comprendiendo mayoritariamente las regiones
del misterio tras la colonización hispana. Pero antes,
cuando ya escudriñaban las estrellas, domi-
de Yucatán, Campeche y Chiapas.
En otra oportunidad nos hemos ocupado de la
naban las fases lunares, y casi entonaban el obra de Javier Hinojosa y de sus particu-
tronar cósmico, construyeron ciudades, laridades. Hablamos con él sobre su com-
templos y observatorios que hoy subsisten promiso con el medio ambiente, así como sus
entre la espesura de la jungla y el transitar facetas en el ámbito de la fotografía editorial, y de
turístico. Ciudades a las que Hinojosa ha los trabajos de campo dentro del estudio
platinado a través de la técnica, como arqueológico de las culturas indígenas. Sus
pretendiendo obtener la depuración de la luz registros de la cultura maya datan en este caso
solar, cuando ésta percute y se apacigua desde 1998 y se prolongan hasta la fecha. Muchos
finalmente sobre las antiguas piedras de las han sido recogidos en libros bajo el título de
edificaciones y de sus figuras totémicas. Espacios de la memoria, ilustrando la visión del
Signos de otros tiempos, donde el orfebre dejó México antiguo, y en Estaciones, selección de
en cada detalle la pequeña idea, construyendo fotografías realizadas dentro del proyecto como
la diadema trabajosa de la inmortalidad. Son becario del Sistema Nacional de Creadores, que
muchos aún los misterios, los secretos que continúa hasta el año 2013.
esos caminos blancos guardan. Sin embargo, Actualmente, Hinojosa coordina el Diplomado de
en esos derroteros hay también una búsqueda Fotografía Contemporánea: Arte y Oficios en La
de aquellas sintonías de pasos anteriores. Academia de San Carlos de la Universidad Nacional
Continuando la tradición de los exploradores, Autónoma de México (UNAM). En Sacbé. Camino
viajeros, investigadores y artistas del siglo Blanco, el autor nos adentra hacia esos vestigios,
diecinueve, el fotógrafo se adentra por esas mostrándolos desde una poética tan despojada
bifurcaciones, relativizando aquellas otras como contundente. Organizada por la Embajada
miradas, al enseñarnos su propia definición de México y patrocinada por Antel, basta señalar
visual de esos legados del pasado. Los restos que esta exposición realizada en el Museo de Arte
arquitectónicos –plenos de alusiones a la Precolombino e Indígena se enmarca en el CCII
cotidianeidad y a los rituales de la civilización Aniversario de la Independencia de México.
maya– parecen redescubrirse desde el alam-
bique de las lentes del autor. La técnica, los Muestra: Sacbé. Camino Blanco.
encuadres, la definición de la luz sobre esos Artista: Javier Hinojosa.
monumentales vestigios de piedra pautan el Lugar: Museo de Arte Precolombino
esplendor cultural y la compleja organización e Indígena. (MAPI). 25 de Mayo 279.
social, desde el silencioso discurso que emana Fecha: del14 de setiembre al 21 de
su presencia inmanente. Las obras exhibidas diciembre.
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Ramiro Rodríguez Barilari
Lo que la ciudad
desvela
Si bien los estudios más recientes sobre el
relevamiento del patrimonio arquitectónico de la
ciudad de Montevideo datan de mediados de los
años ochenta (especialmente a través de la
extensión del Instituto de Historia de la Facultad
de Arquitectura), es una década más tarde cuando
un grupo de investigadores comienza a desarrollar
una observación más meticulosa y exhaustiva del
entramado urbanístico capitalino. En este aspecto,
la labor del arquitecto Mariano Arana y su equipo
de estudio (realizada sobre todo en los años setenta
en torno a la recuperación patrimonial) parece
tener una prolongación lógica en los años
noventa, a partir de las observaciones y nuevas
guías de la ciudad realizadas por Julio Gaeta y
Eduardo Folle. Ambos comienzan a perfilar una
revisitación de aquellas edificaciones (y de sus
constructores), que tal vez por estar estrechamente
fijadas en las retinas de los habitantes, o en la
franja estacionaria del imaginario colectivo pasaban
hasta entonces inadvertidas.
Muchas de estas, constituidas ya en verdaderos
íconos de una geografía visual tan rica como
pertinaz, sobreviven a pesar del deterioro al que
están sometidas. A medida que se ha ido
restaurando el ‘mapeo’ de esas construcciones,
también van apareciendo los nombres de aquellos
hombres que las concibieron y materializaron. La
gran mayoría son obras erguidas entre mediados
del siglo diecinueve y comienzos del veinte,
alejadas ya de la impronta colonial hispana.
Edificaciones en su gran mayoría bajo la influencia
del neobarroco francés, y también del Art Decó
(especialmente a partir de los años treinta),
apuntando ya hacia la modernidad cercana de
inspiración más funcional. Pero fundamen-
talmente es en ese período cuando se materializa
la identidad de una ciudad tan propia como
universal. Entre las obras que colaboraron a
complementar ese marco identitario están las
realizadas por el italiano Eusebio Albino Perotti.
La impronta de un italiano en la imagen de
Montevideo es una exposición donde a través de período más fructífero –y en el que realiza la Rodríguez Barilari están comprendidas dentro del
dieciocho fotografías, tomadas con maestría por mayoría de las obras por las que es finalmente casco céntrico y antiguo de Montevideo, salvo
Ramiro Rodríguez Barilari (fotógrafo de larga recordado– transcurre entre 1908 y 1930. las dos excepciones ya mencionadas. Una
trayectoria especializado en el patrimonio Veintidós años donde Perotti va dejando una invitación para volver a mirar el paisaje edilicio, a
urbanístico y en el registro arquitectónico), se impronta tan palaciega como utilitaria. Las detenernos frente a ciertos balcones, ventanales
vislumbra la importancia de Perotti, tanto en la fachadas y sus capiteles denotan una suntuosa y capiteles, para hurgar también en la memoria de
construcción visual de nuestro entorno, como ductilidad, lo cual también se puede observar en quienes lo concibieron, haciéndolos parte de
su talento a la hora de concebir sus edifi- algunos de sus patios interiores, tal como sucede nuestra historia.
caciones. Fundamentalmente edificios para con el propio edificio del Instituto Italiano de
vivienda y comercios, casas par ticulares, Cultura, concebido por Perotti. Para el paseante
algunos caserones (Villa La Quinta, en el Prado) desprovisto de información –o tan sólo habituado
y chalets (de Punta Gorda). a vislumbrar la cotidianeidad visual de ciertas Muestra: Eusebio Albino Perotti: La impronta
Perotti nació en la ciudad de Ivrea (Turín) en 1880, construcciones– vale señalar la hermosa fachada de un italiano en la imagen de Montevideo.
donde finalizó sus estudios de Técnico en y ornamentación del Palacio Marexiano en la calle Artista: Ramiro Rodríguez Barilari.
Construcción. Arribó a Uruguay con diecisiete Uruguay y Río Negro, y el Edificio del Fuerte en la Textos: Arq. Nery González Carsellia.
años, donde permaneció hasta su fallecimiento. Circunvalación Durango esquina Rincón, frente a Lugar: Instituto Italiano de Cultura.
En sociedad con Pedro Gilardoni abrió su empresa la Plaza Zabala. Paraguay 1177.
de construcción y estudio de arquitectura. Su La mayoría de las obras de Perotti registradas por Fecha: del 4 de octubre al 10 de octubre.
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D 47

