Martin Taylor Beyond Chord Melo Martin Taylor 4 PDF Free

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Martin Taylor Más allá de la melodía de acordes

Master Jazz Guitar Chord Melody con el virtuoso Martin Taylor MBE Publicado por
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Copyright © 2018 Martin Taylor y Joseph Alexander
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inestimable ayuda en la elaboración de este libro.
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Tabla de contenido
Sobre los autores
Introducción
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Capítulo uno: escalas e intervalos de una cuerda

Puntos de transición
Agregar tonos de guía

Puntos de transición con décimas
Sumando séptimos
Capítulo dos: Movimiento con terceras y séptimas

Décimas en la sexta cuerda
Décimas en la quinta cuerda
Transiciones
Movimiento con séptimas
Capítulo tres: Combinación de décimas, séptimas y movimientos de bajo

Capítulo cuatro: Agregar melodías a las séptimas y décimas
Capítulo Cinco: Escalas Menores
Capítulo Seis: El Sistema CAGED
Segunda parte: Siete pasos para organizar el cielo
Brisa otoñal
Capítulo Siete: Paso Uno Armonía

Capítulo Ocho: Paso Dos Melodía
Capítulo Nueve: Paso Tres Melodía del Acorde
Capítulo Diez: Paso Cuatro Melodía y Bajo
Capítulo Once: Paso Cinco Líneas Internas
Capítulo Doce Paso Seis Melodía, Bajo y Líneas Internas
Capítulo Trece: Paso Siete Variación Melódica
Otros libros de jazz y blues Guitarra de cambios fundamentales
Sobre los autores
Dr. Martin Taylor MBE es un virtuoso guitarrista, compositor, educador e innovador

musical.
La revista Acoustic Guitar lo ha llamado “EL guitarrista acústico de su generación”.

Chet Atkins dijo que Martin es "uno de los guitarristas más grandes e impresionantes
del mundo" y Pat Metheny comentó: "Martin Taylor es uno de los guitarristas solistas
más impresionantes de la historia del instrumento".
Ampliamente considerado como el principal exponente mundial del jazz solista y la
guitarra con los dedos, Martin posee un estilo inimitable que le ha valido el
reconocimiento mundial de otros músicos, fans y críticos por igual. Deslumbra al
público con un estilo característico que combina ingeniosamente su virtuosismo,
emoción y humor con una presencia escénica fuerte y atractiva.
Taylor ha disfrutado de una notable carrera musical que abarca cinco décadas, con
más de 100 grabaciones en su haber. Completamente autodidacta, desde la temprana
edad de 4 años, ha sido pionero en una forma única de abordar la guitarra solista de
jazz que ahora divide en siete etapas distintas para poder enseñar a otros.
Joseph Alexander es uno de los escritores más prolíficos sobre métodos modernos de enseñanza de
la guitarra.
Ha vendido más de 300.000 libros que han educado e inspirado a una generación de futuros músicos.
Su estilo de enseñanza sencillo se basa en romper las barreras entre la teoría y la interpretación, y
hacer que la música sea accesible para todos.
Educado en el Guitar Institute de Londres y en el Leeds College of Music, donde obtuvo una
licenciatura en Estudios de Jazz, Joseph ha enseñado a miles de estudiantes y ha escrito más de 30
libros sobre cómo tocar la guitarra.
Es el director general de Fundamental Changes Ltd., una editorial cuyo único propósito es crear
libros de música de la más alta calidad y pagar excelentes regalías a escritores y músicos.
Fundamental Changes actualmente acepta presentaciones de posibles autores y profesores de todos

los instrumentos. Ponte en contacto a través de webcontact@fundamentalchanges.com
Introducción
En este libro aprenderá un enfoque único para tocar la guitarra solista que sentará las bases para
ir más allá de la interpretación tradicional de melodías con acordes.
La mayor parte de la enseñanza de melodías de acordes se basa en “apretones” de acordes

tradicionales, y se anima a los estudiantes a ubicar notas de melodía dentro de formas establecidas.
Pero esto inmediatamente limita al intérprete a la geometría de la guitarra y, en mi opinión, sofoca
la verdadera expresión. El enfoque de siete pasos de este libro es diferente. Las notas de la
melodía, las líneas de bajo y los acordes se consideran voces separadas e independientes. Los
“acordes” se reducen a sus componentes esenciales para abrir una libertad de movimiento que
ofrece muchas más opciones musicales.
Describo mi forma de tocar como un enfoque polifónico improvisado de la guitarra. Por polifónico
quiero decir que los tres elementos de la melodía, los acordes y el bajo operan de forma
independiente. Mi objetivo es ayudarte a desarrollar una libertad e independencia similares en la
guitarra que te permitirán desarrollar tu propia voz y salir de las “cajas” en las que los guitarristas
tendemos a tocar.
Este es un método básico , que comienza con escalas simples de una cuerda, pasa por inversiones
de acordes simples, encuentra los intervalos más importantes, brinda consejos sobre voces,
melodías, líneas de bajo, voces internas en movimiento y mucho, mucho más.
Comenzaremos de manera muy simple y cada paso se basará en el anterior para mejorar sus
arreglos. A lo largo de este libro, el énfasis está en la exploración y la experimentación, más que
en establecer reglas y teorías. Los primeros ejemplos son simples, pero evolucionan a medida
que avanza el libro.
Con el tiempo, descubrirás que te acercas a la guitarra de manera diferente, a medida que
comienzas a alejarte de las cajas y rejillas familiares y desarrollas tus propios arreglos de jazz
verdaderamente polifónicos.
Cada ejemplo/ejercicio va acompañado de ejemplos de audio que debes descargar. A veces la

música parece muy compleja sobre el papel, pero el audio le dará vida.
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También puedes ver dos demostraciones en video a lo largo del camino que te darán una idea de
mis opciones de fraseo y notas. Espero que les resulten útiles. Estos vídeos están disponibles en:
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¡Sobre todo, recuerda divertirte y disfrutar de la música!

Martín.
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Capítulo uno: escalas e intervalos de una cuerda

La mayoría de los guitarristas comienzan a aprender escalas como bloques que atraviesan el diapasón. En
otros libros he puesto gran énfasis en el sistema CAGED y en el aprendizaje de escalas verticales alrededor
de las formas de los acordes. Por ejemplo, aquí está la escala de Sol Mayor construida alrededor de un
acorde de cejilla de Sol Mayor:
Sin embargo, cuando se trata de improvisar acordes al estilo de una melodía, es esencial aprender escalas
horizontales a lo largo del mástil de la guitarra. Aprender escalas a lo largo de una cuerda permite acceder a
líneas de bajo, melodías y voces de acordes internos sin quedar atrapado en la comprensión de los acordes
"tradicionales".
Al tocar una melodía de acordes, vemos la guitarra casi como si fueran tres instrumentos:
Las líneas de bajo se tocan en las dos cuerdas inferiores.
En las cuerdas centrales se tocan voces de acordes y contramelodías .
Las melodías principales se tocan en las dos cuerdas superiores.
Por supuesto, los puntos anteriores son sólo pautas y se producirán algunos cruces.
Sin embargo, al dividir mentalmente la guitarra en tres secciones melódicas podemos dejar de pensar en la
guitarra como una sola voz.
Todo comienza con escalas de una sola cuerda en las cuerdas del bajo y verás lo importante que es este
enfoque cuando construyamos improvisaciones polifónicas (muchas voces) más adelante.
Comenzaremos aprendiendo la escala de sol mayor a lo largo de la sexta cuerda (mi) de la guitarra.
Ejemplo 1a:
Toque hacia arriba y hacia abajo esta escala para memorizar tanto su patrón como su sonido
usando solo un dedo para tocar cada nota. Aprenda la escala solo con el primer dedo y luego
apréndala también con el segundo y tercer dedo.
Esta escala en la sexta cuerda formará la parte de bajo de todas tus futuras improvisaciones. A
menudo necesitarás tocar notas con el segundo, tercer o incluso cuarto dedo para alcanzar la
melodía y los tonos de los acordes con el índice.
El siguiente patrón te enseña a realizar saltos melódicos en el bajo y te ayuda a memorizar la

escala de forma más completa. Repite el ejercicio usando un dedo diferente cada vez.
Ejemplo 1b:
Ahora aprende la escala de sol mayor en la quinta cuerda. Recuerda que las dos cuerdas más
graves se utilizan para las líneas de bajo, por lo que debemos conocerlas al dedillo.
Ejemplo 1c:
Repita el ejemplo 1b usando las notas de Sol mayor en la quinta cuerda.

Puntos de transición
Es importante explorar diferentes formas de ascender y descender la escala mayor y cambiar de
cuerda en diferentes puntos. El punto en el que cambiamos de cuerda se llama transición.
Por ejemplo, podríamos ascender la escala de Sol Mayor de las siguientes formas:
Ejemplo 1d:
Ejemplo 1e:
Podríamos descender la escala de Sol Mayor de las siguientes formas:
Ejemplo 1f:
Ejemplo 1g:
Dedica tiempo a explorar la escala GM aj y descubre tantas transiciones como puedas

como n.
Agregar tonos de guía

En cualquier acorde, los intervalos de tercera y séptima son las notas más importantes. La 3ª define si el
acorde es mayor o menor y la 7ª define si el acorde es 7ª mayor, 7ª menor o 7ª dominante (7).
Una tercera mayor está dos tonos (pasos completos) por encima de la nota fundamental. Por ejemplo, en
la escala de G,
GABCDEF#G
La tercera mayor es la nota B.
En la guitarra, una tercera mayor se ve así:
Una tercera menor es más pequeña; sólo un tono y medio por encima de la raíz.
Puedes crear una tercera menor aplanando una tercera mayor en un semitono (medio tono).
Entonces, mientras que una tercera mayor por encima de G es B, una tercera menor por encima de G es la nota Bb.
Una tercera menor se ve así en la guitarra:
Si un acorde contiene una tercera mayor, es un acorde mayor. Si un acorde contiene una tercera menor,
es un acorde menor.
Las terceras definen el tipo de acorde, pero no nos sirven de mucho en las cuerdas del
bajo. De hecho, tocar terceras en las cuerdas del bajo de la guitarra puede sonar muy
“turbio”. Es mucho mejor subir estas terceras una octava y colocarlas en las cuerdas
medias de la guitarra.
Cuando una tercera se mueve hacia arriba una octava, podría llamarse décima , ya que ahora está diez notas por
encima de la fundamental:
GABCDEF# GAB
Aunque los músicos normalmente todavía lo llaman 3° por simplicidad, usaremos los
nombres “3°” y “10°” indistintamente a lo largo de este libro.
Una tercera mayor entre la sexta cuerda (E) y la tercera (G) se ve así:
Como era de esperar, una tercera menor entre la sexta cuerda (E) y la tercera (G) se ve así:
Toquemos la escala de sol mayor y agreguemos décimas en la tercera cuerda. Observe que
algunos son mayores y otros son menores.
Ejemplo 1h:
Practica ascender y descender esta escala de acordes hasta que la conozcas al revés, tal
como lo hiciste con las escalas de una sola cuerda en la sección anterior. Pruebe los siguientes
ejercicios para ayudarle a entrar en la escala de acordes.
Ejemplo 1i:
Ejemplo 1j:
Una vez incrustado este sonido en tu cabeza, el siguiente paso es comenzar a experimentar, inventar
melodías cortas y ser creativo agregando tus propios saltos melódicos.
Cuando tocaste los Ejemplos 1h 1j, probablemente colocaste tu primer dedo en la sexta cuerda y
usaste tu tercer dedo para tocar las notas de la tercera cuerda.
Después de todo, esa es la forma más intuitiva de identificar estos intervalos.
Los siguientes ejercicios son algunos de los más importantes de este libro. Estos son los que te
liberarán de los tradicionales acordes y abrirán el diapasón a infinitas posibilidades melódicas. Es
posible que al principio te parezcan antinaturales, especialmente si has tocado mucho ritmo de jazz y
estás acostumbrado a tocar los acordes de una manera específica.
Vuelva a realizar el ejercicio 1h, pero esta vez utilice solo el segundo dedo para tocar las notas bajas
de la sexta cuerda. Debes usar tu tercer o cuarto dedo para tocar los intervalos en la tercera cuerda.
Asciende y desciende la escala de acordes muchas veces usando solo el segundo dedo en la sexta
cuerda. Primero use su tercer dedo exclusivamente para trastear las notas de la tercera cuerda, luego
use su cuarto dedo exclusivamente. Esto te resultará extraño e incómodo al principio, pero poco a
poco te irás acostumbrando.
Siga los ejemplos 1i y 1j de esta manera y luego comience a agregar sus propios saltos.
A continuación, repite los pasos anteriores nuevamente, pero ahora con el tercer dedo en la sexta
cuerda. Debes tocar todas las décimas de la tercera cuerda con tu dedo meñique (cuarto).
Estos ejercicios te parecerán un poco extraños, pero la idea es liberar los dedos de la mano
que se preocupa, para que puedas agregar melodías más adelante. Veremos esta idea en
detalle en el capítulo 4, pero por ahora, revisa la siguiente idea para entender cómo
podemos desbloquear la guitarra usando diferentes digitaciones.
El siguiente ejemplo muestra un patrón melódico corto construido alrededor de la décima.
En todo momento, toco la nota fundamental con el segundo dedo y uso solo el tercero y el
índice en la cuerda de sol.
Ejemplo 1k:
A continuación, transferiremos estos enfoques a la escala de Sol mayor tocada en la quinta cuerda.
Debido a la diferencia en la afinación entre las cuerdas G y B, las terceras mayores y menores se
ven diferentes cuando se tocan entre la quinta y la segunda cuerda.
Los siguientes diagramas le ayudarán a visualizar estos intervalos.
A continuación, toque la escala de acordes de Sol mayor, comenzando desde la nota con traste más
baja disponible en la quinta cuerda.
Ejemplo 1l:
Nuevamente, practique estos intervalos en 3 segundos para ayudarle a memorizar y reconocer la forma de
la escala.
Ejemplo 1m:
Ejemplo 1n:
Es fundamental dejar de utilizar sólo el dedo índice en las notas bajas.