Fotografías
de Jeanne Mandello
Los bríos
de la memoria
Las fotografías rescatan tanto la memoria de lo
representado como la de quienes supieron
plasmarla sobre el papel. Así, en las imágenes de
esta exposición subyace la travesía existencial de
sus protagonistas. A través de esta muestra, la
historiadora Sandra Nagel nos redescubre la obra
de una fotógrafa germana que posteriormente ‘Retrato de Rafael Alberti’, Punta del Este,1947.
adoptaría la nacionalidad uruguaya. Nacida en
Alemania (Fráncfort, 1907), Johanna Mandello
bebió de las vanguardias artísticas de comienzos
del siglo veinte que determinaron los derroteros ‘Luz’, Jeanne y Arno Mandello, ca. 1948/49.
del arte contemporáneo hasta la fecha. Inscripta
en la Llette-Haus de Berlín (escuela de formación A diferencia de su compatriota Grete Stern, quien
profesional exclusivamente para mujeres, donde afincada en Buenos Aires obtuvo una merecida
enseñaban fotografía), sus trabajos reflejan esas notoriedad, Jeanne Mandello no consiguió luego
oscilaciones de lo experimental, tanto en la técnica de su partida el reconocimiento adecuado. Esta
como en la orquestación visual. muestra (que entre otros contó con el apoyo del
La determinación de ciertas angulaciones, la acervo de la Biblioteca Nacional, el Instituto
utilización del proceso de solarización, foto- Goethe, la Embajada Francesa en Uruguay y los
montajes y ‘fotogramas’ nos acercan a las obras descendientes de la propia artista) no sólo es una
de algunos creadores que definieron los rumbos ‘revisitación’ autoral, sino la constatación del valor
de la fotografía de autor. Rodchenko, Man Ray, reivindicativo de las imágenes cuando logran ser
Lazlo Moholo-Nagy son algunos de esos preservadas.
referentes, vislumbrándose también el aliento de La exposición también incluye obras de su vida
otras fotógrafas de entonces, como Lotte Jacobi, posterior a la estadía uruguaya. Tras separase de
Germaine Krull y la propia Ilse Bing. Luego de la su primer marido y radicarse en 1953 en Brasil, se
ascensión nazi en 1933, Johanna Mandello y su encaminó nuevamente a Europa y se afincó en
esposo, Arno Grunebaum, abandonaron Ale- ‘Retrato de Joaquín Torres García’, Montevideo,1949. Barcelona. Allí continuó retratando (Joan Miró,
mania. Se radicaron en Francia, donde abrieron 1963) y rescatando aspectos vitales de la vida
un estudio de fotografía, y Johanna cambió su nombre por el de Jeanne. Tras la instauración del pública. En este punto, se exhiben fotografías
gobierno colaboracionista de Vinchy (cuando se teniendo como marco las ramblas de dicha
incrementa la deportación de judíos), en 1941 capital.
embarcaron rumbo a Montevideo. Con el tiempo, Sin embargo, salvo dos capturas parisinas
el matrimonio obtuvo un reconocido lugar en el fechadas en 1934, no hay rastro alguno de su
ámbito local, primero a través de retratos de niños, actividad anterior, ya que la mayoría de sus archivos
concebidos fuera del estereotipo del posado fueron destruidos por los nazis. Esto motivó que
tradicional. También se destacaron los realizados en la exposición realizada en 1994 en el Museo
a representantes de nuestra cultura entre 1944 y Folwang de la ciudad de Essen (Fotografinnen
1949 (por ejemplo los de Jules Supervielle, Torres der Weimarer Republik. Fotografiaren hiess
García y Pombo), así como la creación de teilnehmen) sobre mujeres fotógrafas en la época
fotografías postales, donde ciertos encuadres de la Republica de Weimar –donde su nombre
denotaban inusuales perspectivas para el medio salio nuevamente a la luz–, no haya sido exhibida
(‘Palacio de la luz’, circa 1950), junto a otras de ninguna obra de ese período. Más allá del derrotero
cariz más tradicional pero ahondando en el existencial o la simple anécdota, la obra de
misterio de sus atmósferas (‘Vista nocturna de la Mandello transmite en sus intersecciones
Playa Ramírez’, de 1950). históricas no sólo la universalidad de una obra,
Su consolidación fue afirmándose en el entramado también lo hace el trasvase creativo y el legado de
social de las clases privilegiadas y en los sectores toda huella migratoria.
progresistas del entorno artístico, siendo incluso
citada en la revista Entregas de la Licorne que
dirigía la poeta Susana Soca. De esa etapa quedan Imágenes de una fotógrafa exiliada.
invalorables registros de sus trabajos en Punta del Fotografías de Jeanne Mandello.
Este, como los retratos de Rafael Alberti y de su Curaduría: Sandra Nagel.
hija Aitana (ambos de 1947), y también fotografías Textos de Paul Lalloz, Elisabeth Lattaro,
del entorno paisajístico. En éstos, la observación Sandra Nagel y Carlos Porro.
denota el componente de una sensibilidad abierta Lugar: Alianza Francesa.
a la exploración, entreviendo el asombro de esos Bvar. Gral. Artigas 1271
Jeanne Mandello. ojos llegados de otras latitudes. Fecha: del 6 de setiembre al 13 de octubre.
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DOSSIER CRÍTICO / TEATRO
Por Bernardo Borkenztain
Estreno
de la Comedia Nacional
El terrorismo
empieza por casa
La gacetilla de la obra proporcionado por la
Comedia Nacional dice textualmente: ‘‘[…]
Terrorismo, su obra [de los hermanos
Presnaykov] más conocida, es casi una
premonición. Fue escrita un año antes del
atentado del 11 de setiembre de 2001, contra
las Torres Gemelas de Nueva York, y fue
estrenada en el Teatro de Arte de Moscú una
semana después de la toma de más de 850
rehenes en el Teatro Dubrovka. […] Mientras
perseguimos la felicidad y anhelamos la
seguridad, el pánico nos paraliza, el miedo se
muerte, a raíz de la cual se producen varias una de las historias. Para poder hacer esto se
revelaciones. establecen ‘vasos comunicantes’, parlamentos
4. En una plaza dos ancianas conversan en cada escena que permiten asociarla con
mientras vigilan al nieto de una de ellas que se elementos de otra para reestructurar las
hamaca. Sus confabulaciones para matar al escenas. El trabajo del espectador debe ser
yerno de una de ellas se interrumpen por la minucioso, porque las pistas son sutiles y
irrupción del hombre de la primera escena. aparecen en varios niveles. Uno de los militares
5. En un vestuario un grupo de militares refieren (Hernández) alude a la primera escena en la
sus experiencias del día y practican bullying quinta, pero una mención a un niño en una
(violencia física y psicológica contra el más hamaca por Dianesi en la segunda alude
débil), lo que es desviado de alguna manera directamente a las historias de Chiarelli en la
por la irrupción de un superior en la escena. tercera y la de Contreras en la quinta. La labor
6. Desenlace, con el hombre de la primera de observar esta obra es la de un bordador:
escena y los pasajeros ya en el avión. unir y yuxtaponer los hilos y colores para dar
Ahora bien, la estructura coral de la obra implica forma a la imagen final.
que las historias se entrecruzan a través de las En el programa se alude, en relación con esto,
nos ha ido internalizado, se contagia y penetra escenas, lo que supone que el relato no es a dos tópicos de esta época posmoderna y
nuestras relaciones, instalándose en lo lineal y el espectador debe, en su mente, liviana a la hora de opinar de lo que no se sabe: la
cotidiano’’. reestructurar los elementos para ordenar cada teoría de los ‘seis grados de separación’ y el
Una de las cosas que se podría plantear de la
obra, en un análisis conceptual, es por qué los
autores deciden llamarla ‘‘comedia’’, y espe-
cíficamente a cuál de los múltiples sentidos de
esa palabra se refiere, ya que lo que se narra
básicamente es muy truculento. Según el director,
obedece a que pese a esta dimensión trágica de
las historias, la narración permite la risa.
Sin caer en nada que arruine la experiencia
teatral, podemos reseñar muy esquemá-
ticamente las anécdotas de las seis escenas,
de la siguiente manera:
1. Un hombre llega a un aeropuerto donde un
militar le impide el paso porque una supuesta
amenaza de bomba lo ha hecho clausurar. Ahí
se encuentra e interactúa con otros dos
pasajeros antes de volver a su casa.
2. Una pareja de amantes (adúlteros) en la
cama, desarrollan una escena de sexo y
violencia.
3. En una oficina se desata la tragedia por una
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Título:Inteligencia militar. Conocer al
enemigo, de Napoleón a Al Qaeda
Autor:John Keegan
Editorial: Turner. Colección Noema
llamado ‘efecto mariposa’. La primera es atendible, momentos son sobre la convergencia hacia el Con su habitual perspicacia sobre el
especialmente si se emplea un espíritu lúdico. La punto de fuga. El bloqueo del aeropuerto, la complicado mundo bélico y su gran
capacidad de narrador, Keegan teje un
segunda, en cambio, es menos afortunada. En llegada del psicólogo a la oficina, del superior relato lleno de ritmo sobre los medios
efecto, el doctor Edward Lorenz, en una de cuyas al vestuario o del hombre a la plaza, ocurren en que han empleado los grandes estra-
conferencias, en una acotación lateral se expresó cambio en las periferias. tegas de la historia para identificar las
por primera vez esta afirmación que por inde- En cuanto al manejo de las luces y sonidos, es debilidades, las intenciones o las
mostrable es tenida por una verdad ‘posmoderna’, complejo y acompaña perfectamente la acción, tácticas de sus enemigos. Profusamente ilustrado con mapas
y gráficos, y documentado con un impresionante despliegue
se ha pasado las últimas décadas tratando de en especial las transiciones de escena, en las bibliográfico de primera mano, este libro apasionará a los
deshacer el daño que le produjo a la teoría del que los propios actores vestidos con abrigos interesados en la historia y ayudará a poner en perspectiva el
caos con esta desafortunada idea. retiran y colocan los diferentes elementos uso actual de la información en la lucha antiterrorista.
En efecto, la tan repetida idea de que el aleteo de escenográficos. Una mención especial al uso
una mariposa en Sídney puede causar un tornado integrado de todos estos elementos, al Título: Leer
Autor: Gabriel Zaid
en California es poco feliz, porque tal asignación proyectar sombras sobre los paneles del fondo Editorial: Océano Travesía.
causal es imposible de detectar y por lo tanto de en estas transiciones (siluetas ajetreándose) se Colección Ágora
afirmar, por decir algo. En especial en este caso, genera una sensación al espectador de Esta antología se divide en cuatro
porque ignora el hecho más fundamental de las encontrarse en la caverna de Platón, con- capítulos. El primero, Lectura y realidad,
propiedades de las relaciones humanas: las templando una realidad ilusoria, que en este permite introducir al lector en lo que
Gabriel Zaid piensa de la lectura. El
personas no somos mariposas aleteando a caso sería al menos de segundo orden. segundo apar tado, "Práctica de la
merced del viento, tenemos consciencia, libre Para terminar, dejamos la consideración del trabajo lectura", conduce a la lectura "práctica"
albedrío y voluntad. actoral, que es impecable. Todos los actores están de poemas. El tercero, "Lectura,
Nadie obligó a los amantes a meterse en la cama impecables, y la interacción entre ellos en perfecto conversación y cultura", muestra cómo de la lectura individual
ni a los militares a violentar a su compañero, lo registro. Tomando la idea de lo ‘coral’ de la obra, se pasa a la conversación con los otros y cómo esa conversación
es el sustrato básico de lo que llamamos cultura. En el último
hacen porque quieren o les gusta, pero no porque en este caso hay una perfecta amalgama, apartado, "Leer la realidad", el lector encontrará ejemplos de
una mariposa aleteó en ninguna parte. La obra alternando lo colectivo y lo individual. cómo Zaid conecta los libros y el sentido práctico, el saber y el
plantea, justamente, una reflexión acerca de las En cada escena, un ‘solista’ toma por momentos hacer, el conocimiento y la acción inspirada.
responsabilidades individuales y sociales de el liderazgo de la representación, y en este
nuestras acciones, especialmente en esta época sentido, Roxana Blanco ofrece una vez más Título: La Paradoja Democrática
Autor: Chantal Mouffe
en que las redes propagan información maliciosa una performance superlativa. Su ataque de histeria Editorial: Gedisa
con la misma velocidad con la que se propaga la en la escena de la oficina (en un registro cómico) Según Chantal Mouffe, la democracia
noticia de una bomba. y su arenga homicida en la de la plaza (en un liberal actual es el resultado contingente
Obviamente hay imponderables fuera de nuestra registro violento al extremo) valen por sí solas la de la confluencia de dos tradiciones
voluntad (de hecho en filosofía se sostiene que ‘el puesta de una obra. Sin que esto implique que distintas: la tradición democrática y la
tradición liberal. No puede haber entre
mundo real’ está compuesto de todo aquello que no haya otros momentos altos: Worobiov en la ellas una integración o conciliación
resiste nuestra voluntad). Lo más seguro es que escena del vestuario, y Hernández en la de la última, dado que parten de principios
el militar víctima del bullying no quiera serlo, y es oficina igualmente están excelentes. no sólo distintos, sino también
representado directamente que el hombre no A nuestro juicio, sin embargo, la escena de los contrapuestos. La incapacidad de las democracias liberales
quiere que le impidan ingresar al avión. Ésas son amantes peca de ciertos excesos que deslucen modernas para responder adecuadamente a este conflicto
deriva de su incapacidad para comprender la paradoja sobre la
las cosas que inciden en las interacciones lo actoral, no porque lo actoral sea malo, ni que se han construido.
humanas con más certeza: la oposición de mucho menos, sino porque el riesgo tomado
voluntades y libertades y, cómo no, algún efecto en los desnudos y el sexo subsume los otros Título: ¿Qué fue de la modernidad?
fortuito, pero no uno imposible. aspectos representativos. Igualmente es Autor: Gabriel Josipovici
La escenografía es realista, cada elemento en ella nuestro criterio que tomar riesgos artísticos Editorial: Turner. Colección Noema
¿Qué tienen Kafka, Virginia Woolf y
representa ser lo que es: valijas, teclados, cama, resulta imprescindible, y en una sociedad que Borges que no tienen Philip Roth, Irène
banco, cómoda y monitores son exactamente los evita, cada vez que alguien lo hace en serio Némirovsky ni Julian Barnes? ¿En qué
eso. Sin embargo, unos paneles al fondo generan debe ser saludado. Y hay que dejar constancia momento y por qué los escritores
la impresión de un espacio ‘más allá’ (en un de que Dianesi y Sommers sortean una tarea optaron por eludir el desafío de la
sentido, obsceno, lo que pasa fuera de escena) difícil llevando esta escena adelante. modernidad? ¿Cuándo relajaron su
responsabilidad hacia su arte? Estas
en el que se ahorca una mujer, un niño se hamaca En suma, la mejor forma de la Comedia preguntas acucian a Gabriel Josipovici
o alguien abre el paso del gas. Gerardo Egea logra Nacional, un texto moderno, una puesta que desde que era estudiante en Oxford. El
un efecto muy interesante al disponer los paneles toma riesgos y actuaciones soberbias. No presente libro es su respuesta. Un libro que habla de literatura
de forma tal que a medida que se aproximan al parece que sea necesario decir más. y de arte, y también del mundo y de la vida.
centro (la abertura, se abren de manera excéntrica)
Título: La Googlización de todo
se achican de la misma forma en que las líneas del Obra: Terrorismo. Autor: Siva Vaidhyanathan
piso convergen sobre las divisiones. Autores: Oleg y Vladimir Presnyakov. Editorial: Océano
Se genera así una impresión de efecto doppler (el Director: Mario Ferreira. Frente a las numerosas apologías que
mismo que hace que el ruido de un vehículo que Elenco: Roxana Blanco, Natalia Chiarelli, se han escrito en torno a Google, las
se acerca agrave su sonido y se agudice al alejarse) Elisa Contreras, Fernando Dianesi, Gabriel cuales destacan los méritos y logros de
esta exitosa compañía, y en contraste
que guía la vista sobre ciertas direcciones Hermano, Lucio Hernández, Claudia Rossi, con aquellos estudios que abordan sólo
preferentes. Es importante notar que estas líneas Lucía Sommer, Juan Worobiov, su parte estructural, operativa o histórica,
convergen visualmente hacia un punto de fuga, Carlos Sorriba. Siva Vaidhyanathan ofrece en este libro
pero no todas son paralelas. Escenografía y vestuario: Gerardo Egea. el primer análisis realmente crítico sobre uno de los fenómenos
La acción, igualmente, siempre es más intensa Iluminación: Sebastián Marrero. más influyentes de nuestro tiempo. Hay en estas páginas una
justificada inquietud sobre la fascinación incondicional que
en los puntos de convergencia que en los Música: Álvaro Pérez. ejerce en la actualidad este poderoso instrumento informático.
periféricos: el jefe de la oficina, la agresión al
OCEANO
militar, la cama, el banco de plaza, todos esos Fotos: Castagnello. R
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Obra reciente
de Sandra Massera
Ultimátum
Futuro perfecto es una obra que tiene una
particularidad: a lo raro que es el tratamiento de la
ciencia-ficción en el teatro nacional, suma la extraña
condición de estar escrita por una mujer. En efecto,
si bien hay excelente ciencia-ficción escrita por
mujeres, éstas son minoría, y en la dramaturgia
nacional, hasta ahora, inexistentes.
El planteo toma uno de los tópicos favoritos del
género, la existencia en un futuro pos apocalíptico
en el que la humanidad está subyugada por una
clase de supra gobernantes (overlords es el término
usual, pero no se usa en la obra) que a raíz de
haberse enquistado en el poder se vuelven
progresivamente más despóticos, hasta
convertirse en personajes semimíticos de los convencional, la vieja subestación para carga de como a la gestualidad y la forma de hablar. Este tipo
que se habla a escondidas y cuyas decisiones los trolebús ubicada en la Plaza de los Olímpicos y de trabajo sobre lo físico es un rasgo típico de la
no pueden cuestionarse. reacondicionada como espacio para espectáculos. poética de Massera como directora, y nos recuerda
En esta sociedad, ubicada, si es que importa, en lo El efecto de catábasis (descenso al infierno) que a formidables puestas anteriores de Teatro del Umbral
que una vez fuera Uruguay, los seres humanos produce descender por una gran escalera permite como El castigo, Basura y El examen. El elenco
viven largas y estériles vidas, hasta que, por razones crear una sensación de opresión, reforzada por lo rinde bien y las actuaciones son más que correctas,
de la más pura economía, al llegar a viejos (algo despojado del espacio escénico (apenas una mesa el pacto ficcional se impone rápidamente.
irrelevante, como veremos más adelante desde lo de acero brillante y unas sillas) muy adecuada para Esta apariencia es vital porque está cargada de
físico) se los ‘‘relocaliza’’ trasladando las unidades recrear los espacios altamente funcionales tipo sentido, un enjambre es una sociedad de insectos
en que viven los enjambres ‘‘a las órbitas’’. Una de colmena en que se alojan los enjambres. El juego en la que las unidades no tienen personalidad y
las preguntas que el espectador deberá hacerse a de luces se divide: colores fríos, azul y blanco, funcionan de modo automático, de acuerdo con
lo largo de la obra es precisamente cuál es la posible sobre el escenario y en ciertos lugares en un ‘procedimientos’ instintivos. El apartamiento es
razón lógica para una acción tan antieconómica segundo nivel al que se accede por escalera, luces impensable, porque todas las acciones están
como respuesta a un problema de superpoblación. rojas y verdes en contraste. De alguna manera el firmemente grabadas en el código genético.
Una consideración en cuanto a lo locativo, como juego de luces refleja el conflicto de los personajes Ahora bien, en cuanto a seres humanos se trata, la
ya es habitual en las producciones de El Umbral, entre el acondicionamiento despersonalizador y total ausencia de instintos marca una diferencia
Massera opta nuevamente por un espacio no automatizante impuesto por la sociedad, y sus importante: el ser humano tiene predisposiciones
propias emociones no erradicadas, en especial instintivas, pero que puede controlar por medio
el miedo, la frustración y la vanidad de estas de la voluntad, sus únicos instintos animales
ancianas con aspecto de jóvenes. son llorar, cuando es bebé, y beber líquidos
En cuanto a la ambientación sonora, una serie de acuosos al sentir sed. Fuera de eso no tenemos
ruidos metálicos y rítmicos sitúa al espectador en instintos, especialmente del tipo de los de los
un ambiente de ciencia-ficción muy logrado, del insectos sociales.
tipo de sensación claustrofóbica propia de las space Como decíamos, en este mundo las personas se
opera con naves espaciales o edificios abando- ven sometidas a diferentes obligaciones, el
nados. Por supuesto es imprescindible destacar confinamiento, la prohibición (en este sentido el
las incursiones de Patricia Curzio cantando texto tiene un par de puntos en que presenta el
fabulosamente, recurso además bien dosificado equivalente a lo que en tecnología se llama ‘‘glitch’’,
a lo largo de la puesta. una pequeña falla en la coherencia argumental, por
En esta versión, Massera propone una humanidad ejemplo cuando un personaje recuerda el mercado,
segregada, en la que viejos no se juntan con jóvenes, pero para darse cuenta hay que hilar demasiado
ni hombres con mujeres, y todos viven y deambulan fino) y muy especialmente la obligación a someterse
de manera estereotipada y mecánica (la escena de a peligrosos tratamientos geriátricos que eternizan
la alimentación es uno de los momentos más el aspecto juvenil, pero a costa de resignar el deseo,
logrados al respecto). El aspecto insectoide/ un precio peligroso, ya que en sociedades altamente
robótico se refuerza por el vestuario de la obra –de restrictivas, sentir el deseo es justamente la única
una estética muy bien elegida– en que los vestidos libertad posible. Además el deseo es el motor de la
negros se matizan únicamente con detalles acción: sin él la voluntad no puede operar porque
mínimos de ribetes que los individualizan. no tiene una dirección hacia la que orientarse.
En este punto es importante resaltar el trabajo de Sin embargo, el libre albedrío florece eventualmente.
Massera en lo actoral, marcando lo que ella llama Un personaje, profesora de historia, al ser inquirida
‘‘paseos obligatorios’’, que consisten en acerca de lo que lleva, contesta que es un ‘‘virtual’’
desplazamientos automáticos y preestablecidos (en sobre Zitarrosa, pero protege ese contenido de,
apariencia) de los personajes y con una clara obviamente, canciones de rebeldía diciendo que
marcación de dirección de imprimir gestualidad es un pintor. No extraña ante semejante cita que al
Fotos: Alejandro Persichetti. robótica tanto a la biomecánica de los cuerpos aparecer alguien que se rebela ante la opresión se
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llame, justamente, Cardal. Esta parte de las relaciones
entre las ‘‘señoritas’’ (algunas de ellas septua-
La de Vicente López la que quedó sola con sus hijos, uno retrasado
y otra que se evade en la religión, y dos hombres
genarias y más) refleja, a la mejor manera orwelliana,
la internalización del despotismo en el momento en
Seis personajes en que solamente están ahí porque no pudieron
irse: Aníbal es un pintor que se pasa la noche
que nadie puede confiar en nadie y así la alteridad, busca de amor pendiente de la llamada de un amigo para irse,
la presencia del otro, se vuelve una replicación del y Nelson es un uruguayo que trajo Alicia y al
poder opresor y disolvente de las individualidades. Esta obra tiene impreso el sello del buen teatro que toda la noche está por llevar ‘‘al Buquebus’’.
Un último elemento queda por analizar: si de la bonaerense. Begérez es un director joven y le Como es casi inevitable, los personajes buscan
aniquilación de la mente se ocupa el poder, y de la imprime el tono y ritmo ideales para plasmar el de alguna manera el amor, y todos lo suponen
limitación de los cuerpos la imposibilidad de confiar pathos que tiene el realismo porteño moderno, en otra parte. Beatriz no tiene un hombre, Alicia
en el otro, ¿qué le falta a este cóctel destructor? con elementos de ‘‘grotesco, costumbrismo y siente que sólo puede tener uno si le paga, y
Respuesta: el abuso de la fe. Esto aparece, a través sátira social’’ como bien reza el programa. Alejandrito e Isabel no tienen padre. Los
de una actuación más que elocuente de Marcel Todo transcurre casi en tiempo real, la hombres, Aníbal y Nelson, no cumplen ninguna
Sawchick y de su ‘conversa’, como el pastor de nochevieja, ese lapso de unas horas sobre el de estas funciones.
una supuesta Iglesia del Cristo Reconstituido, con que las convenciones de medición hacen Las actuaciones son muy buenas, el elenco
una prédica tan inverosímil como irritante para el recaer las necesidades de recapitular, revivir o amalgama bien y la mano del director es sutil,
espectador. Se verá que este elemento a lo largo de evaluar lo vivido. En este momento, una ‘familia evitando la tentación del chantaje emocional
la obra resulta fundamental a la hora de oprimir a los disfuncional’, ese tópico que de tan usado está en que fácilmente podría incurrir pero que,
‘‘enjambres’’.
Así se plantea este mundo: sumisas conversas o
rebeldes, en este mundo de 2180 esperan la
llegada del 21 de setiembre para la relocalización
en las órbitas, pero ocurre lo impensable: en
enjambres cercanos los rebeldes comienzan a
escapar para intentar reconstruir la sociedad
anterior, o una nueva, pero en la que vivir sus
vidas libremente.
Es necesario que se mencione una última
intertextualidad: en 1976, una película (Logan’s
Run, ambientada en 2166 en la novela en que se
basa) planteaba una discronía distópica parecida a
la de Futuro perfecto, presentaba una sociedad en
la que las personas vivían hasta los treinta años,
momento en el que se los ‘‘purificaba’’ en un ritual
semisalvaje llamado Carroussell. Aunque nadie
hubiera conocido jamás a ningún ‘‘purificado’’, la
analogía con las relocalizaciones forzadas es obvia.
En la película, los fugitivos encuentran un anciano
cuya apariencia, acorde con su edad, les resulta
extraña, en tanto que en Futuro perfecto, el rebelde
Cardal viaja con su hermano, que rechazó
someterse a los tratamientos geriátricos y muestra
su verdadera edad.
Teniendo en cuenta estos datos, y sin aclarar cuáles
son los puntos en los que el argumento de la
película se conecta con el de la obra y en cuáles
no, para no arruinar la experiencia teatral, resta Foto: Alejandro Persichetti.
expresar que estamos ante una excelente obra
que sin ningún lugar a dudas conviene ver. por dejar de significar, comparte sus recuerdos, acer tadamente, no lo hace. Una mención
rencores, reproches y frustraciones. especial merece el trabajo de Cristian Amacoria,
Obra: Futuro perfecto. El planteo es perfecto para la obra: escenografía con una composición de personaje con-
Autor: Sandra Massera. icónica, mesa de Fin de Año, comida y tundente y ausente de amaneramientos y
Dirección: Sandra Massera. vestimenta apropiadas para la ocasión, un patio sensiblería.
Elenco: Mariella Chiossoni, Mariana Piven, de una casa pobre, con pileta de lavar, bicicleta Esta viñeta tragicómica nos permite atisbar por
Etelvina Rodríguez, Susana Souto, y jaula con un canario a tono, en la que se un rato la intimidad de esta gente que sufre y
María Laura Almirón, Araní Mora, instala la familia. desea. El resto, como dijera alguien, es teatro.
Mané Pérez, Camila Carbajal, A medida que se desarrolla la trama nos
Sandra Massera Marcel Sawchik, enteramos de que vemos la historia de dos
Fabricio Galbarini, Roberto Foliatti. hermanas, Alicia (Paola Venditto) y Beatriz Obra: La de Vicente López.
Canto en vivo: Patricia Curzio. (Myriam Gleijer), y los hijos de ésta, Isabel (Laura Autor: Julio Chávez.
Vestuario: Laura Lockhart. de los Santos) y Alejandrito (Cristian Amacoria), Director: Gerardo Begérez.
Iluminación: Larisa Erganián. junto con dos invitados: Aníbal (Xabier Lasarte) Elenco: Paola Venditto, Myriam Gleijer,
Producción: Teatro del Umbral y Nelson (Esteban Recagno). Laura de los Santos, Cristian Amacoria,
y Natalia Méndez Bartellone. La paleta de los personajes mezcla el trazo Esteban Recagno y Xabier Lasarte.
Lugar: Centro Cultural Carlos Martínez grueso con la pincelada sutil: la hermana que Escenografía: Rodolfo da Costa.
Moreno. Plaza de los Olímpicos, Malvín. prosperó (justamente ‘‘la de Vicente López’’), Lugar: Teatro Circular.
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A PROPÓSITO DE DOS FILMS: TED Y 3
The human
comedy
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Por Carlos Diviesti
E
n el invierno de 1327, en una abadía benedictina de puede considerarse dramático. Todo se debe a la actitud
los Apeninos Ligures, el abad Jorge de Burgos, ciego de los personajes y a cómo resuelven sus conflictos. Esa
guardián de la biblioteca, envenena las páginas de (otra) forma de ver la cuestión, que nunca es complaciente
un libro prohibido que provoca la muerte de seis hermanos o explícita, se convierte en la famosa alta comedia o –yendo
de la fe y les hace creer a los otros que se aproxima el a los cánones de Hollywood– en la denominada high concept
Apocalipsis. ‘‘Cuál es ese libro para que deba ser prohibido comedy. El guión de esta clase de películas tiene especial
a los ojos de los mortales’’, se pregunta el franciscano cuidado en las siguientes reglas básicas y fundamentales:
Guillermo de Baskerville junto a su fiel asistente, Adso de la historia es universal, tiene alguna vuelta de tuerca nueva,
Melk, cuando las pistas los llevan indefectiblemente a esa su héroe simpatiza con el público porque tiene un gran
siniestra biblioteca ajena a la herejía de la pobreza apostólica, problema, los ítems se repiten tres veces, y la historia puede
eje del debate que se llevará a cabo en la abadía. Ese libro, resumirse en dos líneas lo suficientemente explosivas como
un volumen que a través del escarnio de sus páginas podía para desear ir a verla al cine. Porque estamos hablando de
lograr que el hombre alcanzara cierta forma pagana de querer ir al cine, por supuesto.
éxtasis, el segundo volumen de la Poética aristotélica, no Ted es una high concept comedy como Quisiera ser
es otra cosa que la Comedia. grande (Big, Penny Marshall, 1988), en la que Josh Baskin
En el párrafo anterior hemos cometido la tropelía de no puede subir a la montaña rusa por ser petiso todavía y le
contar el clímax de El nombre de la rosa, tanto del libro pide a Zoltar –el genio de una máquina tragamonedas– que
como de la película, pero esto de subvertir valores siempre quiere ser grande para poder andar en el carrito junto a la
resulta cómico. Porque de eso se trata la comedia: de rubia que le gusta. No quiere ser grande en edad, quiso
escarnecer, parodiar y burlarse de ciertos arquetipos decir que quiere ser grandote, alto. Pero la máquina está
humanos en función de su vida en sociedad. Y si bien es desenchufada y Josh Baskin, a la mañana siguiente, tiene
cierto que ese volumen de la Comedia y la poesía yámbica doce años cronológicos y el cuerpo de un hombre de 35. En
aristotélicas se ha perdido (o nunca existió), y en El nombre Ted la acción no ocurre en la Gran Manzana como en Quisiera
de la rosa dicho libro perece en el incendio de la biblioteca, ser grande, tal vez porque su superobjetivo no sea cuestionar
la comedia siempre ha sido resistida por los estratos altos a las grandes corporaciones y el mundo yuppie de Wall
de la cultura y hasta se le ha hecho creer al público que una Street a finales de los ochenta, sino atacar el puritanismo
comedia es una forma menor respecto de la tragedia y la de esos viejos colonos que no se han ido del todo de la
epopeya. Usted podrá ver una versión aburridísima de Tartufo flemática Boston (de ahí la relación que hace Ted con
en el teatro porque al puestista se le ha ocurrido tornar respecto a los orgasmos de las bostonianas). Pero Quisiera
circunspectos a los personajes de Molière, o llorar a mares ser grande comienza en Nueva Jersey, en aquellos suburbios
frente a la pantalla viendo bodrios notables como La última que inicialmente conquistaran primero los suecos y luego
nieve de primavera (Raimondo del Balzo, 1973), en la que los holandeses, razón por la cual no es tan arbitrario que un
Renato Cestiè, un chico rubio y precioso, se muere de niño se vea impedido de obtener satisfacción inmediata a
leucemia en brazos de su papá en un parque de diversiones, sus necesidades sexuales primigenias y por las mismas
pero jamás (de los jamases) se olvidará de esa sensación brujas de siempre deba obtenerla a partir de la verbalización
de extrañamiento que le provocara ver la escena del de su deseo.
camarote en Una noche en la ópera (Sam Wood, 1935), Estados Unidos siempre es el país de las oportunidades:
una sensación que le recorre el espinazo como un látigo y en 1985 John Bennet, un niño impopular que ni siquiera es
se libera en una sonrisa que se transforma en carcajada invitado a pegarle al botija judío del barrio, al abrir el regalo
porque no aparece la tía Minnie (Micaela en la versión que le dejara Santa Claus en la madrugada navideña
doblada al castizo) entre la multitud apretada. Porque el descubre que ese oso de peluche casi de su tamaño será el
cine, con su presencia perenne, siempre nos hace reír. amigo que afanosamente estaba buscando. Es el espíritu
Puntualmente, como un reloj de arena. navideño, el mismo que insufla y atraviesa el sueño
Pero cuidado: no todo son risas. La comedia no americano, lo que también promueve la satisfacción de los
necesariamente es cómica y muchas veces su discurso hasta anhelos: John, abrazado a su juguete por la noche, justo en
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esa noche unánime en la que hay que decir en alta voz lo tiene un gran problema que resolver que se emparienta
que se ansía, desea que Ted pueda hablar con él de verdad, fácilmente con el drama: Ana, Rodolfo y Graciela están solos.
y eso ocurre al despertarse. Ted puede caminar y moverse Y si bien Rodolfo y Graciela tienen una vida afectiva rota,
como todo un señor oso de peluche y decir mucho más que Ana está en condiciones de ganar su felicidad cuando pierda
I love you desde un disquito (se lo dice cuando se conocen la pesada carga de ser virgen. A Ana no le importa estar
frente al arbolito de Navidad, cuando se abrazan en el con su noviecito del liceo o con un pintor de brocha gorda
momento en que Ted se muda a su propio apartamento y unos cuantos años mayor que ella, siempre y cuando pueda
descartan ser gays, y cuando se separan quizás estar consigo misma en el ómnibus o en la calle bebiendo
definitivamente). Así, el terreno de la verosimilitud se allana blue curaçao.
precisamente en que Ted, en 2012 y a nuestros ojos, podrá Estos antihéroes se la pasan tergiversando la vida
ser todo lo incivil que sus palabras expresen, pero nunca ordinaria que les toca vivir, no para convertirla en algo
abandonará la dulzura de sus rasgos y la ternura de su maravilloso sino para atravesarla con una sonrisa genuina.
cuerpito relleno de guata. Porque si los tiempos serán más Por eso un partido de fútbol para Rodolfo se convierte en
o menos cínicos que hasta los osos de peluche se la pasan algo peligroso donde posiblemente los gurises lo muelan a
drogándose, a puro fornicio, blasfemando y hasta siendo palos, pedirle fuego a un transeúnte se convierta para Ana
racistas, sin embargo el sueño (o el deseo de soñarlo) sigue en una suerte de acoso persecutorio, o ir a bailar para
incólume. Y si el sueño corre riesgo de derrumbarse Jesús Graciela se convertirá en una cinta musical como las del
siempre estará con nosotros para avivarlo y hacérnoslo creer, viejo biógrafo. ¿Les ocurre eso a ellos, o ellos sólo lo
o nuestro papá podrá dispararle a quien nos amenace. magnifican? Es que es tan fácil morirse (apenas dejar de
Hablando de papás, Rodolfo, el de Ana, aunque atildado, respirar y nada más, como la tía que siempre está a punto
responsable, odontólogo y botánico, deja mucho que desear. de partir hasta que lo consigue) que la aventura diaria de
A Ana le gustaría alejarse de su padre, sobre todo cuando vivir en Montevideo es tan sofisticada como soñar despierto.
va a verla al partido de hándbol o se pone a arreglar el 3 es otra high concept comedy aunque lejos de
lavatorio o compra chivitos para todos o decide unila- Hollywood, de por aquí nomás, lo que la vuelve irresistible
teralmente pintarles el apartamento a ella y a su madre. Si por esa costumbre humana de reflejarse en las superficies
Ana pudiera, también le gustaría alejarse de Graciela, su pulidas y verse más bonitos o más deformes. Y lo es porque
madre taquígrafa, solitaria y sardónica. Esa familia de nos permite hacernos una pregunta: ¿y si dos padres
profesionales esdrújulos deja mucho que desear porque divorciados con una hija indolente deciden ser una familia
también Ana es una chiquilina negligente que ante una jugada unida aunque cada uno por su lado? En una high concept
de gol no duda en largar el celular contra la pared aunque comedy, amén de lo dicho, si alguien puede responder esa
es tarde para evitar que la pelota atraviese el arco. 3 es breve, fatídica, pregunta, tendrá una gran película en ciernes.
otro ejemplo de high concept comedy ya que esta gente Respondiendo el abismal what if (y si clonamos dinosaurios,
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por ejemplo), pregunta que puede surgir mientras cortamos porque su segundo matrimonio zozobra, no tiene ganas de
tomate o el vapor nos obnubila en la ducha, la conquista del atender ni a sus pacientes ni a un visitador médico, razón
espectador comienza. Ojo que no es lo mismo que decir y por la cual sale de la oficina, se sube a un banquito y corta
si tus sueños se hicieran realidad, porque el high concept la luz del consultorio. Rodolfo, ya con su segundo matrimonio
(para las comedias, los dramas, las del oeste, las del espacio) hundido, se lleva todas las plantas que tenía en el balcón
remite a lo fáctico y no a las vaguedades. Remite a la historia del apartamento; como no tiene dónde dejarlas, las planta
que vamos a contar, a los personajes que habitarán en ella, al costado del camino. Y los tres, Rodolfo, Graciela y Ana,
a las situaciones que les toque vivir y a las peripecias que bailan para estar juntos. Y bailan mal, claro, o bailan como
deban sortear a lo largo de su trama. pueden. La gente en las comedias no debe hacer las cosas
Y hoy por hoy más allá del aspecto que la película bien; si les salen bien es otro asunto, pero no deben hacerlas
presente (la brillantez bostoniana de algunas tomas aéreas bien. Si las hacen bien no sonreímos y probablemente no
en Ted generalmente reflejan una ciudad deformada en los nos preguntemos por qué. Y preguntarse por qué es muy
vidrios espejados de los edificios, lo mismo que los interiores amplio, y la comedia, con su larga e interminable procesión
oscuros en 3 enseguida pueden llenarse de luz con sólo dionisíaca, nunca, jamás, tiene una sola respuesta. D
cambiar dos lamparitas sobre el espejo del botiquín), el
énfasis está puesto en la empatía que la historia y los
personajes automáticamente generen con el espectador, Ted (EE.UU., 2012), dirigida por Seth MacFarlane. Escrita
porque ni siquiera el 3D nos garantiza estar a salvo del por Seth MacFarlane (historia), Alec Sulkin y Wellesley
Wild. Con Mark Whalberg, Mila Kunis, Seth MacFarlane
aburrimiento. Y porque de eso se trata este asunto de las (voz de Ted), Joel McHale.
películas, desde que el cine es cine, de pasar un rato
entretenidos y después pensar toda la vida. 3 (Uruguay/Argentina/Alemania, 2012), dirigida por Pablo
Si nos atenemos a la etimología de la palabra, ‘comedia’ Stoll Ward. Escrita por Gonzalo Delgado Galiana, Juan
viene del griego komoidia que significa ‘‘canto de un komos’’, Pablo Rebella (historia) y Pablo Stoll. Con Humberto de
Vargas, Sara Bessio, Anaclara Ferreyra Palfy, Néstor
cuando un komos no es otra cosa que una comparsa que
Guzzini.
canta y baila en procesión. John Bennet, con tal de recuperar
a Lori Collins, esa novia a la Ted siempre atraviesa con tal
de llevárselo de farra, canta con la banda de Norah Jones
en un anfiteatro la canción de Octopussy, una de James
Bond, la primera película que él y Lori vieron juntos, y claro,
la canta horrible. Y si ésa es la gracia de la situación
(arruinarle al enemigo la cita con la novia de uno) hay Carlos Diviesti. Guionista, dramaturgo, director de teatro, gestor cultural
algunas cosas aún más graciosas en 3. Rodolfo, deprimido y periodista argentino.
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Por Daniel Viglione Fotos: Rodrigo López
ENTREVISTA CON
LEOPOLDO BRIZUELA,
PREMIO ALFAGUARA 2012
“No perdonarte por haber tenido miedo

es de una gran impiedad”
Acordes en una
noche oscura
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e visita en Montevideo promocionando su novela sospechosa. Al día siguiente se entera de que les robaron
más reciente, Una misma noche, ganadora de la a los vecinos de la casa de al lado: eran ladrones que
última edición del Premio Alfaguara, el escritor sabían muy bien lo que hacían. El punto es que desde
argentino Leopoldo Brizuela dialogó con Dossier acerca ese mismo lugar, pero durante una madrugada de 1976,
de pequeños actos sin heroicidad, de miedos, de Bazán miró cómo un grupo de militares irrumpió con sus
recuerdos fragmentados y del oscuro abismo que la Itakas con el objetivo de entrar a la casa de al lado,
dictadura militar argentina sembró en su memoria. mientras atinó sólo a sentarse en el piano y tocar la
“¿Sabés qué hice yo, por ejemplo, mientras la patota Polonesa en sol mayor.
daba vueltas por la casa y un tipo con una Itaka me tenía De esto y de mucho más Brizuela conversó con
acorralado contra el piano? Me puse a tocar”. Esto es lo Dossier durante su visita a Montevideo, donde presentó
que Leonardo Bazán, el protagonista de Una misma noche, Una misma noche no como una novela más que aborda
le cuenta a Miki, otro de los personajes de la novela de la temática de la dictadura, sino como una novela que se
Brizuela. Se trata de un hecho de 1976 contado en 2010. detiene en el miedo al miedo, ese que tuvieron muchas
Pasado y presente juntos, cruzándose una y otra vez. Y personas, un sentimiento que por no estar cargado de
esto mismo es lo que Brizuela hizo en aquella época y hechos heroicos quedó silenciado por la vergüenza y el
hace en ésta. Recuerda su miedo, su silencio, su culpa, pudor.
su ingenuidad.
Cuando Brizuela tenía doce años, los militares entraron ¿No pensó alguna vez que la memoria, en realidad,
a su casa, fusiles de asalto Itaka en mano, preguntando sirve para olvidarnos de las cosas?
por una u otra cosa; él, de puro miedo, se puso a tocar Es lindo eso… Para olvidar un poco, ¿no? Pero… Está
en el piano Ana Magdalena Bach: Polonesa en sol mayor. bueno lo que preguntás… No sé, siento que la memoria,
Ahora, después de más de treinta años, una sutileza o una idea vaga que tengo de la memoria, es que es como
narrativa le permite indagar acerca de todo aquello que una herramienta a la que te aferrás como si fuera un
sabía o no sabía. ¿Cómo? A través de un relato en el que punto de salvación, pero que en realidad es una
Bazán –un escritor rioplatense, como Brizuela–, durante herramienta imperfecta. Es decir, el pasado es algo ya
una madrugada de 2010, mira desde la ventana de su inapelable, algo que ya no podés cambiar, pero la
casa un patrullero con dos policías dentro en actitud memoria sí puede ser reconstruida. No cualquier relato de la
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me iba a buscar siempre a la escuela, aunque fuera medio
grande, porque esto pasó cuando tenía doce años
también. Pero bueno, en esa época todo estaba jodido y
mi vieja quería ir a buscarme a la escuela. La cosa es
que no llegaba, no llegaba y no llegaba. Al rato me fui. A
mi mamá la había parado un retén de la Policía por una
calcomanía que tenía pegada en el auto de un lugar al
que habíamos ido de vacaciones una vez. Era algo medio
cursi, pero en aquella época se usaba pegar esas
calcomanías en los autos. Como el milico vio que eso era
medio subversivo, le pidió a mi vieja que lo arrancara.
“Me lo arranca”, decía mi madre que dijo. Tardó cinco
horas en sacarlo con una llavecita. Esas cosas, por pudor,
como la del piano, no las conté por mucho tiempo.
No quería ponerse en el lugar de víctima, quizá frente

a otros hechos más jodidos…
Siempre existen otros hechos más jodidos, pero hoy
cuento eso y veo la cara de horror de la gente, porque
memoria, eso está claro, pero sí basta un solo dato entiende que estos hechos de mierda te marcaron para
distinto del presente para que puedas reconstruir la toda la vida. Y sí, nunca quise ponerme en el lugar de
memoria que te ayuda a darle un sentido al pasado. víctima, como si ser víctima tuviera un mérito o fuera un
privilegio. Es un horror. Pero aquí la culpa juega un papel
Pero en una historia trágica, como la que sucede en fundamental, porque todos sentimos que tenemos culpa
Una misma noche, una memoria individual no basta. de algo. Los que sobrevivieron tienen culpa de haber
Por supuesto que no. Buena parte del desafío de esta sobrevivido. Los que no estuvieron presos sienten culpa
novela pasa por ese punto: recuperar qué sabía ese chico por los que estuvieron o los que estuvieron tienen culpa
que toca el piano frente a unos militares en su casa, qué no porque no murieron en las torturas. Toda la sociedad
sabía, qué sabían el resto de las personas. Llegar a meterme siente culpa. Una misma noche está lejos de esas
en la cabeza de ese chico de doce años, sin todo lo que vino versiones heroicas.
después, no fue fácil. ¿Ese chico sabía que había campos
de concentración? No, no sabía, y mucho menos con ese ¿A qué se acerca?
nombre. ¿Cuándo escuchó por primera vez hablar de A lo más difícil y normal de hablar: el miedo. Tener
desaparecidos? No sé, en la década de 1980. La memoria miedo. El miedo al miedo. Para mí el tema es ése, me
individual no basta, eso está bien. Por eso el protagonista, y parece muy enfermo no hablar de la cobardía, porque en
creo que es algo que hacemos todos, salimos a preguntar, una dictadura lo que tenés es miedo o cobardía. No
porque llega un momento en el que nos confundimos, no perdonarte por haber tenido miedo es de una gran
sabemos si lo que recordamos fue verdad, fue un sueño o impiedad.
fue algo que nos contaron una y mil veces y creemos que
es parte de nuestro recuerdo. ¿Y usted se perdonó?
Primero tuve que reconocer que era miedo y cuando
¿Lo del piano es real? lo hice, cuando supe que era mucho miedo, me puse a
Absolutamente. Es lo único verdadero. remarla, a llevarla adelante. Es la única forma de salir.
Me pasó lo mismo cuando me dijeron que mi papá tenía
¿También es real que no lo haya contado durante cáncer. Sabía que tenía que remarla. Después, claro,
mucho tiempo? bajás la guardia.
Sí, y no hablar de algo durante treinta años es
desesperante. Mientras seguía tocando, ¿no?
Sí, claro… eso está bien.
¿Qué se siente ahora que no sólo lo escribió sino que
también lo cuenta una y otra vez? ¿Volvió a tocar la Polonesa en sol mayor?
No te voy a negar que a veces es denso, pero también Cómo no… muchísimas veces. D
es fascinante, porque ese hecho mínimo, no heroico, es el
que me permite conocer otros hechos similares de mucha
gente y me permite ver cómo se dimensionó ese pasado.
Además, esto me genera contar otros hechos mínimos que
quedaron fuera de la novela, otros hechos que tampoco Daniel Viglione. Escritor y periodista uruguayo. Colabora con la revista
son heroicos pero que muestran cómo operaba la Cuadernos Hispanoamericanos (España) y la Revista de Cultura Ñ de Clarín
(Argentina). En 1995 obtuvo el Primer Premio Nacional de Poesía en Argentina
dictadura, cómo podía enajenarte. Por ejemplo, mi mamá por su libro Álbum de lluvias, publicado por Ediciones del Dock.
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ENTREVISTA CON SIGISMOND DE VAJAY
La realidad
interpretada
por el artista
En la Galería Xippas de Montevideo se está realizando una exposición del artista

visual Sigismond de Vajay, nacido en París en 1972, y formado en Suiza. De origen
húngaro-argentino, De Vajay reside desde hace tres años en Buenos Aires, donde se
radicó después de una larga estancia en Barcelona. Desde comienzos de la década de
1990 realiza, paralelamente con su actividad artística, actividades como curador y
gestor cultural. Fue activo en los centros culturales Toit du Monde en Vevey, Suiza, y
Kültur Büro en Barcelona, y recientemente ha realizado importantes eventos artísticos
en Buenos Aires.
D 67