Toque los ejemplos 1l, 1m y 1n utilizando exclusivamente el segundo dedo en la nota de
bajo.
Es muy difícil usar el tercer dedo en la nota baja y aún así tocar el décimo de manera
efectiva, así que evitaría esto por ahora. Sin embargo, con el segundo dedo en la nota de
bajo puedes experimentar con qué dedo usas para tocar la décima. Tanto el tercer como el
cuarto dedo deben estar disponibles.
Como se mencionó, veremos cómo agregar melodías en el capítulo 4, pero por ahora, vea
cuántas formas puede encontrar de trastear en el siguiente ejemplo que incorpora un
movimiento simple en la cuerda de Si. Usa tu segundo dedo para tocar las notas bajas.
Ejemplo 1o:
Practica la idea anterior de forma descendente e intenta crear tus propias melodías.
Puntos de transición con décimas

Así como aprendimos a hacer la transición entre cuerdas con escalas de una sola cuerda,
debemos practicar la transición entre cuerdas usando raíces y terceras. Si practicaste a fondo
antes, los siguientes ejercicios no deberían ser demasiado desafiantes. La clave para progresar
es explorar la guitarra encontrando tantos puntos de transición como sea posible y experimentar
con qué dedo toca la nota del bajo.
Ejemplo 1p:
Ejemplo 1q
Pruebe los dos ejemplos anteriores ascendente y descendente. Tócalos inicialmente con el
primer dedo en el bajo, luego con el segundo dedo y finalmente usa el tercer dedo donde
puedas en la sexta cuerda.
Amplíe estos ejemplos encontrando sus propios puntos de transición o agregando una
decoración simple al décimo como se muestra en el ejemplo 1o. Al principio, mover estas
decoraciones a través de las cuerdas puede requerir una planificación cuidadosa de la
digitación, pero esto se volverá más intuitivo con el tiempo.
Dedica tiempo a trabajar para lograr transiciones suaves y melódicas entre las cuerdas que
son una parte intrínseca de tocar la guitarra polifónica.
Sumando séptimos
Hemos comentado que la siguiente nota más importante en cualquier acorde es la séptima. Dice
Indique si un acorde es de séptima mayor, séptima menor o séptima dominante. La teoría puede conseguir
un poco complejo, pero la siguiente tabla muestra cómo se combinan los terceros y los séptimos para
Formar diferentes tipos de acordes de séptima.
Tipo de acorde fundamental Tercero Quinto Séptimo
mayor 7 1 3 5 7
7 1 3 5 b7
menor 7 1 b3 5 b7
Menor 7b5 1 b3 b5 b7
Los acordes de séptima mayor contienen séptimas mayores.
Los acordes de 7ª menor y 7ª dominante contienen séptimas menores
Así como tenemos intervalos de tercera mayor y menor, tenemos intervalos de tercera mayor y
séptimas menores. Una séptima mayor está siete pasos por encima (o un semitono por debajo) de la raíz. El
La séptima mayor de sol mayor es la nota fa#:
GABCDEF# (G)
Una séptima menor es simplemente una séptima mayor que ha sido aplanada en un semitono (al igual que una séptima mayor).
la tercera menor es una tercera mayor que ha sido aplanada). Una séptima menor es siempre un tono.
debajo de la raíz:
GABCDEF (G)
Compare los dos diagramas anteriores y asegúrese de comprender la diferencia entre séptimas
mayores y menores.
(NB: los músicos de jazz normalmente no dicen “séptima menor”, nosotros decimos b7. Normalmente llamaremos
a la séptima mayor la séptima “natural”, o simplemente la “séptima”)
Tocar la escala de acordes solo con raíces y séptimas suena un poco inusual.
No son tan ricos como las terceras, pero son una parte esencial de las voces de las cuerdas
medias y realmente cobran importancia más adelante cuando se combinan con décimas y
movimientos melódicos. Por ahora, te pediré que confíes en mí y aprendas la escala de acordes
de sol séptima mayor.
Ejemplo 1r:
Practica esta escala de acordes ascendente y descendente hasta que la conozcas al revés, tal
como lo hiciste con las raíces y las décimas antes. Pruebe los siguientes ejercicios para
ayudarle a entrar en la escala de acordes.
Ejemplo 1:
Ejemplo 1t:
Practica los tres ejercicios anteriores usando un dedo diferente para tocar la nota de bajo en la sexta cuerda.
A continuación, toque la escala de sol mayor en séptimas entre la quinta y la tercera cuerda. Observe que
las formas de los intervalos siguen siendo las mismas que en la sexta cuerda.
Ejemplo 1u:
Nuevamente, practique tocar saltos de intervalos de tercera para ayudarlo a memorizar y escuchar esta
forma de escala.
Ejemplo 1v:
Ejemplo 1w:
Nuevamente, no puedo enfatizar lo suficiente la importancia de practicar usando diferentes

dedos para tocar las notas bajas. Realice estos ejercicios y experimente usando solo el
dedo índice para tocar el bajo. Luego pasa unos días usando solo el segundo dedo para
tocar el bajo. Cuando tocas séptimas, puedes usar el tercer dedo para tocar las notas bajas
sin demasiados problemas.
Puedes pasar unos días experimentando con diferentes digitaciones para ver cuánto
puedes liberar los dedos sobrantes de la mano que se preocupa.
Ahora que conoces la escala de acordes de sol mayor en séptimas tanto en la sexta como
en la quinta cuerda, encuentra tantos puntos de transición como puedas, tanto ascendentes
como descendentes en la escala. Cuanto más tiempo puedas explorar esta idea, mejor.
Comenzarás a descubrir que el mástil de la guitarra realmente se abre y obtendrás una
nueva libertad.
Poco a poco, comience a agregar melodías simples para decorar la séptima mientras toca
la escala de acordes. He aquí sólo un posible ejemplo:
Ejemplo 1x:
También hay algunos puntos en los que puedes moverte cromáticamente entre acordes.
Esto funciona especialmente bien con raíz y décimo, pero también puedes probarlo con raíz y
séptimo. Aquí hay dos puntos de la escala en los que puedes cambiar entre acordes menores
mientras te mueves en semitonos.
Ejemplo 1y:
Ejemplo 1z:
Este ha sido un capítulo largo, pero sienta las bases para desarrollar un estilo verdaderamente
libre y polifónico de interpretación de melodías con acordes. Aprender a tocar nuevamente los
acordes mientras los reduce a sus componentes más importantes nos permite acceder a
algunas melodías increíbles y técnicas intrincadas.
Capítulo dos: Movimiento con terceras y séptimas

Este capítulo es donde realmente comenzamos a romper con las formas de acordes
tradicionales y fijas. Es como realizar una pequeña caminata espacial: todavía estamos
atados a la nave (la báscula), ¡pero podemos salir y explorar el universo como queramos!
Décimas en la sexta cuerda

Continuaremos tocando la escala de Sol mayor en décimas, pero ahora veremos con más detalle
cómo podemos agregar movimiento a la décima.
No se preocupe demasiado por la digitación de los siguientes ejemplos. Simplemente elige lo que
funcione. Por supuesto, será beneficioso tocar los siguientes ejemplos utilizando un dedo diferente
para tocar la nota grave (fundamental). Pero si te sientes cómodo y puedes controlar las notas de
la voz superior, entonces eso es suficiente por ahora.
Profundicemos y comencemos tocando la escala de acordes de sol mayor con la fundamental en

la sexta cuerda (mi). La décima se toca en la tercera cuerda (G). Aquí tienes una idea ascendente
que añade una decoración sencilla al día 10.
Ejemplo 2a:
A continuación, hagamos que esa idea sea descendente.
Ejemplo 2b:
Aquí hay otra idea ascendente que agrega una melodía simple por pasos al décimo:
Ejemplo 2c:
Ahora tócalo descendiendo por el mástil.
Ejemplo 2d:
La siguiente idea es más compleja.

Ejemplo 2e:
Te aconsejo que explores tantas posibilidades como puedas encontrar con este tipo
de movimiento el día 10. Si utilizas un dedo diferente en la sexta cuerda, podrás
acceder a diferentes ideas melódicas. Por ejemplo, puedes extender la decoración
del décimo a la cuerda
B: Ejemplo 2f:
Puedes bajarlo a la cuerda D:

Ejemplo 2g:
O puedes combinar ambas ideas en líneas más largas.

Ejemplo 2h:
Practica estos conceptos ascendiendo y descendiendo por el mástil de la guitarra. De vez en

cuando encontrará que las ideas melódicas que cruzan cuerdas son difíciles de inquietar. Es tu
trabajo encontrar una digitación que funcione.
Si te cuesta ser creativo con tus melodías, piensa en el ritmo. Tocar una frase similar, con una
sola nota que suene durante más tiempo, puede llevarte a un lugar melódico completamente
diferente. Vea la diferencia que hace una pequeña alteración rítmica en las siguientes ideas
similares:
Ejemplo 2i:
Ejemplo 2j:
Hasta ahora, cada cambio de acorde se ha movido a través de la escala de forma gradual.
También puedes mover el acorde en terceras o incluso tocar una progresión de acordes simple:
Aquí hay un ejemplo que se mueve en tercios:
Ejemplo 2k:
Diviértete y experimenta.
Décimas en la quinta cuerda

Transfiramos todos los ejercicios anteriores (y tus propias exploraciones melódicas) a la
quinta cuerda (La). Aprendimos la escala de sol mayor en la quinta cuerda en el capítulo
anterior, por lo que no debería ser demasiado difícil usar los oídos para traducir las melodías
y conceptos a través de una cuerda.
Los siguientes ejemplos muestran cómo tocar las primeras ideas de este capítulo con la
raíz tocada en la quinta cuerda.
Ejemplo 2m:
Ejemplo 2n:
No olvides que puedes extender las melodías a las cuerdas superiores e inferiores:
Ejemplo 2o:
Ejemplo 2p:
Analice los ejemplos anteriores y dedique tiempo a experimentar con el ritmo y la

melodía. Recuerda probar tus ideas melódicas con secuencias de acordes simples o
usando saltos interválicos en la parte del bajo.
Cuando domines estas ideas en la quinta cuerda, examinaremos algunos puntos de
transición para ayudarte a evitar grandes saltos físicos.
Transiciones
Al igual que con las escalas del capítulo anterior, es importante explorar los puntos de transición
entre la sexta y la quinta cuerda con décimas. El objetivo es aprender a hacer transiciones
entre las cuerdas cuando queramos, sin perder el ritmo ni el flujo de la melodía. Esto nos
permite mantener las voces de nuestros acordes juntas (si así lo deseamos) y nos da más
control sobre nuestra interpretación.
Hay una gran diferencia de tono entre una melodía tocada en la segunda cuerda y una tocada
en la tercera cuerda, especialmente si estás usando una guitarra de jazz con una cuerda G
(tercera) enrollada. Aprender a hacer transiciones entre cuerdas te permite controlar el tono y
el sentimiento de la melodía en un grado mucho mayor. Escuche las pistas de audio. Notarás
un cambio tonal distintivo cada vez que cambio de cuerda.
No hay aciertos ni errores en lo que respecta a la ubicación de la melodía; todo es cuestión de

gusto personal. La única advertencia que añadiría es que no olvides que estás intentando
comunicar la melodía a tus oyentes, por lo que debería brillar en tus arreglos. Pero, al desarrollar
fluidez y control, podemos obtener más control sobre cómo suena nuestra música, ¡y esto solo
puede ser algo bueno!
Los siguientes ejercicios muestran diferentes formas de realizar la transición de una melodía
de décimas simple a través de las cuerdas. Cada transición ocurre en un punto diferente. Trate
estos ejercicios como punto de partida y explore tantas transiciones como pueda encontrar.
Ejemplo 2q:
Ejemplo 2r:
Ejemplo 2:
Intente utilizar los siguientes movimientos fundamentales para explorar las transiciones mientras
mantiene el patrón melódico en la décima suave y consistente.
Ejemplo 2t:
Movimiento con séptimas

Ahora es el momento de aplicar todo lo que hemos discutido en este capítulo a las voces
fundamental y séptima. Quizás recuerdes que las séptimas tienen un sonido bastante “sin resolver”,
pero cuando les añadimos melodía rápidamente se vuelven mucho más atractivas.
Realice los ejercicios 2a a 2t nuevamente, pero esta vez aplique cada patrón melódico a la raíz y
al intervalo de séptima en lugar de a la raíz y a la décima.
Jugarías el ejemplo 2a de la siguiente manera:
Toque la escala de acordes con raíces en la sexta y quinta cuerda y explore los puntos de
transición lo más que pueda. Es posible que le lleve algunos días o semanas asimilar la información
contenida en este capítulo, pero cuanto más cómodo y competente se sienta, mejor.
Finalmente, repase este capítulo y el anterior nuevamente, pero repita todo en la tonalidad de Do
mayor. Los diagramas de escala para décimas y séptimas se muestran a continuación.
Trabaja en otras tonalidades como Bb, D y A siempre que puedas.

Capítulo tres: Combinación de décimas, séptimas y bajos

Movimiento
Antes de ver la combinación de movimientos en las décimas y séptimas, examinaremos cómo agregar
movimiento a la nota fundamental de cada intervalo y comenzaremos a mezclar estos movimientos en
ambas voces.
Comencemos con un movimiento simple agregado a la raíz mientras ascendemos la escala de Sol mayor
con décimas. Piensa detenidamente cómo puedes tocar los siguientes ejemplos para alcanzar cada nota
con fluidez. Para empezar, algunos de estos movimientos de bajo pueden resultar un poco exagerados.
Ejemplo 3a:
Ahora juega la misma idea descendente.
Ejemplo 3b:
Agreguemos un poco más de movimiento con el bajo. Es posible que te veas obligado a deslizarte a la nota
más alta en cada movimiento y dejar de mantener presionada la décima. ¡Esto esta bien!
Ejemplo 3c:
Luego juega una figura descendente similar.
Ejemplo 3d:
Dedica algo de tiempo a explorar los movimientos del bajo con décimas.
Los ejemplos anteriores le mostraron cómo utilizar pasos de escala diatónica para crear movimientos
alrededor de las raíces. Sin embargo, también es común utilizar notas cromáticas (sin escala) para
moverse entre los pasos de escala y decorar la parte del bajo.
Los siguientes dos ejemplos le enseñarán un par de formas de utilizar notas cromáticas y deberá utilizarlas
como punto de partida para su propia exploración.
Ejemplo 3e:
Ejemplo 3f:
Cuando se sienta cómodo agregando movimiento a la nota de bajo en la sexta cuerda,

intente repetir los seis ejercicios anteriores con raíces en la quinta cuerda.
El siguiente ejercicio le ayudará a empezar.
Ejemplo 3g:
Nuevamente, dedique tiempo a explorar sus propias variaciones.

Finalmente, comience a investigar los puntos de transición entre la sexta y quinta cuerda.
Utilice los ejercicios del capítulo 2 para ayudarle a ponerse en marcha. Un ejercicio útil es
realizar un movimiento de bajo constante a lo largo de la transición. Mantenga constante el
movimiento, el patrón y el ritmo mientras aprende a cambiar de cuerda. Esto te enseñará a
controlar antes de comenzar a crear tus propias melodías. Aquí tienes un patrón que te ayudará
a empezar:
Ejemplo 3h:
Dedica todo el tiempo que puedas a explorar estas ideas.
Cuando comenzamos este viaje, dividimos nuestro enfoque en un esqueleto que incluía solo
las partes constituyentes básicas de los acordes: la fundamental y la décima y la fundamental
y la séptima.
Cuando combinamos la fundamental, la décima y la séptima en una sola voz, volvemos a

formas de acordes en bloque que quizás ya conozcas y que se usan comúnmente en el jazz.
Ahora, sin embargo, tienes una idea mucho mayor de cómo cada nota del acorde puede
funcionar como una voz individual y puedes agregar movimiento musical a cada una.
¡Regresar a estos acordes en bloque es solo un trampolín momentáneo en nuestro viaje hacia
la libertad creativa!
Aquí está la escala de acordes de sol mayor tocada en la sexta cuerda con décimas y séptimas.
Intente inquietar estas voces usando el segundo dedo de la sexta cuerda.
Ejemplo 3i:
Aquí está la escala de acordes que asciende a la quinta cuerda.
Ejemplo 3j:
Asegúrese de sentirse cómodo con estas formas en ambas cuerdas y una vez más vea cuántas formas
puede encontrar para realizar la transición entre las cuerdas. Si hizo su tarea en el capítulo anterior, esta
debería ser una tarea bastante fácil.
Comencemos agregando movimiento a las décimas en cada una de estas voces. Nuevamente, es posible
que desees comenzar con el segundo dedo tocando las notas fundamentales.
Ejemplo 3k:
Ejemplo 3l:
Ahora aplica estas ideas a la quinta cuerda. Aquí hay algunos movimientos nuevos para el día 10.
Ejemplo 3m:
Ejemplo 3n:
Ahora encuentre algunos puntos de transición entre cadenas.
Estas voces pueden parecerle inusuales o incómodas al principio. ¡Incluso pueden ir en contra de lo que
creías saber sobre cómo digitar correctamente las formas de los acordes!
Sin embargo, así como todos esos acordes de jazz que ya conoces se convirtieron en algo natural,
estas digitaciones también lo harán. De hecho, descubrirá rápidamente que tiene muchas más opciones
y mucha mayor libertad para las voces de acordes y la improvisación que antes.
Tal vez recuerdes del capítulo anterior que las voces raíz y séptima suenan un poco raras. Lo que
encontrarás ahora es que cuando se combina con el 10, y con algo de movimiento añadido, todo
empieza a encajar en su lugar. La décima apoya a la séptima y permite que la música “transporte”
este intervalo ligeramente disonante.
Intente agregar algo de movimiento al séptimo. Es posible que de vez en cuando necesites
levantar el dedo desde la raíz o la décima para reproducir lo que escuchas.
Ejemplo 3o:
Ejemplo 3p:
Ejemplo 3q:
¡Ahora es el momento de perder las restricciones! Los siguientes ejemplos combinan movimientos
con séptimas y décimas. No te preocupes por el ritmo, simplemente explora la guitarra y mira
qué sonidos te ofrecen las diferentes digitaciones.
Ejemplo 3r:
Ejemplo 3:
Finalmente, volvemos a agregar movimientos en la raíz a la mezcla, de modo que ahora existe
la posibilidad de crear melodías en cualquiera de las tres voces independientes.
Ejemplo 3t:
Depende de ti qué tan musical hagas este proceso. Te he dado algo de material y formas de
experimentar, ¡pero puedes ser tan creativo como quieras! Intenta romper con los patrones
establecidos y crear movimientos y melodías diferentes en cada nota.
Los ejercicios de este capítulo se basan en pasos de escala, pero ¿por qué no probarlos con
algunas secuencias de acordes familiares o alrededor del círculo de quintas?
Aprenda a tocar todas las ideas de este libro en cada tono. Cuando se sienta cómodo
trabajando en la tonalidad de Sol mayor, pruebe con Do mayor y luego con Mi mayor. Encuentre
tantos puntos de transición diferentes como pueda y luego vea si puede encontrar voces con
la raíz en la cuarta cuerda (D).
Incluso si solo trabajas con unos pocos centros de teclas nuevos, el mástil de la guitarra se
abre rápidamente de maneras que nunca creíste posibles. ¡Todo está para tocar, así que
reserva algo de tiempo cada día y conoce realmente tu guitarra!
Capítulo cuatro: Agregar melodías a las séptimas y

décimas
¡Ahora vamos a ser creativos y divertirnos con la melodía!
En el capítulo anterior aprendimos a decorar décimas, séptimas y notas fundamentales con

patrones mientras nos movíamos en pasos de escala. Ahora es el momento de alejarse de los
pasos de escala y pensar en agregar melodía a los movimientos de acordes.
Para empezar, trabajemos con una secuencia de acordes de jazz
común. iii vi ii VI (diatónico) en sol
El primer paso es agregar una melodía encima de la raíz, la décima y la séptima voz de los
acordes anteriores.
Es importante que sepas que las siguientes melodías fueron improvisadas antes de ser
transcritas. Como ocurre con todos los ejemplos de este libro, pretenden ser un punto de partida
para su propia exploración con la guitarra. Crear melodías improvisadas puede ser un desafío
para empezar, por eso te doy aquí algunas ideas iniciales. Sin embargo, después de un corto
tiempo, comenzarás a encontrar tus propias melodías simplemente explorando las notas
disponibles alrededor de cada acorde y probando diferentes ideas.
Enseño a todos mis alumnos a trabajar en la internalización de la música. En otras palabras,