Por Pedro da Cruz
E
ncontramos a Sigismond de Vajay en los locales de más tarde, en 1997, en Nueva York. Allí estudié solamente
la Galería Xippas en la Ciudad Vieja de Montevideo gráfica, obra y grabado sobre papel. A fines de los noventa
poco después de que arribara desde Buenos Aires, hice litografía, serigrafía, aguafuerte, una serie de
rodeado de obras que trajo consigo, la mayoría aún experimentaciones. En 2001 lo dejé, cuando obtuve una
empaquetadas. El material, una serie de acuarelas y residencia en Praga, porque el grabado está muy
trabajos sobre metal de gran formato, se podrá ver en la relacionado al lugar, al taller, donde tienes las
galería (Bartolomé Mitre 1395) hasta el 8 de diciembre. herramientas para hacerlo. Hace mucho que no tocaba
el tema de la gráfica, pero ahora vuelvo al grabado de
¿Dónde transcurrieron su niñez y juventud? otra forma.
Mi niñez en París, mi adolescencia en Suiza, y la post
adolescencia en Nueva York, Praga y Barcelona. Y la edad Durante muchos años estuvo relacionado al Centro
adulta está llegando. La madurez está por tocar la puerta. Cultural Toit du Monde en Vevey, Suiza. ¿En qué consistió
la experiencia?
¿Cuándo y como se despertó su interés por el arte, En la época en que empecé Bellas Artes, hacia 1991,
cuándo sintió que era a lo que se quería dedicar? me fui de mi casa, y con otros artistas me instalé en un
No fue en un momento determinado. Mi madre edificio que nos cedió la ciudad, una antigua fábrica de
dibujaba desde los seis años, y luego fue ilustradora de zapatos de 1.800 metros cuadrados. Formamos un
libros de niños. Toda la vida la vi pintando, todo el tiempo. centro cultural, con diez talleres y una cervecería.
En la familia había poetas, pintores y escritores. No Hicimos un montón de cosas durante más de diez años,
éramos familia de banqueros. Siempre fuimos a museos, aunque yo no estuve allí todo el tiempo. Fue uno de los
no hubo ningún momento en que la cultura no fuera una lugares precursores del videoarte en Suiza. Casi todos
preocupación permanente en la familia. los artistas relacionados al centro trabajaban con video,
multimedia y performance. Era una plataforma para
¿Cómo es su historia familiar? artistas emergentes, y muy internacional desde el inicio.
Mi padre era húngaro. Dejó Hungría antes de la Luego me fui a Nueva York y a Praga.
Segunda Guerra Mundial para estudiar becado en Suiza.
Luego de la guerra no pudo volver a su país (no vio a sus ¿Lo que hizo en Praga fue en una escuela de arte?
padres durante veintiún años). En esa época vivió en No. En Praga hice una residencia de artista en el Centro
Ginebra, Los Ángeles y París, desde donde viajó a de Arte Contemporáneo de Praga, donde hice cuatro
Argentina y se quedó siete años. Cuando se fundó la grandes esculturas de metal en un galpón de tres mil metros
Unesco, en 1954, fue nombrado representante para cuadrados. Todo lo que hice ahí parecía muy pequeño, pero
América Latina y volvió a Europa. A mi madre la conoció cuando lo saqué no había ninguna galería en la que pudiera
en Argentina en un viaje posterior. Mi madre es argentina, mostrar una jaula de metal de seis metros de alto que realicé
pero vivió casi toda su vida en Nueva York, hasta que en el centro. El centro funcionaba con los aportes que hizo
conoció a mi padre y entonces se mudaron a París. el empresario George Soros, que durante diez años financió
centros de arte contemporáneo en las capitales de los países
¿Surgió de ahí la relación con Argentina? del este de Europa. Soros fue disminuyendo su apoyo
Sí. Ahí está la bastardía, la mezcla de todo. De niño paulatinamente, así que la experiencia fue exitosa en algunos
siempre viajaba mucho: una vez por año a Budapest y a Nueva lugares, mientras que en otros fracasó.
York, a ver a mis abuelos, y a Argentina cada dos años. Ahora
vivo en Buenos Aires, hace tres años que me mudé. Después realizó la experiencia del Kültur Büro Barcelona.
En 2002 me radiqué en Barcelona. Un grupo de artistas
¿Cuáles fueron tus estudios? fundamos el Kültur Büro (Kültur en turco y Büro en alemán)
Hice Bellas Artes en Suiza, un año, pero no me gustó. que aún sigue activo, aunque la situación en España es mala.
Me fui en 1991. Después retomé Bellas Artes unos años Fue una plataforma de producción y tuvimos una sala de
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‘The Death of Modernism’, 2012. Acuarela sobre papel.
Mi trabajo de gestor cultural no lo hago como burócrata,

sino como artista. Cuando hice una obra como la del puente
de Buenos Aires fui el creador, una pieza mía, pero con la
que trabajaron cincuenta personas. Es también el caso del
trabajo que estoy planificando para Denver el año próximo:
una escultura de diez metros por doce en un espacio público.
Es una estructura que quiero que la use la comunidad. Me
siento como artista porque tengo una propuesta, pero no
soy el que va a hacer el trabajo de taller. Es una idea mía
con un desarrollo que implica arquitectos, ingenieros, y
diseñadores.
Ahora va a mostrar gráfica. ¿Cómo maneja eso?

Tengo un asistente que me ayuda, pero poco. Hay una
etapa en que sé que ya no me puede ayudar más. En algún
momento tenés que poner lo tuyo.
‘Zona de reacción’, 2012. Acuarela sobre papel. ¿También pinta?

No, aunque la acuarela se puede considerar un tipo de
exposiciones donde invitamos artistas que ya tenían una pintura. También podría hacer murales. Pero no.
carrera sólida. Fue un lugar para producir obras de arte de
artistas ya conocidos. Atrajimos artistas de Barcelona que Cómo caracterizarías su obra artística en cuanto a
nunca habían expuesto en España. Hace diez años había influencias, por ejemplo.
pocas galerías y el coleccionismo casi no existía. Fui el Las influencias son varias. No hay un eje que pueda
comisario de la primera edición del Loop, un festival de seguir y decir que vengo de alguna corriente específica.
videoarte que ahora es muy importante. Ya va por la novena Soy más experimental en mi trayectoria, porque no se repite
edición. En Suiza también organicé el Lausanne Underground en ningún momento. Lo que no quiere decir que no haya
Film Festival, un importante festival apoyado por el gobierno seriedad. Es más importante la temática que la técnica.
que ha tenido hasta treinta mil visitantes. Estoy trabajando mucho con las problemáticas sociales, o
el trabajo de la sociedad en general. Quién nos gobierna,
¿Cómo combina la actividad de gestor cultural con tu cómo queremos que nos gobiernen, o cómo queremos
trabajo artístico? cambiar el mundo. Se trata mucho del medio ambiente y el
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poder de las megaempresas. Desde que me fui a Praga en obra de William Turner. Una admiración por su tratamiento
2001 me interesa la temática del poder, hago obras más del paisaje y su visión romántica. Me parece que hay falta
políticas. Yo tomo mucho de internet, es una manera de romanticismo en nuestra época, y estaría bueno que los
económica de inspirarse. No hay que viajar tanto. De la artistas contemporáneos lo pusieran de nuevo en su
serie de grabados que voy a presentar, la mitad están plataforma. De una forma diferente, pero que lo romántico
inspirados en fotos que hice yo, y la otra mitad en fotos que esté presente. Yo, por ejemplo, tomé una fotografía de
saqué de internet y que modifique en Photoshop para llegar prensa de la revolución en Egipto y la pinté en acuarela con
a lo que yo quería. Después, debido al encuadre y las formato Delacroix. Todo el mundo la vio como una imagen
modificaciones, las imágenes se vuelven casi abstractas. de la Revolución Francesa, pero para mí Tahir es la
Por ejemplo la acuarela que está reproducida en la invitación Revolución Francesa de hoy. Es la misma queja. Éste fue un
de la exposición proviene de la imagen de una broca para ejemplo de una inspiración contemporánea que mezcla todo,
perforar minas, de esas que arrancan todo. Hace tiempo la política y el romanticismo, pero también la pintura y el
que estoy pensando en hacer una figura de ese tipo, como formato en acuarela.
una escultura. Pasa mucho que hago dibujos y después
sale una instalación o una pieza tridimensional. Pero más ¿En qué han consistido sus actividades artísticas en
que la materia, me interesa la temática. Cuando veo las Buenos Aires?
grandes estructuras pienso en una revolución, en una cosa En 2004 realicé mi primera exposición en Buenos Aires
que arranca todo, llegar más allá de lo posible. La temática en la galería Zavaleta Lab, que todavía existe y que ahora
también se relaciona en muchos casos con las protestas cambió de local por tercera vez. Entonces hice una
sociales, en España por ejemplo, cuando la gente sale a la exposición de dibujos y esculturas –una escultura de una
calle para decir no a ciertas cosas. Todo está relacionado. trampa muy grande en metal, un video y 35 dibujos–, y
también se publicó un libro de dibujos con la temática de
¿Ha sido influido por la obra de pintores? las trampas. En 2009 volví a exponer en Zavaleta Lab. Una
Una de mis fuentes de inspiración en lo pictórico es la exposición más grande, con tres instalaciones y sesenta
‘Electric City’, 2012. Acuarela sobre papel.
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‘It´s My Generation’, 2012. Acuarela sobre papel.
En general no me incluyo como artista en los proyectos de

los que soy curador, pero en este caso fue diferente porque
no era el artista que hace una obra, sino que era un proyecto
común en el que yo era como el jefe de orquesta. En el
proyecto participaron cincuenta artistas que invité –muchos
latinos, muchos europeos, algunos norteamericanos y
africanos, y un chino–, que realizaron obras en el Museo de
Arte Moderno, en la Fundación Proa, en el Puente de La
Boca, en el puente de la Facultad de Derecho y en el Centro
Cultural de España.
¿Qué expone aquí en Montevideo?

Acuarelas y grabados sobre metal basados en las
acuarelas. Las acuarelas tienen un formato de aproxi-
‘Electrojet’, 2012. Acuarela sobre papel. madamente 50 por 50 centímetros. Las seis obras sobre
metal miden 105 por 150 centímetros cada una. El proceso
dibujos, que fueron publicados en el libro Nouveaux de trabajo con las planchas de metal comienza con que son
desastres. Para la Noche de los Museos en noviembre de cubiertas con una o dos capas de asfalto, luego las trabajo
2011 realicé el proyecto Lluvia de arañas sobre el Riachuelo. con punta seca, y después les hago alrededor como una
Me había inspirado en la exposición de Louise Bourgeois pileta de bordes acrílicos en la que pongo ácido durante
que se había realizado en la Fundación Proa, frente a la que una hora. Una vez que está grabado, llevo la chapa a un
había sido instalada una de las arañas de metal de gran garaje mecánico donde le ponen barniz para fijarla y para
formato de la artista. Pero no pude realizarlo en ese que no se siga oxidando. La diferencia técnica con la gráfica
momento. La idea era colgar cien arañas de cristal sobre el común es que a ésta le hubiera sacado la brea, puesto tinta
puente y que luego cayeran como una lluvia. Retomé el y pasado por una prensa, lo que hubiera resultado en una
proyecto el año pasado, pero por un problema de logística copia en papel. Llego hasta casi el noventa por ciento del
–por ejemplo la cantidad de metros de cable que hubiera proceso gráfico, pero lo que no hago es imprimir. La chapa
necesitado– reduje la cantidad de arañas. Se hizo con diez es la obra. D
músicos que tocaron, vinieron cuarenta mil personas y salió
en la tapa del diario La Nación al día siguiente. También Pedro da Cruz. Doctor en Ciencias del Arte por la Universidad de Lund,
estuvo inspirado en otro proyecto que coordiné como curador, Suecia. Fue curador del Museo de los Bocetos (Lund). Artista plástico.
Puentes y fronteras, que también salió en forma de libro. Actualmente colabora con El País Cultural.
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EL DISTRITO DE ARTE 798
Un nuevo Soho
en Beijing
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Por Laura Olivera Sala
(Desde Beijing)
E
stos días en Beijing son muy especiales, los chinos abandonada en los noventa. Actualmente, este distrito de
disfrutan de la semana de vacaciones de invierno arte está compuesto por innumerables fábricas y galpones,
pero también recuerdan una fecha muy particular. distribuidos a lo largo de varias calles formando así un
El primero de octubre de 1949, Mao Zedong fundó la importante barrio de arte donde además se encuentra una
República Popular China en una ceremonia que se llevó a gran variedad de restaurantes, librerías, estudios de arte,
cabo en la famosa Plaza Tiananmen, en la ciudad de Beijing. tiendas de arte y de moda. Dentro de cada una de estas
Tras años de guerras y disputas, finalmente China estaba fábricas y galpones se esconden más de trescientas galerías.
unida. Hoy en día, esta fecha es feriado nacional. Este día se En sus comienzos, 798 fue el refugio de muchos artistas
celebra con un imponente desfile militar y civil en la Plaza que se mudaron para la zona a partir del año 2000. La
Tiananmen, que culmina con la liberación de decenas de renta era muy económica y el barrio, extremadamente
miles de globos de colores, mientras se escuchan estruendosos tranquilo; por lo tanto, todo esto generó que rápidamente
aplausos, gritos y, de fondo, el sonido de la consigna “Viva la el distrito se convirtiera en un paraíso para todos los artistas
República Popular China”. En medio de este frenesí, hay un chinos. Con los años este barrio residencial de artistas se
lugar donde siempre nos podemos refugiar. fue transformando en una zona de galerías donde se podía
El distrito de Arte 798 es una de las zonas más ver y comprar todo tipo de arte.
interesantes para visitar en Beijing, ya que actualmente se A partir del año 2008, más de 400 organizaciones
ha convertido en el mayor centro de exhibiciones de arte en culturales de distintas partes del mundo (Francia, Bélgica,
China. Situado al noreste de esta gran ciudad, 798 era una Alemania, Japón, Austalia e Italia, entre otros) se instalaron
enorme fábrica que fue construida en los cincuenta y en esta zona.
La entrada a la mayoría de las galerías es gratuita.
Algunas cobran una entrada de diez yuanes, treinta pesos
uruguayos. Recorrer el distrito por completo puede llevar
un día entero. Tratar de abarcar a todos los artistas que allí
exponen sería imposible, es por eso que tan sólo nos
concentraremos en tres de los tantos compositores.
Jinghai Ou
Una de las tantas muestras que resaltan en 798 es la del

artista Jinghai. Para conmemorar el 91 aniversario de la
fundación del Partido Comunista en China, Jinghai realizó
una serie de retratos de Mao Zedong que abarcan cinco
períodos de su mandato. Los retratos fueron creados en un
lapso de seis años, generando así una colección de 21
retratos del presidente Mao.
A partir del año 1976, este artista se dedicó exclu-
sivamente a pintar retratos del ex presidente Mao. Para él,
pintar va más allá del simple hecho de producir un retrato,
se trata siempre de ir más lejos, de profundizar en sus
temas. Para ello realizó un gran trabajo de investigación,
en el que fue en busca de datos históricos que le ayudaran
a averiguar los pensamientos que se esconden detrás de
su personaje, detrás de esta figura tan emblemática que
fue Mao Zedong. De esta forma consiguió comprender mejor
el mundo espiritual que lo rodea, y así, crear un retrato
más auténtico. Es por esto que su pintura se basa en
fotografía y datos históricos, no en la imaginación.
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Zhang Duoxing
Nació en Xinming, en la provincia de

Liaoning, en junio de 1965. Se graduó
en el Departamento de Arte del Instituto
de Educación de Liaoning en 1996.
Realizó su maestría en pintura al óleo en
la Academia de Fine Arts en el año
2004. Actualmente trabaja para la
Academia de Arte Shengyang. Algunas
de sus pinturas están expuestas en
Hong Kong, Singapur, Malasia, Reino
Unido y Estados Unidos.
El trabajo de Duoxing ha sido
comparado con el de Botero. Los
personajes que retrata no son para
nada reflejo de la sociedad china, sino
todo lo contrario: son más bien
obesos, con rasgos particulares que no
podríamos identificar con ninguna
sociedad. Este artista se destaca
también por el detalle que retrata en
cada una de sus obras. Sus trabajos
han sido pensados cuidadosamente
para ser observados por varios
minutos; cada escenario está colmado
de mensajes que no vemos a primera
vista y los detalles que allí se esconden
aparecen luego de que nos
adentramos en cada escena.
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Sun Ying
En Yulantang Gallery, se puede

observar la muestra de Sun Ying,
una joven artista china (de
Inhuangdao) que desde el 8 de
setiembre está exhibiendo su muestra
Garden of dreams, que consiste en 33
cuadros pintados el año pasado. Sun
Ying nació en 1983, en el 2006 se
graduó en Artes en la Beijing Film
Academy y ésta es tan sólo su
segunda muestra (se inició en el
mundo del arte con la exhibición Talk
to her, 2011).
La artista utiliza colores cálidos y
brillantes. Su jardín de sueños sólo
tiene como protagonista un
personaje: una niña, la artista. En
cada uno de sus trabajos podemos
observar a este personaje viviendo
en un mundo de fantasía que
perfectamente podría ilustrar un libro
de cuentos infantil. Según la autora,
sus obras son recuerdos de una
infancia feliz.
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Polat Tayir
Polat nació en Ghulja, en 1977. Se graduó en el

Instituto de Arte Urumchi en 1994. Desde entonces ha
realizado un gran número de muestras nacionales e
internacionales. Actualmente trabaja como docente de
óleo, en Francia, país donde reside.
Loft 3 Art Gallery está exhibiendo su muestra The
hands of the scenery que fusiona perfectamente dos
técnicas artísticas: la fotografía y la pintura al óleo. Las
fotografías son instantáneas de París, en cada una de
las cuales podemos observar una toma de esta ciudad,
puntos emblemáticos como la Torre Eiffel y el Louvre,
una esquina, un restaurante. Pero su arte no termina
allí. Tayir escoge una escena de París, imagina la
fotografía y antes de tomarla, pinta al óleo sobre su
mano izquierda. Una vez terminado, integra su mano
con el paisaje y realiza la fotografía. Ese paisaje que
allí pinta, complementa el otro que vemos en la
fotografía. Entonces puede verse otra visión, otra
mirada del mismo escenario: utiliza dos lenguajes que
cuentan dos historias, dos puntos de vista de un mismo
artista. D
Laura Olivera Sala. Licenciada en Ciencias de la Comunicación. Trabaja como

docente de Arte Digital en Taller Arte Club. Expone regularmente sus trabajos
de arte digital. Actualmente reside en Beiging gracias a una beca de idioma
chino otorgada por la Embajada de la República Popular China en Uruguay.
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Por Alexander Laluz
Contramilonga
al celuloide
Un diario de siete días para una aproximación al tema que sigue contándose en el
debe de los estudios críticos sobre la obra de Astor Piazzolla (1921-1992): su música
para cine. Casi un centenar de bandas sonoras dialogan con sus creaciones autónomas
y permiten ampliar el análisis de las correlaciones entre su lenguaje –que doblegó
fronteras estilísticas–, la modernidad y la construcción de lo urbano como unidad
compleja de significaciones.
Lunes programa, el fraseo emblemático, el impulso rítmico de los

primeros compases de ‘Fuga y misterio’.
P
rimera hora de la mañana y, para comenzar, la La primera línea de apuntes: la conexión inmediata que
anotación apurada: ‘Fuga y misterio’. Es una punta establece la música de Piazzolla con lo visual, con las
(confusa, con fuga, pero posible) para desenredar una adrenalínicas pulsaciones de la modernidad urbana,
madeja con nombre y apellido: Astor Piazzolla, bandoneón, tecnológica. Las metáforas podrían ser Buenos Aires o Nueva
tango, jazz, música culta, discusiones, vanguardia, York: las puntas más altas de las capas de acero, cemento
modernidad, tradición, academia, innovaciones, Mar del y vidrio que se apilan en espacios comprimidos, el tránsito
Plata, París, Buenos Aires, Manhattan, rascacielos, Gardel, que satura de humos y ruidos cada intersección con
Troilo, Ginastera, Nadia Boulanger, Gerry Mulligan, Bach, semáforos, caminantes que se apiñan con otros caminantes,
Pino Solanas, libros (muchos libros), revistas, partituras, la radio, el micrófono eléctrico, las marquesinas, texturas
discos (muchos, demasiados). lumínicas y contrastantes, los cines. Son, efectivamente,
El nombre ‘Fuga y misterio’ (uno de los cuadros Buenos Aires y Nueva York: signo y objeto materializados
emblemáticos de la operita María de Buenos Aires, que en una misma entidad. El músico encargado de componer
Piazzolla compuso en 1967 sobre textos de Horacio Ferrer) e interpretar la banda sonora de las encarnaciones
en la ventana de búsqueda del megasitio You Tube devuelve contemporáneas de Babel, Astor Piazzolla, juega con
un recuerdo y una cita sin desperdicio. El otrora irritante ventaja: nació –se construyó– con ellas, conoce sus entrañas
Bernardo Neustadt (con sus muecas, frases cortantes, congestionadas, caminó por ellas, y las vivió como fábricas
suspensos, insinuaciones, la sentencia al estilo ‘periodista de experiencias donde se suspenden las diferencias
que canta la justa’ para rematar el anuncio de algún tema irreconciliables (Rem Koolhaas, Delirious New York).
‘polémico’) luce como una caricatura en la promo de una Escribe Carlos Kuri (psicoanalista, ensayista, argentino):
de las ediciones de Tiempo nuevo que, a comienzos de los ‘‘Piazzolla consigue establecer un lenguaje homogéneo sobre
años noventa, emitía el canal Telefé de Argentina los martes elementos dispares y rebeldes, no tolerados por el género
a las 22 horas. De fondo, como marca distintiva del [el tango] pero sí dominados por el estilo’’ (su texto: ‘Agonía
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UNA SEMANA PARA ASTOR PIAZZOLLA Y EL CINE
D 83

del género, potencia del nombre. Constitución de la estética
piazzolleana’, en Estudios sobre la obra de Astor Piazzolla,
de Omar García Brunelli, compilador, publicado por Gourmet
Musical Ediciones, 2008). Las ideas: doblegar las diferencias;
tango, jazz, música culta, dominados por un estilo: el de
Piazzolla.
Leo a Omar Corrado (musicólogo, argentino): ‘‘La música
de Piazzolla es una música radicalmente urbana; no puede
pensarse fuera de lo que caracteriza nuestra experiencia
de las grandes ciudades contemporáneas: la modernidad,
la percepción inestable, cambiante, el dinamismo, los
extremos paradójicos de extraversión y de incomunicación’’
(su texto: ‘Significar una ciudad - Astor Piazzolla y Buenos
Aires’, Revista del Instituto Superior de Música, Universidad
Nacional del Litoral, Nº 9, Santa Fe, Argentina, 2002). Otras
ideas: la música del marplatense cosmopolita como
metáfora y metonimia de un estado cultural, lo urbano.
Astor Piazzolla en el papel de canillita, junto a Carlos Gardel y Tito Lusiardo
en una escena del film El día que me quieras.
Me acerco otra vez a Kuri, esta vez en su libro Piazzolla.
La música límite (Buenos Aires, Corregidor, 1997): ‘‘No sería
costoso reconocer que la ciudad piazzolleana es corporal.
Contrabajo caminante, marcha raspada y lúgubre, vértigo
salvaje del glissando, ostinato que deja sin aire, agobio del
ciclo’’.
Una línea posible para anotar en la hoja de apuntes: el
recorrido biográfico; inmediatamente, el recuerdo de lo que
escribió Leila Guerriero en el prólogo a Los malditos
(Ediciones Universidad Diego Portales, 2011): ‘‘A veces,
reconstruir la historia de un hombre o una mujer muertos
es entrar en un palacio en ruinas en el que todavía zozobran
angustiosamente los ecos de los valses viejos’’.
¿Es el caso de Piazzolla? ¿Se podría empezar por el año
1921, en Mar del Plata, el origen del nombre: un invento de
su padre, Vicente Piazzolla? Fischerman y Gilbert lo cuentan
así: ‘‘Vicente Piazzolla, aquel que más tarde sería conocido
como Nonino, bautizó a su hijo con un nombre inventado.
Quiso homenajear a un amigo italiano que así se hacía llamar.
Lo que no sabía era que ese nombre provenía de la
abreviatura con la que simplemente por capricho, el amigo
había reemplazado al original Astorre’’.
¿Qué sigue? Nueva York, Buenos Aires, otra vez Nueva
York, Europa: una trama de migraciones. Después, las
historias (las que se han contado en plural: la vida, música,
estética, estilo) son demasiadas; su discografía, la imagen
que más se acerca al caos: ¿por dónde empezar?; su
catálogo de composiciones parece interminable; sus
recepciones, múltiples y disímiles; las copias, otra lista
interminable (encuentros inevitables al rastrear artistas,
movimientos, estéticas, que admitan etiquetas como ‘‘tango
moderno’’, ‘‘tango contemporáneo’’, ‘‘neotango’’, ‘‘tango de
vanguardia’’).
A la tarde, un nombre, Fernando Pino Solanas (cineasta,
argentino), y dos devedés (Tangos, el exilio de Gardel, Sur)
dan pistas interesantes: Piazzolla y el cine, una línea para
anudar –sintéticamente– y aterrizar las relaciones del músico
con la modernidad, lo urbano, el tango. ¿Qué pasó antes de
estas películas? En la primera experiencia de los Piazzolla
en Nueva York, El día que me quieras: el encuentro del niño
Astor con Carlos Gardel; a partir de 1949, cuando se
Piazzolla en Nueva York, en 1933. incorpora a una producción del cineasta Carlos Torres Ríos
84 D

Foto: Antonio Legarreta.
(Con los mismos colores), hasta 1987 (Sur), el casi medio familia a Nueva York en 1925, vivió en el Astoria Hotel (donde
centenar de composiciones para cine. se levantaría, en 1931, el Empire State Building), anduvo
entre pandilleros, conoció a la estrella de la canción criolla y
Martes el tango en 1934 y le regaló una guitarra hecha por su padre
(anotación al margen: en los años treinta Gardel había firmado
Una fuga. Las fichas de las películas con músicas de Piazzolla un importante contrato con la Paramount; en esa época el
se ordenan con la velocidad que permite la computadora. En sello apostaba a las figuras y temáticas vinculadas con América
el escritorio, el devedé de la primera que lo tiene en un rol de Latina como alternativa a la gran crisis económica que golpeaba
extra: El día que me quieras (1935), de John Reinhardt, a Estados Unidos), y aceptó la misión que le encomendó el
protagonizada por Carlos Gardel (que hacía el papel de Julio cantante: oficiar de guía por la Gran Manzana.
Argüelles, hijo de un rico empresario que brega por dedicar Sin consecuencias musicales (aparentes) para este relato
su vida al canto), Rosita Moreno (como Margarita, el amor piazzolliano: una anotación que no agrega demasiado. La
de Julio) y Tito Lusiardo. El niño Astor, el canillita; ‘‘¡Diarios! película, sin embargo, en el contexto vital de Piazzolla porta
¡Diarios!’’: ése fue el parlamento que para muchos fijó muchos significados: es un primer sello en el pasaporte de
(después de la bendición de El Mago: ‘‘Vas a ser algo grande, un migrante (musical), el hombre que conoció de primera
pibe, te lo digo yo’’; la sentencia llegó después de que Gardel, mano las densa congestión moderna, el músico que doblegó
tras filmar la escena con el canillita, lo escuchó tocar el las fronteras de los géneros.
bandoneón, el que le había regalado Nonino, su padre, en En la parte superior del monitor pego un pequeño papel
1929) el futuro del niño marplatense que se mudó con su amarillo con una tarea: rastrear las colaboraciones con
D 85

directores como Torres Ríos, Enrique de Thomas, Enrique
Cahen Salaberry, Fernando Ayala, Nadine Trintignant,
Solanas.
Miércoles
No hay fuga (los misterios son inevitables).

Desde la noche anterior está anotado en el bloc de
apuntes: mantener el orden cronológico de las películas.
El comienzo obligado: Con los mismos colores , una
realización de Carlos Torres Ríos, del año 1949, el debut
de Piazzolla en la composición de música para cine; un
año después, una nueva colaboración con Torres Ríos en
Bólidos de acero, y el primer trabajo con el director Enrique
de Thomas para la película El cielo en las manos.
Piazzolla ya había comenzado su carrera como músico
profesional: en 1936 había regresado a Buenos Aires, y
tres años después se integró como bandoneonista a la
orquesta de Aníbal Troilo; a comienzos de los años
cuarenta inició estudios de composición con Alberto
Ginastera, luego de piano con Raúl Spivak; en 1944
asumió la dirección de la orquesta que acompañaba al
cantante Francisco Fiorentino; en 1946 forma su primera
orquesta, conocida como Orquesta del 46, y, como lo
Piazzolla en París escribiendo la partitura del filme Lumière citan casi todas las reseñas biográficas, compuso su
de Jean Moreau.
primer tango: ‘El desbande’; al año siguiente, su segunda
participación como actor de reparto en cine: El hombre
del sábado, con dirección de Leopoldo Torres Ríos y
Leopoldo Torre Nilsson, y las actuaciones protagónicas
de Pedro Quartucci y Virginia Luque. En esa década los
cambios también marcaron su vida personal: en 1942 se
casó con Dedé Wolff, y nacieron sus dos hijos, Diana
(1943) y Daniel (1945).
El cine, evidentemente, era ya un polo de atracción
creativa (quizás irresistible) para Piazzolla: el arte de las
imágenes en movimiento seguía y a la vez pautaba la
afirmación de una modernidad de pulso acelerado,
movimiento de masas; una industria cultural que configura
narrativas identitarias multimediales (las dos primeras
colaboraciones con Torres Ríos son buenos ejemplos).
Anoto lo que dice Gerardo Gandini (compositor,
pianista, argentino, muy cercano a Piazzolla) a propósito
de esta potente asociación entre lo visual, lo urbano, la
música del creador marplatense: ‘‘Si un cineasta argentino
quiere hacer un documental sobre Buenos Aires, ¿con
qué se inicia ese documental? Estoy seguro que con la
música de Piazzolla’’ (en ‘Composición en la encrucijada:
Entre la decadencia y el balbuceo. Entrevista a Gerardo
Gandini’, de Rodrigo Torres, publicada en A pulso ,
Santiago de Chile, Número 0, octubre 1989).
Jueves
La pista es clara, los títulos cinematográficos se acumulan

en el complejo catálogo de Piazzolla durante las décadas
del cincuenta, sesenta, setenta, ochenta, y se superponen
con las composiciones autónomas (en lenguaje culto y
tanguero) para sus distintas agrupaciones, las amalgamas
estilísticas, los viajes.
86 D

Se impone revisar la historia cinematográfica argentina.
La conclusión parece contundente: el cine del vecino país
vive, especialmente a partir de la década del cincuenta, un
momento importante, en el que la música juega un papel
decisivo: varios compositores marcan un cambio con
respecto a las experiencias de años anteriores a partir de
creaciones de innegable calidad en lo técnico y en sus
planteos estéticos. Piazzolla, al igual que Waldo de los Ríos,
Lalo Shiffrin, dejan trazas indelebles tanto dentro como fuera
de fronteras, al absorber y reprocesar las experiencias de
los principales focos de producción y difusión cinematográfica
del primer mundo (Estados Unidos, Europa).
Las producciones con músicas piazzolleanas se apilan,
algunos sólo en las listas, otros, en dvd o vhs, en el escritorio.
Stella Maris (1953) de Homero Cárpena; Sucedió en Buenos
Aires (1954) de Enrique Cahen Salaberry, en la que Piazzolla
anticipa el motivo de ‘Adiós Nonino’; Los tallos amargos (1956)
de Fernando Ayala, figura fundamental en la conformación
del llamado Nuevo Cine Argentino; Marta Ferrari (1956) de
Julio Saraceni; Continente blanco (1957) de Bernard Roland;
Una viuda difícil (1957) de Ayala; Historia de una carta (1957)
de Julio Porter; Violencia en la ciudad (1957) de Enrique de
Rosas; Sábado a la noche, cine (1960) de Ayala; Las furias
(1960) de Vlasta Lah; Quinto año nacional (1961) de Rodolfo
Blasco; Prisionero de una noche (1962) de David José Kohon;
Detrás de la mentira (1962) de Emilio Vieyra; Los que verán
a Dios (1963) de Blasco; La fin del mundo (1963) de Vieyra;
Paula cautiva (1963) de Ayala; Con gusto a rabia (1965) de
Ayala; Las locas del conventillo (1966) de Ayala…
Viernes
La primera parte de la lista armada ayer tiene varias

evidencias del peso que el séptimo arte tiene en la obra
de Piazzolla. En dos décadas él se convierte en un creador
hiperproductivo para el cine, los directores lo prefieren
por su habilidad para la integración de lenguajes y los
juegos referenciales; Ayala, Vieyra, Blasco, entre otros,
lo convocan para más de una producción; los movimientos
renovadores en este campo audiovisual lo tienen como
nombre de referencia.
Paralelamente, sus creaciones autónomas van
pautando cambios en el tango (ejemplos: ‘Tanguano’,
‘Contrabajeando’, de 1950; ‘Tres minutos con la realidad’,
de 1957; ‘Adiós Nonino’, de 1959, año del fallecimiento
de su padre); su pretensión de convertirse en compositor
culto se afirman al punto de que llega a renegar por un
tiempo del tango e intenta estudiar con Nadia Boulanger,
en París: el lugar y la persona (ícono de lo académico)
indicados para recibir la ‘bendición culta’ que él tanto
anhelaba. Sobre esa experiencia anoto, como digresión,
lo que contó el propio Piazzolla: ‘‘Cuando fui con todos
mis kilos de sonatas y sinfonías bajo el brazo y se los di,
le dije: ‘Maestra, éste es mi premio, lo recibí yo, en fin,
aquí están mis obras...’. Ella que era un monstruo, leía
las partituras, así que empezamos a analizar mi música
y salió con una frase que me pareció horrenda: ‘Está muy
bien escrita’. Y paró, con un punto redondo así como una
pelota. Después de mucho rato, me dijo: ‘Acá usted se parece
D 87

a Stravinsky, se parece a Bartok, se parece a Ravel, pero, setenta; en los primeros encuentros surgió la idea de escribir
¿sabe lo que pasa? Yo no encuentro a Piazzolla acá’. Y entró un guión para una película que iba a llevar el título Adiós
a investigar mi vida particular, qué hacía, qué tocaba, qué Nonino, pero el golpe militar en Argentina y las nefastas
no tocaba, dónde vivía, si era casado, si estaba juntado, persecuciones y desapariciones que sucedieron inme-
[…] Y yo tenía mucha vergüenza de contarle que era un diatamente frustraron el proyecto. El viejo continente fue
músico de tango, absoluta vergüenza tenía. Al final le dije: escenario de una nueva reunión, y esta vez la idea, las
‘Yo toco en un nightclub’. No quise decir cabaret. Y ella: ideas, cuajaron: primero, Tangos, el exilio de Gardel (1985),
‘Nightclub, mais oui, pero eso es un cabaret’. ‘Sí’, respondí que marcó el retorno de Solanas a su país; después, Sur
y pensaba: ‘A esta vieja le voy a dar con una radio en la (1987); estos dos títulos, a la postre, fueron los últimos
cabeza’. […] ‘¿Usted me dice que no es pianista, qué trabajos de Piazzolla para la pantalla grande.
instrumento toca, entonces?’ –insistía ella–. Y yo no quería Para la primera, la música fue grabada por Piazzolla
decirle que tocaba el bandoneón, porque pensaba ‘ahí ésta junto a su Quinteto, entre las piezas que se destacan están
me tira por la ventana del cuarto piso con bandoneón y ‘Dúo de amor’, ‘Mumuki’, ‘Ausencias’, ‘Tanguedia I’,
todo’. Finalmente se lo confesé y me hizo que le tocara ‘Tanguedia II’, ‘Tanguedia III’. El planteo musical,
unos compases de un tango mío. De repente abre los ojos, previsiblemente, gira en torno a las marcas del estilo
me toma la mano y me dice: ‘Pedazo de idiota, ¡esto es piazzolleano: la articulación rítmica 3 más 3 más 2 (enraizado
Piazzolla!’. Y agarré toda la música que había compuesto, en la milonga tradicional), lo desplazamientos de acentos y
diez años de mi vida, la tiré al diablo en dos segundos’’. Una puntos de inflexión, juegos tímbricos, lirismo melódico en
anécdota que pinta mucho más de lo que cuentan las las secciones contrastantes.
palabras. En la segunda, Sur, otra vez la temática del exilio y las
reterritorializaciones, las tensiones del imaginario cultural, la
Sábado narrativa de lo propio arrasada por la violencia de Estado. La
música tuvo como intérprete principal al bandoneonista Néstor
Más títulos y referencias. En los años sesenta, Piazzolla tuvo Marconi junto al Quinteto de Piazzolla, dado que el compositor
sus primeras experiencias con el cine de Europa, e incluso ya presentaba los signos más preocupantes de su enfermedad
con Uruguay en una realización de Carlos Páez Vilaró, de terminal; para los memoriosos vale recordar piezas como
1969, en una línea experimental: Pulsaciones, en la que ‘Tristeza separación’, ‘Vuelvo al Sur’ (en coautoría con
participa con su quinteto al que le suma un saxo. Solanas) y con la voz de Roberto Polaco Goyeneche, ‘Milonga
Agregados a la lista: Con alma y vida (1970) de David del tartamudo’ con la voz de Alfredo Zitarrosa.
José Kohon; un ‘entreacto’ de cuatro años durante los que La conjunción de música, imágenes, narrativa, en ambas
no compone para cine pero cambia su formación hasta 1970, películas vuelven sobre una preocupación especial del
el Quinteto Nuevo Tango, para integrar el Noneto Conjunto cineasta: la creación de autor, el compromiso político, la
(que durará hasta 1972) y, en 1974, forma el Octeto articulación expresiva de comedia y drama en una forma
Electrónico (con bandoneón, bajo eléctrico, piano eléctrico, casi operística.
órgano, sintetizador, guitarra eléctrica –después cambiados
por saxo y flauta traversa–, batería); en 1974 se muda a Domingo
Milán, Italia, donde colabora con Gerry Mulligan en la
grabación del disco Summit (reunión cumbre), y al año A primera hora leo un texto que había pasado por alto: la
siguiente compone la Suite Troileana en homenaje a Pichuco; voz sobre Piazzolla escrita por Omar García Brunelli para el
ese mismo año retoma sus creaciones para el cine: Quand Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana (una
la ville s’éveille (1975) de Pierre Grasset; Il pleut sur Santiago voluminosa obra dirigida por el musicólogo español Emilio
(1975) de Helvio Soto, un film de corte político que aborda Casares): ‘‘Si bien continuaba la polémica sobre la raigambre
la coyuntura chilena en 1973: la victoria de Salvador Allende, tanguística de su música [la de Piazzolla], los documentales
el golpe militar, la muerte del líder popular; Le voyage de sobre Buenos Aires, así como las imágenes ciudadanas
noces (1976) de Nadine Trintignant, esposa del actor Jean- transmitidas por los noticieros de cine y televisión, casi
Louis Trintignant; Lumière (1976) de Jeanne Moreau; invariablemente recurrían a sus obras como fondo musical,
Cadaveri eccellenti (1976) de Francesco Rosi; Armaguedon demostrando en la práctica que era esa música, y no el
(1976) de Alain Jessua; ¿Qué es otoño? (1977) de Kohon; A tango clásico, la música que se asociaba inmediatamente
intrusa (1979) de Carlos Hugo Christensen; El infierno tan con la realidad cotidiana y cultural de Buenos Aires’’. Otra
temido (1980) de Raúl de la Torre; Non-Lieu (1982) de Bruno anotación al margen: por extensión (o reterritorialización)
Garntillon, para televisión; ¿Somos? (1982) de Christensen; esta música también devino signo, o incluso figura retórica
Volver (1982) de David Lipszyc; Bella Donna (1983) de Peter compleja, de la urbanidad moderna en otros puntos del
Keglevic; Cuarteles de invierno (1984) de Lautaro Murúa; planeta: Nueva York, París, como ejemplos más claros.
Enrico IV (1984) de Marco Bellocchio. En fin, las idas y vueltas Leo otra vez a Omar Corrado: ‘‘La asociación de la música
de un creador a través del Atlántico, la confirmación del de Piazzolla con la ciudad de Buenos Aires se afirmó con tal
interés que generaba la música de Piazzolla en un mapa potencia que parece una evidencia, un hecho. No es
muy diverso de directores, estéticas, países. frecuente que una música posea tal capacidad referencial
A la noche, un doblete de Pino Solanas. La relación de para construir simbólicamente una ciudad, para condensar
Piazzolla con el director argentino se inició en los años los rasgos pertinentes que los públicos le atribuyen’’.
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Última anotación: la música, como pocas prácticas estructuras propias del canyengue (ritmos asociados a lo
culturales, tiene una capacidad singular para movilizar las ‘compadrito’) para dotar a su música de una intensidad
memorias colectivas, y las re-presentaciones de los espacios corporal única, plantea configuraciones tímbricas inusuales
habitados, construidos, experimentados como propios (el trabajo con el conjunto eléctrico es otro ejemplo), diseña
(territorios), y establecer conexiones de gran poder melodías conmovedoras por su lirismo.
significante. Estos materiales son, indudablemente, recursos con gran
Piazzolla encarna esa cualidad tanto en sus obras potencial para actuar en dos niveles de significación: la
autónomas como las aplicadas al cine. Es el músico de fuerte conexión de su música con la ciudad y con las narrativas
anclaje territorial (Buenos Aires) y a la vez el ejemplar cinematográficas que se construyen a partir de tópicos
prototípico del creador moderno, inquieto, buscador, que se identificados con lo moderno, inquieto, y también con lo
desterritorializa y moviliza significados propios, in- lírico, expresivo, evocativo.
transferibles, del mundo interconectado y urbano. La pila de devedés, discos con bandas sonoras, ameritan
Es él quien doblega la forma tradicional del tango terceras y cuartas revisiones. Los estudios sobre la música
instrumental y el tango canción, para engarzarlo con otros de Piazzolla tienen una deuda: su música para cine. D
lenguajes; es el que cambia las técnicas de interpretación
(en cuanto al fraseo se volvió un emblema su tratamiento
del rubato), recontextualiza formas barrocas (la fuga, por
ejemplo), utiliza patrones repetitivos (en los bajos, por
ejemplo) como motores del impulso rítmico y se apropia de Alexander Laluz. Licenciado en Musicología. Docente y periodista cultural.
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Por María Eloísa Galarregui
Con Quino por