escuchar una idea en tu cabeza y luego transferirla a la guitarra. A menudo ayuda cantar las
ideas en voz alta. Esto casi siempre resulta en ayudarle a expresar ideas más “musicales” y es
otra forma en la que puede ayudarse a salir de esas cajas familiares.
También es importante enfatizar que no existe una digitación "correcta" para tocar los ejemplos de este ni
de ningún otro capítulo. A menudo, la elección de la digitación se rige por la nota objetivo de la melodía.
Todas las melodías tienen algunas notas fuertes (normalmente un tono de acorde) y algunas notas de
apoyo que decoran estos objetivos. ¡Las notas de destino son como una cadena de islas en mi mar de
melodía! Si sé que necesito usar un dedo en particular para llegar a una isla en unas pocas notas, entonces
inconscientemente organizaré la digitación de otras notas de la melodía en torno a esto.
Cuando comencé a tocar con este estilo, aprender qué dedos usar fue un caso de práctica muy lenta.
Descubrí cómo tocar lo que escuché en mi oído, lo traduje a la guitarra y luego organicé mis dedos en
consecuencia.
La mayoría de las veces, mi elección de digitación viene dictada por la siguiente voz de acorde que tocaré.
Si sé que se utiliza un dedo específico en un tono de acorde específico, puedo trabajar rápidamente mi
melodía improvisada en torno a él. La práctica hace la perfección y descubrirás que eres mucho más
rápido en este proceso hasta el punto en que se vuelve inconsciente. En el centro de todo, simplemente
necesitas mirar hacia adelante a lo que tocarás dentro de unos pocos tiempos.
A medida que desarrolles tus habilidades, naturalmente comenzarás a sentir dónde están las notas objetivo
y a saber qué dedo debes usar. Las notas que respaldan esta nota objetivo se pueden tocar de cualquier
forma que le permita acceder a ellas sin problemas.
El primer ejemplo muestra cómo puedo agregar una melodía improvisada a la secuencia de acordes
anterior. Observe que estoy tocando solo la raíz y la melodía, y la melodía se toca solo en la primera y
segunda cuerda.
Ejemplo 4a:
Agreguemos la tercera nuevamente mientras tocamos la misma melodía.
Ejemplo 4b:
Ahora, conserva la melodía superior y añade algo de decoración a la tercera. Observe que la parte
basada en la tercera encaja con la melodía que se reproduce en las cuerdas superiores. Lo más
importante es que la melodía principal todavía se escucha como la parte más importante. También he
bajado la nota del bajo para darle algo de “aire” a la melodía.
Ejemplo 4c:
Ahora reintroduce el bajo y agrega algo de decoración.
Ejemplo 4d:
Ahora combinemos algunos otros movimientos con los movimientos del bajo.
Ejemplo 4e:
Podemos reintroducir el 7 y agregar algo de movimiento allí.
Ejemplo 4f:
Finalmente combinemos aspectos de las tres partes.
Ejemplo 4g:
Dedica todo el tiempo que puedas a encontrar nuevas formas de tocar esta secuencia de acordes usando la
misma melodía. Puedes decidir decorar el tercero en el compás uno, la raíz en el compás dos y el séptimo en
el compás tres. La próxima vez, puedes variar la raíz en el compás uno y la séptima en el compás dos. Hay
permutaciones ilimitadas, así que comienza a explorar, solo organízate en tu enfoque.
Ahora quiero que seas creativo y encuentres nuevas melodías a partir de la secuencia de acordes anterior.
Comience solo con la raíz y la melodía, luego introduzca la tercera decoración, la séptima, la séptima decoración
y finalmente combine todo en una breve pieza musical.
Recuerda, no tienes que tocar todo a la vez y está perfectamente bien dejar caer el bajo mientras te concentras
en otras partes.
Cualquiera que sea el estilo de música que toquemos, hay ciertas secuencias de acordes que surgen todo el
tiempo. Es importante tener una idea de estas secuencias y aprender a agregar melodía y movimiento para que
puedas entrenar tus oídos para escuchar las posibilidades.
Aquí hay una secuencia de acordes común para explorar.
Aquí tienes una melodía que podrías utilizar como punto de partida.
Ejemplo 4h:
Aquí tienes una forma de decorar los décimos.

Ejemplo 4i:
Ahora intenta agregar movimiento a la raíz.

Ejemplo 4j:
Repita los pasos de los ejemplos 4a4g para agregar sus propias variaciones al 10, raíz y 7
antes de combinarlos. Aquí hay dos ejemplos más con melodías improvisadas. Repita los
pasos 4a a 4g en cada uno de ellos.
Ejemplo 4k:
Ejemplo 4l:
Las ideas anteriores son un punto de partida para tu propia exploración. No están
diseñados para ser “obras maestras”, simplemente están aquí para hacerte pensar en el
diapasón de una manera diferente. Intente tocar los acordes en diferentes cuerdas y en
diferentes tonalidades.
Cuando explore estos conceptos, trate de mantener las cosas simples; no hay necesidad
de complejidad en esta etapa; estás sentando las bases para tu futuro como jugador.
Capítulo Cinco: Escalas Menores

A lo largo de este libro, hemos estado trabajando exclusivamente con la escala Mayor.
Si bien la escala mayor es una parte importante de la música, ciertamente no es toda la
historia y debemos echar un breve vistazo a las escalas menores antes de continuar.
Existen tres tipos de escala menor tradicional (si ignoramos ciertas escalas modales
menores como la dórica y la frigia). Estas tres escalas menores, junto con la escala mayor,
han formado la columna vertebral de la música occidental durante más de ochocientos años.
Escalas menores naturales

Comencemos con el Menor Natural. Es posible que hayas escuchado antes esta escala
llamada modo eólico. Tiene un ligero sabor español.
Si la escala Mayor tiene la fórmula 1 2 3 4 5 6 7

La escala Menor Natural tiene la fórmula 1 2 b3 4 5 b6 b7
Con una nota fundamental de G, esa fórmula crea las notas

GA Sib CD Mib FG
Estas notas se pueden tocar así en la sexta cuerda.

Ejemplo 5a:
Escalas menores armónicas

La siguiente escala a considerar es la escala menor armónica . La fórmula para una escala menor
armónica es
1 2 b3 4 5 b6 7
Con una nota fundamental de G, esa fórmula crea la siguiente escala:

GA Sib CD Mib Fa#
Estas notas se pueden tocar así en la sexta cuerda.
Ejemplo 5b:
Escalas menores melódicas/jazz

Finalmente, está la escala Menor Melódica . La escala menor melódica es un poco
incómoda porque a menudo se toca de manera diferente al ascender y descender.
Al ascender, la menor melódica es como una escala mayor con una tercera aplanada.
La fórmula es,
1 2 b3 4 5 6 7
dando las notas

Sol Sib CDEF#
Ejemplo 5d:
Al descender, la escala menor melódica se toca como la escala menor natural.

b7 b6 5 4 b3 2 1
dando las notas

GF Mib CD Sib A.
Ejemplo 5e:
La escala menor melódica ascendente y descendente completa suena así:

Ejemplo 5f:
Sin embargo, muchos músicos de jazz tienden a ignorar la forma descendente de la escala
menor melódica y simplemente ascienden y descienden la escala menor melódica en forma
ascendente (1 2 b3 4 5 6 7). A esto se le suele denominar “escala menor de jazz”.
Ejemplo 5g:
Escalas menores relativas

Cada escala mayor tiene una escala menor relativa que comparte la misma armadura.
La escala relativa menor siempre comienza seis notas de escala por encima de la raíz de la escala
mayor.
Por ejemplo, en la escala de Sol Mayor tenemos las notas,

GABCDEF#G
La escala relativa menor comienza en la sexta nota, E.
Mi menor es la relativa menor de sol mayor.
La escala de Mi Natural Menor contiene exactamente las mismas notas que Sol Mayor,
comenzando desde la nota Mi:
EF#GABCDE
Sin embargo, podemos utilizar cualquiera de las escalas de este capítulo como escala relativa menor, por
lo que las escalas de:
Y menor natural
Mi menor melódica
Y,
Mi armónica menor
Todas se tratan como escalas relativas menores de sol mayor.
Las tonalidades mayores y menores relativas comparten la misma armadura, aunque las
escalas menores melódicas y armónicas introducen notas fuera de la tonalidad de sol mayor.
Pruébate.
¿Cuál es la relativa menor de do mayor?
Escala de Do mayor: CDEFGAB C.
La sexta nota es La, por lo que La menor es la relativa menor de Do mayor.
Un menor natural contiene las mismas notas que C mayor:
ABCDEFGA (Fórmula 1 2 b3 4 5 b6 b7)
Una Menor Melódica ascendente tiene la fórmula 1 2 b3 4 5 6 7 dando las notas

ABCDEF# Sol# A
Un Armónico Menor tiene la fórmula 1 2 b3 4 5 b6 7 dando las notas

ABCDEFG#A
Todas las técnicas estudiadas en los capítulos anteriores se pueden aplicar a cada una de estas
escalas menores y recomiendo encarecidamente explorar cada ejercicio de la primera parte con
escalas menores como un proyecto paralelo productivo. Comience con la escala menor armónica
en la tonalidad de La y luego investigue las escalas menores melódicas y naturales.
Capítulo Seis: El Sistema CAGED

Ojalá el sistema CAGED se hubiera enseñado tan ampliamente como ahora, cuando aprendí a tocar
la guitarra por primera vez.
Como nunca tuve lo que podríamos llamar una lección de guitarra “formal”, me tomó mucho tiempo
aprender a manejar el diapasón. A lo largo de los años, me encontré con el sistema CAGED y me di
cuenta de que es un resumen preciso de cómo veo la guitarra. Si bien me llevó muchos años
desarrollar mis conocimientos sobre el diapasón, el sistema CAGED puede ayudarte a adquirir los
mismos conocimientos mucho más rápidamente. Es un gran sistema para ayudarte a orientarte
alrededor del mástil y proporciona una hoja de ruta precisa sobre cómo veo la guitarra, particularmente
en lo que respecta a las voces y las inversiones de los acordes que uso.
Piensa por un minuto en lo que significa tocar “melodía de acordes”: tocar acordes y melodía al mismo
tiempo. La mayoría de las veces, la nota de la melodía debe colocarse como la voz superior (nota más
aguda) del acorde, para que los oídos de los oyentes puedan distinguirla por encima del resto de las
notas que se tocan.
Por ejemplo, ¿qué sucede si sólo conoces esta sonorización de un acorde GMaj7?
Pero la nota de la melodía es un D alto en el décimo traste.
A menos que tengas manos del tamaño de una pala, es imposible tocar la melodía y expresar los
acordes al mismo tiempo. Por lo tanto, tiene sentido utilizar una voz de GMaj7 que esté geográficamente
cerca de la nota de la melodía.
Aquí hay una forma de acorde que quizás ya conozcas y que coloca el acorde GMaj7 cerca de la nota
de la melodía D. De hecho, el D es la nota más alta (la más aguda) en esta voz, por lo que esta voz es
una excelente opción para usar en esta situación.
El sistema CAGED nos permite dividir el diapasón en cinco formas de acordes diferentes que nos
ayudan a colocar cualquier nota de la melodía en la parte superior de cualquier sonorización de un acorde.
Estas cinco voces normalmente se tocan como una especie de acorde de cejilla de los acordes de
“fogata” en posición abierta de do, la, sol, mi y re mayor que aprendiste como principiante.
Así es como los acordes anteriores se convierten en acordes de barra. Presta atención a los
marcadores cuadrados, estos son las notas fundamentales de cada forma.
Como los acordes de cejilla son todos formas móviles, podemos tocar cada uno de ellos como una
voz diferente de sol mayor. Nos ocuparemos de los acordes maj7, m7, 7 y m7b5 en un minuto.
Aquí hay cinco voces diferentes de un acorde de sol mayor:
Usando estos voicings es posible colocar cualquier nota del acorde de Sol Mayor (G, B o D) como la más
alta, lo que a su vez nos da gran libertad a la hora de crear una parte melódica de acordes.
Por supuesto, en el jazz utilizamos muchos tipos de acordes, siendo los principales 7ma mayor, 7ma
menor, 7ma dominante y 7b5 menor (7ma menor “bemol” 5). Es importante aprender las voces CAGED
para estos tipos de acordes porque surgen todo el tiempo en cada canción que tocamos.
Soy reacio a darte una lista de acordes que debes aprender, pero al absorber las siguientes formas e
incorporarlas a tu forma de tocar lo antes posible, desarrollarás rápidamente la capacidad de tocar
cualquier canción, en cualquier lugar de la guitarra.
Aquí están todas las voces CAGED de los acordes enumerados anteriormente. Se muestran con una raíz
de G como referencia pero, al igual que cualquier acorde de cejilla, se pueden mover hacia arriba y hacia
abajo por el mástil para alcanzar fácilmente otros acordes. Por ejemplo, una voz Gm7 se puede desplazar
dos trastes hacia arriba en el mástil para crear un acorde Am7. En este punto, muchos de mis alumnos se
dan cuenta de que necesitan revisar los nombres de las notas en la cuarta cuerda (D).
En los siguientes diagramas, reproduzca únicamente los puntos negros. Los puntos huecos muestran
dónde se encuentran el resto de las notas CAGED en el mástil en la forma 5, pero no se tocan debido a
una manipulación incómoda con los dedos en la guitarra.
Para aprender estos acordes, intente tocar cualquier estándar de jazz que conozca y comience
con una voz de acorde diferente cada vez que comience un nuevo coro.
Intente moverse a la voz más cercana posible del acorde siguiente y mantenga su interpretación
en un área pequeña de la guitarra. Por ejemplo, podría tocar la siguiente secuencia de acordes
con las voces que se muestran a continuación.
No se preocupe por si un acorde tiene “forma de C” o “forma de D”, simplemente aprenda las voces y las
raíces, y luego junte la información para crear una secuencia de acordes suave y fluida. Llevará tiempo,
pero es una de las habilidades más valiosas que puedes aprender como guitarrista.
Algunas buenas melodías para practicar son,
Todo lo que eres