sus 80 mundos
Que el humor es cosa seria ya es un lugar común. No hay artista que no reconozca
que es más fácil lograr el llanto que la risa del público. Sin embargo, Joaquín
Salvador Lavado Tejón, el popular Quino, ha logrado llegar con su humor gráfico a
públicos tan disímiles como el portugués, francés, griego, italiano, sueco, danés,
ruso, alemán, holandés, chino y japonés, entre otros.
E
ste año Quino cumplió ochenta años, pero ya le ha Química, compañera de toda la vida) y profesionales. En
ganado al tiempo y al olvido porque su obra ha 1963 se publicó su primer libro, Mundo Quino, donde ve
llegado a miles de personas en todo el planeta. y dibuja a la especie humana con lucidez y candor.
Su personaje emblemático, Mafalda –nacida el 29 de
setiembre de 1964 en el semanario Primera Plana de Qué es el humor
Buenos Aires–, logró vigencia y encanto a perpetuidad,
al punto que aún es referente y comentada a pesar de No ha sido fácil definir el humor. El origen de la palabra
que el 25 de junio de 1973 decidiera dejar de dibujarla. viene desde muy lejos: Grecia, isla de Kos, año 460 a. C.,
Los padres de Quino llegaron desde Fuengirola, donde Hipócrates –maestro de la medicina– enseñaba
Málaga, España, a radicarse en Guaymallén, provincia que en los humanos existen cuatro humores que se
de Mendoza, Argentina, donde nació el 17 de julio de relacionan con los cuatro elementos de la naturaleza:
1932. Desde que a los tres años comenzó a dibujar bilis con el fuego; atrabilis con la tierra; sangre con el
demostró un precoz sentido del humor. La muerte aire y pituita con el agua. Esta ‘teoría humoral’ se extendió
temprana de sus padres (en 1945 muere su madre, y en por Europa y en el siglo dieciséis, en Inglaterra, Ben
1948 su padre) determinó que debiera trasladarse a Johnson –comediante contemporáneo de Shakespeare–
Buenos Aires con sus viñetas a procurarse sus propios unió el humor al comportamiento de sus personajes
recursos. No le fue fácil encontrar comprensión para su exagerándolos: el bilioso, colérico; el atrabilioso,
humor gráfico, hasta que en 1954 logró su publicación melancólico; el sanguíneo, impulsivo; y el flemático,
en el semanario Esto es. imperturbable. Esto provocó la risa de los espectadores
En 1957 en la revista Rico Tipo conoció al dibujante y se estableció, para siempre, una alianza semántica entre
Divito, a quien admiraba desde su infancia. De él recordó el humor (vocablo médico) y lo cómico. Las situaciones
siempre una importante enseñanza: ‘‘No copiar jamás desaforadas de la vida serán expiadas con la risa.
líneas de otros y tener un respeto total por el lector’’. Robert Escarpit, estudioso del tema, entiende que el
En la década de 1960 tuvo importantes hitos humor nos hace conocer nuestro propio personaje,
personales (se casó con Alicia Colombo, doctora en nuestro comportamiento en lo cotidiano, en lo reconocible,
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pero manteniéndonos a una distancia tranquilizante, a Llega Mafalda
salvo de sentirnos agredidos o angustiados. Es tarea difícil,
no al alcance de improvisados, hacer humor; es un ‘oficio’, Quino ya trabajaba en humor cuando creó Mafalda, a
sólo los humoristas lo manejan con maestría y arte. quien nombró así porque encontró ‘‘divertido’’ el apelativo
Umberto Eco clasifica a los personajes de las tiras de una niña en la obra Dar la cara , del intelectual
humorísticas, en ‘tipos’ y ‘topos’. Los topos son creados argentino David Viñas.
sólo como mero pretexto para que a su alrededor sucedan Ella es contestataria, inconformista, permanente
hechos venturosos o desventurados, pero nunca cuestionadora, heroína en todo lugar y en todo tiempo. Sin
humanamente verosímiles; entretienen con su accionar dudas es su personaje más famoso, al punto que en 1965
sin provocar reflexión (Mickey, Donald, Superman). Lo por las calles de Buenos Aires se voceaba el importante
tipos, por el contrario, son creados para que en su actuar cotidiano El Mundo: ‘‘¡Con las noticias del día y con la
no imiten la vida sino que la vivan; representan Mafalda!’’. El público recortaba las tiras y las coleccionaba.
personalidades válidas, sus vicisitudes son las nuestras, Un visionario editor, Jorge Álvarez, publicó en 1970 el
al par que hacernos reír, removerán nuestra conciencia primer libro de Mafalda con un tiraje de cinco mil ejemplares
(Los Peanuts, Mafalda). que se agotaron ¡en dos días! Estalla el boom Mafalda.
Con sigilo y subrepticiamente el humorista se desplaza Desde mayo del 68, la fama perseguirá a Quino: viaja a
entre dos realidades coexistentes y reconocibles para Europa y Estados Unidos, y en 1976 se instaló con su mujer
todos, como el mago que muestra su galera vacía en Milán. En Argentina se le ofrecen todos los reco-
(realidad primera) y luego saca conejos de ella (realidad nocimientos: en 1988 fue declarado ciudadano ilustre de
inmediata). Mafalda encuentra a su madre ocupada Mendoza y en 1994 recibió igual distinción en Buenos Aires.
únicamente en tareas domésticas (sin duda una realidad En 1994, cuando Mafalda cumplió 30 años, se le dedicó
bien conocida), y al sacar su conclusión –‘‘Lo que pasa es una plaza en el barrio Colegiales de la capital. En 2008
que la mujer en vez de un papel ha desempeñado un se inauguró un gran mural: ‘El mundo de Mafalda’, en la
trapo en la historia’’– da la otra realidad conocida. ¿Cómo estación Perú, debajo de Plaza de Mayo, para disfrute de
se hizo la conexión entre ambas? El humorista no lo debe los que viajan en subte. En 2009 entre las calles Chile y
explicar: el humor no se explica. Defensa, donde vivió Quino, se instaló una escultura y
Al enfrentarnos con la contradicción inexplicable de una placa en el Nº 371: ‘‘Aquí vivió Mafalda’’.
esas dos realidades, Quino nos di-vierte, nos vierte hacia Fue traducida por primera vez al italiano con el título
la risa y a un tiempo nos re-vierte, nos vierte hacia la Libro dei bambini terribili per adulti masochisti; también
reflexión. ‘‘Ser humorista es más que hacer reír’’, dice tiene su versión en portugués, francés, griego, sueco,
Quino, quien con su humor gráfico conquista a todos. danés, ruso, alemán, holandés, chino, japonés.
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Quino opina que ‘‘la idea es lo más importante; luego Y sus amigos
se depurará y enriquecerá el dibujo’’. Por tanto, la dibujó
con total esquematismo, no se preocupó por hacerla linda Un día de enero de 1965, Mafalda estaba en la puerta del
o seguir alguna moda; sí por sus riquísimas expresiones edificio en el que vivía y se encontró con un niño de su
y sus estados de ánimo: indignación, rechazo, sorpresa, edad, Felipe. Quino lo presenta con dos graciosos dientes
ternura. Es una nena; asume su niñez y no la abandona, de conejito (como su gran amigo Jorge Timosi, periodista
igual que a su emblemática ‘moña’. Una nena que juega argentino), orejudo, rubio, pelo sobre los ojos, delgado,
con su osito, baila con los Beatles, saluda a los pájaros, vestido con pantalones largos, remeras enormes, zapatos
habla con los gatos y acuesta su globo terráqueo en su deformados; desajustada su ropa como su vida de
camita. Es preguntona, atiende a los medios de soñador empedernido, de tímido inseguro ‘‘ante la
comunicación, pero analizándolos con agudeza: ‘‘Si la rubiecita del barrio’’. ‘‘Justo a mí tenía que tocarme ser
televisión es el medio de la cultura, mejor que se baje y como yo. ¿Y si no me gusto?’’. Se sienta en su sillita casi
siga a pie’’. No puede creer en cuentos de hadas; puede acostándose; las fuerzas de su voluntad resultan débiles
creer que Dios creó las cosas buenas del mundo, como en este mundo: ‘‘Debería darme vergüenza estar aquí
le dice su mamá, pero sabe que en muchos lugares ‘‘la sentado, mientras otros hacen tantas cosas. ¡Ah!... no
licitación se la dieron a otros’’. Observa atenta a la me da… no termina uno de conocerse’’. ‘‘¿Será tan
naturaleza, ¿por qué el cangrejo camina siempre hacia deshonroso pretender subsistir sentado? (Ante un
atrás?: ‘‘¡Che, mirá que el futuro queda para adelante! o monumento ‘al incansable luchador’): ‘‘¿Incansable?
¿será tan malo el porvenir que éste se vuelve?’’. ¿cómo habrá hecho?’’. No conoce la maldad, sino la
Quino nos recuerda que los niños utilizan nuestras resistencia contra las presiones sociales: obedecer a la
palabras ‘‘no como ventrílocuos’’ sino como personas madre, ir a la escuela, hacer los deberes en lugar de leer
conscientes, dándoles su sentido auténtico; caminan historietas, jugar al ajedrez, corretear junto al Llanero
sobre brasas sin quemarse, lanzándonos llamaradas de Solitario. Mafalda: ‘‘¿Quién es ese tipo? ¿Por qué es
disenso para que sepamos quiénes somos, porque ‘‘lo solitario?’’. Felipe: ‘‘Porque él solo lucha contra todos los
malo es cuando los otros saben que nosotros no sabemos malos’’. Mafalda: ‘‘¿Y todavía no se enteró de que hay
quiénes somos’’. Por algo en España el gobierno franquista que hacer las cosas juntos?’’.
en 1970 obligaba a cruzar los libros de Mafalda con una Tres meses después aparece Manolito, hijo de Don
banda que decía ‘‘Sólo para adultos’’. ¡Qué peligro que Manolo Goreiro, inmigrante español. Manolito sabe qué
los niños conocieran las verdades de Mafalda! quiere lograr en la vida: una cadena de supermercados
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con credit-cards y no con libretas como en el almacén de ve dialogar con los padres. Anda callejeando y cuando
su papá. Su héroe no es un justiciero solitario, sino el regresa a su casa hay un felpudo en la puerta que dice
multimillonario Rockefeller. Sabe ‘‘que el dinero no da ‘‘Bienvenido’’, y él piensa: ‘‘Qué felpudo tan mentiroso’’.
felicidad pero ¡cómo se da maña para imitarla!’’. Para cumplir Es el más desconcertante y quizá por eso el menos risible.
su proyecto anda con la canasta de pedidos a cuestas y un Niño ‘‘istmo’’ con un pie en la infancia y el otro en la
lapicito en el bolsillo de su delantal. ¿De qué le vale saber madurez, y en el que Quino ha puesto más hondura:
que ‘‘el Everest es navegable y quién fue Juan de los Palotes?’’. ‘‘Qué haría de mí sin mí’’, ‘‘Yo no quiero ser grande cuando
La maestra le escribirá al padre: ‘‘Señor Goreiro, su hijo me toque, yo quiero ser grande ahora’’, ‘‘De qué sirve
más que hacer los deberes, los perpetra’’. Manolito nunca ser niño si no te dejan ejercer’’, ‘‘La vida no debería echarlo
demuestra resentimiento; de su maestra dice ‘‘me tiene a uno de la niñez sin asegurarle un buen puesto en la
una especie de ‘simpatía comercial’; cuánto más me conoce juventud’’, ‘‘La vida es como una película; a unos les toca
más me rebaja la nota’’. ser primeros actores y a otros un papelito de morondanga’’,
Ningún personaje de Quino es simple; cuando sus ‘‘A mí lo que quiero que me salga bien, es la vida, y que no
amigos deciden jugar al gobierno y Mafalda pretende ser sea amarreta’’, ‘‘Antes de nacer nosotros, ¿existía el mundo?
presidente ‘‘innovando la tradición’’, él maliciosamente ¿Y para qué?’’, ‘‘¿Qué es la inmortalidad? ¿dónde se puede
cuestiona: ‘‘No, ¡no podés! Porque justamente alguien pedir el formulario?’’. ¡Ah, Quino! Este pequeño solitario que
que quiera innovar no puede ser presidente’’. mira las nubes y el agua de las alcantarillas nos hace
El 6 de junio de 1965 Quino presenta a Susana Beatriz comprender que deberíamos saber, como él, que todo se
Chirusi: Susanita. Se viste, se peina, usa carteritas como acaba, y lo primero, es la infancia.
su mamá. Ella quiere –a diferencia de Mafalda– salir El 5 de febrero de 1973, cuando Quino ya está pensando
cuanto antes de la infancia, ser mayor, casarse, tener en dejar de dibujar la tira, aparece otro personaje ‘‘muy
hijitos: ‘‘La maternidad bien entendida empieza por casa’’. chiquita y muy quemada’’: Libertad. En verdad es chiquitita;
Es parlanchina: ‘‘Mi problema con la comunicación es no su tamaño es la mitad de los otros niños, pero con una
poder incomunicarme’’. Chismosa crónica. Felipe con las cabeza muy grande y ¡cómo la usa! Recién comenzará la
palabras cruzadas: ‘‘A ver, ¿quién puede ser hijo de escuela pero ya se expresa con total madurez. Habita en un
Saturno, hermano de Júpiter, casado con Proserpina?’’. monoambiente donde ‘‘hablan a los gritos para que parezca
Susanita: ‘‘Yo lo que sé, es que el hijo de la del 4º se más grande’’. Tiene una biblioteca, adornos hippies y un
casó con la novia del hermano y ¡hay que ver la que se póster de París; allí reina la imaginación y no la rutina. Su
armó!’’. Envidia y molesta. Felipe con un reloj pulsera madre es alta, espigada, pelo largo, usa jeans, fuma y
nuevo: ‘‘¿Notaron alguna cosa?’’. Susanita: ‘‘¡Claro! No trabaja mucho en una máquina no de lavar ni de encerar,
es automático, ni sumergible, ni luminoso, ni con sino de escribir. Es traductora, ‘‘Sartre… sí, el último pollo
calendario’’. Es muy diferente a Mafalda, pero Quino, en que comimos lo escribió él’’. No leen diarios porque ‘‘inventan
una viñeta deliciosa las dibuja sentaditas de espaldas, la mitad de lo que dicen; y si a eso sumamos que no dicen
abrazándose. Mafalda: ‘‘¿Cómo somos amigas si no nos la mitad de lo que pasa, resulta que los diarios no existen’’.
aguantamos?’’. Susanita: ‘‘Mirá, en vez de no aguantar a Cuando dialoga con los adultos es frontal: ‘‘¡Ah! Lo mío es
un extraño, prefiero no aguantarte a vos’’. No podía faltar soltura y no desfachatez’’. En la escuela trata de imponer
en este humanista la tolerancia con los diferentes. sus métodos. ‘‘¿Cuál es la montaña más alta de América?’’:
Después llegó Miguelito, a quien Mafalda conoció en ‘‘Aquí y ahora no puedo decírselo, pero en mi casa tengo
la playa y resultó vivir en el vecindario. Gordito, con su una revista a todo color que lo explica muy bien. Mañana la
pelo en tirabuzones como virutas u hojas, es menor que traigo y la miramos juntas’’. ‘‘¡Mañana! Lo que vas a traer
los otros niños; siempre vestido de overol porque su es la lección bien aprendida’’. ‘‘¡Ay, señorita! Si usted sigue
mamá vive gritándole ‘‘que no se ensucie’’. Nunca se le así, se va a quedar sola, pero muy sola…’’.
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Le preguntan: ‘‘¿Tu papá piensa votar en las próximas
elecciones?’’. ‘‘Sí, piensa y anda con una cara el pobre…’’.
‘‘¿Por qué? ¿No se decidió por ningún candidato?’’. ‘‘Sí,
se decidió, pobre… ¡y anda con una cara!’’. ‘‘Pero, ¿por
qué? ¿Piensa que no va a ganar?’’. ‘‘No, piensa que va a
ganar y ¡anda con una cara!’’. Según dice ella misma, lo
suyo es la simplicidad.
Quino nos clava un aguijón: la madurez ¿acaso será
el olvido de lo que íbamos a ser? ¡Imposible no admirar a
Libertad! Su coherencia, su valor para decir cuanto piensa
y ante quien sea, nos advierte como el mexicano José
Emilio Pacheco: ‘‘Ya somos todo aquello contra lo que
luchamos a los veinte años’’.
Pero en la tira faltaba un hermanito para Mafalda.
Aparecen los padres preocupados por cómo decírselo.
Padre: ‘‘Dejame a mí, la llamo y se lo decimos: Famalda,
¿podés venir un memontito? Je, je, dentro de unos meses
vas a tener un hermanito’’. Mafalda sufre un shock y cae
al piso.
El hermanito se llama Guillermo pero se le dirá ‘‘el
Guille’’. Mafalda estaba ansiosa por que llegara pero
también preocupada porque es como si su mamá ‘‘abriera
una sucursal en su cariño’’. Menos de diez años separan
al Guille de Mafalda, pero será muy distinto en su
esta historieta durante años sin repetirse ni aburrir, le
lenguaje, en sus modales, en sus valores. ‘‘¡Viedja!
tomaba de ocho a nueve horas diarias, transformándose
¡viedja!’’ ‘‘Pero Guille, ¿qué manera es esa de llamar a
en un esfuerzo, en una imposición. Como la sopa para
mamá?’’. ‘‘No lladmo a mamá. ¿Ez que voz te creez
Mafalda, aun cuando se haya hecho con amor. No dejó
jovenzita?’’. Los horrores de la guerra sólo le provocan la
de crear sus ‘mundos Quino’ con inagotable poder de
pregunta: ‘‘¿Cuándo un paiz ze dompe, dónde lo tidan?’’.
observación, sensibilidad extraordinaria, tierna tolerancia
Si en la televisión no sucede lo que le gusta: ‘‘¡Qué
ante nuestras cegueras y torpezas. Con un dibujo
maneda de hazed peded el tiempo a loz telezpedtadodez!’’.
riquísimo, finamente expresivo en blanco y negro, con o
Cuando su padre abraza a su madre, vocifera: ‘‘¡Ezta
sin textos, nunca apartado de lo humano: A mí no me
ez mi mujed! ¿Te zentiz zelozo podque yo la conozco
grite, Yo que Ud., Hombres de bolsillo, Ni arte ni parte,
dezde que nazí y voz no?’’. Llega a la familia una mascota,
Déjenme inventar, Quinoterapia, Gente en su sitio, Sí,
una tortuguita, naturalmente muy lenta y perezosa (que
cariño, Potentes prepotentes impotentes, Humano se
mereció el nombre de ¡Burocracia!), él resuelve cómo
nace, Yo no fui, Qué mala es la gente, Cuánta bondad,
tratarla: ‘‘¿Y zi la pateamoz?’’, En la carretera un auto
Qué presente impresentable.
poderoso sobrepasa a la querida Citroneta de su padre,
Y está Esto no es todo (título elegido por él, como
éste dice: ‘‘Corré, corré, que mañana vas a salir en los
siempre), una ‘‘antojología’’ de lo que gustó elegir entre
diarios’’. ‘‘¿Pod qué? Zi un auto de vedad paza a unos
sus miles de creaciones. Libro imperdible desde sus tapas:
pobretonez, ¿ez notizia?’’. No perderá tiempo en detenerse
allí aparece volando, libre y feliz, un hombre montado en
a pensar por qué su mamá recurre a la cosmética
su inseparable pluma, mezcla de mago con brujo,
‘‘tratando que los ‘ya’ parezcan ‘todavías’ ’’, ni por qué su
desparramando generosamente sus dibujos; en colores
padre frente al espejo piensa ‘‘no soy todavía un joven
sobre fondo negro. En la contratapa, el plano se amplía y
de 40 años, y ya tengo cosas de un viejo de 39’’. Los
deja ver sobre qué está volando: una tierra desolada y
‘otros’ no tienen la importancia que tenían ‘antes’. Quino
pura chatarra… ‘‘¿es el mundo puaj?’’, ‘‘¿es la vida
sabía muy bien que ‘‘el Guille’’ es la generación a la que
moderna, cada vez más moderna y menos vida?’’. Sin
quiso mandarle una advertencia por intermedio de
embargo, en esta imagen que cierra la obra, hay luz.
Mafalda: ‘‘Antes de venir, piénsenlo’’.
Quino parece dejarnos aquí el mensaje que llevaba el
Quijote en su escudo: Post tenebras, spera lucem. D
Fin de una etapa
En medio de tanto éxito y reconocimiento mundial, el 25

de junio de 1973 Quino entregó en el semanario Siete
días las cuatro últimas viñetas de Mafalda. No volvió a
María Eloísa Galarregui. Doctora en Derecho y Ciencias Sociales. Docente
dibujarla, excepto para casos especiales, como cuando (Udelar). Magistrado judicial. Participación en eventos internacionales sobre
Unicef le pidiera para la Declaración de los Derechos del Comunicación y Derecho. Creadora y directora de programas culturales en
Niño. radio y televisión. Ha dado conferencias sobre ‘‘Quino-Mafalda’’ en teatros,
museos, auditorios y embajadas.
Ha explicado que su decisión se debe a que crear
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98 D

D 99

‘Generoso encuentro con la belleza’, 2007.
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ENTREVISTA CON OUKA LEELE
La poesía luminosa
de una fotógrafa
que pinta
D 101

Por Guillermo Baltar Prendez
B
ajo el nombre de Ouka Leele (ficticia estrella el Centro Cultural de España [ver Dossier Nº 34]. En
plasmada por el pintor José Alfonso Morera, El dicha oportunidad, entre dos audiovisuales (uno realizado
Hortelano, en uno de sus cuadros), Bárbara Allende por la propia autora), fue exhibido el film de Rafael Gordon,
Gil de Biedma (Madrid, 1957) expande ininterrumpidamente La mirada de Ouka Leele . En él se entreven ciertos
su universo artístico. Fotografías que oscilan entre las aspectos de su trayectoria vital, mientras pintaba un mural
intersecciones de la universalidad clásica y la voracidad de grandes proporciones (Mi jardín metafísico) en la
innovadora que ella instaura. Entre los meses de julio y ciudad murciana de Ceutí.
setiembre, una pequeña gran retrospectiva (Ouka Leele: Ha obtenido diversos reconocimientos internacionales,
La utopía transgresora) concebida para representar a su y en España el Premio de Cultura de la Comunidad de
país en la XI Bienal de Arte de El Cairo, fue expuesta en Madrid en 2003 y en el 2005 el Premio Nacional de
Fotografía. También ha sido nombrada Embajadora de
la Candidatura de Segovia Capital Europea de la Cultura
2016. La artista concedió a Dossier esta entrevista
gracias al uso del espacio virtual. Desvelándonos a través
de algunos de sus poemas –uno de reciente escritura– el
mundo literario con el que también cohabita.
Al ver la película realizada por Gordon, una de las

cosas que llama la atención es cuando recuerda su niñez
en la localidad segoviana de San Rafael. Ese mundo de
ramas, piedras e insectos al que define como ‘‘el origen
de la catedralidad’’. Hay en ello algo tan místico como
surrealista, algo que está muy presente en ciertos
períodos de su obra.
Creo que sí, que me ha influenciado mucho el vivir en
el bosque. Te diría que espiritualmente soy una habitante
más del bosque. Mi obra y mi vida son la misma cosa, no
puedo separarlas. No hago trabajos con una visión
comercial, sino por sentimiento, por amor. Por
introspección fundamentalmente, tal vez por acceder a
mi visión interior y querer exteriorizarla. Alguna vez he
dicho que es ‘‘como un ejercicio del recuerdo’’, y en ese
aspecto, una expresión que se acerca principalmente a
lo autobiográfico.
Sus trabajos denotan una búsqueda desde una

interioridad meditada. ¿Toma su tiempo al elaborar una
obra, o hay un impulso ‘francotirador’ que le lleva hacia
ellas? Pienso en la fotografía de la Fuente de Cibeles
(‘Rapelle-toi Bárbara’), realizada en 1987, que fue
prácticamente todo un acto performático, y que tuve la
suerte de presenciar.
Esa foto es precisamente una de mis más grandes obras.
Tanto en cuanto a tamaño, espacio, escenografía, y
repercusión mediática. Está inspirada en el mito de Atalanta
‘La fotografía como escudo’. e Hipómenes (hay un cuadro realizado por Guido Reni entre
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‘La utopía transgresora’.
‘Afeitadoras’, de la serie Peluquería, 1979. ‘Limones’, de la serie Peluquería, 1979. ‘Tortugas’, de la serie Peluquería, 1979.
D 103

1614 y 1620, expuesto en el Prado), que tras su amor
imposible son convertidos en leones. En la fuente éstos
flanquean a la diosa Cibeles. Por entonces el alcalde de
Madrid era Juan Barranco, le expuse el proyecto y ante mi
asombro obtuve la colaboración del Ayuntamiento. Se cortó
el tráfico y hubo un gran despliegue de gente, incluso
introducimos un árbol dentro de la fuente. Había un
componente teatral muy fuerte. Pero como ya te he dicho,
a mí sólo me movía el amor. Recuerdo que venían a
entrevistarme en pleno rodaje y me preguntaban cuál será
entonces la siguiente fuente, en qué cuidad vas a parar
nuevamente el tráfico. Y yo pensaba: ‘‘Pero bueno, es como
si me acabo de enamorar y estoy besando a mi novio y me
preguntan: ¿dinos, venga, dinos quién va a ser tu siguiente
novio?’’. Y en ese momento ese novio era para mí único y
eterno. Todo lo que cuento lo conozco profundamente
porque lo vivo o lo he vivido. Sólo sé hablar de lo que conozco.
He también de decirte que aunque yo cree la escenografía
de mis obras, también en el momento de disparar ha de
ocurrir ese ‘instante decisivo’.
Al hablar de Madrid en el film de Gordon, usted hace

referencia a sus olores y dice: ‘‘El asfalto me entristece
pero también me interioriza’’. ¿Esa suma de contrastes
ha determinado su obra?
Claro, eso es así. El campo te hace saltar y correr, te
hace estar al aire libre. La ciudad te hace pasar más
tiempo dentro de un piso. Te permite pasar horas en las
que puedes dedicar a tu interior. Si lo de fuera no tiene la
belleza sublime de la naturaleza, entonces te hace
buscarla dentro de ti y necesitar bucear en tu interior
para encontrar lo natural.
Ha dicho que la infancia ha sido su fuente de

inspiración. Un salto a través del espejo quizás, a la tierra
del ‘nunca jamás’.
Sí, claramente esto es así. Me gusta traspasar el
espejo y después contarlo. El espejo es como de mercurio,
‘Autorretrato con peineta’, 1976.
y puedes siempre ir y venir…
En alguna oportunidad ha citado a Pablo Pérez-Mínguez

como el fotógrafo más representativo de la ‘movida
madrileña’. Pero desde diferentes ópticas y estéticas,
El proceso creativo deberíamos incluir los trabajos de Alberto García Alix,
Miguel Trillo y naturalmente los suyos propios.
En una entrevista realizada en 2003 por Javier Cuevas, del ¿Tú ves en mi obra, sinceramente, un retrato de ‘la
periódico La Voz de Asturias, Ouka Leele reseñaba así su movida’, o me ves a mí observando, mirando en cada
proceso creativo: ‘‘Es una mezcla de muchas cosas. Lo momento lo que me toca vivir? Si bien he participado de
primero de todo es la idea. Utilizo muchas imágenes todos esos años, personalmente no me considero una
literarias y cinematográficas. En ocasiones hasta se basa retratista de la movida, sino más bien una observadora
en algo que he escrito. Alguna vez hago un boceto del mundo que entonces me rodeaba, así como lo soy
previo, aunque no siempre. Después paso a montar el del que hoy me rodea. Intentando transmutar las
escenario y hago la foto. En un principio trabajaba en imágenes con las que me expreso, en imágenes interiores
35 milímetros, pero no tardé en pasarme a la fotografía
que se parezcan más a lo que veo con mis ojos y a lo que
de placas. Tras revelar tengo que elegir la foto, que
siento con mi alma y mi corazón.
es lo que más me cuesta de todo el proceso. Amplío la
que elijo y pinto con acuarela. Aplicar la pintura lleva
mucho tiempo, porque puedo llegar a tener fotos de Es curioso, porque en esa ‘modernidad’ además de la
dos metros en las que todo lo que es blanco y negro lo eclosión creativa, había también mucho de lo ‘esperpéntico’
vuelvo a color. Hay fotos que me pueden llevar un año’’. de Valle Inclán.
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‘Misterio en las comisuras descubierto por Leonardo’, 2006.
Pues sí. Y desde luego no te deja indemne el recorrido… todo Velázquez. En fotografía entre mis referentes
Aunque en algún momento me molestaba que me claramente está Man Ray, también Irving Penn, y me gusta
relacionaran con ella, ahora estoy orgullosa de haber mucho Jacques Henri Lartigue. Pero reconozco que la
participado de todo aquello. Era un movimiento lleno de fotografía y el cine son herramientas muy valiosas y muy
vitalidad y creatividad, y es un privilegio haber convivido seductoras, que me pierden desde que las conozco. Y
con esa generación de artistas. ‘‘Era como si quisiéramos entonces caigo en sus encantos. Y mira que cada vez son
cambiarlo todo, trastocar el sistema, renovarlo, por lo que más perversas, más llenas de cables y de cosas
también la considero un movimiento social. A veces ese ininteligibles como los píxeles. Mi imaginación crea
espíritu de la movida lo volvemos a sentir cuando coincidimos imágenes en mi mente. A veces vienen representadas
algunos de nosotros o cuando escucho un tema de Carlos como dibujo a lápiz o carboncillo, a veces en palabras,
Berlanga. Volvemos a jugar, a crear juntos’’, declaraba al otras en foto o en danza, o como movimientos
diario El País de España en el año 2009. cinematográficos, o teatrales… Pero suelo ceñirme a lo
que puedo hacer yo solita. El cine y el teatro suponen
Hemos dicho que su amor por la pintura se deja mucho movimiento de gente y dinero, una mayor
entrever en sus obras, pero no desde la óptica infraestructura. Dibujar, pintar y fotografiar es más
‘pictorialista’, sino a través de la indagación de lo explícito. sencillo, y también algo mucho más intimo y solitario.
Incluso reiteradamente ha citado tanto a Velázquez como
al El Greco como uno de sus mayores referentes, y El universo Ouka Leele se prolonga a través de las
también a Man Ray, quien curiosamente siempre se sintió palabras de Bárbara Allende Gil de Biedma. En muchos
más pintor que fotógrafo. ¿Pasa eso en usted? fotógrafos habita un poeta y viceversa. Pienso en Atget,
Claramente, cuando alguien me presenta como en sus registros de París y en las de sus escaparates.
fotógrafa, siento en mí un rechazo. Cuando veo a los Atmósferas e imágenes recuperadas luego por los autores
fotógrafos, veo también lo que les une, son como surrealistas.
cazadores. Yo no tengo esa personalidad. La gente que Soy sobrina del poeta Jaime Gil de Biedma. Él fue
sale en mis fotos son actores, modelos, que están primo hermano de mi madre y alguien muy querido por
representando mi guión. Mi concepción de una imagen y nosotros. Claramente es una figura ineludible en la historia
su elaboración tiene más que ver con Velázquez o con el de la poesía española, y profundizó mi amor por las
teatro o el cine. Pero mi pasión verdadera es el dibujo y palabras. Me dices que mis poemas son difíciles de
la pintura, las obras que desde siempre me conmovieron encontrar ya que no han sido publicados en Uruguay. Los
en el Museo del Prado. Entre ellas las de El Greco, de puedes encontrar en la editorial Sial. Allí esta De la
quien a través de sus pinceladas podía entrever los embriaguez desnuda; en la editorial Huerga el poemario
caminos de la abstracción. Picasso, Dalí, Matise, y sobre Este libro arde entre mis manos y Pan de verbo. Tengo
D 105

‘Espiral de solidaridad’.
más libros editados, pero no sé si están agotados, como me ha ayudado mucho, y luego te explico qué quiero
Poesía en carne viva. En más de una oportunidad he dicho decir con ayudar. También están los místicos como San Juan
que entiendo a la fotografía como ‘‘poesía visual’’, una forma de la Cruz y Santa Teresa. El Cantar de los Cantares, por
también de hablar, aunque sin usar las palabras. Yo quería ejemplo, es para mí un libro circular, una especie de mantra
estudiar Bellas Artes. Estudié pintura y escultura hasta que sin principio ni final. Lo puedes leer desordenadamente.
alguien me habló de Foto-centro, una escuela de fotografía Empezarlo al revés e ir del final hacia el principio es muy
que en los setenta era un referente por el que pasamos misterioso y mágico. Shakespeare me encanta, así como
muchos de nosotros. Gente como Pablo Pérez-Mínguez, también Jacques Prevert, y William Blake (éste tanto en
Carlos Serrano, Jorge Rueda, que también editaban la revista pintura como en literatura). Me encantan los poetas
Nueva Lente. Allí encontré un mundo diferente. Me fascinó visionarios, así como la finura y elegancia de Oscar Wilde,
el proceso del revelado y pensé que una artista de mi época el mundo que describe… Y bueno, soy –¿me lo concedes?–
necesitaba saber hacer fotos. Eso fue antes de irme a Tintín. Ahora te diré que cuando hablo sobre ‘‘ayudar’’ me
Barcelona. Luego comencé a pintar mis fotografías en blanco refiero a la sed de amor, a la de un mundo más acorde con
y negro con acuarela. No era una fotógrafa purista, e incluso mi alma. A mí me ayudó a saciarla la poesía, me ayudó a
tuve el rechazo de muchos. Pero quería unir y difundir las curarla. Me recuerdo en Barcelona, jovencísima… me había
posibilidades de ambas técnicas, algo que más tarde creo ido de casa de mis padres, sin nada, y en mi soledad, en mi
que ha sido comprendido. Actualmente he separado los desolación, encontraba en las palabras de Paul Eluard un
caminos y realizo retoques digitales o correcciones del color bálsamo para mi alma. Éstas me curaban, y así fui entrando
con el photoshop. Ahora puedo tratar la fotografía en color en la necesidad de la poesía y me fui construyendo como
a mi manera, antes dependía del laboratorio. Me gustaría poeta, y ahora estoy en el camino de llegar a curar también
alguna vez compartir mis conocimientos a través de talleres, yo con mis poemas. Alguna vez me los han pedido para
ya que el adiestramiento que tengo tras mi actividad manual curar a alguien y los he escrito en directo. ¿Te imaginas?:
me ha servido mucho al momento de utilizar la tecnología. ‘‘poemas talismanes curativos’’. D
¿Me puede hablar de sus gustos literarios?