Hojas de otoño
Algún día mi príncipe vendrá

Todo de mí
Stella por la luz de las estrellas
Bossa Azul
Estas formas ENJAULADAS se volverán esenciales en la segunda parte cuando analicemos la creación
de música polifónica real.
La primera parte de este libro ha sido una introducción que le ayudará a comprender y superar los
mayores obstáculos conceptuales de la interpretación polifónica. Estas ideas realmente cobran fuerza en
la segunda parte, cuando analizamos cómo encuentran su camino en mi música.
La segunda parte toma una pieza musical real y te muestra el proceso exacto que utilizo para crear mis
propios arreglos.
Antes de pasar a la segunda parte, debemos abordar rápidamente las escalas menores y el sistema
CAGED. Las ideas de los siguientes capítulos te resultarán útiles en todo lo que juegues.
Segunda parte: Siete pasos para organizar el cielo

La primera parte de este libro sentó las bases para toda una vida de estudio explorando
cómo acceder a las partes de una guitarra de jazz utilizando los componentes básicos de la
guitarra solista polifónica. Cubrimos el proceso técnico de dividir una escala en notas de
bajo, décimas, séptimas y cómo combinarlas todas. Luego vimos cómo combinar estos
intervalos para crear partes móviles dentro de escalas y secuencias de acordes.
En la segunda parte descubriremos cómo poner en práctica estas importantes habilidades
en el contexto de la música real. He compuesto una melodía original, sólo para este libro,
basada en los cambios de acordes del importante estándar de jazz, Autumn Leaves. Autumn
Leaves es un gran ejemplo a utilizar porque reúne muchos elementos comunes a todos los
estándares del jazz, especialmente la combinación de secuencias VI mayores y menores.
Sin embargo, a diferencia de algunos estándares, no hay cambios de tono inesperados en la
música, por lo que puedes concentrarte en desarrollar tus habilidades melódicas de acordes
polifónicos sin distracciones.
En la grabación de esta composición la estoy tocando deliberadamente “directa” con muy

pocos adornos. Esto es para que le resulte más fácil aprender la melodía y memorizarla. Si
eres un buen lector, es posible que, en ocasiones, la notación no coincida perfectamente con
el audio. La guitarra es capaz de tener tantos matices sutiles que puede resultar difícil
transmitir toda esa expresión artística en la página.
El trabajo que ya has realizado en la Primera Parte debería haber preparado tus oídos para
esto, y comenzarás a reconocer sonidos y patrones que has descubierto por ti mismo, en tus
propios estudios y exploración. Pero incluso si no lo hace, ¡no entre en pánico! No es
necesario que trates las partes anotadas de este libro como si fueran evangelios. Son una
guía y un ejemplo. Si tus oídos sugieren ir a otro lugar musicalmente y quieres agregar tus
propios adornos no escritos, ¡genial! Este es realmente el objetivo de este libro. No se limite
a aprender los ejercicios palabra por palabra. En su lugar, utilícelos como trampolín para su
propia creatividad. Lo que realmente me haría feliz es que desarrollaras tu propia y única voz.
Sin embargo, aprenda la melodía de esta pieza precisamente porque es el caballo de batalla
de la segunda parte del libro. Juega con claridad y memorízalo. De hecho, este consejo se
aplica a cualquier estándar de jazz que elija abordar. La melodía es tu salvavidas (¡y la de tu
audiencia también!). Mantenlo sonando en tu cabeza en todo momento y nunca te perderás.
A medida que avance por las siete etapas de la segunda parte, aprenderá gradualmente a
tomarse más libertades con la melodía, pero al principio, tómese el tiempo para memorizarla
(en algunas posiciones en el mástil si puede) con la mayor precisión posible. La estructura
es lo primero, la musicalidad viene después.
Todas las habilidades de este libro son transferibles, como aprender un nuevo idioma. Un gran
narrador utiliza las mismas palabras para contar muchas historias diferentes. Cada enfoque
que sigue es transferible a cualquier pieza musical futura que aprenda. Si bien algunos de los
pasos aquí son desafiantes y tomará tiempo explorarlos, tenga en cuenta que está aprendiendo
un idioma que se transferirá a cada canción que toque. Sea paciente y no avance demasiado
rápido; ¡no hay prisa!
Este lenguaje transferible se puede “categorizar” para su uso en diversas situaciones diferentes.
El trabajo que ha puesto en secuencias de acordes como el ii VI, por ejemplo, dará sus frutos
cuando se acerque a otras melodías que contengan ese patrón tan familiar. Para aprovechar
al máximo todo lo que has aprendido hasta ahora y dominar este nuevo idioma, no olvides
aplicar los conocimientos a otras claves.
Tu vocabulario crecerá rápidamente y encontrarás múltiples formas de abordar muchas
secuencias de acordes.
Cuando aprendas la armonía de cualquier melodía, recuerda que el intervalo más fuerte
siempre se crea entre la raíz y la décima. Al aprender la secuencia de acordes como raíces y
décimas, desarrollará una serie de "puntos de referencia" distintos que le brindarán un mapa
simple de toda la pieza. Este es el esquema básico de la canción sobre el cual puedes construir
muchos acordes, adornos, variaciones y melodías diferentes. Las décimas son tus mejores
amigas a la hora de dominar la armonía de cualquier melodía, así que tómate el tiempo para
construir al menos una ruta inquebrantable alrededor de la secuencia de acordes.
Puede escuchar la siguiente pieza de ejemplo reproducida en la descarga de audio.

Brisa otoñal
Capítulo Siete: Paso Uno Armonía

Ahora llegamos a la práctica, creativa y apasionante tarea de crear un nuevo arreglo desde cero.
El primer paso para aprender un enfoque de estilo de dedos para una nueva melodía es dividirla solo en
acordes. Para ello utilizaremos voces que contengan la fundamental, la 3ª y la 7ª. A continuación se
muestra un esquema de tabla de acordes para nuestra melodía de ejemplo.
Utilice cualquier voz de acordes que conozca en esta etapa. Todo lo que queremos hacer es desarrollar
un fuerte sentimiento por la armonía de la música: tener ese sonido en nuestra cabeza y saber hacia
dónde se dirige. La armonía es la base de la canción y conocerla de adentro hacia afuera será de gran
ayuda más adelante, cuando nuestra interpretación se vuelva más compleja.
Comience tocando los cambios de manera lenta y constante usando cuatro rasgueos por compás.
En este capítulo, nos centraremos únicamente en los primeros ocho compases que se muestran a
continuación a modo de ejemplo, pero deberías recorrer toda la secuencia tú mismo.
Ejemplo 7a:
Ahora, reproduzca la secuencia nuevamente, pero esta vez comience con una sonorización del
acorde Am7 que comienza en la quinta cuerda y encuentre su camino a través de los cambios de
una manera nueva.
Ejemplo 7b:
Muchos guitarristas evitan pasar a la siguiente etapa, pero en realidad es una de las partes más
importantes de aprender a tocar.
Cuando haya memorizado la secuencia de acordes, toque junto con la grabación de la melodía y
cante o tararee la melodía mientras toca. No te preocupes si no eres un cantante seguro, ¡nadie
tiene que escucharte! El punto es internalizar la armonía y la melodía juntas. Esto ayuda a cimentar
la base de la melodía, para que puedas escuchar la música en su conjunto. De esta manera nunca
te perderás.
Lo digo en serio, si no cantas la melodía, te costará mucho aprender la canción. Si lo cantas, todo
lo que sigue es mucho, mucho más fácil. También te ayudará más adelante cuando quieras crear
improvisaciones melódicas. Las ideas que se cantan al principio son siempre más musicales. De lo
contrario, nosotros, los guitarristas, volvemos fácilmente a las escalas no muy musicales que suben
y bajan.
Una vez que haya aprendido los acordes del bloque completo, comience a simplificar las voces
y reduzca cada acorde a su forma más simple de raíz y décima. Si lo desea, aún puede tocar
las voces en bloque que se muestran arriba, pero tenga cuidado de tocar solo la fundamental y
la décima. El escenario ideal es que tus dedos “floten” formando un acorde justo encima de la
cuerda, pero solo hagas contacto con las notas seleccionadas.
Toque la secuencia solo con raíces y décimas, comenzando con la voz Am en la sexta cuerda.
Aquí están los primeros ocho compases:
Ejemplo 7c:
Ahora repita este proceso comenzando en la quinta cuerda, como en el ejemplo 7b.
Nuevamente, cante o tararee la melodía sobre estos acordes tan pronto como se sienta cómodo
tocando los cambios. No puedo enfatizar lo suficiente lo que esto te ayudará.
También hemos incluido una grabación sin acompañamiento de la melodía del ejemplo 7a, para que
puedas tocar la raíz y el acompañamiento décimo.
El primer paso puede parecer engañosamente simple, pero no se apresure en esta etapa. Necesitas
cimientos sólidos para construir una fortaleza.
Si desea profundizar en los cambios y aprender el diapasón, intente permanecer en un área pequeña
del mástil de cuatro a cinco trastes y use las formas ENJAULADAS del capítulo 6. Repita este
proceso en todo el mástil. Sin embargo, si bien trabajar con los acordes CAGED es una habilidad útil,
le recomiendo guardar esto para más adelante y pasar al Paso 2 tan pronto como se sienta cómodo
tocando los cambios de las dos formas diferentes descritas anteriormente.
Capítulo Ocho: Paso Dos Melodía

Una vez que tengas una base sólida de acordes en bloque, raíces y décimas, y estés
cantando alegremente la melodía mientras tocas los acordes, es hora de aprender
la melodía. La melodía es la parte más importante de cualquier canción y debes
dedicar un gran porcentaje de tu tiempo de práctica inicial a aprenderla, memorizarla
y cambiarle la voz de tantas formas como puedas.
El objetivo es adentrarte en la melodía y sentirla en tu cuerpo como un segundo
latido. Tiene que estar debajo de tu piel. Sin melodía no hay canción y por tanto no
hay música. La melodía es el marco de la composición y todas las ideas melódicas
que añadimos posteriormente (ya sean adornos, voces interiores, decoración, líneas
de bajo o sustituciones de acordes) encajan alrededor de la melodía. ¡La melodía es
The Boss y exige tu respeto!
La melodía de la partitura principal se reproduce sin acompañamiento en el ejemplo
de audio 8a.
Ejemplo 8a:
Comience aprendiendo la melodía como está escrita arriba. Usa la tablatura para copiar la
ubicación donde la toco en el diapasón.
Ahora canta la melodía mientras tocas y “escuchas” los cambios de acordes en tu cabeza.
Toque junto con mi grabación de la melodía del ejemplo 8a para imitar mi fraseo.
Ahora quiero que encuentres otras tres formas de tocar la melodía en la guitarra. Podrías
comenzar tocando todas las notas solo en la cuerda Mi superior, así:
Ejemplo 8b:
Ahora toca la mayor parte de la melodía que puedas en la segunda cuerda (B).
Podrías mover todo a una posición diferente en el diapasón de esta manera:

Ejemplo 8c:
Normalmente hay muchas posiciones y digitaciones posibles para expresar una melodía, por lo que cuanto más
explores la guitarra, más fluidez adquirirás.
También es útil aprender la melodía una octava más baja que la escrita, aunque esto hace que sea casi imposible
colocar acordes debajo. De hecho, a menudo encontrarás que necesitas cambiar una melodía escrita una octava
más arriba cuando la arreglas para guitarra solista.
Al aprender la melodía en diferentes cuerdas y en diferentes posiciones, descubrirá que el tono de la melodía
varía dramáticamente. Algunas posiciones sonarán más brillantes/más ricas que otras y esto afectará su
interpretación de la pieza.
También vale la pena mencionar que puedes afectar enormemente el sentimiento de la música cambiando el
tono de la canción.
Las teclas tradicionales de “guitarra” como G, C, E y A sonarán más brillantes y resonantes, mientras que las
teclas de saxofón/trompeta como Bb, Eb y Ab a menudo sonarán más oscuras y melancólicas. Ninguno de los
efectos es mejor, pero es posible que desees crear un ambiente particular en tu interpretación. Estos efectos son
más pronunciados en una guitarra acústica o semiacústica de buena calidad.
¡Lo importante al aprender cualquier melodía es que sea simple! Ahora no es el momento de agregar adornos y
variaciones. Practica la melodía solo con un metrónomo y, si puedes, configura el metrónomo para que suene
solo en los tiempos dos y cuatro.
No confíes en una pista de acompañamiento para ayudarte a encontrar el camino a través de la melodía; debe
ser sólida en tu propia mente. ¡No olvides cantar!
Una nota sobre el aprendizaje de otras melodías.
Es raro escuchar a un músico de jazz tocar una melodía sin añadir sus propios adornos, fraseo y personalidad.
Cuando otros músicos de jazz escuchan estos adornos, los copian y añaden sus propias ideas. Algunas de estas
decoraciones y frases se han transmitido de generación en generación y han reemplazado las melodías escritas
originales en la conciencia de los estudiantes contemporáneos.
Por ejemplo, la versión de John Coltrane de My Favourite Things es muy diferente de la versión original escrita
por Rodgers y Hammerstein. La improvisación extendida de 14 minutos de Coltrane reescribió las reglas sobre
cómo se podía tocar esta melodía y se convirtió en una de sus melodías características en presentaciones en
vivo. Sin embargo, si nunca hubieras escuchado la canción original, es posible que no te hayas dado cuenta de
que Coltrane se estaba tomando grandes libertades con el fraseo y la articulación de la melodía y basaste tu
versión en la suya, no en la melodía original.
Por esta razón, recomiendo que cuando aprendas nuevas canciones vuelvas a la
fuente y aprendas la música de The Great American Song Book o The Real Book. Si
bien se sabe que se ha producido algún error en ambas publicaciones, dan una
buena idea de lo que el compositor pretendía originalmente.
Cuando estudies grabaciones de jazz de las canciones que hayas elegido, intenta
escuchar a cantantes y músicos “directos” como Tony Bennett, Frank Sinatra o Peggy
Lee, que se mantuvieron fieles a la música original y tenían un fraseo muy musical.
Asegúrate de aprender la melodía de la forma más original posible y luego desarrolla
tu propia interpretación personal.
Capítulo Nueve: Paso Tres Melodía del Acorde

El tercer paso es donde entra en juego todo el trabajo que realizó en el sistema CAGED.
El objetivo de este capítulo es agregar voces de acordes simples a la melodía mientras se mantiene fluida en la
voz superior.
Esta etapa es donde se detienen la mayoría de los guitarristas de melodías de acordes, y si no hubiera sido por
el guitarrista Ike Issacs, ¡yo también podría haberme detenido!
Recuerdo que cuando tenía 19 años, me senté y toqué el arreglo de una melodía de acordes para Ike. Escuchó
atentamente y dijo: "Bueno, está bien, ¡pero no es muy interesante!".
Le pregunté a Ike cómo la tocaría y comenzó a tocar la canción con muchas líneas melódicas diferentes
entrelazándose a través de la música. Tenía dirección e impulso, pero también interés armónico. Esta fue mi
introducción a la interpretación polifónica y veremos cómo agregar todas estas líneas en los capítulos posteriores.
Por ahora, el Paso Tres es donde combinamos las partes de acordes y melodías de los dos capítulos anteriores.
¡Lo más importante que debes recordar es que la melodía sigue siendo The Boss! Cualquier acorde que
agreguemos debajo de la melodía debe adaptarse a la melodía. Nunca debes alterar la melodía por un acorde.
La melodía siempre tiene prioridad.
Analizamos en detalle el sistema CAGED para que siempre podamos encontrar una voz de acorde cercana a
una nota de melodía. Si la nota de la melodía no está en un acorde, siempre podemos encontrar una sonorización
de acorde donde la nota superior se pueda modificar para que encaje.
Antes de comenzar, una comprensión clave es que no es necesario armonizar todas las notas de la melodía.
Escuche a algunos de los grandes guitarristas de melodías de acordes del jazz, como Joe Pass. En la
interpretación de Joe hay muchas ocasiones en las que la melodía se toca sin acorde o solo se armoniza una
nota. Muy a menudo esa escasa armonía es sólo una nota de bajo o la décima.
Desafortunadamente, es imposible para mí sentarme aquí y decirles exactamente qué notas armonizar con un
acorde completo, cuáles armonizar con una nota de bajo, cuáles armonizar con un intervalo o qué notas no
armonizar en absoluto porque siempre ser una elección personal. Sin embargo, puedo decirles que la forma en
que aprendí a tomar estas decisiones fue escuchando a pianistas como Bill Evans.
Los pianistas abordan su instrumento de forma diferente a los guitarristas. Están acostumbrados a tener muchas
notas disponibles constantemente. Como el piano es un instrumento rico y potente, un pianista no podría
armonizar continuamente cada nota de una melodía con acordes de seis partes, porque sería muy ruidoso y
fatigante para el público.
Los pianistas aprenden rápidamente cuándo apoyar una melodía con la menor cantidad de notas posible y
cuándo dejar que la melodía se desarrolle de forma aislada.
Escuche a los pianistas tocar estándares de jazz sin acompañamiento y rápidamente desarrollará
una idea de qué incluir y, lo que es más importante, qué omitir.
Si bien no existen reglas estrictas, un buen consejo para empezar es armonizar las notas que caen
en el tiempo de un compás. Sí, esto será un pequeño “cuadrado”, pero proporciona un punto de
partida para su viaje.
Veamos cómo podría agregar acordes simples debajo de los primeros cuatro compases de nuestra
melodía.
Ejemplo 9a:
Observe que a menudo no toco todas las notas del acorde, aunque regularmente mantengo
presionado el acorde completo. A veces mi mano se cierne sobre la forma del acorde y solo conecto
con un par de notas.
Ahora mira cómo me acerco a los segundos cuatro compases. Nuevamente, todo es muy simple y
puedes ver que estoy usando formas CAGED básicas para encontrar voces que encajen bien con
la melodía.
Ejemplo 9b:
Observe cómo uso cuerdas al aire, fragmentos de acordes y melodías aisladas para facilitar la
armonización.
Para darte un punto de partida, ahora tocaré toda la melodía usando este enfoque,
dividida y luego dividida en secciones de cuatro compases, para que puedas
entender lo que estoy pensando.
Ejemplo 9c:
Ahora analicemos cada sección por turno.
Ejemplo 9d:
Compás 1: el compás se abre con la melodía sin acompañamiento, para crear un fuerte inicio en la melodía
antes de resolverse en un acorde Am7 (forma de acorde ENJAULADO del quinto traste) en el segundo
compás.
Compás 3: utilizo otra forma CAGED para el acorde D7 en el quinto traste, todavía bajo la punta de los
dedos, pero rompo el acorde para mantener la melodía como parte del acompañamiento, lo que lleva a la
resolución en el compás 4.
Compás 5: Aquí tenemos una mezcla de la forma CAGED para el acorde de Do mayor 7 y una idea
fragmentada similar en el compás 3 para mantener la melodía en línea con el acompañamiento.
Ejemplo 9e:
Compás 6: Aquí, la nota de la melodía se encuentra en la parte superior de este acorde y tiene un estilo de melodía
de acorde simple y estricto.
Compás 7: es una mezcla del uso del marco básico 10.º + 7.º, pero permitiendo que la melodía
respire y se abra camino para resolverse a través de la tensión en el acorde menor del compás
8.
Compás 9: este es un ejemplo de un cambio basado en la frase melódica inicial del ejemplo 9d,
pero incorporando también algo de acompañamiento de acordes a la melodía. Todas las formas
CAGED se pueden usar con moderación y con el acorde suficiente para implicar la armonía, y
aún puedes mantener tu melodía en la parte superior del acorde. ¡Pruebe y ajuste la forma de
acorde que mejor se adapte a sus necesidades!
Ejemplo 9f:
Compás 10: Te muestra que estableces la armonía para el oyente con el acorde, y luego
continúas con tu melodía, conduciendo hacia la tensión armónica del compás 11.
Compás 11: Aquí está el siguiente acorde del patrón, y se usa de manera simple pero muy
efectiva para mantener la melodía y la armonía perfectamente equilibradas, sin tener demasiada
melodía o acorde.
Compás 12: Aquí está la forma básica del acorde 10.ª + 7.ª utilizada como acorde de 7.ª
dominante, estableciendo el contenido armónico para que la melodía luego tome el control y
nos lleve nuevamente a la resolución del acorde menor.
Ejemplo 9g:
Compás 14: No es necesario armonizar cada nota al tocar una guitarra polifónica. ¡El espacio
es bueno!
Compás 15: Observe que aunque esta forma de acorde es una barra, solo estamos tocando
cuatro notas. Nuevamente, no es necesario que toque todas las notas, solo las suficientes para
transmitir claridad armónica y también para incorporar la nota melódica. Ayuda a que su arreglo
suene más sofisticado.
Compás 16: Comenzamos con un esquema del D7 tocando la forma del acorde en sí, pero
luego tenemos un ejemplo perfecto de cómo elegir qué notas del acorde usar para armonizar la
melodía. Toma pequeños trozos del acorde y úsalos para tu melodía. No te estanques intentando
jugar todo todo el tiempo.
Ejemplo 9h:
Compás 1821. El acorde de Do mayor 7 establece la armonía con la fuerza suficiente para que
la melodía se haga cargo y nos lleve al siguiente acorde y cambie la armonía.
Todavía estamos tejiendo la melodía alrededor de los acordes (¡tenga en cuenta que no estamos
tocando el acorde completo!). Menos es más cuando tocamos una melodía de acordes. Es un
acto de equilibrio constante y es el camino hacia una verdadera guitarra polifónica. El último
compás conduce a un ciclo de cuartas, que eventualmente nos lleva al giro final de la melodía,
llevándonos de regreso a la cima.
Ejemplo 9i:
Compás 22: Aquí tenemos acordes simples del sistema CAGED que delinean la armonía, pero
también se combinan con la melodía. Observe cómo bloquearía todo el acorde para el G7, pero no
tocaría el acorde completo. Reproduces sólo la información que quieres transmitir. Esta es una
forma muy inteligente y económica de arreglar un solo de guitarra.
Compás 23: es el ejemplo perfecto del uso de un acorde parcial para impulsarnos a una melodía
de una sola nota. Observe lo simple que es esto y no es necesario que tenga los acordes y
movimientos de los dedos más complicados. La sencillez ayuda mucho a la hora de tocar Jazz.
Compás 24: ¡Esta sección parece más complicada de lo que es! Observe el uso de la cuerda grave
y aguda juntas. Habiendo hecho esta barra con la mano, podemos liberarnos para introducir las
otras notas del acorde y la melodía. Hacer esto mantiene cualquier arreglo de guitarra liviano y
manejable, pero aún fuerte en armonía y melodía.
Los ejemplos anteriores le muestran una ruta a través de los cambios. Una vez que te sientas
cómodo tocando mis ideas, comienza a experimentar con las opciones de notas dentro de cada
acorde.
Reproduzca la canción nuevamente, pero esta vez solo use la voz raíz y la tercera voz debajo de
la melodía.
Toque nuevamente y use solo notas de bajo y melodía.
A continuación, intente seleccionar diferentes combinaciones de intervalos de las voces de acordes