Guillermo Baltar Prendez. Licenciado en Periodismo (Universidad
A mí me ha encantado muchísimo García Lorca. Su Complutense de Madrid). Estudió fotografía y cámara en Madrid, y
libro de obras completas ha sido mi libro de cabecera posproducción digital en ECU. Docente del Taller Aquelarre y del Instituto
durante mucho tiempo. La obra de Paul Eluard también Universitario Bios. Poesta y artista visual.
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Simbolismo
de la máscara
Por Anabella Loy y Daniel Vidart
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Por Anabella Loy
La máscara:
entre lo oculto
y lo visible
E
l término máscara tiene dos posibles antecedentes: Pero además, y de acuerdo con mitos geográficamente
mascu, masca (del latín) que significa bruja o extendidos, las máscaras habrían sido creadas por las
fantasma y maskarah (del árabe) que significa mujeres, lo que remitiría, eventualmente, a un lejano
bufón. La palabra persona proviene de ‘máscara’ del teatro matriarcado sobre el cual los investigadores van agregando
(per sonare) que quiere decir “por el sonido de la voz”. evidencias a su hipotética factibilidad.
Cuando hablamos de máscara facial la denominamos
careta, pero puede cubrir otros sectores del cuerpo. Su uso Razón de ser
ha sido documentado a partir del Paleolítico Superior
europeo, y se trata de un rasgo cultural difundido El uso de máscaras genera un cambio en la identidad del
universalmente: ha sido empleada en todos los continentes. sujeto, en función de un conjunto de creencias y prácticas
Es “una falsa cara para darse un aspecto diferente, o bien que varían según el grupo que se analice. Las que son
para disfrazarse…”. 1 Puede, asimismo, representar o consideradas habitadas por espíritus vehiculizan el contacto
reproducir un rostro humano, normal o patológico. entre los humanos y los poderes espirituales, en tanto
Una máscara puede fluctuar desde la simple aplicación protegen a aquéllos de las fuerzas, de otro modo
de una capa de crema, gel o algún otro material sobre el incontrolables, del universo.
rostro, hasta una construcción de tipo escultórico realizada El portador de la máscara mantiene una relación directa,
con materiales variables según el grupo cultural donde haya entonces, con el espíritu y durante el proceso de trance se
sido elaborada. produce un cambio en la personalidad del usuario que está
Los diseños fluctúan entre la más ramplona simplicidad en concordancia con la pérdida de la identidad habitual o
y la elaboración más sofisticada que puede incluir piezas previa. Durante el tiempo en que la comunicación con el
móviles y éstas, a su vez, esconden otros rostros. Los otro mundo se mantiene abierta, el enmascarado adquiere
materiales empleados incluyen maderas, piedras, fibras poder sobre sus semejantes en tanto participa –o controla–
vegetales, hueso, metales, plumas, conchas, pieles, etcétera. las energías espirituales del cosmos cultural peculiar. Y a la
Pueden ser muy reducidas o increíblemente grandes y vez que obtiene ese elan vital, sale purificado de la
zoomorfas, como es el caso del dragón en China para la experiencia vivida.
festividad homónima que requiere varios individuos para “En la máscara se concitan tanto el juego azaroso de
animarse, aunque podríamos discutir si se trata de una nuestro nacimiento como la violencia necesaria de nuestra
máscara como tal. muerte, entre cuyos extremos tiene cabida lo que el hombre
110 D

Méscara Sepik, Papúa Nueva Guinea. Madera y conchas.
D 111

reconoce como el tiempo de su vida”.3 El papel de la máscara fúnebres romanos eran usadas por actores con el fin de
consiste en aportar un sentido de continuidad entre el recordar al fallecido.
presente y el origen de los tiempos que parte del mito y en 6. Terapéutico: miembros enmascarados del grupo
él se expresa y explicita. Se trata de un objeto cuyo carácter están habilitados para prevenir o curar enfermedades; éstos
material es trascendido: venerado y respetado a la vez guían a los demonios fuera del pueblo, cumpliendo así las
que temido –en tanto depositario de alguna cuota de funciones chamánicas. Además alejan las pestes.
malignidad–. Además, está ligada a la representación 7. Fertilidad: los enmascarados realizan ofrendas con
de sociedades secretas. remanentes de la cosecha anterior; la misma máscara
contiene un conjunto de elementos cultivados; aquellas
Funciones destinadas a provocar lluvia ejemplifican con claridad la
importancia de la fecundidad de la tierra.
La máscara cumple funciones variadas según el momento 8. Festiva: esta utilización tenía lugar durante las fiestas,
histórico y la localización geográfica en que despliega su conmemoraciones religiosas y cambios estacionales como
accionar: era el caso durante el Carnaval, antes de la Cuaresma, y el
1. Ritual y religiosa: opera manteniendo el equilibrio de la danza de Moros y Cristianos en Pascua, etcétera.
entre los poderes supraterrenos y la estructura de la 9. Teatral: el teatro comunica una realidad distinta de la
sociedad, a la vez que está rodeada de un halo de misterio cotidiana en la que la tragedia y la comedia se turnan en la
y de secreto. No es casual que muchas máscaras hayan recreación de estados de ánimo, perfectamente expresados
sido destruidas por los misioneros en la época de la Colonia, por medio de las máscaras. Tanto dolor y tristeza como
aunque su uso persiste aún, a modo de ejemplo, en los temor, alegría, ironía o terror están caracterizados
festivales de santos, como es el caso de México. En Nueva plásticamente en estos artefactos emisores de mensajes y
Caledonia la máscara ‘era’ el dios; tanto como el jefe, la generadores de empatía en el auditorio. A menudo los ritos
máscara presentaba un valor cósmico. sagrados eran ridiculizados a través del uso de máscaras
2. Veneración de ancianos: en tanto factores de conexión burlescas, como sucedía en la Fiesta de Locos durante la
con el pasado, las máscaras representan a jefes, amigos, Edad Media.
enemigos o familiares muertos. Las máscaras pueblo y 10. Evitar ser reconocido: es decir ocultar, disimular o
navajo representan a antepasados divinizados y se les rinde intentar hacerse pasar por otro. “El ocultamiento es una
culto. La palabra tótem significa, en una lengua antigua de remisión al misterio: representa lo informe, lo imprevisto,
los indígenas de Norteamérica, “él es mi padre”. Se trata de lo incógnito por sí mismo”.2 Es el caso, mencionado por el
un ser mítico, animal o planta, que se convierte, por citado autor, del verdugo que desde siempre se ha ocultado
afinidades diversas, en antepasado del grupo o clan. Está tras esa máscara peculiar que es la capucha, una moderna
asociado con ciertas prohibiciones rituales –o tabúes–, con ‘máscara de hierro’, utilizada en el pasado reciente como
iniciaciones, fiestas periódicas y mitos de origen. No tiene método de tortura ejercido sobre los detenidos políticos.
poder mágico ni representa a ninguna fuerza de la Es, también, el del antifaz característico de los bailes
naturaleza. Australia, África y América son los continentes europeos y del Carnaval veneciano.
donde el totemismo constituye un rasgo cultural significativo. 11. Espantar y metamorfosearse: la máscara puede tener
3. Disciplinaria: el empleo de estos artilugios actúa como un aspecto guerrero y su uso puede estar acompañado de
exhortación o como castigo a los niños, mujeres o criminales. gestos y gritos con la finalidad de infundir y transmitir miedo.
Éstos pueden ser obligados a portarlas, o pueden ser los Si una mujer usa una máscara de búfalo, se metamorfosea
jueces quienes las lleven colocadas. En el primer caso el con el citado animal.
carácter punitivo se pone en juego como humillación pública; 12. Uso actual: en Occidente se utilizan en el contexto
subsistía hasta hace unas pocas generaciones una versión de fiestas de disfraces como Carnaval y Halloween, como
resumida de la máscara: las ‘orejas de burro’ que se le cotillón o como juguetes infantiles.
imponían a los malos estudiantes. Y también se aplicaba A modo de resumen sobre la variabilidad de este rasgo
como tortura; tal es el caso de la ‘máscara de hierro’ impuesta cultural se aludirá a algunos ejemplos de su uso en contextos
a un excepcional y desconocido prisionero de Luis XIV, cuya geográficos e históricos muy diversos.
identidad jamás fue conocida. El uso de máscaras fue religioso y mágico en
4. Iniciación: se realiza en ceremonias exclusivamente Mesopotamia. En una tablilla asiria del 2200 a. C. se habla
masculinas o femeninas. Los jóvenes son iniciados en la de un rey que colocó en el trono, en reemplazo suyo, a un
adultez y con el nuevo estatus les son transmitidas un jardinero enmascarado que terminó siendo rey (porque al
conjunto de responsabilidades genéricas; este elemento verdadero lo envenenaron).
garantiza el mantenimiento del secreto. Durante dichas En el Antiguo Egipto la vida estuvo siempre muy vinculada
iniciaciones los chamanes y sacerdotes se colocan máscaras con la muerte, conclusión que se deriva de la existencia de
poderosas a los efectos de exorcizar espíritus malignos, una multiplicidad de monumentos funerarios: necrópolis,
predecir, curar y localizar fuentes abundantes de caza y de pirámides, momias, estatuas y máscaras de los muertos.
pesca. Estas últimas presentaron, concomitantemente, un uso ritual,
5. Mortuoria: la máscara conecta el espíritu del muerto religioso y funerario (indicador del deseo de eternidad). Las
con el del mundo, a la vez que honra al difunto y lo protege había de madera, de yeso y de otros materiales: los faraones
de los espíritus malignos a los cuales asusta. En los cortejos eran representados por máscaras de oro. La más famosa,
112 D

Máscara esquimal del suroeste de Alaska.
D 113

la de Tutankamón, posee incrustaciones de lapislázuli y islas Aleutianas como entre los inuit se han encontrado
reproduciría los rasgos del faraón difunto. ‘cráneos modelados’, es decir, cráneos verdaderos vaciados
Dentro del área del Egeo, en el Palacio de Knossos, el y fijados a un sucedáneo del cuerpo elaborado con ramas.
rey y la reina utilizaban máscaras de toro y de vaca para Luego de descompuestos se los arrojaba al osario. Se
reactualizar el matrimonio ceremonial del Sol y de la Luna. colocaban sobre las tumbas, reproduciendo así la imagen
En las sepulturas reales de Micenas, excavadas en la roca, de los muertos. En Siberia el papel del chamanismo se
se recuperaron quince esqueletos ataviados con lujosos expresa asimismo en las máscaras. Animales, humanos y
tocados, joyas y máscaras de oro que eran moldeadas sobre espíritus son los caracteres que éstas ponen en juego. “Los
el rostro de los mismos fallecidos a los efectos de perpetuar antiguos yagakires (tribus subsiberianas del norte) se
sus respectivas memorias. En Troya se descubrieron vasos enmascaraban siempre para disecar el cuerpo de su chamán
funerarios con caras que representan a muertos que muerto, pues el alma del muerto habría podido apoderarse
existieron realmente. Son una especie de urnas con cara. de los vivos”.4 Además el propio chamán, expuesto a
En Eleusis fue donde surgió el teatro a partir de la peligros, empleaba un atuendo especial que incluía el uso
representación del rapto de Coré. En contexto grecorromano de tales objetos (entre los tunguses).
se emplearon máscaras con distintos tipos de rostros según En Japón y en la Europa Medieval los guerreros protegían
el estado de ánimo a representar. Entre las divinidades que sus rostros con cubiertas faciales de acero o hierro; las
provienen desde los lejanos tiempos homéricos, Dionisos japonesas estaban labradas con caras que exhibían muecas
es el que ha mantenido la vinculación más estrecha con las feroces; las de los europeos incluían un sistema de rejillas
máscaras, entre otros motivos porque era un dios de magias o viseras.
y prestigios y debía adoptar formas diversas; se trataba de La máscara escénica en Japón representa a individuos:
una divinidad enmascarada a la vez que dios de un conjunto el samurái, el campesino, la doncella ingenua, la hermana
de personajes masculinos, también enmascarados, de los cerezos en flor, etcétera. En el teatro Noh las máscaras
integrantes de su cortejo: los sátiros y los silenos. En el representan las pasiones humanas. Éstas alcanzaron un
caso de Artemisa, se llevaba su imagen en procesión y, de gran desarrollo técnico y una expresividad y belleza
diversas maneras, se la honraba con máscaras por parte extraordinarias. No son terroríficas. En el Tíbet las máscaras
de bailarines y actores; las había de guerreros jóvenes pero se usaban en el teatro y también como representaciones
también de ancianas, brujas y ogresas, como la gorgónica de divinidades del lamaísmo, en misterios y danzas rituales.
‘loba Mormó’. El teatro griego presentaba un amplio catálogo La pantomima religiosa era parte integral de todos los
de personajes con máscaras asociados a la tragedia y a la teatros orientales y occidentales, pero en el hindú no se
comedia. Existió un verdadero artesanado creador de tales usaban máscaras, excepto en Ceilán (Sri Lanka), donde se
productos. las asociaba a una especie de demonismo, podría haberse
De las tumbas púnicas se han recuperado máscaras de tratado de un aporte local a la influencia hindú. Se las
cerámica que representan demonios cuyas fisonomías identificaba con demonios causantes de enfermedades y a
desagradables permiten deducir una función gorgónica, es los que había que exorcizar. El demonio de la máscara
decir, que fueron realizadas para intimidar. atraería al demonio de la enfermedad, engañándolo,
En el cristianismo temprano desaparece el teatro, que simulando morir. Había dieciocho demonios catalogados para
es retomado en la Edad Media (teatro litúrgico cristiano); la dieciocho enfermedades, de modo que el exorcista podía
máscara tarda en reaparecer y, cuando lo hace, se muestra optar entre dieciocho máscaras; la ceremonia era nocturna
como representación de seres bestiales o demoníacos. y duraba toda la noche. En Ceilán se la usaba para
En el contexto de la América precolombina Teotihuacan representar una leyenda a través de cuya reactualización
exhibe las máscaras del dios de las lluvias, Tláloc, y del de se buscaba alejar calamidades que amenazaban a toda la
la vegetación, Quetzalcóatl, adornando la fachada del templo comunidad.
de este último. Diversas máscaras de piedra, de tipo En el continente africano las máscaras tienen una extensa
funerario, han sido halladas en dicha área. Por su parte los y compacta área de difusión. Leo Frobenius destacó el uso
zapotecas realizaron urnas funerarias de gran tamaño que de la máscara y su correlación con sociedades secretas de
representaban a dioses enmascarados; en una tumba se varones, circuncisión y culto de los muertos. Se manifiesta
desenterró un cráneo sobremodelado, decorado con mosaico en los ritos de iniciación de varones; éstos, confinados en el
de turquesas. Máscaras de oro han aparecido en bosque, reciben un nuevo espíritu (de un antepasado) junto
excavaciones en Colombia. En Perú se las fabricaba para con la ablación del prepucio. Durante el rito se les aparecen
aplicar sobre las momias; en las Aleutianas asimismo éstas seres enmascarados que son los ‘espíritus’. Así surgen
tenían carácter mortuorio. En la costa noroeste de América sociedades secretas con máscaras sobrenaturales. En el
del Norte se usaban máscaras dobles, con un artificio África negra la máscara ostenta un poder sobrenatural; se
mecánico para abrir una y cerrar otra. la vincula con los antepasados y representa a la tradición.
En Nueva Guinea las máscaras Asmat representan a los Muchos son los animales cuyas imágenes aparecen en tal
muertos más peligrosos: los cazadores de cabezas, a la dispositivo aportándole poder. Están asociadas con
vez que en las ceremonias se intenta exorcizarlos; cada ojo sociedades secretas y se mantienen fuera de la visión de
de la misma está cubierto por una cabeza de ave, de madera los no iniciados.
pintada. En tiempos contemporáneos cabe destacar que los niños
Tanto en Nueva Guinea, en Siberia Occidental, en las juegan con máscaras, pero también algunos grupos, como
114 D

Máscara de cascabillo de la tribu iroquesa llevada por mujeres durante los ritos estacionales de la fertilidad.
el Ku Klux Klan, han empleado estos elementos para Notas

disimular la identidad de sus miembros. El Carnaval ha sido 1. Allard, Geneviève y Lefort, Pierre. La máscara. FCE, México, 1988.
tradicionalmente una fiesta de máscaras, tanto en Europa 2. Vidart, Daniel. El espíritu del Carnaval. Banda Oriental, Montevideo, 1997.
como en América Latina. 3. Morey, Miguel. ‘Conjeturas sobre la máscara’ en revista Lápiz, año XIV, Nº
117, España.
Una última reflexión: a las máscaras reales podemos 4. Palavecino, Enrique. La máscara y la cultura. Ediciones de la Municipalidad,
añadirles las simbólicas, las estrategias de ocultamiento Buenos Aires, s/f.
individuales o colectivas que conspiran contra el
entendimiento entre los seres humanos. En estos tiempos
de internet y dadas las facilidades para inventarse ‘perfiles’
anónimos cabe preguntarse por el papel de estas nuevas
máscaras, virtuales, en las que el ciberespacio nos habilita Anabella Loy. Licenciada en Ciencias Antropológicas opción Antropología
a metamorfosear nuestras identidades y, tal vez, a creernos Cultural y Etnografía. Facultad de Humanidades y Ciencias,1986. Magíster
en Ciencias Humanas opción Estudios Migratorios. Facultad de
dioses. D Humanidades y Ciencias de la Educación, 2000. Investigadora, escritora.
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Por Daniel Vidart
LA CAPUCHA, EL ANTIFAZ, LA CARETA Y LA MÁSCARA
Reflexiones
sobre el rostro
ausente
L
a capucha, el antifaz, la careta y la máscara fueron, por sí mismo. Los penitentes de la Semana Santa sevillana
en un pasado no muy lejano, y hoy lo siguen siendo, y los racistas agentes del Ku Klux Klan se convierten a la
los signos heráldicos del Carnaval. Cada uno de estos misma protocola de los filósofos jónicos, detrás de esa
evasores de la realidad, y a veces nuncios de la realidad negación del ser que es la capucha. Que entre nosotros y
otra, lleva a cuestas, en su parafernalia de madera, fibra, en años aciagos adquirió otras connotaciones cuando al
tela y combinados, una constelación de símbolos. Cada socaire del anonimato el prisionero, hombre o mujer,
máscara, especialmente la de los pueblos prealfabetos, perdían su sexo, se trocaban en número para el expediente
no sólo está elaborada con materiales sino que éstos y en carne para el suplicio. Y en el revés de la trama, el
están humanizados y divinizados con cancioneros y ritos. torturador y el verdugo también se encapucharon desde
Los cantos propiciatorios se combinan con las técnicas siempre, porque eran y son los innombrables artesanos
de construcción. Cada ejemplar, único, es un Dios como del Mal, los no identificados amanuenses del Infierno. La
objeto, como expresa el antropólogo Marc Augé. Y cada capucha es informe. No representa a nadie ni a nadie
cual viene al mundo nocturno, al rincón de la selva donde alude. Esconde y silencia. Anula al ser y abre camino al
se elabora y pinta y pule, con su ensalmo, su presencia y no ser. Constituye un signo de interrogación en blanco y
su misterio. De tal modo se incorporan elementos de la negro, que éstos son sus clásicos colores y sus respectivas
cultura a los materiales de la naturaleza. La máscara es alusiones: el ying y el yang, la vida y la muerte, lo humano
la sacerdotisa de otros mundos, la mostración de otras y lo numinoso.
energías, la embajadora de los poderes ignotos y a veces
terroríficos del Cosmos. El cortesano antifaz
La capucha, tiniebla del Ser Otra cosa, aunque con un lejano aire de familia, es el
antifaz. El antifaz consiste en una pieza de raso o
Tras la capucha se esconde la Nada y también, por la terciopelo que cobra auge a partir de los bailes
presocrática apelación a los contrarios, el Todo. El carnavalescos de los salones italianos del siglo diecisiete.
ocultamiento total es una remisión a lo desconocido, Tras un abstracto escondite que deja al aire el mentón
representa lo informe, el Caos primordial, lo incógnito impreciso y la boca locuaz –cuna de la intriga, madre del
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Esta máscara de madera pintada está rematada por mechones de cabello humano. La Sociedad Iroquesa de los Falsos Rostros utilizaba este tipo de máscara
Pertenece a la tribu Tsimhamsi de los indios pescadores nootka y fue descubierta por parte de los médicos-brujos para curar las enfermedades.
en el año 1879 en las islas de la Reina Charlotte, en la Columbia Británica.
Máscara de los esquimales yupico pintada de verde y blanco. Dichos formatos Máscara que reproduce los rasgos de un ser mitológico. El Estrecho de Torres,
y colores se emplean desde mucho tiempo atrás y se les halla aún en al Oceanía. Está fabricada con un caparazón de tortuga y fibras. Se emplea para
actualidad. los rituales fúnebres.
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improperio sutil, alcahueta de verdades barridas debajo
de la alfombra– se esconde un yo elusivo, camaleónico,
portador de propuestas equívocas o negaciones falsas.
Por eso quien lo utiliza disimula los rasgos verdaderos de
su faz, que eran el reflejo del alma hasta que se inventó
la cirugía estética, la técnica que retrotrae a la hierática
sonrisas de la koiré arcaica.
Por eso el antifaz, que escamotea los rasgos prominentes
e identificatorios del rostro, da vía libre a la hojarasca de la
infidencia y a la novelería del chisme, esos bacilos que se
devoran mutuamente en su propio caldo de cultivo. Es el
antifaz –su nombre lo dice– lo que va por delante de la faz
y la cubre, la materia neutra que disimula el mascarón de
proa de la personalidad. El mascarón va bien con el baile de
salón envuelto en el papel de seda de las buenas maneras.
Éstas son el don de la polis, de donde proviene el hombre
poli, finamente educado en las buenas maneras, y el político,
que a veces es muy mal educado porque el poder le permite
serlo. Alcanza con recordar a Calígula y su caballo, nombrado
cónsul. La caja paradojal de las etimologías guarda junto
con la voz politesse la palabra ‘‘policía’’, que nunca se ha
caracterizado por sus refinados modales. Por eso la palabra
que brota detrás del antifaz no se anima del todo a ser soez
Máscara veneciana con forma de pico de ave.
aunque sea destemplada. Sin embargo, puede ser cortante
como una espada o sinuosa como una serpiente. El antifaz,
de tal modo, mediante el mentido recurso de la cortesía es
el solapado testaferro de la civilización.
Caretas profanas y máscaras sagradas
La careta, en general, representa a una cara humana cuyos

rasgos están exagerados o deformados. Fachada de las
imbecilidades, las fealdades o los vicios, remite a la
fisiognomía del pecado cuando no al lombrosiano estigma
de la criminalidad. O a la presencia de lo cómico, que la risa
sólo brota y rebota en el escenario social y no en la soledad
del hombre. De tal modo la careta expresa rasgos antrópicos,
aquellos que son patrimonio de la humanidad y el tiempo,
el trabajo o la penuria destruyen o exageran. Es decir, la
asunción de lo risueño, la catadura de lo dramático, el rictus
de lo trágico. Quien la utiliza mima y encara, durante las
horas de francachela, el bobo del pueblo, el borracho
dicharachero, el rey de los locos, el sosías de la fealdad.
La careta que revive la mueca del burlón incitará a la
burla; la del hipocondríaco al personaje sombrío de La
comedia humana. Pero en todos los casos es un mamarracho
perecedero, porque al cabo el carnaval clásico dura tres
días, y luego viene la constricción de la cuaresma. Fabricado
con cartón, el cuerpo de la careta es arruinado sin remedio
por el sudor y los manotones, por las rondas desaforadas y
las colisiones de borrachos.
Caretas más durables, máscaras ya, construidas con
yeso, cuero y otros materiales sólidos, eran utilizadas en el
teatro de los tiempos clásicos. Estaban coronadas por el
ónkos, una especie de copete que aumentaba la estatura
del actor, el hypocrités, y su boca enorme, con forma de
bocina, oficiaba de megáfono. Este megáfono, que se
utilizaba para acrecentar el volumen y resonancia de las
La clásica y ya casi desparecida caretita criolla de ‘‘a vintén’’. voces en los espacios abiertos –las representaciones
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Máscara de rostro de corazón. Kweel, Gabón. Máscara de danza. Jokwe, Congo.
teatrales se realizaban al aire libre en el teatro griego y el viven en la selva–, despreciados y marginalizados, relegados
romano– servía, como se dice en latín, per sonare, y de allí al escalón más bajo de la humanidad por los conquistadores,
nacen las voces ‘‘personaje’’ y ‘‘persona’’. El teatro griego los viajeros y los propios antropólogos colonialistas. La
tenía tres tipos de máscara para el drama satírico, es decir, máscara constituía también un elemento fundamental en
la comedia, todas con el gesto de la risa. Las de la tragedia, las dionysiai griegas, en las que el tragoi, el macho cabrío,
con el gesto del llanto, llegaban hasta cuarenta y una, según el señor de los sátiros y silenos, le abre las puertas a la
las edades, los sexos y los papeles. tragedia.
La tradición habla de máscaras teatrales, no de caretas. La máscara introduce en la sociedad humana a los
Pero la máscara verdadera es otra cosa. La careta alude al animales protectores de la horda primitiva, al clan de los
mundo humano. La máscara se interna en las sendas de lo brujos, a las deidades de épocas idas y a los fantasmas de
zoomorfo y lo monstruoso. O cuando aparece lo humano se todos los tiempos. Tras ella se despliega la convocatoria a
trata de rostros transfigurados, deformados, alegóricos. La los espíritus de ultratumba, a los genios de la fecundidad, a
máscara, que es ritual, que evoca a los dioses y a los los seres festivos y a los nuncios de la iniciación. Y también
demonios, a los espíritus de los muertos y a las deidades hay un sitio para la chanza grotesca, para la insinuación
del más allá, está construida con los sagrados materiales afrodisíaca, para el llamamiento al ensueño y a la Otra
de la naturaleza, sede de los cuatro elementos primordiales. Realidad. La máscara representa a los entes diabólicos y a
Las hay de caparazones de tortuga, de pieles de animales, los aparecidos, a los gigantes y a los ogros, a las faunas
de crines y cerdas, de maderas pintadas o escarificadas, de fantásticas y el teratomorfismo del Averno que el Bosco y
concha y hueso, de caracoles o de nidos de pájaros, de Bruegel incorporaron a sus cuadros pero, por sobre todas
plumas y de bichos disecados. las cosas, la máscara se apodera del espíritu del usuario, lo
La máscara tiene otras funciones y otra tradición que la convierte en una fuerza de la naturaleza, en un mensajero
careta. A partir de las pinturas rupestres de chamanes con de los númenes, en el poder genésico del Universo o en el
máscaras que figuran con cabezas de cérvidos –el caso del emisario de las potencias sobrehumanas. D
danzante de la cueva francesa de Trois Frères– o de las
extrañas efigies del antiguo Egipto –dioses con cabeza de
pájaro, de vaca, de chacal– el enmascaramiento remite al
animal protector del grupo humano, o a la bestia enemiga, Daniel Vidart. Antropólogo, docente, investigador, ensayista y poeta. Profesor de
que es preciso conjurar. Sus alusiones evocan el mundo de Sociología en el Instituto de Profesores Artigas, y profesor de Antropología Social en
los difuntos, la corte de duendes, el pulular de las almas en la Escuela Universitaria de Servicio Social de la Universidad de la República, hasta
1972. Director del Centro de Estudios Antropológicos Dr. Paul Rivet desde 1962 a la
pena. La función de la máscara paleolítica se reitera en los actualidad y experto de la Unesco en Investigación Sociocultural y Consejero
pueblos mal llamados salvajes –sólo son salvajes los que Regional de Educación Ambiental para América Latina y el Caribe.
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DOSSIER AGENDA MONTEVIDEO
Camnitzer nació en Alemania, creció en
Montevideo, vive y trabaja en Nueva York desde
Por María Noel Álvarez 1964, dejó su huella internacionalmente no sólo
como artista sino como crítico, educador y teórico
del arte. A lo largo de los últimos cincuenta años,
el artista realizó una producción esencialmente
autónoma y diferenciada de la de sus colegas de
Estados Unidos, por su detallismo, fruto de una
intensa observación, su ingenio mordaz, sus
cualidades lúdico-líricas y su polivalencia
irónicamente metafórica, así como por su firme
compromiso sociopolítico. La Daros Latinamerica
Collection que cuenta con la mayor colección
institucional de obra de Camnitzer de todo el
mundo, armó esta exhaustiva muestra que ya
recorrió Suiza, Estados Unidos, México, Canadá
y Colombia, y que ya puede apreciarse también
en Uruguay.
55 Premio Nacional.
Fecha: 15 de noviembre al
10 de febrero de 2013.
Luis Camnitzer. Cecilia Bonilla.
Fecha: 22 de noviembre al
Cecilia Bonilla Bonilla. Pero sin duda que la que aseguran que
será la mejor muestra del año no es otra que la de
y Luis Camnitzer Luis Camnitzer, considerado una de las figuras Luis Camnitzer.
en el MNAV clave del mundo del arte de la segunda mitad del Fecha: 8 de noviembre al
siglo veinte. Esta extensa muestra individual, con
El Museo Nacional de Artes Visuales continúa unas setenta piezas creadas por el artista entre Lugar: Museo Nacional de Artes Visuales
con una extensa agenda en la que se incluyen las 1966 y la actualidad, permite a los visitantes (MNAV). Tomás Giribaldi 2283
muestras del 55 Premio Nacional y de Cecilia acercarse en profundidad a su obra. Si bien esq. Julio Herrera y Reissig.
Daniel Tomasini
expone en el
Museo Zorrilla
El artista plástico y licenciado en Artes Visuales
Daniel Tomasini vuelve a cautivarnos con su paleta
de colores en una nueva exposición de pinturas
denominada El lago de los cisnes. Según él, la
vida es un buen pretexto para pintar y todo se
puede pintar. Sobre esta nueva muestra, explicó:
“La naturaleza canadiense me sirve de continua
inspiración y también se constituye en un desafío:
el de traducir en emoción plástica las impresiones
altamente cromáticas de un paisaje que atrapa.
Escucho la suite de Chaikovski y siento el viento
arremolinado en la copa de los árboles. Las
danzantes desnudas se enredan en el aire húmedo
del atardecer. El lago se agita misteriosamente,
circundado de bosques que destellan los rojos
del otoño. Tomo los pomos de colores y el dulce
aroma del aceite invade el taller. Inicio la batalla
hacia el color con esta materia, suave y densa,
viajando de memoria, inaugurando rincones y
senderos desconocidos. La pintura emerge
como la respiración, agitada o serena, suave o ‘La sombra del cisne’, óleo sobre tela.
profunda, según el tejido de sensaciones que el
ojo acumula, mientras, como en un ritual, evoco Muestra: El lago de los cisnes. / Artista: Daniel Tomasini
lugares aislados, donde, sin embargo, la soledad Fecha: desde el 15 de noviembre. / Lugar: Museo Zorrilla de San Martín.
no existe”. Zorrilla de San Martín 96.
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DOSSIER 35 agenda eventos.pmd 122 06/11/2012, 05:21 p.m.