completas que utilicé. Por ejemplo, cuando toqué un acorde completo, intente tocar solo la raíz o la
raíz y la décima. Incluso podrías jugar solo el 10 y el 7. Aprender a escuchar estas diferentes
posibilidades te ayudará a desarrollar una paleta de diferentes colores que puedes usar para darle
inflexiones sutilmente diferentes a tu música.
Considere cuántas notas tocará de cada acorde, pero también considere si desea rasguear, elegir o
arpegiar una voz si se ajusta a la melodía. Hay tantas opciones creativas disponibles que pueden
resultar un poco desconcertantes para un estudiante, por lo que te sugiero que tomes solo una idea a
la vez y dediques una sesión de práctica completa a explorar las posibilidades. Diferentes opciones
te llevarán por nuevos caminos y crearán sensaciones muy variadas en tu forma de tocar.
Si los ejemplos anteriores son sólo una posible ruta a través de los cambios de acordes, ¿cómo
podrías cambiar la voz de los acordes y tocarlos en diferentes lugares mientras mantienes la melodía
en lo alto? Al aprender diferentes formas de tocar la parte de la melodía de acordes, accedes a
nuevos colores e inflexiones en tu música.
Todo este proceso puede resultar desalentador para los jugadores indecisos. A menudo puede surgir
una duda persistente al preguntarle: “¿Pero qué pasa si esta no es la mejor voz? ¡ ¿Y si ese es
mejor?!”
No te preocupes, no existe la “mejor voz”, sólo diferentes opciones. La clave es escuchar a los
pianistas y guitarristas de melodías de acordes y explorar tanto como sea posible por tu cuenta.
Rápidamente comenzará a tomar decisiones informadas y creativas. En todo momento, la única
pregunta importante es: ¿ cómo te hacen sentir tus elecciones? Si te gustan, guárdalos, si no,
cámbialos. A veces la única respuesta puede ser tirar mi método por la ventana y tomar tus propias
decisiones. ¡Apoyo de todo corazón este enfoque!
A medida que progreses y mejores como músico, descubrirás que el Paso Tres se convierte
rápidamente en el Paso Uno en tu proceso de arreglos. Habrá descubierto suficientes voces de
acordes para pasar directamente a este paso e inmediatamente podrá crear un arreglo de melodía de
acordes aceptable para cualquier melodía.
Consejos para crear un arreglo de melodía de acordes sencillo.
KISS ¡Mantenlo simple, estúpido! Incluso las opciones más simples suenan muy bien en este
estilo. No es necesario agregar complejidad.
No embellezcas la melodía. Comience tocando la melodía tal como está escrita.

Agregar acordes debajo es bastante desafiante, así que concéntrate en construir una estructura
melódica de acordes sólida que funcione.
Utilice CAGED: estas formas de acordes le permiten colocar cualquier nota de la melodía como
voz superior en al menos un acorde.
¡No es necesario armonizar siempre la melodía! Los estudiantes suelen ignorar este punto, pero
cuando escuchas a grandes pianistas y guitarristas te sorprenderá lo que no armonizan. Si no
encuentras un acorde, simplemente toca la melodía.
Elige tus notas. Incluso si mantienes presionado un acorde completo, no es necesario que
toques todas las notas. Experimente omitiendo notas.
Encuentra una ruta. Tu primer objetivo siempre debe ser encontrar un camino sólido a través
de la canción usando una melodía de acordes. Esta es su base y significa que siempre podrá
explorar nuevas ideas con una red de seguridad a la que recurrir.
Tomar decisiones. No hay malas elecciones de acordes. Siempre puedes cambiar de opinión
más tarde. Si no estás tomando decisiones, no estás avanzando.
Ocuparse de los tonos que no son acordes. La nota de la melodía en el primer tiempo no
siempre está en el acorde. Aíslelo o ajuste una forma ENJAULADA.
Recuerda: la melodía es The Boss. Los acordes funcionan con la melodía o alrededor de ella,
y la melodía nunca debe sacrificarse en aras de la armonía.
A veces simplemente debes dejar el método a un lado y seguir tu instinto.

Esa es la forma más musical. El placer de la música está en la experimentación y la investigación de
posibilidades.
Capítulo Diez: Paso Cuatro Melodía y Bajo

Ahora que hemos desarrollado un marco para los acordes y la melodía, es hora de simplificar nuestra
interpretación. Después de todo el trabajo del Paso Tres, puede parecer contradictorio eliminar la
mayor parte de lo que hemos hecho, pero como verá rápidamente, este es el secreto para ir más allá
de la melodía de acordes y construir una interpretación verdaderamente polifónica.
De vez en cuando, por supuesto, me escucharás tocar melodías de acordes directos, pero mi forma
de tocar realmente va más allá de eso. De hecho, normalmente compongo con tres o más voces
separadas al mismo tiempo. Para lograr esto, debo comenzar recortando todo a solo melodía y bajo.
Es irónico que este aparente retroceso sea lo que me permite tocar música muy compleja fácilmente.
Cuando quito la música solo al bajo y la melodía, todavía estoy pensando en las formas de los
acordes, en el sentido de que mi mano todavía se cierne sobre el diapasón en las voces CAGED que
les mostré anteriormente. De vez en cuando, incluso toco el acorde sin tocar las notas internas. Por
eso fue tan importante construir una base sólida en el Paso Tres. Crear una ruta sólida alrededor de
los cambios me permite encontrar rápidamente la nota de bajo del acorde.
Así es como toco los primeros ocho compases de nuestra pieza de ejemplo con solo bajo y
melodía. Recuerde, mi mano está suspendida sobre la posición del acorde.
Ejemplo 10a:
No debería llevarte mucho tiempo aplicar este enfoque al resto de la melodía.
Cuando estés seguro, puedes comenzar a agregar algún movimiento cromático o melodías a la
nota de bajo. Quizás quieras hacerlo de oído, pero adoptar un enfoque organizado puede
ayudarte a encontrar nuevas opciones en las que nunca habrías pensado.
Comience agregando un semitono debajo de la nota de bajo objetivo. Tenga en cuenta que no
me obligo a tocar esto en cada cambio de acorde.
Ejemplo 10b:
Intente lo mismo pero coloque la nota de aproximación del semitono encima de la nota de destino.
Ejemplo 10c:
Otro enfoque común es bajar hasta la nota de bajo objetivo en semitonos desde un tono
superior.
Ejemplo 10d:
Nuevamente, no hay razón para colocar estos movimientos en cada nota de bajo si la
melodía no te permite hacerlo fácilmente. Más adelante, puedes experimentar agregando
movimiento de bajo mientras tocas la melodía, ¡pero esto realmente requiere algo de
digitación creativa!
La siguiente idea es tocar un semitono por debajo del objetivo y luego un tono por encima.
Ejemplo 10e:
Ocasionalmente, es posible que tus oídos te indiquen que toques un semitono por encima de la raíz en lugar
de un tono. Eso también está bien, ¡así que sigue tu instinto!
Finalmente, invierta el patrón anterior para tocar un tono arriba y luego un semitono
debajo del bajo.
Ejemplo 10f:
Finalmente, combinemos el movimiento descendente gradual del ejemplo 10d con

un semitono debajo de la raíz:
Ejemplo 10g:
Los pasos anteriores desarrollaron un enfoque bastante formal y estructurado para aprender los
movimientos del bajo, pero, por supuesto, cuando toco uso muchas combinaciones de estas
ideas. Están tan interiorizados que puedo crear fácilmente melodías en las partes del bajo, tal
como te mostré en el capítulo 3.
Aquí están los primeros ocho compases de nuestra melodía donde toco varias ideas en el bajo.
Ejemplo 10h:
Como puedes oír, incluso las ideas simples se combinan fácilmente para crear algo que suena
muy complejo. Diviértete y sé creativo. Comenzaremos a desarrollar líneas internas en el
siguiente paso.
Capítulo Once: Paso Cinco Líneas Internas

Ahora que sabemos cómo hacer que las notas bajas se muevan, agreguemos una voz interior .
Para empezar, mantendré esto simple y avanzaré más en el Paso Seis. Todo lo que haremos por ahora
es agregar una melodía corta que avance paso a paso hasta la décima del siguiente acorde. Todo esto
sucede mientras se toca la melodía y la nota de bajo.
El truco consiste en visualizar y apuntar a un tono del siguiente acorde. Por ejemplo, el primer cambio de
acorde es entre Am7 y D7, por lo que la melodía interna comienza en el acorde Am7 y se resuelve (por el
momento) en la décima del acorde D7 en el primer tiempo.
Te mostraré lo que quiero decir con tocar solo una nota que se mueve a la décima del siguiente acorde
en los primeros ocho compases.
Ejemplo 11a:
Ahora intenta lo mismo acercándote al día 7.

Ejemplo 11b:
Esta vez cambiaré entre la décima y la séptima del siguiente acorde según me
apetezca.
Ejemplo 11c:
El siguiente paso es alargar un poco estas líneas. Mantenga constantes la melodía y

la línea de bajo. No es necesario variarlos todavía. Tampoco te preocupes por jugar
a tiempo: un ritmo constante llegará más tarde. Por ahora, concéntrate en crear
melodías dirigidas a las décimas y séptimas del siguiente acorde.
Ejemplo 11d:
Aquí hay algunas otras formas en que puedes decorar las partes interiores.
Ejemplo 11e:
Ejemplo 11f:
Piensa en qué dirección quieres que se mueva la melodía de las líneas interiores. Si la melodía
real de la música es ascendente, puede funcionar bien para descender con las partes internas y
viceversa.
Como siempre, ¡respetar la melodía escrita es primordial! Todas las líneas melódicas que agregues,
ya sea en las partes internas o en el bajo, deben funcionar en torno a la melodía de la canción.
Capítulo Doce Paso Seis Melodía, Bajo y

Líneas interiores
En el Paso Seis, nos basamos en las ideas del Paso Cinco para utilizar líneas internas más largas y crear
más interés en las muchas partes. Es aquí donde gran parte del trabajo que realizó en los capítulos 2 y 3
cobrará relevancia.
Por el momento, olvídate de tocar la nota de bajo; Lo volveremos a agregar más tarde.
El primer paso para construir líneas más largas es pensar en usar escalas para ayudar a encontrar las
notas que funcionen. Nuestra melodía de ejemplo está en la tonalidad de Sol mayor, por lo que tiene
sentido utilizar la escala de Sol mayor para construir las líneas melódicas internas.
El objetivo es tocar la melodía, agregar una línea melódica interna para apuntar a un tono de acorde del
siguiente acorde y luego continuar la melodía. ¡Es muy importante cuando estás aprendiendo a tocar líneas
internas más largas que inicialmente no toques a tiempo! No es frecuente que escuches a un músico decir
eso, pero no te preocupes demasiado si accidentalmente tocas demasiado en el espacio disponible para
tu “relleno” melódico.
Primero, exploremos una línea melódica de sol mayor que apunta a la décima del acorde D7.
Ejemplo 12a:
Ahora toquemos la primera parte de la melodía que llega al acorde Am7, luego agreguemos la línea
melódica anterior.
Ejemplo 12b:
No te preocupes de que esta línea interior sea una parte escrita por ahora. Pronto
empezarás a improvisar tus propias líneas. Además, recuerde visualizar el acorde de
bloque a lo largo de todos estos ejemplos. Esto te ayudará a encontrar las líneas internas
y a regresar con precisión a la melodía de la canción.
Ahora repitamos el proceso con la segunda frase de la melodía. Esta vez, sin embargo,
la línea interior del ejemplo 12a está adaptada para apuntar a la décima del acorde
CMaj7. Observe que la forma y el ritmo de la melodía son idénticos, simplemente se
desplaza o se “traduce” para comenzar un tono más bajo.
Ejemplo 12c:
Aquí tenemos la misma idea nuevamente: se toca la tercera frase melódica y la melodía de la
línea interna se desplaza hacia abajo para apuntar a la décima de B7. Termino tocando la parte
final de la melodía para terminar en el acorde Em7. Observe que necesitamos ajustar ligeramente
la escala, porque algunas de las notas de B7 no están en la escala de Sol mayor.
Ejemplo 12d:
Aquí hay una línea interior diferente que puedes tocar en los primeros ocho compases.
Ejemplo 12e:
Las líneas anteriores utilizaron pasos de escala tomados de Sol mayor y se ajustaron
cuando el acorde lo exigía. Ahora, probemos con otra línea que apunte a la tercera del
acorde, pero esta vez agregaremos un par de notas cromáticas.
Ejemplo 12f:
Intente tocar estas líneas en diferentes posiciones del diapasón.

Aquí hay otra línea cromática que apunta al décimo. Aplícalo tú mismo a toda la secuencia
de acordes.
Ejemplo 12g:
Ahora que ha adquirido algunas piezas de vocabulario, toque la melodía nuevamente y

use un relleno diferente en cada cambio de acorde. Esto te ayudará a internalizar el ritmo
y la ubicación de las líneas de voz interna y a construir tus propias ideas basadas en
estos fragmentos.
Haz lo mismo, pero ahora usa tus propios rellenos. Usa tus oídos y apunta a la décima
de cada acorde que sigue la línea melódica. Puedes pasar mucho tiempo aquí (¡años, de
hecho!) buscando líneas que funcionen. Como se mencionó en el Paso Cinco, escuche a
pianistas y guitarristas como Joe Pass y yo para acostumbrar sus oídos a las posibilidades,
tanto en términos de ritmo como de melodía.
A continuación, continúa buscando líneas más largas que apunten a la séptima de cada acorde.
Aquí hay dos para comenzar.
Ejemplo 12h:
Ejemplo 12i:
Aprenda a aplicar cada una de las líneas anteriores individualmente antes de combinarlas y
luego mezclarlas con las líneas que apuntan a la décima desde arriba.
El siguiente paso es volver a agregar la línea de bajo. Toque la melodía y la línea de bajo rectas
y sin modificaciones. Aquí hay dos formas de tocar los primeros ocho compases con líneas
internas más largas y una nota de bajo. No olvides visualizar las formas de la melodía de los
acordes que aprendiste anteriormente.
Ejemplo 12j:
Ejemplo 12k:
Ahora, agreguemos también un poco de movimiento a la parte del bajo. Note que no hago
esto en cada acorde. A veces toco una línea de bajo, a veces toco un relleno de voz interior
y, a veces, ¡hago ambas cosas!
El siguiente ejemplo es una grabación completa de nuestra melodía de referencia. Estoy

jugando más libremente aquí, pero manteniéndome dentro de los límites de los primeros
seis pasos. Combino voces interiores, notas de aproximación cromáticas y movimientos de
bajo manteniendo la melodía escrita fija y en el tiempo. Tenga en cuenta que la melodía
sigue siendo la voz más importante y si no puedo alcanzar una nota de bajo o una voz
interior, la perderé para poder tocar la melodía.
Ejemplo 12l:
La siguiente etapa es aprender a variar la melodía incorporando todo lo mostrado en

los primeros seis pasos. ¡Ya casi llegamos!
Capítulo Trece: Paso Siete Melódico

Variación
El último paso de mi método es aprender a variar la melodía principal de la canción.
Observe que la melodía es el último componente que se modifica porque la melodía es ¡The Boss!
Cuando hablo con los estudiantes sobre creatividad, a menudo veo que se sienten intimidados por la
palabra improvisación. La improvisación puede ser una perspectiva desalentadora, por eso prefiero
hablar de variación.
Al variar gradualmente una melodía, aunque solo sea unas pocas notas, rápidamente puedes encontrarte
tocando ideas musicales que son distintas, pero fuertemente relacionadas con la melodía original de la
melodía. ¿Recuerdas que mencioné aprender melodías de jazz de cantantes como Tony Bennett, en
lugar de músicos como John Coltrane? Poco a poco, con el tiempo, los adornos y variaciones que
añadieron músicos como Coltrane se han ido agravando y alejándonos de la melodía original de la
canción.
Sin embargo, cuando variamos intencionalmente una melodía, ¡tomarnos algunas libertades es
exactamente lo que queremos hacer! Habiendo variado la melodía, podrás variar la nueva melodía que
has creado; luego continúa el proceso. Lo que tendrás es una improvisación en evolución que está
fuertemente relacionada con la melodía original. Es como una bellota que se convierte en un enorme
roble. Todo se originó a partir de esa primera bellota, pero ahora todas las variaciones y posibilidades
se expanden a medida que las ramas y hojas se superponen para formar un hermoso árbol que no se
parece en nada a la semilla original.
La improvisación puede parecer desalentadora, ¡pero variar una melodía es fácil!
Veamos nuevamente la primera frase de nuestra melodía:
Ejemplo 13a:
Aquí hay sólo dos maneras en que podemos variar la melodía para formar una idea musical diferente,
pero relacionada.
Ejemplo 13b:
Ejemplo 13c:
Sólo para mostrarle cómo estas variaciones pueden agravarse rápidamente, aquí hay una
variación de la variación anterior:
Ejemplo 13d:
Observe cómo esta idea es completamente diferente de la melodía original, pero funciona bien
porque la desarrollamos en pasos musicales lógicos.
Así como nuestras respuestas verbales en una conversación están (¡con suerte!) relacionadas con las
palabras que acaba de decir otra persona, las voces internas y las líneas de bajo que creamos mientras
improvisamos se relacionarán con las variaciones en la melodía. ¡A medida que variamos la melodía,
nuestras respuestas melódicas también variarán!
Por supuesto, se necesita tiempo para desarrollar estas habilidades y he estado tocando desde los años
60, pero cuanto más escuches a grandes músicos y más trabajes en tus propias variaciones, más creativo
te volverás con tu música.
Wayne Shorter decía que cuando compone improvisa lentamente y cuando improvisa compone
rápidamente. Esta es una excelente manera de pensar en variar la melodía; sólo estás componiendo
rápidamente.
Miremos nuevamente los cuatro compases originales de nuestra pieza y luego toquemos algunas
variaciones de la melodía. Observe que a medida que varío la melodía, a menudo toco diferentes ideas
de voz interior y línea de bajo.
Ejemplo 13e:
Ejemplo 13f:
Ejemplo 13g:
A veces toco ideas diferentes simplemente porque la variación de mi melodía me llevó a una zona
diferente del diapasón.
Finalmente, aquí hay un coro completo de Autumn Breeze, donde varío la melodía completa como
quiero y uso muchos enfoques diferentes en las melodías de la voz interna y las partes del bajo.
Grabé esto en una sola toma, como si fuera mi primer solo después de tocar la melodía escrita. Fue
transcrita por Joseph y entregada aquí como una idea de mi estilo.
¡Buena suerte y diviertete!
Martín Taylor MBE

Ejemplo 13h:
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Capítulo uno: escalas e intervalos de una cuerda

Agregar tonos de guía

Capítulo dos: Movimiento con terceras y séptimas

Movimiento con séptimas

Capítulo tres: Combinación de décimas, séptimas y movimientos de bajo

Capítulo Siete: Paso Uno ­ Armonía

Sobre los autores

Dr. Martin Taylor MBE es un virtuoso guitarrista, compositor, educador e innovador

La revista Acoustic Guitar lo ha llamado “EL guitarrista acústico de su generación”.

Fundamental Changes actualmente acepta presentaciones de posibles autores y profesores de todos

La mayor parte de la enseñanza de melodías de acordes se basa en “apretones” de acordes

Cada ejemplo/ejercicio va acompañado de ejemplos de audio que debes descargar. A veces la

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¡Sobre todo, recuerda divertirte y disfrutar de la música!

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Capítulo uno: escalas e intervalos de una cuerda

Las líneas de bajo se tocan en las dos cuerdas inferiores.

En las cuerdas centrales se tocan voces de acordes y contramelodías .

Las melodías principales se tocan en las dos cuerdas superiores.

El siguiente patrón te enseña a realizar saltos melódicos en el bajo y te ayuda a memorizar la

Repita el ejemplo 1b usando las notas de Sol mayor en la quinta cuerda.

Podríamos descender la escala de Sol Mayor de las siguientes formas:

Dedica tiempo a explorar la escala GM aj y descubre tantas transiciones como puedas

Agregar tonos de guía

La tercera mayor es la nota B.

En la guitarra, una tercera mayor se ve así:

Una tercera menor se ve así en la guitarra:

Los siguientes diagramas le ayudarán a visualizar estos intervalos.

Es fundamental dejar de utilizar sólo el dedo índice en las notas bajas.

Puntos de transición con décimas

Tipo de acorde fundamental Tercero Quinto Séptimo

Los acordes de séptima mayor contienen séptimas mayores.

Los acordes de 7ª menor y 7ª dominante contienen séptimas menores

Nuevamente, no puedo enfatizar lo suficiente la importancia de practicar usando diferentes

Capítulo dos: Movimiento con terceras y séptimas

Décimas en la sexta cuerda

Profundicemos y comencemos tocando la escala de acordes de sol mayor con la fundamental en

A continuación, hagamos que esa idea sea descendente.

Ahora tócalo descendiendo por el mástil.

La siguiente idea es más compleja.

Puedes bajarlo a la cuerda D:

O puedes combinar ambas ideas en líneas más largas.

Practica estos conceptos ascendiendo y descendiendo por el mástil de la guitarra. De vez en

Aquí hay un ejemplo que se mueve en tercios:

Décimas en la quinta cuerda

Analice los ejemplos anteriores y dedique tiempo a experimentar con el ritmo y la

No hay aciertos ni errores en lo que respecta a la ubicación de la melodía; todo es cuestión de

Movimiento con séptimas

Jugarías el ejemplo 2a de la siguiente manera:

Trabaja en otras tonalidades como Bb, D y A siempre que puedas.

Capítulo Siete: Paso Uno Armonía

Obtén el audio en www.fundamentalchanges.com/downloadaudio

Capítulo Siete: Paso Uno Armonía

Capítulo Ocho: Paso Dos Melodía

Capítulo Nueve: Paso Tres Melodía del Acorde

Capítulo Diez: Paso Cuatro Melodía y Bajo