Álvarez Cozzi recordar que Álvarez Cozzi –diseñador de la
revista Dossier– es un artista visual de amplia
presenta su video trayectoria, que en 2008 obtuvo el Premio Figari
Global Trip que otorga el Banco Central del Uruguay, y fue
pionero en el videoarte en Uruguay, disciplina
que practica desde 1982. Sus videos e
El 24 de noviembre se presentará en la sala de
instalaciones par ticiparon de los más im-
actos del Museo Nacional de Artes Visuales de
por tantes eventos del género a nivel inter-
Montevideo el último video del artista y diseñador
nacional, tales como el Festival Franco-
gráfico Fernando Álvarez Cozzi, titulado Global
Latinoamericano de Videoar te; World Wide
trip. El video fue realizado con material de internet
Video Festival, Holanda; Videobrasil, San Pablo;
y grabado directamente de la pantalla del
3ª Bienal del Mercosur, Por to Alegre; Me-
ordenador mediante un programa de captura.
diations Biennale, Poznan, Polonia; 11ª Bienal
Allí se ven una sucesión de personajes anónimos
de la Imagen en Movimiento, Ginebra, Suiza; y
de diferentes nacionalidades que se exhiben en
el Pandemonium Video Festival de Londres.
internet a través de su propia web cam sobre
un fondo de fotos fijas, con imágenes nocturnas
de ciudades desier tas. Narcisismo exhibi-
cionista, soledad, tedio, erotismo, son lo que Global Trip.
muestran estos personajes de apariencia normal Fecha: 24 de noviembre.
o sumamente freak. No hay palabras, sólo Lugar: Museo Nacional de Artes Visuales
gestos y una banda sonora que remarca el (MNAV). Tomás Giribaldi 2283
estado de ánimo de sus protagonistas. Cabe esq. Julio Herrera y Reissig.
Historias sin texto, de Daniela Davidovich

Por primera vez la artista argentina Daniela Davidovich presentará una muestra individual en
Uruguay, denominada Historias sin texto. Observar, contemplar, cuestionarse y comenzar paso a
paso a caminar. ¿Cuál es la ruta? ¿Hacia dónde dirijo mis pasos y hacia dónde enfoco mi mirada?
¿Quién lo decide? ¿Y por qué? Según su autora, ‘‘las historias sin texto nos dan la íntima libertad
de crear nuestras propias respuestas’’. Davidovich es arquitecta, escenógrafa y artista de gran
renombre que ha participado en varios destacados proyectos y que se presenta en una galería en
pleno corazón de la Ciudad Vieja, con una mística muy particular, como es La Pasionaria.
Historias sin texto.

Fecha: hasta el 3 de diciembre.
Lugar: La Pasionaria. Reconquista 587. Tel. 2915 6852. www.lapasionaria.com.uy
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Art Experience Tour Durante tres días se podrá disfrutar en distintas

locaciones del este de Uruguay, las obras de Sol
Abadi, Mauro Arbiza, Alejandro Avakian, Febo
En Uruguay se desarrollará la primera edición del
Aycardo, Lara Campiglia, Sissely Cordero, Pato
Art Experience Tour, un evento internacional que
Gil Villalobos, Felipe González, Jorge Laborde, Pilar
busca integrar fuertemente el arte latinoamericano
Lacalle Pou, Lucy Mattos, Eduardo Pla, Verónica
con personas que disfrutan de él, sean colec-
Puiggari, Marcela Rettig, Simone Trombini,
cionistas, galeristas o público en general. La
sumadas a una excelente gastronomía y un
experiencia de ‘‘vivir el arte’’, de ver el proceso en
entorno inigualable. Revista Dossier apoya esta
el que una escultura toma forma o cómo se
iniciativa que deseamos que cada año crezca y
plasman los trazos sobre un lienzo, constituye un
sorprena a sus visitantes.
acercamiento al interior del ser que desea transmitir
un modo de sentir y de ver el mundo. Es una Art Experience Tour.
experiencia vivencial que raramente está al alcance Fecha: 7, 8 y 9 de diciembre.
de nuestras posibilidades. Los artistas invitados Lugar: Colinas de Garzón, Jardines
realizarán obras en vivo, explicando sus técnicas Delamar, Las Cárcavas, Residencia Viento
y compartiendo su sentir acerca de qué los inspira del Este, Estancia Vik y Espacio Bertoni +.
a desarrollar esas obras que, luego, deseamos Por más información:
conservar como bienes preciados de colección. www.artexperiencetour.com
Fotografías de
Julieta Anaut
El Foto Club Uruguayo continúa mostrando el
talento tanto de ar tistas nacionales como
extranjeros. En esta oportunidad, se trata de la
argentina Julieta Anaut, quien invita a su muestra
La llegada de las mujeres silvestres. Sobre la
que su autora dice: ‘‘En silencio, cada una ha
decidido que su mirada se parezca al horizonte;
por eso se entregan a la marea, a la inmensidad
y al caminar incesante. Peregrinas de tierra y
plumas, vagan por el desierto en busca del
sentido de la espina; son criaturas que encarnan
el misterio de la plegaria’’. Una muestra que
merece, más que ser explicada, ser sentida en
vivo y en directo. ‘Árbol del milagro’, Julieta Anaut.
La llegada de las mujeres silvestres.

Fecha: del 30 de noviembre al 28 de febrero de 2013.
Lugar: Foto Club Uruguayo. Ejido 1444. Lunes a viernes de 9 a 22 y sábados de 10 a 18.
124 D

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35 artistas menores
de 35 años
en la Fundación
Pablo Atchugarry
En más de una opor tunidad hemos com-
par tido en Dossier el gran apor te que ha
brindado y que brinda la Fundación Pablo
Atchugarry a la difusión de las artes plásticas
tanto de Uruguay como del exterior. Y hemos
destacado el lugar que se les da a artistas Running into the political equator, Jorge Colin.
emergentes, de gran talento, que han tenido
la opor tunidad de exponer al lado de ar tistas
de gran renombre. Una vez más felicitamos y
valoramos una iniciativa que propone dicho
espacio cultural, que se denomina Una
muestra sobre nada, en la que se da a
conocer el trabajo de 35 artistas menores de
35 años. Bien vale la pena mencionarlos a
todos: Federico Aguiar, Víctor Andrade,
Luciano Benites, Cathy Burghi, Mar tín
Canova, Gabriela Castillo, Clipper, Melanie
Cobham, Colectivo Cor to, Francisco Cunha,
María Eugenia Estévez, Maite Faguaga, Marina
Fernández, Fabricio Guaragna Silva, Martín
Hernández, Seida Lans, María Lasarga, Matías
Lasarte, Valentina López Aldao, Ana Laura
Luján, Pedro Luque, Federico Molinari,
Antonella Moltini, Mar tín Pelenur, Placer-
‘Inerte’, Cecilia Bonilla.
Tres muestras del soplo. El segundo componente de la

muestra, una caja luminosa creada a partir de
en el Centro de una lámina desechada, representa un paisaje
Exposiciones Subte estereotípico, donde mediante el pasaje de la
luz se revelan las marcas de su historia. La
combinación de estas obras en el espacio
El Centro de Exposiciones Subte cierra el año
oscurecido, donde la luz actúa como elemento
2012 con un interesante abanico de mues-
seductor, invita al espectador a formar parte de
tras. La primera, El ojo colectivo; en búsqueda
un mundo donde la idealización y el deseo se
de otra subjetividad, tiene como objetivo
presentan en estados exagerados y alterados.
lanzar públicamente la plataforma web
La instalación incita a reflexionar ‘‘poéti-
(www.elojocolectivo.org) y poner en juego
camente’’ sobre la belleza y el deseo manu-
una primera aproximación a la problematización
‘Crochet espejado’, Álvaro Zunini, 2008.
facturado. Y por último, el fotógrafo mexicano
de la curaduría colectiva, reflexionando sobre
Jorge Colin nos propone una experiencia
los procesos contemporáneos de creación
basada en el proyecto Running Into the Political
ar tística con relación a lo colectivo y su
deshacer, Mauro Recchi, Felipe Ridao, Sofía Equator, intervención de sitio basada en el
influencia en la esfera pública. La exposición
Rodríguez, Sofía Sienra, Sr. Estampador, espacio creado por las fronteras entre países.
es el resultado de intercambios y encuentros
Agustina Staricco, Elián Stolarsky, Mar tín La intervención mutará en una exposición de
con trabajos artísticos que incorporan la praxis
Tisnes, Jessie Young y Álvaro Zunini. También resultados del taller impartido por el artista
colectiva, los modelos críticos de acercamiento
habrá música de Alfred Tr umpet Man, durante su residencia en Uruguay dentro del
a la realidad y las experiencias que trascienden
CampoSanto Dj set + live e Ignacio Parodi dj proyecto de coproducción México-Uruguay
los campos ar tísticos. Contará con la
set. Historias de vida increíbles y grandes denominado Secciones.
participación de treinta colectivos artísticos
talentos que merecen ser conocidos y internacionales; teóricos, críticos y artistas que
difundidos. acompañarán las actividades. La segunda, El Ojo Colectivo; en búsqueda de otra
Inerte, de Cecilia Bonilla, es una proyección subjetividad.
Una muestra sobre nada. videográfica de imágenes femeninas se- Inerte, de Cecilia Bonilla.
Fecha: hasta el 15 de diciembre. leccionadas de revistas de moda y belleza. Running Into the Political Equator,
Lugar: Fundación Pablo Atchugarry. Estos retratos son representados inmóviles, del fotógrafo mexicano Jorge Colin.
Ruta 104. Km 4,5. Maldonado. simulando una fotografía, pero al mismo tiempo Fecha: hasta el 2 de diciembre.
Tel: 4277 5563. una par te de su cabello tiene movimiento, Lugar: Centro de Exposiciones Subte.
www.fundacionpabloatchugarry.com añadido de forma artificial y animado por medio Plaza Fabini. Tel. 2908 7643.
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Enrique Príncipe y Rey, Comedia Nacional. Foto: Castagnello.
Comedia Nacional Wolff y Andrea Davidovics). Y por seis únicas

funciones vuelve a subir a las tablas Variaciones
por cuatro Meyerhold, con una actuación memorable del
reconocido actor y director Jorge Bolani, quien
Para terminar este exitoso 2012 la Comedia se pone en la piel de Meyerhold, actor, director
Nacional propone estrenos y excelentes y teórico ruso, nombre clave del teatro del siglo
reposiciones. Terrorismo trata de una amenaza veinte, torturado y asesinado junto a su mujer
de bomba que impide que un hombre realice por el estalinismo. Una obra que invita a la
un viaje de negocios, transformando lo que reflexión y que emociona a quienes aman y
sería un día cualquiera en una cadena de sienten el mundo del teatro.
absurdos y aparentemente inconexos acon-
tecimientos [ver reseña crítica en este mismo
número]. También continúa en escena Enrique Terrorismo.
Príncipe y Rey, el clásico de Shakespeare, con Fecha: hasta el 25 de noviembre.
dirección de Héctor Manuel Vidal, una gran Viernes y sábados a las 21
puesta en escena para celebrar el 65º y domingos a las 19.
aniversario de la Comedia Nacional. Un drama Lugar: Zavala Muniz.
histórico –cargado de enfrentamientos y Doña Ramona.
traiciones, pero con una gran cuota de Fecha: hasta el 25 de noviembre.
comicidad– que acompaña el pasaje de un Viernes y sábados a las 21
joven y juerguista príncipe hasta convertirse en y domingos a las 19.
el autoritario monarca Enrique V. El elenco está Lugar: Sala Verdi. Soriano 914.
integrado, entre otros, por Jorge Bolani, Levón,
Isabel Legarra y Leando Íbero Núñez. Luego Variaciones Meyerhold.
de su exitosa gira por el interior del país, vuelve Fecha: del 14 al 29 de noviembre.
a Montevideo Doña Ramona, obra que obtuvo Lugar: Sala Verdi. Soriano 914.
tres Premios Florencio 2011: mejor elenco, Enrique Príncipe y Rey.
actriz de reparto (Catherina Pascale), vestuario Fecha: hasta el 2 de diciembre.
(Soledad Capurro), y cinco nominaciones Viernes y sábados a las 21
como mejor espectáculo, mejor director, mejor y domingos a las 19.
escenografía y mejor actriz de reparto (Alejandra Lugar: Teatro Solís.
Terrorismo. Comedia Nacional. Foto: Castagnello.
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Buenas nuevas del Muestras por otro, de los trabajadores portuarios. Además,
los testimonios de la llegada de numerosas
Museo Gurvich fotográficas que personalidades destacadas internacionalmente en
El Museo Gurvich tiene una gran noticia para

merecen ser los ámbitos político, científico y artístico, así como
de un inmenso flujo de mercaderías de diversas
comunicar como cierre del año. Inaugurado el visitadas ramas, y del atraque de innumerables embar-
14 de octubre de 2005, a partir de una iniciativa caciones de diversos portes y banderas.
de la familia Gurvich a través de la Fundación José El Centro de Fotografía (CDF) tiene cuatro
Gurvich, con el objetivo de dar a conocer la obra actividades que bien merecen la pena ser
de este artista en forma permanente, sistematizar recorridas. Umbral de las pasiones, del brasileño
y exponer los documentos del archivo, así como Francilins Castelho Lial, analiza cuáles serían las
preservar la colección de obras reunida del artista, fronteras de la pasión. ¿La ley, la religión, los
el museo ha realizado a lo largo de estos siete instintos? Quizás. ‘‘Más que un voyeur, un testigo,
años numerosas actividades culturales de gran es un participante en dichos actos. La cámara
calidad y nivel artístico. Hoy, el Museo comunica sustituye a su cuerpo. Detrás del arte, imagino el
que ha adquirido un nuevo edificio como sede de inmenso trabajo de negociación para conseguir
su institución en la Peatonal Sarandí 522, abriendo penetrar en los lugares y documentar a los
un nuevo período con desafíos propios. El personajes. Y el peligro. La adrenalina, las escenas,
acondicionamiento y reciclaje estarán a cargo del las historias. Y el círculo vicioso que esto genera’’,
Estudio de Arquitectos Giordano-Lorente, y ocupa expresó sobre la muestra Guy Veloso, la curadora.
un edificio de planta baja y dos plantas altas de Por otra parte, Itinerante. Vuelta al mundo en 80
170 metros cada una, totalizando 500 metros imágentes, de Agustina Tierno, es una selección
cuadrados de edificación. A ello se le incorpora fotográfica que muestra la maravillosa aventura de
un nuevo entrepiso de 150 metros y sobre la dar la vuelta al mundo, guiada a través de un
azotea una nueva sala de exposiciones de 150 pulso vivencial, en la que se retratan diferentes
metros con una galería alta de 60 metros, aspectos de las personas, las costumbres, los
totalizando un museo de 860 metros. La nueva hábitos, las ciudades, los paisajes, las comidas, Itinerante. Vuelta al mundo en 80 imágentes.
Agustina Tierno.
propuesta prevé un edificio amigable y de acceso las andanzas más ajenas, más extrañas, más
universal. Con la finalidad de recaudar fondos para interesantes, por lo casual, por lo diversas. También
el reciclaje del Nuevo Museo Gurvich, la Fundación se presenta el brasileño Daniel Ducci, y su trabajo Umbral de las pasiones.
José Gurvich está organizando un remate de obras Lapa, un ensayo fotográfico realizado entre 2001 Fecha: hasta el 5 de diciembre.
de arte a cargo de Castells, para el cual se ha y 2002, en el barrio que da nombre al trabajo, Lugar: Sala del CDF. San José 1360.
convocado a importantes artistas del medio. El situado en la zona oeste de San Pablo, que tuvo Itinerante. Vuelta al mundo
remate será el 20 de noviembre en la sede actual su inicio en una región industrial y proletaria que en 80 imágentes.
hoy es habitada por la clase media en edificios de Fecha: hasta el 6 de diciembre.
alto estándar. ‘‘Las fotografías transforman el barrio Lugar: Fotogalería Prado. Pasaje Clara
en un lugar imaginario, son registros de fragmentos Silva esq. Av. Delmira Agustini, próximo al
de los paisajes y de algunas personas anónimas. Rosedal.
Esas personas andan por las calles, habitan los
Lapa.
lugares, pero casi no son vistas, vagan por las
Fecha: hasta el 12 de diciembre.
imágenes en situaciones solitarias y muchas
Lugar: Fotogalería Parque Rodó. Rambla
veces por las sombras’’, señaló Tatiana Pontes. Y
Wilson y Pablo de María.
por último, Flota marítima y trabajo portuario, de
la Administración Nacional de Puertos, Unidad Flota marítima y trabajo portuario.
Investigación y Patrimonio Documental, donde Fecha: hasta el 21 de noviembre.
del museo, en la Plaza Matriz. La exposición previa
se quiere dar testimonio, por un lado, de la flota Lugar: Fotogalería Ciudad Vieja.
será en el mismo lugar desde el 7 de noviembre
marítima que ha sido y es propiedad de la ANP y, Piedras entre Maciel y Pérez Castellanos.
hasta el momento del remate. Por otra parte, en el
marco de la celebración del aniversario del
nacimiento de Luis Solari, la Intendencia de Río
Negro invitó al Museo Gurvich a formar parte de
los festejos con la muestra José Gurvich y el Cerro, El BNS cierra un gran año con
que será expuesta en el Museo Solari de la ciudad
de Fray Bentos. El Cascanueces
Remate internacional para el reciclaje El Ballet Nacional del Sodre sigue conquistando más adeptos a esta disciplina, y cada vez que
del nuevo Museo Gurvich. estrena una pieza, las entradas se agotan varias semanas antes. Esto es sin dudas un orgullo para
20 de noviembre. Del 7 al 20 de quienes apostaron a la experiencia y trayectoria de Julio Bocca, quien fue elogiado una vez más por
noviembre muestra de las obras la última puesta en escena de La viuda alegre. Ahora, y como cierre de un magnífico año, se
que serán rematadas. presentará en diciembre un clásico: El Cascanueces. Se trata de un cuento de hadas, considerado
Lugar: Museo Gurvich. Ituzaingó 1377. el más clásico de todos los ballets, que ya se ha representado en los principales escenarios del
Plaza Matriz. mundo con figuras de primer nivel y, sobre todo, en época de Navidad. En esta oportunidad, podrá
verse una magnífica versión con un cuerpo de baile excepcional.
Muestra: José Gurvich y el Cerro.
Fecha: hasta el 24 de noviembre. El Cascanueces.
Lugar: Museo Solari. Fecha: 14, 15, 16, 18, 19, 20, 21, 22 y 23 de diciembre.
Ciudad de Fray Bentos. Lugar: Auditorio Nacional Adela Reta. Mercedes esq. Florida. Tel. 2900 7084.
128 D

V Festival de Jazz Martín Inthamoussú; en esta oportunidad será
Martina Gadea la protagonista de homenajear a la
de Montevideo, última estación del año.
Les Luthiers
y mucho más Ciclo del MET desde Nueva York.
La clemencia de Tito: 1 de diciembre
en el Solís a las 15.55.
Un baile de máscaras: 8 de diciembre
Sería imposible enumerar en tan poco espacio a las 15.55.
todas las actividades que propone el Teatro Solís Aída: 15 de diciembre a las 15.55.
en las diferentes expresiones artísticas. Por tal
V Festival de Jazz de Montevideo.
motivo, Dossier recomienda para los amantes de
Fecha: 21 y 22 de noviembre a las 19.
la ópera, del ciclo en directo del Metropolitan Opera
House de Nueva York, obras como La clemencia Estela Magnone.
de Tito, de Mozart; Un baile de máscaras y un Fecha: 20 de noviembre.
clásico como Aída, ambos del genial Verdi. Daniel Viglietti.
También, el V Festival de Jazz de Montevideo, que Fecha: 30 de diciembre.
reúne en dos días a seis excelentes conciertos en
los que participarán, entre otros, Alain Jean-Marie Chist, Les Luthiers.
Trío, Giovanni Mirabassi, Diego Piñera Trío, Sara Fecha: martes 4 y 11 de diciembre
Serpa, Ralph Towner & Javier Girotto Dúo. En a las 21, miércoles 5 y 12 de diciembre
materia de música también se presentarán Estela a las 21, jueves 6 y 13 de diciembre
Magnone y Daniel Viglietti. En teatro se destacan a las 21, viernes 7 y 14 de diciembre
Les Luthiers, con Chist, su más reciente show a las 21, sábado 8 y 15 de diciembre
que consiste en una selección de diez desopilantes a las 21.30 y domingo 9 de diciembre a las 18.
números estrenados en espectáculos anteriores. Las 4 estaciones montevideanas.
Y vuelven Las 4 estaciones montevideanas, de Fecha: 19 y 20 de diciembre a las 21.
Les Luthiers.
Nacer, El elenco uruguayo (integrado por Silvia Copello,

Valentina Gutiérrez Freire, Inés Iglesias, María Noel
en el Teatro Victoria Rodríguez, Silvana Carballo, María Cecilia Silva Cha,
Carolina Alarcón, María José Lage y Gustavo
Tras su exitosa gira por Estados Unidos, se presenta Suárez Maya con dirección de Cecilia Caballero)
durante todo el mes de noviembre Nacer, una se presentó en 2011 y 2012 en salas de
pieza teatral divertida y conmovedora donde ocho Montevideo y Maldonado, y durante mayo y junio
mujeres cuentan sus experiencias de parto, de 2012 realizó una gira por comunidades de
confían sus emociones, pensamientos, miedos y habla hispana en Estados Unidos, entre ellas Miami,
alegrías, permitiendo que cada una recuerde ese West Palm Beach, Nueva York, Austin y San
momento tan intenso que cambió para siempre Antonio, con gran aceptación del público.
su vida. Por medio de monólogos y diálogos
escuchamos las voces de estas mujeres en el día
en que dieron a luz. La puesta en escena tiene la Nacer.
peculiaridad de que luego de cada presentación Fecha: Todos los domingos de
se realizan paneles de discusión entre los actores noviembre a las 19.30.
y talleristas presentes (parteras, doulas, pediatras, Lugar: Teatro Victoria. Río Negro 1479
psicólogos) sobre los temas planteados en la obra. entre Mercedes y Uruguay.
D 129

Exposiciones de que el artista viene realizando y registrando a
través de recorrer las calles, de ver, mirar,
Roberto de León y observar, y volver a ver la realidad de la calle que
Gustavo Jauge invade los sentidos. Dice el artista: ‘‘Caminarla,
mirar y observar, escuchar y navegar, me llevó
a captar parte del arte callejero del grafiti, los
6280 Gallery viene con unos meses muy
grafismos, escrituras varias. La obra no muestra
movidos. En primer lugar, todavía se puede
dibujos, sino grafismos que es lo que fotografío.
disfrutar hasta fines de noviembre de las
Me interesa trabajar y vincular el arte callejero
fantásticas muestras de los artistas Roberto de
de los grafiti, poder tenerlo en un espacio que
León y Gustavo Jauge. Sobre la primera, Analía
no es la calle, lo adopto y lo llevo adentro, lo
Sandleris y Mariana Casares expresaron:
saco de la calle y me lo llevo a mi casa. Saco
‘‘Roberto de León es un pintor salvaje y a la
fotografías de lo que me interesa puntualmente,
vez un artista con mucho oficio. Ordena la
estéticamente, no todo, me filtro yo mismo.
superficie de una forma magistral logrando que
Después del trabajo en la calle, está el trabajo
la magia se haga presente. Revaloriza la actitud
Gustavo Jauge. digital, retoque, colores, montajes, etcétera.
del pintor. En su obra se reconoce la línea, y
Luego la sublimación de la tela y como último
debajo de ella, el trabajo realizado, y en el trabajo,
el trabajo directo con marcadores, pintura,
el diálogo con la obra que subyace y se
biromes, esténcils, etcétera’’. Por otro lado, el
manifiesta a la vez. No es una obra de un
14 de diciembre, varios de los artistas que
abordaje rápido, esta presencia se puede
habitualmente exponen en 6280 Gallery
percibir si uno se da el tiempo de permanecer
participarán de divertidas intervenciones en una
frente a ella y se deja cautivar por esta atmósfera.
nueva edición de Museos en la Noche.
No es necesario ser un entendido para poder
entrar en el mundo de Roberto, se trata de
dejarse invadir por esta presencia, como cuando Muestra Roberto de León y Gustavo Jauge.
una se para en la orilla y espera que el mar le Fecha: hasta fines de noviembre.
lave los pies. En un momento llega’’. Por su Lugar: 6280 Gallery. Alberdi 6280 esq.
Roberto de León. parte, las obras de Jauge surgen de un trabajo Córcega. www.gallery6280.com
Muestra inédita de dibujos, declaraciones escritas de carácter

interno, particularmente los con-servados por
grabado en el blanes el artista Óscar Ferrando, cuyo archivo ocupa
un lugar destacado en esta muestra, junto al
El Museo Juan Manuel Blanes cerrará el 2012 archivo del Museo Juan Manuel Blanes”. Cabe
con una exposición de lujo denominada Club recordar que el Club de Grabado de Montevideo
de Grabado de Montevideo 1953-1993, en el (CGM), fundado en 1953, constituye uno de
marco de la celebración de los 60 años de la los más importantes colectivos de arte creados
fundación del Club de Grabado de Montevideo. en esta ciudad, con una vida pública que se
Se trata de una exposición de carácter inédito, prolongó durante, aproximadamente, cuarenta
que cuenta con la curaduría de Óscar Ferrando, años, y su propósito fue hacer de la técnica de
Ariel Seoane y Jorge Figueroa, y con la grabado una plataforma editorial tendiente a
coordinación general y el montaje del arquitecto desmitificar el “original” y proponer, mediante
la obra múltiple, un acceso popular a imágenes
que construyeron un modelo estético para
artistas e intelectuales de sectores medios y
universitarios, interesados en hacerlas
accesibles a otros ámbitos de la sociedad
durante un período histórico caracterizado por
Grabado de Miguel Bresciano, 1966.
las alianzas clasistas en el plano político y
cultural. Entre los artistas expondrán, entre
Gabriel Peluffo Linari. Este último dijo al
otros: Leonilda González, Susana Turiansky,
respecto: “Propone recoger, por un lado, obras
Carlos Fossatti, Luis Mazzey, Miguel Bresciano,
representativas de aquellos grabadores que
Antonio Frasconi, Rimer Cardillo, Nelbia
tuvieron algún tipo de vínculo con el Club de
Romero, Óscar Ferrando, Ana Tiscornia, Héctor
Grabado de Montevideo en lo que podríamos
Contte y Claudia Anselmi.
llamar sus “dos períodos” (1953-1973 y 1973-
1993), y por otro lado, mostrar bajo el formato
de archivo, una gran cantidad de documentos
que fueron parte de la vida cotidiana de la
institución. No solamente documentos Club de Grabado
públicos como fueron las ediciones de grabados de Montevideo, 1953-1993.
y almanaques, las ediciones de boletines y hojas Fecha: de noviembre a abril de 2013.
informativas, sino también documentos de Lugar: Museo de Bellas Artes
carácter privado: fotografías, correspondencia, Juan Manuel Blanes. Millán 4015.
130 D

D 131

Exposiciones, el 21 de diciembre de este año. En el marco de
las exposiciones se proyecta la película
actividades documental La vida inagotable, sobre la vida
y novedades actual de los mayas, de la directora Erika Araújo.
Y por último, podrán disfrutar de una interesante
en el MAPI muestra relacionada con la música guaraní y
su mística.
Además de algunas muestras que reseñaremos
a continuación, hay una noticia innovadora que Muestras Sacbé. El camino blanco y
ya puso en práctica el Museo de Ar te Profecías Mayas. ¿Qué va a pasar en
Precolombino e Indígena (MAPI). Se trata de 2012?
un recorrido virtual que permitirá al público visitar Fecha: hasta el 21 de diciembre.
‘O espelho e a tarde’, Dias&Riedweg, 2011. el museo desde una nueva perspectiva, donde Muestra música guaraní.
se unirán la tecnología y el conocimiento con Fecha: hasta el 8 de diciembre.
Primera Bienal imágenes impactantes. De aplicación intuitiva
y sencilla, este recorrido visual habilita a los
Lugar: Museo de Arte Precolombino
e Indígena (MAPI). 25 de Mayo 279.
de Montevideo visitantes a introducirse en la colección
permanente, así como a la historia y la
El 23 de noviembre se inaugura la primera Bienal de arquitectura del edificio, por medio de pantallas
Montevideo, un evento de artes visuales de carácter en las que cualquiera podrá navegar y disfrutar
internacional con la participación de más de únicamente a través de gestos y movimientos.
cincuenta artistas de los cinco continentes, que se En cuanto a las exposiciones, Dossier
realizará en el Gran Hall de la Sede Central del Banco recomienda Sacbé. El camino blanco y
República Oriental del Uruguay. El emprendimiento Profecías Mayas. ¿Qué va a pasar en 2012? La
contará con la curaduría general de Alfons Hug, primera, reúne obras del fotógrafo mexicano
quien ha sido curador de la Bienal de San Pablo en Javier Hinojosa, que son el resultado de una
dos oportunidades y de la Bienal del Fin del Mundo serie de viajes por la ruta maya realizados a lo
en Ushuaia; hoy es el director del Instituto Goethe largo de varios años, captando el espíritu y la
en Río de Janeiro; ha sido curador del ILLA en la esencia de una zona llena de misterio y enigmas
Bienal de Venecia 2011 y la Bienal de Curitiba 2011. irresolutos. La otra exposición, producida por
Esta primera edición llevará por título El Gran Sur y, el MAPI con materiales provistos por el Instituto
como dice Hug, ‘‘pone a Uruguay nuevamente en de Estudios Mayas de la UNAM, explica los
el centro de la atención, un país que fue un faro de calendarios mayas y revela los alcances de las
la modernidad a comienzos del siglo veinte, que profecías referidas al cambio que se producirá
luego pasó un poco a segundo plano y que ahora
da señas de un resurgimiento y una revalorización
de su identidad’’. Actividades colaterales se llevarán
adelante en otros espacios de la ciudad, como
comunicación, efectuando así una aguda crítica
museos, centros culturales, galerías de arte,
espacios públicos, aeropuerto, puerto e incluso
Variada propuesta de la cultura y la sociedad contemporáneas, que
en la vía pública. También se realizarán charlas, en el CCE nunca olvida su sutileza irónica y poética. Su
seminarios, debates, talleres, mesas redondas y trabajo combina elementos y procedimientos
conferencias en diversos puntos de la ciudad, que Como ya es habitual, el Centro Cultural de España propios tanto de las artes plásticas como de la
junto con el Proyecto Educativo buscan priorizar la piensa en actividades para acercar a su casa desde literatura o las ciencias sociales. El artista dará una
educación y consolidación de la Bienal de niños hasta adultos, con propuestas por demás conferencia denominada Desvíos poéticos
Montevideo como referencia en los campos del innovadoras. Dossier destaca para los meses provisionales para la desorientación urbana, y un
arte, la investigación y la inclusión social. Se comprendidos en esta edición, en primer lugar, la taller, No/w/here: Montevideo, donde se analizarán
expondrán obras de los artistas Darren Almond, biblioteca itinerante iberoamericana de proyectos las distintas estrategias de intervención de las
Mark Dion, Humberto Vélez, Tamara Cubas, Cecilia editoriales independientes. Una propuesta para prácticas artísticas contemporáneas en la esfera
Mattos, Dias & Riedweg, Gunda Forster, etcétera. todas las edades, que plantea una reflexión sobre pública.
Laetitia D’Arenberg es la presidenta de la Fundación la edición independiente, hoy fundamental en el
Bienal de Montevideo, mientras que la directora desarrollo y difusión de muchos proyectos que La biblioteca itinerante iberoamericana
ejecutiva de la Bienal de Montevideo es Graciela utilizan el libro como soporte o fin en sí mismo. de proyectos editoriales independientes.
Rompani, acompañada de un gran equipo de Por otra parte, Local y Visitante es un proyecto en Fecha: hasta el 20 de diciembre.
profesionales. el que quince ilustradores y diseñadores uruguayos Local y Visitante.
intervinieron las fachadas de determinados locales Fecha: 29 de noviembre a las 19.
1ª Bienal de Montevideo, El Gran Sur. en varias galerías céntricas de Montevideo. Una Conferencia Desvíos poéticos
Fecha: del 23 de noviembre idea muy interesante que además fue seleccionada provisionales para la desorientación
al 30 de marzo de 2013. en la primera convocatoria abierta de proyectos urbana, el 19 de noviembre a las 19
Sedes: Gran Hall de la Casa Central del 2012 del CCE. Por último, queremos darle un y taller No/w/here: Montevideo,
Banco República del Uruguay. Cerrito 351; especial destaque a la visita del reconocidísimo del lunes 19 al viernes 23 de noviembre
Edificio Anexo Banco República del Uruguay. artista visual español Rogelio López Cuenca. Desde de 15 a 19. Ambos dictados por el artista
Zabala 1520; Edificio Atarazana. Zabala sus inicios su obra está marcada por su carácter visual español Rogelio López Cuenca.
1583; Iglesia San Francisco de Asís. político, en el cual se instala a través de un sutil y
Por más información: hábil manejo del lenguaje y la relectura de imágenes Lugar: Centro Cultural de España. Rincón
www.bienaldemontevideo.com.uy cotidianas o procedentes de los medios de 629. www.cce.org.uy
132 D

D 133

DOSSIER AGENDA BUENOS AIRES
CORRESPONSAL EN BUENOS AIRES
Patricia Ianniruberto
Instalaciones de
Christian Boltanski
El francés Christian Boltanski es un artista
destacado en la escena internacional. Nacido
en París en 1944, su obra se centra en temas
ligados a la identidad y la singular tensión entre
la vida y la muerte. Memoria y archivo son dos
de las coordenadas que atraviesan su trabajo.
El Proyecto Boltanski/ Buenos Aires es una
presentación en simultáneo de proyectos site
specific e instalaciones del artista en diferentes
puntos de Buenos Aires. Migrantes es una
instalación que conecta al espectador con la ‘Les bébés polonais’. Instalación. ‘Being Anew (Être à nouveau)’. Videoinstalación. 2005.
memoria y el pasado, y se presenta en el Museo
Hotel de Inmigrantes. El edificio fue construido
en 1906 para alojar y distribuir a los miles de Centro Nacional de la Música de San Telmo se hoc en una isla de Japón. El estudio de
inmigrantes de todo el mundo que en ese presenta Flying books, un conjunto de más de grabación ya funciona recogiendo latidos de
momento arribaban a Buenos Aires y funcionó 500 libros que se mecen suspendidos en el corazón en Buenos Aires.
hasta la década de 1950. En su recorrido por el espacio de la sala de la antigua Biblioteca
hotel, el visitante es sorprendido por más de Nacional que dirigió Jorge Luis Borges. Las Proyecto Boltanski / Buenos Aires.
500 voces que susurran, en distintos idiomas, otras sedes son: el Museo Nacional de la (Migrantes-Obras-Flying books-Archivos
su nombre, profesión, país de origen, datos Universidad de Tres de Febrero (Muntref) donde del corazón).
que constan en los archivos del museo. Durante se presenta una selección de piezas clave de Fecha: hasta el 16 de diciembre.
este tránsito se puede ingresar a otras salas su trayectoria y Tecnópolis, donde se exhibe Más información en:
donde se encuentran instalaciones que, a la Archivos del corazón, un reservorio mundial de www.boltanskibsas.com.ar
manera de una escenografía teatral, evocan los latidos de personas de distintas latitudes que el
recuerdos de los que pasaron por allí. En el artista almacena en un archivo construido ad Foto gentileza: Untref/Muntref.
exposición de una de las figuras más destacadas muestra, además de la pasión, el drama que
de la historia del arte: Francisco de Goya y Lucientes conlleva esta fiesta. Disparates tal vez sea la serie
(1746-1828). Fundado en 1962, el museo más difícil de interpretar. También se presenta la
funciona en una casona del barrio de Belgrano serie ‘Pinturas de Velázquez’, con la que comenzó
construida en 1886. La muestra está basada en a indagar en la técnica del grabado. Acompañan a
una selección de grabados de las principales series la exposición un Ciclo de Conferencias por
de este gran artista español y lleva por título Goya. especialistas en el tema, actividades educativas
Impresiones eternas. Caprichos. Desastres. especiales y un ciclo de cine.
Tauromaquia. Disparates. Considerado uno de
los precursores de la Modernidad en el arte, Goya
Goya. Impresiones eternas. Caprichos.
retrata a la sociedad de su época bajo una mirada
Goya. Impresiones eternas. Caprichos, Desastres. Tauromaquia. Disparates.
crítica que aún conserva una indudable
Desastres, Tauromaquia, Disparates. Fecha: hasta el 20 de noviembre.
actualidad. El guión de la exhibición consta de
Lugar: Museo de Arte Español Enrique
varios ejes temáticos: en Caprichos, el artista
Grabados de Goya exhibe la vanidad y corrupción de la sociedad de
Larreta. Av. Juramento 2291.
Más información en:
su tiempo; en Desastres plasma los horrores de la
ww.museolarreta.buenosaires.gob.ar
El Museo de Arte Español Enrique Larreta cumple guerra, mostrando la locura y la crueldad a la que
cincuenta años y decidió celebrarlo con una puede llegar la humanidad; en Tauromaquia Foto: gentileza MEL.
134 D

Obras de impetuosa y turbulenta, con escenas de tema
religioso de marcada violencia y crueldad,
Caravaggio y de en las que puede verse un enérgico
sus seguidores contraste entre los fondos oscuros y
los personajes bañados por una luz
en el MNBA fuer te y dramática, principal
característica de su producción.
En el marco de la conmemoración del cuarto El primer núcleo de la expo-
centenario del fallecimiento de Michelangelo Merisi sición está compuesto por las
de Caravaggio (1571-1610) el Museo Nacional obras del gran maestro lom-
de Bellas Artes (MNBA) presenta la exposición bardo. En los núcleos restantes
Caravaggio y sus seguidores. Se exhibe un podrán verse las obras de
destacado conjunto de obras de uno de los más quince artistas influenciados
importantes representantes del barroco europeo por Caravaggio, conocidos
y de un grupo de artistas de la época, directamente como Caravaggistas. Estos
influenciados por su producción y técnica, entre pintores utilizaban el claroscuro de
ellos Orazio y Artemisia Gentileschi, Bartolomeo una manera par ticular, diferen-
Cavarozzi, Giovanni Baglione, Hendrick van Somer ciándose entre las distintas escuelas.
y José de Ribera. La muestra fue concebida por la El MNBA posee un importante grupo de
doctora Rossella Vodret, una de las principales piezas del barroco de Bartolomeo Cavarozzi,
especialistas de Caravaggio en Italia, y curada por Luca Giordano, Francisco de Zurbarán, Peter Paul
el profesor Giorgio Leone. Algunas de las obras Rubens, Rembrandt Harmensz van Rijn y José de
expuestas pertenecen a tres de los museos Ribera que también se exhiben. Esta exposición Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio (Milán, 1571-
Porto Ercole, 1610). ‘Medusa / Cabeza de medusa’,
estatales más prestigiosos de Italia: Galleria es posible gracias al apoyo de la Asociación Amigos Siglo XVI (1597-1598). Firmado ‘‘I. Michelan. F.’’,
Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini y del MNBA, de la Embajada de Italia –en su calidad debajo, a la derecha, a lo largo del marco pintado.
Galleria Borghese (ambas de Roma), y la Galleria de auspiciante– y de las empresas patrocinantes. Colección privada. © Collezione Privata.
degli Uffizi de Florencia. Conocido como un artista
‘‘tenebrista’’, cuyo estilo combinaba fondos negros Caravaggio y sus seguidores. / Fecha: hasta el 15 de diciembre de 2012.
con focos de luz intensa, fue probablemente uno Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes. Avenida del Libertador 1473. Más información
de los artistas con mayor influencia en la historia en: www.mnba.org.ar
de la pintura. Sus obras evidencian una existencia Foto: gentileza MNBA
Franz Ackermann
en el Faena Arts Center
Con una instalación de 260 metros cuadrados, especialmente diseñada
para el Faena Arts Center, el artista alemán Franz Ackermann presentará en la
sala Molinos el mural más grande de su carrera, inspirado en la ciudad de
Buenos Aires. Creada a partir de sus experiencias y fotografías tomadas
durante dos meses de trabajo, la obra constará de veinte paneles pintados
con colores vibrantes que enfrentarán al espectador con una perspectiva
colapsada de espacios pictóricos, geográficos y arquitectónicos de la ciudad.
‘‘Cada uno de mis trabajos puede ser entendido como un evento de
reconstrucción y deconstrucción de la memoria. Para mí es importante ser
testigo. Necesito conocer las ciudades en su totalidad, vivirlas’’, dice el
artista. Ackermann nació en Neumarkt St. Veit, en 1963. Los viajes se
transformaron en la piedra fundamental de sus obras. Experimentando con
prácticas inspiradas en la deriva situacionista y la psicogeografía, se vale de
fotografías y bocetos realizados durante sus viajes para hacer mapas mentales.
No se trata de reproducciones miméticas, sino de una síntesis entre el
mundo físico y el psicológico. A partir de éstos compone sus instalaciones Obra de Franz Ackermann. Gentileza Faena Group.
de gran escala. Expuso individualmente en el Kunstmuseum Bonn, el Irish
Museum of Modern Art, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Franz Ackermann.
Madrid, el Museum of Contemporary Art de Chicago, entre otros. Sus obras Lugar: Faena Arts Center. / Fecha: desde el 10 de noviembre.
se encuentran en importantes colecciones como la Daimler Contemporary Aimé Paine 1169. / Más información en: www.faenaartscenter.org
de Berlín e Inhotim Centro de Arte Contemporânea de Minas Gerais. Foto: gentileza Faena Group.
D 135

DOSSIER EVENTOS
El banco BBVA presento el libro: Montevideo, ciudad de casas

La publicación del artista y autor Alfredo Ghierra contiene un registro fotográfico de varias de las casas que distinguen la capital uruguaya.
Óscar Gómez, Alfredo Ghierra, Rosario Corral, José Manuel de la Cruz.
Maui Club
Festejó sus veinte años con una excelente fiesta en el Hipódromo de
Maroñas, y realizó una jornada solidaria para apoyar a la Fundación Gonchi
Rodríguez.
Carlos López, Doménico Cappelli, Juan Carlos Gorini, Alberto Junior, Miguel
del Castillo.
Sevel Diego Fonsalia, Roberto Moar, Pablo Rotkier, Daniela Perez,

Uruguay Bernardo Faincaig, Annamaria Dominici, Alvaro Yaffer, Eunice Castro.
realizó el
lanzamiento
del nuevo
Fiat Palio
En un almuerzo realizado
en la casa central de Fiat
se pudo conocer el nuevo
modelo de la marca.
Axel Parodi, Daniel Chapone. Adriana Muniz, Fabiana Cabot, Pablo Rotkier, Leticia Ponasso.
136 DD
136

D 137

DOSSIER EVENTOS
Santander celebró sus 30 años en Uruguay
Con dos noches de gala especiales a cargo de la orquesta Camerata Bariloche, Banco Santander celebró sus 30 años en Uruguay. Durante el
concierto, la orquesta de música de cámara argentina conmovió al público con interpretaciones de obras de compositores clásicos, como Mozart,
Rossini y Chaikovsky, y también con piezas de Piazzolla.
Claudia Alpuin, Esteban Pérez.
Juan Carlos Chomali, Francisca Castro, Miriam Gordiola, Patricia Damiani, Rodolfo Nin Novoa,
Jorge Jourdan.
La Nueva Clase B La Universidad de la Empresa

de Mercedes-Benz firma acuerdo con la Universidad
Autolíder Uruguay (distribuidor exclusivo de Mercedes-Benz en el país)
Politécnica de Valencia
presentó la Nueva Clase B en su categoría de vehículos compactos.
La UDE formalizó un acuerdo con la Universidad Politécnica de Valencia
mediante el que la UDE tomará a su cargo la gestión del Centro Politécnico
del Cono Sur, ubicado en la ciudad de Colonia del Sacramento.
Guillermo Báez, Dpto. de Marketing Autolíder; Dacio Barrere, ejecutivo de

Ventas Autolíder; Martín Migues, ejecutivo de Ventas Autolíder; Martín Pérez
Minetti, gerente de Ventas de Automóviles de Autolíder; Eduardo Leindekar,
ejecutivo de Ventas Autolíder. Jorge Abuchalja, Javier Orozco, Roberto Brezzo.
138 D

D 139

DOSSIER EVENTOS
Visitando
exposiciones
Dentro la nutridísima agenda cultural que estamos
teniendo en Montevideo, realizamos una sucinta
recorrida por alguna de las últimas exposiciones
de artes visuales: Lizzy Magariños e Ignacio Amorín Cecilia Brugini.
en Espacio Salamandra, el Premio Paul Cézanne
2011 en el MNAV, Federico Guerreros en el
Discount Bank, retrospectiva del Club de Grabado
de Montevideo en el Museo Blanes, Cecilia Brugnini
en el Museo Zorrilla, Guillermo García Cruz en
Galería Diana Saravia. Si desea realizar una visita
virtual completa por estas y otras muestras más,
podrá hacerlo ingresando a nuestra página de
Ana Lustenberg, Gabriel Peluffo, Ana Knobel. Facebook: www.facebook.com/revistadossieruy.
Teresa Salvador de Izquierdo; Embajador de Ecuador, Dr. Emilio

Izquierdo; Verónica Terán.
Alex Magariños, Lizzy Magariños, Elena Nogués,

Inés Dedomenici.
Guillermo García Cruz, Diana Saravia. Federico Guerreros, Adrian Barabino, Jorge Pérez.
Juan Manuel Rodríguez, Carol Pérez, Jimena Lázaro, Sofía Guerreros,

ganador del Premio Paul Cézanne. Marilú Zeballos.
Hugo Gilmet, Pilar Pérez Piñeyro de Peluffo,
Enrique Gómez.
Julia Tiscornia, Luciana Spadaro, Alejandra Santiago Velazco. Ignacio Amorín, Lizzy Magariños.
González, Laura Becerra.
140 D

D 141

DOSSIER EVENTOS BUENOS AIRES
3 2
Los 100 Premios Konex en el escenario. Gyula Kosice, Manuel Álvarez.
1. Caravaggio en el Museo Nacional de Bellas

Artes. Conmemorando el cuarto centenario del
fallecimiento de Caravaggio y con el auspicio de
la Embajada de Italia, el apoyo de la Asociación
Amigos del MNBA y de las empresas patro-
cinantes Case IH, New Holland, Iveco Argentina
y Fiat Auto Argentina, se inauguró en el MNBA la
1
muestra Caravaggio y sus seguidores.
1 Embajadora Magdalena Faillace, directora de
2. Inauguración del Museo de Arte Contem- asuntos culturales Cancillería Argentina;
Miguel Frías, José de Lima Pereira, Rossella Vodret, Guido La Tella, embajador de Italia;
poráneo (MACBA). Con la exposición Intercambio Guillermo Alonso, Arnaldo Spindel. Guillermo Pomi Barriola, embajador de Uruguay.
global. Abstracción geométrica desde 1950,
curada por el estadounidense Joe Houston, y en
presencia de destacadas personalidades del
arte y la cultura, se inauguró el Macba en el
barrio de San Telmo.
3. 33ª edición de los Premios Konex. Se entre-

garon los premios Diplomas al Mérito 2012: Artes
Visuales a las 100 figuras más destacadas de la
última década en Argentina. El Konex de
Brillante se adjudicó a César Pelli y a León Ferrari 1
mientras que el Konex de Honor fue a Carmelo Julio Crivelli, presidente Asociación Amigos MNBA;
Arden Quin. El acto de entrega tendrá lugar el Cristiano Rattazzi, presidente de FIAT Argentina;
13 de noviembre en Ciudad Cultural Konex. Teresa Anchorena, Guillermo Alonso, director MNBA;
Nicolás García Uriburu.
4. Retrospectiva de Josefina Robirosa. Una de 2 5

las mujeres más destacadas de la pintura
Antonio Alvarez Campillo, Gerente General
argentina llenó de color la sala Cronopios del Palacio Duhau-Park Hyatt Buenos Aires;
Centro Cultural Recoleta. La retrospectiva Monique Rozanes, Martha Priu.
incluyó la serie de Bosques, varias obras
circulares, parte de la serie Polípticos y una
instalación de 57 pájaros tridimensionales
dispuestos en el espacio aéreo de la sala.
5. Homenaje a Leopoldo Torres Agüero. En el María José Herrera, Marta Minujin, Aldo Rubino,
Paseo de las Artes del Palacio Duhau-Park Hyatt Rogelio Polesello, María Constanza Cerullo,
Buenos Aires se presentó la muestra Silencio Joe Houston, Lauren Rich.
Lineal, un homenaje al artista geométrico en 4
diálogo con las esculturas en metacrilatos de
su mujer Monique Rozanès. Las obras
pertenecen a su etapa de geometría sensible.
6. El Espacio Cultural Julio Le Parc abrió sus

puertas. Con la presencia de Julio Le Parc y
Joaquín Lavado (Quino), además de autoridades 6
y numerosos invitados, quedó inaugurado el
Joaquín Lavado Quino, Julio Le Parc, Coro de
nuevo espacio de la provincia de Mendoza. Mario Grillo, Josefina Robirosa, Juan Grillo, Boy Olmi. Niños Cantores de Mendoza.
Albergará todas las expresiones artísticas y
culturales. En el hall central se expone Sphère Corresponsal en Buenos Aires: Patricia Ianniruberto. Agradecimientos:MNBA / AAMNBA /
Rouge, una de las grandes obras del maestro del GustavoCantoni, CCRecoleta / Myriam Suetta, Macba, CCJulio Le Parc / Yamil Le Parc, Fundación
arte cinético. Konex, Palacio Duhau-Park Hyatt Buenos Aires.
142 D

FABIAN MENDOZA GARCIARENA
http://mendozagarciarena.wix.com/artes-latinoamerican0-fabian
mendoza@adinet.com.uy / +598 2915 8360
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DOSSIER / AÑO 6 / NÚMERO 35 / NOVIEMBRE-DICIEMBRE 2012
AÑO 6 / NÚMERO 35 / NOVIEMBRE-DICIEMBRE 2012 URUGUAY $ 150 / ARGENTINA $ 35 / BRASIL R$ 19
SEXTO
ANIVERSARIO
Simbolismo de la máscara
Astor Piazzolla Quino: ochenta años Ouka Leele
y su música para cine del creador de Mafalda Una fotógrafa que pinta
9 771688 368003
I SSN 1688368 - 3

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DOSSIER / AÑO 6 / NÚMERO 35 / NOVIEMBRE-DICIEMBRE 2012

AÑO 6 / NÚMERO 35 / NOVIEMBRE-DICIEMBRE 2012 URUGUAY $ 150 / ARGENTINA $ 35 / BRASIL R$ 19

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Tapa: Máscara huichol. /revistadossieruy

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Marcelo Legrand visual reconocible de tal forma o idea. El artista es,

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Claudio Silveira Silva también incluye metales y desechos varios, se

Sin título, xilografía, 1961.

dibujo y del contraste monocromo, sus

Título: Arte de la frontera.

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ArtRio: Feria de arte

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Por Wilmar Umpiérrez

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Título original: Page one, a year

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Por Silvana Silveira

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COLUMNISTA INVITADO por Graf, es que The Washington Post lo calificó

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Por Guillermo Baltar Prendez

Fotografías de Luis Alonso

evocaciones de Proust a través de las la que la lente se ha detenido sobre su boca

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